학교 연극 교육학 - 학제간 종합의 경험. 예술 교육 연구소의 작품에서 러시아 연극 교육학 발전의 역사

다른 사람이 하는 행동을 읽고 듣는 것만으로 연기를 배우는 배우를 상상하기는 어렵습니다. 배우는 스스로 연기하면서 배운다. 또는 감독이 시청자에 대해 "잊었고" 그의 관심을 끄는 방법, 일어나고 있는 일에 그를 참가자로 만드는 방법에 대해 생각하지 않았다고 상상해 보십시오. 불쌍한 시청자의 경우 인내심을 갖고 앉아 있어도 공연이 열리지 않습니다. 두 시간 동안 복도에서.

모든 교사가 좋아해야 할 극장의 이러한 특징은 연극 활동 과정에서 모든 사람을 최대한 개인적으로 포함시켜야 한다는 것입니다.

또한 감독들은 학생들이 연기의 기초를 배우면 무대를 넘어 삶에 도움이 되는 많은 것을 배운다는 것을 오랫동안 알아차렸습니다. 그들은 심리적 장벽을 극복하고, 세계를 탐험하려는 동기가 증가하며, 예술의 예술적 이미지를 인식하는 방법을 배우고 의사소통 기술을 개발합니다.

그렇다면 학교의 복잡한 교육학적 문제를 해결하기 위해 배우 훈련용으로 개발된 도구를 사용하는 것은 어떨까요?

극장에서 배울 점이 많아요. 극장에서 교육 도구의 원천을 찾는 교육적 관행은 학교 연극 교육학이라는 특수 시스템으로 결합됩니다. 그리고 오늘 그녀는 교육이 직면한 많은 어려움에 대한 답을 제시합니다.

연극 교육학의 원리

문학 교사가 수업 시간에 우화 역할극을 시도하지 않은 경우는 드물었고, 주요 역할이 큰 소리로 말할 수 있는 사람들에게 돌아가는 다양한 휴일에 우리 모두는 학교 연극을 보았습니다. 이런 일이 혼란스럽게 일어난다면, 교사가 "3월 8일까지 연극을 끝내라"거나 "수업에서 학생들의 활동을 다양화하라"는 것 외에 다른 목표를 세우지 않는다면 이것은 거의 쓸모가 없을 것입니다.

연극 교육학이 반드시 촌극 공연을 의미하는 것은 아닙니다.

이는 교육 과정을 참가자들을 정서적 수준으로 참여시키는 극적인 이벤트로 보는 관점입니다.

연극 교육학은 실용적인 방향입니다 현대 심리학지적, 감각적, 정서적 인식을 연결하는 다사 다난 함, 생활, 개인의 창의적 행동 및 즉흥주의 원칙을 교육에서 구현하는 예술 교육학.

심리학자 Tatyana Klimova, 문화학과 선임 강사 미적 교육 MIOO(이것은 연극 교육학의 다양한 기존 영역이 방법론적 수준에서 체계화되어 있는 몇 안 되는 기관 중 하나입니다)는 현대 사회에서 지식, 기술 및 능력의 전달로서 교육에 대한 전통적인 아이디어가 작동하지 않는 이유를 설명합니다.

타티아나 클리모바

심리학자, MIOO 문화연구미학교육과 선임강사

오늘날 가장 뛰어난 교사도 미디어 환경과 경쟁할 수 없습니다. Dmitry Bykov의 강의는 인터넷에서 볼 수 있으며 문학 교사가 자료의 숙달, 도발성, 독창성 및 역설성 측면에서 그와 경쟁할 수 있는 경우는 거의 없습니다. 교사는 의사소통의 질이 다르기 때문에 자신만이 줄 수 있는 것 때문에 이 대회에서 우승해야 합니다. 교사는 조직자가 되어야 한다 교육 환경, 수업 공간을 드라마틱한 상호 작용의 장으로 구성하는 감독입니다.

연극 교육학(예술 교육학의 일부)은 라이브 커뮤니케이션을 위한 개방적이고 창의적인 환경 조성을 제안합니다. 이 예술적이고 창의적인 환경에서의 대화는 어떤 주제(과학부터 종교까지)에 관한 것일 수 있지만, 그 목표는 항상 교육입니다. 완전한 그림세계, 학생의 정서적, 지적 능력의 동시 개발.

사건성 원리이는 활동 참가자에게 세상을 변화시키는 활동 중에 어떤 일이 일어나야 함을 의미합니다. 그 사건이 당신에게 일어나기 전에 당신은 조금 달랐고, 조금 다르게 생각했고, 조금 다르게 행동했습니다. 사건을 경험함으로써 사람은 발전합니다.

거주원칙어떤 사건이 외부 조건을 받아들인 결과일 수 없다고 판단합니다. 그것은 개인적인 경험, 발견의 결과일 수 있습니다.

연극 교육학 교육이 영역이 됨 개인적인 창의적 행동. 학습 과정에서 창의적 자유는 제안된 상황, 극복해야 할 문제 및 어려움을 통해 점진적으로 제한될 수 있지만 금지를 통해서는 제한될 수 없습니다. 이 원칙이 준수된다면 모든 역량은 교리를 강요하는 것이 아니라 개인적으로 중요한 발견의 결과가 됩니다.

그리고 마지막으로 즉흥 연주의 원리- 구별되는 특징연극 교육학. 좋은 배우는 생각하기 전에 먼저 행동해야 합니다. 자발성과 자발성은 아이가 자신의 잠재력을 드러낼 수 있게 해주는 자질이지만, 전통적인 교육 시스템에서는 종종 이를 "억제"합니다. 그리고 스스로 자발적이지 못하고 즉흥적으로 행동하는 것을 두려워하는 교사는 이것을 다른 사람에게 가르치지 않을 것입니다.

타티아나 클리모바

심리학자, 연극 교육학 전문가

연극 교육학은 의미에 관한 것입니다. 여기에서도 무대에서와 마찬가지로 Stanislavsky의 "나는 믿습니다. 나는 믿지 않습니다."를 즉시 볼 수 있습니다. “가짜인가요, 아니면 실제로 존재하는 건가요?” -교육에 매우 중요한 순간입니다. 한 교사는 가르치는 것을 모방하지만 수업에서 이러한 개인적인 발견을 하지 않습니다. 그리고 다른 하나는 진정으로 탐구하고, 반성하고, 의심하므로- 날짜와 이름을 기억하지 못하는 것은 지식의 양에 관한 문제가 아닙니다.

학교에서 연극 교육학이 어떻게 존재하는지

모든 교사가 수업에 사용할 수 있는 툴킷

수업에 어떻게 들어가나요? 잡지 점호가 앞으로 35분 동안 학생들의 관심을 유지하는 가장 좋은 방법이라고 생각하십니까? 수업을 어떻게 마무리하시나요? 당신이 말하는 내용이 학생들과 관련이 있습니까? 수업 중에 학생들이 개인적으로 중요한 발견을 할 수 있습니까?

연극 교육학은 연기 및 연출 훈련에 사용되는 기술을 정규 학교에 소개합니다. 이를 통해 주의를 끌고, 아름답게 말하고, 수업 시간에 일어나는 일의 역동성을 느낄 수 있습니다. 그들은 수동적인 사람을 활성화하고 지나치게 활동적인 사람의 과도한 에너지에 대처하는 데 도움을 줍니다. 그들 중 다수는 점차적으로 "워밍업"하고 클라이맥스 지점을 통과하고 무슨 일이 일어났는지 이해하기 위해 40분의 수업을 구성하는 방법에 대한 이해와 함께 시간 감각과 관련이 있습니다. 교실의 공간이 어떻게 다르게 사용될 수 있는지 이해하는 것(책상을 둥글게 배열하거나 아이들이 그룹으로 구석구석 이동하도록 수업을 계획하는 것)은 미장센이라는 개념을 가진 연극 실습과도 관련이 있습니다.

“수업이 아닌 무엇이든 시작하세요. 학급을 놀라게 해야 해"

모스크바에서는 전체 체육관과 lyceum이 연극 교육학에 관심을 보이고 있으며, 감독은 예술적 환경이 어린이에게 강력한 자극 효과를 미친다는 것을 이해하고 있습니다. 그중에는 극장이 필수적인 부분이 된 이 형식의 최초 기관 중 하나인 Sergei Kazarnovsky의 "클래스 센터"가 있습니다. 학교 생활. Moscow Chemical Lyceum에 입학하면 어린이, 미래의 물리학자 및 화학자는 연극 및 음악 클럽에 의무적으로 참여하는 데 동의해야 합니다. Sokolniki의 Lomonosov 학교에는 7개의 학교 극장이 있습니다.

"Class Center"학교 학생들의 연극 "From Baldy"의 일부와 학교 디렉터 인 Sergei Kazarnovsky 감독과의 단편 분석.

그리고 극장에 대한 그러한 관심은 우연이 아닙니다. 이를 통해 자신을 해방시키고 다른 사람들을 무관심하게 만들지 않는 무언가를 만들 수 있습니다. 또한 보편적인 인간의 의미로 가득 찬 비공식적 의사소통을 위한 공간을 만듭니다. 현대 어린이에게는 그러한 공간이 거의 없습니다.

극장에 가다

교사는 젊은 세대 사이에서 극장의 "특수 요원"이 되어 아이들에게 예술을 이해하도록 가르치고 그들을 강당으로 데려갈 수 있습니다. 따라서 학교와 전문 연극의 이익이 교차하는 지점에서 연극 교육학의 또 다른 방향이 발전하고 있습니다.

모든 극장에는 관객이 필요하며 어느 시점에서 극장은 관객에 대한 교육이 필요하다는 것을 깨달았습니다.

극장과 박물관 교사가 개발한 예술과의 만남을 위해 어린이를 준비시키는 상당히 발전된 시스템이 있습니다. 그러한 준비의 본질은 극장, 박물관 또는 기타 예술 공간에 가기 전에 아이가 무엇을 보게 될지에 대해 아이와 이야기하고, 그 후에 아이의 감정과 경험에 대해 이야기하는 능력입니다.

예술에 관해 어린이와 대화하는 능력을 개발해야 하며, 이를 위해 많은 극장에서 조직합니다. 다양한 이벤트중등학교 교사를 위한 것입니다. 예를 들어, 상트페테르부르크의 토브스토노고프(Tovstonogov) 이름을 딴 볼쇼이 드라마 극장에서는 교육학 연구소가 2년 동안 운영되었습니다. 장기 프로젝트, 그 기간 동안 상트페테르부르크 학교의 교사들은 일련의 교육, 세미나 및 창의적인 프로젝트를 통해 연극과 연극 교육학 도구에 대해 알게 되었습니다. 교사를위한 정규 마스터 클래스와 연극 수업이 A.S. Theatre에서 열립니다. 모스크바의 푸쉬킨.

심리학자, 모스크바 드라마 극장의 특별 프로젝트 디렉터. 처럼. Pushkin Olga Shevnina는 학생들이 연극 공연을 인식하도록 준비시키는 경험을 공유합니다.

