Японские ксилографии. Традиционная японская живопись и гравюра

Укиё-э - стиль в японской живописи, зародившийся в конце XVI века.

История развития

С японского название направления переводится как «плывущий мир». Изначально слово «укиё» применялось в буддизме и представляло бренность бытия и повседневную печаль, а с приходом в Японию периода Эдо смысл этого слова обрел совершенно иной смысл. Данная Эпоха принесла в страну множество социальных изменений: так, например, в городах появились специально отведенные места, в которых располагались театры Кабуки, появлялись публичные дома. Тогда слово «укиё» стало обозначать мимолетное наслаждение.

Одним из основателей укиё-э считается известный японский художник Хисикава Моронобу. Стиль укиё-э представляет собой гравюры, выполненные на дереве.

Изначально гравюры были монохромными, так как при их создании использовалась лишь черная тушь. Спустя пару столетий художники данного направления стали добавлять гравюрам выразительности, раскрашивая их цветными красками. В то же время Судзуки Харунобу разработал метод многоразовой печати для создания нисики-э, что переводится как «парчовые картины». Массовое производство гравюр сделало их доступными для покупки многим жителям Японии, которые до того времени не могли позволить себе такую роскошь, как покупка картин.

Создание гравюр

В создании произведения принимали участие несколько человек: художник, гравер, резчик по дереву и печатник, каждому из которых была отведена большая роль. Зачастую работы делались на заказ и их количество могло быть очень большим.

Последовательность создания гравюры:

Живописец рисует на тонкой бумаге контур будущего рисунка.
Гравер клеит данный эскиз на деревянную дощечку и вырезает на ней первую форму для печати.
Гравер делает на форме некоторое количество отпечатков для обозначения будущих оттенков.
Резчик по дереву вырезает печатные формы, которые созданы для определенных цветов.
Печатник по инструкции от художника наносит на формы краску нужного цвета и вручную отпечатывает их на рисовой бумаге.

Создание гравюры - весьма долгий и трудоемкий процесс, требующий много старания и умений. Итоговый вид картины зависел не только от хороших эскизов, но и от опыта граверов и резчиков. Для производства цветных изображений порой требовалось вырезать более десятка различных форм.

Укиё-э обновлено: Сентябрь 15, 2017 автором: Валентина

Опять же не обо всем сразу, а конкретно о гравюрах укиё-э . Красивое слово, а что оно означает-то? Почитаем специальные сайты. Например, энциклопедия Японии от, А до Я
— и узнаем, что:

Техника ксилографии, или печать с деревянных досок , появилась в Японии еще в период Хэйан (794−1185) вместе с приходом буддизма. Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.

Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).

Укиё-э (что в буквальном переводе с японского обозначает «картины бренного мира») вобрало в себя философскую созерцательность и эмоциональную полноту любования полнотой бренного существования.

В техническом отношении искусство укиё-э — сложный процесс, требующий высочайшего профессионализма на всех стадиях исполнения. Конечный результат работы зависел не только от мастерства художников, рисовавших эскизы, но и от виртуозного умения граверов и печатников. Для создания многоцветного изображения требовалось награвировать от двух-трех до восьми досок. Печать выполнялась вручную, что позволяло создать живописный эффект полутонов. Доски раскрашивали от руки, лощили, задували золотым или серебряным порошком.

Японская гравюра стала синонимом изысканности и хорошего вкуса. В конце XIX века гравюры укиё-э приобрели популярность во всем мире, их коллекционировали Уистлер, Мане, Дега, Гонкур, Золя. В Петербурге первая выставка гравюр укиё-э прошла в 1898 г. Богатые коллекции таких гравюр существуют в Государственном Эрмитаже и Кунсткамере.

Слово «укиё» в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный изменчивый мир». В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э — картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.

Возникшая в XVII в. в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.
В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.

Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер , наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник , обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

Основателем направления считается Моронобу Хисикава, Китибэ (около 1618 — около 1694; по другим источникам 1625 — около 1694, 1638−1714 гг.), японский живописец и график. Жил в Эдо. Ещё крупнейшими представителями укиё-э были Кацусика Хокусай, который известен также как основатель пейзажного жанра в японской гравюре, Андо Хиросигэ (1797−1858 гг.) — один из крупнейших японских графиков.
Хиросигэ родился в Эдо в семье мелкого самурая Андо Гэнэмона. Благодаря раннему обучению иероглифической письменности Токутаро (первое детское имя художника) также хорошо разбирался в свойствах бумаги, кисти и туши — основных материалов восточной живописи.

Первая картина «Гора Фудзи в снегу», сохранившаяся до наших дней (Музей Сантори, Токио), написана художником в десятилетнем возрасте. Ему было четырнадцать лет, когда он стал учеником Тоёхиро , основателя школы Утагава . В основе ранних работ Хиросигэ — реальные события, сценки, подсмотренные на улицах.

Второй этап творчества ознаменован появлением пейзажных гравюр. Первую выпущенную в 1825 г. серию «Восемь видов Оми», посвященную красоте озера Бива, расположенного в провинции Оми, Хиросигэ изображает, не покидая Эдо. Следующая серия «Десять видов Восточной столицы», выпущенная через два года, посвящена родному городу художника — Эдо.

Затем художник полностью сосредотачивает свое внимание на пейзажах и сериях жанра катёга («цветы и птицы»). Одним из наиболее известных является лист «Воробьи над покрытой снегом камелией» из серии в 25 гравюр.

