다성 형식의 특징 및 유형. 추상적인. 다 성음의 주요 유형과 어린이 음악 학교에서 작업하는 일반 원칙. (피아노 수업에서)

POLYPHONY - 둘 이상의 독립적인 멜로디 라인의 동시 조합을 기반으로 하는 폴리포니 유형입니다. "폴리포니"라는 용어는 그리스 기원(πολνς - 많음, φωνή - 소리). XX 세기에 음악 이론과 실제에 나타났습니다. 이전 용어는 1330년 이후의 논문에서 발견되는 "대위법"(라틴어 punctus contra punctum, note against note에서 유래)입니다. 그때까지 discantus라는 용어가 사용되었습니다 (주어진 음성에 첨부 된 음성-cantus). 더 일찍, 9-12세기에 다성음은 디아포니아라는 단어로 표시되었습니다.

폴리포니 유형의 분류(S. Skrebkov에 따르면).

1. 대조 또는 멀티 다크 폴리포니.멜로디와 리듬 패턴, 성악, 텍스트가 대조되는 멜로디의 동시 발음을 기반으로합니다. 성부를 메인(종종 차용) 선율과 대위법(첨부) 선율로 기능적으로 나눌 수 있습니다.

예 1. J. S. 바흐. 합창 전주곡 Es-dur "Wachet auf, ruft uns die Stimme" BWF 645.

2. 모방 폴리포니.라틴어 Imitatio에서 - 모방. 같은 선율을 다른 성부들이 차례로, 즉 시간의 변화에 ​​따라 연주하는 것을 기본으로 합니다. 성부는 기능적으로 동일하고(메인과 대위법으로 구분되지 않음) 선율적으로 동일하거나 유사하지만 소리가 나는 모든 순간에 대조됩니다. 즉, 대위법을 형성합니다.

예 2. Josquin Despres. 미사 "L home arme (sexti toni)".

3. 서브 보이스 폴리포니다양하게 헤테로포니. Heterophony (그리스어 ετερος - 또 다른 및 φωνή - 소리에서) - 고대 종구전 전통에 존재하는 다성음 민속 음악전례 노래. 서면 샘플은 노래 버전의 녹음 또는 작곡가의 파스티슈입니다.

Heterophony는 동일한 곡의 여러 버전을 동시에 발음하는 것을 기반으로 합니다. monody의 분기는 짧은 거리에서 발생하며 주로 중복을 형성합니다. 이러한 현상의 원인 중 하나는 단음 문화의 구전적 성격이다. 구강 종창의성은 각 목소리가 자신의 버전을 노래하는 특정 멜로디 기본 원칙의 연주자의 마음에 존재하는 것을 전제로 합니다. 두 번째 이유는 연주자의 목소리 범위의 자연스러운 차이입니다.

서브 보컬 폴리포니에서 메인 곡의 분기는 다른 종류의 헤테로포니보다 더 독립적입니다. 대조되는 폴리포니는 일부 섹션에서 형성됩니다. 음성 기능은 주음성과 부음성으로 나뉩니다.

2. 음절 성가 중 행(절)의 중간에 있는 주선율(반주)에서 에피소드 분기,

3. 행(절)의 끝에서 제창으로 돌아가고,

5. 텍스트 음절의 동시 발음,

6. 비교적 자유로운 불협화음 사용.

예 3. 러시아 민요 "Green Grove".

주요 문헌.

Simakova N. A. 엄격한 스타일의 대위법과 푸가. 역사, 이론, 실천. 1부. 예술적 전통과 학문으로서의 엄격한 스타일 대위법. -M., 2002.

Skrebkov S. S. 폴리포니 교과서. -M., 1965.

음악 이론 수업을 계속하면서 점차 더 복잡한 자료로 넘어갑니다. 그리고 오늘 우리는 다성음이 무엇인지, 음악적 구성이 무엇인지, 그리고 음악적 표현이 어떤 것인지 알아볼 것입니다.

뮤지컬 프레젠테이션

뮤지컬 천음악의 모든 소리의 총체라고 합니다.

이 음악 구조의 특성은 조직, 그리고 뮤지컬 프레젠테이션 또는 편지 창고.

• 모노디아. Monody는 모노 포닉 멜로디이며 대부분 민요에서 찾을 수 있습니다.
• 배가.더블링은 모노포니와 폴리포니 사이에 있으며 멜로디를 옥타브, 6도 또는 3도로 두 배로 만드는 것을 나타냅니다. 화음으로 두 배가 될 수도 있습니다.

1. 동성애

Homophony - 주요 선율 음성과 기타 선율적으로 중립적인 음성으로 구성됩니다. 메인 보이스가 탑 보이스인 경우가 많지만 다른 옵션도 있습니다.

동음이의는 다음을 기반으로 할 수 있습니다.

• 목소리의 리드미컬한 대비

• 목소리의 리듬적 정체성(종종 합창에서 발견됨)

2. 헤테로포니.

3. 폴리포니.

다음

우리는 당신이 "폴리포니"라는 단어 자체에 익숙하다고 생각하며 아마도 당신은 그것이 무엇을 의미할 수 있는지에 대한 아이디어를 가지고 있을 것입니다. 동시발음 기능이 있는 전화기가 등장하고 마침내 플랫 모노 멜로디를 음악과 같은 것으로 바꾸었을 때의 흥분을 모두 기억합니다.

다음- 2개 이상의 멜로디 라인 또는 보이스가 동시에 들리는 것을 기반으로 하는 폴리포니(Polyphony)입니다. 폴리포니는 여러 독립적인 멜로디를 조화롭게 융합한 것입니다. 연설에서 여러 목소리의 소리는 혼돈이 되는 반면, 음악에서는 그러한 소리가 아름답고 귀를 즐겁게 합니다.

폴리포니는 다음과 같습니다.

2. 모방.이러한 폴리포니는 음성에서 음성으로 모방적으로 전달되는 동일한 주제를 발전시킵니다. 이 원칙에 따라:

• 캐논은 두 번째 성부가 첫 번째 성부의 멜로디를 한 비트 또는 몇 비트 지연하여 반복하고 첫 번째 성부가 멜로디를 이어가는 폴리포니의 한 유형입니다. 카논은 여러 성부를 가질 수 있지만 각 후속 성부는 여전히 원래 멜로디를 반복합니다.
• 푸가는 여러 성부가 있고 각 성부가 전체 푸가를 관통하는 짧은 선율인 주요 주제를 반복하는 일종의 폴리포니입니다. 멜로디는 종종 약간 변형된 형태로 반복된다.

3. 대조되는 주제.이러한 폴리포니에서 음성은 서로 다른 장르에 속할 수도 있는 독립적인 주제를 생성합니다.

위에서 푸가와 카논을 언급했으니 더 명확하게 보여드리고 싶습니다.

정경

C단조 푸가, J.S. 바흐

엄격한 스타일의 멜로디

엄격한 스타일에서 멈출 가치가 있습니다. Strict Writing은 네덜란드, 로마, 베네치아, 스페인 및 기타 여러 작곡가 학교에서 개발한 르네상스(XIV-XVI 세기)의 다성 음악 스타일입니다. 대부분의 경우 이 스타일은 아카펠라(즉, 음악 없이 노래하는 것)를 부르는 합창 교회를 위한 것이었습니다. 세속 음악. 다성음악의 모방형이 속하는 것은 엄밀한 양식에 속한다.

음악 이론에서 소리 현상을 특성화하기 위해 공간 좌표가 사용됩니다.

• 수직, 소리가 동시에 결합되는 경우.
• 소리가 서로 다른 시간에 결합되는 경우 수평입니다.

자유형과 엄격한 스타일의 차이점을 쉽게 이해할 수 있도록 차이점을 분석해 보겠습니다.

엄격한 스타일은 다릅니다.

• 중립 테마
• 하나의 서사적 장르
• 성악

자유로운 스타일은 다릅니다:

• 밝은 테마
• 다양한 장르
• 기악과 성악의 결합

엄격한 스타일의 음악 구조에는 특정(물론 엄격한) 규칙이 적용됩니다.

1. 멜로디가 시작되어야 합니다:

• I 또는 V
• 모든 계정에서

2. 멜로디는 강한 비트의 첫 번째 단계에서 끝나야 합니다.

3. 움직이는 멜로디는 점진적으로 발생하고 다음과 같은 형식이 될 수 있는 국제적 리듬 전개여야 합니다.

• 원음의 반복
• 원래 소리에서 단계 위 또는 아래로 이동
• 3, 4, 5단계 위아래로 인토네이션 점프
• 토닉 트라이어드의 소리에 움직임

4. 강한 비트에서 멜로디를 지연시키고 당김음(강한 비트에서 약한 비트로 악센트 이동)을 사용하는 것이 종종 가치가 있습니다.

5. 점프는 부드러운 움직임과 결합되어야 합니다.

보시다시피 많은 규칙이 있으며 이것이 주요 규칙입니다.

엄격한 스타일은 집중과 사색의 이미지를 가지고 있습니다. 음악 입력 이 스타일균형 잡힌 사운드를 가지고 있으며 표현, 대조 및 기타 감정이 전혀 없습니다.

바흐의 "Aus tiefer Not"에서 엄격한 스타일을 들을 수 있습니다.

모차르트의 후기 작품에서도 엄격한 스타일의 영향을 들을 수 있습니다.

17세기에는 엄격한 양식이 위에서 언급한 자유로운 양식으로 대체되었습니다. 그러나 19세기에 일부 작곡가들은 여전히 ​​엄격한 스타일의 기법을 사용하여 작품에 오래된 풍미와 신비로운 느낌을 더했습니다. 그리고 현대 음악에서는 엄격한 스타일이 들리지 않는다는 사실에도 불구하고 그는 오늘날 음악에 존재하는 작곡 규칙, 기법 및 기법의 창시자가되었습니다.

폴리포니는 폴리포니의 일종으로 완전히 독립적인 여러 선율의 전개뿐만 아니라 조합을 기반으로 한다는 점을 명확히 해야 한다. 폴리포니의 또 다른 이름은 멜로디 앙상블입니다. 어쨌든 이것은 음악 용어이지만 휴대 전화의 동시 발음은 꽤 인기가 있으며 끊임없이 새로운 영역을 정복합니다.

폴리포니의 기본 개념

Polyphony는 특정 polyphony를 의미하며 그러한 음성의 수는 완전히 다를 수 있으며 2에서 무한대까지 다양합니다. 그러나 실제로 수십 표가 표준 숫자이며 이 옵션이 가장 일반적입니다.

이제 우리는 통화에만 필요한 전화를 더 이상 상상할 수 없습니다. 현재 모바일은 소유자를 완전히 의인화할 수 있습니다. 무엇보다도 소유자는 동일한 전화에서 많은 것을 요구할 것입니다. 기능이 많을수록 좋습니다. 이것이 다 성음이 현재 요구되는 이유입니다. 놀랍게도 휴대 전화는 이제 첫 번째 컴퓨터보다 훨씬 "강력"합니다.

폴리포니와 모노포니의 차이점

이제 휴대 전화의 가능성은 거의 무제한이지만 이전에는 단순히 다 성음의 존재에 대한 필요성에 대한 질문이 사람들을 생각하게 만들었습니다. 이것은 그녀가 정확히 어떤 사람인지 완전히 깨닫지 못했기 때문입니다.

모노폰은 특정 순간에 하나의 음이나 목소리만 재생할 수 있지만 다성폰은 최대 수십 개의 서로 다른 음과 목소리를 동시에 결합할 수 있습니다.

그렇기 때문에 가장 성공적인 설명은 다성음과 단음성의 비교일 것입니다. 오케스트라의 소리와 솔리스트의 연주를 머릿속으로 상상해보십시오. 차이를 느껴봐? 따라서 폴리포니는 다양한 악기의 멜로디가 기이하게 엮인 오케스트라입니다. 본격적인 고품질 사운드를 생성하고 가장 까다로운 음악 애호가의 욕구를 충족시킬 수있는 폴리포니입니다.

다성 멜로디 - 요구 사항 및 형식

주요 요구 사항은 하나 이상의 강력한 스피커를 보유하는 것입니다. 그리고 물론 이것은 다음에 적용됩니다. 휴대전화여유 메모리가 충분했습니다. 이제 그러한 존재가 우리에게 당연하게 여겨집니다. 또한 더 나은 멜로디 사운드를 위해 진공 헤드폰과 같은 헤드폰을 사용할 수도 있습니다.

