Какие художники жили в 17 веке. Реферат Русские художники XVII века. Европейские веяния в русской живописи

Несмотря на развитую специализацию, 17 век русской живописи стал веком искусства, а не ремесленной подделки. Выдающиеся иконописцы проживали в Москве. Числились они в ведомстве Иконной Палаты Иконного приказа.

Симвон Ушаков. Спас Нерукотворный.

В конце 17 века стали работать мастерами Иконного цеха Оружейной палаты. В начале 17 века больших успехов добился Прокопий Чирин. Чирин был уроженцем Новгорода. Его иконы выполнены в неярких красках, фигуры по контуру очерчены золотой каймой, пробелены тончайшим ассистом.

Еще одним замечательным русским живописцем 17 века был Назарий Савин. Савин предпочитал фигуры удлиненных пропорций, узкоплечие и длиннобородые. В 30 годы 17 века Савин возглавил группы иконописцев, написавших деисусный праздничный и пророческий чины для иконостаса церкви Положения Ризы Богородицы и в Московском Кремле.

Иван 4 Васильевич Грозный.

В середине 17 века, проводятся большие работы по возобновлению древних стенописей. Новая стенопись Успенского Собора в Москве, сохранила схему предшествующей, была выполнена в кратчайшие сроки. Руководил работами Иван Панссеин. Художники под его руководством написали 249 сложных композиций, и 2066 лиц.

В 17 веке русской живописи выделятся особое стремление художников, стремление реалистичного изображения человека. В России начинает получать распространение такое явление как светская живопись. Светские живописцы 17 века изображали царей, полководцев, бояр. В 17 веке, в культуре России, в том числе и в живописи происходит процесс «обмирщения». Все больше и больше в жизнь русского общества проникают светские мотивы. Россия встала на новый путь, на порог новой эпохи своей истории.

В живописи в большей степени сохранились установившиеся традиции письма. Церковный собор 1667 г. строго регламентировал темы и образы, того же требовала придерживаться грамота царя Алексея Михайловича. С него самого написаны парсуны:

Рьяно осуждал всякие отклонения от канонов в изображении святых идеолог старообрядцев Аввакум.

Деятельностью живописцев руководила Оружейная палата Кремля, ставшая в XVII в. художественным центром страны, куда привлекались лучшие мастера.

В течение 30 лет живописное дело возглавлял Симон Ушаков (1626-1686). Характерной чертой его творчества был пристальный интерес к изображению человеческого лица. Под его рукой аскетические лица приобретали живые черты. Такова икона "Спас нерукотворный".

Широко известно другое его произведение - "Насаждение древа государства Всероссийского". На фоне Успенского собора помещены фигуры Ивана Калиты и митрополита Петра, поливающих большое древо, на ветвях которого укреплены медальоны с портретами князей и царей. С левой стороны на картине стоит Алексей Михайлович, с правой - его супруга с детьми. Все изображения портретны. Кисти Ушакова принадлежит также икона "Троица", на которой появляются реалистические детали. Симон Ушаков оказал большое влияние на развитие русской живописи.

Замечательным явлением в русском искусстве XVII в. стала школа ярославских мастеров. Традиционные церковно-библейские сюжеты на их фресках начинают изображаться в образах привычной русской жизни. Чудеса святых отходят на второй план перед обыденными явлениями. Особенно характерна композиция "Жатва" в церкви Ильи Пророка, а также фресковые изображения в церкви Иоанна Предтечи. Ярославские живописцы являлись также одними из "пионеров" в разработке пейзажа.

Другим примером светского жанра, отразившим интерес к человеческой личности, стало распространение "парсунного" письма - портретных изображений. Если в первой половине века "парсуны" выполнялись еще в сугубо иконописной традиции (изображения Ивана IV, М.Скопина-Шуйского),

то во второй они стали принимать более реалистический характер ("парсуны" царей Алексея Михайловича, Федора Алексеевича, стольника Г.П.Годунова).

Михаил Федорович, царь, первый из династии Романовых.

Парсуна последнего Рюриковича по мужской линии - сына Ивана Грозного.

Патриарх Никон

Патриарх Никон при царе Алексее Михайловиче.

Наталья Кирилловна Нарышкина, вторая супруга царя Алексея Михайловича и еще одна парсуна ее

Нарышкин.

Патриарх Никон с братией Воскресенского монастыря

Портрет стольника И.И.Чемоданова.1690-е годы.

