음악 콘텐츠- 작품의 내적 영적 이미지; 음악이 표현하는 것. 모든 예술적 콘텐츠에는 세 가지 측면이 있습니다. 주제(우화) 감정적인그리고 이데올로기(“음악가를 위한 미학에 관한 책”, M.-Sofia, 1983, p. 137). 음악 콘텐츠의 중심 개념 - 아이디어(감각적으로 구현된 음악적 사고) 및 뮤지컬 이미지(음악적 감각에 직접 개방 전체적인 성격, 뿐만 아니라 뮤지컬 감정과 마음의 상태를 포착). 뮤지컬 콘텐츠의 가장 중요하고 구체적인 측면은 아름다움,코토포로 밖에는 예술이 없다(ibid., p. 39). 높은 미적, 예술적 지배 아름다움과 조화의 느낌(저급하고 일상적인 감정과 감정도 굴절되는 프리즘을 통해) 음악은 인간의 개성을 고양시키는 가장 중요한 사회적 기능을 수행할 수 있습니다.
음악의 형식- 소리 콘텐츠 구현요소 시스템과 그 관계를 사용합니다. 이 양식의 세균뮤지컬 및 모바일 다이내믹 그녀의 추진력 - 인토네이션 콤플렉스, 사상적이고 조형적인 내용의 본질을 가장 직접적으로 반영하고 뮤즈의 핵심 구현을 나타냅니다. 리듬, 모드 및 질감을 통한 생각. 음악적 사고(아이디어, 이미지)는 미터법 구성, 멜로디의 동기 구조, 화음, 대위법, 음색 등.; 그것은 뮤지컬 형식 부분의 다양한 의미 론적 기능의 집합에서 반복, 대조, 반사 시스템을 통한 논리적 개발에서 뮤지컬의 통합 형식으로 완전히 실현됩니다. 작곡기법(음악형식)은 뮤즈의 표현을 완성하는 역할을 한다. 생각, 미학적으로 완전한 예술적 전체의 창조, 아름다움의 성취 (예를 들어, P. I. Tchaikovsky에 따르면 기술 규칙은 "조화의 아름다움"을 결정합니다).
음악 형식과 내용은 동일합니다.. 가장 미묘하고 예술적 감정의 음영을 포함하여 모든 것은 뮤지컬 형식의 일부 수단으로 확실히 표현되며 모든 기술적 세부 사항은 내용을 표현하는 데 사용됩니다(구두 형식에 적합하지 않더라도). 음악의 비개념성. 말의 언어로 적절하게 재생산되는 것을 허용하지 않는 예술적 이미지는 내용과 형식의 통일성을 증명하는 음악 이론 분석의 특정 예술적 및 기술적 장치에 의해 충분한 정도의 확실성을 가지고 파악될 수 있습니다. 뮤지컬의. 주요한, 생성 요인이 화합 속에는 언제나 억양 기반 콘텐츠. 또한 창의성의 기능은 반사적이고 수동적 일뿐만 아니라 새로운 예술적, 미적, 영적 가치 (반사 대상에는 존재하지 않음)의 생성을 포함하는 "demiurgical"입니다. 음악 형식은 뮤즈의 표현입니다. 역사적 및 사회적으로 결정된 억양 구조 및 해당 사운드 자료의 틀 내에서 생각. 뮤즈. 자료가 정리되어 있다 V 뮤지컬 형식근본적인 구별을 바탕으로 반복과 비반복; 모든 특정 형식의 음악 - 다양한 유형의 반복.
음악이 원래의 "음악적" 삼위일체 단어-성가-신체 운동(그리스어 무도병)에서 분리된 후에도, 음악 형식은 운문, 스텝, 댄스와 유기적인 연결을 유지(X. Bülow에 따르면 "태초에 리듬이 있었다").
음악은 시간 속에서 소리와 침묵이 뒤섞인 결과물로서 감성적인 분위기, 작곡한 사람의 미묘한 감정을 전달합니다.
일부 과학자들의 연구에 따르면 음악은 사람의 심리적, 신체적 상태에 모두 영향을 미치는 능력이 있습니다. 당연히 그러한 음악 작품은 제작자가 의도적으로 또는 무의식적으로 설정한 고유한 특성을 가지고 있습니다.
템포와 사운드로 음악의 특성을 결정합니다.
러시아 음악가이자 교사 심리학자 인 V. I. Petrushin의 작품에서 작품의 다음과 같은 음악적 성격의 기초를 구별 할 수 있습니다.
- 사운드와 느린 템포가 슬픔의 감정을 전달합니다. 그러한 음악은 슬프고 슬픔과 낙담을 전하고 돌이킬 수없는 찬란한 과거에 대한 후회를 전하는 것으로 특징 지을 수 있습니다.
- 소리와 느린 템포는 평화와 만족의 상태를 전달합니다. 이 경우 음악 작업의 본질에는 평화, 사색 및 균형이 포함됩니다.
- 단조와 빠른 템포는 분노의 감정을 암시한다. 음악의 본질은 열정적이고, 동요하고, 긴장된 극적인 것으로 묘사될 수 있습니다.
- 주요 색채와 빠른 템포는 의심할 여지없이 낙관적이고 삶을 긍정하며 명랑하고 기뻐하는 성격으로 표시되는 기쁨의 감정을 전달합니다.