이제 "폴리포니 멜로디" 섹션에서 몇 가지 유사한 음악을 다운로드할 수 있는 사이트가 많이 있습니다. 이 경우 일반적인 파일 유형은 midi, mmf, wav 및 amr입니다.

폴리포니 발전의 역사적 시작

Johann Sebastian Bach의 뛰어난 창작물이 아니었다면 다 성음이 전화기에 "오지"않았을 것이라는 것은 놀라운 일입니다.

16-17세기에 그러한 폴리포니가 그 인기의 절정에 달할 수 있었던 것은 그 덕분이었습니다. 이 작곡가가 만든 고전적인 정의폴리포니는 모든 목소리가 동등하게 표현되고 중요한 멜로디와 같습니다.

폴리포니의 종류

나중에 특정 특수 장르가 동시 발음에서 발생했습니다. 이것은 모방 기법을 사용한 파사칼리아, 발명품 및 작품뿐만 아니라 샤콘과 같은 일부 다성적 변형에 적용됩니다. 푸가는 다성 예술의 정점으로 간주됩니다.

푸가는 특별하고 다소 엄격한 법칙에 따라 작곡된 다성적 다성적 선율입니다. 이러한 법칙 중 하나는 이 음악 작품이 밝고 아주 잘 기억되는 주제를 기반으로 해야 한다는 것입니다. 대부분 세 부분 또는 네 부분으로 구성된 푸가를 찾을 수 있습니다.

음악적 폴리포니는 단순히 오케스트라의 소리가 아니라 하나의 멜로디 라인을 연주하는 것이 중요합니다. 동시에 그러한 오케스트라에 얼마나 많은 사람들이 참여할 것인지는 전혀 중요하지 않습니다.

여러 사람이 같은 멜로디를 부를 때 모두가 자신의 무언가를 그 곡에 도입하고 약간의 개성을 부여하고 싶어하는 경우가 종종 있습니다. 그렇기 때문에 멜로디가 "층화"되어 단음에서 다 성으로 바뀔 수 있습니다. 이러한 형태는 오래전부터 나타났으며 헤테로포니(heterophony)라고 한다.

테이프는 폴리포니의 또 다른 고대 형태로 간주됩니다. 그것은 여러 성부가 동시에 동일한 멜로디를 연주하지만 다른 주파수에서 즉, 하나는 조금 더 높게, 다른 하나는 더 낮게 노래하는 그런 음악으로 표현됩니다.

폴리포니가 있는 최초의 전화기

다성음이 있는 최초의 전화는 2000년에 등장했으며 유명한 Panasonic GD95였습니다. 그런 다음 기술 분야에서 엄청난 돌파구였으며 이제 전화기에 무기고에 다성 멜로디가 최소한 몇 개 있으면 정상입니다.

이 분야에서 선구자가 되어 조금도 지지 않은 것이 동아시아였다. 폴리포니는 전 세계를 정복했기 때문에 지금도 크게 놀라지 않는 것입니다. 그 후 GD75가 등장하여 동시 발음이 다소 유용한 도구임을 모든 사람들에게 보여줄 수있었습니다. 이 모델은 매우 오랫동안전체 매출 상위권에 있었습니다.

폴리포니는 대부분의 제조업체가 노력해 온 개선 사항입니다. 그렇기 때문에 미래에 Trium Eclipse 휴대 전화의 새로운 모델을 전체 대중에게 보여줄 수 있었던 Mitsubishi 회사의 참신함이있었습니다. 질적으로 그리고 가장 중요한 것은 3 톤 멜로디를 크게 재현 할 수 있었던 사람이었습니다.

그 후에야 유럽은 이러한 혁신의 경주에 동참했고 프랑스는 8음 동시발음 재생을 지원할 수 있는 휴대전화에 대해 전 세계에 알릴 수 있었습니다. 세련된 음악 애호가가 좋아하지 않는 유일한 점은 충분히 크게 들리지 않는다는 것입니다.

Polyphony는 Motorola가 노력한 것이기도 하지만 상당히 늦게 나타났습니다. 그녀는 유사한 음악 형식을 지원하는 T720 모델을 소개할 수 있었습니다. 그러나 우리 시대에도 여전히 인기있는 유명한 Nokia 회사는 특히 전화기의 특성을 개선하는 길을 선택했습니다. 음악적 특성, MIDI 파일을 사용하여.

보시다시피 다 성음은 다소 길고 가지가있는 개선 경로를 거쳤으며 아무리 이상하게 들리더라도 클래식 음악 작품에 처음 등장했습니다. 그러나 2000 년은 개발의 새로운 단계가되었습니다. 그때 처음으로 휴대폰에 등장하여 많은 음악 애호가들의 마음을 사로 잡았습니다.

다음

(그리스어 polus에서 - 많음과 ponn - 소리, 음성, 점등 - 다성음) - 동시대에 기반한 다성음 유형. 두 개 이상의 멜로디 소리. 라인 또는 멜로디. 투표. A. N. Serov는 "가장 높은 의미에서 폴리포니는 동시에 여러 목소리로 함께 진행되는 여러 독립적인 멜로디를 조화롭게 병합하는 것으로 이해해야 합니다. 이성적인 언어에서는 예를 들어 다음과 같은 것을 생각할 수 없습니다. 여러 사람이 함께 말했고, 각각 자신의 것이므로 혼란스럽고 이해할 수없는 말도 안되는 것이 아니라 반대로 훌륭한 일반적인 인상입니다. 음악에서 그러한 기적은 가능합니다. 그것은 미학적 특기 중 하나입니다. 우리 예술의." "P"의 개념. 대위법이라는 용어의 넓은 의미와 일치합니다. N. Ya. Myaskovsky는 대위법 영역을 언급했습니다. 스킬 조합 멜로디 독립적인 목소리그리고 동시에 여러 연결. 어간 형성 모음 강요.
P.는 가장 중요한 음악 수단 중 하나입니다. 작곡과 예술. 표현력. 많은 P.의 기술은 뮤즈의 내용을 다양화하는 역할을 합니다. 예술의 생산, 구현 및 개발. 이미지; P.를 통해 뮤즈를 수정, 비교 및 ​​결합할 수 있습니다. 주제. P.는 멜로디, 리듬, 모드 및 하모니의 패턴에 의존합니다. 악기 편성, 역학 및 기타 음악 구성 요소도 음악 기법의 표현력에 영향을 미칩니다. 정의에 따라 음악 맥락이 예술을 바꿀 수 있습니다. 특정 수단의 의미는 다음을 의미합니다. 프레젠테이션. 다른 음악 제품을 만드는 데 사용되는 형식과 장르. 폴리포닉 창고: 푸가, 푸게타, 발명품, 캐논, 다성 변주곡, 14-16세기. - 모테트, 마드리갈 등 폴리포닉. 에피소드(예: fugato)는 다른 형식으로도 볼 수 있습니다.
폴리포닉 (대위법) 음악 창고. 찌르다. 음성이 화음을 형성하고 Ch. 멜로디 라인, 대부분 상위 성부에서. 폴리포닉의 핵심 기능 호모포닉-하모닉과 구별되는 질감은 유동성이며, 이는 구조를 분리하는 휴지(caesuras)를 지우고 서로 전환이 눈에 띄지 않음으로써 달성됩니다. 폴리포닉 보이스. 구성이 동시에 케이던스되는 경우는 거의 없으며 일반적으로 케이던스가 일치하지 않아 특별한 표현으로 움직임의 연속성이 느껴집니다. P에 내재 된 품질. 일부 음성은 이전 멜로디 (테마)의 새롭거나 반복 (모방)을 시작하지만 다른 음성은 아직 이전 멜로디를 완료하지 않았습니다.

팔레스트리나. I 톤의 Reacherkar.
그러한 순간에 복잡한 구조 신경총의 매듭이 형성되어 뮤즈의 다양한 기능을 동시에 결합합니다. 양식. 그런 다음 정의가 나옵니다. 긴장의 희박화, 복잡한 신경총의 다음 노드까지 움직임이 단순화됩니다. 그런 드라마틱한 조건은 다음의 개발을 진행합니다. prod., 특히 그들이 큰 예술을 허용하는 경우. 작업은 내용의 깊이가 다릅니다.
수직에 따른 음성 조합은 정의에 내재된 조화의 법칙에 의해 P.에서 규제됩니다. 시대나 스타일. "결과적으로 화성 없이는 대위법이 존재할 수 없습니다. 별도의 지점에서 동시 멜로디의 조합이 자음이나 화음을 형성하기 때문입니다. 창세기에서 대위법 없이는 화성이 불가능합니다. 동시에 여러 멜로디를 결합하려는 욕구가 정확하게 발생했기 때문입니다. 조화의 존재”(G A. Laroche). 15-16세기의 엄격한 스타일의 포장도로. 불협화음은 협화음 사이에 위치했고 부드러운 움직임이 필요했습니다. 불협화음은 매끄러움으로 연결되지 않고 하나를 다른 것으로 전달할 수 있어 모달-멜로디 해상도를 더 높였습니다. 늦은 시간. 현대에서 불협화음의 "해방", 다 성음의 불협화음 조합이있는 음악. 투표는 길이에 관계없이 허용됩니다.
P.의 유형은 이러한 종류의 음악에 내재된 높은 유동성으로 인해 다양하고 분류하기 어렵습니다. 소송.
일부 침대에서. 음악 문화권에서는 ch를 기반으로 한 P.의 하위 보컬 유형이 일반적입니다. 멜로디 멜로디가 분기되는 목소리. 다른 목소리의 전환, 메아리, 메인의 변화 및 보충. 특히 케이던스에서 멜로디, 때때로 병합됩니다(헤테로포니 참조).
교수에서. art-ve P.는 다른 멜로디를 개발했습니다. 목소리의 표현력과 모든 폴리포닉에 기여하는 비율. 전체. 여기서 파이핑의 종류는 횡항어가 무엇인가에 따라 선율(주제)을 다른 성부로 모방하면 모방피싱이 형성되고, 결합된 멜로디가 다르면 대조피싱이 형성된다. 이 구분은 조건부입니다. 순환, 증가, 감소 등의 모방이 옆으로 움직일 때 수평을 따라 멜로디의 차이가 심화되고 P.가 대비에 더 가까워집니다.

J. S. 바흐. C-dur의 오르간 푸가(BWV 547).
대조가 선율적인 경우. 목소리는 그다지 강하지 않고 친족 관계가 사용됩니다. 예를 들어 주제가 국가적으로 동질적인 G. Frescobaldi의 4-dark ricercar에서와 같이 P.는 모방에 접근합니다.

경우에 따라 다성 특정에서 모방으로 시작하는 조합. 순간이 대비로 바뀌고 그 반대도 마찬가지입니다. 대비에서 모방으로의 전환이 가능합니다. 따라서 두 유형의 P 사이의 분리할 수 없는 연결입니다.
순수한 모방. 예를 들어 P.는 싱글 다크 캐논으로 제공됩니다. 바흐의 골드베르크 변주곡(BWV 988)의 27번째 변주에서:

음악의 단조로움을 피하기 위해. 제안서 정경의 내용은 멜로디-리듬이 체계적으로 교대되는 방식으로 여기에 구축됩니다. 수치. risposta 동안 그들은 proposta 수치보다 뒤쳐지고 수직을 따라 억양이 나타납니다. 대조적이지만 멜로디는 수평으로 동일합니다.
증가 및 하강 억양 방법. 형식 전체의 강도를 보장하는 정경 제안에서의 활동은 예를 들어 삼두로 입증 된 바와 같이 엄격한 스타일의 P.에서 이미 알려져 있습니다. Palestrina의 미사 "Ad fugam"의 캐논 "Benedictes":

T. o., 모방. 캐논 형태의 P.는 결코 대조에 이질적이지 않지만 이러한 대조는 수직적으로 발생하는 반면 수평적으로는 모든 음성에서 멜로디의 정체성으로 인해 용어에 대조가 없습니다. 이 점에서 수평적으로 불평등한 선율을 결합한 대조적인 P.와 근본적으로 다르다. 강요.
모방의 한 형태로서의 최종 원 다크 캐논. P. 자신의 투표를 자유롭게 확장하는 경우 대조 P.로 이동하여 차례로 캐논에 들어갈 수 있습니다.