БГ

Евдокия Лопухина - невеста Петра Алексеевича

Портрет стольника Ф.И.Веригина.1690-е гг.

Групповой портрет участников русского посольства в Англию.1662 год.

Марфа Васильевна Собакина

Ведекинд Иоганн. Портрет царя Михаила Федоровича.

Семнадцатый век имел особое значение для формирования национальных культур нового времени. В эту эпоху завершился процесс локализации больших национальных художественных школ, своеобразие которых определялось как условиями исторического развития, так и художественной традицией, сложившейся в каждой стране – Италии, Фландрии, Голландии, Испании, Франции. Это позволяет рассматривать 17 век как новый этап в истории искусства. Национальное своеобразие не исключало, однако, общих черт. Развивая во многом традиции эпохи Возрождения, художники 17 века значительно расширили круг своих интересов и углубили познавательный диапазон искусства.

По сравнению с эпохой Возрождения искусство 17 века сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания художника. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку, сознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, э моциональным и психологически сложным. В нем обнаруживается бесконечное разнообразие и богатство внутреннего мира, ярче и определеннее выступают национальные черты, показывается его место в обществе. Реальная жизнь раскрывается художниками 17 века в многообразии драматических коллизий и конфликтов, гротескио-сатирических и комедийных ситуаций. В литературе это время расцвета трагедии, комедии (Шекспир, Лопе де Вега, Кальдерон, Корнель, Расин, Мольер).

Художественная культура 17 века отражает сложность эпохи, подготовившей победу капиталистического строя в развитых в экономическом отношении странах Европы. К началу 17 века утверждаются революционные завоевания в Голландии – первой капиталистической стране Европы. В Англии совершается буржуазная революция 1640–1660 годов общеевропейского масштаба. Во Франции складывается классический образец абсолютистского государства. Служа интересам феодального дворянства, французский абсолютизм протекционистской политикой обеспечил рост буржуазии. Однако феодализм был еще прочен. Испания, бывшая в 16 столетии сильнейшей державой мира, превратилась в одно из отсталых реакционных государств Европы. В Италии и Германии при сохранении феодальной раздробленности формируется мелкодержавный княжеский; деспотизм. Даже в Англии буржуазия делится властью с земельной аристократией.

В борьбе за прогрессивный путь развития европейских государств важную роль играли народные движения. Протест народных масс против абсолютистского гнета и хищничества эпохи первоначального накопления составлял основное содержание общественной жизни 17 века. Развитие культуры в той или иной степени испытывало ее воздействие. Выступления передовых мыслителей против феодализма были связаны с критикой католической церкви, вновь усиливающей свое влияние и сковывающей общественную мысль.

В то же время общий подъем экономики в передовых странах Европы, расцвет мануфактуры, торговли создали почву для прогресса точных и естественных наук. Великие открытия Галилея, Кеплера, Ньютона, Лейбница, Декарта в математике, астрономии, физике, философии способствовали утверждению материалистических идей (Бэкон, Гоббс, Локк, Спиноза), расширению и углублению представлений о природе и вселенной. В то время как для ученых эпохи Возрождения установление закономерностей явлений основывалось на опытном наблюдении единичного, индивидуального, мыслители 17 века исходили в своих научных теориях из целостных систем и взглядов на мир. В творчестве художников также утверждается более целостное и глубокое восприятие действительности. Получает новое истолкование понятие синтеза искусств.

Отдельные виды искусства, как и отдельные произведения, утрачивают обособленность и стремятся к соединению друг с другом. Здания органически включаются в пространство улицы, площади, парка. Скульптура становится динамичной, вторгается в архитектуру и садовое пространство. Декоративная живопись пространственно-перспективными эффектами дополняет то, что заложено в архитектурном интерьере. Стремление к широкому показу действительности привело в 17 столетии к многообразию жанровых форм. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоевывают светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт.

Сложные взаимоотношения и борьба социальных сил порождают и разнообразие художественно-идейных течений. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство развивалось в рамках однородных больших стилей (романский стиль, готика, Возрождение), 17 век характеризуют два больших стиля – барокко и классицизм, элементы которых ярко выражены в архитектуре и в новом понимании синтеза искусств. Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил. В крайних проявлениях искусство барокко приходит к иррационализму, к мистике, воздействует на воображение и чувство зрителя драматическим напряжением, экспрессией форм. События трактуются в грандиозном плане, художники предпочитают изображать сцены мучений, экстазов или панегирики подвигам, триумфам.

