학문적 또는 클래식 보컬은 재즈 또는 팝 연주 기술과 눈에 띄게 다릅니다. 그것은 기반으로합니다 음악적 전통, 이는 16세기에 발전했습니다. 오늘날 클래식 성악은 오페라, 예배당, 학술 합창단에서 연주됩니다. 그러나 일부 팝 가수들은 학문적인 방식으로 활동하기도 합니다.
학문적 보컬의 특징
- 학술 보컬에는 마이크나 기타 증폭 장비를 사용하지 않습니다. 보컬리스트는 자신의 목소리를 완벽하게 제어할 수 있기 때문에 오케스트라와 합류하거나 대결하지 않고도 청중에게 목소리를 낼 수 있습니다.
- 유능한 학술 성악가는 넓은 음역에서 노래하는 능력과 음악적, 기술적 의미에서 가장 복잡한 자료를 질적으로 재현하는 능력으로 구별됩니다. 동시에 떨림, 천명음, 천명음 및 기타 소리 결함과 같은 사소한 추가 소리는 허용되지 않습니다. 아카데믹 보컬은 이상적인 노래 스타일을 추구합니다. 가수는 자신의 목소리에서 넓고 깨끗한 사운드를 얻습니다.
- 클래식 기법을 사용하는 음악가는 다양한 음악적, 성악적, 예술적 표현 수단을 마스터합니다. 가수는 가장 미묘하고 투명한 음색을 재현하고 매우 밝고 표현력이 풍부한 작곡을 만들어냅니다. 동시에 노래에 담긴 감정의 범위에 관계없이 조화롭고 아름답고 미학적으로 완벽합니다.
클래식 보컬을 공부하는 것이 왜 가치가 있나요?
건물에도 기초가 튼튼하듯이 전문 음악가고품질 보컬 기반 없이는 할 수 없습니다. 가수가 작업하려는 장르에 관계없이 학문적 보컬은 그의 발전을 위한 훌륭한 기반이 될 수 있습니다. 창의적인 개발. 자연스러운 능력을 최대한 개발하고, 기본 보컬 기술을 익히고, 음성 제어 메커니즘을 효과적으로 사용하는 방법을 연구하고 배울 수 있습니다.
아카데믹 보컬 트레이닝은 어떻게 진행되나요?
초보자를 위한 지도형 학술 보컬 레슨 전문 교사당신은 다음과 같은 중요한 기술을 개발하고 발전시킬 수 있습니다:
- 올바른 노래 호흡.
- 명확한 표현과 표현;
- 올바른 악센트를 배치하는 능력
- 공진기 사용, 지원 노래 및 기타 보컬 능력을 포함하는 노래 기술을 유능하게 사용하는 능력.
또한, 아카데믹 보컬 수업은 공연 준비에 도움이 될 것입니다. 전문 무대. 예를 들어, 음악 학교 현장의 교사는 학생들이 레퍼토리를 선택하도록 돕습니다. 최선의 방법으로보컬 능력에 상응하며, 가수의 예술성 및 감성 표현력 발달에도 기여합니다.
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- 기본 노래 기술: 소리 생성, 공명, 성악의 단일 대사 유지(레가토, 스타카토, 글리산도, 칸틸레나), 레지스터 정렬, 무대에 맞는 성악 피치,
— 레퍼토리 작업: 새로운 노래를 독립적으로 올바르게 학습하고 콘텐츠를 소리로 변환
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팝 보컬
사운드의 팝 보컬은 학문적(클래식)과 포크 사이에 있습니다. 아카데믹 보컬과 포크 보컬의 주요 차이점은 보컬리스트의 목표와 목적에 있습니다. 학업 및 포크 가수그들은 표준에서 벗어나는 규제된 소리인 캐논의 틀 내에서 작업합니다. 팝 연주자의 임무는 자신의 사운드, 자신만의 독창적이고 특징적이며 쉽게 알아볼 수 있는 노래 방식 및 무대 이미지를 찾는 것입니다.
팝보컬은 아카데믹 보컬, 포크보컬과 달리 가사가 좋은 노래를 구성하는 중요한 요소 중 하나이기 때문에 명확한 딕셔너리가 중요하다. 같은 이유로 우리나라에서는 팝송노래하기 어렵고 호흡의 급격한 변화가 필요한 문구는 훨씬 더 일반적입니다. 민요, 종종 텍스트가 음악에 더 적합합니다.
팝 보컬 결합 기술 학문적 보컬, 민요, 무대에 특징적인 여러 가지 특정 기술도 있습니다.
팝 보컬의 주요 특징은 팝 악기 연주자가 "그들의" 오리지널 사운드를 검색하는 방식과 유사하게 보컬리스트의 고유하고 인식 가능한 목소리를 검색하고 형성하는 것입니다. 오늘날 경쟁력을 갖추기 위해서는 상당히 다양한 제품군을 보유해야 합니다. 기법. 현대 일렉트릭 기타리스트가 50~60년대 동료보다 훨씬 더 많은 일을 할 수 있어야 하는 것처럼 말입니다. 목소리의 각 "색상"에는 체계적인 훈련이 필요합니다.