역학, 음색 및 조화 수단과 같은 음악의 표현력 요소는 감정을 반영하는 데 매우 중요하며 작품에서 음악적 특성 전달의 밝기는 이에 달려 있습니다. 실험을 해보고 같은 멜로디를 메이저나 마이너 사운드, 빠르거나 느린 템포로 연주하면 멜로디가 완전히 다른 감정을 전달하고 그에 따라 음악의 일반적인 성격이 바뀝니다.
음악의 성격과 듣는 사람의 기질 사이의 관계.
고전 작곡가의 작품을 현대 거장의 작품과 비교하면 음악적 색채 발전의 특정 경향을 추적할 수 있습니다. 점점 더 복잡해지고 다각화되지만 감정적 배경, 성격은 크게 변하지 않습니다. 따라서 한 곡의 성격은 시간이 흘러도 변하지 않는 상수이다. 2-3세기 전에 쓰여진 작품은 동시대인들 사이에서 인기를 끌던 시대와 마찬가지로 듣는 사람에게 동일한 영향을 미칩니다.
사람은 자신의 기분뿐만 아니라 무의식적으로 자신의 기질을 고려하여 듣기 위해 음악을 선택한다는 것이 밝혀졌습니다.
- Melancholic - 느린 마이너 음악, 감정 - 슬픔.
- Choleric - 사소하고 빠른 음악 - 감정 - 분노.
- Phlegmatic - 느린 주요 음악 - 감정 - 평온함.
- Sanguine - 주요하고 빠른 음악 - 감정 - 기쁨.
절대적으로 모든 음악 작품에는 고유한 성격과 기질이 있습니다. 그것들은 원래 작가에 의해 만들어졌을 때의 느낌과 감정에 따라 만들어졌습니다. 그러나 지각은 주관적이며 개인 기질에 따라 청취자의 감정과 감정의 프리즘을 통과하기 때문에 청취자가 작가가 전달하고자 하는 바를 정확히 해독하는 것이 항상 가능한 것은 아닙니다.
본질이 무엇인지, 음악적 내용 (2시간)
- 일반화는 음악 콘텐츠의 가장 중요한 속성입니다(L. 베토벤의 월광 소나타 파트 I의 예에서).
음악 자료:
- L. 베토벤. 피아노를 위한 소나타 14번. 파트 I(심리); II 및 III 부분 (교사 요청시);
- L. 베토벤. 교향곡 7번, 파트 I 및 II(교사 요청 시);
- L. Beethoven, E. Alexandrova의 러시아어 텍스트. "우정"(노래).
활동의 특징:
- 콘텐츠를 음악 작품으로 번역하는 방법을 분석합니다.
- 내용과 형식의 통일성(교과서에 제시된 기준을 고려하여)의 관점에서 음악 작품을 인식하고 평가한다.
- 서유럽 음악(비엔나 고전주의 시대)의 뛰어난 예를 마스터합니다.
음악적 내용에 대한 이해를 찾는데 논리적인 법칙과 분석 방법은 무력하다. 우리는 모든 논리에도 불구하고 음악을 믿습니다. 우리는 그것이 명백하고 명백하게 우리에게 영향을 미치기 때문에 믿습니다. 우리 안에 존재하는 것을 믿지 않는 것이 가능합니까?
음악 콘텐츠가 담고 있는 신비에 대해 생각해야 했던 모든 사람들은 아마 느꼈을 것입니다. 음악은 우리에게 더 많은 것을 말해줍니다. 그것은 우리의 경험, 삶에 대한 우리의 지식보다 헤아릴 수 없을 정도로 더 넓고 풍부합니다.
예를 들어 베토벤의 월광 소나타를 들으면 달밤의 그림을 상상할 수 있습니다. , 끝없는 별이 빛나는 하늘이 이해할 수없고 신비합니다.
그런데 이 작업의 내용은 조경협회에서만 소진되는 것인가? 결국 이 소나타를 들으면서 우리는 짝사랑, 이별, 외로움, 인간 슬픔의 모든 쓰라림의 쓸쓸한 고통을 상상할 수 있습니다.
그리고 이러한 모든 다른 아이디어는 베토벤 소나타의 집중된 명상 분위기의 본질과 모순되지 않습니다. 그것은 달밤의 슬픔뿐만 아니라 세상의 모든 슬픔, 모든 눈물, 고통과 괴로움에 대해 우리에게 말해주기 때문입니다. 그리고 이러한 고통을 야기할 수 있는 모든 것은 소나타의 내용에 대한 설명이 될 수 있으며, 소나타에서는 모든 사람이 자신의 영적 경험을 추측합니다.
대부분의 사람들이 월광소나타를 알고 있고 정말 좋아합니다. 이 마법 같은 음악은 몇 번을 들어도 그 아름다움으로 우리를 정복하고 그 안에 구현된 강력한 감정의 힘으로 우리를 깊이 흥분시킵니다.