연극 교육학은 다양한 연극 축제의 의제에서 인기 있는 주제가 되었습니다. 귀하의 도시에서 주요 연극 행사가 열리는 경우, 연극 교사를 위한 마스터 클래스가 있을 가능성이 있으므로 행사 프로그램을 확인하십시오. 물론 어느 누구도 하나의 마스터 클래스에서 전체 시스템을 마스터할 수는 없지만 특정 접근 방식이 어떻게 작동하는지 느낌을 얻는 것은 가능합니다. 심층적인 몰입을 위해 모스크바 개방 교육 연구소(Moscow Institute of Open Education)와 러시아 주립 교육 대학(Russian State Pedagogical University)의 고급 교육 과정이 있습니다. 헤르젠.

연극 교육학은 하나의 물결로 모든 문제를 해결하는 "마법의 지팡이"가 아닙니다. 수업에서 "놀라움의 지점"을 발견했고 즉시 동기가 증가하고 감정적 분위기가 개선되고 창의적인 주도권이 나타났습니다. 기적은 없습니다. 그러나 연극 활동, 개인적인 즉흥 연주, 예술적 이미지에 대한 체계적이고 의미 있는 호소는 학교의 일상을 지적이고 감정적인 발견의 공간으로 바꿀 수 있습니다.

이 페이지에서는 최고의 연기 학교를 만든 가장 유명한 연기 교사와 위대한 연극 인물에 대해 배울 수 있습니다. 그중에서도 그러한 대표자를 강조 할 수 있습니다 공연 예술, Stanislavsky, Meyerhold, Chekhov, Nemirovich-Danchenko 및 Berhold Brecht와 같습니다. 이 사람들은 모두 연극 예술에 상당한 공헌을 했습니다. 따라서 자신을 배우 지망생으로 생각한다면 이 기사가 도움이 될 것입니다.

(1863 - 1938), 러시아의 유명한 배우이자 감독으로, 가장 유명한 배우 훈련 시스템의 창시자입니다. Stanislavsky는 모스크바에서 Mamontov 및 Tretyakov 형제와 관련된 유명한 산업가의 대가족에서 태어났습니다. 그는 1877년 Alekseevsky 서클에서 무대 활동을 시작했습니다. 야심 찬 배우 Stanislavsky는 변화의 기회를 제공하는 밝은 성격의 캐릭터를 선호했습니다. 그가 가장 좋아하는 역할 중 그는 보드빌 "The Secret of a Woman"의 학생 Megrio와 "Love Potion"의 이발사 Laverger를 지명했습니다. 평소의 철저함으로 무대에 대한 열정을 다한 Stanislavsky는 러시아 최고의 교사들과 함께 노래하는 것뿐만 아니라 체조를 부지런히 공부했습니다. 1888년에 그는 모스크바 예술 및 문학 협회의 창립자 중 한 명이 되었고, 1898년에는 네미로비치-단첸코와 함께 모스크바 예술 극장을 설립하여 오늘날까지 존재하고 있습니다.

Stanislavsky 학교: "심리공학".그의 이름을 딴 시스템은 전 세계적으로 사용되고 있습니다. Stanislavsky 학교는 배우가 자신의 자질과 역할을 모두 수행할 수 있도록 하는 심리 기술입니다.

첫째, 배우는 매일의 훈련을 통해 스스로 노력해야 한다. 결국, 무대 위의 배우의 작업은 상상력, 주의력, 의사소통 능력, 진실감, 정서적 기억, 리듬감, 언어 기술, 가소성 등 외부 및 내부 예술적 데이터가 포함되는 정신물리학적 과정입니다. 이러한 모든 자질은 개발되어야 합니다. 둘째, Stanislavsky는 역할에 대한 배우의 작업에 큰 관심을 기울였으며, 이는 배우와 역할의 유기적 융합, 이미지 변환으로 정점을 이룹니다.

Stanislavsky 시스템은 당사 웹사이트 교육의 기초를 형성했으며 첫 번째 강의에서 이에 대한 자세한 내용을 읽을 수 있습니다.

(1874-1940) - 러시아 및 소련 연극 감독, 배우 및 교사. 그 사람은 주인의 아들이었어. 보드카 공장, 독일 출신, 루터교 인, 21 세에 그는 정교회로 개종하여 Karl-Casimir-Theodor Meyerhold라는 이름을 Vsevolod Meyerhold로 변경했습니다. 젊었을 때 연극에 대한 열정적인 관심을 가졌던 Vsevolod Meyerhold는 1896년에 성공적으로 시험에 합격했고 즉시 모스크바 필하모닉 협회의 음악 및 드라마 학교 2학년에 Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko 수업으로 입학했습니다. 1898-1902년에 Vsevolod Meyerhold는 모스크바 예술 극장(MAT)에서 일했습니다. 1906-1907년에 그는 Ofitserskaya에 있는 Komissarzhevskaya 극장의 수석 감독이었고, 1908-1917년에는 상트페테르부르크 제국 극장에서였습니다. 1917년 이후에는 미적 가치의 완전한 재평가와 연극의 정치적 활성화를 위한 프로그램을 내세우며 '10월 연극' 운동을 주도했다.

메이어홀드 시스템: "생체역학". Vsevolod Meyerhold는 "전통 연극"이라는 상징적 개념을 개발했습니다. 그는 "연극 전통주의"의 원칙을 확인하고 스타니슬라프스키의 사실주의와는 반대로 극장에 밝기와 축제를 되돌려 놓으려고 노력했습니다. 그가 개발한 생체역학은 외부 변혁에서 내부 변혁으로 이동할 수 있는 연기 훈련 시스템이다. 배우가 관객에게 얼마나 인식될지는 정확한 움직임과 올바른 억양에 달려 있습니다. 종종 이 시스템은 Stanislavsky의 견해와 대조됩니다.

Meyerhold는 이탈리아어 분야의 연구에 참여했습니다. 민속극, 신체 움직임, 자세 및 몸짓의 표현력이 발휘되는 곳 중요한 역할퍼포먼스를 창조하는 중. 이러한 연구를 통해 그는 역할에 대한 직관적인 접근 방식에 앞서 세 단계(이를 "게임 링크"라고 함)로 구성된 예비 적용 범위가 선행되어야 한다고 확신했습니다.

1. 의도.
2. 구현.
3. 반응.

현대 연극에서 생체역학은 배우 훈련의 필수 요소 중 하나입니다. 우리 수업에서 생체역학은 Stanislavsky의 시스템에 추가된 것으로 간주되며 "지금 여기"에 필요한 감정을 재현하는 능력을 개발하는 것을 목표로 합니다.

(1891-1955) - 러시아와 미국 배우, 연극 교사, 감독. Mikhail Chekhov는 Anton Pavlovich의 형인 아버지의 Anton Pavlovich Chekhov의 조카였습니다. 1907년 미하일 체호프는 A.S. 문학 예술 협회 극장의 Suvorin은 곧 학교 연극에서 성공적으로 공연하기 시작했습니다. 1912년에 스타니슬라프스키는 체호프를 모스크바 예술 극장에 초대했습니다. 1928년에 미하일 알렉산드로비치는 모든 혁명적 변화를 받아들이지 않고 러시아를 떠나 독일로 갔습니다. 1939년에 그는 미국으로 이주하여 자신의 연기 학교를 설립했는데, 이는 매우 인기가 있었습니다. 마릴린 먼로, 클린트 이스트우드 등 많은 유명 할리우드 배우들이 이곳을 통과했습니다. 미하일 체호프(Mikhail Chekhov)는 히치콕의 스펠바운드(Spellbound)를 포함한 영화에 가끔 출연했으며 이 영화로 해당 부문 오스카상 후보에 올랐습니다. 최고의 배우배경."

체호프의 연극 원리.수업 시간에 체호프는 다음과 같은 생각을 발전시켰습니다. 이상적인 극장, 이는 인간의 최고, 심지어 신성에 대한 배우의 이해와 관련이 있습니다. 이 개념을 계속 발전시키면서 미하일 체호프는 다음과 같은 이데올로기에 대해 이야기했습니다. 이상적인 사람”, 이는 미래의 배우로 구현됩니다. 연기에 대한 이러한 이해는 Chekhov를 Stanislavsky보다 Meyerhold에 더 가깝게 만듭니다.

또한 체호프는 배우의 창의적 성격을 자극하는 다양한 요인을 지적했다. 그리고 그의 작업실에서 그는 분위기 문제에 큰 관심을 기울였습니다. 체호프는 무대 위의 분위기를 살폈다. 영화 세트장전체 공연의 본격적인 이미지를 만드는 데 도움이되는 수단이자 역할을 만드는 방법입니다. 체호프의 훈련을 받은 배우들이 공연을 펼쳤습니다. 많은 수의 Mikhail Alexandrovich에 따르면 분위기가 무엇인지 이해할 수있게 해주는 특별한 연습과 스케치. 그리고 Chekhov가 이해했듯이 분위기는 삶에서 예술로의 "다리"이며, 그 주요 임무는 외부 음모의 다양한 변형과 ​​연극 이벤트에 필요한 하위 텍스트를 만드는 것입니다.

Mikhail Chekhov는 Stanislavsky 시스템의 일부가 아닌 배우의 무대 이미지에 대한 자신의 이해를 제시했습니다. 체호프의 리허설 기법의 핵심 개념 중 하나는 '모방 이론'이었습니다. 배우는 먼저 상상 속에서만 자신의 이미지를 만든 다음 그 내부 및 외부 특성을 모방해야한다는 사실로 구성됩니다. 이 기회에 체호프 자신은 다음과 같이 썼습니다. “이벤트가 너무 신선하지 않다면. 그것이 의식 속에 기억으로 나타나고, 주어진 순간에 직접적으로 경험되는 것이 아닌 경우. 내가 객관적으로 평가할 수 있다면. 여전히 이기주의의 영역에 있는 것은 모두 일하기에 부적합합니다.”

(1858-1943) – 러시아 및 소련 연극 교사, 감독, 작가 및 연극 인물. Vladimir Nemirovich-Danchenko는 조지아의 Ozurgeti 시에서 코카서스에서 복무한 러시아 군대 장교이자 Chernigov 지방의 지주이자 귀족의 우크라이나-아르메니아 가족으로 태어났습니다. Vladimir Ivanovich는 Tiflis 체육관에서 공부했으며 은메달을 획득했습니다. 그런 다음 그는 모스크바 대학에 입학하여 성공적으로 졸업했습니다. 이미 대학에서 Nemirovich-Danchenko는 다음과 같이 출판하기 시작했습니다. 연극평론가. 1881년에 그의 첫 번째 희곡 "로즈힙(Rose Hip)"이 집필되었고, 1년 후 말리 극장(Maly Theatre)에서 상연되었습니다. 그리고 1891년부터 Nemirovich-Danchenko는 이미 GITIS라고 불리는 모스크바 필하모닉 협회 음악 및 드라마 학교의 드라마 부서에서 가르쳤습니다.