팝 보컬에 사용되는 기술
나뉘다
다른 소리의 특정 비율을 순수한 소리와 혼합하여 노래하는 기술로, 종종 비음악적인 소리, 즉 소음을 나타냅니다. 하나의 호흡 흐름이 두 개로 갈라지는 것처럼 보입니다. 민요의 일부 기술은 분리로 분류될 수 있습니다(예: " 목구멍 노래"아시아 민족의)뿐만 아니라 잘 알려진 서브톤과 추진력도 있습니다.
운전하다
록 보컬리스트의 무기고에서 가장 중요한 기술 중 하나는 "드라이브" 스플릿 기술입니다(하위 유형: 으르렁거림, 으르렁거림, 쉰 목소리, 데스 보컬 등). 불과 10년 전만 해도 이 기술을 사용한 후에는 "인대를 뱉어내기만 하면 더 이상 필요하지 않을 것"이라고 믿었습니다. 클래식 성악가들은 이것을 거의 여덟 번째 대죄로 간주하고, 구식 교사들은 그런 노래를 가르칠 수 없다고 확신합니다. 그것은 자연스럽거나 그렇지 않습니다.
서브톤
열망을 가지고 노래합니다. 이 기술의 예는 Tony Braxton, Cher 또는 Tanita Tikaram의 재즈 및 팝 음악에서 들을 수 있습니다.
배음 노래
"목구멍 노래"라고도 알려져 있습니다. 분리를 사용하여 기본 톤에 배음을 연주하면 이중 사운드를 부를 수 있습니다. 극동음악의 특징(티베트, 투바, 몽골 등)
글리산도
"슬라이드"라고도 합니다. 음표에서 음표로 부드럽게 전환됩니다.
가성
"지원 없이" 노래합니다. 범위를 측면으로 확장할 수 있습니다. 높은 음표. 재즈와 팝 음악에서 자주 발견됩니다.
요들
"티롤 노래"라고도 알려져 있습니다. "지원 중" 노래에서 가성으로의 급격한 전환으로 구성됩니다. 안에 현대 음악 Dolores O'Riordan(Cranberries), Alanis Morissette, Billie Myers 등과 같은 예술가들이 널리 사용합니다.
한동안 소위 "역 요들"이 널리 보급되었습니다. 이는 짐작할 수 있듯이 가성에서 "지원"으로의 급격한 전환으로 구성됩니다. 이 기술의 예는 Linda Perry(4 Non Blondes)의 노래에서 찾을 수 있습니다.
스트로바스
보통 목소리로 부를 수 없는 매우 낮은 음표입니다. 소리는 매우 구체적이어서 음악에서는 거의 사용되지 않습니다. 예를 들어, 브리트니 스피어스(Britney Spears)의 "Oops, I did it again"에서요.
사람의 타고난 보컬 능력의 발달과 구현의 관점에서 볼 때 최적의 순서는 먼저 (모든 유형의 보컬에 해당하는) 목소리를 훈련한 다음 자신에게 적합한 팝 보컬 기술을 익히는 것입니다. 중요한 것은 독특하고 인식 가능한 목소리의 형성, 독특한 노래 방식 및 무대 이미지입니다.
올바르게 배치하면 작은 목소리도 강력한 소리를 낼 수 있습니다.
펠리아 리트빈.
모두가 대화식 노래 스타일을 사용합니다. 민속 노래 스타일은 학문적 방식으로 둥글고 가려진 목소리와는 달리 일반적으로 "백음", "개방 노래"라고 불립니다. 사람이 일반적으로 자연스럽게 익히지 못하는 소리를 은폐하면 가수는 범위의 가슴 부분에서 부드럽게 전환되면서 균일한(음색 및 소리 강도 측면에서) 2옥타브(또는 그 이상) 범위의 혼합 사운드를 얻을 수 있습니다. 머리에. 덮을 줄 아는 사람은 열 수도 있을 것입니다. 하지만 노래만 부르는 사람은 열린 소리, 절대로 가릴 수 없습니다.
현대 무대에서 가수들은 대부분 반쯤 가려진 보컬 스타일로 노래한다. 반쯤 닫고 노래할 때 입술의 위치는 대화에 가깝지만 연구개는 올라갑니다. 이러한 노래를 부르면 구강인두강의 부피가 증가하고 1.5 옥타브 범위의 음성이 더 이상 순수한 가슴 소리가 아닌 혼합된 소리로 달성됩니다. 동시에 가수 목소리의 비브라토 진폭이 눈에 띄게 증가하고 목소리가 직선적이지 않게 됩니다. 음색은 "더 풍부해지고", 더욱 다채롭고 감정적으로 변합니다. 그러나 고음역에서는 풍부한 소리와 함께 덜거덕거리는 음색, 즉 성대의 긴장 신호인 "양고기"가 나타납니다. 학문적 음성 생성 중 전환음과 헤드 레지스터를 다루면 음성 장치의 보호 메커니즘이 생성됩니다. 닫힌 사운드를 무시하면 최고 음표의 아름다운 음색 원형이 박탈되고 목소리가 조기에 손상될 수도 있습니다.
