Чем интересна русская музыкальная культура 19 века. Зарубежная музыка конца XIX — начала XX веков. Общественная музыкальная жизнь

Трусова А.А. Развитие русской музыкальной культуры в 19 веке // Международный журнал гуманитарных и естественных наук. – 2017. – №6. – С. 4-9

РАЗВИТИЕ РУССКОЙ МУЗЫКАЛЬНОЙ КУЛЬТУРЫ В 19 ВЕКЕ

А.А. Трусова

Краснояружской СОШ №2

(Россия, пгт . Красная Яруга)

Аннотация. В статье рассматривается музыкальная культура 19 века, ее основные направления. Проводятся исследование влияния быта на содержание произведений, кул ь туры русского романса, элегии, песни. Осуществляется оценка композиторов и их прои з ведений на примере . Детально рассмотрен романс Ча й ковского «Евгений Онегин».

Ключевые слова. Музыкальная культура, композитор, вокальное произведение, романс, элегия, бытовая песенная лирика, музыкальный театр .

19 век – время подъема русской муз ы кальной культуры. В ее развитии в начале 19 века выделяют 2 этапа, разграниченные событиями 14 декабря 1825 года – первый период Отечественной войны, вызревание декабризма и второй период – последека б ристский. На идеологии декабристов в ы росло творчество Пушкина, Грибоедова; осуществился решающий сдвиг в области музыки: наступает подъем романсовой л и рики, впервые появляются романтические оперы, формируется новый жанр романса-монолога.

Музыкальная жизнь России первой п о ловины 19 века протекала в условиях п о мещичьего крепостнического государства, которое не заботилось о музыкальном о б разовании. Развитие национальных тво р ческих сил тормозила ориентация на З а пад. В дворянском быту был установлен поверхностный взгляд на музыку как «у с лаждение слуха». Занятие музыкой как профессией считалось несовместимым с достоинством дворянина. Поэтому муз ы канты-профессионалы, вышедшие из дв о рянской среды, официально именовали себя «любителями». В первом десятилетии 19 века концертная и театральная жизни приносят первые успехи. Важными муз ы кальными центрами становятся лицеи, университеты, пансионы, а также литер а турно-художественные кружки. Большие заслуги в развитии русской музыкальной культуры принадлежат музыкантам, в ы шедшим из среды крепостной интеллиге н ции Д.Н. Кашину и С.А. Дегтяреву. В Ро с сию приезжали гастролеры с Запада, кот о рые вели здесь активную концертную жизнь. Однако, в связи с особыми соц и альными условиями крепостнической Ро с сии, их концерты не были доступны для широкой публики. Все это возмещалось домашним бытовым музицированием, о х ватившем города, поместья и усадьбы. Привычным явлением в домашнем обих о де становятся музыкальные инструменты: скрипка, арфа, фортепиано, гитара. Муз ы кальные собрания устраиваются не только в аристократических кругах, но и в среде мелкопоместного дворянства, чиновников и мещан. Собираясь по вечерам, любители музыки составляли небольшие ансамбли, играли и пели под аккомпанемент, беря за основу русскую народную песню, которая разрабатывается в виде вариаций, сольных песен или дуэтов. В такой атмосфере скл а дывался и развивался самый распростр а ненный и любимый всеми жанр того вр е мени – вокальная лирика, а также каме р ная инструментальная музыка, камерный анс амбль, смычковое и фортепианное и с полнительство. 19 век стал веком подъема русской культуры, а именно музыкального искусства.

В данной работе, автором более по д робно рассматривается быт провинциал ь ного и столичного дворянства того врем е ни именно с точки зрения музыкального искусства и его проявление в опере П.И. Чайковского «Евгений Онегин». Это произведение занимает центральное место в творчестве композитора и дает полное представление об идеалах и нравах людей, живших в начале 19 века.

В «Евгении Онегине» герои живут и действуют в обстановке русской действ и тельности того времени. В произведениях дается широчайшая картина жизни Ро с сии: общественно-политическая, эконом и ческая и, в том числе, культурная обст а новка.

Песня и романс

Первая половина 19 века была врем е нем расцвета бытовой песни и бытового романса. Русская городская песня, впит ы вая широкое, разностороннее содержание, обогащалась вместе с развитием городской жизни. В самом распространенно м жанре музыки – песне-романсе – осуществлялась связь между композиторским и народным творчеством. Композиторы брали матер и ал из бытовых песен. В то же время их собственные песни входили в быт, стан о вясь народными, как, например, «Красный сарафан» Варламова, «Соловей» Алябьева , «Колокольчик» Гурилева . Отечественная война 1812 года положила начало новым песням – героическим, походным, суто ч ным, сатирическим и популярной рекру т ской песне. Они получили широкое ра с пространение в народе, так как были по л ны скрытого протеста, позволяющего п о нять настроение декабристских лет. Числу любимых городских произведений пр и надлежат «Сторона ль моя, сторонушка», «Не белы снеги », «Не кукушечка во сером бору». Цензура запрещала печать песен, в которых отражалось противостояние с а модержавию. Но именно поэтому они и г рали важную роль в становлении револ ю ционного сознания русског о общества.

Большие заслуги в появлении револ ю ционной песни принадлежат деятелям д е кабристского движения – Рылееву и Бе с тужеву. В созданных ими песнях проявл я ется сатира, вызов самодержавию: «Царь наш, немец прусский», «Ах, где те остр о ва», «Ты скажи, говори, как в России цари правят». Традиции революционной песни, позднее были развиты их современниками. Глубоко проникли в бытовую песню и в творчество русских поэтов пуш кинской поры темы свободолюбия.

Большую популярность в городском быту приобретает украинская песенная лирика, а также цыганская песня, любимая во всех слоях русского общества. В песнях «детей вольности» люди видели проявл е ние смелого человеческого чувства. Ц ы ганские хоры (в состав которых, помимо певцов, входили гитаристы и плясуны) и с полняли русские народные песни в пр и вычной им темпераментной манере.

На основе бытовой песенной лирики развивалось насыщенное романсовое творчество. Расцвету романсовой лирики сопутствовал высокий подъем русской п о эзии. Творчество Жуковского, Пастушк о ва , Баратынского, Дельвига и особенно Пушкина создало благотворную почву для развития русского романса. Романс чутко отображал стилистическую эволюцию русской поэзии, ее образный покой и т е матику, которая позднее (в пушкинскую эпоху) очень углубляется и становится б о лее содержательной.

Вокальная лирика соответствовала всем эстетическим нормам и потребностям ра з личных социальных групп. За достаточно большой срок романсовая лирика развив а ется от сентиментального романса до пс и хологически насыщенных произведений.

В русский музыкальный обиход вошел термин «романс» только в 19 веке. Романс – лирическое вокальное произведение с инструментальным аккомпанементом. В это же время формировался близкий к фольклору, жанр вокальной камерной м у зыки – «русская песня», который разв и вался благодаря огромному влиянию и н тереса к народному творчеству. Поэтому «русские песни» композиторов Алябьева , Варламова, Гурилева стали народными – так поэтично и тонко были претворены в них черты народной песенной лирики.

Пушкинская эпоха вызвала поток р о мансового творчества. Поэтому сочинение песен и романсов в этот период – повс е дневное явление, как в столичном, так и в провинциальном дворянстве. Это спосо б ствует возникновению анонимных люб и тельских романсов бытового характера. Именно этот, простейший на первый взгляд, жанр положил основу развития и н теграционного принципа русской мелодии, ее стиля и языка. Постепенно в романсе выработалась стройная классическая фо р ма. Двухчастная форма – один из ее на и более распространенных видов.

Мелодия русского бытового романса типически вокальна , имеет плавность и широкую интонационную мягкость, что указывает на связь с народно-песенными истоками. Еще одной характерной особе н ностью жанра бытового романса является присутствие внутрислоговых распевов, мягких окончаний фраз, а также наличие томных хроматизмов.

Особое значение в русской музыке 20-30 — х годов приобретает характерный жанр лирико-философского романса – элегия – романс-размышление. Ее основным отл и чием являются такие факторы, как разм е ренный ритм и сосредоточенное выраж е ние чувств. Романс этого жанра сложились под влиянием философских стихотворений Пушкина, Жуковского, Баратынского.

Стремление к яркости и определенн о сти национального колорита все чаще пр о является в вокальной лирике 30-х годов, что является явственным примером поя в ления новых романтических тенденций, также связанных с поэзией. Композиторы стремятся воплотить в песни типические черты характера и быта различных нар о дов. Благодаря этому появляются новые разнообразные типы национально-жанрового романса: испанские серенады, итальянские баркаролы, восточные песни, героические романсы в ритме марша или полонеза. Особенно наглядным примером романтического влияния на музыкальные произведения, увлечения таинственной фантастикой, образами старинных легенд и преданий 20-х годов является жанр ба л лада, как своеобразная повествовательно-драматическая песня, выходящая по х а рактеру выразительных средств за рамки камерно-бытовой романсовой лирики. Сложная по композиционному постро е нию баллада являлась прототипом разве р нутого драматического монолога в св о бодной форме. Ее содержание требовало от певца ясного, и, главное, выразительн о го текста; мрачно-фантастическая сюж е тика находила яркое отражение в жив о писно-изобразительных средствах акко м панемента.

Традиционный жанр застольной песни, соприкасавшийся с боевыми (походными), занимал очень значимое место в бытовом репертуаре столичных и, особенно, пр о винциальных дворян. Застольные песни были изложены в форме куплетов, отлич а лись напевом солиста и припевом хора.

Если посмотреть на проявление жанра бытового романса в опере Чайковского «Евгений Онегин», то уже в первой карт и не первого действия мы можем наблюдать за сценой бытового музицирования .

Усадьба Лариных. Вечереет. Из дома доносится пение Татьяны и Ольги. Звучит их дуэт (« Слыхали ль вы за рощей глас ночной / Певца любви, певца печали?»). В этом дуэте прослеживаются все главные черты, характерные для бытового романса. Во-первых, мелодия: специфически в о кальна , в ней слышны народно-песенные истоки, присутствуют внутрислоговые распевы, которые подчеркивают пла в ность, томные хроматизмы и мягкие око н чания. Во-вторых, форма этого романса – куплетная. В-третьих, романс передает сентиментально-лирическое настроение. В-четвертых, оркестр, сопровождающий дуэт, создает эффект звучания фортепиано и арфы, что свойственно для бытового м у зицирования .

Культура русского романса оказала н е сомненное воздействие на развитие ру с ской классической оперы. В связях быт о вой песенной традиции кроется одна из причин широкой доступности русской классической оперы.