В основе искусства классицизма лежит рациональное начало. Прекрасным с точки зрения классицизма является лишь то, что упорядочено, разумно, гармонично. Герои классицизма подчиняют свои чувства контролю разума, они сдержанны и величавы. Теория классицизма обосновывает разделение на высокие и низкие жанры. В искусстве классицизма единство достигается путем соединения и соответствия всех частей целого, сохраняющих, однако, самостоятельное значение. И для барокко и для классицизма характерно стремление к обобщению, но мастера барокко тяготеют к динамичным массам, к сложным, обширным ансамблям. Часто черты этих двух больших стилей переплетаются в искусстве одной страны и даже в творчестве одного и того же художника, порождая в нем противоречия.

Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает более непосредственное мощное реалистическое отражение жизни, свободное от стилевых элементов. Реалистическое направление является важной вехой в эволюции западноевропейского искусства. Его проявления необычайно разнообразны и ярки, как в различных национальных школах, так и у отдельных мастеров. 17 веку принадлежат величайшие мастера реализма – Караваджо, Веласкес, Рембрандт, Хальс, Вермеер Дельфтский. В 17 столетии на первое место выступают те национальные школы, в искусстве которых были достигнуты высшие творческие результаты. Италия, Испания, Фландрия, Голландия, Франция быстро становятся влиятельными художественными центрами. В других европейских странах – Англии, Германии, Австрии, Чехии, Польше, Дании художественная культура сохраняет отпечаток локальных свойств и взаимосвязи с традицией предшествующих эпох.

Европейская живопись 17 века идет вслед за эпохой Возрождения. Что касаемо исторических событий, то в это время идет смена феодализма на капитализм, экономический рост Европейских стран. В связи с большой насыщенностью социальными событиями, главной темой живописи является образ человека в настоящей бытовой ситуации. Но еще остаются сильны религиозные сюжеты, из эпохи Возрождения . Не существует какого-то единого стиля в живописи. Художники пробуют, экспериментируют. Самые главные направления - это барокко и классцизм. Большое влияние вносит Итальянское искусство. Его характеризую великие личности Веласкеса, Рембрандта, Пуссена, Караваджо, Рубенса, Бернини.

Самый большой прорыв в живописи был в первой половине 17 века, начало 1960-х годов. Вторая половна 17 века - время перелома. Влияние политики оказало воздействие на живописцев. Зато Рим становится неким художественным центром. Молодые и уже опытные художники приезжают туда либо для обучения, либо за новыми впечатлениями.

В 17 веке произошло еще одно не маловажное событие. Искусство живописи как бы разделилось на 2 лагеря: это мастера, которые могли работать только под планкой правительства, и прогрессивные художники, которые стояли в оппозиции к устоявшимся направлениям живописи, которые несли свои новые идеи.
В Италии появляются две школы, протестующие против маньеризма (стиль это характеризуется утратой гармонии между природой и самим человеком, духовным и телесным). Это Балансная школа (братья Караччи) и караваджизм Микеланджело Меризи да Караваджо.

Балансная школа

Представители Людовико Караччи, Агостино Караччи и Аннибале Караччо. При разработке нового стиля они опирались на классическое направление 16 века. Они продвигали более простые образы, но в то же время величественные. Первые работы братьев Караччи были по росписи дворцов Болоньи. Но это были лишь зачатки нового стиля. Первыми же настоящими работами в новом стиле можно считать картины Аннибале Карраччи "Вознесение Мадонны" и "Мадонна со св.Матвеем".

В 1580-х годах братья открыват Академию в Болонье - "Академиа-деи-инкаминати" (Академия, вступающая на новый путь). Основной упор делался на практику, а не на теоретические основы выстраивания изображения. Кроме типичных предметов школ искусств там преподавали анатомию, литературу, историю и филососфию. Это был большой и важный шаг в развитии европейского искусства. Ведь последующие школы открывались уже по этому принципу. Позже Анибале Караччи становится родоначальником "классического" пейзажа.