В августе 1832 г. художник проходит всю восточно-приморскую дорогу — Токайдо. Результатом путешествия явилась выпущенная им большая серия пейзажных гравюр «Пятьдесят три станции дороги Токайдо», положившая начало расцвету его творчества.
Следующий период творчества Хиросигэ во многом отличен от предыдущего. Он часто меняет место жительства, совершает неоднократные, довольно длительные путешествия по стране, но при этом совсем не создает больших пейзажных серий. Большую часть времени он посвящает иллюстрированию книг с сатирическими стихами.

В последнее десятилетие своей жизни художник не расстается с любимыми темами пейзажей Токайдо и Эдо, изображая их на отдельных гравюрах, веерах, в книгах. Хиросигэ создает серию «Тридцать шесть видов горы Фудзи». В эти же годы художник обращается к изображению причудливых скал, пещер, водопадов, ущелий и переправ через них. Своей последней пейзажной серии, состоящей из трех триптихов, Хиросигэ дал старое поэтическое наименование «Снег, луна, цветы». В течение трех последних лет жизни Хиросигэ постепенно выходили гравюры его самой большой серии — «Сто видов Эдо».

Пейзажи Хиросигэ наряду с произведениями Хокусая сделали гравюру укиё-э ведущим видом искусства первой половины ХIХ в.

Много работ Хиросигэ и Хокусая, а также других разных авторов можно помотреть на сайте Ukiyoe Japanese Prints Но будьте осторожны — там 9 галерей картин по 500 в каждой. Можно засидеться надолго!

Фиолетова Татьяна, ученица 10 класса СОШ № 32 г. Рыбинск

Актуальность темы исследования связана с изучением особенностей японской гравюры. Пожалуй, это одно из немногих произведений искусства, увидев которые в лучших музеях мира, невозможно ошибиться по поводу происхождения которых. Японскими гравюрами можно любоваться часами, поражаясь их изяществу и совершенству линий, простоте композиции и замысловатости проработки деталей.

Скачать:

Предварительный просмотр:

Муниципальное образовательное учреждение

средняя общеобразовательная школа № 32 им. академика А.А. Ухтомского

РЕФЕРАТ

на тему

«Особенности японской гравюры Укиё-э

и её влияние на европейскую живопись»

Выполнен

ученицей 10 класса

Фиолетовой Татьяной

Научный руководитель

Щербак Эллина Юрьевна

Рыбинск

2012 г.

Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .3

1. Непонятный термин Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. История происхождения Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.2. Процесс создания Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5

2. Жанры гравюры Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

3. Влияние Укиё-э на европейскую живопись. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

3.1. Влияние Укиё-э на творчество художников Америки и Западной Европы. . . . . . . . . .10

3.2. Влияние Укиё-э на творчество русских художников. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Заключение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16

Литература. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17

Введение

История Японии насчитывает уже более 8000 лет. По причине удалённости от остального мира в ней сформировалась своя, отличная от других цивилизация. Традиционная японская живопись, как и вся культура Японии, уникальна.

Возникшая в XVII веке в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр Укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов Укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.

Гравюры созданы великими художниками, которые довели это искусство практически до совершенства. Такие мастера как Утагава Тоёхару, Кацусика Хокусай и многие другие смогли запечатлеть на своих творениях самые прекрасные моменты этого быстротечного мира.

Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и послужило обогащению визуального опыта мастеров, открыло им существование другого типа творческой фантазии, возможность принципиально новых точек зрения на привычное и повседневное.

Цель исследования: описание особенностей японской гравюры Укие-э.

Задачи исследования:

Изучить происхождение термина Укиё-э.
Выявить жанры японской гравюры Укиё-э.
Определить влияние Укиё-э на европейскую живопись

Практическая значимость. Результаты исследования могут быть использованы на уроках по искусству и мировой художественной культуре.

1. Непонятный термин Укиё-э

1.1. Происхождение Укиё-э

Укиё-э – это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо. Он появился в первой половине XVII века, во второй половине XIX в. пришел в упадок. Расцветом Укиё-э считается XVIII век. Обычно под Укиё-э понимают популярные и широко распространенные в период Эдо жанровые произведения – живопись и, в особенности, гравюру. Термин Укиё, заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби» – так именуется мир сансары, мир преходящих иллюзий, где удел человека – скорбь, страдания, болезни и смерть. Этот мир, с точки зрения традиционно мыслящих японцев, такой же иллюзорный и преходящий, как сновидение, и его обитатели не более реальны, чем существа из мира грез. В XVII веке представления об изменчивости и иллюзорности этого мира, будучи несколько переосмыслены, породили особого рода эстетику: непостоянство бытия воспринималось не только и не столько как источник страдания, а, скорее, как призыв к удовольствиям, которые дарует это непостоянство. Мир преходящих наслаждений также стал именоваться укиё, только записывался он уже другим иероглифом с тем же звучанием, буквально означавшим «плывущий», «проплывающий мимо». Укиё-э и означает «картинки плывущего мира». Есть и другой оттенок смысла: художники, работавшие в стиле укиё-э. были знакомы с принципами западного искусства и нередко использовали в своих произведениях знание законов перспективы, что было нетипично для традиционной японской живописи ямато-э («японская картина») или кара-э («китайская картина»). Поэтому для японских зрителей, привыкших к плоским изображениям, мир на картинках Укиё-э воспринимался как объемный, «всплывающий» на поверхности листа или, наоборот, «тонущий» в его глубине.

Стиль Укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века , что привёло к появлению класса торговцев и мелких ремесленников, которые начали писать рассказы или повести и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон («книга картинок»). Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года « Исэ-моногатари » («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу . В подобных книгах широко использовались Укиё-э в качестве иллюстраций. Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения – какемоно (свиток с картиной или изречением) и афиши для театра кабуки .

В середине XVIII века была разработана технология получения многоцветных отпечатков, которые получили название нисики-э («парчовые картинки», также известны как эдо-э). После революции Мэйдзи в 1868 году и открытия границ в Японию завозились достижения западной цивилизации.