Инструментальная музыка

В первой трети 19 века в формах быт о вого музицирования преобладает тенде н ция камерности, что дает этому искусству почву для развития в условиях русского быта всех слоев общества (в особенности дворян). Камерное творчество быстрыми темпами набирало обороты и процветало. Этому способствовало появление конце р тов в учебных заведениях, любительские музыкальные вечера и другие проявления этого искусства в повседневной жизни. Камерное творчество 19 века в свою оч е редь подразделяется на две основные те н денции: разработка народно-песенного н а ционального материала и применение классических принципов, основанных на общеевропейских традициях.

Первая тенденция развивается и нах о дит полное выражение в вариациях (как известно, вариации являются излюбленной музыкальной формой того времени). Что касается метода общеевропейского кла с сического инструментального стиля, то он находит свое проявление и развивается в основном в произведениях циклической формы – сольных сонатах и камерных а н самблей.

Многие произведения, основанные на подлинных народных мелодиях, открыто выражают «фольклорный» характер, как, например, вариации на народные темы и з вестного скрипача Г.А. Рачинского.

В сложнейшем жанре струнного кварт е та, оценить который может лишь профе с сионально подготовленная музыка, поя в ляется, «академичное» направление. Св и детельством этого являются квартеты Ве р кольского и Ласковского .

Фортепианная музыка, тесно связанная с музыкально-общественной жизнью, с условиями быта дворян и прочих классов, приобретает совершенно другое значение; В своих истоках русская фортепианная м у зыка связана с вокальными жанрами песни и бытового романса. Специфика русского пианистического стиля на ранней стадии определяется широкой напевностью. Этот стиль, подобно романсу, прежде всего, складывался в сфер е лирических настро е ний (так как мягкий и напевный звук фо р тепиано ассоциировался с лиризмом, с тонким ощущением и с томным, романт и ческим состоянием души).

В 15-30-е годы русской фортепианная музыка достигает пика; виртуозный блеск, рост исполнительской техники и профе с сионального мастерства свидетельствую об этом. Все большую роль пианистич е с кий стиль играет в быте дворян.

Смена стилистических направлений, несомненно, отразилась во всех направл е ниях искусства. В начале 19 века произв е дения русских авторов еще несут на себе печать эпохи классицизма. В них выраб а тывается установленный жанр точных классических вариаций с превосходством фактурного развития. Новые романтич е ские тенденции, появляющиеся в творч е стве композиторов старшего поколения, открыто проявились в русской фортепиа н ной музыке 20-30-х годов.

Возрастает и усиливается жанровый диапазон фортепианной музыки, появл я ются новые, свойственные романтическ о му направлению того времени, жанры – ноктюрн, баркарола, колыбельная, прел ю дия, экспромт. Свой отблеск в русской м у зыке эпохи романтизма нашел ход поэт и зации и идеализации бытового танца (Ш у берт, Шопен). Несмотря на то, что танец утрачивает прикладное значение, в на и лучших идеалах фортепианной миниат ю ры он приобретает утонченно-лирический облик (вальсы Грибоедова).

Заметный перелом, вызванный усиле н ным ростом разных форм музицирования (бытового и концертного), наблюдается в 19 веке. Особое значение в искусстве з а нимает симфоническая музыка и ее формы – симфонии, симфониетты, увертюры, сюиты, концерты, симфонические поэмы, фантазии, рапсодии, легенды, каприччио, скерцо, различные симфонические танцы, вариации, попурри и т.д., которые неп о средственно вплотную связаны с оперой и театральной традицией. Оркестровая м у зыка не вышла на самостоятельный путь из-за незначительной развитости концер т ной жизни, но отразила эволюция русского творчества той эпохи. Яркие по оркес т ровке и выразительные по тематизму увертюры Козловского, Давыдова подг о товили симфонические принципы Глинки. В них проявился тернистый путь, который преодолела русская музыка от классици з ма 17 века через «неистовую романтику» к «реалистическому симфонизму».

Инструментальная музыка звучала на балах в виде различных танцевальных жанров. В начале 19 века торжества, балы открывались польским танцем – полон е зом, позже на его смену пришел менуэт.

Один из распространенных бальных танцев – вальс – пользовался в 20-е годы репутацией непристойного, даже вульга р ного танца. Он противо по ставлялся уст а новленным строгими нормами классики танцам и являлся «модным и молоде ж ным». Вскоре он был «запущен» на балы Европы, как дань новой эпохе. Мазурка была в эпицентре всеобщего внимания на балах и означала его кульминацию. Ос о бенностью этого танца наблюдалась те н денция многочисленных причудных фигур и мужского соло. Котильон – вид кадрили – один из заключающих бал танцев. И с полнялся на мотив вальса и изображал с о бой «танец-игру», являлся самым непр и нужденным, разнообразным и шаловл и вым танцем.

У Чайковского в «Евгении Онегине» в первых картинах второго и третьего де й ствий инструментальная музыка первой половины 19 века представлена в виде танцевальных жанров.

Второе действие. Бал в доме Лариных. Празднуются именины Татьяны. Действие открывается вальсом. Молодежь танцует, среди них Онегин и Татьяна. Пожилые гости в это время сидят группами и разг о варивают, наблюдая за танцующими. Это подтверждает, что вальс в те времена я в лялся молодежным танцем. Позже Онегин с Ольгой танцуют танец французского происхождения – котильон. Чайковский осознано выбрал для этой сцены «шало в ливый танец». В нем присутствует момент, когда дама садиться на колени к своему партнеру. Не удивительно, что Ленский приревновал свою возлюбленную: «Ах! Что такое! Глазам не верю! Ольга! Боже, что со мной!»; это и послужило поводом для развития дальнейших роковых соб ы тий. На закате торжества, как и положено, звучит мазурка.

В третьем действие на балу у одного из петербургских сановников гости танцуют полонез. Этот танец свидетельствует о том, что бал только начался, а также по д черкивает возвышенный характер праз д ника. На этом балу звучат также два экос е за – весёлый парно-групповой танец быс т рого темпа, в двудольном размере (при Петре I назывался «английским танцем»).

Процесс развития инструментальной культуры первой половины 19 века, как видно из нашего обзора, протекал нера в номерно. Резкий сдвиг произошел в дека б ристский период 20-х годов. Как и в др у гих жанрах, сдвиг этот был закономерен.

Музыкальный театр

Начало 19 века – эпоха больших, р е шающих сдвигов в истории русского теа т ра. В годы Отечественной войны, дека б ризма театр сохраняет свое просветител ь ское значение и мощно расширяет свое влияние на русское общество. Он прик о вывает к себе внимание широких кругов зрителей, становится объектом литерату р ных дискуссий и споров.

Самовыражается на сцене театра 1800-1810-х годов героико-патриотическая те н денция. Идут трагедии на русские истор и ческие сюжеты, которые затрагивают па т риотические чувства зрителей. Особым успехом пользовались французские «оп е ры спасения» (о событиях французской революции 1789 года) композиторов М е гюля и Лесюера .

В комедийных жанрах, таких, как ком е дии, водевили и комические оперы затр а гивались глубочайшие вопросы совреме н ности. Очевидным проявлением в соц и альном обществе 20-х годов становится театральная критика. Одними из самых ярчайших критиков этого времени были Гнедич , Катенин , Кюхельбекер. В теа т ральном «резерве» 10-20-х годов было достаточно и пустых пьес. Позднее, в 30-40 годы значительное место отводилось пьесам официально-монархического с о держания.

С такими отрицательными тенденциями русского театра активно боролись русские писатели и критики. Центральная роль в этой борьбе принадлежит Белинскому. Со своими сторонниками, он видел в театре гениальное, грандиозное преобразующее искусство – мир правды и поэзии, которые возвышают сущность человека. Белинский призывал к разработке народного русского театра – театра «действительной жизни». Все это оказало влияние на развитие м у зыкального театра. Вместив в себя разли ч ные стили и направления – классицизм, сентиментализм и романтизм, русская опера пришла к реалистическому искусс т ву Глинки.

19 век ознаменован поисками идеала оперного театра, привычной непостоянн о стью жанров и форм; и только Глинки смог урегулировать эту задачу и найти ее решение – создать русскую классическую оперу.

Заключение

Исходя из моей работы, можно сделать вывод, что новый взгляд на фольклор, п о явление новых структурных и жанровых форм, обращение к художественно-выразительным приемам других видов и с кусства – все это обусловило высокую р е зультативность развития музыкальной культуры первой половины 19 века.

Музыкальная культура того времени служит неиссякаемым источником вдо х новения и по сей день. Свойственные ей черты нашли свое продолжение в творч е стве таких композиторов, как Чайковский, Глазунов, Лядов и Рахманинов. Именно поэтому я обратилась к опере Чайковского «Евгений Онегин»; в ней он использует традиционные формы интересующего нас времени (различные инструментальные жанры и показывает сцену домашнего м у зицирования ). Это вносит в музыкальный спектакль необходимую «дозу» зрелища. Вся опера «Евгений Онегин» связана с природой русского романса. По выраж е нию Б.В. Асафьева, «романсное, как лир и ческое высказывание, проникает собою каждую из «лирических сцен».

Библиографический список

1 . Келдыш, Ю.В. История русской музыки. Т. 3. – М.: МУЗГИЗ, 1954. – 531 с.

2. Комиссарская, М.А. Русская музыка XIX века. – М.: Изд-во Знание, 1974. – 208 с .

3. Соболева, Г. Г. Русский романс. – М.: Знание, 1980. – 112 с .

4. Петру ганская , Р. И. Музыка и поэзия. – М.: Знание, 1984. – 56 с .

DEVELOPMENT OF RUSSIAN MUSICAL CULTURE IN THE 19 CENTURY. SONG AND ROMANCE. MUSICAL THEATRE

A.A. Trusova

Krasnoyaruzhskaya school №2

(Russia, Krasnaya Yaruga )

A bstract . The article considers the musical culture of the 19th century, its main directions. A study is being made of the influence of everyday life on the content of works, the culture of the Russian romance, elegy, and song. The composers and their works are evaluated by the example of Alyabyev , Varlamov , Gurilev . Tchaikovsky’s romance «Eugene Onegin » is considered in d e tail.

Keywords . m usical culture, composer, vocal work, romance, elegies, everyday song lyrics, mus i cal theater.

В XIX в., наряду с потрясающим развитием литературы, наблюдается и ярчайшие взлеты музыкальной культуры России, причем музыка и литература находятся во взаимодействии, что обогащает тешили иные художественные образы. Если, например, Пушкин в своей поэме «Руслан и Людмила» дал органическое решение идеи национального патриотизма, найдя для ее воплощения соответствующие национальные формы, то М. Глинка обнаружил в волшебно-сказочном героическом сюжете Пушкина новые, потенциальные варианты и осовременил его, как бы предложив еще один романтический вариант эпоса, со свойственным ему «вселенским» масштабом и «рефлектирующими» героями. В своей поэме Пушкин, как известно, свернул масштабы классической эпопеи, порой пародируя ее стиль: «Я не Омер... Он может воспевать один обеды греческих дружин»; Глинка же пошел по иному пути -- при помощи колоссального картинного «разбухания» его опера вырастает изнутри до многонациональной музыкальной эпопеи. Ее герои из патриархальной Руси попадают в мир Востока, их судьбы сплетаются с магией северного мудреца Финна. Здесь пушкинский сюжет переосмысливается в сюжет драмы, опера Глинки -- прекрасный пример воплощения той гармонии равнодействующих сил, которая фиксируется в сознании музыкантов как «руслановское» начало, т.е. романтическое начало.