많은 사람들은 자신도 모르게, 때로는 의식적으로 사랑하는 사람을 모방합니다. 팝 가수, 그들의 노래 스타일을 맹목적으로 복사합니다. 모든 사람이 이로부터 혜택을 받는 것은 아닙니다. 아름다운 탄생 노래하는 목소리어떤 사람들에게는 그것은 행복한 놀라움이고 다른 사람들에게는 길고 힘든 작업입니다.
보컬이라는 단어는 이탈리아어 "voce"(목소리)에서 유래되었습니다. 그러나 목소리는 단지 도구일 뿐이며 노래 자체는 소리 과학보다 훨씬 더 복잡합니다. 그것은 우리에게 이미지를 그리고 반영합니다. 감정 상태. 노래에는 소리뿐 아니라 의미 있는 말도 포함됩니다. 보컬은 다음과 같이 보입니다. 기술적 과정예술적인 노래. 모든 전문가가 지식과 특정 기술로 무장되어 있듯이 가수는 보컬 테크닉, 즉 자신의 목소리를 자유롭게 제어해야 합니다.
청력이 좋고 음악성이 발달한 사람이라면 누구나 노래하는 법을 가르칠 수 있습니다. 또 다른 점은 그러한 학생이 무대에 적합한 전문가가 될 수는 없지만 기술과 연주 측면에서 모든 의미에서 유능하게 노래한다는 것입니다.
학문적 보컬
아카데믹 보컬은 오래된 클래식 보컬 학교입니다. 학술 가수들은 오페라, 학술 합창단, 예배당, 심포니 오케스트라, 챔버 장르뿐만 아니라 성악. 아카데믹 보컬은 엄격하게 클래식한 위치에서 팝, 재즈, 록 보컬과 다릅니다. 학술 보컬에는 마이크에 대고 노래하는 것이 포함되지 않습니다. 학문적 성악에는 성악의 경험과 역사에 의해 발전된 일정한 틀이 있다. 일반적으로 이러한 프레임워크는 학술 가수가 자신의 목소리를 다른 보컬 방향으로 사용하는 것을 허용하지 않습니다. 경험을 통해 학계 가수는 특정 보컬 위치를 개발하여 목소리가 매우 강해지고 큰 볼륨을 얻습니다. 그러나 드문 경우지만, 학자들은 다른 분야에서 수행할 수 있습니다. 보컬 장르, 소리를 더 쉽게 만들 수 있다면.
지식 기반에서 좋은 작업을 보내는 것은 간단합니다. 아래 양식을 사용하세요
연구와 업무에 지식 기반을 활용하는 학생, 대학원생, 젊은 과학자들은 여러분에게 매우 감사할 것입니다.
게시 날짜 http://www.allbest.ru/
주립 기관 "루간스크 제1 미학 교육 음악 학교"
주제에 관한 학술 보컬 수업의 공개 수업 개요:
"행동 양식일하다~ 위에매끄러운음성 안내~에수업학생보컬"
루간스크 2016
형태 조직 - 개인 레슨.
표적 수업: 1학년 성악학생의 원활한 성악발달을 위한 개별적인 방법 선택.
작업 수업: 음성 학술 청력 발달
1. 노래하는 호흡 기술 개발(횡격막의 "지지" 느낌 개발, 호흡에 대한 노력 가장 중요한 요소올바른 음성 형성).
2. 조음 장치의 개발 (조음 장치의 활성화, 자음 발음의 사전 명확성, 노래 모음의 통일 된 방식 형성).
3. 청력 발달, 음악적 기억, 메트로 리듬의 느낌.
4. 입술, 혀, 뺨의 근육 발달.
5. 구두 텍스트와 그 내용을 분석하는 기술 개발.
6. 집중력, 청각, 사고, 기억, 감정 조절 기술의 형성.
계획 수업:
1. 소개 부분.
2. 주요 부분:
노래하기;
작품 작업.
3. 마지막 부분.
4. 요약합니다.
장비: 피아노, 메모.
용량 뒤에아이디어 45 분.
이동하다 바쁘게 지내다나
1. 입문 부분.
선생님:안녕하세요, 참가자 여러분. 저, 아나스타샤 발레리예브나 소콜로바(Anastasia Valerievna Sokolova) 학술 보컬 수업 교사는 1학년 학생인 Sergei Mezhensky의 공개 레슨에 여러분을 초대하게 된 것을 기쁘게 생각합니다. 오늘 수업의 주제는 "아카데미 보컬 레슨에서 원활한 보컬 연주를 위한 방법"입니다.
이 주제를 선택한 이유는 학생의 목소리 형성 작업의 첫 번째 단계가 기술 개발과 관련되어 있기 때문입니다. 칸틸레나, 즉 부드럽고 일관된 노래, 소리에서 소리로의 부드러운 전환. L. B. Dmitriev는 칸틸레나가 "이것이 성악의 기초"라고 지적합니다[Dmitriev L. B. "보컬 테크닉의 기초" - P. 342]. 그러나 그는 또한 자유롭게 흐르는 소리 없이는 칸틸레나 노래가 불가능하다는 점을 강조합니다. 그 (소리)에는 올바른 소리 형성, 호흡에 따른 긴밀한 단어 형성, 근육 긴장 없음과 같은 요소가 포함됩니다.