Укиё-э постепенно выходит из моды, заменяясь фотографией . В то же время гравюры в стиле Укиё-э стали очень популярны в западной Европе и Америке , их начинают массово скупать искусствоведы. Следует также отметить, что в токугавской Японии Укиё-э долгое время считался «низким» жанром; поэтому огромное количество работ было утеряно.

1.2. Процесс создания гравюры Укиё-э

В процессе создания гравюры Укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.

Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок прототип гравюры тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Резчик, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая, таким образом, первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

2. Жанры гравюры Укиё-э

Бидзин-га – общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии , например – в печати с деревянных досок художественного направления укиё-э , являвшегося своего рода предшественником фотографии. Обозначение «бидзинга» может, таким образом, использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило, одетой в кимоно .

Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре бидзинга, бывшие одной из центральных тем этого направления японского искусства. Среди художников, создававших бидзинга, следует упомянуть таких мастеров формы и новаторов в японской живописи, как Хисикава Моронобу , Китагава Утамаро , Судзуки Харунобу , Тоёхара Тиканобу , Тории Киёнага , Нисикава Сукэнобу , Ито Синсуй .

Якуся-э – (яп. - изображение актеров), жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Возник в кон. XII в. как оформление плаката, афиши, театральной программы. Ранние произведения якуся-э (конец XII – середина XIII в.), выполненные в технике ксилографии с яркой подкраской оттисков, создавали героический образ актера-исполнителя остродраматических ролей. Они привлекали захватывающей стремительностью действия и роскошью театральных одежд (гравюры Тории Киёнобу с фигурой обращенного к зрителям актера, как бы летящего в танце, жонглируя оружием). Во 2-й половине XIII века в гравюрах якуся-э появляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артистической уборной. Высший этап развития жанра якуся-э – творчество Тёсюсая Сяраку (кон. XIII – нач. XIX в.). Он создал галерею портретов, в которых актер предстает в образе страдающего, ненавидящего, алчущего, сжигаемого страстями человека. В произведениях XIX в. усиливается тяга к декоративности, снижается интерес к внутреннему миру персонажей.

Японская театральная гравюра в процессе своего развития стала самоценным и самостоятельным искусством, расцвет которого пришелся на XVII – XIX вв.

Катё-э (яп. Катё-э, или катё-га «картины о цветах и птицах») – поджанр японской гравюры Укиё-э , ведущий свое происхождение из традиционного жанра китайской живописи, посвященного тому же предмету. Существовали мастера, специализирующиеся исключительно на этом жанре, хотя крупные мастера укиё-э, например, Хиросигэ , также иногда его использовали.

Охара Косон является одним из самых известных художников в жанре «Катё-э» двадцатого века .

Фукэй-га – пейзажная гравюра, получившая широкое распространение в первой половине XIX в. Расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии связан с именами двух великих художников – Кацусика Хокусая (1760–1849) и Андо (Утагава) Хиросигэ (1797-1858).

В Японии много замечательных мест и великолепных пейзажей. Но всемирную известность приобрела гора Фудзияма – символ страны Восходящего Солнца. Японцы восхищаются Фудзиямой и считают её национальной святыней

Фудзияма великолепна во все времена года, она меняет свои краски в зависимости от погоды. Когда бы вы ни увидели этот действующий вулкан, он вызовет у вас особые чувства, не только открывающейся взору красотой, но и своим величием.

Японская легенда гласит, что боги сотворили «гору Фудзи» за одну ночь. Земля была взята неподалёку от Киото, на месте, где затем возникло самое большое в Японии естественное озеро Бива. Происходили эти события в 286 году до нашей эры.

Японцы во всём видят неповторимую красоту. Священный трепет и восхищение вызывает у жителей Японии вершина Фудзи, покрытая снегом. Вулкан имеет классическую коническую форму и поражает своим совершенством. На фоне голубого неба вырисовываются слегка усечённые и симметричные склоны Фудзиямы. Всё это приносит в душу покой, говорит об упорядоченности мироздания и гармонии в природе.

Высота Фудзи – 3776 метров. Гора возвышается над окружающей местностью и притягивает к себе взоры всей Японии. Является Фудзи и одной из святынь древней религии Японии – синтоизма. Японцы традиционно придерживаются веры предков и поэтому у них очень популярны паломничества к горе. Японцы считают, что хотя бы один раз в жизни каждый должен подняться на гору.

Муся-э – историко-героический жанр; изображение прославившихся в истории Японии самураев, сцен сражений. Традиционный жанр укиё-э.

3. Влияние Укиё-э на европейскую живопись

Примечательно, что самим японцам взглянуть на Укиё-э как на полноправные художественные произведения помогли иностранцы. После открытия Японии в 1855 г. для внешнего мира японские товары и произведения искусства в большом количестве завозятся в Европу и быстро находят в ней ценителей. Во время Всемирной выставки в Лондоне и Всемирной выставки в Париже были продемонстрированы японская цветная гравюра и различные кустарные изделия: фарфор, кимоно, ширмы, лаковые изделия.

В конце XIX в. многие дизайнеры ар нуво обратили свои взгляды на Восток, в особенности на Японию, в поисках вдохновения. После 200 лет изоляции Япония открыла двери Западу, а японские ремесла – от керамики и работ по металлу до архитектуры, живописи и графики – оказали огромное влияние на западных коллекционеров. На всемирной выставке в Париже в 1867 г. японское искусство и культура были представлены западному зрителю во всем разнообразии. Французский критик Филипп Бюрти описал новый стиль, возникший под влиянием японского искусства, который назвал японизмом.