이 소나타 음악의 거부할 수 없는 영향을 경험하기 위해 어떤 삶의 환경에서 작곡되었는지 알지 못할 수도 있습니다. 베토벤 자신이 그것을 "판타지 소나타"라고 불렀고 작곡가가 사망 한 후 베토벤의 친구 중 한 명인 시인 Ludwig Relshtab의 가벼운 손으로 "Lunar"라는 이름이 지정되었다는 사실조차 모를 수 있습니다. 시적 형식으로 Relshtab은 소나타에 대한 인상을 표현했습니다. 첫 번째 부분에서 그는 달밤의 그림, 호수의 조용한 창공 및 그 위에서 고요하게 항해하는 보트를 보았습니다.
오늘 이 소나타를 들어보시면 그러한 해석이 베토벤 음악의 실제 내용과는 거리가 멀고 "Lunar"라는 이름이 아무리 익숙해져도 모두 이 음악의 성격과 정신에 해당합니다.
그리고 음악이 생성된 실제 상황과 결과적으로 작곡가가 생성되었을 때 어떤 생각과 감정을 가지고 있었는지 알고 있다면 일부 자체 프로그램을 음악에 "작성"하는 것이 정말로 필요합니까?
이제 최소한 개괄적으로 월광소나타의 등장의 역사를 안다면 지금까지 듣고 지각했던 것과는 다르게 듣고 지각하게 되리라 믿어 의심치 않는다.
나는 이미 베토벤이 경험했고 그의 하일리겐슈타트 유언장에 포착된 깊은 영적 위기에 대해 이야기했습니다. 베토벤의 삶에서 그에게 중요한 사건이 일어난 것은 이 위기 직전이었고 의심할 여지없이 위기를 더 가깝게 만들고 날카롭게 했습니다. 이때 그는 귀머거리가 다가오고 있음을 느꼈을 때 생애 처음으로 진정한 사랑이 그에게 왔다고 느꼈습니다 (또는 적어도 그에게는 그렇게 보였습니다). 그는 매력적인 학생인 젊은 백작부인 Juliet Guicciardi를 미래의 아내로 생각하기 시작했습니다. “... 그녀는 나를 사랑하고 나는 그녀를 사랑합니다. 지난 2년 동안 처음으로 빛나는 순간들입니다.
그리고 그녀는? 귀족 가정에서 자란 그녀는 유명하지만 겸손한 출신이지만 귀머거리 임에도 불구하고 그녀의 선생님을 내려다 보았습니다. “안타깝게도 그녀는 다른 계급에 속합니다. 그러나 Juliet은 그녀의 뛰어난 선생님을 이해할 수 없었고 이것에 대해 너무 경솔하고 피상적이었습니다. 그녀는 베토벤에게 이중 타격을 입혔습니다. 그녀는 그를 외면하고 평범한 음악 작곡가 인 Robert Gallenberg와 결혼했지만 카운트 ...
베토벤은 위대한 음악가이자 위대한 사람이었습니다. 거대한 의지의 사람, 강력한 정신, 고상한 생각과 가장 깊은 감정을 가진 사람. 그의 사랑과 고통, 그리고 이러한 고통을 극복하려는 그의 열망이 얼마나 컸을지 상상해 보십시오!
"월광 소나타"는 그의 인생의 어려운시기에 만들어졌습니다. 베토벤은 본명 "Sonata quasi una Fantasia", 즉 "환상 같은 소나타"로 "줄리에타 귀치아르디 백작부인에게 바칩니다"라고 썼습니다.
지금 이 음악을 들어보세요! 귀로만 듣지 말고 마음으로 들어라! 그리고 아마도 이제 당신은 이전에 들어본 적이 없는 헤아릴 수 없는 슬픔의 첫 번째 부분을 듣게 될 것입니다.
두 번째 부분에서-이전에 눈치 채지 못했던 밝고 동시에 슬픈 미소;
그리고 마지막으로 피날레에서-진정한 거인 만이 할 수있는 슬픔과 고통의 족쇄에서 벗어나고 자하는 엄청난 열정의 끓는 열정. 불행에 시달렸지만 그 무게로 구부러지지 않은 베토벤은 그런 거인이었습니다.
월광 소나타는 우리를 베토벤의 슬픔과 고통의 세계, 한 세기 반이 넘는 세월 동안 수백만 명의 사람들, 심지어 진정한 음악을 진지하게 들어본 적이 없는 사람들의 마음을 감동시킨 그 심오한 베토벤의 인간성에 더 가까이 다가가게 했습니다. .
마찬가지로 즐거운 음악은 세상의 모든 기쁨, 사람들을 웃고 즐겁게 만드는 모든 것을 우리에게 보여줍니다.
기쁨의 주제는 유명한 9번 교향곡을 포함하여 베토벤의 많은 작품에서 들립니다. 피날레에서(교향곡 역사상 처음으로!) 베토벤은 합창단과 솔리스트를 소개하여 장엄한 찬가를 불렀습니다. 기쁨" 쉴러의 말이다.
하지만 교향곡 7번은 투쟁의 끝으로서도, 난관과 난관을 극복하는 과정에서가 아니라, 이 승리의 기쁨으로 이끈 투쟁이 우리가 보지도 듣지도 못한 채 더 일찍 어딘가를 지나갔습니다.
그러나 베토벤이 실생활의 복잡성과 변천을 잊고 무심코 원소의 기쁨의 힘에 굴복했다면 베토벤이 아니었을 것입니다.