Караваджизм

Течение носит более демократичный характер, хотя так же выступает за реалистичность образов. Выдвинулось оно уже после болонского академизма. Течение получило название от имени своего основателя Микеланджело Меризи да Караваджо. Для примера о представлении стиля можно посмотреть работу Караваджо "Лютнист", она более ярко отображает суть стиля. Караваджо так же был первооткрывателем стиля живописи "погребно" . В этой технике преобладают темные тона, которые противопоставленны ярко освещенным деталям.

Ближайшим последователем Караваджи был Доменико Зампиери.

В третьем десятилетии 17 века усилилось влияние барочной живописи. Ее называют "высокое" барокко .
Больше декоративности, больше динамики и экспрессивности. Из художников этого периода 17 века можно выделить Джованни Ланфранко, Франческо Барбьери (Гверчино), Доменико Фетти, Лоренцо Бернини, Пъетро да Нортона, Сальватор Роза.

В 60-х годах наступает третий этап в живописи 17 века. Это также развитие барочного искусства, "позднее барокко". Из ярких личностей художиков можно выделить Джованни Баттиста Гаули, Андреа Поццо, Карло Маратта.

Кроме влияния Италии, в развитии живописи 17 века сыграли большую роль Нидерланды. Оттуда появились две школы: голландская и фламандская. В них разивается религиозная тематика. Ярким представителем фламандской школы был Рубенс Питер Пауль. Другие художники этого периода 17 века: Якоб Иордане, Франс Снейдерс, Адриан Браувер, Давид Тенирс.

Что касаемо голландской живописи, то в ее расцвете пробладают идеи реализма. Большая популярность и спрос на живопись исходила от частников. Постепенно происходит дифференциация жанров у художников. Это бытовой жанр, пейзаж со своими поднаправлениями, маринисты. Оказывает влияие на голландсую живопись творчество Караваджо, а так же немецкого художника Адама Эльсхеймера. Непосредственно известные личности голландской живописи: Франс Хальс, Рембрандт Харменс ван Рейн, Ян ван Гойен, Паулус Поттер, Альберт Кейп, Ян Порселлис, Герард Доу, Герард Терборх, Ян Вермеер Делъфтский, Адриан ван Остаде, Филипс Воуверман.

В голландской живописи хороша развивается жанровое направление и пейзаж. Кроме этого натюрморт становится все популярнее. Особенностью именно голландского натюрморта явлется присущая мягкость и характерность предметов. А в их роли часто выступали окорок, кусок хлеба, стаканы и трубка. Из известных художников это жанра выделяют Питера Клааса и Биллема Клаас Хеда, Абраама ван Бейерена и Биллема Кальфа.

В Испании, которая считалась центром художеств, начале 17 века основным течением был реализм. Одним из значимых художников того времени был Хосе Рибера. Он делал упор на религиозную тематику. Наряду с Рибера можно обозначить фигуру Франсиско Сурбарана. У него была особая манера письма: он сочетал немного тонов, которые давались большим планом. А так же его живопись был достаточно предметна в плане одежды и человеческого тела. Центральной фигурой испанской живописи 17 века является Диего де Сильва Веласкес. С самого начала творчества он писал в стиле реализма. Уделял большое внимание человеческому образу, лицу, на фон же обращал меньше внимания. Другие испанские художники: Бартоломее Эстебан Мурильо, Вальдес Леаль.

Французская живопись тоже была подвржена влиянию реальизма и демократичности. Одним из первых художников-реалистов во Франци был Жак Калло. Он писал как на тему библейских сюжетов, так и события соврененности. Позднее на французскую живопись оказывает влияние караваджизм. Другие представители французской живописи 17 века: Валантен, Жорж де Латур, Аптуаи Ленен, Луи Ленен и Матье Ленен. Братья Ленен писали в основном в жанровой тематике. У каждого брата был разный уровень мастерства. После реализма обороты начинает набирать классицизм. Основой его является рационализм. Представителями того времени были Никола Пуссен (он считался основателем классицизма во Франции), Эсташ Лесюер, Филипп де Шампань.
Во Франции создается Академия живописи и скульптуры. Она помогла централизовать французскую живопись. Не малую роль во французской живописи сыграл Шарль Лебрен. Он учился у Пуссена. Еще можно выделить фигуры Пьера Миньяра, Адама Франс ван дер Мейлена, Гиацинт Риго, Никола Ларжильер.

18-й век - это период, в который происходили колоссальные преобразования во всех сферах: политической, социальной, общественной. Европа вносит в русскую живопись новые жанры: пейзажный, исторический, бытовой. Реалистическое направление живописи становится преобладающим. Живой человек - герой и носитель эстетических идеалов того времени.