1898년 Nemirovich-Danchenko는 Stanislavsky와 함께 모스크바 예술 극장을 설립했으며, 그의 인생이 끝날 때까지 그는 이 극장의 감독이자 예술 감독으로 이끌었습니다. Nemirovich-Danchenko는 할리우드에서 1년 반 동안 계약을 맺었지만 그의 동료들과 달리 소련으로 돌아왔다는 점은 주목할 가치가 있습니다.

무대와 연기의 개념. Stanislavsky와 Nemirovich-Danchenko는 소련과 세계 예술의 발전에 큰 영향을 미치는 극장을 만들었습니다. 매우 유사한 그들의 창의적 원칙의 정신으로 가장 큰 소련 감독그리고 배우들. 블라디미르 이바노비치의 특징 중 사회적, 심리적, 연극적이라는 "세 가지 인식" 시스템에 대해 그가 개발한 개념을 강조할 수 있습니다. 각 유형의 인식은 배우에게 중요해야 하며 이들의 종합이 기초입니다. 연극적 기술. Nemirovich-Danchenko 접근 방식은 배우가 전체 공연의 궁극적인 목표에 부합하는 생생하고 사회적으로 풍부한 이미지를 만드는 데 도움이 됩니다.

베르홀트 브레히트

(1898 -1956) - 독일 극작가, 시인, 작가, 연극인. Bertholt는 프란체스코 수도원의 민속 학교에서 공부한 후 Bavarian Royal Real Gymnasium에 입학하여 성공적으로 마쳤습니다. 브레히트의 첫 번째 문학 실험은 1913년으로 거슬러 올라갑니다. 그의 시와 소설, 수필, 연극 평론이 지역 언론에 정기적으로 게재되었습니다. 1920년대 초 뮌헨에서 브레히트는 영화제작을 마스터하려고 노력했고 여러 대본을 썼으며 그 중 하나를 바탕으로 1923년 단편영화를 만들었습니다. 제2차 세계대전 중에 그는 독일을 떠났다. 전후 연출가 브레히트가 실천한 '서사극' 이론은 공연예술의 새로운 가능성을 열었고, 20세기 연극 발전에 큰 영향을 미쳤다. 이미 50년대에 브레히트의 연극은 유럽 연극 레퍼토리에 확고히 자리 잡았으며 그의 아이디어는 어떤 형태로든 많은 현대 극작가들에 의해 채택되었습니다.

에픽 극장.베르홀트 브레히트(Berholt Brecht)의 연극과 공연을 연출하는 방법은 다음과 같은 기법을 사용하는 것입니다.

• 공연에 작가 자신을 포함;
• 소외 효과, 이는 배우가 연기하는 캐릭터로부터 특정 분리를 암시합니다.
• 화합물 극적인 액션서사적인 스토리텔링으로;
• 배우가 캐릭터에 대한 자신의 태도를 표현할 수 있게 해주는 '거리두기'의 원칙;
• 무대와 객석을 분리하는 이른바 '제4의 벽'을 허물고, 배우와 관객의 직접적인 소통이 가능하다는 점이다.

Alienation Technique는 연기에 대한 특히 독창적인 해석임이 입증되어 최고의 연기 학교 목록에 추가되었습니다. 그의 글에서 브레히트는 배우가 역할에 익숙해져야 할 필요성을 부인했고, 다른 경우에는 그것이 해롭다고 생각하기도 했습니다. 이미지와의 동일시는 필연적으로 배우를 캐릭터나 변호사의 단순한 대변자로 변하게 합니다. 그리고 때때로 브레히트 자신의 희곡에서는 등장인물 사이가 아니라 작가와 그의 영웅 사이에 갈등이 많이 발생했습니다.

아이들을 보면서 나는 아이들과 내가 이 수업을 할 때만 그 자료가 아이들에 의해서만 인식되고 기억된다는 것을 항상 이해했습니다. 나는 끊임없이 뭔가를 놓치고 있다는 느낌을 받았다. 그러던 어느 날 내 손에 책 한 권이 떨어졌다.

연극 교육학가정하다 교사의 역할이 바뀌는 것.

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아이들을 보면서 나는 아이들과 내가 이 수업을 할 때만 그 자료가 아이들에 의해서만 인식되고 기억된다는 것을 항상 이해했습니다. 나는 끊임없이 뭔가를 놓치고 있다는 느낌을 받았다. 그러던 어느 날 내 손에 책 한 권이 떨어졌다.V.A. Ilyeva "학교 수업 계획의 형성 및 구현에 대한 연극 교육학 기술."

극장과 학교 수업! 이 두 가지 개념을 결합하는 방법은 무엇입니까?! "연극 교육학은 배우뿐만 아니라 사람, 즉 일반적으로 창작자도 교육하는 예를 제공하며 사람을 "똑바르게"하는 데 도움이 됩니다. 즉, 그를 사로잡고 영향을 미치고 변화시키는 데 도움이 됩니다." 모든. 그리고 나는 그것을 시도하고 싶었습니다! 그러나 그것은 꽤 어려운 것으로 판명되었습니다.

연극 교육학가정하다 교사의 역할이 바뀌는 것.어른과 마찬가지로 어린이에게는 살아 있고, 느끼고, 놀라고, 고통 받고, 기뻐하는 대담자가 필요합니다. 아이는 관심을 가져야 합니다. 그렇지 않으면 아이와의 접촉이 결코 완전한 대화가 될 수 없습니다. 그렇지 않으면 교사가 아이에게 전달하는 지식이 아이에게 흥미를 잃게 될 것이고 결과적으로 공부하려는 동기도 줄어들 것입니다. 영어로.

“선생님은 거울 앞에서 포즈를 취하는 사람이 아니라 거울이에요. 그는 아이 자신이 자신을 표현하려고 하는 이미지를 포착합니다.”(P.M. Ershov, A.P. Ershova, V.M. Bukatov “수업 중 의사소통 또는 교사의 행동 지시”)

교사가 아이에게 제공된 모든 지식을 흡수할 수 있는 존재뿐만 아니라 사고, 추론, 논쟁, 주도성과 같은 성격도 아이에게서 보는 것이 얼마나 중요합니까? 이미 상당한 정서적, 사회적 경험을 축적한 사람!

초등학생 아동의 특성을 고려하여 주로 초등학생을 대상으로 작업하며, 극작 작업 경험이 있어이 기술의 여러 가지 기술: 표현력 있는 낭독, 극화, 스케치, 롤플레잉 게임.

연극 교육학은 자유로운 정서적 접촉, 편안함, 상호 신뢰 및 창의적인 분위기를 위한 최대 조건을 조성합니다. 이것은 게임의 도움으로 삶의 문제를 해결할 수 있도록 삶을 이해하는 것이 주요 임무인 게임 기술에 의해 촉진됩니다. L.S. Vygotsky는 인간의 근위 발달 영역을 재생한다고 부릅니다(Vygotsky L.S. "Development of Higher Mental Functions" M. 1960). 연극 교육학의 연극 유형 중 하나는습작.

접촉 상호 작용 기술인 이 기술 요소를 숙달하면 학교 수업에서 감독의 행동을 구축할 수 있습니다. 교사의 교육 실습에서 스케치의 내용 및 목표는 모든 것이 학교 수업 상황에서 발생한다는 점에서만 연기 직업의 스케치 내용 및 목표와 다릅니다. 스케치의 구성 요소는 다음과 같습니다.표적 스케치, 교사가 학생들로부터 얻고자 하는 결과.이벤트 - 교사가 제안한 상황을 살아가는 과정에서 학생들의 생각과 마음에는 어떤 일이 일어나야 하는가?. 행동 - 목표를 달성하기 위해 교사가 취하는 조치는 무엇입니까?즉흥적 웰빙 – 새롭고 무작위적인 상황을 포함합니다.

여러 유형의 연구가 있습니다. 감정적 기억, 신체적 안녕에 대한 단일 연구; 상상의 대상을 사용한 동작의 단일 또는 쌍 스케치; 다양한 방법론적 목표를 가진 그룹 연구; 언어적 영향력을 익히는 방법에 관한 연구. 교사의 작업에서 교육적 습작을 사용하면 특정 교육적 상황의 내부 갈등을 파악하는 능력뿐만 아니라 수업의 지시 조치를 구성하고 학생들을 원하는 템포 리듬으로 지시하며 표현 포인트를 찾는 능력도 훈련됩니다. 수업과 그 결말의 사건에서.

한 가지 예그룹 스케치드라마화다. "역할에 따라 읽기, 이야기를 극화하기(텍스트, 이야기, 동화)"와 같은 연습은 외국어 수업에 사용되는 방법론적 기술의 무기고에서 강력한 위치를 차지합니다. 그래서 학생들과 저는 이번 리셉션을 통해 연극 예술에 대해 배우기 시작했습니다. 공연을 더욱 화려하고 기억에 남게 만들기 위해 수업에는 마스크, 비문이 적힌 모자, 그림, 그림, 인형을 사용합니다. 우리의 극화는 항상 아이가 연기할 영웅으로 변신하는 것에서부터 시작됩니다. 이를 위해 나는 사용합니다 다양한 게임 (단일 연구).

예를 들어 "마법의 거울"B 교실에 큰 거울이 있고, 아이가 눈을 감고, 선생님은 마법사로 변신하여 아이에게 마스크를 씌우면서 "Tickary - Pickary - Bickary - Dum"이라고 말합니다. 아이는 눈을 뜨고 거울을 보며 이전에 배운 어휘를 사용하여 자신이 변한 동물의 움직임과 목소리를 흉내 내며 말합니다. "나는 뱀입니다."

“마법의 가방” 아이는 마법가방을 들여다보지도 않은 채 마스크나 모자, 장난감을 꺼내 마스크를 꺼낸 인물의 역할을 맡는다.

수업시간에 극화를 시작하기 전에,대화의 어휘는 다양한 연습을 통해 연습됩니다.

– 밖에 비가 내리고 있다고 상상해 보세요. (비가 내리는 소리가 나오는 영화를 켜는 동안) 비가 포스터에 적힌 글자를 씻어냈다. 포스터의 텍스트를 복원해 보겠습니다.

– Dunno 마스크를 쓰고 “오늘은 Neznayka입니다.”라고 말합니다. 우리의 극화를 위한 표현을 만들 수 있도록 도와주세요.

– 아니면 “나는 바보 닭이에요”라고 말하고 치킨 마스크를 쓴 경우, 다양한 문장으로 이야기를 구성할 수 있도록 도와주세요.

그런 다음 편집된 이야기를 역할별로 읽고 이를 극화합니다. 나는 성공한 아이와 덜 성공한 아이가 함께 일할 수 있도록 노력합니다. 때때로 나는 삶에서 추종자의 위치를 ​​차지하는 학생들에게 더 도전적인 역할을 부여하여 그들이 자신감을 느끼고 그룹에서 자신의 중요성을 깨닫는 것이 바람직하다고 생각합니다.