G. 듀페이. 미사곡 "Ave regina caelorum"의 듀오 글로리아.
설명된 형식은 시간에 따라 P.의 유형을 연결합니다. 한 유형이 다른 유형을 따릅니다. 그러나 음악 다른 시대스타일이 풍부하고 동시 조합수직: 모방에는 대비가 수반되며 그 반대도 마찬가지입니다. 어떤 목소리는 모방적으로 전개되고, 다른 목소리는 그들과 대조되거나 자유로운 대위법으로 만들어집니다.

여기서 proposta와 risposta의 조합은 고대 오르가눔의 형태를 재현하거나, 차례로 모방을 형성합니다. 건설.
후자의 경우 모방이 일정 기간 동안 지속되면 이중(삼중) 모방 또는 캐논이 형성됩니다. 시간.

D. D. 쇼스타코비치. 교향곡 5번, 악장 I.
이중 캐논에서 모방 및 대조 포장의 상호 관계는 때때로 초기 섹션이 하나의 어두운 모방으로 인식되고 제안이 점차적으로 달라지기 시작한다는 사실로 이어집니다. 이것은 전체 작업이 공통된 분위기로 특징 지어지고 두 제안의 차이점이 강조되지 않을뿐만 아니라 반대로 가려 질 때 발생합니다.
Et resurrexit of the canonical mass of Palestrina에서 이중(2권) 정경은 제안서의 초기 섹션의 유사성에 의해 가려지며, 그 결과 첫 순간에 단순한(1권) 4성부 정경이 들리고 나중에야 제안의 차이가 눈에 띄게 되고 2권으로 구성된 정경의 형식이 실현됩니다.

음악에서 대조의 개념과 표현이 얼마나 다양한지, 대조되는 P가 다양한 것처럼 다양합니다. 이 유형의 P.의 가장 단순한 경우에 목소리는 권리가 완전히 동일하며 이는 특히 대위법에 해당됩니다. 생산중인 직물 polyphony가 아직 개발되지 않은 엄격한 스타일. 집중된 한 머리로 테마. 기본 표현. 생각, 특히. 음악 콘텐츠. J. S. Bach, G. F. Handel 및 그들의 주요 전임자와 추종자들의 작업에서 이러한 주제가 형성됨에 따라 P.를 대조하면 대위법(푸가에서), 대위법과 같은 수반되는 음성보다 주제의 우위를 허용할 수 있습니다. 동시에 칸타타와 작품에서. 바흐의 다른 장르는 합창 선율과 다각형 선율의 조합으로 형성된 다른 종류의 대비되는 운문으로 다양하게 표현된다. 다른 목소리의 구조. 이 경우 대조되는 성부 구성요소의 구분이 더욱 명확해지며 다성성부의 장르적 특수성 수준까지 이르게 된다. 전체. Instr. 후기 음악, 음성 기능의 구분은 한 머리를 결합한 특별한 종류의 "P. 레이어"로 이어집니다. 옥타브 더블링의 멜로디와 종종 전체 하모닉스의 모방. 콤플렉스: 상위 레이어는 선율적입니다. 주제주의의 전달자, 중간은 조화입니다. 복잡하고 낮은 멜로디 모바일 베이스. "P. Plastov"는 극작에서 매우 효과적입니다. 관계이며 오랫동안 단일 스트림에 적용되지 않고 특정 방식으로 적용됩니다. 생산 노드, 특히 클라이막스 섹션에서 성장의 결과입니다. 다음은 베토벤의 교향곡 9번과 차이코프스키의 교향곡 5번의 1악장의 절정입니다.

L. 베토벤. 교향곡 9번 1악장.

P. I. 차이코프스키. 교향곡 5번, 악장 II.
극적으로 긴장된 "P. Plastov"는 차분한 서사시와 대조 될 수 있습니다. 연결은 독립적입니다. 그 예가 교향곡의 재현입니다. A.P. Borodin "In Central Asia"는 러시아와 동양의 두 가지 다양한 주제를 결합하고 작품 개발의 정점이기도합니다.
오페라 음악은 대조되는 P.의 표현이 매우 풍부합니다. 조합의 종류 캐릭터의 이미지, 관계, 대결, 갈등 및 일반적으로 행동의 전체 상황을 특징 짓는 목소리와 콤플렉스.
I. Haydn과 D. D. Shostakovich가 이 형식을 해석하고 적용하더라도 음악학이 "소나타 형식"이라는 용어를 거부하지 않는 것처럼 다양한 형태의 대조 피아노는 이 일반화 개념을 거부하는 근거가 될 수 없습니다. , L. Beethoven과 P. Hindemith는 매우 다릅니다.
유럽에서 P.의 음악은 초기 다 성음 (오르가눔, 고음, 모테트 등)의 깊이에서 시작되어 점차 독립적으로 형성되었습니다. 보다. 유럽의 국내 폴리포니에 대해 우리에게 내려온 가장 초기 정보는 영국 제도를 말합니다. 대륙에서 폴리포니는 영어의 영향이 아니라 내부적인 영향으로 발전했습니다. 원인. 분명히 대조 선율의 원시적 형태가 먼저 형성되는데, 이는 주어진 합창 또는 다른 장르의 선율에 대한 대위법에서 형성됩니다. 이론가 존 코튼(11세기 말~12세기 초)은 다음과 같이 동시발성(2성부) 이론을 설명하면서 다음과 같이 썼습니다. 다른 사람들은 다른 소리 주위를 능숙하게 돌아다니며 둘 다 특정 순간에 일치 또는 옥타브로 수렴합니다. 이 노래 방법을 일반적으로 오르가눔이라고 합니다. 인성, (메인에서) 능숙하게 발산하는 것은 오르간이라는 악기처럼 들립니다. diaphonia라는 단어는 이중 음성 또는 음성의 발산을 의미합니다. "모방의 한 형태, 분명히 민속 기원-"아주 초기 사람들은 엄격하게 정식으로 노래하는 방법을 알고 있었습니다. 영국 리딩(Reading)의 수도사 J. Fornset이 쓴 끝없는 이중 육각형 "Summer Canon"(c. 1240)은 모방의 만연에 대해 성숙이 아니라(in 이 경우 canonical) 기술이 이미 ser. 13세기 "여름 캐논" 계획:

등.
대조되는 다성음의 원시적 형태(S. S. Skrebkov는 그것을 헤테로포니 분야라고 함)는 13세기와 14세기의 초기 모테트에서 발견되는데, 여기서 다성음은 여러 가지의 조합으로 표현되었습니다. 때로는 다른 언어로 다른 텍스트가 있는 멜로디(보통 3개). 13세기의 익명의 모테트가 그 예가 될 수 있습니다.

모테트 "Mariac assumptio - Huius chori".
합창 멜로디 "Kyrie"는 낮은 성부에 배치되고 라틴어 텍스트와 대위법은 중간 및 높은 성부에 배치됩니다. 그리고 프랑스어 선율적으로 코랄에 가깝지만 여전히 특정한 눈을 가진 언어는 독립적입니다. 억양 리듬. 무늬. 전체의 형식(변주)은 합창 선율의 반복을 기반으로 형성되며, 선율적으로 변하는 상위 성부와 함께 칸투스 고정음 역할을 합니다. G. de Machaux의 모테트 "Trop plus est bele - Biauté paree - Je ne suis mie"(c. 1350)에서 각 성부는 고유한 멜로디를 가지고 있습니다. 텍스트(모두 프랑스어)와 더 고른 움직임을 가진 아래쪽 텍스트도 반복되는 cantus firmus를 나타내며 그 결과 다성 형식도 형성됩니다. 변형. 이것은 일반적입니다. 초기 모테트의 샘플 - 의심 할 여지없이 P의 성숙한 형태로가는 길에 중요한 역할을 한 장르. 일반적으로 성숙한 폴리포닉의 분할. 엄격하고 자유로운 스타일에 대한 주장은 이론적 및 역사적 모두에 해당합니다. 표지판. 엄격한 스타일의 배관은 네덜란드, 이탈리아 및 15세기와 16세기의 다른 유파의 특징입니다. 오늘날까지 계속 발전하는 자유형 P.로 대체되었습니다. 17세기 다른 사람들과 함께 발전했습니다. 냇. 학교, 가장 위대한 다 성음 연주자 Bach와 Handel의 작품에서 상반기에 도달했습니다. 18 세기 다성 정점 소송. 시대의 두 스타일 모두 정의를 통과했습니다. 뮤즈의 일반적인 발달과 밀접한 관련이 있는 진화. art-va와 그 고유의 하모니, 하모니 및 기타 음악적 표현 법칙. 자금. 스타일 사이의 경계는 16-17 세기의 전환기이며, 오페라의 탄생과 관련하여 동음이의 조화로운 스타일이 분명히 형성되었습니다. 창고와 두 가지 모드(메이저 및 마이너)가 설정되어 유럽 전체가 집중하기 시작했습니다. 음악, 포함. 그리고 폴리포닉.
엄격한 스타일의 시대의 작품은 "비행의 숭고함, 심한 웅장 함, 일종의 하늘빛, 고요한 순결 및 투명성에 놀라움을 금치 못합니다"(Laroche). 그들은 preim을 사용했습니다. 웍. 장르, 악기는 노래를 더빙하는 데 사용되었습니다. 투표 및 극히 드물게-독립적입니다. 실행. 고대 온음계 미래 메이저와 마이너의 인토네이션이 점차 깨지기 시작한 프렛. 멜로디는 부드러움으로 구별되었고 점프는 일반적으로 반대 방향으로의 후속 이동으로 균형을 이루었습니다. 생리 이론의 법칙을 따르는 리듬 (Mensural 표기법 참조)은 차분하고 서두르지 않았습니다. 음성 조합에서 자음이 우세하고 불협화음이 독립적으로 나타나는 경우는 거의 없습니다. 일반적으로 전달 및 보조에 의해 형성되는 자음. 소절의 약한 박자의 소리 또는 강한 박자의 준비된 유지. "... res facta의 모든 부분(여기서는 즉흥적이지 않은 서면 대위법) - 3, 4 또는 더, - 모두가 서로 의존합니다. 즉, 어떤 음성의 자음 순서와 법칙은 다른 모든 음성에 적용되어야 합니다 "-이론가 Johannes Tinktoris(1446-1511)를 썼습니다. 주요 장르: 샹송(노래), 모테트, 마드리갈 작은 형식), 질량, 레퀴엠(대형).주제별 개발 기술: 반복, 대부분 스트레토 모방 및 정경으로 표현, 대위법(모바일 대위법 포함), 노래하는 목소리 구성의 대비 엄격한 스타일의 작품이 만들어졌습니다. 1) 변주적 동일성, 2) 변주적 발아, 3) 변주적 갱신 전자의 경우 다성 전체의 일부 구성 요소의 동일성이 보존되는 동안 다른 구성 요소는 변경됩니다. 이전 구성은 초기 섹션에만 남아 있었고 연속은 달랐습니다. 세 번째에는 억양의 일반적인 특성을 유지하면서 주제별 자료가 업데이트되었습니다. 변형 방법은 수평 및 수직, 작고 큰 형태로 확장되었습니다. , 멜로디의 가능성을 제시했다. 순환의 도움으로 도입된 변화, 움직임의 움직임과 그 순환, 메트로 리듬의 변형 - 증가, 감소, 일시 중지 건너뛰기 등 최대 단순한 모양 Variational Identity - 완성된 대위법의 전이. 다른 높이로의 조합(조옮김) 또는 그러한 조합에 대한 새로운 음성의 속성 - 예를 들어 J. de Okeghem의 "Missa prolationum"에서 멜로디를 참조하십시오. "Christe eleison"이라는 문구는 먼저 알토와 베이스로 부른 다음 소프라노와 테너가 두 번째 더 높은 곳에서 반복합니다. 같은 작업에서. Sanctus는 이전에 알토와 베이스(A)에 할당된 것의 소프라노와 테너 부분에 의한 6도 더 높은 반복으로 구성되며, 이는 이제 목소리를 모방하는 것과 대위법(B)이지만 지속 시간과 멜로디가 변경됩니다. 초기 조합의 수치가 발생하지 않습니다.