수업 중에는 음성 시연, 음성 형성의 청각 분석, 근육-근육 연관성, 학생의 상상력 연결 등 학생들과 함께 작업하는 기본 기술을 사용합니다. 내 작업에서는 가수의 목소리를 훈련하는 음성학적 방법에 중점을 둘 것입니다.
2. 기본 부분.
구호: 1) 작업을 시작하기 전, 연주자-성악가의 노래 자세를 상기시키고, 학생의 몸의 위치도 확인해야 합니다. 2) 노래하기 전에 정확하고 차분한 호흡을 상기시킵니다.
연습 1 - “mormorando”(음울함). 입을 다물고 노래하는 것의 임무는 인대를 따뜻하게 하고 공명기 감각에 학생의 주의를 집중시키는 것입니다. 공연 요구 사항: 입술은 다물고, 이는 벌리고, 차분하고 부드러운 흡입과 편안한 공연 소리. 실행 범위 c° - a°.
연습 2 - 음절 "mi-ya"를 위아래로 노래하는 tertian입니다. 그 임무는 연주 중 공명을 계속 강화하고 자음 "m"을 발음할 때 입술을 적극적으로 닫는 것입니다. 실행 범위 c° - a°.
연습 3 - 다섯 번째 곡 "do-re-mi-fa-sol-fa-mi-re-do" 위아래로. 수행 중 작업은 조음 장치의 명확한 작동, 전체 운동에 대한 경제적인 호흡 소비, 운동 수행 시 단일 노래 위치 모니터링입니다. 실행 범위 h - hNo.
연습 4 - 메이저 5음을 노래하고 장3화음을 음절 "la-a"로 노래합니다. 운동 목표: 호흡 활성화, 자음의 긴밀한 형성, 학생의 범위 확장. 운동 범위는 h - dІ입니다.
연습 5 - “도미솔미도”를 장3화음으로 위아래로 부르세요. 연습의 주요 목적: 레가토 노래하기, 단일 노래 위치에서 자음의 긴밀한 형성 모니터링, 음역 상단에서 연습의 강제 실행 모니터링. 운동범위는 h~cI이다.
연습 6 - 장음계의 주요 음절 "la-a" 또는 "do"에 따른 옥타브 노래. 운동 목표: 가벼운 소리로 스타카토를 부르지만 호흡을 기반으로 합니다. 학습자의 범위를 확장합니다. 운동범위는 l~fI이다.
직업~ 위에공장:
- O. 보로닌그리고아르 자형.보로니나목소리를 내다№ 6. "우크라이나 민요를 기반으로 한 30개의 보컬리스" 컬렉션에서. 키는 c단조입니다.
멜로디 구조는 주요 단계의 3차 동작을 기반으로 합니다. 마이너 스케일, 펜타 코드를 따라 멜로디를 점진적으로 노래합니다. 수업 시작 부분에서 동일한 멜로디 구조가 노래의 기초로 사용되었습니다. 그 결과 발전된 가창력은 이미 성악이 된 예술 작품으로 옮겨진다. 민속 억양을 기반으로 한 발성 멜로디를 통해 학생은 이해할 수 있는 음악 자료를 빠르게 인식하고 재생할 수 있습니다.
또한 필요한 조건~에 초기 단계보컬 레슨은 반주자가 보컬 부분을 더빙하는 것으로, 이 작품의 악보에 나와 있습니다.
완료해야 할 작업:
3) 곡의 느린 템포로 인해 호흡을 아껴서 사용하십시오.
4) 음악적 문구를 논리적으로 구성합니다.
성악을 부를 때 마치 붓으로 하나의 매끄러운 선을 그리듯 손으로 멜로디를 이끌어가도록 요청했습니다. 주의가 신체적 행동으로 옮겨져 발성 장치의 과도한 긴장이 제거되었습니다.
-엘.안에.베토벤,sl.G.공민"남자 이름".키 - E-dur. 이 작품의 멜로디 구성은 반복과 장3화음의 주요 음을 노래하는 것을 기반으로 합니다. 장3화음을 위아래로 부르는 기술을 통합하는 것도 수업 시작 부분의 연습에서 연습되었습니다.
1학년 성악 레슨으로 이 작품을 선택한 이유: 시적 텍스트의 가용성; 제품의 편리한 범위 (h - h°); 피아노 부분의 멜로디를 복제합니다.
완료해야 할 작업:
2) 자음과 모음의 발음을 왜곡하지 마십시오.
4) 작품의 의미론적 부하를 전달합니다.
학생에게 다시 말해달라고 요청했습니다. 시적 텍스트자신의 말로 작업하고 작가가 제시한 이미지를 분석합니다. 주인공의 슬픈 행동에도 불구하고 저자가 왜 장조공장.
처음으로 곡을 부를 때 학생에게 레가토 스트로크를 사용하여 프레이즈의 멜로디를 일관된 전체로 연결하라는 지시도 받았습니다.
-우크라이나 인사람들노래"야크디나그것을 기대하고있다엘나고마워."키는 F 메이저입니다.