이미 읽을 수 있는 3학년 학생들을 위해 저는 다음을 사용합니다."표현 읽기"(단일 스케치) 기술.하지만 이 읽기도 특이합니다! 나는 아이들에게 이 텍스트나 저 텍스트, 거인이나 난쟁이, 피노키오나 말비나 또는 기타 동화 속 영웅의 관점에서 본 시를 읽도록 권유합니다. 그 전에는 '외모'와 '캐릭터 특성'이라는 주제로 어휘를 공부했습니다. 우리는 이 영웅들을 묘사하고 그들에 대해 이야기했습니다.

때때로 나는 다른 사람을 대신하여 아이들에게 체육 시간을 보내도록 권유합니다. 그것은 훌륭합니다!

롤 플레잉 게임 - 이것은 연극 교육학의 또 다른 기술입니다 (쌍 또는 그룹 스케치). 롤플레잉은 연설, 게임 및 교육 활동을 동시에 수행합니다. 그녀는 학습 잠재력이 뛰어납니다.

역할극은 교육적 가치가 있습니다. 비록 초보적인 형태이긴 하지만 어린이들은 연극 기술을 접하게 됩니다. 게임을 조직하려면 소품을 관리해야 합니다. 변화 자체는 다른 사람의 심리적 범위와 이해를 넓히는 데 도움이 됩니다.

역할극은 파트너의 언어적, 비언어적 행동을 엮기 때문에 가장 정확한 의사소통 모델로 간주될 수 있습니다.

역할극 놀이는 유형에 따라 학습 상황이 구성되므로 언어 ​​자료를 마스터할 때 연상 기반을 확장하는 데 도움이 됩니다. 연극, 상황 설명, 등장 인물의 성격 및 그들 사이의 관계에 대한 설명이 포함됩니다.

역할극은 동기 부여에 큰 잠재력을 가지고 있습니다.

소통의 폭을 넓히는 데 도움이 됩니다. 여기에는 훈련 연습에서 언어 자료를 사전에 동화시키고 학생들이 발화의 내용 측면에 집중할 수 있도록 하는 적절한 기술 개발이 포함됩니다. 나는 역할 분배에 매우 책임감있게 접근합니다. 그룹 내 학생들 간의 관심, 기질, 관계 등을 고려할 필요가 있습니다. 개인의 특성모든 학생. 저는 실제로 롤플레잉 게임을 준비하기 위해 여러 가지 연습을 사용합니다.

"워밍업" 운동무언극 캐릭터

– 정글을 통과하고 있다고 상상해 보세요.
– 레몬을 먹는 방법을 학급에 보여주십시오.
– 집에 키우고 싶은 동물을 학급에 보여주세요.
– 집에 교과서를 잊어버렸다는 사실을 알았을 때 기분이 어떤지 반원들에게 보여주세요.

다음으로 상황을 복잡하게 만든다그리고 나는 남자들에게 그들이 보여준 동물로 "변환"하여 그것에 대해 이야기하거나 잊어 버린 교과서를 제외하고 서류 가방에 가지고있는 것에 대해 이야기하고 아침, 점심, 저녁으로 먹고 싶은 것에 대해 이야기하도록 요청합니다.

이야기가 끝난 후 나는 남자들에게 '배우'에게 질문을 해달라고 부탁합니다. 이에 대한 신호 카드가 있습니다. 2학년 학생의 경우 "Can", "have", "do"라는 단어가 적힌 카드입니다. 3학년 학생의 경우 – “누구”, “무엇”, “어디”.

'준비운동'을 마친 후 다음 단계로 넘어갑니다. 문제가 있는 상황, 학생들에게 특정 문제를 해결하도록 요청합니다. 예를 들어, 친구가 당신을 방문하도록 초대했고 다른 친구가 방문했습니다. 당신은 친구를 화나게하고 싶지 않습니다. 해당 주제에서 성공하지 못한 어린이를 위해 저는 해당 주제에 대해 이전에 배운 어휘가 포함된 지원 카드를 제공합니다.

~에 첫 단계영어를 가르칠 때 저는 대화 기반 또는 텍스트 기반의 통제된 역할극을 사용합니다. 학생들에게 기본적인 대화를 소개하고 연습합니다. 그런 다음 우리는 규범을 해결합니다 말하기 에티켓그리고 꼭 필요한 용어. 그 후, 나는 아이들이 읽은 내용을 바탕으로 자신만의 대화 버전을 구성하도록 권유합니다.

텍스트 기반 롤플레잉 - 더보기 힘든 일. 예를 들어, 토끼에 관한 글을 읽고 교과서 “Enjoy English 1”의 저자가 제시한 과제를 완료한 후, 한 학생에게는 토끼 역할을 맡게 하고 다른 학생에게는 그를 인터뷰하도록 요청합니다. . 또한 '기자'는 본문에 답변이 있는 질문뿐만 아니라 다른 질문도 질문할 수 있습니다. 캐릭터 역할을 맡은 학생은 질문에 답할 때 자신의 상상력을 발휘할 수 있습니다.

나는 거의 첫 수업부터 '기자' 역할극을 해왔습니다. 누군가의 이름, 출신지, 나이를 묻는 법을 배우면서 '리포터'는 학생들에게 인기 있는 게임이 되었습니다.

고등학교에서는 통제된 놀이보다 자유로운 역할극이 더 인기가 있습니다. 이를 수행할 때 학생들은 사용할 어휘와 행동이 어떻게 전개될 것인지 스스로 선택합니다. 교사는 게임의 주제를 제시합니다. 수업은 2개의 그룹으로 나누어져 있으며, 그룹 자체가 서로 다른 상황을 만들고 역할을 분배합니다.

'스포츠'라는 주제를 공부하면서 학생들에게 '프로 스포츠는 건강에 해롭다'라는 주제로 유명 운동선수들과 함께 기자회견을 조직할 것을 제안합니다. 10분 동안 두 그룹이 제안된 상황에 대해 작업하고 토론하고 역할을 분담합니다. 그런 다음 게임 자체가 시작되고 그 동작이 즉석에서 이루어집니다.

"동물"이라는 주제를 공부할 때 "가족의 이국적인 동물 : 장단점"이라는 주제로 롤 플레잉 게임을 진행합니다. 나는 제안한다 다음 역할: 야심찬 사업가, 이 사업가의 이웃, 수의사, 동물권 운동가, 언론인. 어린이들은 토론과 준비 과정에서 다른 역할을 제안할 수 있습니다. 필요하다면 지원카드를 미리 준비합니다.

저는 수업에서 롤플레잉 게임을 사용하는 것이 학습의 모든 단계에서 영어에 대한 관심을 유지하는 데 도움이 되고 유리한 학습 환경 조성에 기여한다는 점을 다시 한 번 강조하고 싶습니다. 심리적 분위기, 교육 과정의 효율성을 높이고 학생들은 의사 소통 수단으로 말하기 활동 유형을 마스터합니다.

레슨 - 공연한 수업에 연극 교육학의 여러 기술을 결합한 것입니다. (부록 1)

교훈 - 공연에는 완전한 감독적 행동이 있어야 하고, 처음부터 주요 사건까지 일련의 사건이 있어야 하며, 그 행동은 즉흥적으로 전개되어야 합니다. 이러한 수업은 해당 주제에 대한 일반화 수업으로서 매우 성공적입니다. 2 학년 (M.Z. Bibolntova 등의 교과서 "Enjoy English 1")에서는 다음 주제로 수업과 공연을 진행합니다. 동화 속의 영웅”, “알파벳 축하”, “메리 포핀스와의 여행”.

3학년(M.Z. Bibolntova 등의 교과서 "Enjoy English 2")에서는 "곰돌이 푸 방문", "동화 속에 사는 사람은 누구입니까?"라는 주제로 수업을 진행합니다.

우선, 연극 교육학의 관점에서 수업이 어떻게 구성되어 있는지(수업의 방향은 무엇인지)에 대해 몇 마디 말씀드리고 싶습니다.

– 수업의 주요 목표 (무엇을 위해? 즉, 오늘 공연은 어떤 목적으로 진행됩니까?)
– 사실: 초기 사건(연구된 자료), 주요 사건, 중심 사건(절정 사건), 주요 사건(마지막 사건, 그 이후에는 아무 일도 일어나지 않음)

사실과 사건은 수업의 엔드투엔드 감독 활동의 개발 단계입니다.

크로스커팅 액션은 관객의 눈앞에서 벌어지는 현실적이고 구체적인 투쟁이다.

연극 교육학의 요소를 사용하여 수업을 진행할 때 나는 다음과 같은 특정 방법론적 원칙을 고수합니다.

1. 교사는 학생들의 관심, 상상력, 사고에 적극적으로 영향을 미칩니다.
2. 교사가 제안된 상황에서 진실과 믿음의 도움으로 학생들의 생각과 감정에 유기적으로 영향을 미치면 수업은 수업 연극에 참여하게 됩니다.
3. 운동 선택 및 실행의 대조. 대조의 원리는 감정성과 행동 속도를 빠르게 변화시키는 능력을 발전시킵니다.
4. 수업과 각 연습의 작업이 복잡합니다. 복잡한 운동은 항상 청각, 기억, 상상력 및 사고를 적극적으로 훈련하고 제한된 시간 내에 다양한 내용의 동작을 수행하는 능력을 가르칩니다.
5. 교육적 활동의 진정성과 연속성. 교사 자신이 진정으로 생활하는 것이 매우 중요합니다. 그는 보고 봅니다. 듣고 들었습니다. 집중된 관심; 매력적이고 간결한 방식으로 작업을 설정합니다. 학생들의 정확하고 생산적인 행동에 적시에 반응했습니다. 그의 학생들을 감정적으로 감염시켰습니다.

따라서 저는 연극 교육학의 요소를 사용하면 지성, 감정 및 행동을 동시에 포함하여 개인의 전체적인 발전을 가능하게 하고 학습 과정을 매력적이고 즐겁게 만드는 데 도움이 된다는 점을 다시 한 번 강조하고 싶습니다. 또한 영어 학습에 이 기술의 다양한 기술을 사용하면 의사소통 문화의 발전에 기여합니다. 언어 형식 외에도 어린이는 이미지의 외부 및 내부 내용을 이해하는 방법을 배우고 상호 이해 및 존중 능력을 개발합니다. 사회적 능력을 습득하고 어휘력을 풍부하게 합니다.

서지:

1. 게르바흐 E.M. 초기 단계에서 외국어를 가르치는 연극 프로젝트. / 학교에서의 외국어, 2006년 4호.
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7. 폴리아코바 T.N. 연구중인 극장 독일어. / 상트페테르부르크, 2007년.
8. 크네벨 M.O. 교육학의시. /M., 1984.