Значительное влияние на развитие музыкальной культуры России 19 века оказало творчество Гоголя, неразрывно связанное с проблемой народности. Гоголевские сюжеты легли в основу опер «Майская ночь» и «Ночь перед Рождеством» Н. Римского-Корсакова, «Сорочинская ярмарка» М. Мусоргского, «Кузнец Вакула» («Черевички») П. Чайковского и т.д. Римский-Корсаков создал целый «сказочный» мир опер: от «Майской ночи» и «Снегурочки» до «Садко», для которых общим является некий идеальный в своей гармоничности мир. Сюжет «Садко» построен на различных вариантах новгородской былины -- повествованиях о чудесном обогащении гусляра, его странствиях и приключениях. «Снегурочку» Римский-Корсаков определяет как оперу-сказку, назвав «картинкой из Безначальной и Бесконечной Летописи Берендеева царства». Расцвету русской музыкальной культуры способствовало творчество П. Чайковского, написавшего немало прекрасных произведений и внесшего новое в эту область. Так, экспериментальный характер носила его опера «Евгений Онегин», предупредительно названная им не оперой, а «лирическими сценами». Новаторская сущность оперы заключалась в том, что она отразила веяния новой передовой литературы. Для «лаборатории» поисков Чайковского характерно то, что он использует в опере традиционные формы, вносящие в музыкальный спектакль необходимую «дозу» зрелищности. В своем стремлении создать «интимную», но сильную драму Чайковский хотел достичь на сцене иллюзии обыденной жизни с ее повседневными разговорами. Он отказался от эпического тона повествования Пушкина и увел роман от сатиры и иронии в лирическое звучание. Вот почему на первый план в опере выступила лирика внутреннего монолога и внутреннего действия, движения эмоциональных состояния и напряженности.

Истоки русской музыки восходят к творчеству восточно-славянских племен, населявших территорию Древней Руси до возникновения в IX веке первого русского государства. О древнейших видах восточно-славянской музыки можно судить гипотетически по отдельным историческим свидетельствам, материалам археологических раскопок, а также по некоторым пережиточным элементам, сохранившимся в позднейших образцах песенного фольклора. Ко времени образования древне-русского государства с центром в Киеве народная песня занимала важное место в семейном и общественном быту, были известны музыкальные инструменты различных типов. Уже в VI веке гусли – один из любимых инструментов славян.

Широкое распространение получил обрядовый фольклор, связанный с языческими религиозными верованиями и ритуальными действиями, сложившимися в эпоху общинно-родового строя. Многие языческие обряды продолжали жить в народе и после введения Христианства на Руси (конец Х века), несмотря на суровое осуждение и преследования со стороны церкви. Вплоть до XVII века церковными властями издавались указы и грамоты, направленные против любимых народом «бесовских» игр и песен. С течением времени язычество как целостная система верований и представлений о мире отмирало и языческий обряд, утрачивая магически-культовое значение, становится элементом игры. Но при этом сохранились внешние формы обряда и некоторые моменты, регламентировавшие его отправление.

В Древней Руси не существовало развитых форм профессиональной светской музыки, что определяло особенно большую роль фольклора в жизни общества. Народная песня бытовала не только среди трудящихся масс, но и в высших феодальных кругах вплоть княжеского двора. Основными носителями светской художественной культуры были скоморохи, представляющие собой тип средневекового синкретического актера и музыканта. Они различались по социальному положению и характеру своего искусства. Бродячие скоморохи, выступавшие перед простым народом на улицах и площадях, находились вне социальной иерархии феодального общества и были лишены всяких прав. «Служилые» скоморохи, прибывавшие в услужении у феодалов и князей, были более обеспеченными и пользовались защитой своего патрона. Среди скоморохов встречались гусляры, гудошники, «свирцы» (исполнители на примитивных духовых инструментах). Репертуар их складывался преимущественно из народных песен и плясок. Лишь в XVII веке под влиянием общекультурных сдвигов скоморошество потеряло свое значение и было оттеснено из центральных областей России на северные окраины.

С принятием в конце Х века христианства как государственной религии начала развиваться церковная музыка. Формы древнерусского церковного пения, а в значительной степени, вероятно, и самые его напевы, были заимствованы из Византии. Оттуда же была воспринята система их фиксации с помощью особого рода условных знаков, представлявших собой разновидность невменного письма.

В результате переосмысления заимствованных византийских форм возник свой, вполне самобытный тип древнерусского певческого искусства – знаменное пение или знаменный распев. Проследить этапы этого процесса не представляется возможным, так как ранние формы знаменной письменности не расшифрованы.

Первые известные памятники древнерусской музыкальной письменности относятся к концу ХI – началу XII веков. Вместе с тем в практике церковного пения бытовала устная традиция. Лишь в XV – XVII вв. все виды церковных песнопений были «положены на знамя» и пение «по крюкам» (крюк – наиболее распространенных знаков знаменного письма) вошло во всеобщий обиход.

Важнейшими признаками древнерусского певческого искусства являлись – строго выдержанное одноголосие, без инструментального сопровождения, плавность мелодического движения, отсутствие скачков на большие интервалы, тесная связь мелодии со словесным текстом, состоящим из строк неравной длины, как следствие этого – свобода метроритмической организации, несимметричность структуры напевов, построение напева на основе готовых канонизированных формул посредством их сцепления и вариантного преобразования. Сумма формул-попевок, составляющих мелодический фонд знаменного распева, охватывалась системой осмогласия.

В Киевской Руси наряду с обычным знаменным существовал особый род кондакарного пения, отличавшегося обилием мелодических украшений, длительными распевами слогов.

После распада Киевской Руси возник ряд певческих школ, среди которых особенно выделялась новгородская. В период феодальной раздробленности Новгород был основным хранителем древнерусских певческих традиций. С конца XIV века выдвигается Москва как общерусский центр певческого искусства, объединяющий и синтезирующий достижения местных школ.

В XVI веке был создан образцовый хор государевых певчих дьяков, который помимо участия в царских богослужениях выполнял функции инспектирования наблюдения за состоянием церковного пения в стране.

В середине XVI века сложилась школа московских певцов и распевщиков, сыгравшая важную роль в развитии церковно-певческого искусства. Основателем ее считается Савва Рогов, среди его учеников и последователей пользовались известностью Федор Крестьянин, Иван Нос, Стефан Голыш.

В этот период знаменный распев достиг расцвета, возникло множество мелодических вариантов. От знаменного распева ответвились особые разновидности монодического хорового пения – демественный распев и путевой распев.

XVII век был переломным в истории русской музыки, завершая древний и одновременно подготавливая новый периоды ее развития. Кризис средневекового мировоззрения, ломку привычного строя понятий и взглядов отражали споры по вопросам церковного пения, в которых сталкивались два направления. Одно из них стремилось путем частичных реформ укрепить старую традицию, другое выдвигало и отстаивало новые формы, связанные с иной системой эстетических воззрений, иным пониманием искусства в жизни.

В середине XVII века были введены киноварные пометы (буквенные обозначения, которые проставлялись над основным рядом певческих знаков и указывали точную высоту звука). В основу этой системы положен так называемый обиходный звукоряд из двенадцати диатонических ступеней, разделявшийся на четыре «согласия». Наряду с разработкой и систематизацией теоретических основ знаменного распева в XVII веке происходило его дальнейшее мелодическое обогащение, возникали новые песнопения и их варианты, певческие стили или как они назывались тогда распевы – киевский распев, болгарский распев, греческий распев.

Во второй половине XVII века утвердился новый стиль хорового многоголосия – партесное пение, который первоначально сложился на Украине и в Беларуси (Н.Дилецкий, И.Коренев). Простейшие виды партесного пения основывались на мелодиях знаменного распева. Высшей формой партесного пения был хоровой концерт a cappella для 8-12 и более голосов.

В XVII веке при дворе и в домах просвещенного русского боярства появились клавесин, орган и другие европейские инструменты, создавались домашние инструментальные капеллы. Музыка занимала большое место в придворном театре (1672 – 1676 гг.).

Некоторые из стилистических форм и жанров русской музыки, сложившихся в XVII веке, продолжали жить и в следующем столетии. Так, партесный концерт оставался важнейшим видом творчества русских композиторов до середины XVIII века. Среди его многочисленных мастеров – Н.Калашников, Н.Бавыкин, Ф.Редриков.

Под непосредственным воздействием прогрессивных демократических направлений русской общественной мысли и литературы в последней трети XVIII века сформировалась национальная композиторская школа. Ее представители стремились соединить в своем творчестве стилистические принципы и формы раннего европейского классицизма с темами и образами из русской жизни, с мелодическим складом русской народной песни. Появились первые печатные сборники народных песен – Трутовского, Львова и Прача. Многие из помещенных в них записей народных мелодий были использованы композиторами.

Важнейшее место в творчестве композиторов XVIII века занимал оперный жанр. Наиболее видные композиторы этого времени – В.А.Пашкевич, Е.И.Фомин, Д.С.Бортнянский, М.Березовский, И.Хандошкин и др.

Первая половина 19 века - время расцвета городской бытовой песни и бытового романса. Их сочиняли – Алябьев, Варламов, Гурилев, позже Глинка и Даргомыжский. Элегические романсы и популярные «русские песни» прочно входили в быт и становились народными, как, например, «Красный сарафан» Варламова, «Соловей» Алябьева, «Колокольчик» Гурилева.

Эти песни и романсы выражали настроение прежде всего разночинно-дворянской среды. Печальная созерцательность, глубокая интимность высказывания, безысходная грусть, отчаянный порыв к счастью, были типичными настроениям многих людей эпохи 30-40-х гг. прошлого века.

Секрет неугасаемой любви наших соотечественников к лирике этих композиторов скрыт во взаимоисключающих свойствах русского характера, которые запечатлены в его романсах. Душа русского человека вся соткана из противоречий.

19 век в России – век расцвета блестящей дворянской культуры.

Русская композиторская школа начиналась в 19 веке с композиторов, объединивших в музыке европейскую форму и русский дух.

1.Михаил Иванович ГЛИНКА (1804-1857)

Михаил Иванович Глинка - первый в истории русский композитор мирового значения, основоположник русской музыкальной классики.

Родился в селе Новоспасском Смоленской губернии, в семье помещика. Позже учился в пансионе при Главном педагогическом институте в Петербурге.

Два события определили его мировоззрение. Первое - победоносная воина 1812г. с Наполеоном, в которой русский народ показал и воинскую доблесть, и невиданную силу духа.