Японизм (от франц. Japonisme) – направление в европейском искусстве XIX столетия, сложившееся под влиянием японской цветной ксилографии Укиё-э и художественных ремёсел. Мотивы, техника и подача цвета в японском искусстве отразились на творчестве художников импрессионистов. Значительное влияние японизм оказал также на искусство стиля модерн и на кубизм.

Основными чертами японизма являются природные темы (животные, насекомые, растения), двухмерные сложные узоры на поверхностях, простая цветовая гамма.

Интерес западной публики к японскому декоративному и прикладному искусству, особенно к японской гравюре, подогревали магазины, торгующие предметами искусства, музейные выставки, международные ярмарки и, безусловно, многочисленные дискуссии в прессе. Благодаря растущему вниманию к гравюре на дереве, фарфору и другим предметам искусства из Японии, в изделиях европейских мастеров росло количество природных мотивов, включая животных, насекомых и растения. Двухмерные сложные узоры, свойственные гравюре на дереве японских художников, например, Хиросигэ, впечатлили немало западных дизайнеров того времени. Их влияние можно заметить также в извилистых линиях и природных мотивах ар нуво.

3.1. Влияние Укиё-э на творчество художников Америки и

Западной Европы

Американцев Джеймс Уистлера и Мэри Кассат привлекли сдержанность линии и яркие колористические пятна гравюр и живописи Укиё-э.

Первым среди европейских художников Дж. Уистлер испытал увлечение искусством Японии. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Деревня».

Экспериментирование Мэри Кассат с разнообразными методами часто приводило к неожиданным результатам. Например, черпая вдохновение у японского мастера гравера, в 1891 г. Мэри Кассат выпускает серию из десяти цветных офортов в японском стиле, которые выставляются в галерее Дюран-Рюэля, включая «Умывающаяся женщина» и «Визит».

Графический стиль иллюстратора детских книг Уолтера Крейна явился отражением его интереса к искусству японской гравюры с ее линеарностью и локальным цветовым решением. Изящество четких черных контуров и нежных цветовых сочетаний, по мнению художника, абсолютно соответствовало особенностям детского восприятия. У. Крейн старался понять, что именно привлекает детей в иллюстрациях и в искусстве в целом. Он считал, что дети предпочитают видеть точные линии, четко обозначенные формы и фигуры, а также яркие насыщенные цвета. Художник придерживался мнения, что дети не обращают особого внимания на светотень и трехмерное отображение объектов. Своими иллюстрациями он стремился поражать и всячески поощрять воображение детей, используя яркие цветовые решения и четкие рисунки.

Известно, что многие постимпрессионисты черпали вдохновение в японских гравюрах. Начиная с копирования в ранний период творчества, и заканчивая постоянными отголосками и реминисценциями в самых известных работах. Пример тому картина «Портрет папаши Танги» Ван Гога и гравюры Хиросигэ.

Андо Хиросигэ – выдающийся японский график, крупнейший представитель направления Укиё-э, мастер цветной ксилографии, разработавший новый для японского искусства тип камерного, проникнутого тонким лирическим чувством пейзажа. Многие его приемы были позже взяты на вооружение европейскими импрессионистами и постимпрессионистами, а также предвосхитили авангардистскую фотографию XX века. Для передачи пространства Хиросигэ часто изображал на первом плане резко выступающую деталь, мягко трактуя при этом дальние планы; применял также линейную перспективу. Пейзажи Хиросигэ, отмеченные изысканным лиризмом образов, обычно включают в себя изображения людей, погруженных в свои повседневные дела.

Композиционные и колористические приемы, примененные Хиросигэ в этой серии, оказали огромное влияние на таких художников, как Э. Дега, Ван Гог, Джеймс Тиссо.

В творчестве Винсента Ван Гога влияние японской графики огромно. В своих трёх картинах Ван Гог копирует японские цветные гравюры, или воспроизводит их в масляной живописи. Эти работы демонстрируют желание художника проникнуть в тайны японского искусства. На основе японской гравюры пером Ван Гог, изучив 15-томную манга (собрание эскизов) Хокусая, развил свою ритмическую «точка-тире» структуру живописи, перенесённую им затем на масляную живопись.

Однако ещё и до Ван Гога импрессионисты искали в японской цветной гравюре необходимые средства изображения. Они переняли различные формы композиции, например, отдельно стоящего изображения, как бы «обрезанного» рамкой картины объекта; фигуру, стоящую на переднем плане полотна; асимметричное построение картины; экстремально углублённые вдаль диагонали; «зарешеченность» картины при помощи деревьев. Серии цветной графики Хокусая были образцом для серийных работ Поля Сезанна и Клода Моне.

Наиболее характерный прием, воспринятый из японской гравюры и непосредственно из серии Хиросигэ «Сто знаменитых видов Эдо», состоит в неожиданных срезах предметов и фигур первого плана. Это придает фрагментированность всей картине. Он применялся французскими художниками всех направлений. Известно, что Винсент Ван Гог копировал гравюры «Сливовый сад в Камэйдо» и «Ливень у моста в Охаси» из серии «Сто видов Эдо», изучая композиционные приемы и структуру японской гравюры. Подчеркивая истоки заимствования, Ван Гог обрамляет свои композиции японскими иероглифами, скопированными им с листов других серий Хиросигэ. Он создает произведения, в которых использует приемы, свойственные японской гравюре: высокую точку зрения, явное деление на два плана, кажущуюся случайность композиционного построения, фрагментарность. В использовании европейскими художниками конца XIX – начала XX века мотивов ирисов, цветущей сливы, хризантем, водопадов, в линеарности, а также в ряде других приемов изображения можно найти прямые аналогии с японской гравюрой, с произведениями Хиросигэ. Графический язык Хиросигэ уникален – он динамичен и лиричен одновременно. Композиция, линия, цвет, ритм гравюр находятся в гармонии. Знание и владение различными техниками предполагало необходимость такого же владения и мастерства со стороны печатника и резчика. В связи с этим необходимо отметить, что японская цветная гравюра создавалась особым методом, который принципиально отличался от европейской техники.