러시아 학교는 오늘날 역사상 가장 극적인 단계 중 하나를 경험하고 있습니다. 전체주의 국가의 구조는 파괴되었고, 그와 함께 잘 작동하는 교육 관리 시스템도 파괴되었습니다. 규제된 지식, 기술, 능력을 전달하는 프로그램과 교과서, 그리고 "질문과 답변" 방법은 절망적으로 구식입니다. 교육자와 철학자는 교육 과정에 대한 다양한 개념을 제공하고, 혁신적인 교사는 독창적인 교육 방법과 기술을 제공합니다. 공립, 사립, 대안학교 등 다양한 유형의 학교가 등장하고 있습니다. 동시에 목표, 내용, 교육 방법에 대한 문제는 여전히 열려 있으며 국내 학교뿐만 아니라 전 세계적으로 관련이 있습니다.

모순되고 갈등이 심하며 역동적으로 변화하는 세상에서 자유롭고 책임감 있게 자신의 자리를 선택할 수 있는 문화적 인격에 대한 사회의 요구를 충족하는 새로운 유형의 학교를 건설할 필요성이 철학적, 문화적 측면에서 점점 더 분명하게 인식되고 있습니다. 문학. 분명히 우리는 교육 분야에서 새로운 교육적 패러다임의 형성, 새로운 사고 및 창의성에 대해 이야기하고 있습니다. 어린이가 문화를 향한 길로서 통일되고 총체적인 교육 과정을 구축하는 '문화 창조' 유형의 학교가 탄생합니다. 1

지식을 전수하는 교육학교와 달리 신학교는 세대를 거쳐 문화적 경험을 전수하는 것을 목표로 한다. 그리고 이것은 문화 생활의 경험, 사람들과의 의사 소통, 언어, 과학, 예술 등 문화 언어에 대한 이해를 의미합니다. 그러한 학교에서는 - 그리고 이러한 추세는 오늘날 분명히 증가하고 있습니다 - 특별한 역할예술에 속할 것이다.

1 발쉬카야 A.P. 러시아의 교육: 선택 전략. - 상트페테르부르크: 러시아 국립 사범대학의 출판사. A.I.헤르젠, 1998.-128p. 이미지에는 인간성이 세계 역사 전반에 걸쳐 반영되어 있으며, 오늘날의 인간은 과거의 얼굴에서 자신을 인식합니다.

연방법 "교육에 관한"은 다음과 같이 첫 번째 원칙을 공식화합니다. 공공 정책교육 분야에서: “교육의 인본주의적 성격, 보편적인 인간 가치의 우선순위, 인간의 생명과 건강, 개인의 자유로운 발전”2. 이 조항은 교육 프로그램의 개인적인 지향을 주장하며, 이는 각 분야에서 구현되는 교육적 목표와 기술을 수정해야 함을 의미합니다. 과정. 학제간 통합을 위한 도구 역할을 하는 학교 연극 교육학은 아동을 문화에 직접 포함시키는 과정에서 세대의 문화적 경험을 습득하는 것을 포함합니다. 창작 활동.

학교 극장은 다양한 교육 과제 해결에 기여했습니다. 라이브 교육 구어체 연설; 특정 유통의 자유 획득; "연사와 설교자로서 사회 앞에서 말하는 법을 배웁니다." A.N. Radishchev는 학교 극장을 "혜택과 사업의 극장, 그리고 부수적으로 즐거움과 오락의 극장"이라고 불렀습니다.

Feofan Prokopovich는 엄격한 행동 규칙과 기숙 학교의 가혹한 제도를 통해 학교 연극의 중요성에 대해 다음과 같이 썼습니다. “코미디는 포로 투옥과 유사하며 가혹한 삶의 젊은이들을 기쁘게 합니다.”4

17세기 후반에 얀 아모스 코메니우스(Jan Amos Comenius)는 “잘 조직된 학교의 법칙”을 공식화했습니다. 이 작품의 숫자 9 아래에는 "연극 공연에 관한 법률"이라고 적혀 있는데 "학교에서 제공하는 데 매우 유용합니다."

따라서 특별한 문제로서의 학교 연극 교육학은 그 자체의 문제를 가지고 있습니다. 자신의 이야기국내외 교육학적 사고와 실천에서.

연극은 교훈이자 교훈이 될 수 있다 신나는 게임, 다른 시대에 몰입하고 현대성의 알려지지 않은 측면을 발견하는 수단입니다.

대화의 실천을 통해 도덕적, 과학적 진실을 동화하는 데 도움이 되고, 자신과 "타인"이 되도록 가르치며, 영웅으로 변신하고 많은 삶, 영적 충돌, 극적인 성격 시험을 살 수 있습니다. 현상으로서의 연극, 세계로서의 연극, 예술적 사회적 인식과 현실 변화의 미묘한 도구로서 십대의 성격 발달을 위한 가장 풍부한 기회를 나타냅니다. 즉, 연극 활동은 어린이가 문화, 도덕적 가치, 자신을 향한 길입니다.

이론 K.S. Stanislavsky는 예술 작품에 대한 인식 및 감상 분야에서 십대의 창의적인 성향과 능력을 개발하는 수단입니다. 자신의 창의력. 적극적인 주의력, 관찰력, 상상하는 능력이 발달합니다. 고등학생과의 연극 작업에는 특히 좋은 기회가 있습니다. 십대들이 예술 문제에 깊은 관심을 갖기 시작하는 것은 고등학교 때입니다. 이 기간 동안 검색이 이루어집니다. 도덕적 이상, 현실 현상에 대한 미학적 평가 기준.

르네상스 학교 극장적극적인 교육 활동 형태로서 성격 발달에 초점을 맞춘 인본주의 교육학의 필요성. 학교 연극은 예술 작품에 대한 인식 및 감상 분야와 자신의 창의력 모두에서 십대의 창의적인 성향과 능력을 개발하는 수단입니다. 적극적인 주의력, 관찰력, 상상하는 능력이 발달합니다. 그것은 감성, 유기성, 자발성에 매료됩니다.

심리적, 교육적 접근 방식은 학생의 개인적 발전 과정을 입증하는 역할을 하며 조직 방법을 결정하는 방법론적 기초입니다. 연극 활동교육 과정으로. 학교 연극 교육학은 이론, 역사 및 실천 측면에서 예술적, 미적 창의성과 교육 활동의 한 형태로 간주됩니다.

자기 보존과 발전을 위한 문화의 요구를 충족시키는 교육 예술 및 미적 활동의 한 형태인 학교 연극 교육학은 개인의 건설적이고 창의적인 성격 형성에 기여하기 때문에 개인에게 보편적인 영향을 미칠 수 있는 강력한 잠재력을 가지고 있습니다. 자신을 다음과 같이 식별하는 역동적인 유형 원주민 문화, 보편적 인본주의 가치를 받아들입니다.

문화와 교육의 현상으로서의 학교 연극은 문화의 깊이에서 발생하며 예술 형식으로서의 연극에 내재되어 있으며 역사적 형성원시성과 고대세계의 혼합적 형태부터 교육학교 연극의 기능적 확실성까지 중세 후기, 뉴 에이지 교육 시스템에서 독립적으로 존재합니다.

문화 교육학의 발전에서 학교 연극의 능력은 과대평가되기 어렵습니다. 이러한 유형의 교육 활동은 중세부터 현대까지의 장르로 알려진 과거 시대의 학교 실습에서 광범위하고 효과적으로 활용되었습니다.

학교 연극 교육학의 사회 문화적 현상은 삶의 모델을 만들고이 모델을 통해 학생들을 보편적 인간 문화의 세계로 소개하는 능력에 있습니다. 세상에 대한 지식, 사람에 대한 자기 지식으로서의 연극은 세상에 대한 전체적인 이해와 그 안에있는 자신에 대한 감각을 제공합니다. 연극은 인간의 감정, 경험, 인간의 감정과 능력 전체에 호소합니다. 종합 예술 형식으로서 그것은 성격의 모든 측면에 영향을 미치며 문화를 향한 움직임의 방향으로 보편적으로 작용하여 신체, 영혼 및 정신을 형성합니다.

특정 상황, 운명, 갈등에서 펼쳐지는 다른 사람, 사회, 자연, 신과의 관계 모델로서의 연극의 본질적인 기능은 변함없이 유지되고 점점 더 세련되고 있습니다.

학교 연극 교육학의 기원은 원시 문화의 혼합적 존재에서부터 고대 연극의 교육적, 시민적 기능까지 추적될 수 있습니다. 중세 학교 연극의 기능적 고립부터 독립 연극의 등장까지 연극 장르바로크 시대에는 교육적 기능을 확립하고 계몽시대에는 도덕화, 교육적 역할을 확립하여 이론적 이해 19세기 말과 20세기 초의 교육학적 문제로서의 학교 연극 교육학.

따라서 학교 연극 교육학은 17~18세기 러시아에서 교육 예술 및 미적 활동의 독립적인 형태로 발전했습니다. 신학 아카데미 및 기타 교육 기관의 교육 시스템 형성과 함께 계몽 시대에 학생을 사회 문화적 연결 시스템에 소개하는 보편적인 방법의 지위를 획득합니다.

19~20세기 전반에 걸쳐. 학교 연극은 세대의 문화적 경험의 보존과 재생산에 초점을 맞춘 교육과 관련된 교육학적 문제 자체로 개념화됩니다.

연극의 기능은 사회적 역할(행동) 훈련, 도덕적 상황 및 열정과 행동의 해결, 다양한 갈등 상황(고-비극, 일반-극)에서의 정신적 움직임, 운명 및 인물 분석 등 예술 시대에 다르게 강조됩니다. , 낮은 만화 ). 이는 배우의 '가면'의 특수성, 관객과의 상호작용, 관객 참여의 척도를 결정한다.

극장의 기능은 다음과 같습니다: 사회적 역할(행동), 도덕적 상황 및 열정과 행동에 대한 해결 훈련; 다양한 갈등 상황에서 정신적 움직임, 운명, 성격을 분석합니다. 연극의 사회적 역할의 특이성은 아름답고 조화롭고 전체적인 세계를 건설하는 기능을 수행한다는 것입니다.

교육적 예술 및 미적 활동의 한 형태인 학교 연극 교육학에서는 모든 유형의 배우-관객 관계가 "잘 지내고" 공존합니다. 원시적 혼합주의에서 - 모두를 위한 모든 것. 중세 시대부터 - 도덕적인 성격, 현실에 대한 폭넓은 상징적, 우화적 이해. 바로크에서 - 교육 과정의 기능, 학교 커리큘럼에 포함. 그러나 학교 연극 교육학의 특수성은 배우와 관객의 상호 교환 가능성, 연기 전문성의 선택성 및 관찰자로서의 관객의 위치에 있다는 점에서 변함이 없습니다.

학교 연극 교육학의 목표는 숙달할 교육 공간을 모델링하는 것입니다. 성격 발달의 연령 단계에 따른 교육계의 차이에 대한 아이디어를 바탕으로 이러한 수준에서 학교 연극 교육학의 세부 사항을 결정하고 그에 따라 연극 교육학 작업을 위한 방법론을 구축하는 것이 중요합니다.