Второе событие – восстание декабристов, казнь и ссылка благородных и честных людей России.

Современники и ровесники Глинки - Пушкин, Гоголь, Баратынский, Жуковский, Тютчев. Девятью годами старше - Грибоедов, десятью моложе - Лермонтов.

Композиторскую деятельность Глинка начал с сочинения романсов. Один из самых известных «Не искушай меня без нужды» на слова Баратынского. Позже появятся такие шедевры как «Я помню чудное мгновенье», «Сомнение», «Жаворонок»… ПРИМЕРЫ…

Глинка долгое время искал пути выхода за рамки бытовой музыки.

В начале 1830-х гг. оставил службу в МПС и отправился в многолетнюю поездку по Европе, где учился композиторскому искусству. В Италии Глинке пришла мысль о создании русской национальной оперы, национальной как по сюжету, так и по музыкальному языку.

Сюжет подсказал Жуковский: подвиг крестьянина Ив. Сусанина в смутное время.

В основу оперы положено действительное историческое событие - патриотический подвиг крестьянина села Домнино, близ Костромы, Ивана Осиповича Сусанина, совершенный в начале 1613 года. Москва была тогда уже освобождена от польских интервентов, но отряды захватчиков еще бродили по русской земле. Чтобы помешать полному освобождению России, один из таких отрядов хотел захватить в плен только что избранного русского царя Михаила Федоровича Романова, жившего неподалеку от Костромы. Но Сусанин, которого враги пытались сделать своим проводником, завел захватчиков в глухой лес и погубил их, погибнув при этом сам.

Успех был огромным, опера была принята с восторгом. К М.И.Глинке пришло признание ("Жизнь за царя,1836.) На оперной сцене появился русский герой – крестьянин Иван Сусанин. Его образ собрал лучшие черты национального характера. На следующий день Глинка писал своей матери:

Вчерашний вечер совершились наконец желания мои, и долгий труд мой был увенчан самым блистательнейшим успехом. Публика приняла мою оперу с необыкновенным энтузиазмом, актѐры выходили из себя от рвения… государь - император… благодарил меня и долго беседовал со мною…

Вторая опера – большая волшебная "Руслан и Людмила" (1842). В основе лежит одноименная поэма А.С. Пушкина. Работа над оперой велась на фоне смерти Пушкина и в тяжелых жизненных условиях композитора. Эта опера как драматическое действие не вполне удалась Глинке. Однако музыка многих номеров оперы гениальна, что с лихвой окупают недостатки драматургии.

Танцы из двух опер глинки создали традиции русской классической танцевальной музыки как по духу, так и по художественному совершенству.

Неудачное супружество принесло ему много огорчений и неприятностей, пока не закончилось разводом.

Последний период своей жизни Глинка вновь проводит в путешествиях - Испания, Франция, Польша...Глинка не перестает сочинять. Появляются 2 знаменитые испанские увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде». И самое значительное его симфоническое произведение «Камаринская» - увертюра-фантазия на две русские темы. Прекрасны классические романсы Глинки. Самый известный – на стихи Пушкина – «Я помню чудное мгновение».

Умер в Берлине от гриппа. Позже прах перевезли в Россию и похоронили в Александро-Невской Лавре.

Глинка утвердил основной принцип русской композиторской школы–народность и патриотизм.

Композитору принадлежат замечательные слова: «…создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем». Идея понравилась и стала непреложным правилом, которому следовали многие композиторы. Объединенная этой идеей, стала формироваться русская композиторская школа.

Глинка – высочайший профессионал композитор. Любое его произведение привлекает цельностью и стройностью формы, точностью и ясностью музыкального выражения. Его чистая, ясная музыка, которая просто лечит душу.

Музыка Глинки не принадлежит ни классицизму, ни романтизму. Он выработал свой оригинальный стиль, опирающийся на принципы русского художественного реализма пушкинской эпохи.

Он был первым русским композитором, создавшим образ русского человека на оперной сцене.

Глинка стал первым русским композитором-классиком. С его творчеством русская музыка вышла на путь мирового искусства.

Наследие Глинки : оперы «Иван Сусанин» и «Руслан и Людмила»; симфонические увертюры – фантазии Арагонская хота, «Ночь в Мадриде» , «Камаринская», «Вальс-фантазия» и другие; более 70 романсов; камерные инструментальные ансамбли и фортепианные произведения.

Светлый, жизнеутверждающий характер, стройность форм, красота и выразительных мелодий, тонкость гармонии и инструментовки - ценнейшие качества музыки Глинки.

Первым среди русских композиторов Глинка создает свои произведения на основе русской народной музыки . Глинку считают творцом русской национальной школы в музыке. Его творчество оказало влияние на всех русских композиторов первой половины XIX в.

***
Цитата М.И.Глинки: "Чтобы красоту создать, надо самому быть чистым душой."

Цитата о М.И.Глинке: "Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в жёлуде, заключена в симфонической фантазии "Камаринская". П.И.Чайковский

Интересный факт: Михаил Иванович Глинка не отличался крепким здоровьем,с детских лет называя себя «мимозой». Несмотря на это был очень лёгок на подъем и прекрасно знал географию, возможно, если бы он не стал композитором, то стал путешественником. Знал шесть иностранных языков, в том числе персидский.СЛУШАТЬ:

Из оп. «Иван Сусанин». Танцы польские из 2 акта (фрагмерты), Ария Сусанина «Ты взойдешь, моя заря», Хор «Славься»,

Из оп. Руслан и Людмила». 1. Увертюра.2. 3-я песни Баяна. 3.Марш Черномора. 4. Сцена с Головой.

Увертюры Испанские (фрагменты) и Камаринская. Вальс-фантазия.

Романс «Не искушай», «Я помню чудное мгновение».

АЛЕКСАНДР СЕРГЕЕВИЧ ДАРГОМЫЖСКИЙ (1813-1869)

Дворянин. Родился в имении своего отца в Тульской губернии. Четырех лет он вместе со всей семьей переезжает в Петербург. Музыкальные способности сказались рано, и его начинают обучать музыке.

В 1834 г. он встретился с Михаилом Глинкой, и это знакомство сыграло решающую роль в его дальнейшей судьбе.

Его творчество связанно с идеями критического реализма в литературе. В историю русской музыки Даргомыжский вошел как один из основоположников реалистического искусства. М. П. Мусоргский называл Даргомыжского «великим учителем правды».

Центральное произведение композитора - опера «Русалка » (по драме А. С. Пушкина), поставлена в 1856 г. Драма социального неравенства любящих друг друга дочери мельника Наташи и Князя привлекла композитора актуальностью темы. «Русалка» - первая русская бытовая лирико - психологическая опера.

Даргомыжский стремился передать психологию через речь человека. Речевая интонация стала главным выразительным средством в его музыке. Это был весьма сомнительный и бесперспективный эксперимент.

Последняя опера Даргомыжского, «Каменный гость », написана на полный текст «маленькой трагедии» Пушкина. В ней нет ни арий, ни ансамблей, ни хора. Это камерная речитативная опера.

Даргомыжский создает новый жанр: сатирический романс. “Червяк” на Курочкина. Сатирическая сцена. Высмеивание чинопочитания. Главное – вокальная партия. Фортепианная партия очень скромная. Смена интонаций – C-dur-As-dur. “Какое счастье”.

“Титулярный советник” на Вейнберга. B-dur. Музыка идет за каждым словом текста. Сквозная форма. 1-й раздел – B-dur, 2-й раздел – пьяный советник.

Многие романсы Даргомыжского представляют из себя по смути драматические сцены. Наиболее яркий пример - “Старый капрал” на Курочкина. Монолог старого капрала, приговоренного к смерти за оскорбление молодого офицера. Состоит из нескольких разделов, в конце каждого из них рефрен. В вокальной партии много речитативности: “В ногу, ребята, раз, два” (рефрен). 2-й куплет – “Я оскорбил офицера”. Каждый куплет более драматический, чем предыдущий. В конце Даргомыжский вводит хор: “В ногу, ребята, раз, два”. Его обычно исполняет фортепиано.

Активное участие Даргомыжский принимал в деятельности созданного в 1859 г. Русского музыкального общества. Его дом, как когда-то дом его родителей, стал местом встреч выдающихся артистов, художников и поэтов того времени. „Могучая кучка” с самого начала своего существования нашла в Даргомыжском своего покровителя.

Во время своего последнего турне по Европе в 1864-1865 гг. Даргомыжский побывал в Лейпциге, Брюсселе, Париже и Лондоне, где занимался постановкой своих опер. Вернувшись в Петербург, он продолжал напряженно работать над созданием оперы „Каменный гость”, закончить которую ему помешала смерть.

В богатом композиторском наследии Даргомыжского есть несколько оркестровых произведений: три симфонии, «Малороссийский казачок», «Чухонская фантазия» (1867). « Баба-Яга, или С Волги nаch Riga» (1862) . Однако наибольшее значение имеет его оперное и вокальное творчество.

Слушать: «Мне грустно» на Лермонтова, «Старый капрал», «Титулярный советник», Ария Мельника из оп. «Русалка».

3. Третий период: музыкальное искусство пореформенной эпохи (вторая половина 19 века)

В 1861 году царским указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию русской общественной жизни.

Литература была ведущим видом искусства в Росси того времени была, а в музыке главенствовала опера.

Даже симфоническая музыка того времени вступила в законный брак с литературой. Плод этого союза – программная симфоническая музыка. Свои сюжеты она черпает из всей мировой литературы (от традиционных пушкинских текстов до сочинений Шекспира), переосмысливая их с позиции современности. Примером тому служат ………

Главным музыкальным достижением этого периода стало создание русской симфонии, – лирико-драматической у П.И.Чайковского, и эпической у А.П.Бородина.

Появляется и русский классический балет, в котором драматическая сущность сюжета раскрывается музыкальными симфоническими средствами.

Организовано Русское музыкальное общество (РМО), открыты первые консерватории в Петербурге (1862) и Москве. В деле музыкального просвещения России большую роль сыграли братья Рубинштейн.

Старший Антон Григорьевич (1829-1894) скорее пианист-виртуоз, чем подлинный композитор, хотя написал огромное количество сочинений. В массе своей музыка его лишена самобытности. Это общеевропейский стиль. Его легко спутать, например, с Мендельсоном. Тематизм бледный, он часто впадает в помпезность. Правда, нельзя отказать ему в нескольких подлинных удачах, одна из них – хор «Ноченька» из оперы «Демон». И, разумеется, не вызывает сомнения его композиторская хватка, профессионализм. Кучкисты его не жаловали (особенно Мусоргский), называли Тупинштейном.

ПЕТЕРБУРГСКАЯ КОМПОЗИТОРСКАЯ ШКОЛА. МОГУЧАЯ КУЧКА.