cantus firmus가 변경되었지만 첫 번째와 동일한 출처에서 나온 경우 주요 형태의 변이 갱신이 달성되었습니다 (대중 "Fortuna desperata"및 기타에 대해서는 아래 참조).
주요 대표자 P. 엄격한 스타일 - G. Dufay, J. Okeghem, J. Obrecht, Josquin Despres, O. Lasso, Palestrina. 이 스타일의 틀 내에서 그들의 생산. 다른 것을 보여주다 음악 주제의 형태에 대한 태도. 개발, 모방, 대조, 조화. 소리의 충만함, 그들은 또한 다른 방식으로 cantus firmus를 사용합니다. 따라서 다성음의 가장 중요한 모방의 진화가 눈에 띈다. 음악 수단 표현력. 처음에는 모조음이 제창과 옥타브로 사용되었고, 이후 다른 음정이 사용되기 시작했으며, 그 중 5번째와 4번째는 푸가 프레젠테이션을 준비할 때 특히 중요합니다. 모조품은 주제별로 개발되었습니다. 물질적이며 형식의 어느 곳에나 나타날 수 있었지만 그들의 드라마투르기는 점차 확립되기 시작했다. 목적: a) 초기 설명 프레젠테이션의 형식으로; b) 모조품이 아닌 구성과 대조됩니다. Dufay와 Okeghem은 이러한 기술 중 첫 번째 기술을 거의 사용하지 않았지만 생산에서 일정하게 되었습니다. Obrecht와 Josquin Despres는 폴리포닉에 거의 필수입니다. Lasso 및 Palestrina의 형태; 두 번째 (Dufay, Okeghem, Obrecht)는 원래 cantus firmus를 이끄는 목소리의 침묵으로 제시되었고 나중에 큰 형태의 전체 섹션을 다루기 시작했습니다. Josquin Despres의 미사 "L" homme armé super voces musicales"(Canon 기사에서 이 미사의 음악적 예 참조)와 Palestrina 미사(예: 6성부 "Ave Maria")의 Agnus Dei II가 있습니다. 다양한 형태의 캐논(순수한 형태 또는 자유로운 성부가 수반됨)이 여기에서 소개되었고 일반화 요인으로 대규모 구성의 마지막 단계에서 유사한 샘플로 도입되었습니다. 나중에 이 역할에서 자유 스타일의 실행에서 캐논은 거의 등장하지 않았습니다. 네 머리 미사 "Oh, Rex gloriae"에서 Palestrina의 두 부분인 Ve-nedictus와 Agnus는 자유로운 목소리를 가진 정확한 두 머리 캐논으로 작성되어 보다 활기찬 것과 성실하고 부드러운 대조를 이룹니다. 이전 및 후속 구성의 소리 Palestrina의 여러 정식 미사에서 반대 방법도 발견됩니다. .
큰 폴리포닉 주제별 엄격한 스타일의 형태. 존중은 두 가지 범주로 나눌 수 있습니다: cantus firmus가 있는 것과 그렇지 않은 것. 첫 번째는 스타일 개발의 초기 단계에서 더 자주 생성되는 반면 후속 단계에서는 cantus firmus가 점차 창의성에서 사라지기 시작합니다. 주제의 자유로운 발전을 바탕으로 관행과 큰 형태가 만들어집니다. 재료. 동시에 cantus firmus는 instr. 찌르다. 16 - 1층. 17 세기 (A. 및 J. Gabrieli, Frescobaldi 및 기타) - Ricercara 및 기타 바흐와 그의 전임자들의 합창 편곡에서 새로운 구체화를 얻습니다.
cantus firmus가 있는 형식은 동일한 주제가 여러 번 수행되기 때문에 변형의 주기입니다. 다른 시간 대위법 환경. 이러한 큰 형식에는 일반적으로 cantus firmus가 없는 입문-중간 섹션이 있으며 프레젠테이션은 억양 또는 중립적 인 억양을 기반으로 합니다. 경우에 따라 cantus firmus를 포함하는 섹션과 입문-중급 섹션의 비율은 특정 수치 공식 (J. Okegem, J. Obrecht의 질량)을 따르는 반면 다른 경우에는 무료입니다. 입문-중급 및 cantus firmus 구성의 길이는 다양할 수 있지만 전체 작업에서 일정할 수도 있습니다. 후자는 예를 들어 위에서 언급한 Palestrina의 "Ave Maria" 미사를 포함합니다. 여기서 두 가지 유형의 구성은 각각 21개의 소절이 있습니다(결론적으로 마지막 소리는 때때로 여러 소절에 걸쳐 늘어납니다). 형성: 23회 cantus firmus가 수행되며 동일한 입문-중간 구조가 많이 수행됩니다. 엄격한 스타일의 P.는 길이가 길어서 비슷한 형태가되었습니다. 변이의 원리 그 자체의 진화. 다수의 제작물에서 cantus firmus는 빌린 선율을 부분적으로 그리고 결론에서만 수행했습니다. 섹션 전체가 나타났습니다(Obrecht, 대중 "Maria zart", "Je ne demande"). 후자는 주제별 기술이었습니다. 합성, 전체 구성의 통일성에 매우 중요합니다. 엄격한 스타일의 P.에 대한 일반적인 변경 사항은 cantus firmus (리듬 증가 및 감소, 순환, rakhodnoe 운동 등)에서 이루어졌지만 변형을 파괴하지는 않았습니다. 따라서 변이주기는 매우 이질적인 형태로 나타났다. 예를 들어, Obrecht의 "Fortuna 절망적 인"매스 사이클입니다. 같은 이름의 샹송의 중간 성부에서 가져온 cantus firmus는 세 부분으로 나뉘고 (ABC) 그런 다음 상단 성부에서 cantus가 도입됩니다 ( 드). 주기의 일반 구조: Kyrie I - A; Kyrie II - A B C; Gloria - AC에서 (A에서 - 크롤링 운동에서); Credo - CAB (C - 레이크 운동에서); Sanctus - A B C D; 오산나 - ABC; Agnus I - A B C (축소에서도 동일); Agnus III - D E (축소에서도 동일).
여기에서 변이는 정체성의 형태로, 발아의 형태로, 심지어 갱신의 형태로 제시됩니다. Sanctus와 Agnus III에서는 cantus firmus가 변경됩니다. 마찬가지로 Josquin Deprez의 "Fortuna Deprez" 미사에서도 세 가지 유형의 변주가 사용됩니다. 저성부(Sanctus), 미사 5부에서는 샹송의 고성부(Agnus I)를 사용하고, 결론부(Agnus III)에서 cantus firmus가 제1선율로 돌아온다. 기호로 각 cantus firmus를 지정하면 A B C B1 A라는 체계를 얻습니다. 따라서 전체의 형태는 다양한 유형의 변형을 기반으로 하며 반복성을 포함합니다. Josquin Deprez의 Mass "Malheur me bat"에서도 같은 방법이 사용됩니다.
중립화 주제에 대한 의견. 폴리포닉 소재. 찌르다. cantus firmus를 이끄는 목소리의 지속 시간이 늘어나는 엄격한 스타일은 부분적으로만 사실입니다. 많은 경우에 따라 작곡가는 일상 멜로디의 진정한 리듬, 생생하고 직접적인, 긴 지속 시간에서 점진적으로 접근하여 그 소리를 주제의 정점으로 만들기 위해서만이 기술에 의지했습니다. 개발.
예를 들어 Dufay의 미사곡 "La mort de Saint Gothard"에서 cantus firmus는 긴 소리에서 짧은 소리로 연속적으로 전달됩니다.

결과적으로 멜로디는 일상 생활에서 알려진 리듬으로 들렸습니다.
같은 원리가 Obrecht의 "Malheur me bat" 미사에서도 사용됩니다. 우리는 그녀의 cantus firmus를 게시된 소스인 three-headed와 함께 제시합니다. 같은 이름의 오케게마 샹송:

I. Obrecht. 미사 "Malheur me bat".

J. Okegem. 샹송 "Malheur me bat".
진정한 생산 기반의 점진적인 발견의 효과. 당시 상황에서 매우 중요했습니다. 듣는 사람이 갑자기 익숙한 노래를 인식했습니다. 세속 소송은 교회의 요구 사항과 상충되었습니다. 엄격한 스타일의 P에 대한 성직자의 박해를 일으킨 성직자의 음악. 역사적 관점에서 볼 때, 중요한 과정종교의 힘으로부터 음악의 해방. 아이디어.
주제 개발의 변형 방법은 큰 구성뿐만 아니라 그 부분, 즉 별도의 형태로 된 cantus firmus까지 확장되었습니다. 작은 회전 오스티나토가 반복되었고, 특히 생산에서 빈번한 대형 형태 내부에 하위 변형 주기가 형성되었습니다. Obrekht. 예를 들어 미사곡 "Malheur me bat"의 Kyrie II는 짧은 주제 ut-ut-re-mi-mi-la 및 "Salve dia parens" 질량의 Agnus III-짧은 공식 la-si-do-si로 점차 24에서 3 소절로 줄어 듭니다.
"주제" 바로 다음에 오는 단일 반복은 역사적 관점에서 매우 중요한 두 문장 기간의 성별을 형성합니다. 관점 때문에 동음이의 형식을 준비합니다. 그러나 그러한 기간은 매우 유동적입니다. 그들은 제품이 풍부합니다. Palestrina(345열의 예 참조), 그들은 또한 Obrecht, Josquin Despres, Lasso에서도 발견됩니다. Op.의 Kyrie. 마지막 "Missa ad imitationem moduli "Puisque j" ai perdu""는 9마디로 이루어진 두 문장의 고전적 유형의 마침표입니다.
그래서 뮤즈 내부. 엄격한 스타일의 형태, 원칙은 나중에 고전에서 호밀 양조되었습니다. 호모포닉-하모닉만큼 폴리포닉이 아닌 음악이 주요 음악이었습니다. 폴리포닉 찌르다. 때때로 그들은 동음이의로의 전환을 점차적으로 준비하는 화음 에피소드를 포함했습니다. 음조 관계도 같은 방향으로 발전했습니다. Palestrina 형식의 설명 섹션은 엄격한 스타일의 결선 주의자로서 분명히 강장 지배적 관계로 끌린 다음 하위 지배적 관계로의 출발과 기본 시스템으로의 복귀가 눈에 띕니다. . 같은 정신으로 대형 종지의 영역이 펼쳐집니다. 중간 종지는 일반적으로 5th 스타일의 키에서 진정으로 끝나고 토닉의 마지막 종지는 종종 표절입니다.
엄격시의 작은 형식은 텍스트에 의존했다. 텍스트의 연 내에서 주제의 반복(모방)을 통해 발전이 이루어졌고, 텍스트의 변화는 주제의 업데이트를 수반했다. 다시 모방적으로 제시될 수 있는 자료. 음악 홍보. 텍스트가 진행됨에 따라 양식이 발생했습니다. 이 형식은 특히 15-16세기 모테트의 특징입니다. 이름 모테트 형식을 받았습니다. 16세기의 마드리갈도 이런 식으로 구성되었는데, 예를 들어 재현 유형의 형식이 가끔 나타납니다. Palestrina madrigal "I vaghi fiori"에서.
큰 형태 P. cantus firmus가 없는 엄격한 스타일은 동일한 모테트 유형에 따라 발전합니다. 새 문구텍스트는 새로운 음악의 형성으로 이어집니다. 모방에 의해 개발된 테마. 짧은 글로 새로운 뮤즈와 함께 반복된다. 다양한 음영을 가져오는 테마가 표현됩니다. 성격. 이 이론은 아직 이러한 종류의 다성음의 구조에 대한 다른 일반화를 가지고 있지 않습니다. 양식.
엄격하고 자유로운 스타일 P. 사이의 연결은 con 작곡가의 작업으로 간주 될 수 있습니다. 16~17세기 J. P. Sweelinka, J. Frescobaldi, G. Schutz, C. Monteverdi. Sweelinck는 종종 엄격한 스타일의 변주 기법(확대 주제 등)을 사용했지만 동시에 그는 자유로운 스타일에서만 가능한 모달 크로마티즘을 널리 표현했습니다. "Fiori musicali"(1635) 및 기타 오르간 Op. Frescobaldi에는 cantus firmus에 대한 다양한 변형이 포함되어 있지만 푸가 형식의 기초도 포함되어 있습니다. 이전 모드의 온음계는 주제와 그 발전에 있어서 색채에 의해 채색되었습니다. Monteverdi otd에서. 생산, ch. 도착 마드리갈은 그것과 거의 결별하고 자유로운 양식에 속해야 한다. 대조되는 P.는 특성과 관련이 있습니다. 단어의 의미를 전달하는 억양(기쁨, 슬픔, 한숨, 비행 등). madrigal "Piagn"e sospira "(1603)는 나머지 이야기와 대조되는 "나는 울고 한숨"이라는 초기 문구가 특히 강조되는 곳입니다.