1단계(중학생)에서는 동화의 혼합적 세계를 익히고 문화와 자연의 언어를 이해하는 데 중점을 둡니다. 단계 II(중학교 연령)에서는 개념적 사고의 적극적인 발전을 위해 세계관의 혼합주의가 깨질 때 이 방법은 문화의 이미지를 생성하고 역사적으로 서로의 세계 그림을 대체하는 데 작동합니다. 마지막으로 3단계(고등학생)는 자기인식 과정이 활발해지면 연극화는 '나와 세상'의 문제를 해결하기 위해 작용한다. 청소년기에 나타나는 '인생 게임'에서 자기 실현에 필요한 능력은 반드시 교육 게임 상황에서 문화적 이미지에 들어가서 '내부에서' 이해하는 발달된 능력에 의존해야 합니다. 이와 관련하여 문화 및 역사적 시대를 세계의 특정 이미지로 연구하는 방법으로서의 연극 문화 창작 게임은 현대 학교에서 특별한 관련성을 얻습니다.

학교 연극 교육은 배우와 관객의 상호 작용이며, 공연은 가능하고 필요하며, 또한 이 공동 창작에만 존재합니다. 학교 연극 교사 감독의 활동은 처음에는 교사 조직자 위치에서 마지막에는 동료 컨설턴트 위치로 발전하는 그의 위치에 따라 결정됩니다. 높은 레벨팀의 발전, 매 순간 특정 종합 제시 다른 위치. 이것은 적극적인 자기 교정이 가능한 사람입니다. 아이들과 함께 창작하는 과정에서 그는 아이의 생각을 듣고, 이해하고, 받아들일 뿐만 아니라 팀과 함께 실제로 변화하고, 도덕적으로, 지적으로, 창의적으로 성장합니다.

학교 연극 교육학의 구성 요소는 유형적으로 어린이를 대상으로 한 예술 및 미적 작업 방법론에 공통됩니다. 그러나 이는 다음 사항에 따라 구조적으로나 실질적으로 크게 조정되고 명확해집니다. 연령 특성재학생.

아이들과 함께하는 연극 작업은 학교가 만들고 있는 세계의 모델을 숙달하는 과정에서 학생과 교사 모두를 포함한 그들 자신의 교육적 문제를 해결합니다.

학교 연극의 작업은 보편적인 통합 방식으로 간주될 수 있습니다.

연극 훈련의 첫 번째 단계 ( 주니어 수업) 연관된 연극 수업수업 및 과외 활동에 참여하는 어린이.

두 번째 단계(중산층) - 수업, 선택 과목, "극장 시간", 아마추어 연극 공연; 이러한 형태로 관심의 조합 전문 극장아마추어 연극 창의성. 세 번째 단계(고학년)에서 연극 교육은 시스템의 모든 구성 요소의 상호 작용을 기반으로 합니다. 문학 수업의 심층 작업, 선택 과목 "기초" 연극 문화"마지막으로 학교 연극 스튜디오입니다. 따라서 학교의 교육 과정에 연극 예술을 포함시키는 것은 학교에서 연극의 일시적인 존재에서 체계적인 것으로 이동하는 현대 교육 시스템의 개발에 대한 실질적인 요구입니다. 학교 연극 교육학은 교육 예술 미적 활동의 한 형태이며 역동적이고 살아있는 자기 개선 시스템입니다. 학생들의 개인적인 도덕적, 미적 문화 형성에 초점을 맞춘 총체적인 교육 과정입니다. 드러난 것에 대한 탈출구가 있을 때 교육 공간의 책임. 창의성그리고 아이들의 호기심 때문에 우리 모두에게는 이 세상에서 행복해질 수 있는 놀라운 기회가 있습니다!

"연극 교육학"의 주제는 연극 예술의 교육, 교육, 형성 및 발달 측면입니다. "연극 교육학"의 목적은 예술 및 연극 활동의 창의성의 원리와 메커니즘입니다. 연극 교육학의 기원과 "연극" 교육의 일반적인 패턴: 게임(모방에서 개발까지) 연극성("모방"에서 "변형" 및 "변형"으로); 연극화(문화 및 교육의 조건부 상징적 코드화 교육 과정). 연극 교육학의 유형: 일반(일반 교육 또는 "혼합주의"); 특별한 (차별화된); “예술적”, 창의적(스튜디오). 연극 교육 방법 개발의 역설. 연극 교육학(주체-객체 및 주관-객관)의 형성 및 발전 요인.

섹션 III

일반 교육 시스템과 차별화 과정의 연극 교육학

주제 1. 러시아의 "연극"교육 형성 역사 (17 세기 후반 ~ 18 세기 전반). 국가 (국가) 교육의 모델은 "주권자의 법령에 따른" "법원"교육입니다. 러시아 최초의 "재미있는 비즈니스" 학교(Gregory – Chizhinsky – Kunst). "전통-문화-혁신"("코미디 지혜" 교육의 "강제" 성격)을 따라 국가 변혁의 맥락에서 연극 문화 출현의 사회 심리적 특징. “성격” 형성을 위한 문화적 전제조건. 중세 방식"모달"(공예 및 워크샵) 교육.

« 과학자” – “책” – “학교” 연극과 18세기 전반의 화려한 연극화의 문화적 환경. "학교 연극"의 영적, 교육적 전통. 학교 연극의 기능적, 교육적 실용주의. "예수회"(예절 및 규범 프로그램)와 "학교 연극"의 "Jansenist"(Ya. A. Komensky의 "무료"교육 또는 "위대한 교훈") 전통 사이의 내부 투쟁. 러시아 국가 학교 연극 모델의 세부 사항. 교육 방법과 예술적, 미적 발전. 18세기 40년대 러시아 "사냥꾼"의 "학교"("게임", "교육" 및 "연극" 혼합주의).

주제 2. 최초의 연극인의 개인적 보편주의 러시아 극장. 성격 : Matveev, Gregory, Volkov, Dmitrevsky. 러시아 최초의 극장을 조직하는 개성 중심의 방법. "부족", "사회적" 및 "보편적" 성격의 개념 (Vl. Solovyov에 따름). Boyarin Matveev는 "정치인"입니다. 과학자, 목사, 전사, 정치인, "감독", 극작가, 교사 I.G.의 보편주의. 그레고리. F. Volkov는 러시아 최초의 배우입니다. Dmitrevsky I.A. – 신학교에서 러시아 과학 아카데미까지. Dmitrevsky의 교육 방법 (고아원 학생들과의 경험).

주제 3. 19세기 러시아 일반교육체계의 분화과정과 연극교육의 '혼합주의'.

3.3.1. "국가"교육 시스템의 형성. 제국 연극 학교 교육학의 "혼합주의". 연극예술의 장르분화과정과 교육학의 문제. 러시아의 음조 플라스틱 선언 학교의 고전주의 연극 교육학 시스템 (Katenin, Gnedich).

3.3.2. 연극학교 개편.개인의 전통 연극 학교(상트페테르부르크 공연 예술 애호가 협회, 모스크바 필하모닉 협회). Voronov 프로젝트 - 주요 조항: 배우는 정신적, 육체적 훈련이 필요하다.

“예술계”A.N. Imperial Moscow School의 드라마 과정의 "모델"인 Ostrovsky 연극 학교 Maly Theatre에서 (Ostrovsky, Yuryev: 1888). 일반교육과 특수교육의 관계 문제. 연극 학교 프로그램의 대학 교수직.

3.3.3. “연극을 통한 교육.”"문화적" 기업가의 교육학(Medvedev, Nezlobin). 세 가지 "학교" – 세 가지 "게임 시스템": "직감", "경험", "아이디어". "환생"의 무대 방법 요소 개발.

무대 예술 체계에서의 연극 및 교육적 방법의 발전

주제 1. 국내 교육학 형성 맥락에서 러시아 연극 및 무대 교육학의 전통. "행동하는" 교육학: "손에서 손으로" 전달하는 방법. 연기 전통 학교. M.S. Shchepkina - 과학적 방법의 필요성에 대한 실질적인 정당화: 작업, 관찰, 변환.

러시아 비평과 벨린스키의 저널리즘 방법 및 그의 합리적 활동에 대한 교육학적 원칙의 교육학적 영향. 무대 영향력의 실천과 “방법” 적극적인 학습» 우신스키. 개념 " 교육 과정", 주목 내부 프로세스자기 교육, 자신의 활동을 통한 사람의 자기 개발 (Kapeterev). 연기 환경에서의 자기 교육 및 자기 학습(수용적 모방 방법에서 건설적인 "자기 만들기"까지). 연극 교육학의 공리 M.N. 에르몰로바: "배우 안에 사람을 키우지 않으면 배우를 키울 수도 훈련할 수도 없습니다." 자기 교육의 방법으로서의 예술적 모방과 모방.

A.P.의 교육적 방법 Lensky: 온화함, 지성, 영감, 예술성, 엄격한 기술 교육 시스템의 부재, 학교의 목적은 "학생의 타고난 능력을 개발하고 지시하는 것이지만 학생에게 부여하는 것이 아닙니다", "명확하게 학생들에게 자신이 맡은 과제의 깊이와 어려움을 충분히 설명할 수 있지만 "무대에서 연주하는 방법을 가르치는" 것은 아닙니다. 배우의 작업에서 잠재의식과 직관의 역할은 창의적인 영감의 기초가 됩니다. 연기의 심리적 기반은 훌륭한 연기를 위한 조건으로 감성과 절제의 상관관계로, 무대 이미지의 정신 상태와 행동을 표현한다.

모스크바 필하모닉 소사이어티 드라마 스쿨(유진, 네미로비치-단첸코): 유진은 '무대 선생님'이다.

주제 2. “단계” 교육학 . 20세기 초 연극학교. 자기 교육 과정. 모스크바 예술 극장 학교 (1902). Adashevskaya 학교. 연극 교육은 "자로베츠의 엑스트라", "권위주의적 모방"이고, 스타니슬라브스키의 교육적 계명은 "천재를 모방하지 말라"이다. O. Gzovskaya – Stanislavsky의 첫 번째 학생: "시행 착오" 방법. 극중의 "실험적" 교육학 – K.S. Stanislavsky "리허설": 연극 "Hamlet" 제작에서 "주의"와 "상상력"을 위한 일련의 연습, 연극 "A Month in the Country"의 "심리적 자연주의". "Povarskaya" 스튜디오의 실험 및 실험실 경험: Stanislavsky - Meyerhold.

"감독-교사"Vl.I. Nemirovich-Danchenko: 재능의 “발견”, 자기 훈련, “전통의 정화”, 연기의 “윤리적 정당성”, “레퍼토리 정치”, “인류에 대한 인식”, “생명, 인간 및 그 꿈을 꾸고, "눈에 공포를 볼 수 있는" 용기와 두려움 없음, 지능과 문화를 교육하고 개발합니다.