В 60-е годы центром музыкальной жизни Петербурга стал кружок музыкантов, возглавляемый Милием Алексеевичем Балакиревым(1837-1910). Кружок вошел в историю как «Могучая кучка». Название дал кружку критик Владимир Васильевич Стасов. Сами себя они называли "новой русской музыкальной школой". За рубежом их называют «русская пятерка».

В кружок вошли начинающие композиторы, не получившие профессионального образования. Балакирев был для них профессором на все случаи жизни: Ц.А.Кюи (1835-1918), А.П.Бородин, М.П. Мусоргский(1839-1881), Н.А. Римский-Корсаков(1844-1908).

Балакирев деспотически учил будущих «кучкистов» писать симфонии, хотя сам умудрился одну свою симфонию писать сорок лет (1856-1897!) Как ни странно, они-таки научились (не все) писать симфоническую музыку, на много голов обойдя своего учителя.

Кучкисты считали себя наследниками Глинки и свою цель видели в развитии русской национальной музыки.

Эстетические позиции «кучкистов» сформировались на почве радикальных народнических идей. Члены «Могучей кучки» считали, что национальное искусство произрастает из фольклора, и долг русского композитора - претворить в музыке образа народа, его историю и нравственные идеалы. Вспомним глинкинские «народность и патриотизм».

«Могучая кучка» заложила основы русской национальной музыки и стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.

В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать.

Балакирев первым из русских композиторов написал симфоническое произведения на литературный сюжет.

XIX век - эпоха русской оперной классики . Русские композиторы- кучкисты создали шедевры в различных жанрах оперного искусства.

Главные оперы М. П. Мусоргского (1839-1881) «Борис Годунов » (1872) и «Хованщина ». Композитор назвал их «народными музыкальными драмами», так как народ - в центре обоих произведений. Главная идея «Бориса Годунова» (по одноименной трагедии Пушкина) - конфликт: царь - народ. Эта идея была одной из самых важных и острых в пореформенную эпоху. Мусоргский хотел в событиях прошлого Руси выявить аналогию с современностью.

Критик Стасов сказал: «Мусоргский принадлежит к числу людей, которым потомство ставит монументы».

Сюжетом оперы А. П. Бородина (1833-1887) «Князь Игорь» послужило «Слово о полку Игореве». Бородин писал оперу 17лет, но так и не закончил оперу; «Князь Игорь» был завершен Римским-Корсаковым и Глазуновым.

Н. А. Римский-Корсаков – оперный сказочник. Его лучшие сказочные оперы- «Снегурочка » (1881), «Садко » (1896), «Кащей бессмертный » (1902) и «Золотой петушок » (1907).

Особое место занимает опера «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии » (1904), написанная по материалам народных преданий о татаро-монгольском нашествии.

Римский – Корсаков - русский музыкальный волшебник и учитель нового поколения русских музыкантов.

2. Александр Порфирьевич БОРОДИН (1833-1887)

Александр Порфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века. Кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачом, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием.
Родился в Петербурге. С детства проявилась его любовь и к музыке и естественным наукам. Окончив гимназию, а затем Медико-хирургическую академию, он в течение нескольких лет работает военным врачом и химиком. На медицинском факультете Бородину присваивают звание профессора. В течение всей жизни своей профессией он считал химию, но каждую свободную минуту посвящал музыкальному творчеству.

В историю мировой культуры Бородин вошел прежде всего как композитор. У Бородина было два увлечения - две профессии: химия и музыка.

У Бородина не было профессиональных учителей-музыкантов. Он самостоятельно овладел композиторской техникой. На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки.

И мпульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события - во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов "Могучая кучка".

Бородин написал оперу „Князь Игорь” (со знаменитыми „половецкими плясками”(1869-1890),) Эта опера - образец национального героического эпоса в музыке. В "Князе Игоре", нашла отражение главная мысль всего творчества композитора - мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила русского народа, проявляющаяся при защите родины.

А.П.Бородин один из отцов русской симфонической музыки. Написал три симфонии (самая популярная 2-я «Богатырская»), симфоническую поэму «В Средней Азии», два квартета (в один из них входит часто исполняемый «Ноктюрн»), песни и фортепианные произведения.

В музыке «Богатырской» симфонии Бородин достигает яркой красочности, конкретности музыкальных образов. По свидетельству Стасова, он хотел в 1 ч. нарисовать собрание русских богатырей, в Анданте (3 ч.) - фигуру Баяна, в финале - сцену богатырского пира. Название "Богатырская", данное симфонии Стасовым, прочно закрепилось за ней.

Бородин воспринимал жизнь объективно и оптимистически, как источник силы и радости, с верой в могущество человека, в торжество разума и красоты.

Музыка Бородина подобна неторопливой летописи, где чередой предстают события и люди. Основной принцип музыкальной драматургии Бородина - сопоставление контрастных образов. Мелодии льются спокойно и плавно, родственны русским крестьянским песням. Бородин нигде не цитирует народные мелодии, он создает собственные музыкальные образы, используя самые характерные особенности фольклора.

Бородин обладал способностью сочинять в народно-песенном стиле. Тесная связь с русским фольклором - эта наиболее характерная черта всего творчества композиторов „Могучей кучки”.

Бородин создал русскую эпическую симфонию, а также утвердил тип русской эпической оперы.

Цитата о А.П.Бородине: "Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его - великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой". В.В.Стасов.

3. Модест Петрович МУСОРГСКИЙ (1839-1881)

Модест Петрович Мусоргский - один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член "Могучей кучки".
Родился в Псковской губернии в небогатой помещичьей семье. С детства показал способности к музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным.

Решающим событием в жизни Мусоргского стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в "Могучую кучку". Отказавшись по настоятельным советам Балакирева от военной карьеры и поступив на государственную службу, Мусоргский начинает много и напряженно работать как композитор.

Мусоргский был наиболее последовательным выразителем народности и реализма в музыке. В операх «Борис Годунов» и "Хованщина" запечатлел трагедии не только отдельных личностей, но и народа, переживающего Смутное время начала XVII века или ломку старинных устоев при воцарении Петра. Эти оперы являются одними из самых популярных русских опер в мире Эти оперы не имеют себе равных в мировом музыкальном искусстве по силе и глубине воплощения образов, по правдивости и яркости изображения народных масс. Мусоргский первым из композиторов вывел русский народ на оперную сцену.

В опере «Борис Годунов» личная драма Бориса разворачивается на фоне драмы целого народа. Заканчивается сценой народного бунта под Кромами и тяжким пророчеством Юродивого: «Плачь, плачь русская земля, плачь, русский люд.

Мусоргский был музыкант-реалист, музыкант-народник, родственный Гоголю и Льву Толстому.

Он усвоил себе все особенности русской народной песни и хотя редко пользовался подлинными народными мотивами, но весь склад его мелодики, очень гибкой и характерной, носит народный отпечаток, сказывающийся в гармонических оборотах, в оригинальных, внезапных модуляциях, в ритмическом богатстве, и в самой форме. Главную силу вокального стиля М. составляет выразительная декламация, вытекающая из естественной интонации речи и потому совершенно неотделимая от текста. В этом М. - прямой наследник Даргомыжского.

Кроме опер, Мусоргским написана сюита „Картинки с выставки” (лучшее переложение сюиты для оркестра сделал М. Равель в 1922 году), симфоническую картину «Ночь на Лысой Горе», много песен и романсов, среди которых весьма оригинальные для того времени - „Песни и пляски смерти”, хоровые и фортепианные произведения.

Мусоргский стремился к тому, чтобы его музыка в каждом своем элементе носила национальный, чисто русский характер.

В жизни Мусоргского было все - и величие, и трагедия. Как человек, он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием. В 1859 году М. оставил военную службу, но неимение средств к жизни и невозможность добыть их музыкальной деятельностью привело к нищенскому существованию.

Его опера "Борис Годунов" надолго была снята с репертуара; другие его сочинения долго игнорировались артистами и публикой. В последние полтора года жизни, оставшись без службы, М. зарабатывал аккомпаниаторством.

Угнетающее однообразие повседневной жизни и тяжелые материальные условия привели Мусоргского к алкоголизму. Депрессия непрерывно углублялась.

Умер он в 42 года в одном из военных петербургских госпиталей.

За всю жизнь Мусоргский заработал музыкой 701р. 50коп.

Цитата М.П.Мусоргского: "Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной."

Цитата о М.П.Мусоргском: "Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский" Н.К.Рерих

Интересный факт: в конце жизни Мусоргский, под давлением "друзей" Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову.

4. Пётр Ильич ЧАЙКОВСКИЙ (1840-1893)

В России две столицы и две музыкальные школы. Московскую школу композиторов возглавил П.И.Чайковский. В творчестве Чайковского русский музыкальный романтизм достиг вершины развития.

Пётр Ильич Чайковский, самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство.

Чайковский - первый русский композитор-"профессионал" - теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. При жизни Чайковского считали "западным" композитором, в противопоставлении народным деятелям "Могучей кучки.

Чайковский был свидетелем подъема и упадка народнического движения в русской культуре. Чайковский был современником композиторов «Могучей кучки».

В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, чем «кучкисты». Русский фольклор не был для него универсальным источником и первоосновой музыкального языка. Музыкальные интонации он в большей степени черпал из городского музыкального быта, чем из крестьянского фольклора.

Родился в г. Воткинске, на Урале, в семье инженера. Музыкой начал серьезно заниматься, как и Бородин, уже будучи взрослым. Закончив юридический факультет в университете, Чайковский проработал несколько лет в Министерстве финансов в Петербурге и лишь тогда решил поступить в Петербургскую консерваторию, которую окончил в 1866 г. с отличием. Тут же ему было предложено место преподавателя гармонии в Консерватории. Он принял это предложение и оставался на профессорской должности в течение 11 лет, не прерывая все это время своей творческой деятельности и выступая на концертах с исполнением своих произведений, вызывавших восторженный прием у всей музыкальной общественности России.

В 37 лет в жизни Чайковского наступает перелом. Графиня фон Мекк, богатая поклонница его таланта, предоставила композитору высокую пожизненную пенсию, дающую ему возможность посвятить все свое время исключительно сочинению музыки. Единственным условием она выставила требование, чтобы лично они никогда не встречались. С этого времени Чайковский полностью посвящает себя музыкальному творчеству, лишь время от времени выступая как дирижер.

Во время своих путешествий по различным странам Европы - Польше, Германии, Австрии, Италии, Швейцарии, Франции, Англии - он изучал музыкальный фольклор каждой из этих стран. Особенно сильное впечатление произвела на Чайковского Италия и итальянская музыка, что нашло отражение и в его произведениях. Вернувшись в Петербург в 1893 г. во время эпидемии холеры, он сам заразился и умер от этой болезни.