대부분의 베토벤 교향곡과 마찬가지로 7번 교향곡에는 4악장이 있습니다. 이러한 악장 중 첫 번째는 길고 느린 도입부가 선행됩니다. 이 서문에서 많은 비평가들은 베토벤 자신이 자주 언급했던 자연에 대한 사랑의 메아리를 들었습니다. 예를 들어, 뻐꾸기, 꾀꼬리, 메추라기, 나이팅게일의 도움을 받아 작곡한 그의 6번 교향곡은 자연과 많은 관련이 있습니다.
교향곡 7번의 도입부에서 자연이 깨어나는 아침의 그림을 듣는 것은 실로 어렵지 않다. 그러나 베토벤의 모든 것과 마찬가지로 여기의 자연도 강력하며 태양이 떠오르면 첫 번째 광선이 밝고 타오르는 빛으로 주변의 모든 것을 비 춥니 다. 아니면 이것들은 그 투쟁의 먼 메아리일 수도 있지만 그럼에도 불구하고 분명히 쉽지 않았습니다 ...
그러나 이제 서론이 끝났고 베토벤은 말 그대로 기쁨의 요소를 우리에게 가져다줍니다. 교향곡의 세 부분이 그것으로 채워져 있습니다. 음악의 긴장의 강도, 음악이 표현하는 감정의 강도를 측정할 수 있는 그런 악기가 있다면, 베토벤의 교향곡 7번만 가지고도 우리는 아마 모든 작품에 존재하지 않는 기쁨을 발견했을 것입니다. 다른 많은 작곡가들과 함께.
예술의 기적과 삶의 기적! 삶에 기쁨이 전혀 없었던 베토벤, 한때 절망에 빠진 베토벤 : "오, 운명 이여, 적어도 하루 만 순수한 기쁨을주세요!" -그는 자신의 예술로 인류에게 앞으로 수세기 동안 기쁨의 심연을 선사했습니다!
끝없는 고통을 폭력적인 기쁨으로 녹이고 죽은 귀머거리에서 눈부신 밝은 소리에 생명을 불어 넣는 것은 정말 기적이 아닙니까! ..
그러나 교향곡 7번의 즐거운 세 악장은 1악장, 3악장, 4악장입니다. 그리고 두 번째는?
베토벤이 개인적인 힘든 경험에서 배운 삶의 진실에 충실한 곳이 바로 여기였습니다. 이전에 7번 교향곡을 들어본 적이 없는 분들도 2악장의 음악을 알아볼 수 있습니다. 이것은 슬픈 음악입니다. 노래도 아니고 행진도 아닙니다. 거기에는 베토벤의 장례식 행진곡에서 흔히 들을 수 있는 영웅적이거나 비극적인 음표가 없습니다. 그러나 그것은 우리 모두에게 소중한 뛰어난 사람들의 장례식의 애도의 날에 민간 추모식에서 자주 행해지는 진심 어린 슬픔으로 가득 차 있습니다.
이 악장 중간에 등장하는 더 가벼운 에피소드(사실 반세기 후에 쓰여진 쇼팽의 장례 행진에서도 발생함)조차도 이 음악의 일반적인 애절한 음색을 박탈하지 않습니다.
전체 교향곡의 이 부분은 마치 다음과 같이 말하는 것처럼 놀라운 생명력을 제공합니다. 우리 모두는 기쁨을 위해 노력하고 기쁨은 훌륭합니다! 그러나 슬프게도 우리의 삶은 기쁨으로만 짜여진 것이 아닙니다...
교향곡 초연 당시 대중의 요청으로 두 번이나 반복된 부분이 바로 이 부분이다. 이 부분은 베토벤 음악에서 가장 아름답고 가장 인기 있는 페이지 중 하나입니다. (D. B. Kabalevsky. 청소년 음악에 대한 대화).
우리는 음악이 세계의 모든 유사한 현상을 일반화할 수 있는 능력을 가지고 있다는 것을 알고 있습니다. 즉, 어떤 상태를 소리로 표현하면 항상 한 사람의 영혼이 수용할 수 있는 것보다 훨씬 더 많은 것을 제공합니다.
기쁨과 슬픔뿐만 아니라 모든 멋진 기적, 모든 환상의 풍요 로움, 이해할 수없는 삶의 깊이에 숨겨진 모든 신비하고 마법적인 것-이 모든 것이 보이지 않는 훌륭하고 친밀한 것의 주요 지수 인 음악에 포함되어 있습니다.
질문 및 작업:
- 기쁨, 슬픔, 분노, 기쁨 등 기본적인 인간의 감정을 구현하는 것으로 알고 있는 음악의 이름을 지정하십시오.
- 이 시들을 들어보세요. 베토벤 월광소나타의 이미지와 가장 일치하는 것은 무엇이라고 생각하십니까? 당신의 선택을 설명하십시오.
프레젠테이션
포함:
1. 프레젠테이션, ppsx;
2. 음악 소리:
베토벤. 교향곡 7번:
1부. 포코 소스테누토-비바체, mp3;
2부. 알레그레토, mp3;
베토벤. 교향곡 번호 9, 환희의 송가 (최종), mp3;
베토벤. 소나타 14번:
1부. 아다지오 소스테누토(2가지 버전: 심포니 오케스트라 및 피아노), mp3;
2부. 알레그레토(피아노), mp3;
3부. Presto agitato (피아노), mp3;
3. 동반 무리, docx.