В историю искусств 18-й век вошел как время живописных портретов. Иметь свой собственный портрет хотели все: от царицы до обычного чиновника из провинции.

Европейские веяния в русской живописи

Известные русские художники 18 века были вынуждены следовать западной моде по велению Петра I, который хотел европеизировать Россию. Он придавал большое значение развитию изобразительного искусства и даже планировал построить специализированное учебное заведение.

Русские художники 18 века осваивали новые приемы европейской живописи и изображали на своих полотнах не только царей, но и различных бояр, купцов, патриархов, которые старались не отставать от моды и часто поручали местным художникам нарисовать портрет. При этом художники того времени старались обогащать портреты предметами быта, элементами национального костюма, природой и прочее. Внимание акцентировалось на дорогой мебели, больших вазах, роскошных одеждах, интересных позах. Изображение людей того времени воспринимается сегодня как поэтический рассказ художниками о своем времени.

И все-таки ярким контрастом отличаются портреты русских художников 18 века от портретов приглашенных иностранных живописцев. Стоит упомянуть, что для обучения русских художников приглашались художники из других стран.

Виды портретов

Начало 18-го века ознаменовано обращением художников-портретистов к полупарадным и камерным видам Портреты живописцев второй половины 18 столетия дают начало таким видам, как парадный, полупарадный, камерный, интимный.

Парадный отличается от других изображением человека в полный рост. Блеск роскоши - как в одежде, так и в предметах быта.

Полупарадный вид - это изображение модели по колено или по пояс.

Если человек изображен на нейтральном фоне по грудь или пояс - то этот вид портрета называется камерным.

Интимный вид портрета предполагает обращение к внутреннему миру героя картины, при этом фон игнорируется.

Портретные образы

Часто русские художники 18 века были вынуждены воплощать в портретном образе представление заказчика о самом себе, но никак не действительный образ. Важным было учесть общественное мнение о том или ином человеке. Многие искусствоведы давно сделали вывод, что главным правилом того времени было изображение человека не столько таким, каким он являлся на самом деле, либо таким, каким бы он хотел быть, а таким, которым он мог быть в своем лучшем отражении. То есть в портретах любого человека старались изобразить как идеал.

Первые художники

Русские художники 18 века, список которых в общем-то невелик, - это, в частности, И. Н. Никитин, А. П. Антропов, Ф. С. Рокотов, И. П. Аргунов, В. Л. Боровиковский, Д. Г. Левицкий.

Среди первых живописцев 18 века - имена Никитина, Антропова, Аргунова. Роль этих первых русских художников 18 века была незначительна. Она сводилась лишь к написанию огромного количества царских изображений, портретов российских вельмож. Русские художники 18 века - мастера портретов. Хотя часто они просто помогали иностранным мастерам расписывать стены большого количества дворцов, изготавливать театральные декорации.

Имя живописца Ивана Никитича Никитина можно встретить в переписке Петра I со своей женой. Его кисти принадлежит портрет самого царя, канцлера Г. И. Головина. В его портрете напольного гетмана нет ничего искусственного. Внешность не изменена ни париком, ни придворной одеждой. Художник показал гетмана таким, как в жизни. Именно в жизненной правде заложено главное достоинство портретов Никитина.

Творчество Антропова сохранилось в образах Андреевского собора в Киеве и портретах в Синоде. Эти произведения отличает склонность художника к желтому, оливковому цветам, ведь он живописец, который обучался у мастера иконописи. Среди его известных работ - портреты Елизаветы Петровны, Петра I, княгини Трубецкой, атамана Ф. Краснощекова. Творчество Антропова соединило в себе традиции самобытной русской живописи 17-го века и каноны изобразительного искусства Петровской эпохи.

Иван Петрович Аргунов - известный крепостной портретист графа Шереметьева. Его портреты изящны, позы изображенных им людей свободны и подвижны, все в его творчестве точно и просто. Он творец камерного портрета, который впоследствии станет интимным. Значимые работы художника: четы Шереметьевых, П. Б. Шереметьева в детстве.

Не стоит думать, что в то время в России не существовало больше никаких жанров, но великие русские художники 18 века самые значительные произведения создавали все-таки в жанре портрета.