작품의 멜로디는 장조의 주요 음색에 대한 점진적인 상승 및 하강을 기반으로 구축 된 댄스 성격입니다. 작품의 형식은 운문이다. 피아노 파트를 반복할 때 멜로디가 중복되지 않아 학생들이 연주하기가 억양적으로 더 어려워집니다. 그러나 반주자의 더빙 없이도 재생용 멜로디를 사용할 수 있으므로 학생은 이 작업에 대처할 수 있습니다. 곡의 빠른 템포와 상대적으로 높은 연주 테시투라로 인해 노래할 때 소리에 힘이 가해집니다. 그러므로 불필요한 성악의 노력 없이 차분하게 곡의 멜로디를 연주하는 데 더욱 주의를 기울여야 할 것이다.
완료해야 할 작업:
1) 작품 멜로디의 자유롭고 강제되지 않은 재생을 모니터링합니다.
2) 자음과 모음의 발음을 왜곡하지 마십시오.
3) 문구 전체 길이에 걸쳐 호흡을 아껴서 사용하십시오.
4) 작품의 춤적 성격을 전달한다.
처음으로 작품의 멜로디를 연주할 때 학생은 이전에 완성된 작품에서 테스트한 "브러시" 기술을 사용하도록 요청 받았습니다. 그 결과 보컬 연주의 부드러움이 해결되고 멜로디 구조의 일시 정지 여부에주의를 기울이고 음악 자료의 강제 재생이 이루어졌습니다.
3. 결정적인 부분 .
숙제.
그게 우리의 거야 공개 수업완성된. 관심을 가져주셔서 감사합니다.
4. 피 주요한 결과.
수업 중에 1학년 성악학생의 원활한 성악발달을 위한 개별적인 방법 선택이 이루어졌습니다. 수업에서 다음과 같은 주요 과제가 해결되었습니다. 노래 호흡 기술 개발; 조음 장치의 개발; 청각, 음악적 기억력, 메트로 리듬 감각의 발달; 입술, 혀, 뺨의 근육 발달; 구두 텍스트와 그 내용을 분석하는 기술을 개발합니다. 집중력, 청각, 사고, 기억, 감정 조절 기술 형성.
질서 있는 보안: Dmitriev L. B. 보컬 기술의 기초 / L. B. Dmitriev. - M.: 음악, 2007. - 386 p., 메모, 삽화.
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이제 보컬리스트라는 용어는 가수라는 용어와 거의 일치하지만 현대 팝 음악에서는 특히 낭송, 낭송 등의 가능성을 암시하는 등 다소 더 광범위하게 해석됩니다.
가수는 노래를 부르고 노래에 종사하는 사람입니다. 성악 연주자: 노래, 로망스, 아리아, 합창단, 싱글 등 악기, 그의 것입니다 자신의 목소리. 가수는 가장 일반적인 유형의 보컬입니다.
리드 보컬리스트는 주로 메인 보컬 부분을 연주하는 음악 그룹의 구성원입니다.
백 보컬리스트는 추가 하모닉 보컬 파트(백 보컬의 일종)를 수행하는 음악 그룹의 구성원입니다.
노래하는 목소리
존재한다 다양한 시스템목소리(각각 가수) 분류. 그 중 일부는 목소리의 강도, 즉 가수가 얼마나 큰 소리로 노래할 수 있는지를 고려합니다. 기타 - 가수의 목소리가 얼마나 모바일적이고, 거장이며, 뚜렷한지. 또 다른 것에는 신체적 외모, 연기 능력 등과 같은 비음악적 특성이 포함됩니다.
대부분의 경우 가수의 보컬 범위와 성별을 고려한 분류가 사용됩니다. 이 두 가지 기준에 의해서만 안내되더라도 우리는 다양한 종류를 얻습니다.
여성 목소리:
- 소프라노 - 높은 여성 목소리
- 메조소프라노 - 중간 여성 목소리
- 콘트랄토 - 낮은 여성 목소리(합창 음악에서는 일반적으로 간단히 알토라고 함)
남성 목소리:
- 테너 - 높은 남성 목소리
- 바리톤 – 평균적인 남성 목소리
- 베이스 - 낮은 남자 목소리
기타 보컬 종류 - 콜로라투라 소프라노, 드라마틱 테너, 베이스-바리톤, 베이스 프로펀도. 여자 목소리로 노래하는 남자 가수도 있다. 이런 유형의 목소리는 드물지만 오늘날에도 주로 오페라에서 여전히 사용됩니다. 바로크 음악에서는 돌연변이를 예방하고 여성과 같은 높은 목소리를 유지하기 위해 소년 시절 거세 수술을 받은 남성 가수인 카스트라토(castrati)를 위한 역할이 많이 작성되었습니다. 현대 성악 연주에서는 가성 노래 기술이 발전된 가수가 이러한 역할을 수행할 수 있습니다. 이러한 유형의 가수를 카운터테너(남성 알토라고도 함)라고 합니다.
노래하는 법은 어디서 배울 수 있나요?
문제는 의심할 여지 없이 매우 일반적입니다. 사실 일부는 재즈 즉흥 연주에 관심이 있는 반면 다른 일부는 노래방 등에 자신감을 갖고 있습니다.