주제 1. 현상으로서의 음악. 음악적 창의성의 유형.
음악(Greek musike, lit. - the art of muses) - 의미 있고 특별히 구성된 (높이와 시간) 사운드 시퀀스가 예술적 이미지를 구현하는 수단으로 사용되는 예술 유형입니다. 생각과 감정을 들을 수 있는 형태로 표현하는 음악은 말과 함께 인간의 의사소통을 위한 건전한 수단입니다.
발전된 음악 문화에서 창의성은 서로 다른 기준에 따라 차별화될 수 있는 많은 교차하는 다양성으로 표현됩니다.
음악적 창의성 유형에 따른 음악 현상의 분류:
1. 민속 또는 민속 예술.
창의성의 특징:
1) 구두. 입에서 입으로 전달되었습니다.
2) 비전문가.
3) Canonical (정경-이 작업 또는 저 작업이 생성되는 모델)
2. 창의력 민스트럴 유형.또는 중세 초기부터 현대 팝 또는 팝 음악에 이르기까지 도시 엔터테인먼트 음악.
창의성의 특징:
1) 구두.
2) 전문가.
3) 정식.
4) 이론적으로 무의미하다.
3. 정식 즉흥연주(종교 음악).
창의성의 특징:
1) 구두.
2) 전문가.
3) 정식.
4) 이론적으로 의미가 있다.
4. 오푸스 - 음악(오푸스는 악보에 녹음된 원곡이다). Opus - 음악은 작곡가, 자율적, 진지한, 고전적, 학문적이라고도합니다.
창의성의 특징:
1) 서면.
2) 전문가.
3) 원본(요구 사항 - 독창성, 개성).
4) 이론적으로 의미가 있다.
예술로서의 음악의 분류 특성:
1. 비화학적.
2. 시간적(공간적 아님).
3. 공연.
주제 2. 음악 소리의 속성. 음악의 표현 수단.
음악적 언어로는 별도 음악 소리의미 있고 체계적으로 구성되어 음악의 표현 수단의 복합체. 음악의 표현 수단은 음악 작품의 내용이 인식되는 청취자에게 특정 범위의 연상을 불러일으킬 수 있는 예술적 이미지를 구현하는 역할을 합니다.
음악 사운드 속성:
1. 높이.
2. 기간.
3. 볼륨.
음악의 표현 수단:
1. 멜로디.
2. 조화.
3. 송장.
5. 역학.
멜로디.시퀀스에서 피치별로 사운드를 구성합니다.
(리듬과 함께) 가장 중요한 표현 수단 중 하나. "멜로디"라는 단어는 "음악"이라는 단어의 동의어 역할을 할 수 있습니다. (Pushkin A. S. "인생의 즐거움에서 음악은 하나의 사랑에 양보하지만 사랑은 멜로디입니다"). 멜로디는 음악적 사고라고도합니다.
멜로디의 표현력은 음악 현상 이외의 아날로그가 말이라는 사실에 근거합니다. 음악에서 멜로디는 일상생활에서 말과 같은 역할을 합니다. 멜로디와 스피치의 공통점 - 인토네이션.연설에서 인토네이션은 의미 론적 및 감정적 인 음악에서 주로 감정적 인 색상을 전달합니다.
조화.동시에 피치(수직)별로 사운드를 구성합니다.
하모니는 소리를 다음과 같이 구성합니다. 공명.
협화음로 나누어진다 자음(좋은 소리) 그리고 불협화음(날카로운 소리).
자음이 들릴 수 있습니다. 안정적이고 불안정한. 이러한 자질은 엄청난 표현 수단입니다. 그들은 긴장의 증가, 긴장의 감소를 전달하고 발전 감을 만듭니다.
조직.이것은 소리를 수평 및 수직으로 구성하는 음악 패브릭입니다.
인보이스 유형:
1. 모노디(반주가 없는 멜로디).
A) 폴리포니는 동일한 멜로디의 동시 발음입니다.
3. 반주가 있는 멜로디(동성음 질감).
4. 화음과 화음 모양.
율시간에 따른 소리의 조직입니다. 소리는 지속 시간이 다릅니다. 소리에는 악센트가 있습니다(악센트 및 비악센트). 리듬 기능:
a) 리듬은 음악 시간을 배열하고 악센트에서 악센트에 비례하는 섹션으로 나눕니다. 악센트에서 악센트로의 섹션은 막대입니다. 이것은 리듬의 미터법 함수입니다("미터"라고 함).
b) 리듬은 앞으로의 움직임을 전달하고 삶의 느낌과 독특함을 만듭니다. 길이가 다른 소리가 메트릭 그리드에 중첩되기 때문입니다.
리듬의 연관 필드는 매우 넓습니다. 주된 연관성은 몸의 움직임, 즉 몸짓의 가소성, 발걸음의 리듬과 관련이 있습니다. 심장 박동, 호흡 리듬과도 연관될 수 있습니다. 카운트다운이 생각나네요. 리듬을 통해 음악은 주로 시와 춤과 같은 다른 예술 형식과 연결됩니다.