Вершиной 18-го века стало творчество Рокотова, Левицкого и Боровиковского. Человек в портретах художников достоин восхищения, внимания и уважения. Человечность чувств выступает отличительной чертой их портретов.

Федор Степанович Рокотов (1735-1808 гг.)

Почти ничего не известно о Федоре Степановиче Рокотове, русском художнике 18-го века из крепостных князя И. Репнина. Портреты женщин этот художник пишет мягко и воздушно. Внутренняя красота прочувствована Рокотовым, и он находит средства воплощения ее на холсте. Даже овальная форма портретов только подчеркивает хрупкий и нарядный облик женщин.

Главный жанр его творчества - полупарадный портрет. Среди его работ - портреты Григория Орлова и Петра III, княжны Юсуповой и князя Павла Петровича.

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822 гг.)

Известный русский художник 18-го века - Дмитрий Григорьевич Левицкий, ученик А. Антропова, смог чутко уловить и воссоздать в своих картинах душевные состояния и особенности людей. Изображая богачей, он остается правдивым и непредвзятым, его портреты исключают угодливость и ложь. Его кисти принадлежит целая галерея портретов великих людей 18-го века. Именно в парадном портрете Левицкий раскрывается как мастер. Он находит выразительные позы, жесты, показывая знатных вельмож. Российская история в лицах - так часто называют творчество Левицкого.
Картины, принадлежащие кисти художника: портреты М. А. Львовой, Е. И. Нелидовой, Н. И. Новикова, четы Митрофановых.

Владимир Лукич Боровиковский (1757-1825 гг.)

Русские художники 18-19 века отличаются обращением к так называемому сентиментальному портрету. Художник Владимир Лукич Боровиковский пишет задумчивых девушек, которые на его портретах изображены светлыми красками, они воздушны и невинны. Его героини - не только русские крестьянки в традиционных нарядах, но и уважаемые дамы высшего общества. Это портреты Нарышкиной, Лопухиной, княжны Суворовой, Арсеньевой. Картины несколько схожи, но забыть их невозможно. отличает удивительная тонкость передаваемых характеров, почти неуловимые особенности душевных переживаний и объединяющее все образы чувство нежности. В своих работах Боровиковский раскрывает всю красоту женщины того времени.

Наследие Боровиковского очень разнообразно и обширно. Есть в его творчестве как парадные портреты, так и миниатюрные, и интимные полотна. Среди работ Боровиковского наиболее известными стали портреты В. А. Жуковского, Г. Р. Державина, А. Б. Куракина и Павла I.

Картины русских художников

Картины 18 века русских художников написаны с любовью к человеку, его внутреннему миру и уважением к нравственным достоинствам. Стиль каждого художника, с одной стороны, очень индивидуален, с другой же - имеет несколько общих черт с другими. Этот момент определил тот самый стиль, который подчеркивает характер искусства России в 18-м веке.

Наиболее 18 века русских художников:

1. «Юный живописец». Вторая половина 1760-х гг. Автор Иван Фирсов - самый загадочный художник 18-го века. На картине изображен мальчик в мундире, который пишет портрет маленькой красивой девочки.
2. «Прощание Гектора с Андромахой», 1773 г. Автор Антон Павлович Лосенко. Последняя картина художника. На ней изображен сюжет из шестой песни «Илиады» Гомера.
3. «Каменный мост в Гатчине у площади Коннетабля», 1799-1801 гг. Автор Семен Федорович Щедрин. На картине изображен пейзажный вид.

И все-таки

Русские художники 18 века все же старались раскрыть правду и подлинные характеры людей, несмотря на условия крепостного права и желания богатых заказчиков. Жанр портрета в 18-м веке воплотил специфические черты русского народа.

Несомненно, можно сказать, что, как бы художественное искусство 18-го века ни было подвержено влиянию европейской культуры, все-таки оно привело к развитию национальных русских традиций.

В нашей статье речь пойдёт о двух художниках: Яне ван Гойене и Якобе ван Рёйсдале .

Они оба жили в эпоху освобождения Голландии от чужеземного ига, и это был Золотой век голландской живописи. Именно в искусстве Голландии начали развиваться следующие жанры: портрет, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт. Подобного тогда не наблюдалось даже в выдающихся центрах искусства – в Италии или Франции. Искусство Голландии XVII в. стало своеобразным феноменом в художественном мире Европы XVII в. Голландские мастера проложили путь, по которому пошли художники других национальных европейских художественных школ.