Анри де Тулуз-Лотрек блистательно переосмыслил стиль гравюры на дереве и создал собственный стиль, свободный от западных представлений о перспективе и композиции.

Художники-графики, включая Тулуз-Лотрека, особенно увлекались Укиё-э, ее же изучал Кристофер Дрессер в ходе своего путешествия по Японии, куда он отправился на закупку товаров для лондонского магазина «Либерти». Этот магазин открылся в 1875 г., там продавались ткани, украшения и предметы искусства, импортированные с Востока, в частности из Японии. Магазин также заказывал у западных дизайнеров предметы домашнего обихода в японском стиле. С 1860-х гг. Дрессер испытывал глубокий интерес к японскому искусству и прикладывал немалые усилия к его популяризации, как в Великобритании, так и в США. Увлечение Запада японским искусством и дизайном выразилось в развитии японского стиля, ставшего важным течением в западном искусстве. Оно, в свою очередь, также оказало влияние на японских художников и зрителей.

3.2. Влияние японской гравюры на творчество русских художников

Влияние японской культурной традиции на культуру России в конце XIX – начала XX вв. – яркий пример диалога культур, когда «иная» культура творчески перерабатывается, преломляется через призму собственной культурной традиции и приводит к обогащению последней, дает толчок для ее дальнейшего плодотворного развития.

«Японизмы» в русском искусстве конца XIX – начала XX вв. могут быть представлены в творчестве Я. Добужинского гравюрами «Обводный канал в Петербурге», И. Билибина, В. Борисова-Мусатова и П. Кузнецова. Приметы «японизма» в европейском варианте можно найти и в работах К. Сомова, Е. Лансере, Л. Бакста, М. Врубеля. Увлечение японской живописью послужило толчком для изучения японской театральной традиции для новатора русского театра В.Э. Мейерхольда. Для овладения вниманием зрителей, для выражения гротеска, он использовал принципы японского театра Но.

Характер японского влияния в этой сфере может быть представлен в виде стилизации, когда художники обращались к творческим приемам японцев в изображении действительности. В этом случае заимствования сводятся к приемам изображения неба, волн, подцветке контуров рисунка, декоративным качествам японской гравюры. Среди мотивов японского происхождения более значительную роль, чем все прочие, сыграла тема воды. Изображение воды, волны было связано с идеей роста, развития, перехода из одного состояния в другое, то есть с представлением о непрерывности. Многочисленные вариации волны в гравюрах Хокусая, Хиросигэ заворожили воображение художников. Волна не только появилась в «натуральном» виде у И. Билибина, но и стала важнейшей частью орнаментальных построений, что выразилось в ритмической организации пространства особняка Рябушинского в Москве, архитектора Шехтеля.

Особенно сильно влияние японской гравюры на русскую графику этого периода. Это можно проследить на примере иллюстраций художника Ивана Яковлевича Билибина.

И.Я. Билибин разработал систему графических приемов, которые дали возможность объединять иллюстрации и оформление в одном стиле, подчинив их плоскости книжной страницы. Характерные черты билибинского стиля: красота узорного рисунка, изысканная декоративность цветовых сочетаний, тонкое зрительное воплощение мира. Художник стремился к ансамблевому решению. Плоскость книжной страницы он подчеркивал контурной линией, отсутствием освещения, колористическим единством, условным делением пространства на планы и объединением различных точек зрения в композиции.

Одной из значительных работ И. Билибина были иллюстрации к «Сказке о царе Салтане» А. С. Пушкина. Между листами серии заметны различные источники стилизации. Иллюстрация с изображением Салтана, заглядывающего в светлицу, напоминает зимние пейзажи И.Я. Билибина с натуры. Сцены приема гостей, пира насыщены мотивами русского орнамента. Лист с плывущей по морю бочкой напоминает знаменитую «Волну» Хокусая.

В иллюстрациях композиция, как правило, развертывается параллельно плоскости листа. Крупные фигуры предстают в величавых застывших позах. Условное деление пространства на планы и объединение различных точек зрения в одной композиции позволяют сохранить плоскостность. Совершенно исчезает освещение, цвет становится условнее, важную роль приобретает незакрашенная поверхность бумаги, усложняется способ обозначения контурной линии, складывается строгая система штрихов и точек.

Процесс выполнения художником графического рисунка напоминал труд гравера. Набросав на бумаге эскиз, он уточнял композицию во всех деталях на кальке, а затем переводил на ватман. После этого колонковой кистью с обрезанным концом, уподобляя ее резцу, проводил по карандашному рисунку четкий проволочный контур тушью. В зрелый период творчества И. Билибин отказался от употребления пера, к которому иногда прибегал в ранних иллюстрациях. За безукоризненную твердость линии товарищи шутливо прозвали его «Иван – твердая рука».

Творчество Виктора Борисова-Мусатова было успешным опытом самостоятельной и плодотворной интерпретации новых живописных исканий европейского и русского искусства. Художник сопоставим с японскими мастерами органическим соответствием всех элементов композиции его картин друг другу, фигур и природного фона, нарядов героинь. Молчаливые, погруженные в мечтания, и почти неподвижные фигуры женщин в картине «Изумрудное ожерелье», напоминают импрессионистов и одновременно образы японского художника Утамаро. Лица женщин у В. Мусатова в «Изумрудном ожерелье» похожи друг на друга, как и лица красавиц Утамаро. Содержательность его произведений определяется не глубиной отдельных человеческих образов, а их соотношениями в образной системе картины.