역학– 크기에 따른 소리 구성. 포르테는 시끄럽고 피아노는 조용합니다. Crescendo - 역동성 감소, 장력 및 감소 - 증가.
음색-이 악기 또는 저 악기, 노래하는 목소리를 구별하는 소리의 색상. 음색을 특징 짓기 위해 시각적, 촉각 적, 미각 연관성이 가장 자주 사용되며 (밝고 반짝이거나 무광택 음색, 따뜻하거나 차가운 음색, 육즙이 많은 음색) 다시 한 번 음악 인식의 연관 특성을 나타냅니다.
남성용:테너, 바리톤, 베이스
여성용:소프라노, 메조소프라노, 콘트랄토
심포니 오케스트라의 구성:
4개의 주요 그룹
(그룹에 악기를 나열하는 순서는 음높이에 따라 위에서 아래로):
현악기(바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스).
목관 악기(플루트, 오보에, 클라리넷, 바순).
금관 악기(트럼펫, 호른, 트롬본, 튜바).
타악기(팀파니, 베이스 드럼, 스네어 드럼, 심벌즈, 트라이앵글).
현악 사중주의 구성:
바이올린 2대, 비올라, 첼로
Kholopova VN 예술의 한 형태로서의 음악. SPb., 2000
Gusev V. E. 민속의 미학. 엘., 1967
Konen V.J. 세 번째 레이어: XX 세기 음악의 새로운 매스 장르. M., 1994
Martynov V.I. Opus Posth Zone, 또는 새로운 현실의 탄생. M., 2005
Orlov G. A. 음악의 나무. SPb., 2005
현대 심리학 및 교육학 문헌에서 음악에 대한 인식은 "사람의 마음 속에 음악적 이미지를 형성하는 반성의 과정"으로 간주됩니다. 이 과정의 중심에는 인지된 작업에 대한 평가적 태도가 있습니다.
음악적 지각에 대한 또 다른 정의가 있다: 그것은 “음악을 적절하게 반영하고 음악 자료의 실제 지각(지각)을 음악 및 일반적인 삶의 경험(통각), 인지, 감정적 경험 및 평가의 데이터와 결합하는 것을 목표로 하는 복잡한 활동입니다. 작품"
음악적 인식은 복잡하고 정신적으로 여러 요소로 구성된 과정입니다. 단순한 청각을 가진 사람은 음악이 재생되는 위치와 다양한 물체, 기계 및 기타 물체에서 생성되는 소음만 있는 위치를 구분할 수 있습니다. 그러나 모든 사람이 음악 소리에 반영된 가장 미묘한 경험을 들을 수 있는 것은 아닙니다.
또한 음악적 인식은 역사적, 사회적, 시대적 개념이다. 그것은 음악, 일반적인 역사, 삶, 장르 및 의사 소통 맥락, 인식의 외부 및 내부 조건과 같은 결정 요인 시스템에 의해 조절됩니다. 또한 연령과 성별에 따라 결정됩니다. 음악적 인식은 작품의 스타일, 장르의 영향을 받습니다. 예를 들어 Palestrina의 대중은 Shostakovich의 교향곡이나 Solovyov-Sedov의 노래와 다르게 들립니다. 음악은 유서 깊은 필하모닉 홀, 특히 아카데믹 채플 홀에서 다르게 인식됩니다. 미. Glinka 또는 문화 및 레크리에이션 공원의 열린 무대에 있습니다. 그리고 요점은 이러한 공연장의 음향적 특성뿐만 아니라 분위기, 인테리어 등이 청취자에게 만들어주는 분위기인데 콘서트나 극장의 건축과 장식은 가장 어려운 작업 중 하나입니다. 건축과 응용 예술. 꽃, 그림, 조각품 등으로 콘서트장을 장식하는 것은 음악적 지각에 유난히 유익한 효과가 있다.
음악적 인식을 개발한다는 것은 특별한 방식으로 구성된 소리의 연주를 통해 작곡가가 표현한 감정과 분위기에 공감하도록 청취자를 가르치는 것을 의미합니다. 이것은 비언어적 의사 소통의 언어로 표현된 아이디어와 이미지에 대한 적극적인 공동 창작 및 공감 과정에 청취자를 포함시키는 것을 의미합니다. 그것은 또한 예술가-음악가, 작곡가, 연주자가 영향의 주어진 미적 효과를 달성하는 수단에 대한 이해를 의미합니다. 활동 외에도 음악적 인식은 정신 능력을 포함하여 인간 정신에 대한 유익하고 발전하는 영향이 드러나는 여러 가지 특성이 특징입니다.
다른 것과는 달리 음악적 인식은 생생한 감성과 이미지로 구별됩니다. 감정 영역의 다양한 측면에 영향을 미칩니다. 음악적 언어의 추상성에도 불구하고 음악적 내용은 다양하고 이미지로 부각된다. 그리고 그들의 인식의 특이성은 이러한 이미지의 엄격한 고정이 아니라 가변성에 있습니다. 재생산 사고의 작업은 음악적 지각 및 고유한 평가 활동과 연결됩니다.