Instr. 찌르다. 17 세기 - 모음곡, 고대 소나타 다 키에사 등 - 보통 다성음악을 사용했습니다. 부분 또는 적어도 다 성음. 기술, 포함. instr의 형성을 준비한 fugue order. 푸가는 스스로 서 있습니다. 장르 또는 전주곡(토카타, 판타지)과 함께. I. Ya. Froberger, G. Muffat, G. Purcell, D. Buxtehude, I. Pachelbel 및 기타 작곡가의 작업은 높은 개발 P. free 스타일로 제작중입니다. J. S. 바흐와 G. F. 헨델. P. free 스타일은 웍에 저장됩니다. 장르이지만 주요 정복 - instr. 음악, 17세기. 보컬에서 분리되어 빠르게 발전합니다. 멜로디카 - 기본. 요인 P. - instr. 장르는 웍의 제약 조건에서 해방되었습니다. 음악 (노래하는 목소리의 범위, 억양의 편리함 등)과 새로운 형식으로 다 성음의 다양성에 기여했습니다. 조합, 폴리포니의 폭. 구성, 차례로 냄비에 영향을 미칩니다. P. 고대 온음계. 프렛은 메이저와 마이너의 두 가지 지배적 인 역할을했습니다. 모달 긴장의 가장 강력한 수단이 된 불협화음은 큰 자유를 얻었습니다. 모바일 대위법과 모방이 더 완전하게 사용되기 시작했습니다. 그 중 항소 (inversio, moto contraria)와 증가 (증강)가 있었지만 rakhodny 운동과 그 항소는 거의 사라져 전체 모양을 극적으로 바꾸고 새롭고 개별화 된 자유 스타일 테마의 의미를 표현했습니다. cantus firmus를 기반으로 한 변형 형식의 시스템은 점차 사라지고 이전 스타일의 창자에서 성숙한 푸가로 대체되었습니다. 작곡푸가는 모든 종류의 변덕스러운 패션을 항상 견딜 수 있었던 유일한 종류의 푸가입니다. 수 세기가 흘러도 그 형식을 바꾸도록 강요할 수 없었고, 100년 전에 작곡된 푸가는 오늘날 작곡된 것처럼 여전히 새롭습니다.”라고 F. V. Marpurg는 말했습니다.
자유 스타일 P.의 멜로디 유형은 ​​엄격한 스타일과 완전히 다릅니다. 선율적이고 선율적인 보이스의 무제한 급상승은 instr의 도입으로 인해 발생합니다. 장르. "... 보컬 작문에서 멜로디 형성은 목소리 볼륨의 좁은 한계와 악기에 비해 이동성이 적다는 제한을 받습니다." E. Kurt는 지적했습니다. "그리고 역사적 발전은 17세기부터 시작된 기악 스타일 또한 성악 작품은 목소리의 작은 볼륨과 이동성으로 인해 일반적으로 화음이 둥글게 되는 경향이 있습니다. 가장 자유로운 선 조합의 예를 찾습니다." 그러나 냄비도 마찬가지입니다. 찌르다. Bach (cantatas, masses), Beethoven ( "Missa solemnis") 및 다 성음. 찌르다. 20 세기
억양적으로 P.의 자유로운 스타일의 주제는 어느 정도 엄격한 스타일로 준비되었습니다. 이것은 선언입니다. 멜로디 약한 비트로 시작하여 두 번째, 세 번째, 다섯 번째 및 기타 간격으로 강한 비트로 이동하는 사운드 반복이 있는 회전은 토닉에서 다섯 번째로 이동하여 모달 기초를 설명합니다(예 참조) - 이와 유사한 인토네이션 나중에 자유 스타일의 "핵심" 테마로 형성되고 다음을 기반으로 하는 "배포"가 이어집니다. 일반적인 형태멜로디 움직임(감마 유사 등). 근본적인 차이엄격한 스타일의 테마에서 자유 스타일 테마는 독립적이고 단조롭고 완전한 구성으로 만들어 간결하게 표현하는 것입니다. 메인 콘텐츠 prod., 엄격한 스타일의 주제는 유동적이지만 다른 모방 성부와 결합하여 stretto로 표현되었으며 이들과 결합해야만 내용이 드러났습니다. 엄격한 스타일 테마의 윤곽은 지속적인 움직임과 목소리의 진입으로 사라졌습니다. 다음 예에서는 Josquin Despres의 대량 "Pange lingua"와 G. Legrenzi의 테마에 대한 Bach의 푸가에서 엄격하고 자유로운 스타일 주제의 국가적으로 유사한 샘플을 비교합니다.
첫 번째 경우에는 양방향이 배치됩니다. 캐논, 머리는 to-rogo 흐름을 일반적인 멜로디로 바꿉니다. 케이던스가 아닌 움직임의 형태, 두 번째 - 명확하게 윤곽이 잡힌 주제가 표시되어 케이던스 완성으로 도미넌트의 키로 변조됩니다.

따라서 억양에도 불구하고. 유사성, 두 샘플의 주제는 매우 다릅니다.
바흐 폴리포닉의 특별한 퀄리티 주제주의(주로 푸가의 주제를 의미)는 P. 프리 스타일의 정점으로서 침착함, 잠재적인 조화의 풍부함, 음조, 리듬, 때로는 장르의 특이성으로 구성됩니다. 폴리포닉에서 일방적 인 주제. 프로젝션 바흐 일반화 모달-하모닉. 그의 시간이 만든 형태. 주제에서 강조된 TSDT 공식, 시퀀스의 폭 및 음조 편차, II 낮은("나폴리") 단계의 도입, 감소된 7도, 감소된 4도, 감소된 3도 및 5도 사용, 모드의 다른 단계와 단조의 도입 톤의 활용으로 형성됩니다. 바흐의 주제주의는 나르에서 오는 선율이 특징이다. 인토네이션 및 합창 멜로디; 동시에 instr의 문화도 강합니다. 멜로디. 선율적인 시작은 instr의 특징일 수 있습니다. 테마, 기악 - 보컬. 이러한 요소 사이의 중요한 연결은 숨겨진 멜로디에 의해 생성됩니다. 테마의 선 - 더 측정적으로 흐르며 테마에 선율적인 속성을 부여합니다. 두 억양. 멜로디 "핵심"이 "배포"에서 테마의 계속되는 부분의 급속한 움직임에서 발전을 발견하는 경우 출처는 특히 분명합니다.

J. S. 바흐. 푸가 C-뒤르.

J. S. 바흐. 듀오어몰.
복잡한 푸가에서 "핵심"의 기능은 종종 첫 번째 주제, 배치 기능-두 번째 주제 ( "The Well-Tempered Clavier", vol. 1, cis-moll fugue)에 의해 인수됩니다.
푸가는 일반적으로 모방의 속으로 분류됩니다. P.는 일반적으로 사실입니다. 왜냐하면 밝은 주제그리고 그것의 모방이 지배합니다. 그러나 일반 이론에서 푸가의 관점에서 보면 모방과 대조 P의 합성입니다. 이미 첫 번째 모방(답변)은 주제와 동일하지 않은 대위법을 수반하며, 다른 목소리가 들어오면 대비가 더욱 강화된다.

뮤지컬 백과사전. - 중.: 소비에트 백과사전, 소비에트 작곡가. 에드. Yu. V. Keldysha. 1973-1982 .

창고와 송장의 차이점. 창고 기준. 모노딕, 폴리포닉 및 하모닉 웨어하우스.

창고(독일어 Satz, Schreibweise; 영어 설정, 구성, 프랑스어 구성)는 음성(음성) 배치의 세부 사항, 수평 논리 및 다성음에서 수직 조직을 결정하는 개념입니다.

인보이스(lat. factura - 제조, 가공, 구조, facio에서 - 수행, 수행, 양식, 독일어 Faktur, Satz - 창고, Satzweise, Schreibweise - 작성 방식, 프랑스어 facture, 구조, 형태 - 장치, 추가, 영어 . 텍스처, 텍스처, 구조, 빌드업, 이탈리안 구조). 넓은 의미에서 - 뮤즈의 측면 중 하나. 형태는 뮤즈의 미학적, 철학적 개념에 포함됩니다. 모든 표현 수단과 통일된 형태; 좁은 곳에서 사용하십시오. 감각 - 뮤즈의 특정 디자인. 직물, 음악 박람회.

창고와 질감은 속과 종의 범주로 연관됩니다. 예를 들어, 호모포닉-하모닉 웨어하우스의 반주(기능 레이어)는 코드 또는 비 유적(예: 아르페지오) ​​질감의 형태로 수행될 수 있습니다. 폴리포닉 곡은 동음이의 리듬으로 유지될 수 있습니다(
다성 전체의 각 음성이 동일한 리듬으로 움직이는 경우) 또는 모조 텍스처 등

Monody와 그 역사적 형태. 모노딕 웨어하우스와 모노포닉 텍스처의 차이점.

Monody (그리스어에서-혼자 노래하거나 낭송)-단음성 (노래 또는
옥타브 또는 유니슨으로 중복되는 다성 형식의 악기 연주). 어떤 식으로든 음조 기능을 설명하거나 암시하는 단성적으로 연주되는(모노포닉 텍스처) 새로운 유럽 멜로디와 달리, 모노딕 창고의 작품은 어떤 조화도 암시하지 않습니다. 현대 과학은 일반적으로 피치 구조의 법칙을 내재적으로 설명합니다. , 양식의 관점에서. 따라서 단음 구성은 단음 구성(단음 질감)과 동일하지 않습니다. 음악 이론에서 모노디는 호모포니와 폴리포니에 반대됩니다. 모노딕. 창고는 수직적 관계 없이 "수평 차원"만을 가정합니다. 엄격하게 일치하는 monodich. 샘플 (Gregorian chant, Znamenny chant) 단일 머리. 음악 원단과 질감은 동일합니다. 풍부한 모노딕 질감은 예를 들어 동양의 음악을 구별합니다. 폴리포니를 몰랐던 사람들: 우즈베키스탄과 타지크 마콤에서는 노래가 중복됩니다. 기악 앙상블 usul을 연주하는 드럼의 참여로. 모노딕 구조와 질감은 모노디와 폴리포니 사이의 중간 현상으로 쉽게 변합니다. 즉, 다양한 멜로디 텍스처 옵션으로 인해 연주 과정에서 합창이 복잡해지는 헤테로포닉 프레젠테이션으로 바뀝니다.

고대(고대 그리스와 로마) 음악은 본질적으로 모노딕이었습니다. Monodic은 유럽 음유시인의 노래입니다. 트루바두르, 음유시인 및 음유시인, 기독교 교회에서 가장 오래된 전례 노래 전통: 그레고리안 성가, 비잔틴 및 늙은 러시아 성가, 중세
준예배 노래 - 이탈리아의 라우다, 스페인과 포르투갈의 칸티가, 모노포닉 지휘, 동부 마카마트의 모든 지역 형식
(아제르바이잔어 mugham, 페르시아어 dastgah, 아랍어 maqam 등).

고대 모노디와의 (거짓) 유추에 의해 서양 음악학자(1910년대 이후)는 일반적으로 "모노디"라는 단어를 기악과 함께 독창하는 것을 지칭하기 위해 사용합니다.
반주(일반적으로 디지털 베이스로 제한됨), 즉 이탈리아어와 독일 음악초기 바로크 (대략 1600년에서 1640년 사이) - 아리아, 마드리갈, 모테트, 노래 등

1647년 카치니, 페리, 몬테베르디의 음악과 관련하여 "모노딕 스타일"이라는 용어(당시 일반적인 스타일러스 레치타티부스 대신 스타일러스 모노디쿠스)
올해는 J.B. 도니.