Особенное значение приобрели живописные открытия В. Борисова-Мусатова для Павла Кузнецова. Работа Павла Варфоломеевича Кузнецова «Натюрморт с японской гравюрой» – открытие японского искусства. В натюрморте Кузнецов раскрывает суть не только личного опыта восприятия японского искусства, но и историю его открытия целым поколением русских художников. Для Кузнецова «Натюрморт» и гравюра Утамаро – это и предмет изображения, и предмет живописной интерпретации. Кузнецов не делал попыток в «Натюрморте с японской гравюрой» воспроизвести приемы и методы работы японских мастеров, к которым прибегали многие его современники. Не копируя гравюры Утамаро, а стараясь проникнуть в его искусство изнутри, Кузнецов дает живописное истолкование графическому произведению. Можно сказать, что творчество двух русских художников В.Э. Борисова-Мусатова и П. Кузнецова, также было посвящено поиску новых способов выразительности средств искусства. Творчество японских мастеров оказало влияние на художественные методы и приемы этих художников, в изображении человека в неразрывной связи с природой.

Яркий пример своеобразного «японизма» Георгия Богдановича Якулова – общее оформление и афиша кафе «Питтореск» (1917 г.). Главный зал кафе, и общей композицией, и деталями оформления напоминает старый японский театр. В этом легко убедиться, взглянув на японскую гравюру конца XV века, которая изображает интерьер театра.

На афише дана в рост женская фигура европейского облика и в европейской одежде, окруженная справа и слева надписью с названием, адресом и датой открытия кафе. Сравним афишу с гравюрой японского художника XV в. Судзуки Харунобу «Гейша». Трудно сказать, знал ли он о существовании этой гравюры, которую так напоминает его афиша – и постановкой фигуры, и надписями, как бы висящими в воздухе. Но это не свидетельствует о копировании или стилизации. Речь идет о сходстве художественного мышления. Сам Якулов говорил, что ему ближе восточная – символическая система, чем европейская – реалистическая. Перед русскими художниками вставала задача сохранить все обретенное на протяжении веков богатство русской культуры, и в то же время вернуть себе непосредственность восприятия и на этой основе достигнуть нового эстетического совершенства.

Заключение

Опираясь на материалы исследования, можно отметить:

Термин Укиё, заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби». Мир преходящих наслаждений также стал именоваться укиё, буквально означавшим «плывущий», «проплывающий мимо». Укиё-э и означает «картинки плывущего мира».
Особенностью гравюры является различие по жанрам: изображение женской красоты, отражение жизни актеров театра Кабуки, картины о цветах и птицах, пейзажи, историко-героические события. Другой особенностью являются двухмерные сложные узоры на поверхностях, простая цветовая гамма, идея гармонии между небом, землей и человеком, в постижении миросозерцания и печального очарования проходящей жизни.
Характер японского влияния может быть представлен в виде двух основных приемов использования японской художественной традиции:

1) прием стилизации, когда художники обращались к творческим приемам японцев в изображении действительности. В этих случаях заимствования сводятся к приемам изображения неба, волн, подцветке контуров рисунка, декоративным качествам японской гравюры. Прием стилизации четко проявился в творчестве русских художников И. Билибина, А. Остроумовой-Лебедевой, М. Кассат, Я. Добужинского, У. Крейна.

2) использование японских мотивов в рамках своего собственного творчества, когда художник трансформирует японскую культуру применительно к своим задачам, интерпретируют язык японского искусства, вплетая его в ткань собственного художественного метода в творчестве В. Борисова-Мусатова, П. Кузнецова, В. Ван Гога.

Впитывая в себя западную стилизацию Востока, художники на ее основе искали и создавали свой образ Востока – образ, основанный на способности человека видеть мир непосредственно. Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и послужило обогащению визуального опыта мастеров, открыло им существование другого типа творческой фантазии, возможность принципиально новых точек зрения на привычное и повседневное.

Сопоставление западных и русских мастеров с японскими графиками дает нам полное основание говорить о свободном диалоге различных культур, о соприкосновении с духовной культурой Японии в XX веке, существенно обогатившей культурный фонд, повлиявший на круг его интересов.

Литература

Ukiyoe-Gallery [Электронный ресурс] // Fine Japanese Woodblock Prints. - http://www.ukiyoe-gallery.com/index.htm

Основоположником укиё-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу.

Изначально гравюры были чёрно-белыми - использовалась лишь тушь , с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»).

Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Они предназначались в основном для городских жителей, которые не могли позволить себе потратить деньги на картины. Для укиё-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га ), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э ). Позднее стала популярной пейзажная гравюра.

История

Стиль укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века , что привёло к появлению класса торговцев и мелких ремесленников, которые начали писать рассказы или повести и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон (яп. 絵本 - «книга картинок» ?). Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года «Исэ-моногатари » («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу. В подобных книгах широко использовались укиё-э в качестве иллюстраций. Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения - какемоно (яп. 掛け物 - свиток с картиной или изречением ?) и афиши для театра кабуки .

Процесс создания

Вырезанная печатная форма

Для создания укиё-э требовались художник, резчик и печатник. Укиё-э изготовлялись следующим образом. Художник тушью делал на тонкой бумаге прототип гравюры, резчик приклеивал этот рисунок лицевой стороной на доску из вишни , груши или самшита и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая таким образом первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения на получившийся набор форм и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Известные художники

Хисикава Моронобу
Тории Киёнага
Кунитика
Кунисида
Тосюсай Сяраку
Тоёкуни

Примечания

Ссылки

Картины ускользающего мира - укиё-э - статья Галины Щедриной на сайте Artgalery.ru

Литература

А. Савельева Мировое искусство. Мастера японской гравюры. - «Кристалл», 2007. - 208 с. - 10 000 экз. - ISBN 5-9603-0033-8
М. В. Успенский Японская гравюра. - Санкт-Петербург: «Аврора», «Янтарный сказ», 2004. - 64 с. - («Библиотека Авроры»). - 5000 экз. - ISBN 5-7300-0699-3

Wikimedia Foundation . 2010 .