음악적 인식의 특성에 대해 말하면서 다음의 차이점을 이해하는 것이 필요합니다. 듣기음악, 듣기음악과 지각음악. 음악을 듣는다는 것은 그것에만 집중하는 것을 의미하지 않고, 듣는 것은 이미 음악에 대한 집중적인 관심을 필요로 하는 반면, 지각은 음악의 의미를 이해하는 것과 관련되어 있으며 지적 기능을 포함해야 합니다. 더욱이, 더 복잡하고 규모가 큰 음악 작품일수록 그것이 인지될 때 사람에게 더 강렬한 지적 작업이 필요합니다. 음악 감상과 지각 사이의 중간 단계는 일종의 "가벼운"지각인 "반 귀"인 comitate 지각입니다. 그것은 수천 년 동안 지배적이었습니다.
본격적인 음악적 인식의 형성은 가장 복잡한 다자간 상호 관련된 과정을 증언합니다. 첫째, 사람의 지적 성장, 둘째, 모든 기본 음악 능력의 향상, 셋째, 높은 수준의 음악 예술 개발, 그 정점은 고전 소나타와 교향곡의 출현이었다. 가장 큰 지적 긴장과 관심 집중이 필요한 것은 교향곡 및 소나타와 같은 장르에 대한 인식입니다.
음악 인식의 발달은 모든 유형의 음악 활동 과정에서 발생합니다. 예를 들어, 노래를 배우기 위해서는 먼저 그 노래를 들어야 합니다. 노래를 부를 때 멜로디 억양의 순수함, 소리의 표현력을 듣는 것이 중요합니다. 음악에 맞춰 움직이면서 리드미컬하고 다이내믹하며 템포 변화, 발전을 따르고 움직이는 작업에 대한 우리의 태도를 전달합니다.
음악 인식 과정에서 여러 단계를 구분할 수 있습니다.
듣고 싶은 작품에 대한 관심의 출현 단계와 그 인식에 대한 태도 형성,
청취 단계,
이해와 경험의 단계,
해석 및 평가 단계,
단계의 순서가 바뀔 수 있기 때문에 구분이 조건부임을 깨닫고 지각의 한 기간이 다른 기간과 합쳐질 수 있습니다.
음악적 인식 과정을 분석하면 서로 불가분의 관계로 연결된 두 가지 활동 평면, 즉 인식 자체와 음악에 대한 아이디어, 즉 작품의 전체적인 이미지. 음악에 대한 다중 인식(반복)만이 작품의 본격적인 전체론적 이미지를 형성할 수 있습니다. 음악에 대한 다중 인식 과정에서 청각 작용, 조정 정도가 지속적으로 개선됩니다. 첫 번째 청취에서 인식의 주요 작업은 개별 조각을 선택하여 작업의 전체 음악 계획을 대략적으로 다루는 것입니다. 음악적 활동의 구조 속에서 반복적으로 듣는 과정에서 이미 형성된 생각을 바탕으로 한 예측과 기대가 나타나기 시작한다. 청취자는 주어진 시간에 들리는 것을 자신의 연관 범위로 이전에 인식된 것과 비교합니다. 마지막으로 합성을 통한 심층 분석을 기반으로 한 후속 인식 과정에서 음악 자료의 합리적-논리적 동화, 정서적 의미에 대한 포괄적 이해 및 경험이 발생합니다.
앞에서 살펴본 바와 같이 음악적 인식은 특정 속성을 특징으로 한다는 것이 분명합니다. 그 중 일부는 음악적 인식(감성, 이미지)에 특정한 반면 다른 것들은 모든 유형의 인식(통합성, 의미성, 선택성)에 공통적입니다.
음악에 대한 인식에 대해 말하면 다음과 같은 필수적인 부분을 무시할 수 없습니다. 감성. 미적 감성은 예술적 이미지의 아름다움, 감정, 음악이 깨우는 생각의 경험으로 이해됩니다. 음악에 대한 미적 인식은 항상 감정적이며 감정 없이는 생각할 수 없습니다. 동시에 감정적 인식은 미학적이지 않을 수 있습니다. 음악을 들으면서 사람은 미적 내용에 대해 생각하지 않고 단순히 기분에 "굴복"하고 "감염"하고 단순히 기뻐하거나 슬퍼 할 수 있습니다. 점차적으로 음악과 소통하는 경험을 쌓고 특정 지식, 음악적 짐을 얻은 의도적 인 활동의 결과로 그는 음악 작품의 미적 측면을 강조하고 소리가 나는 음악의 아름다움과 깊이를 깨닫고 깨닫기 시작할 것입니다.
때로는 미적 경험이 너무 강하고 생생하여 사람이 큰 행복감을 경험합니다. "작곡가 D. Shostakovich의 정의에 따르면이 느낌은 사람이 음악의 영향을 받아 지금까지 깨어난 영혼의 휴면 세력이 그것을 인식한다는 사실에서 비롯됩니다."
음악 지각의 또 다른 특성은 진실성. 사람은 우선 전체적으로 음악을 인식하지만 이것은 멜로디, 하모니, 리듬, 음색과 같은 음악 연설의 개별 요소의 표현력에 대한 인식을 기반으로 수행됩니다. 인지된 음악적 이미지는 특정 예술적 내용을 전달하기 위해 작곡가가 창의적으로 사용하는 다양한 음악적 표현 수단의 복잡한 통일성입니다. 예술적 음악 이미지는 항상 사람이 전체적으로 인식하지만 각 개인의 발달 수준에 따라 완성도와 차별화 정도가 다릅니다.