Композитор был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке. Чайковский был человеком эмоционально неустойчивым; восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев - все эти настроения менялись в нём достаточно часто. Будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.
Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского - сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах - опера, балет, симфония, камерная музыка.

Музыка Чайковского говорит самобытным, но в то же время универсальным музыкальным языком, в котором соединяются традиционные романтические европейские интонации и музыка русского фольклора. Чайковский полагал, что «европейская музыка есть сокровищница, в которую всякая национальность вносит что-нибудь свое на общую пользу».

Чайковский - крупнейший симфонист, гениальный музыкальный драматург и лирик. Он создал 15 опер (во главе с написанными на пушкинские сюжеты «Евгением Онегиным» и «Пиковой дамой»), 3 балета (на первом месте «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик»), 6 симфоний, 5 симфонических поэм, увертюры, 3 концерта для фортепиано, скрипичный концерт, разнообразные произведения для оркестра.

Чайковский сочинял в стиле позднего романтизма, придавая при этом своим произведениям чисто русский характер. Такое сочетание оказалось исключительно благоприятным. Он вывело русскую музыку на европейские сцены. Чайковский – самый исполняемый в мире русский композитор.

Творчество Чайковского оказало огромное влияние на современников. Его имя уже при жизни ассоциировалось с величайшими представителями русской культуры. Оркестр вставал при его появлении в зале.

Наряду с Глинкой, Чайковский является создателем национальной русской школы в мировой музыке.

Цитата композитора:
"Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать."
"Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом - из разнообразия в единстве."
"Большой талант требует большого трудолюбия."

Цитата о композиторе: "Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, - до такой степени я уважаю его" А.П.Чехов

Интересный факт : Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.

5. Николай Андреевич РИМСКИЙ-КОРСАКОВ (1844-1908)

Николай Андреевич Римский-Корсаков - одна из важнейших фигур в истории отечественной музыки.

Родился в Новгородской губернии в дворянской семье, в г. Тихвине. По семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк.

Музыке учился сначала у матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. Позже М.А.Балакирев, организатор "Могучей кучки", ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество.

Профессиональное музыкальное образование получил в Петербургской консерватории по классам фортепиано и композиции. Свою первую симфонию он написал в возрасте девятнадцати лет. Однако, Римский-Корсаков не сразу связал свою судьбу с музыкой. В течение нескольких лет он служил в военно-морском флоте, где получил офицерское звание. В это же время он занимается творческой деятельностью, и в 1871 г. ему присваивают звание профессора инструментовки Петербургской консерватории. Затем ему передают и класс композиции. Одновременно его назначают директором музыкальной школы и музыкальным инспектором военно-морских оркестров России.
Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют 15опер. Два основных направления отличают творчество композитора: первое - русская история, второе - мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище "сказочник".
Кроме самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, а также как завершитель работ своих друзей - Даргомыжского, Мусоргского и Бородина.

Среди композиторов „Могучей кучки” он обладал самой большой творческой изобретательностью и наиболее совершенной техникой. Его самые значительные творческие завоевания лежат в области оркестрового колорита.

Им были написаны такие, получившие мировую известность, оперы, как „Садко”, „Снегурочка”, „Золотой петушок” и др. Кроме того - три симфонии, превосходная симфоническая сюита „Шехерезада”, увертюра „Русская пасха”, „Испанское каприччио”, симфоническая поэма „Садко” (помимо оперы того же названия), многочисленные песни, а также хоровые и камерные произведения. Все его творчество, выдержанное и стиле неоромантизма, глубоко проникнуто „русским духом”.

Римский-Корсаков считается крупнейшим мастером инструментовки. Учебник „Основы оркестровки” является одним из лучших пособий в этой области, а его учебником но гармонии учащиеся пользуются и в наше время.

Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.

Бескорыстный труд Римского-Корсакова в деле завершения оркестровых и оперных шедевров Мусоргского сыграл решающую роль в их появлении на концертной эстраде и оперной сцене.

Фанатичное упорство в постижении музыкальной науки превратило его в патриарха-деспота.

Римский –Корсаков - «железный Феликс» русской музыки. Убежденный в своей непогрешимости, он ничтоже сумняшеся вставлял «палки в колеса» молодым композиторам, не попадающим в зону его музыкального вкуса. Так, например, он упорно препятствовал проникновению на петербургскую сцену Первой симфонии Калинникова, даже после того, как она с триумфальным успехом была исполнена в таких крупнейших музыкальных центрах Европы, как Берлин, Париж, Вена и Прага.

Творчество русских композиторов конца 19-го - первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим изменилась концепция подхода к "национальной" принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.

4. Четвертый период: «серебряный век» в русском музыкальном искусстве (1890-е гг. – 1917)

Конец 19 и начало 20 века для русской музыки протекал в столкновениях антагонистичных тенденций, казавшихся непримиримыми и взаимоисключающими. Тенденции культуры «серебряного века» глубоко изменили облик музыкального искусства. Композиторами-«традиционалистов» серебряного века были А.К.Глазунов (1865-1936), и А.К.Лядов (1855-1914), С.И.Танеев (1856-1915), а также менее известные, но одаренные авторы – А.С. Аренский, В.С. Калинников, М.М. Ипполитов-Иванов.

Молодыми композиторами-новаторами «серебряного века» были символист А.Н.Скрябин, неоклассицист Н.К.Метнер, неоромантик С.В. Рахманинов, неофольклорист И.Ф. Стравинский, кубофутурист С.С. Прокофьев.

Их открытия в области лада, гармонии, формы способствовали становлению новой образности и средств художественной выразительности в музыке 20 века.

Существенные изменения происходили и в области русской церковной музыки. Композиторы петербургской и московской композиторских школ использовали подлинные старинные мелодии знаменного распева. Их сочинения предназначались как бля богослужения, так и для концертного исполнения. Новый стиль в духовной музыке развивался быстро и плодотворно. Композиторы внимательно изучили старинные распевы, пытаясь на их основе выделить принципы гармонизации церковных мелодий.

Крупнейшими представителями церковной музыки того времени были С.В. Смоленский, С.В.Рахманинов, А.Т.Гречанинов, А.Д.Кастальский и другие. Их называют «школой Синодального училища».

6. Александр Николаевич СКРЯБИН (1872 - 1915)

Александр Николаевич Скрябин - русский композитор и пианист, музыкальный символист, «идеалист - мистик», одна из ярчайших личностей русской и мировой музыкальной культуры.

Самобытное творчество Скрябина выделялось новаторством даже на фоне рождения многих новых направлений в искусстве на рубеже 20-го века.
Скрябин с детства проявил незаурядные музыкальные способности. Учась в кадетском корпусе, брал частные уроки на фортепиано, после окончания корпуса поступил в Московскую консерваторию, его сокурсником был С.В.Рахманинов.

Художественные искания Скрябина во многом определили поэты-символисты, а также современные ему философские и мистические учения. Творческим девизом стали слова: «Иду сказать людям, что они сильны и могучи».

Скрябин создавал свой музыкальный мир и не искал опоры в художественном опыте своих предшественников.

Интересовался богоискательством и космической божественной сутью человека. Острое желание постичь гармонию двух миров рождает в его музыке порывы к грандиозному, вселенскому, макроскопическому и одновременно желание углубиться в «микрокосм» человеческой души, в ее подсознательную первооснову. Со Скрябиным в музыку пришла тайна. До него в русской музыке, фактически, не было мистики.

Скрябин – Циолковский в Музыке. Он первым «вышел» в космос.

В своих произведениях он стремился передать мир зыбких и утонченных переживаний человека.

Скрябин был мечтателем-идеалистом. На протяжении всего творческого пути Скрябина привлекала идея синтеза искусств. В «Поэме огня», известной также под названием «Прометей» (1910), в которой он соединил звук и цвет.

Остро ощущая противоречия своего сложного времени, Скрябин мечтал о всемирной гармонии человечества. Его заветной мечтой стал храм в Индии на берегу горного озера для постановки неосуществленного произведения «Мистерии».

«Он не искал – минутно позабавить,

Напевами утешить и пленить;

Мечтал о высшем: Божество прославить

И бездны духа в звуках озарить».

В. Я. Брюсов

Скрябин верил в божественную силу творчества и в художника-творца-мира, ведущем человечество к счастью. Его «Мистерия» - попытка преображения человечества с помощью магии искусства.

Композитор сочинял как бы «на ощупь», через изменчивые, трудноуловимые и не поддающиеся рациональному анализу ощущения. Музыка Скрябина насыщена изощренной ритмикой, внетональными «блужданиями», фактурой, окутанной дымкой гармонических фигураций.

Работал над ней композитор свыше десяти лет. Он понимал, что берется за решение труднейшей задачи, но верил в реализацию великого духовного акта. Начальный вариант воплощения «Мистерии» носит название «Предварительное действо». Это грандиозный соборный спектакль, или Служба, в которой участвует все человечество. Музыка «Предварительного действа» сохранилась лишь в отрывках (40 листов черновых эскизов). Она составляла главный компонент синтетического акта, включающего «симфонию» звуков, ароматов, красок, танцев, шествий, движущейся архитектуры, лучей закатного солнца, ритуальной одежды участников – исполнителей и зрителей.

Храм в Древней Индии, где должна была состояться «Мистерия» был задуман композитором как гигантский алтарь, возвышающийся над Землей. Скрябин всерьез пытался осуществить задуманный проект и даже, по некоторым данным, вел переговоры о покупке земельного участка в Индии для постройки храма. Думая о «Мистерии» композитор говорил: «Я хочу не осуществления чего бы то ни было, а бесконечного подъема творческой деятельности, который будет вызван моим искусством».

К вершинным произведениям Скрябина можно отнести «Поэму экстаза» (1907). Это большое произведение - гимн всепобеждающей мощи человеческого духа. Оно рассказывает о том, как душа человека проходит трудный путь от неясных предчувствий и тревоги к высшей духовной радости, обретая огромную силу и энергию.

Поэма насыщена накаленной атмосферой первой российской революции, предчувствиями грядущих катастроф. Впервые «Поэма экстаза» прозвучала в России в 1909 г. Она имела колоссальный успех. В одиннадцатый раз выпускнику Московской консерватории была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Скрябина не замечал людских тревог, волнений и мирской суеты. Композитор создал особый мир музыкальной выразительности, опередив свое время, предвосхитив многие инновации искусства 20 века.

Дальнейшая судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови. На смерть Скрябина откликнулись многие современники, в том числе и известный поэт В. Я. Брюсов:

Металл мелодий он посмел расплавить

И в формы новые хотел излить;

Он неустанно жаждал жить и жить,

Чтоб завершенным памятник поставить...

Скрябин - автор девятнадцати фортепианных поэм, трех симфоний, концерта для фортепиано с оркестром, десяти сонат, мазурки, вальсов и этюдов. В каждом произведении сказались непревзойденный талант и мастерство композитора.