Ян ван Гойен (1596-1656)

Терборх «Портрет ван Гойена» (ок. 1560)

Ян ван Гойен принадлежит к числу первых художников, изображавших природу естественно, просто, без украшательства. Он является создателем национального голландского пейзажа. Природа его страны дала ему достаточно сюжетов на всю его жизнь.
Ян ван Гойен родился в 1596 г. в городе Лейдене в семье сапожника.
Хотя Ян ван Гойен провел в молодости некоторое время в Париже, но во Франции любовь к простому пейзажу была неизвестна, поэтому вряд ли стоит говорить о каком-то влиянии на его творчество представителей французской живописи.
В своем отечестве у него было несколько учителей живописи, но только в мастерской Исаии ван де Вельде он провёл год, с остальными же наставниками он общался ещё меньше.

Ян ван Гойен «Пейзаж с дюнами» (1630-1635). Музей истории искусств (Вена)

Творчество

Сначала Гойен писал голландские деревни или окрестности с их растительностью, потом в его картинах стали преобладать прибрежные виды, где бо́льшую часть картин занимали небо и вода.

Ян ван Гойен «Вид на реку» (1655). Маурицхёйс (Гаага)

Деревья, хижины или городские строения играют в его картинах второстепенную роль, но имеют очень живописный вид, так же, как и небольшие парусные и гребные суда с фигурами рыбаков, кормчих и пассажиров.
Картины Гойена преимущественно монотонны. Художник любил простоту колорита, но при этом его краски гармоничны. Краски он накладывал легким слоем.

Ян ван Гойен «Вид на Мерведе под Дордрехтом (ок. 1645). Рейксмузей (Амстердам)

Поздние работы художника отличаются практически монохромной палитрой, а просвечивающийся грунт придаёт им особую глубину и неповторимое очарование.

Ян ван Гойен «Пейзаж с двумя дубами» (1641). Рейксмузей (Амстердам)

Картины его приятны именно своей простотой и реалистичностью. Художник создал довольно много художественных полотен, но не всегда его труд вознаграждался достойным образом. Поэтому Гойену приходилось подрабатывать и другими способами: он торговал тюльпанами, занимался оценкой и продажей произведений искусства, недвижимости, земельных участков. Но попытки предпринимательства обычно не приводили к успеху.

Ян ван Гойен «Зимняя сцена на льду»

Теперь же его творчество оценено по достоинству, и любой музей считает его картины ценными экспонатами.
Несколько картин Яна ван Гойена находятся и в Эрмитаже: «Вид р. Маас, близ Дортрехта», «Схевенингенский берег, близ Гааги», «Зимний ландшафт», «Вид на р. Маас», «Деревенский вид», «Пейзаж с дубом» и др.

Ян ван Гойен «Пейзаж с дубом»

Кроме живописи, Гойен занимался офортом (разновидность гравюры на металле) и рисунком.

В 1632 г. Гойен вместе с семьёй переехал в Гаагу, где прожил до конца жизни – до 1656 г.

Якоб ван Рёйсдал (1628/1629-1682)

Якоб Исаакс ван Рёйсдал родился и умер в Харлеме (Нидерланды). Точных его портретов не сохранилось. Данный портрет – лишь предположительный.
В настоящее время Рёйсдала считают наиболее значительным нидерландским художником-пейзажистом, но при жизни его талант не был оценён в должной мере. Его учителем мог быть родной дядя – художник Соломон ван Рёйсдал.
Рёйсдал был также практикующим хирургом, работал в Амстердаме.

Творчество

Художник через пейзаж умело передавал человеческие эмоции. И для него был важен любой компонент пейзажа: склонившаяся от порыва ветра ветка дерева, примятая травинка, грозовое облако, протоптанная тропинка... И все эти компоненты гармонично соединялись в его картинах в единую ПРИРОДУ.
Он писал маленькими мазками. Любил писать лесные чащи, болота, водопады, маленькие нидерландские города или деревни, и над всем этим – торжествующее небо. Пейзажи Рёйсдала понятны любому человеку любой национальности, потому что в них выражено общее для всех людей единение с природой.
Рёйсдал создал около 450 картин. В других источниках указывается количество 600. Большинство его пейзажей посвящены природе родных Нидерландов, но он писал и дубовые леса Германии, и водопады Норвегии.