“음악적 인식의 완전성이라는 개념은 차별화의 완전성이라는 개념에 적합하지 않습니다. 당연히 준비되지 않은 청취자는 전문 음악가가 할 수 있는 것처럼 음악적 이미지를 생성하는 전체 수단 시스템을 적절하게 인식할 수 없습니다. 그럼에도 불구하고 그는 작업에서 전체 론적 이미지, 즉 분위기, 작업의 성격을 인식합니다.
일반적으로 지각, 특히 음악 지각의 가장 중요한(가장 중요하지는 않더라도) 구성 요소 중 하나는 다음과 같습니다. 의미. 심리학자들은 지각되는 것에 대한 인식과 이해 없이는 생각의 참여 없이는 지각이 불가능하다고 말합니다. V.N. Shatskaya는 "음악 작품의 주요 인식은 미적 평가 및 음악에 대한 인식, 아이디어, 경험의 본질 및 음악적 이미지를 형성하는 모든 표현 수단과 관련된 인식을 의미합니다"라고 썼습니다.
음악 인식에서 감정과 의식의 통일성에 관한 논문은 러시아 과학자들의 작품에서도 발생합니다. 그것을 처음 공식화한 사람 중 하나는 B.V. Asafiev. “많은 사람들이 음악을 듣지만 특히 기악을 듣는 사람은 적습니다… 기악을 꿈꾸는 것은 즐겁습니다. 예술을 감상하는 방식으로 듣는 것은 이미 정신적 작업, 추측을 의미하는 강렬한 관심입니다. 음악의 인식과 연주에서 감정과 의식의 통일성은 음악 교육학의 기본 원칙 중 하나입니다.
논리는 음악을 인식하는 데 중요한 역할을 합니다. 생각. 그의 모든 작업(분석, 종합) 및 형식(판단, 결론)은 음악적 이미지와 음악적 표현 수단에 대한 인식을 목표로 합니다. 그것 없이는 음악적 지각 과정이 일어날 수 없습니다.
음악을 지각하기 위한 사고의 가장 중요한 작업 중 하나는 비교. 인식의 중심에는 음악의 "되기"가 바로 예를 들어 한 작업에서 이전 및 후속 사운드의 억양을 비교하고 다른 작업에서 반복되는 자음의 복합물을 비교하는 과정에 있습니다.
본질적으로 중요한 것은 음악 작품을 특정 장르나 스타일에 귀속시키는 데 도움이 되는 분류, 일반화 작업입니다. 이해하기가 훨씬 쉬워집니다. 판단과 추론이라는 사고의 형태는 특정 음악 작품, 예술 교육의 전 과정, 음악 문화 전반에 대한 평가의 근간을 이룹니다.
선택성인식은 억양의 표현력을 포착하고 멜로디, 음악 테마의 발전을 따르는 능력에서 나타납니다. 하나 또는 다른 음악 스타일, 장르 및 하나 또는 다른 음악에 대한 선호도로서 더 넓은 의미에서 음악적 인식의 선택성에 대해 말할 수 있습니다. 이 경우 지각의 선택성은 예술적 취향 형성의 근거로 볼 수 있다.
특히 어린이의 음악적 지각 속성으로서의 선택성은 아직 충분히 연구되지 않았습니다. 대규모 교육 관찰 및 설문 조사에 따르면 대다수의 어린이는 "진지한" 음악보다 "가벼운" 음악을 선호합니다. 그러나이 현상은 과학적으로 설명되지 않았습니다. 아이들이 어떤 작품을 좋아하고 접근하기 쉬운 반면 다른 작품은 지루하고 이해하기 어렵다고 거부하는 이유는 분명하지 않습니다.
음악적 지각은 현실의 예술적이고 비유적인 반영으로서 작품의 음악적 내용을 듣고 경험하는 능력을 기반으로 하는 복잡한 과정입니다. 지각 과정에서 청취자는 작품의 음악적 이미지에 "익숙해집니다". 그러나 음악의 분위기를 느끼는 것이 전부가 아니라 작품의 사상을 이해하는 것이 중요하다. 적절한 생각과 감정의 구조, 아이디어에 대한 이해는 일반 및 음악적 발달 수준에 따라 달라지는 그의 음악적 사고의 활성화로 인해 청취자에게 발생합니다.
음악적 지각 과정에 대한 분석을 요약하면 어린이 청중과 직접 작업하는 음악 학자-실무자들이 지각 발달의 필요성에 반복적으로 주목해 왔다는 점에 주목할 가치가 있습니다. 음악적 지각의 발달은 학생들의 음악적 경험을 확장하고 강화하며 그들의 사고를 활성화합니다. 사고력 발달의 중요한 조건은 직접적인 정서적 인식입니다. 그 후에야 작업에 대한 자세한 분석을 진행할 수 있습니다.
따라서 지각의 특성을 고려한 음악 "듣기"의 올바른 구성은 음악 활동 활성화, 관심 개발, 학생들의 음악적 취향 및 결과적으로 점진적인 음악 문화 형성에 기여합니다.