연주 방식에 따른 보컬 분류
학술 보컬(클래식, 오페라)
아카데믹 보컬은 오래된 클래식 보컬 학교입니다. 학술 가수는 오페라, 학술 합창단, 예배당, 심포니 오케스트라 및 실내악 장르에서 노래합니다. 아카데믹 보컬은 엄격하게 클래식한 위치에서 팝, 재즈, 록 보컬과 다릅니다. 학술 보컬에는 마이크에 대고 노래하는 것이 포함되지 않습니다. 학문적 성악에는 성악의 경험과 역사에 의해 발전된 일정한 틀이 있다. 일반적으로 이러한 프레임워크는 학술 가수가 자신의 목소리를 다른 보컬 방향으로 사용하는 것을 허용하지 않습니다. 경험을 통해 학계 가수는 특정 보컬 위치를 개발하여 목소리가 매우 강해지고 큰 볼륨을 얻습니다. 그러나 드문 경우지만 학자들은 소리를 더 쉽게 만들 수 있다면 다른 보컬 장르에서도 연주할 수 있습니다.
팝 보컬
팝 보컬 - 팝송다양한 노래 장르를 결합하고 전체 팔레트를 통합합니다. 보컬 아트. 팝보컬은 우선 무대에서 노래하는 것을 의미하는데, 팝보컬의 개념은 대개 가볍고 이해하기 쉬운 음악을 연상시킨다. 팝 보컬에서는 들을 수 있어요 민속 동기, 재즈의 요소를 가미한 이 곡은 오리지널 곡이자 록음악의 요소이기도 하다. 팝 보컬은 좀 더 개방적이고 자연스러운 사운드를 가지고 있다는 점에서 아카데믹 보컬과 다릅니다. 그러나 노래 기술, 올바른 위치 및 사운드 지원은 학문적 보컬과 마찬가지로 팝 보컬에도 필요합니다.
재즈 보컬
재즈 보컬은 무엇보다도 이상적인 리듬감과 하모니는 물론 보컬의 기동성과 즉흥 연주 능력을 의미합니다. 재즈 노래에서는 작품의 형식을 느끼고 멜로디 주제에 대한 이해를 표현하고 수정하되 필요한 하모니를 남기지 않고 수정할 수 있어야 합니다. 또한 음악가들의 섬세한 파트너십과 이동 중에도 즉흥적으로 연주할 수 있는 능력도 중요합니다.
록 보컬
록 보컬은 일반적으로 록 밴드의 보컬리스트가 부르는 노래입니다. 록 보컬은 좀 더 감성적이라는 점에서 재즈 노래와 다릅니다. 록 보컬은 보컬보다 더 많은 의미론적 내용을 포함합니다. 그러나 록 보컬리스트는 철저한 보컬 트레이닝이 필요합니다. 록 보컬리스트는 감정적, 음악적 측면에서도 용기와 완전한 자유를 가져야 합니다.
민요 또는 민족 노래
민요, 민족창은 용어 자체부터 따지면 인간이 출현한 이래로 존재해 온 노래이며, 특징특정 국적이나 민족 집단의 특징. 메아리 민속 전통학술(고전)에서도 찾을 수 있습니다. 음악 문화, 그리고 팝(도시) 음악 문화에서. 일반적으로 민요는 하늘이 평평하고 화음으로 노래하는 것이 특징이다.
소위 목구멍 노래는 가수가 노래하는 동안 인대뿐만 아니라 목 자체, 입의 공명 구멍 및 후두를 사용하여 기본 음색의 배음이 발생하는 일종의 민속 노래입니다. 들리게 됨.
동시에 학문적 보컬 제작은 모든 것의 기초입니다. 이는 음성 제어의 자유를 제공합니다.
동시에 "재즈에서 학업으로"와 같은 전환은 가수에게 진정한 휴식이 될 수 있으므로 정확히 무엇을 공부하고 싶은지 즉시 결정하는 것이 좋습니다.
자연스러운 목소리와 완벽한 음조를 가진 사람에게도 2~3개월 안에 노래를 전문적으로 가르치는 것은 불가능하다는 것을 이해하는 것이 중요합니다.
학술 보컬의 경우 첫 해에는 연습곡, 보컬리스(단어 없이 노래 - "o-o-o" 또는 "a-a-a") 및 간단한 노래만 불러야 합니다.
그런 다음 점차적으로 로맨스와 간단한 아리아로 넘어갈 수 있습니다. 요점은 노래의 과학이 선택된 소수만이 접근할 수 있는 기술에 기반을 두고 있다는 것이 아닙니다. 사실, 30분 안에 올바르게 노래하는 방법을 알 수 있으며, 그 밖의 모든 것은 훈련의 문제입니다.
이런 의미에서 노래는 스포츠와 같습니다. 에 따라 타고난 능력조금 더 빠르거나 조금 느려질 것이지만 어쨌든 힘든 훈련이 필요합니다. 보컬 레슨은 몇 년 동안의 이야기입니다.
가장 일반적이고 가장 올바른 형태보컬트레이닝~ 개별 세션교사와 함께 (여기서는 앙상블과 합창단 학교에 대해 이야기하는 것이 아닙니다. 이것은 완전히 별개의 세계입니다).