К счастью, словам поэта было суждено сбыться: Скрябин был и остается «звездой первой величины» в мировой музыкальной культуре.

Судьба композитора сложилась трагично: в 44 года он неожиданно умер от заражения крови.

Цитата А.Н.Скрябина: "Иду сказать им (людям) - чтобы они... ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать... Иду сказать им, что горевать - не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его."

Цитата о А.Н.Скрябине: "Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим". Г. В. Плеханов

7. Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 - 1943)

Не меньшую известность приобрело творчество Сергея Васильевича Рахманинова (1873-1943), также выпускника Московской консерватории, закончившего ее с золотой медалью. В отличие от символиста Скрябина, Рахманинов и в ХХ веке оставался самым русским композитором романтиком мирового значения. Ему удалось объединить музыкальные традиции Московской и Петербургской композиторских школ.

Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых - знаменитая «Колокольная» Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера "Алеко".

В двадцать лет в концертных залах ему рукоплескала восторженная публика. Его поклонниками были Л. Н. Толстой, А. П. Чехов, И. Е. Репин, К. С. Станиславский, Ф. И. Шаляпин, М. Горький, многие поэты Серебряного века. Но жизнь Рахманинова не представляется спокойной и безмятежной: он знал не только взлеты, но и падения.

Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе. Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют.

Особую известность Рахманинову принесли фортепианные сочинения. Наиболее известным сочинением является Второй фортепианный концерт (1901), в котором раскрылись лучшие черты его композиторского таланта. Произведение «необычайной, удивительной красоты» (С. С. Прокофьев). За это произведение Рахманинову в 1904 г. была присуждена премия имени М. И. Глинки.

Новый стиль его музыки органически объединял русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм.

В 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт.

Многогранный талант Рахманинова проявился во многих музыкальных жанрах. Им созданы две оперы («Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини»), вокально-симфоническая поэма «Колокола» (1913), сонаты, экспромты, прелюдии. Он сочинял и духовную музыку, восходящую к древнерусским знаменным распевам («Литургия Иоанна Златоуста», 1909, и «Всенощное бдение», 1915).

Рахманинов стал свидетелем двух мировых войн и двух российских революций. Он восторженно приветствовал крушение царского режима, но не принял октябрьский переворот.

В конце 1917 года Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса.

Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: "Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя". Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, "Симфонические танцы". Эти произведения - последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в "Симфонических танцах". Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

Все 25 лет эмиграции он живо интересовался тем, что происходило на Родине. В годы Великой Отечественной войны композитор не раз перечислял средства от своих концертов на поддержку Красной Армии. Сегодня произведения Рахманинова звучат во многих концертных залах нашей страны, неоднократно в его честь проводились музыкальные конкурсы и фестивали.

Умер С.В.Рахманинов в Беверли-Хилс от рака позвоночника.
Цитата о С.В.Рахманинове:
"Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото - в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека." И.Гофман
"Музыка Рахманинова - это Океан. Его волны - музыкальные - начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают... что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание." А.Кончаловский
Цитата С.В.Рахманинова:
"Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире."
"Самое высокое качество всякого искусства - это его искренность."
"Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия - это музыка, главная основа всей музыки... Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная жизненная цель композитора.... По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран."
Музыковед Б.Асафьев назвал С.Рахманинова «человеком с навек раненным сердцем».
Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

Калинников Василий Сергеевич (1866-1901). Наверное, самый непродуктивный композитор в мире. За свою недолгую жизнь он успел написать две симфонии, еще 4 небольшие оркестровые произведения, 8 романсов и 4 миниатюры для фортепиано. Это фактически все, не считая нескольких неоконченных или неизданных сочинений. Тем не менее, ему удалось «прорваться» на музыкальный Олимп благодаря своей Первой симфонии, которая приобрела популярность во всем мире. В этом «повинен», прежде всего, мелодический дар композитора, нашедший отклик в сердцах любителей музыки всех континентов. Строже говоря, счастливая мелодическая находка, - побочная партия первой части, вероятно, сыграла здесь решающую роль. Сей факт заставляет вспомнить крылатую фразу Стравинского: «Мелодия наиболее доступна для восприятия и наименее доступна как дар», кажется, так. Композитора сразила злая чахотка, но жестокая болезнь никак не отразилась на его музыке, почти всегда бодрой и жизнерадостной.

8. Игорь Фёдорович СТРАВИНСКИЙ (1882-1971)
Игорь Федорович Стравинский (1882–1971) вошел в историю мировой музыкальной культуры как смелый новатор, один из самых влиятельных мировых композиторов 20-го века, лидер неоклассицизма, пролагающий собственные пути в искусстве.

Путь Стравинского в музыке - от романтизма и импрессионизма к неоклассицизму, додекафонии, музыке авангарда.

В последние годы жизни он живо интересовался искусством джаза и достижениями в области электронной музыки.

Игорь Фёдорович Стравинский стал "зеркалом" музыкальной эпохи ХХ века, в его творчестве отражена множественность стилей, постоянно пересекающихся и трудно поддающихся классификации. Он свободно комбинировал жанры, формы, стили, выбирая их из столетий музыкальной истории и подчиняя своим собственным правилам.
Родился близ Санкт-Петербурга, учился на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, самостоятельно изучал музыкальные дисциплины, брал частные уроки у Н. А. Римского-Корсакова. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской техникой. Встреча с С. П. Дягилевым в 1909 г. во многом определила дальнейшую личную и творческую судьбу композитора.

Профессионально сочинять он начал относительно поздно, но взлёт был стремительным - серия трёх балетов: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913) сразу вывела его в число композиторов первой величины. Стравинский обратился к праистокам и взял за основу национальной русской музыки в ХХ веке языческую, древнюю Русь.

Премьера балета «Жар-птица» на сцене парижской «Гранд-опера» в 1910 г. положила начало мировой славы Стравинского. Музыка поражала пышностью оркестровых звучаний, необычностью ритмов, обилием сказочной символики. Наиболее известный номер из балета - «Поганый пляс Кащеева царства» – гротескный образ зла и насилия.

Через год – новый балет «Петрушка». Главное внимание Стравинский сосредоточил на глубокой психологической драме любимого народного героя Петрушки, безнадежно влюбленного в глупенькую Балерину, отдающую предпочтение самодовольному Арапу. О страданиях главного героя, доброго, озорного и никогда не унывающего, Стравинский гениально рассказал языком музыки.

Особенно поражала финальная сцена прощания Петрушки с жизнью. Удивительной находкой композитора стал отрывистый «всхлип», «выдых» флейт и странный звук от брошенного на пол бубна. Еще недавно безудержно плясавшая толпа застывает перед умирающим. В трагический момент отлета души Петрушки в лучший мир звучит изумительная музыка, передающая трепет уходящей жизни. Отзвуки масленичного балагана и пронзительная фанфара ожившего Петрушки завершают действие.

Соавторами Стравинского в этой работе выступили балетмейстер М. М. Фокин (1880-1942) и либреттист, художник А. Н. Бенуа. Главные роли исполняли Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский. Балет «Петрушка» стал ярким событием Русских сезонов С. П. Дягилева.

Премьера третьего, не менее знаменитого балета Стравинского «Весна священная» (1913) вызвала в Париже неслыханный скандал. Позднее автор вспоминал:

«Когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами... разразилась буря. Позади меня раздавались крики «Заткни глотку!..» Я в ярости покинул зал».

Изнеженное ухо слушателей, привыкшее к сладким и томным звукам, услышало чуждую языческую стихию. Не случайно балет имел подзаголовок «Картины языческой Руси». Стравинский пытался воссоздать в музыке первозданную суровость обычаев языческих племен, возглавляемых Старейшим-Мудрейшим. Напряженные диссонансы, сложные ритмы и неожиданные контрасты призваны были передать магическую силу заклинаний природы, весенних гаданий, древнейший обряд Поцелуя земли, величание Избранной. Движения и жесты актеров, отказавшихся от приемов классического балета, были тяжелыми и угловатыми.

Спустя несколько лет «Весна священная», исполненная как симфоническое произведение, вызвала бурные овации слушателей и стала мировым хитом в современной музыке.

В 1914 Стравинский окончательно покинул Россию, как оказалось почти навсегда (в 1962 были непродолжительные гастроли в СССР). Стравинский - космополит, вынуждено сменив несколько стран - Россия, Швейцария, Франция, в итоге остался жить в США.

Его творчество разделяют на три периода - "русский", "неоклассический", американский "серийного производства", периоды разделяются не по времени жизни в разных странах, а по авторскому "почерку".
Стравинский был очень высокообразованным, общительным человеком, с прекрасным чувством юмора. В круг его знакомых и корреспондентов входили музыканты, поэты, художники, ученые, бизнесмены, государственные деятели.
Последнее сочинение Стравинского - "Реквием" (Заупокойные песнопения) (1966) вобрал и объединил предшествующий художественный опыт композитора, став истинным апофеозом творчества мастера.
В творчестве Стравинского выделяется одна уникальная черта - "неповторяемость", недаром его называли "композитором тысячи одного стиля", постоянная смена жанра, стиля, направления сюжета - каждое его произведение неповторимо, но он постоянно возвращался к конструкциям, в которых видно русское происхождение, слышны русские корни.

Цитата И.Ф.Стравинского: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе».

Цитата о И.Ф.Стравинском: "Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного..». Д.Шостакович

Интересный факт (байка):
«Однажды в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...»

9. АЛЕКСАНДР КОНСТАНТИНОВИЧ ГЛАЗУНОВ
(1865-1936)

Сын петербургского книгоиздателя. С самого раннего детства он брал уроки фортепианной игры, а потом поступил в консерваторию в класс композиции, которым руководил Римский-Корсаков.

Шестнадцати лет Глазунов написал первую симфонию. Особенно большую помощь оказывает ему музыкальный издатель Беляев, занявшийся организацией концертов, на которых исполнялись произведения молодого композитора. Во многом помогли ему и дружеские отношения с „Могучей кучкой” и П.И.Чайковским.

С 1884 г. произведения Глазунова получают признание не только в России, но и за границей. В 1899 г. он принимает должность профессора инструментовки в Петербургской консерватории.

В 1905 г., в знак протеста против снятия Римского-Корсакова, Глазунов отказался от этой должности.

В 1907 г. композитору присваивается почетное звание доктора Кембриджского и Оксфордского университетов.

После Октябрьской революции Глазунов одновременно с творческой работой занялся широкой организаторской и популяризаторской деятельностью. До 1928 г. он занимал пост директора Ленинградской консерватории. В 1929 г. композитор предпринял гастрольную поездку по Европе и Северной Америке, побывал он и в Польше.

Умер Глазунов в 1936 г. в Париже, куда он выехал на лечение.

Творческое наследие Глазунова состоит из восьми симфонических поэм, балетов (в том числе «Раймонда», «Времена года»), увертюр, скрипичных концертов, фортепианных концертов, многочисленных симфонических, камерных, фортепианных и вокальных произведений.