Синонимы :

Смотреть что такое "Укие-э" в других словарях:

- (японское образы повседневного мира) школа японской живописи и ксилографии 17 19 вв. Наследовала традиции жанровой живописи 15 16 вв. Отличается демократизмом сюжетов, созвучных городской литературе периода Эдо (нач. 17 2 я пол. 19 вв.).… … Большой Энциклопедический словарь

Укиё-э - Укие э УКИЁ Э (японское образы повседневного мира), школа японской живописи и гравюры на дереве (17 19 вв.). Для укие э характерны портреты актеров и красавиц из “веселых кварталов”, сюжеты из обыденной жизни, созвучные городской литературе… … Иллюстрированный энциклопедический словарь

- (япон. образы повседневного мира), направление в японской живописи и ксилографии XVII XIX вв., отразившее демократические тенденции в искусстве, возникшие в связи с бурным развитием городской жизни. Распространение получили сюжеты из жизни… … Энциклопедический словарь

- (Хисикава Моронобу) , японский художник, самый известный мастер укие э (см. УКИЕ Э) раннего периода. Сын известного мастера декоративных тканей Хисикавы Китидзаэмона. Спустя… … Энциклопедический словарь

- (1753/1754 1806), японский мастер цветной ксилографии и живописец. Представитель школы укиё э.Портретные и жанровые изысканно поэтические женские образы, созданные с помощью плавной текучей линии, применения слюдяного порошка, дающего эффект… … Энциклопедический словарь

- (1760 1849), японский живописец и рисовальщик, мастер цветной ксилографии. Представитель направления укиё э. В главных графических произведениях (серии «36 видов горы Фудзи», 1823 29, «Путешествие по водопадам различных провинций», 1827 33),… … Энциклопедический словарь

- (Судзуки Харунобу) (1725?, Эдо, ныне Токио 8 июля 1770, там же), японский художник, мастер укие э (см. УКИЕ Э). О его жизни (как и о жизни большинства мастеров укие э) известно мало, но его место в истории японского искусства четко определено его … Энциклопедический словарь

- (японское образы повседневного мира), школа японской живописи и гравюры на дереве (17 19 вв.). Для укие э характерны портреты актеров и красавиц из веселых кварталов, сюжеты из обыденной жизни, созвучные городской литературе начала 17 2 й… … Современная энциклопедия

Введение

Каждый день мир стремительно меняется, меняются и человеческие ценности.. Понять человечество как единое целое можно, только проследив его историю, – от первых государств – так называемых восточных деспотий, возникших тысячелетия назад в долинах великих рек, до первых правовых государств современного типа, от общества, в котором рабство считалось нормальным явлением, до возникновения гражданского общества Нового времени с его признанием демократии прав личности как высших цивилизационных ценностей. Одним из занимательных видов изображения истории можно считать художественное творчество, а именно японскую гравюру укиё-э, о которой собственно и будет идти речь в моем реферате.

"...Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любуясь луной, цветением вишен, осенними листьями кленов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё" - так говорили горожане новой столицы Эдо (с 1714 года) и старой - Киото.

Искусство этого мира - "укиё" и прежде всего гравюра - стало отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов, мод. В отличие от аристократической живописи средних веков гравюра на дереве была многотиражной, доступной по цене, воистину популярной. Она основывалась на традициях книжной графики, программ излюбленного театра горожан - Кабуки, но только с появлением станковой графики (то есть в понимании японцев - гравюр на отдельных листах) она стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства.

I . Происхождение термина «укиё-э»

Укиё-э - это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо (ныне Токио), это жанр искусства, представленный, главным образом, отпечатками с деревянных досок, развившийся на ранних этапах эпохи Эдо (1600 - 1868). Он появился в первой половине XVII века, во второй половине XIX в. пришел в упадок. Расцветом укиё-э считается XVIII век. Укиё-э пользовались успехом по всей Японии, причем наиболее характерные их формы утвердились в образцах, производившихся в Эдо примерно с 1680 г. по середину 50-х годов XIX в.

Термин «укиё», заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби» - так именуется мир сансары, мир преходящих иллюзий, где удел человека - скорбь, страдания, болезни и смерть. Этот мир, с точки зрения традиционно мыслящих японцев, такой же иллюзорный и преходящий, как сновидение, и его обитатели не более реальны, чем существа из мира грез. В XVII веке представления об изменчивости и иллюзорности этого мира, будучи несколько переосмыслены, породили особого рода эстетику: непостоянство бытия воспринималось не только и не столько как источник страдания, а, скорее, как призыв к наслаждениям и удовольствиям, которые дарует это непостоянство. Мир преходящих наслаждений также стал именоваться укиё, только записывался он уже другим иероглифом с тем же звучанием, буквально означавшим «плывущий», «проплывающий мимо». Укиё-э и означает «картинки плывущего мира». Есть и другой оттенок смысла: художники, работавшие в стиле укиё-э. были знакомы с принципами западного искусства и нередко использовали в своих произведениях знание законов перспективы, что было нетипично для традиционной японской живописи ямато-э («японская картина») или кара-э («китайская картина»). Поэтому для японских зрителей, привыкших к совершенно плоским изображениям, мир на картинках укиё-э воспринимался как объемный, «всплывающий» на поверхности листа или, наоборот, «тонущий» в его глубине.