폴리포니와 그 유형. 어려운 대위법.

Polyphony (그리스어 - 다수 및 - 사운드) - 여러 음성 (멜로디 라인, 넓은 의미의 멜로디)의 동시 사운드, 개발 및 상호 작용을 특징으로하는 다성 음악의 창고, 작곡 및 기술 멜로디 개발 측면에서 동일) 및 음악적 논리 ( "음악적 사고"의 동등한 운반자). "폴리포니"라는 단어는 또한 폴리포닉 구성(이전의 "대위법")을 연구하는 음악 이론 분야를 가리킵니다.

폴리포니의 본질. 창고 - 동시에 상관. 들리는 멜로디. 선은 상대적으로 독립적입니다. (수직을 따라 발생하는 자음과는 다소 독립적인) 전개가 뮤즈의 논리를 구성합니다. 양식. 폴리포닉에서 음악 목소리의 조직은 기능적 평등을 향한 경향을 보이지만 다기능적일 수도 있습니다. 폴리포닉의 특성 중 F. 생물. 밀도 및 희박화("점도" 및 "투명도")가 중요하며, to-rye는 다성음의 수에 의해 조절됩니다. 음성 (엄격한 스타일의 마스터는 기꺼이 8-12 음성을 작성하여 음의 급격한 변화없이 한 유형의 F를 보존했습니다. 그러나 대중에서는 가벼운 2 또는 3 음성으로 웅장한 폴리포니를 시작하는 것이 일반적이었습니다. 예를 들어, 팔레스트리나 대중의 십자가). Palestrina는 개요만 설명하고 자유 작문에서는 다성 기법이 널리 사용됩니다. 증가 및 감소의 도움으로 두꺼워짐, 두꺼워짐(특히 곡의 끝에서), 스트레타(Bach의 평균율 클라비에 클라비에 1권의 C-dur 푸가), 다양한 테마의 조합(피날레 코드 c-moll에서 Taneyev의 교향곡). 아래 예에서 주제의 첫 번째(30초) 및 두 번째(화음) 요소의 빠른 도입부 및 조직적 성장으로 인한 조직적 두꺼워짐이 특징적입니다. F. d ​​"Ana. 모테트.

그 반대의 경우는 폴리포닉입니다. F., 전체 메트로리듬을 기반으로 합니다. 월경 카논에서와 같이 목소리의 독립성(V. Canon, column 692의 예 참조); 보완적인 폴리포닉의 가장 일반적인 유형입니다. F.는 주제별로 결정됩니다. 그리고 리드미컬하다. 그들처럼. 목소리 (모방, 캐논, 푸가 등). 폴리포닉 F. 날카로운 리듬을 배제하지 않습니다. 계층화 및 성부의 불평등한 비율: 상대적으로 짧은 기간 동안 움직이는 대위법 성부가 지배적인 cantus firmus의 배경을 형성합니다(15-16세기의 미사 및 모테트, 바흐의 오르간 합창 편곡). 후기(19~20세기)의 음악에서는 서로 다른 주제의 다성음악이 발전하여 비정상적으로 그림 같은 F를 만들었습니다. ).

20세기 음악의 새로운 현상 중 하나. 주의해야 할 사항: F. 선형 폴리포니(화음과 리드미컬하게 관련되지 않은 음성의 움직임, Milhaud의 실내 교향곡 참조); P.는 다성음의 복잡한 불협화음 복제와 관련이 있습니다. 목소리와 다 성음 레이어로 전환 (종종 O. Messiaen의 작업에서); "비물질화된" 점묘법. F. op. A. Webern과 반대 다각형. 심각도 오크. A. Berg와 A. Schoenberg의 대위법; 폴리포닉 F. 우행 (V. Lutoslavsky에서) 및 음파. 효과(K. Penderecki 작성).

O. 메시앙. Epouvante (Rhythmic canon. 그의 저서 "The Technique of My Musical Language"의 예제 번호 50).

폴리포니는 다음과 같은 유형으로 나뉩니다.

서브 보컬 폴리포니, 메인 멜로디와 함께 에코 사운드, 즉 약간 다른 옵션이 있습니다 (이는 헤테로포니의 개념과 일치합니다). 전형적인 러시아 민요.

모방 폴리포니, 메인 테마가 한 목소리로 먼저 들리고 변경 사항에 따라 다른 목소리로 나타납니다(주요 테마가 여러 개 있을 수 있음). 주제가 변하지 않고 반복되는 형태를 정경. 모방 폴리포니의 정점은 둔주곡.

대조여러 멜로디가 동시에 들리는 폴리포니(또는 폴리멜로디). 19세기에 처음 등장했다.

복잡한 대위법- 대위법 수정 반복을 위해 설계된 선율적으로 발달된 음성의 다성 조합(모방에서 다르거나 유사함), 이러한 음성 비율의 변경으로 재생산(단순 대위법과 달리 - German einfacher Kontrapunkt - 다음에서 사용되는 음성의 다성 조합) 조합이 주어지면 하나만). 해외에서는 "S. to."라는 용어를 사용합니다. 적용되지 않습니다; 그 안에. 음악학 문헌은 관련 개념인 mehrfacher Kontrapunkt를 사용하여 수직으로 움직일 수 있는 3중 및 4중 대위법만을 나타냅니다. S. to.에서는 멜로디의 원래(주어진, 원래의) 연결이 구별됩니다. 음성 및 하나 이상의 파생 화합물 - 다성. 원래 옵션. 변화의 성격에 따라 S. I. Taneyev의 가르침에 따르면 대위법의 세 가지 주요 유형이 있습니다. 더블링을 허용하는 대위법(모바일 대위법의 종류 중 하나). 이러한 모든 유형의 S. to.는 종종 결합됩니다. 예를 들어, H-moll로 된 J.S. Bach의 질량에 있는 Fugue Credo(No 12)에서 두 개의 응답 인트로(4절과 6절)가 초기 연결을 형성합니다. 17) 마디 17-21에서 파생 연결은 이중으로 움직일 수 있는 대위법으로 들립니다(입력 거리는 원래 연결의 낮은 성부의 수직 이동이 있는 11/2 소절입니다. 1/3 아래로), 소절 24-29에서 파생 연결은 수직으로 움직일 수 있는 대위법(Iv = - 7 - 더블 옥타브 대위법; 마디 29-33의 다른 높이에서 재현됨)에서 소절 17-21의 연결로부터 형성됩니다. 33마디부터는 4가지 음색의 스트레타가 이어지며 베이스의 주제가 증가합니다. 성부 쌍은 상단을 두 배로 늘리면서 이중으로 움직일 수 있는 대위법(도입 거리 1/4마디; 38-41마디에서 다른 피치로 연주)의 원래 스트레타에서 파생된 합성물을 나타냅니다. 아래에서 여섯 번째 성부(이 예에서는 위의 조합에 포함되지 않은 다성 성부 및 그에 수반되는 8번째 성부가 생략됨).

모방 폴리포니. 주제. 시뮬레이션 특성(간격 및 거리). 모방의 종류. 반대 위치.정경. 프로포스타와 리포스타.

음악의 모방(lat. imitatio-imitation)은 주제를 한 목소리로 제시한 후 다른 목소리로 반복하는 다성적 기법입니다. 캐논과 푸가에서 모방의 요소는 제안 및 risposta, 주제 및 답변으로 명명됩니다. 초기 음성은 proposta (이탈리아어 proposta - 문장 (즉, 주제)에서), 모방 음성 - risposta (이탈리아어 risposta - 답변에서)라고합니다. 투표 수에 따라 여러 개의 rispost가 있을 수 있습니다. 모방간격(초음에 따름), 거리(전절의 길이에 따름), 측면(전절의 위 또는 아래)이 있습니다. 모방은 단순하고 정식입니다.

정식 모방은 모방하는 음성이 멜로디의 단음 부분뿐만 아니라 초기 음성에 나타나는 반대도 반복하는 일종의 모방입니다. 이러한 모방은 종종 연속이라고합니다.

단순 모방은 제안서의 단조로운 부분만 반복된다는 점에서 정식 모방과 다릅니다.

risposta는 다를 수 있습니다. 순환 (proposta의 각 간격은 반대 방향으로 취해짐); 증가 또는 감소(제안의 리듬과 관련하여); 첫 번째와 두 번째의 조합(예: 순환 및 증가); rakhode에서 (proposta의 끝에서 시작 부분까지 rispost의 움직임); 부정확(제안서와 불완전한 일치).

음악의 Contrasubjectum (lat. contrasubjectum, from contra - against 및 subjicio - to lay)-주제에 수반되는 음성, 다성 또는 모방 다 성음. 야당의 주요 속성은 주제와 관련하여 미적 가치와 기술적 독립성입니다. 그것은 다른 리듬, 다른 멜로디 패턴, 조음, 레지스터 등의 도움으로 달성됩니다. 동시에 야당은 주 목소리와 이상적인 연결을 형성해야 합니다.

정경. 표준 모방 기술에 기반한 다성 형식.

그리스어에서 번역된 Canon이라는 용어는 규칙, 법률을 의미합니다. 정경의 목소리에는 Proposta와 Risposta라는 특정 이름이 있습니다. Proposta -정경의 초기 음성은 번역에서 문장을 의미합니다. Risposta -정경의 목소리를 모방하는 것은 번역에서 계속을 의미하며 계속합니다.

작곡기법에서는 정경과 정경적 모방이 가깝고, 이러한 다성적 장치를 분석하는 과정에서 용어의 엄밀한 구분이 항상 관찰되는 것은 아니다. 그러나 "정경"이라는 용어는 지속적인 모방 기술만을 의미하는 것이 아닙니다. 이것은 독립 구성의 이름입니다. 완성 된 섹션 또는 별도의 작업 형태의 정식 모방의 완전한 형태입니다. 독립 구성으로서의 정경은 가장 오래된 형태의 다성 창고에 속합니다. 정경 모방의 경우 정경은 링크와 같은 요소가 특징입니다. 최소 2개의 링크 수는 최대 20개 이상에 달할 수 있습니다.

둔주곡. 주제. 답변 및 유형. 사이드쇼. 푸가 전체의 구성. 푸가는 단순하면서도 복잡합니다(이중, 삼중). 후가토. 푸게타.

Fugue (lat. fuga - "running", "escape", "fast flow")는 모든 목소리에서 하나 이상의 테마를 반복적으로 연주하는 것을 기반으로 한 모조 다성 음악 창고의 음악 작품입니다. 푸가는 16-17세기에 성악과 기악 모테트에서 형성되어 최고의 다성음악 형식이 되었습니다. 푸가는 2, 3, 4 등입니다. 목소리.

푸가의 주제는 별도의 구조적 단위로, 휴지 없이 코데트나 대위법으로 전개되는 경우가 매우 많습니다. 폴리포닉 테마의 분리의 주요 징후는 안정적인 멜로디 케이던스(I, III 또는 V 단계)가 있다는 것입니다. 모든 테마가 이 케이던스로 끝나는 것은 아닙니다. 따라서 닫힌 주제와 열린 주제가 있습니다.

푸가의 주요 부분은 제시부(exposition)와 자유부(free part)이며, 차례로 중간(발전)과 최종(반복)으로 세분할 수 있습니다.

노출. 메인 키의 테마(T)는 리더입니다. Dominant의 키로 주제를 수행합니다. 답변, 동반자입니다. 대답은 실제입니다. D 키에서 주제의 정확한 조옮김입니다. 또는 음조 - 시작 부분에서 약간 수정되어 점진적으로 새 키를 도입합니다. 대위법은 첫 번째 답변에 대한 대위법입니다. 야당은 보류될 수 있습니다. 모든 주제와 답변으로 변경되지 않고 (옥타브의 복잡한 대위법에서-수직 이동 가능) 무제한, 즉 매번 새로운.

테마에서 야당(2개 이상의 소리)까지 묶음은 코데트입니다.

Sideshow - 주제 수행(및 답변) 간의 구축. 막간은 푸가의 모든 섹션에 있을 수 있습니다. 그것들은 순차적일 수 있습니다. 막간은 긴장된 행동 영역입니다 (소나타 형식 개발의 원형). 성부(소프라노, 알토, 베이스)의 입력 순서가 다를 수 있습니다. 추가 주제가 가능합니다.