주제 3. 연극 교육의 성격 지향적 방법: “스타니슬라프스키의 시스템.” 3.1. "스타니슬라브스키 시스템"의 형성 단계(모방에서 성찰 및 자기 교육까지). "이론"의 주요 임무는 창의적인 개인의 자기 교육을 기반으로 창의적인 성격 개발의 독립적 경로에 대한 지침을 제공하는 것입니다. 자기 성찰(라틴어 introspecto - 내부를 들여다보기)을 주요 방법으로 사용 개인적인 자기계발. 창의성의 일반적인 개념과 예술의 통일된 기초는 "표현 전" 창의성의 일반 법칙입니다. 창작 과정의 단계별 차별화: 1) "인상에 대한 인식", 2) "처리", 3) "재생". "인공 기호"에 대한 미적 인식의 심리학과 인공 활동 시스템에서의 재현 - 연극 무대(L. 비고츠키).

3.2. 연기의 6가지 '주요 과정': 1) 의지(“의도”)의 준비 과정; 2) "자신과 외부"(종교, 정치, 과학, 예술, 교육, 윤리, 편견, 국적, 기후, 자연) 창의성을 위한 영적 자료를 찾는 과정; 3) 경험의 과정 – “자신의 꿈 속에서 내면적이고 외부 이미지묘사된 사람"(상상); 4) 구체화 과정 - "보이지 않는 꿈을 위한 눈에 보이는 껍질 만들기"; 5) 병합 과정 - "경험"과 "구체화" 과정을 함께 결합합니다. 6) 영향력의 과정 - "예술가의 비유적 창의성을 통한 시인과 관객의 소통".

창작 과정의 IV 단계에 대한 일반적인 과학 및 이론적 정의: 1) 준비(“무기화”), 2) “성숙”(인큐베이션), 3) 영감(“경험적 경험”, “아하 경험”, “조명” , "통찰" /eng 통찰력 - 통찰력, 직관, 직접적인 이해) 및 4) 진실 검증 (검증).

3.3. K.S. 의 무대 방법에 대한 심리적, 이론적 정당화. 스타니슬라프스키. 감정의 심리학 T. Ribot – 주의 메커니즘과 주의 "원", 영향 이론 및 정신-정서적 기억. D. Johnson – “의식의 흐름” 및 “ 내부 독백, "성찰의 방법"(반성), "정신적 경험", "의지의 원리". A.A. Ukhtomsky – 흥분, 억제 및 불안정성 메커니즘의 과정, 지배적 교리, 기관에 의한 외부 자극의 리듬 동화, 의도된 작업 구현에서 지배적 및 의지적 행위의 원리, "잠재의식의 역할" 우성". 그들을. Sechenov – "의식 및 무의식적 활동의 반사적 성격", "정신 현상의 기초로서의 생리적 과정", "중앙의 리듬 과정" 신경계» m "근육 방출"; I.P. Pavlov - "목표 반사" 및 "신체적 행동 방법"(MPA).

3.4. 심리 기술 연기의 기술(“훈련 및 훈련”). 공연 예술 훈련 및 교육의 심리적 측면과 연기의 "심리 물리학 적 행동"의 통합 복합체. K.S.에 따르면 “심리학 연기의 세 가지 기둥” Stanislavsky – 1) 상상력, 2) 주의력, 3) 직접 및 피드백 연결로 상호 연결된 감정적 기억. 정신적 긴장을 극복하기 위한 기술인 근육 이완(근육 조절기의 발달). 최대 성능을 개발하고 시험을 준비하기 위한 운동 시스템 개발의 시작으로 연기 정신 훈련(그리스 정신-영혼 및 영어 훈련) 경험.

3.5. 창의적인 "메타이론"으로서의 "스타니슬라브스키 시스템" 예술적 발전, 감독과 배우의 교육, 훈련, 자연의 법칙에 따라 배우의 잠재 의식적 창의성을 찾는 방법. 프로세스에서 잠재의식의 심리적 메커니즘 연극적 창의성의식적 행동의 무의식적 메커니즘으로서: 1) 무의식적 자동화; 2) 무의식적인 태도; 3) 의식적 행동의 무의식적 동반 (P.V. Simonov).

의식 영역의 상호 작용: 잠재 의식(자동 모드), 의식 자체 및 "초의식" 또는 "초의식"(M.G. Yaroshevsky). 배우의 개인 동기 부여 영역(Simonov에 따르면 "지배적인 요구")을 나타내는 Stanislavsky의 "슈퍼 슈퍼 작업" 개념은 타고난 능력과 창의적인 자기 실현의 주요 요소입니다(A. Maslow).

창의적 의지는 "의지적 욕구, 선택, 열망 및 반사적 또는 행동적 해결의 연속적인 일련의 것"입니다. 창의적 의지와 재능의 질, 그리고 신경학적으로 전염되는 히스테리와의 차이. 의식적으로 지배적인 행동인 슈퍼과제 교리는 행동 기법을 통해 영감(“내적 충동”)을 적극적으로 조직하는 것입니다. "감정의 본질"에 직접적인 의지 영향을 미칠 수 없다는 신체적 행동 방법(MAP)에 대한 심리적 정당화.

3.6. "시스템"K.S.의 폴리 테크닉 기반 스타니슬라프스키. 일반 원칙과학적 방법(비고츠키의 문화-역사적 방법)으로서의 심리학 발전과 연극 예술의 통일된 방법 문제의 맥락에서 "시스템". 비고츠키의 주요 논제는 연극 관행이 "시스템"을 깊이있게 전달하지 않으며, 다른 많은 표현 방식을 가질 수 있는 "시스템"의 전체 내용을 소진하지 않는다는 것입니다.

Stanislavsky의 독창적인 체계인 “마음 – 의지 – 느낌”(“인상 – 처리 – 재생산 또는 표현”)과 상호 작용 구조: “과제 – 수퍼 태스크 – 수퍼 태스크”. 생리학적 공식: “자극 – 반응 – 강화”(행동 이론 및 심리학: Sechenov, Pavlov, 행동주의자). E.B.의 "소외"라는 예술적, 창의적 원리의 연극적, 미적 발전. Vakhtangov와 L.S. 비고츠키: “자극 – 기호 – 반응 – 강화”(여기서 인위적인 “문화적” 기호는 행동의 자유로운 목표 지향의 핵심 이미지입니다). 역할 작업에 대한 방법론적 접근 방식: Stanislavsky에 따르면 "초현실을 위한 자연성", Vakhtangov-Vygotsky에 따르면 "초현실을 위한 인공성".

3.7. 창작 과정의 심리적 구조: 1) "인공 기호"에 대한 인식 및 2) 내부 처리(내면화 과정 - 해석) - "인공" 환경(무대, 연극)에서의 선택, 평가, 3) 표현 메커니즘(외면화 과정) - "기호" - " 이미지" - "기호"(예술적 "문법", 무대 언어의 "구조").

미국 행동주의(J. Dollard와 N. Miller가 대표하는 행동 심리학)와 학습 과정의 네 가지 개념 요소:

S ––––––––––––– D ––––––––– R –––––––––––P –––––––––– O

자극 ––––– “추진” –––– 반응 – 강화––– 평가

등급– 사회 현상, 인간 활동, 행동에 대한 태도, 그 중요성 확립, 특정 규범 및 도덕 원칙 준수(승인 및 비난, 동의 또는 비판 등). 인공 시스템(가치, 미적, 예술적 등) 및 동작 알고리즘의 초기 트라이어드(자극 - 반응 - 강화):

필요 –– “서명” ––––– 선택 –––– 평가 –––––––– 상호작용(대화).

주제 5. 연극 교육의 "폴리테크닉" 시스템과 교육학의 문화 교육 방법."전통주의자"의 문화적, 역사적 지향과 "on Borodinskaya" V.E. 스튜디오의 실험 및 실험실 교육학의 문화 교육 원리. 메이어홀드. 레닌그라드의 "연기 학교"(1918) 및 최초의 종합 연극 교육 프로그램(Meyerhold, Vivien, Soloviev). 폴리 테크닉의 원리. 교육 및 교육 과정의 구조. 방법 예술적 일반화. 메이어홀드의 방법에 있어서 “거절”의 원칙. 생체역학의 교육학적 원리. 생체역학 훈련 방법.

"합성 배우"의 "미학" 학교. 챔버 극장의 "방법"(Tairov, Koonen). “종합” 교육학의 기본 원리는 원래의 “혼합주의”입니다. 스타일 형성의 예술적 재현 방법. 두 가지 기술: 내부 및 외부. 형태-제스처의 정서적 내용.

섹션 V. 스튜디오 교육학 – 창의성 교육학

주제 1. '자유개발' 방식.모스크바 예술 극장의 첫 번째 스튜디오(Stanislavsky의 계획)와 "자유 개발" 방법(Tolstoy-Sulerzhitsky). 창의적인 개성과 개인의 자기결정권을 개발합니다. 스튜디오 분위기. 스튜디오의 수도원 길드 조직. 스튜디오 프로세스 구성을 위한 윤리적 원칙. 명 : E.B. 바흐탄고프, M.A. 체호프.

주제 2. '스튜디오 운동' 분류의 문제.실험 및 실험실 스튜디오 - "극장 건설"(Meyerhold). 인간 교육 스튜디오 학교 (Vakhtangov). 예술 및 연극 스튜디오(Chekhov). 톤 플라스틱 스튜디오의 저널리즘 방향(Proletkult의 전문 및 교육 업무). 예술 스튜디오(1918-1924년 볼쇼이 극장 오페라 스튜디오에서 스타니슬라프스키의 스튜디오 경험). 창의적인 협회(Kurbas의 "Berezil").

E.B. Vakhtangov: 스튜디오는 "극장이 되어서는 안 되는" "기관"입니다. 왜냐하면 "진정한 예술은 항상 예술 자체의 영역 밖에 있는 목표를 제공하기 때문입니다." 발전과 형성을 위한 예술적이고 창의적인(“창의적인”) 환경으로서의 극장 “스튜디오-학교”. 창의적인 교육학의 원칙: "문제"와 "발전" - 유망한 개발 기술. 스튜디오 교육학의 통합 기능과 구현 수단. 스튜디오 “보편성” – “소통”, “공동체”, “집단성”, “공의성”. 창의성을 통한 갈등해결의 원리: “창조적 갈등론”.

주제 3. 스튜디오 교육학의 원리 . 연극성을 추구하는 스튜디오의 법칙과 스튜디오 현상의 구체적인 특징. 연극 교육학의 형성과 발전을 위한 기초로서의 스튜디오. 창의적인 행동 수준: 생활, 작업실, 역할. 팀의 내부 경험을 표현한 성과입니다. 스튜디오 연극 과정 구성의 기술적 문제.