В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э - картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.

II . История развития укиё-э

2.1 Укиё-э как один из результатов развития японской живописи

В основе всех стилей японской живописи лежат континентальное направление, пришедшее из Китая и Кореи, и чисто японское. До X века доминировало китайское направление, после чего появилась именно японская живопись – ямато-э, основные представители этого направления были выполнены в виде ширм и сдвижных экранов. Потом, чуть позже появляются длиннющие живописные свитки эмакимоно, а также картины на отдельных листах примерно альбомного формата. К XIV в. жанр эмакимоно угасает и его вытесняет живопись тушью в дзэнской манере – суми-э, которая далеко выходит за рамки монастырской традиции и становится неотъемлемой частью светского искусства. К наиболее важным школам японской живописи эпохи Эдо относят школы Тоса и Римпа, которые специализировались на рисовании картин в стиле ямато-э. В эпоху Эдо процветали также и другие направления живописи: школы Маруяма-Сидзэёо, Акита, Итоо и др. Было популярно также направление намбан - буквально «южный варвар» - так японцы называли европейцев. Художники, работавшие в этом стиле, подражали западной живописи и по-своему использовали западные сюжеты и законы перспективы. С начала XVIII в. в моду входит стиль бундзинга («просвещенная живопись») – художников, рисовавших в этом стиле, особенно вдохновляла южно-китайская живопись эпохи династии Юань, называемая в Японии нанга.

Укиё-э - это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо, появился он в первой половине XVII века. Как правило, под укиё-э понимают жанровую живопись и с особенности гравюру.

2.2 Мир, изображаемый на «дереве»

Техника ксилографии, или печати с деревянных досок, появилась в Японии еще в период Хэйан (794–1185) вместе с распространением буддизма. Техника печати с деревянных досок вначале использовалась при изготовлении черно-белых оттисков с изображениями различных буддийских святых и при иллюстрировании текста сутр.

ЯПОНСКАЯ ЦВЕТНАЯ КСИЛОГРАФИЯ (гравюра на дереве) - унциальное явление в истории мирового искусства. Ее технику японцы заимствовали из Китая. Уже с XIII века в Японии печатались небольшие буддийские иконы, амулеты, но эта продукция носила ремесленный характер.

Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.

Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э). Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).

Как самостоятельный вид искусства гравюра утверждается на последнем этапе средневековой истории Японии - в период Токугава (1603-1868). Это время характеризуется формированием новой городской культуры, отражавшей вкусы третьего и четвертого сословий - купцов и ремесленничав, игравших все большую роль в экономической, а затем и о культурной жизни страны. В искусстве XVII- XIX веков сформировался новый стиль - укиё-э (дословно: картины плывущего мира) - направление городского искусства периода Эдо (1613-1868), к которому относится и гравюра. Его главной темой стала повседневная жизнь самих горожан, их будни и праздники.

Цветная ксилография трудоемка и требует участия нескольких специалистов: художника, который пишет эскиз будущей гравюры; ремесленника, "доводящего" эскиз до такой степени детализации, чтобы с него можно было резать доску для печати; резчика, переносящего изображение на доску продольного распила, причем для каждого цвета вырезалась отдельная доска; и печатника, осуществляющего печать вручную, без применения станка. Обычно очень важна была роль издателя, который не только осуществлял общее руководство и обеспечивал сбыт, но нередко бывал и автором идеи произведения. Мог быть и еще один участник - поэт, сочинявший для гравюры сопровождающее ее стихотворение и в некоторых случаях выступавший как каллиграф, когда он записывал свое творение на эскизе собственноручно.

Середина 1820-х - начало 1830-х Японская гравюра на дереве - это обрезная ксилография. Клише для нее изготовлялись на продольном срезе грушевого или вишневого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом плавность рисунка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Первоначально гравюра была одноцветной, и весь сравнительно небольшой тираж ее подкрашивался от руки, что придавало произведениям особое очарование непосредственности и рукотворности. Ранний период развития гравюры датируется 1680-1760 годами.

В центре внимания художников укиё-э были обитатели этого непостоянного мира преходящих удовольствий: прекрасные дамы, как правило, - знаменитые гейши и куртизанки (жанр бидзинга), актеры театра кабуки, воспринимавшиеся в ту эпоху как «куртизаны» мужского пола (жанр якуся-э), эротические сцены (так называемые сюнга - «весенние картинки»), сцены любования прекрасными природными явлениями, праздники и фейерверки, «цветы и птицы» (катёга), а также знаменитые виды природных ландшафтов, благодаря их живописной красоте ставшие местами паломничества. По мере развития направления укиё-э рамки отражаемого им среза бытия все время расширялись: появилось много картинок укиё-э, иллюстрировавших известные литературные произведения, особенно Исэ-моногатари и Гэндзи-моногатари, а также военные хроники гунки-моногатари; в конце концов ко времени расцвета жанра он охватил буквально все аспекты повседневной жизни всех слоев японского общества. Темой укиё-э стали также исторические сюжеты: изображения знаменитых самураев (жанр муся-э), особенно эпохи Сэнгоку Дзи-дай, батальные сцены, сцены кровопролития, изображенные очень натуралистично, пожары и борьба с огнем, а также мир призраков и демонов, фантастические гротески и т.д. Весьма широкое распространение получили прекрасные пародии-подражания изысканному стилю ямато-э: куртизанки изображались в одеяниях и позах бодхисатвы Каннон или знатных дам Хэйанской эпохи; дзэнский святой Дарума (Бодхидхарма) - в одеянии куртизанки; популярные в народе божества - предающиеся разного рода удовольствием.