예술의 기호와 상징. 기호 및 기호 원시 시대부터 다양한 유형의 이미지(조각, 회화, 그래픽)가 상징적이었습니다. 조각과 회화의 상징주의

기호 및 기호 원시 시대부터 다양한 유형의 이미지(조각, 그림, 그래픽)는 고대 사람들이 의식을 수행하고 정보를 보존 및 전달하기 위해 사용했던 기호 및 상징 코드였습니다. 중요한 소리, 몸짓, 사물, 사건은 기호 또는 상징이 될 수 있습니다.

기호 및 기호 기호는 일반적으로 물체, 현상 및 동작에 대해 허용되는 기호입니다. 표지판의 예로는 지도상의 도로 표지판 또는 기호, SOS 또는 구급차 사이렌, 다양한 제스처 등이 있습니다.

기호 및 기호 기호는 숫자, 속성, 형식으로 표시될 수 있습니다. 예를 들어, 숫자 7은 완벽함과 완전함의 상징입니다(달의 각 단계에서 7일, 무지개의 7색, 7개의 음표, 일주일의 7일, 7개의 미덕, 7개의 대죄, 7개의 성사 Hieronymus Bosch( c) 일곱 가지 대죄

기호 및 기호 예술은 기호의 언어로 사람들에게 말합니다. 예술의 상징은 아이디어를 구현하는 예술적 이미지입니다. 수수께끼와 같은 기호는 다중 값이며 모든 사람이 같은 방식으로 이해하는 기호와 달리 그 의미는 무한정 드러날 수 있습니다. 상징에 대한 이해의 깊이는 사람의 학식과 직관에 따라 해석하는 능력에 달려 있습니다. 히에로니무스 보쉬(정보) Triptych The Garden of Earthly Delights.

S. Botticelli "The Annunciation"의 기호와 상징 사람들이 특히 예술의 상징으로 자주 바뀌는 시대가 역사에있었습니다. 중세 시대에는 신에 대한 인간의 열망이 특히 중요했습니다. 따라서 사람을 둘러싼 사물은 성경의 의미와 연결되는 정도까지만 작가의 관심을 끌었습니다. 많은 중세 그림은 컵, 포도(포도주), 빵을 성찬식의 상징으로 묘사합니다. 백합 또는 홍채 꽃은 성모님의 상징입니다.

기호 및 기호 색상 선택, 색상도 상징적입니다. 적갈색은 지상의 모든 것 (점토, 지구)의 상징이었습니다. 흘린 희생의 붉은 색, 믿음의 불; 파란색 또는 파란색은 하늘의 모든 것, 거룩한 것을 상징합니다. 녹색은 희망의 색, 삶의 색, 위로의 상징, 새 생명으로의 재탄생입니다. 삼위 일체. 안드레이 루블료프.

기호 및 기호 15세기부터. 그림에 묘사된 사물들은 종교적 의미와 일상적 의미를 동시에 부여받는다. 종교에서는 중세의 전통적인 신성한 상징주의가 계속됩니다. 일상 생활에서 사람의 일상 생활에서 사물의 일반적인 의미가 나타납니다.

주세페 레키. 오감이 있는 정물. 정물화의 거장 주세페 레키(Giuseppe Recchi)는 진정한 간결함의 추종자로서 이 문제를 한 장의 그림으로 해결했습니다. 작은 탁자 위에 그는 사람의 오감을 의인화하는 몇 가지 물건을 배치했습니다. 류트-청력, 메모가있는 노트북-시각, 이지 접시-미각, 망원경 및 안경-시각을 상기시키는 또 다른 알림, 꽃- 냄새가 나다. 터치의 의인화를 위해 작은 상자가 남았습니다. 나폴리의 미술에서는 인간의 오감(청각, 시각, 미각, 후각, 촉각)을 주제로 한 그림이 그 자리를 차지했습니다. 같은 주제에 대한 José de Ribera의 유명한 그림. Ribera의 촉각은 시각 장애인 조각가, 냄새-마늘을 든 농부, 청각-탬버린을 든 쾌활한 소녀에 의해 의인화되었습니다. 각 감정에 대해 별도의 그림이 있습니다.