선생님을 찾는 것은 매우 어렵고 추천조차도 아무것도 보장하지 않습니다. 함께 많은 시간을 보내야하기 때문에 순전히 인간 수준에서 어울리는 것도 중요합니다. 보컬의 종류보다 가르치는 스타일이 훨씬 더 많습니다. 각 교사는 자신만의 스타일을 가지고 있다고 말할 수 있습니다.
오래된 것도 있어요 학술 학교, 전직 로커 등이 있습니다. 물론, 그들을 하나로 묶는 한 가지는 노래를 부르지 않는 교사가 없다는 것입니다.
과거 및/또는 진짜 성공무대 위의 보컬리스트가 노래를 잘 가르친다는 보장은 없습니다.
교사의 노래 품질은 교육 품질에 직접적인 영향을 미치지 않습니다. 또한 모든 사람의 발성 장치가 다르기 때문에 "내가하는대로 수행"원칙이 여기서 작동하지 않습니다 (일부는 목이 더 길고 일부는 더 짧음).
클래식 성악이나 학술성악이 무엇인지 알아봅시다. 이 개념은 주로 다음 두 가지와 연관되어 있습니다.
- 특별한 스타일의 연주 및 사운드(클래식 오페라 노래)
- 레퍼토리( 오페라 아리아, 로맨스, 뮤지컬 및 오페레타의 숫자, 실내악 보컬 작품).
수업을 듣고 학문적으로 노래하는 법을 배우고 싶다면 계속해서 자세한 내용을 읽어보세요.
아카데믹 보컬에서 어떻게 그런 소리를 얻을 수 있나요?
어떤 방향으로든 목소리를 연출하는 것은 주로 호흡을 기반으로 합니다. 아카데믹 보컬에서는 호흡이 특별한 의미, 왜냐하면 사운드 파워 인 클래식 노래일부 연주자의 경우 다른 유형의 성악보다 몇 배 더 높을 수 있습니다. 적절한 호흡이 없으면 이를 달성하는 것이 불가능합니다.
올바른 노래 호흡이란?
이것은 완전한 흡입과 긴 호기입니다. “배로 올바르게 호흡하라”라는 표현을 자주 들을 수 있습니다. 즉, 숨을 들이마시면 배가 부풀어 오르고 갈비뼈가 날개처럼 벌어집니다. 숨을 내쉴 때 "모든 것"이 수축됩니다. 이 경우 "스푼 아래에서" 다이어프램에 압력이 생성되고 아래쪽 프레스가 다이어프램을 아래에서 위로 올려 임피던스가 생성됩니다. 다이어프램을 아래로 유지하면 공기 기둥이 길어져 목소리의 볼륨이 커집니다.
지금 당장 시도해 봅시다. 몸 안의 모든 공기를 내쉬는 동시에 배를 수축(당겨)한 다음, 배를 부풀리면서 심호흡을 하세요. 일어난? 그렇지 않다면 바닥에 등을 대고 누워 배 위에 손을 올려보세요. 이제 몇 차례 숨을 들이쉬고 내쉬면서 가슴이 아닌 배만 움직이는지 확인하십시오.
따라서 클래식 보컬에 필요한 올바른 호흡은 다음과 같습니다.
- 상당히 깊음(구문이 끝날 때까지 충분한 호흡이 있어야 함)
- 흡입은 위와 갈비뼈를 통해 이루어집니다.
- 흡입은 대개 코를 통해 이루어집니다.
- 흡입은 가볍고 조용해야 합니다.
이제 호기에 대해 이야기합시다.
날숨은 길고 균일해야 하며 고르지 못한 부분으로 터져나오면 안 됩니다. 단련되어야하는 하복부의 근육은 호기의 부드러움을 담당합니다. 따라서 클래식 노래 중에 하단 프레스가 매우 활발하게 작동합니다. 이 경우 사운드가 더 안정적이며 이러한 노래를 "지원 노래"라고 합니다.
클래식 사운드는 어떻게 작동하나요?
모든 가수는 입으로만 노래하는 것이 아닙니다. 노래하려면 온 몸을 써야 해요. 클래식 보컬은 우선 볼륨감 있고 풍부하며 강한 사운드입니다. 이를 위해서는 우선 노래하는 돔 또는 YAWN이 필요합니다. 이것은 하품 상태에 있을 때 후두의 위치입니다(기술적으로 우리는 연구개를 올리지만 하품은 하지 않습니다). 소리는 더욱 클래식해지고 고귀한 소리를 얻게 됩니다.
오페라 가수들이 입을 아주 크게 벌린다는 것을 아마도 눈치채셨을 것입니다. 사운드가 출력되기 위해서는 이것이 필요합니다. 그러나 입을 크게 벌린다고 해서 항상 완전한 소리가 나오는 것은 아닙니다. 특정 가수에게 필요한 만큼 입이 자연스럽게 벌어져야 한다.
공진기는 또 다른 매우 중요한 포인트입니다. 우선, 헤드 공명기(고음용)와 흉부 공진기(저음 연주용)에 대해 이야기하고 있습니다. 공진기가 잘 설계되어 있으면 입을 크게 벌릴 필요가 전혀 없습니다. 본체 자체에서 소리가납니다.