반대 노출이 가능합니다 - 두 번째 노출.

중간 부분. 기호는 종종 평행을 이루는 새로운 음조(주석, T 및 D가 아님)의 출현입니다. 때때로 그 표시는 적극적인 개발의 시작입니다. 주제는 확대되고 stretta 모방입니다. Stretta는 테마가 끝나기 전에 다른 목소리로 들어가는 압축된 모방입니다. 스트레타는 푸가의 모든 섹션에서 찾을 수 있지만 최종 악장 또는 중간 악장에서 더 일반적입니다. "주제별 응축" 효과를 만듭니다.

마지막 부분(반복). 그 표시는 테마가 수행되는 기본 키의 반환입니다. 1개, 2개, 3개 또는 그 이상이 있을 수 있습니다. T~D 가능합니다.

종종 작은 케이던스 구성인 코다가 있습니다. 가능한 T 오르간 포인트, 음성 추가가 가능합니다.

푸가는 단순하고(한 주제에 대해) 복잡합니다(2~3개 주제에 대해). 삼루타. 모든 테마가 대위법적으로 결합된 자유 파트의 존재 - 필수 조건복잡한 푸가 형성.

이중 푸가에는 두 가지 유형이 있습니다. 1) 동시에 들리는 주제의 합동 노출이 있는 이중 푸가입니다. 보통 4개의 목소리. 대위법이 유지되는 푸가와 비슷하지만 후자와 달리 이중 푸가는 두 주제의 두 성부로 시작합니다(일반 푸가의 대위법은 답이 있을 때만 들립니다). 주제는 일반적으로 대조적이고 구조적으로 닫혀 있으며 주제별로 중요합니다. 메모. 모차르트의 레퀴엠 중 Kyrieeleison.

2) 별도의 주제 노출이 있는 이중 푸가. 일반적으로 중간 부분과 마지막 부분이 일반적입니다. 때로는 공통된 마지막 부분이 있는 각 주제에 대해 별도의 설명과 중간 부분이 있습니다.

카논, 푸가, 푸게타, 푸가토뿐만 아니라 스트레타, 카노니컬 시퀀트, 무한 카논 등과 같은 특정 기술을 포함하여 수많은 형식이 모방을 기반으로 합니다.

Fughetta는 작은 푸가입니다. 또는 덜 심각한 내용의 푸가.
Fugato는 푸가의 설명입니다. 때때로 박람회와 중간 부분. 종종 소나타, 교향곡의 개발, 사이클 섹션(칸타타, 오라토리오), 폴리포닉(basso ostinato) 변형에서 발견됩니다.

하모닉 창고. 인보이스 유형. 화음의 정의. 화음의 분류. 인보이스 영수증. 코드가 아닌 소리.

대부분의 경우 "텍스처"라는 용어는 하모닉 웨어하우스의 음악에 적용됩니다. 측량할 수 없을 정도로 다양한 유형의 하모닉 텍스처에서 첫 번째이자 가장 간단한 것은 호모포닉-하모닉과 고유 화음(호모포닉-하모닉의 특수한 경우로 간주됨)으로 구분하는 것입니다. Chordal F.는 단일 리듬입니다. 모든 음성은 동일한 길이의 소리로 설정됩니다 (차이코프스키의 서곡 판타지 로미오와 줄리엣의 시작). 호모포닉 하모닉에서. F. 선율, 저음 및 보음의 그림이 명확하게 구분됩니다(쇼팽의 c-moll 야상곡의 시작 부분).

고조파 협화음의 표현에는 다음과 같은 주요 유형이 있습니다(Tyulin, 1976, ch. 3rd, 4th).

a) 코드 사운드의 연속적인 표현의 하나 또는 다른 형태를 나타내는 코드 형상 유형의 고조파 형상(Bach의 Well-Tempered Clavier 1권의 Prelude C-dur);

b) 리드미컬한 형상 - 사운드 또는 코드의 반복(시 D-dur op. 32 No 2 by Scriabin);

c) 색상 구성 - 12월. 예를 들어 오케스트라 프리젠테이션(모차르트의 g-moll 교향곡의 미뉴에트)에서 한 옥타브로 복제하거나 3도, 6도 등으로 긴 두 배로 "테이프 움직임"을 형성합니다("Musical Moment" op. 16 No 3 라흐마니노프);

d) 다양한 유형의 멜로디. 그 본질은 멜로디의 도입입니다. 조화로운 움직임. 목소리 - 통과 및 보조에 의한 코드 구성의 복잡성. 소리 (쇼팽의 c-moll op. 10 No 12의 Etude), 선율 화 (Rimsky-Korsakov의 4 번째 그림 "Sadko"의 시작 부분에서 메인 테마의 합창단 및 오케스트라 프레젠테이션) 및 음성의 다 성음 화 (Wagner의 " 소개 Lohengrin"), 멜로디 리듬 "부흥"조직. 포인트 (네 번째 그림 "Sadko", 번호 151).

위의 조화 텍스처 유형의 체계화가 가장 일반적입니다. 음악에는 많은 특정 텍스처 기술이 있으며 그 모양과 사용 방법은 주어진 음악 역사적 시대의 문체 규범에 의해 결정됩니다. 따라서 텍스처의 역사는 하모니, 오케스트레이션(더 넓은 의미에서 기악주의) 및 연주의 역사와 분리할 수 없습니다.

화음 (French accord, lit. -consent; it. accordo - consonance) - 1) 서로 다른 음정 구조와 목적을 가질 수 있는 3개 이상의 소리의 자음으로, 조화 시스템의 주요 구조 요소이며 반드시 소유하고 있습니다. 유사한 요소와 관련하여 자율성, 계층 및 선형성과 같은 세 가지 속성; 2) 높이가 다른 여러 소리의 조합으로 개별 다채로운 에센스와 조화로운 통합 역할을합니다.

코드 분류:

귀 인상으로

음악 시스템의 위치별

음색의 위치에 따라

메인 톤의 위치에 따라

화음 3화음 등에 포함된 음의 수에 따라

화음의 구조를 결정하는 음정에 따라(3음 구조와 비3음 구조. 후자는 4도에 배열되거나 혼합 구조를 갖는 3개 이상의 소리의 자음 포함).

소리가 초 단위(톤 및 반음)와 1초 미만의 간격(1/4, 1/3 톤 등)에 있는 코드를 클러스터라고 합니다.

비화음 소리 - (독일어 akkordfremde 또는 harmoniefremde Töne, 영어 비화성음, 프랑스어 음표 ©trangires, 이탈리아어 음표 우발적 멜로디 또는 음표 장식) - 화음의 일부가 아닌 소리. N.h. 하모니를 풍부하게 합니다. 자음, 멜로디를 도입합니다. 중력, 화음의 소리 변화, 그들과 관련하여 추가 멜로디 기능적 연결 형성. N.h. 주로 화음 소리와 상호 작용하는 방법에 따라 분류됩니다: do N. z. 소절의 무거운 비트로, 코드 비트에서 가벼운 비트로 또는 그 반대로 N.z.가 반환됩니까? N.z가 나타나는지 여부에 관계없이 원래 코드로 이동하거나 다른 코드로 이동합니다. N. z. 두 번째 움직임 또는 던진 것으로 밝혀졌습니다. 다음과 같은 주요 사항이 있습니다. N.h.의 유형:
1) 구금(약어: h)
2) appoggiatura(ap);
3) 지나가는 소리(p);
4) 보조음(c);
5) cambiata (k) 또는 갑자기 던져진 보조;
6) 점프 톤(sk) - 구금 또는 보조, 준비 없이 촬영 및 포기. 허락없이;
7) 리프트(오후).

혼합 창고(다성음-고조파). 창고 변조.

캐논은 조화로운 반주를 동반할 수 있습니다. 이 경우 혼합된 다성 화음 창고가 나타납니다. 한 창고에서 시작된 작업은 다른 창고에서 끝날 수 있습니다.

창고의 역사와 음악적 사고의 역사(단음의 시대, 다성음의 시대, 화성적 사고의 시대). XX 세기의 새로운 현상: 소너-모노딕 창고, 점묘법.

음악 구조의 진화와 변화는 유럽 전문 음악 발전의 주요 단계와 연결되어 있습니다. 따라서 모노디(고대 문화, 중세), 폴리포니(중세 후기와 르네상스), 동음이의(현대)의 시대가 구분됩니다. 20세기에 음파-모노딕(공식적으로 다성음이지만 본질적으로 분리할 수 없는 한 줄의 음색을 의미하는 evucheities가 특징적입니다. Sonorica 참조), 점묘법 음악 웨어하우스(서로 다른 음역의 개별 사운드 또는 모티프, 형식적으로 선, 실제로 많은 숨겨진 목소리에 속함) 등

고조파 창고 및 인보이스는 폴리포니에서 발생합니다. 예를 들어, 3화음의 아름다움을 완벽하게 느꼈던 Palestrina는 복잡한 폴리포닉(캐논)과 합창단 자체의 도움으로 많은 소절에 걸쳐 신흥 화음의 형상을 사용할 수 있었습니다. 돌을 가진 보석상과 같은 조화에 감탄하는 의미 (교차, 복제) (교황 마르첼로 미사에서 Kyrie, 바 9-11, 12-15-5 대위법). 오랫동안 instr. 찌르다. 17세기의 작곡가 코러스 중독. 엄격한 작문 스타일은 분명했으며 (예를 들어 J. Sweelinka의 오르간 op.) 작곡가는 비교적 복잡하지 않은 기술과 혼합 하모니카 그림에 만족했습니다. 그리고 폴리포닉. F. (예: J. Frescobaldi).