1) 스튜디오 교육의 기본 원칙은 윤리적, 미적, 사회적, 도덕적, 창의적 통합입니다. 2) 조직의 단일 리듬 원칙(교육적 가치론에 기초한 스튜디오 구성원의 윤리적 상호 의무, 보편적 인간 가치의 맥락, "규율"은 "내부 요구 충족"). 3) 영적 삶의 현실 원리 (예술적 상상력의 진정한 창의적 기초). 4) 공동 활동-협력(“시너지”)의 원칙. 5) 개인의 창의적 발전 원칙(“보편 속의 개인”). 6) 개인간 연결의 원리. 7) 예술적으로 창의적 자율성의 원칙 - "작업장", "실험실"의 검색 원칙(휴리스틱). 8) 아마추어 공연의 원리. 9) 자치의 원칙(“협의회”, “가족”, “질서”). 10) 자기 개선의 원칙 (개인의 윤리적, 미적 교육의 기초). 11) 창의적인 환경(“창의적인 분위기”)을 조성하는 원칙. 12) 창작 활동의 원리. 13) 게임의 원리(자유롭고 자연스럽고 편안한 활동 분야). 14) 연극의 비유적 성격의 원칙(“예술 교육”-“ 환상적인 사실주의 예술적 이미지"). 15) 개인의 '교양'(성실함, 세심함, 사려 깊음, 섬세함, 재치)의 의사소통 원리. 16) 복잡성의 원리는 훈련 기술 조직의 통합 원리입니다. 17) 자기개발의 일관성, 집중, 연속성의 원칙. 18) "선교사"(높은 이상의 순수성, "포부")의 원칙. 19) 스튜디오 전통 형성 원리.

섹션 VI. 감독의 예술을 바라보는 관점

심리 및 교육 활동

주제 1. 일종의 예술 및 무대 활동으로서의 연출.감독(라틴 지역 출신 - 제가 관리함)은 자신의 창의적인 컨셉(작품 해석)을 바탕으로 새로운 무대 현실을 창조하는 '예술가'입니다.

1. 감독 활동의 삼중 구조공연 예술 분야: 무대 감독; 감독 통역사; 감독-교사 (Vl.I. Nemirovich-Danchenko).

"생산자"– 배우, 예술가, 작곡가 등을 포함하여 연극 제작 작업의 모든 요소를 ​​통합하기 위한 조직적 활동을 수행할 수 있는 능력

"감독-통역사"– 통역사(lat. 해석) – 선택적 읽기와 관련된 예술 작품의 해석, 설명, 창의적인 개발: 예술적 "비전", 감독의 "읽기"("대본"), 연기 역할(캐릭터 - 이미지).

"감독-선생님"(Payagogos – 교육자) – 실무무대 예술의 법칙과 전통, 연극 자료, 예술적 창의성의 원리와 삶에 대한 지식의 공개를 통한 배우의 육성, 교육 및 훈련에 관한 것입니다(심리 교육학 섹션).

Topic 2. 실천심리학으로서의 연출– 1) 예술가로서의 감독의 창의적 발전과 실현을 지원하는 것을 목표로 하는 모든 심리학 지식 영역의 통합; 2) 공연 예술의 법칙뿐만 아니라 창의성의 원리와 메커니즘을 이해하는 데 도움이 됩니다. 3) 공연 예술의 기초이자 재료로서 삶의 법칙을 이해하고 이해하는 데 도움이 됩니다. 공연예술심리학은 무대예술가(배우, 감독)의 창작활동과 관객이 무대작품을 인식하는 과정을 연구하는 심리학 분야이다. 그 특징은 주제의 세부 사항에 따라 결정됩니다. 1) 사람을 아는 방법 중 하나로서의 무대 예술; 2) 배우와 관객 모두가 경험하는 감정의 특정한 이중성; 3) 작가와 감독, 관객 사이의 '보이지 않는' 관계. 극적인 긴장-투쟁-갈등 시스템에서 인간 상호 작용의 매개 변수(차원)를 분석하기 위한 도구로 연출합니다(P.M. Ershov).

주제 3. '감독의 사고'의 심리적 기반. 3.1. 예술적이고 아름다운 이미지를 만드는 세 가지 주요 접근 방식그리고 무대 구현에서 (3인조 "극작가 - "작곡"(극) - "공연자"(감독 - 배우) : 1) 주관적 - "공연자"( "서정적")의 성격이 전면에 나타납니다. 2) 목표 – 수행되거나 묘사되는 내용의 정확한 표현(“프로토콜 진실”이라는 “고고학적” 원칙에 따른 “서사”) 3) 합성 - 처음 두 가지의 통일성을 달성합니다.

3.2. 무대 연출의 기초(“저자의”) – 공연 전체의 내부 비전(“감독의” 상상력). 연극을 다음과 같이 읽는다. 문학 작품그리고 텍스트의 "극적 현실". 과거와의 "대화"로서의 극적인 작품의 의미 론적 수준에 대한 문화 역사적 인식 및 재현 (상호 작용 "진행-퇴행"메커니즘). “고전 유산의 해석은 문화에 대한 자기 지식의 한 형태입니다” – A.V. Bartoshevich. 무대 공간을 구성하는 방법으로서 액션의 의미에서 발생하는 텍스트 및 하위 텍스트: 미장센, 템포-리듬적 구성, 다양한 장르 레이어의 표현 편집, 사운드 및 색상 범위 등

3.3. 공연 이미지극적인 행동의 의미론적 모델링과 무대화 관례의 종합입니다. 극적 텍스트의 시공간 "차원" 간의 상호 작용 과정: 시간 계층 – 행동, 인물, 아이디어의 전개 논리; 공간 - 감정적-논리적 수준의 예술적 구성의 비유-은유적 구조(이미지-기호, 라이트모티프, 영원한 플롯-M. M. Bakhtin에 따른 "누적기", K. G. Jung에 따른 "원형").

3.4. 감독 작품의 유형: "교육학" 및 "제작" 연출. “전체”가 되고 “그림의 일부”가 되는 공연 특권. 두 가지 공식(Krechetova R.)에 따른 감독과 배우 간의 관계 시스템에서 일반화의 제작 수준:

1) (배우-이미지) + (시나그래피-이미지) + (음악-이미지) = 공연 이미지

2) (배우+시나그래피-이미지) + (음악+배우-이미지) = 공연 이미지

섹션 VII. 인간 고유성 개발을 위한 창의적 교육학

주제 1. 연극 교육학의 다양한 "방법"에서 성격과 개성의 개념.다양한 "학교"와 방향의 심리학 및 연극 종사자의 관점에서 연기자로서 배우의 능력에 대한 구조적 접근 방식입니다. 연기활동의 유형 : “배우-인형”, “배우-사람”, “예술가-역할”, “인간-악기”, “주제배우”, “환생배우” 등 '연기나 성격'(서정성, 고백성, 지성 등) 문제의 맥락에서. "연기 유형"( "감정적", "지적", "사회적"등)의 문화적, 역사적 조건. "창의성의 잠재 의식 통합 흐름"(P. Markov)에서 "배우의 개별 이미지"의 심리적 특성.

주제 2. 일반, 특별, 창의적 능력 개발 문제.

창의적 능력의 자율성(주현절). 일반 근거 예술적 사고. 미적 복합체의 자치 및 개발 기술. 육성 창의적인 관심다양한 형태의 정신물리학적 훈련에 대한 상상력(Stanislavsky, Chekhov, Vakhtangov, Meyerhold. "부록" 참조). 심리적 독창성감독 성격. 연기하는 배우에 대한 실용주의적 접근의 '감독'의 문제.

예술적 사고의 일반적인 기초. 미적 복합체의 자치 및 개발 기술. 다양한 형태의 정신물리 훈련을 통해 창의적인 관심과 상상력을 배양합니다. 교육학적 방법과 교육 방법의 비교 분석은 "기술적" 사고의 기초입니다.

주제 3. 역할 기능 모델링을 위한 시스템으로서의 연극성."다른 사람으로서의 자신"에 대한 심리기술적 모델링의 기회로서의 연극성의 원리. "연극성"과 "게임" 범주 간의 상관 관계. 롤 플레잉 게임또는 "상상의 상황"(L.S. Vygotsky) – 진화의 정점 놀이 활동. "예술적 모방" 시스템에서 식별의 심리적 메커니즘.

조건부 상징적 행동의 "역할" 개념. 게임 기술과 '게임 의인화' 원리. 조건에 따른 역할 기능 모델링을 위한 심리기술적 메커니즘 "게임 의인화".

대본과 극작의 표현 형태로서의 연극화 게임 모델. 개인 발달의 심리적, 교육적 교정을 기반으로 창의적 기술을 개발하는 주관적 원리.

기술로서의 소외의 원리(Vakhtangov-Brecht)와 창의적 창작 과정에서의 권위적 소외의 법칙. 동일시(동일시-소외) 메커니즘, 사회적 역할 할당 및 예술적 변형. 연극화와 창의성의 형성(유추-우화-상징화). 유기적 행동 요소 교육 실습. 차별화된 특수학과 교수방법과의 관계 문제 게임 기술개발.

주제 4. 창의적 개발을 위한 기술 개발의 주관적 원리.

연극 교육학의 일반적인 교훈적 원리. 창의성의 일반적인 패턴과 통일된 교육 방법. 기술 개발의 통합 단지를 구성하는 방법으로서의 방법, 방향, 학교. 창작 과정의 자기 조직화(시너지) 개념. 자기 교육 과정을 조직하는 의도적 원칙 - 자기 학습, 자기 교육, 자기 개발.

관리 및 조직 개념의 객체 컨텍스트: Bogdanov의 "조직 원칙" 및 교육학의 형성 시스템. 조직 개념의 주관적 맥락: 자기 조직화 및 주제 관리(자치)의 원칙. "전문적인 자가 진단" 및 자기 조직화 기술("전문적이고 창의적인 심리 기술")의 개념. 어린이 아마추어 공연 방법 및 구현으로서의 자기 조직화 개별적인 접근 방식. 스튜디오 연극 및 예술 과정을 구성하는 문제를 해결하기 위한 "단일 방법"의 개념과 가변 조합 접근 방식입니다.

주제 5. 교육 과정 모델링 원리 극장 스튜디오기본적으로 컨텐츠 자료를 단일 개발 프로세스로 기반으로 합니다. 훈련의 "공예품 상점" 모델 및 훈련에 대한 징계 접근 방법. "수도원 길드"(폐쇄) 교육 모델 및 창의적인 환경을 형성하는 방법. 교육의 "문화-교육" 및 "예술-복원" 모델링. "극장 건설"의 "실험-실험실" 모델. “자유개발”의 창의적인 모델. 창의적인 아마추어 협회를 조직하기 위한 통합 모델입니다.

전통적인 연극 환경에서 교육 과정을 모델링하는 원리: "창의적인 분야"의 개념. 인간 행동의 "메타 연극" 및 "부 연극"원리를 찾는 현대 교훈 및 통합 프로세스.

파트 II에 대한 참고 자료