이런 식으로 우리는 한편으로는 다음이 있다고 말할 수 있습니다. 다른 종류노래 기술, 반면에 보컬 장치의 구조가 다를 수 있으므로 입을 여는 사람도 있고 입을 열지 않는 사람도 있지만 가장 중요한 것은 가수가하는 것입니다. 턱을 조이지 마세요.
명확한 표현과 정확한 표현도 매우 중요합니다. 이는 첫째로 작품의 텍스트를 이해하는 데 필요하고, 두 번째로 적극적인 표현이 올바른 사운드 생성에 기여합니다. 좋은 발음은 올바른 억양에도 도움이 됩니다. 정말 편안한 입술로 노래를 불러보세요! 느린 발음으로 멜로디를 정확하게 전달하는 것은 어렵습니다.
매우 중 하나 중요한 점클래식 노래에서 당신의 목소리가 어떤 것인지를 결정하는 것입니다. 클래식 보컬 목소리에서 특정한 방식으로분류됨.
학술 가수의 음역 분류
분류 여성의 목소리높이가 가장 높은 것부터 가장 낮은 것까지:
- 콜로라투라 소프라노
- 리릭콜로라투라 소프라노
- 리릭 소프라노
- 서정적이고 극적인 소프라노
- 드라마틱 소프라노
- 콜로라투라 메조소프라노
- 메조소프라노
- 콘트랄토
가장 높은 것부터 가장 낮은 것까지 피치별로 남성 목소리 분류:
- 카운터테너
- 테너-알티노
- 가사 테너
- 서정적이고 극적인 테너
- 메조 특유의 테너
- 드라마틱 테너
- 가사 바리톤
- 서정적이고 극적인 바리톤
- 극적인 바리톤
- 베이스 칸탄토
- 센터베이스
- 베이스 프로펀도
클래식 보컬에서는 자연스러운 성향, 즉 어떤 목소리로 들리느냐가 매우 중요합니다. 특정 목소리에 대한 귀속은 다음 두 가지 요소에 의해 결정됩니다.
첫 번째는 음성의 잠재적 범위입니다. 잠재력은 무슨 뜻인가요? 학생이 공부를 시작하면 초기 (초기) 범위, 즉 자신이 속한 노트가 있습니다. 이 순간"얻을" 수 있음 - 여기서 우리는 범위의 극단적인 음표를 이해하는 방법에 대해 이야기하고 있습니다. 이것은 학생이 지금 어느 정도 자유롭게 연주하는 음표입니다. 그러나 그가 자신의 음역을 확장하기 위한 특별한 연습을 노래하기 시작하면, 그는 더 높은(낮은) 음표에서 더 자신감을 느끼기 시작합니다. 즉, 훈련 초기에 학생은 항상 음역을 발전시킬 수 있는 잠재력을 가지고 있습니다.
둘째, 목소리의 채색입니다. 소리를 들을 수 있는 일반적인 범위가 있습니다. 다른 목소리: 여성 목소리의 경우 첫 번째 옥타브, 남성 목소리의 경우 마이너 옥타브입니다. 그러나 작은 옥타브 내의 남성 테너 목소리는 예를 들어 바리톤과 완전히 다르게 들립니다. 여성의 목소리도 마찬가지다. 실제로 목소리의 색깔은 음색으로 목소리의 유형(소프라노, 테너, 베이스 등)을 나타냅니다. 하지만 음색(음색)은 즉시 드러나는 것이 아니라 오랜 레슨 후에 드러납니다. 그 목소리.
클래식 학술 보컬에는 각 음성 유형에 대해 귀하의 목소리에 해당하는 특별한 기술과 귀하가 만들 수 있는 사운드 생성 유형이 있습니다. 예를 들어 다음과 같습니다. 가사 소프라노, 진정으로 진정한 클래식 사운드, 울림, 중얼거림, 끝없이 아름다운 목소리입니다.
학업 보컬 교사가 학생을 위해 설정하는 주요 작업을 나열해 보겠습니다.
- 목소리의 범위를 확장합니다. 믿어진다 오페라 가수그가 작업하는 보컬 범위의 극한 음표가 그의 능력의 한계가 되지 않도록 2옥타브 + 작은 여백의 작업 범위를 가져야 합니다. 총 2.5옥타브. 비교하려고, 일반인전문적으로 보컬 연습을 하지 않는 의 보컬 음역은 1~1.5옥타브입니다.
- 레지스터 정렬(즉, 레지스터 간 전환 - 각 사람은 하나 이상의 레지스터를 갖고, 여성은 3개, 남성은 2개를 가짐) 2~3개의 음역에서 소리를 낼 수 있는 것도 매우 중요하며, 음역간 전환음을 연주할 수 있는 것도 중요합니다. 음역이 전환되는 음표에서 이 음표도 정확하고 아름답고 매끄럽게 들려야 합니다(거짓 소리가 나는 경우도 있습니다).
- 음악적 기억력과 청력을 향상시킵니다.
- 공명기를 사용하여 클래식 사운드 제작 마스터하기
일반적으로 클래식 보컬에 대해 쓰여졌습니다. 엄청난 양기사와 매뉴얼. 그 광대함을 포용하는 것은 불가능하기 때문에 우리는 가장 중요한 몇 가지 사항에 중점을 두었습니다.
그런데 클래식 가수처럼 노래하고 싶다면,