Для его музыки характерны необычайная мелодичность, классическая ясность формы, черты национального „русского духа”. По органическому сочетанию в ней чисто русских и западноевропейских элементов, она близка музыке Чайковского и Римского-Корсакова. Глазунова не соблазняли модные новаторские направления. Он прежде всего ставил перед собой задачу создания произведений высокого художественного уровня. И именно эта черта его творчества выдвигает Глазунова в первые ряды русских композиторов.

В 20-м веке на русскую, советскую и позже российскую музыку повлияли лва очень важных глобальных фактора:

Взаимное проникновение и смешение культур разных народов, так сказать, "культурная глобализация"

Появление нового музыкального языка, придуманного австрийским композитором Шёнбергом (1874-1951) - додекафонии.

Принцип, заложенный в этом языке (нельзя повторять ноту, пока не будут сыграны остальные одиннадцать) давал, с одной стороны, возможность создать совершенно уникальную мелодию (не повторенную никаким другим композитором), но с другой стороны, вел к обезличивании мелодии, потери какой-либо "узнаваемости" и связи с национальной музыкой.

10. Сергей Сергеевич ПРОКОФЬЕВ (1891-1953)

Сергей Сергеевич Прокофьев - один из крупнейших русских композиторов 20-го века, пианист, дирижер.
Родился в Донецкой области в семье агронома. С детства приобщился к музыке. Прокофьев - единственный из русских музыкальных "вундеркиндов", с 5 лет занимался композицией, в 9 лет написал две оперы (конечно, эти произведения ещё незрелые, но показывают стремление к созиданию), в 13 лет сдал экзамены в Санкт-Петербургскую консерваторию.

Среди его учителей был Н.А. Римский- Корсаков. Начало профессиональной карьеры вызвало бурю критики и непонимание его индивидуального принципиально антиромантического и крайне модернистского стиля.

Однако парадокс заключался в том, что рушив академические каноны, структура его композиций оставалась верна классическим принципам и впоследствии стала сдерживающей силой модернистского всеотрицающего скептицизма.

Заканчивая в 1914 г. Петербургскую консерваторию, он решил сыграть перед экзаменационной комиссией свой собственный Первый концерт. Музыка захватила слушателей, и Прокофьев получил диплом с отличием и премию имени А. Г. Рубинштейна (великолепный рояль в подарок).

С самого начала карьеры Прокофьев много выступал и гастролировал. В 1918 году он выехал в международное турне, в том числе приезжал в СССР, окончательно вернулся на родину в 1936 году. За границей он сочинил оперу-балет „Любовь к трем апельсинам”.

Страна изменилась и "свободное" творчество Прокофьева вынуждено уступило реалиям новых требований. Со временем ему удалось найти общий язык с новыми слушателями, выработать в своем творчестве новые музыкальные формы, соответствующие эстетическим вкусам нового общества. Талант Прокофьева расцвел с новой силой - он пишет оперы, балеты, музыку к кинофильмам - острая, волевая, предельно точная музыка с новыми образами и идеями, заложила фундамент советской классической музыки и оперы.

Несмотря на явно выраженное стремление совместить музыку с идеологией советского государства, Прокофьев, лауреат шести Сталинских премий, всегда оставался самим собой, человеком твердого и независимого характера.

В 1948 году произошли почти одновременно три трагических события:

1. по подозрению в шпионаже была арестована и сослана в лагеря его первая жена-испанка;

2. вышло Постановление Полибюро ЦК ВКП(б) в котором Прокофьев, Шостакович и другие подверглись нападкам и обвинениям в "формализме" и вреде их музыки;

3. произошло резкое ухудшение здоровья композитора, он удалился на дачу и практически не покидал её, но продолжал сочинять.

Эпохальными сочинениями в истории советской музыки стали оперы "Война и мир", "Повесть о настоящем человеке"; балеты "Ромео и Джульетта", "Золушка", "Сказ о каменном цветке", с фантастическими музыкальными переходами. ставшие новым эталоном мировой балетной музыки; музыка к фильмам "Александр Невский" и "Иван Грозный"; симфонии № 5,6,7; фортепианные работы. Однако большинство помнят только его музыкальную сказку "Петя и волк".

Прокофьев скончался в 1953 г. в Москве, в один день со Сталиным.
Сергей Прокофьев писал странную, не похожую на другие, музыку. Творчество Прокофьева поражает многогранностью и широтой тематики, самобытность его музыкального мышления, свежесть и своеобразие составили целую эпоху в мировой музыкальной культуре 20 века и оказали мощное воздействие на многих советских и зарубежных композиторов.

Цитата С.С.Прокофьева:
"Может ли художник стоять в стороне от жизни?.. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…"
"Я - проявление жизни, которая дает мне силы сопротивляться всему недуховному"

Цитата о С.С.Прокофьеве: "... все грани его музыки прекрасны. Но есть здесь одна совершенно необычная вещь. У нас у всех, видимо, бывают какие-то неудачи, сомнения, просто плохое настроение. И вот в такие минуты, даже если я не играю и не слушаю Прокофьева, а просто думаю о нем, я получаю невероятный заряд энергии, испытываю огромное желание жить, действовать» Е.Кисин

Интересный факт: Прокофьев очень любил шахматы, и обогатил игру своими идеями и достижениями, среди которых изобретённые им "девятерные" шахматы - доска 24х24 поля с расставленными на ней девятью комплектами фигур.

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 - 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире. Это Бетховен наших дней. Его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения - это летописи тяжёлых событий 20-го века, трагедией человека и человечества.
Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом - так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром.

Написанная девятнадцатилетним выпускником Ленинградской консерватории Первая симфония (1926) поразила слушателей оптимизмом и свежестью звучания. Стало ясно, что в России появился композитор мирового значения. Симфония сразу же вошла в репертуар отечественных и зарубежных дирижеров.

Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году.
Дмитрий Шостакович жил в сложное время - когда менялась власть, менялись нравы, отношение к его произведениям тоже менялось. Например, сегодня произведение встречали на ура - а завтра освистывали.

До постановки оперы "Леди Макбет Мценского уезда", Шостакович творил как свободный художник - "авангардист", экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях тоталитарного государства.

В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие.
Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах его 15 симфоний занимают центральное место. Самыми драматическими являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки.

За полувековой период творчества Шостакович создавал произведения почти во всех музыкальных жанрах: 15 симфоний, 15 квартетов, две оперы («Нос» и «Леди Макбет Мценского уезда»), три балета («Золотой век», «Болт» и «Светлый ручей»), шесть инструментальных концертов, циклы романсов, сборники фортепианных прелюдий и фуг, кантаты, оратория («Песнь о лесах»).

Особое место в творчестве композитора занимала музыка к кинофильмам и драматическим спектаклям. Еще в послереволюционном Петрограде Шостакович работал тапером в маленьких кинозалах, импровизируя на фортепиано во время демонстрации немых кинолент. Когда с 1928 г. начинается эра киномузыки, он с удовольствием приходит в кинематограф, где создает ряд блестящих музыкальных произведений к фильмам «Трилогия о Максиме», «Иван Мичурин», «Встреча на Эльбе», «Молодая гвардия», «Падение Берлина», «Овод», «Гамлет», «Кор

Начало XIX в. в России характеризовалось оживлением музыкальной жизни, развитием оперного и балетного искусства, инструментальных пьес, романса. Усиливается интерес к народному творчеству: составляются сборники музыкального фольклора, А.П. Гурилевым и другими композиторами создают­ся вариации на темы народных песен.

Распространенным музыкальным жанром в эти годы становится лирический и бытовой романс (А.Е. Варламов, А.А. Алябьев). Наряду с ним возник новый вид вокального искусства – романтическая баллада. Развитие русской оперы связано с именами А.Н. Верстовского и К.А. Кавоса. Сцену прочно завоевали сказочные оперы и оперы-водевили.

Отечественная война 1812 г. принесла на русскую сцену народно-героическую тематику. Основоположником нового классического жанра в развитии музыкального искусства явился М.И. Глинка . Своим творчеством он утверждал народность, национальную самостоятельность русского классического искусства.

Его опера «Жизнь за царя» (современное название – «Иван Сусанин») была сухо встречена светом, который шокировала «кучерская музыка», но в числе поклонников оперы были А.С. Пушкин, Н.В. Гоголь, В.Г. Белинский. Помимо этого М.И. Глинкой были созданы опера «Руслан и Людмила», романсы, увертюры, ряд фортепьянных и вокальных произведений. Вслед за Глинкой основоположником русской классической музыки следует назвать А.С. Даргомыжского («Эсмеральда», «Русалка», «Каменный гость», вокальные ансамбли, хоры, романсы).

На вторую половину XIX в. приходится расцвет русской музыкальной культуры: высокого уровня достигло исполнитель­ское мастерство, активизировалась концертная деятельность. Особую роль в истории русской музыки сыграла деятельность кружка «Могучая кучка» . В этом творческом содружестве объединились М.А. Балакирев, П.А. Кюи, А.П. Бородин, Н.А. Римский-Корсаков, М.П. Мусоргский. А.П. Бородин пишет известную оперу «Князь Игорь», основанную на древнерусском эпосе.

Сочинение музыки не являлось основным занятием А.П. Бородина (как, впрочем, и для других членов содружества). Он был медиком и профессором химии, основал бесплатную музыкальную школу. В своих симфонических поэмах А.П. Бородин стремился к воссозданию национального колорита. Фантастический и завораживающий оркестр – одна из самых характерных черт творчества Н.А. Римского-Корсакова, автора классического учебника по инструментовке (симфоническая поэма «Шехерезада», оперы «Снегурочка», «Царская невеста»). Живые, колоритные образы были созданы М.П. Мусоргским, он показал личность во всем её многообразии и сложности, создал такие произведения, как «Ночь на Лысой горе», «Картинки с выставки», оперы «Борис Годунов», «Хованщина».

Гениальным последователем «Могучей кучки» был П.И. Чайковский . Его произведения отличают блестящая оркестровая палитра, яркие, выразительные чувства и эмоции. Чайковский – автор шести симфоний, трех концертов, девяти опер («Евгений Онегин», «Пиковая дама» и др.), трех балетов («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), более 100 романсов и песен.

Неоценимую роль в истории музыкальной культуры сыграли братья Рубинштейны. Антон – знаменитый пианист, композитор, дирижер. Николай – замечательный музыкант, дирижер. По инициативе А. Рубинштейна было организовано Русское музыкальное общество, а в 1862 г. – первая в России консерватория. Последние десятилетия России XIX в. ознаменованы творчеством ряда новых композиторов: А.К. Глазунова, А.Н. Скрябина, С.В. Рахманинова и др.

Народность, гуманизм и правдивость русского музыкального искусства обеспечивали ему все более сильное влияние на судьбы отечественной культуры.