제작 과정에서 질감의 표현적 역할이 강화됩니다. 2 층. 17 세기 (특히 A. Corelli의 작품에서 솔로와 투티의 공간적 질감 병치). J. S. Bach의 음악은 F. (독주 바이올린을위한 chaconne d-moll, "Goldberg Variations", "Brandenburg Concertos")와 일부 거장 op. ("Chromatic Fantasy and Fugue"; Fantasy G-dur for organ, BWV 572) Bach는 조직적인 발견을 했으며 이후 낭만주의자들이 널리 사용했습니다. 비엔나 클래식의 음악은 하모니의 선명함과 그에 따른 질감 패턴의 선명함이 특징입니다. 작곡가는 상대적으로 단순한 조직적 수단을 사용했으며 주제로서의 F.에 대한 태도와 충돌하지 않는 일반적인 형태의 움직임(예: 구절 또는 아르페지오와 같은 그림)을 기반으로 했습니다. 중요한 요소 (예를 들어, 모차르트 소나타 11번 A-dur, K.-V. 331 1악장의 4번째 변주 중간 부분 참조); 알레그리 소나타의 주제를 제시하고 발전시키는 과정에서 동기적 발전은 조직적 발전과 병행하여 일어난다(예를 들어, 베토벤 소나타 1번 1악장의 주요 부분과 연결 부분에서). 19세기 음악에서는 주로 낭만주의 작곡가들 사이에서 예외가 관찰됩니다. 다양한 유형의 F. - 때로는 무성하고 다층적이며 때로는 집에서 아늑하고 때로는 환상적으로 기괴합니다. 강한 질감과 문체 한 거장의 작품에서도 차이가 발생합니다(피아노를 위한 h-moll의 다양하고 강력한 F. 소나타와 리스트의 희곡 "회색 구름"의 피아노포르테의 인상주의적으로 세련된 그림 참조). 19세기 음악의 가장 중요한 경향 중 하나. - 텍스처 그림의 개별화: 낭만주의 예술의 비범하고 독특하며 특징에 대한 관심은 F의 전형적인 인물을 거부하는 것을 자연스럽게 만들었습니다. 멜로디(리스트)의 다중 옥타브 선택을 위한 특별한 방법이 발견되었습니다. 뮤지션들은 주로 넓은 하모니카의 멜로디에서 F.를 업데이트할 기회를 찾았습니다. 형상 (쇼팽의 피아노 소나타 b-moll 피날레와 같은 특이한 형식 포함), 때로는 거의 다성으로 변합니다. 내레이션(FP 쇼팽을 위한 첫 번째 발라드 설명 부분의 주제). 질감 있는 다양성은 냄비에 대한 청취자의 관심을 지원했습니다. 그리고 악기 미니어처의 순환, 그것은 F에 직접적으로 의존하는 장르의 음악 구성을 어느 정도 자극했습니다. -에튜드, 변주곡, 랩소디. 반면에 F. 일반 (Frank의 바이올린 소나타 피날레)과 하모니카의 다 성음 화가있었습니다. 특히 형상(Wagner의 "Gold of the Rhine" 서문에 나오는 8개의 머리로 된 대포). 루스. 음악가들은 동양의 질감 기법에서 새로운 울림의 원천을 발견했습니다. 음악 (특히 Balakirev의 "Islamei"참조). 가장 중요한 것 중 하나입니다. 19세기의 업적 F. 분야에서 - 동기의 풍부함, 주제 강화. 집중 (R. Wagner, I. Brahms): 일부 Op. 사실, 주제가 아닌 척도는 하나도 없습니다. 자료(예: c-moll의 교향곡, Taneyev의 피아노 5중주, Rimsky-Korsakov의 후기 오페라). 개인화 된 Ph. 개발의 극점은 P.-harmony와 F.-timbre의 출현이었습니다. 이 현상의 본질은 특정 조건 하에서 하모니는 그대로 F.로 전달되며 표현력은 그림 같은 배열만큼 사운드 구성에 의해 결정되지 않습니다. 코드의 "바닥"과 피아노 레지스터의 상관 관계 , 오케스트라가 우선합니다. 여러 떼; 더 중요한 것은 피치가 아니라 코드의 질감 채우기, 즉 사용 방법입니다. F.-harmony의 예는 Op. M. P. Mussorgsky(예: 오페라 "Boris Godunov" 2막의 "Clock with Chimes"). 그러나 일반적으로 이러한 현상은 20세기 음악에서 더 일반적입니다. A. N. Scriabin(피아노 소나타 4번의 1부 반복 시작, 피아노 소나타 7번의 절정, 피아노 시 "To the Flame"의 마지막 코드), K. Debussy, S. V. Rachmaninov. 다른 경우에는 F. 와 하모니의 합병으로 음색이 결정되며(fp. Ravel의 "Skarbo" 재생), 특히 오크에서 발음됩니다. 리드미컬 한 조합에서 소리가 발생할 때 "유사한 수치 결합"기술. 하나의 질감 그림의 변형 (오랫동안 알려진 기술이지만 I. F. Stravinsky의 악보에서 훌륭하게 개발되었습니다. 발레 "Petrushka"의 시작 부분 참조).

20 세기 주장에서. F.를 업데이트하는 다양한 방법이 공존합니다.가장 일반적인 경향이 주목되는 바와 같이 일반적으로 F.의 역할 강화는 폴리포닉을 포함합니다. F., 20세기 음악에서 폴리포니의 우세와 관련하여. (특히, 신고전주의 방향의 생산에서 과거 시대의 F. 복원); 텍스처 기술의 추가 개별화(개별적인 형태와 조화가 생성되는 것처럼 필름은 본질적으로 각각의 새로운 제품에 대해 "구성"됩니다); 발견 - 새로운 고조파와 관련하여. 규범 - 불협화음 중복(3개의 에튜드, 스크리아빈의 op. 65), 특히 복잡하고 "정교하게 단순한" F의 대조(프로코피예프 피아노 협주곡 5번의 1부), 즉흥적인 그림. 유형(Shchedrin의 "Polyphonic Notebook"의 24번 "수평 및 수직"); nat의 원래 텍스처 특징의 조합입니다. 최신 하모니가 있는 음악. 그리고 오크. 기술 교수. art-va (밝게 화려한 " 심포닉 댄스"Mold. comp. P. Rivilis 및 기타 작업), F. c)의 지속적인 주제화, 특히 연재 및 연재 작업에서 주제와 F의 정체성으로 이어집니다.

등장 새로운 음악 20 세기 고조파 또는 다 성음과 관련이없는 비 전통적인 창고는 Ph.의 해당 품종을 결정합니다. 제품의 다음 조각. 이 음악의 불연속성 특성, F의 비일관성을 보여줍니다. - 레지스터 계층화(독립성), 다이내믹. 그리고 조음. 차별화: P. Boulez. 피아노 소나타 1번, 1악장의 시작.

음악 예술에서 F. 의 가치. 아방가르드는 논리에 도달했습니다. 한계, F. 가 거의 유일한 것(K. Penderetsky의 여러 작품에서) 또는 단일체가 되는 경우. 의 목적 작곡가의 작품(Voc. Stockhausen의 "Stimmungen" 6중주는 B-dur 3화음의 질감-음색 변형입니다). F. 주어진 피치 또는 리드미컬한 즉흥 연주. 이내 - 메인. 통제 된 우화의 수용 (op. V. Lutoslavsky); F. 분야에는 무수한 음파 세트가 포함됩니다. 발명품 (음파 기법 모음 - 오페라 Slonimsky의 "색채 환상"). 전통 없이 창조된 전자적이고 구체적인 음악에. 도구 및 실행 수단, F. 의 개념은 분명히 적용되지 않습니다.

송장은 의미합니다. 형성 가능성(Mazel, Zuckerman, 1967, pp. 331-342). 형태와 형태 사이의 연결은 형태의 이러한 패턴의 보존이 구성의 융합, 그 변화-절단에 기여한다는 사실로 표현됩니다. F.는 오랫동안 sec에서 가장 중요한 변형 도구로 사용되었습니다. ostinato 및 neostinatny 변형 형태, 경우에 따라 큰 역학을 나타냅니다. 가능성 (Ravel의 "Bolero"). F.는 뮤즈의 외모와 본질을 결정적으로 바꿀 수 있습니다. 이미지 (Scriabin의 4 번째 피아노 소나타 2 번째 부분의 개발 및 코드에서 1 부분의 leitmotif 수행); 3악장 형식의 재현(베토벤 피아노 소나타 16번의 2부; 쇼팽의 야상곡 c-moll op. 48), 론도의 후렴구(피아노 소나타 25번 피날레 베토벤). F. 의 조형적 역할은 소나타 형식(특히 orc. 구성)의 개발에서 중요하며, 섹션의 경계는 처리 방법의 변화와 결과적으로 F. 주제의 변화에 ​​의해 결정됩니다. 재료. F. 의 변경 사항이 주요 변경 사항 중 하나가 됩니다. 20세기 작품에서 형태를 나누는 수단. (Honegger의 "태평양 231"). 일부 새로운 구성에서 형식은 형식의 구성에 결정적인 것으로 밝혀졌습니다(예를 들어, 하나의 구성의 가변 반환에 기반한 소위 반복 형식에서).

셰이더 유형은 종종 특정 유형과 연결됩니다. 장르(예: 댄스 음악)는 프로덕션에서 결합하기 위한 기반이 됩니다. 음악에 예술적으로 효과적인 모호성을 부여하는 다양한 장르의 기능(쇼팽의 음악에서 이러한 종류의 표현적인 예: 예를 들어 Prelude No. 20 c-moll - 합창, 장례식 행진 및 passacaglia의 기능 혼합). F. 하나 또는 다른 역사적 또는 개별 뮤즈의 징후를 유지합니다. 스타일(및 연관, 시대): 소위. 기타 반주를 통해 S.I. Taneev는 초기 러시아어의 미묘한 양식화를 만들 수 있습니다. 로맨스 "때, 소용돌이, 단풍"의 비가; G. Berlioz는 nat를 만들기 위해 교향곡 "Romeo and Julia"의 3 부에 있습니다. 그리고 역사적 색상은 16세기 마드리갈 아카펠라의 소리를 능숙하게 재현합니다. "Carnival"의 R. Schumann은 진정한 음악을 씁니다. F. Chopin과 N. Paganini의 초상화. F. - 음악의 주요 소스. 설명력, 특히 k.-l인 경우에 설득력이 있습니다. 움직임. F.의 도움으로 음악의 시각적 선명도가 동시에 달성됩니다(Wagner의 "Gold of the Rhine" 소개). 미스터리로 가득 찬그리고 아름다움 (Rimsky-Korsakov의 "보이지 않는 도시 Kitezh와 Maiden Fevronia 이야기"의 "Praise to the Desert"), 때로는 놀라운 떨림 (M.I. Glinka의 로맨스에서 "심장이 뛰는 휴거") "나는 기억합니다 멋진 순간").

송장 (lat. factura에서 - 제조, 가공, 구조) - 1) 디자인, 뮤지컬 패브릭의 구조; 2) 톤, 화음 간격, 자음, 소너, 모든 종류의 리듬, 다이내믹, 획 및 조음 구조 단위를 포함하여 동시에 순차적으로 펼쳐지는 음악 구조의 다양한 요소의 특정 세트, 내용, 관계 덜 독립적인 단순화된 선형 또는 선율 음성, 소너 레이어 또는 이산 공간. 가장 넓은 의미에서 "질감"이라는 용어는 음악적 공간의 3차원인 깊이, 수직 및 수평을 모두 포함하는 음색을 포함하며 "감각적으로 인지되고 직접 들을 수 있는 음악의 사운드 레이어"입니다. 그것의 생각 - 질감 테마, 즉 . "테마-멜로디"와 "테마-하모니"의 상대적으로 독립적인 등가물로. 일반적으로 질감을 결정할 때 다음과 같은 특성을 나타냅니다. 질량(예: 질감이 "무거움", "거대함", "가벼움"), 밀도(질감이 "불연속적", "희소", "조밀함", "응축됨", "작음" 등), 자연 음성 통신("스케일", "멜로디", "이산"을 포함한 텍스처 "선형") 및 개별 음성의 관계(텍스처 "하위 음성" 또는 "헤테로포닉", "모방", "대조-다성", "동음성") , "합창", "소너", "이산" 등), 기악 구성 (텍스처 "오케스트라", "합창", "사중주" 등). 그들은 또한 특정 장르의 전형적인 질감 ( "행진하는 질감", "왈츠의 질감"등) 등에 대해 이야기합니다.
예를 들어:
chord-tape texture - 목소리가 화음으로 복제되는 모노 또는 폴리포닉 텍스처.
아르페지오-오스티나토 텍스처 - 아르페지오 반복;
"대각선 텍스처" - 텍스처의 주요 기술은 "음악 패브릭을 장식하고 질서와 무결성을 부여하는 방법으로 크레센도-디미누엔도"이며 그 구성 요소는 "하프톤 "필드"를 지속적으로 채우는 전체 반음계입니다. dodecaphonic 시리즈, 자음 클러스터 ";
contrast pair-imitation texture* - 서로를 모방하는 음성이 주제별로 쌍으로 연결되는 질감;
대조-음성 질감(= 대조-다성 음성);
콘트라스트 레이어 텍스처(= 콘트라스트-폴리포닉 레이어 텍스처);
선형 물결 모양의 모노머 텍스처;
진동 밴드 - 질감, 간격, 화음, 음파를 포함하여 모든 고조파 요소의 초 동안 상대적으로 느리고 규칙적인 위아래로 이동하는 과정에서 내용이 형성됩니다. 그녀의 옵션은 다음과 같습니다.
1 코드 진동 밴드(= 코드 비브라토),
2 간격 진동 밴드,
3 소노로 진동 밴드.
리허설-코드 글라이딩 텍스처 - 각 코드가 가속 또는 감속으로 빠르게 반복되는 텍스처.
정적 소나 테이프 - 일반 음량에서 눈에 띄지 않는 특정 음성 라인 세트로 구성된 텍스처. Sonoro-pedal polylinear 텍스처와 동일합니다.
트릴 텍스처 - 텍스처, 주요 구조 단위는 트릴입니다.
texture-allusion - 일부 질감에 대한 암시로만 제시되는 질감, 즉 흐릿한 투영으로 인식됩니다.
텍스처 발효 - 스타카토, "markat", "legate" 등 발효 과정을 연상시키는 둘 이상의 상대적으로 가까운 간격의 톤, 고조파 간격, 화음, 점성 액체의 비등, 표면에 규칙적이고 불규칙한, 고르지 않은 피치 및 단일 피치 "톤- 버스트", "인터벌 버스트"가 지속적으로 또는 교대로 나타나고 "버스트 코드";