Y. 반 스트렉. 허영심의 허영심 XVII 세기의 많은 작품. 본질적으로 상징적이며 와인, 빵, 생선, 시든 꽃, 시계 등이 담긴 안경과 같은 물건에 의해 종종 전달됩니다. 때로는 하나의 구성으로 비정상적으로 결합 된 평범한 물건이 해독하기 어려운 비 유적 코드입니다. 이것은 특히 17 세기에 널리 퍼진 경우에 해당됩니다. 바니타스(vanitas vanitas vanity of vanities)라고 불리는 정물은 사람에게 자신의 존재의 연약함을 상기시킵니다.

두개골은 죽음의 불가피성을 일깨워줍니다. 두개골은 죽음의 불가피성을 일깨워줍니다. 비누방울은 삶의 덧없음과 죽음의 갑작스러움을 의미합니다. 호모 불라 "인간은 비누방울이다"라는 표현에 대한 언급. 비누방울은 삶의 덧없음과 죽음의 갑작스러움을 의미합니다. 호모 불라 "인간은 비누방울이다"라는 표현에 대한 언급. 컵, 카드 놀이 또는 주사위, 체스 (드물게)는 잘못된 삶의 목표, 쾌락 추구 및 죄 많은 삶의 신호입니다. 컵, 카드 놀이 또는 주사위, 체스 (드물게)는 잘못된 삶의 목표, 쾌락 추구 및 죄 많은 삶의 신호입니다. 모래시계와 기계식 시계의 일시적인 시간. 모래시계와 기계식 시계의 일시적인 시간. 악기, 노트 간결함과 삶의 덧없는 본질, 예술의 상징. 악기, 노트 간결함과 삶의 덧없는 본질, 예술의 상징. 무기와 갑옷은 힘과 힘의 상징이며 무덤까지 가져갈 수 없는 것을 지정합니다. 무기와 갑옷은 힘과 힘의 상징이며 무덤까지 가져갈 수 없는 것을 지정합니다. 왕관과 교황의 티아라, 홀과 권세, 나뭇잎의 화환은 하늘의 세계 질서에 반대되는 일시적인 지상 지배의 표시입니다. 왕관과 교황의 티아라, 홀과 권세, 나뭇잎의 화환은 하늘의 세계 질서에 반대되는 일시적인 지상 지배의 표시입니다.

Balthasar van der Ast "과일 바구니" 여기에서 사과가 죄에 대한 승리를 상징하고 곤충과 도마뱀이 종종 악과 관련이 있다고 가정하면이 평범한 그림에는 많은 위장된 상징이 있습니다. 결함과 웜홀, 나비, 잠자리 및 파리의 존재는 정물에 대해 매우 이례적입니다. 줄거리-바구니에서 떨어진 사과를 갉아 먹는 도마뱀은 선과 악의 투쟁 장면으로 변합니다.

Kiprensky Orest Adamovich - Ekaterina Sergeevna Avdulina의 초상화. Avdulina는 진주 목걸이를 착용하고 있습니다. 기독교 상징주의의 진주는 정신의 부와 슬픔, 슬픔을 모두 의미합니다. 그리고 Avdulina 자신이 연약한 젊은 아름다움과 영성의 구체화라면 어두운 뇌운과 황혼에서 거의 눈에 띄지 않는 도로, 부드럽게 언덕을 오르고 어려운 삶의 길을 상징하며 연약함과 무방비 상태에 대한 아이디어를 불러 일으 킵니다. 가혹한 세상에서 영적인 아름다움. 초상화를 작업하는 동안 작가는 슬픈 생각을 가졌습니다. Friedrich Schiller의 말로 간단히 표현할 수 있습니다. 손에 접히고 내려간 부채는 사라짐을 상징합니다.

건축의 상징 예를 들어 정교회의 상징주의는 매우 표현력이 뛰어납니다. 사원의 돔 수도 상징적입니다. 성전에 돔이 하나 있으면 주 예수 그리스도에게 바쳐진 것입니다. 두 장은 우리에게 그리스도의 이중적 본성인 하나님과 사람을 상기시킵니다. 사원의 세 개의 돔은 삼위일체의 세 위격을 나타냅니다. 다섯 장은 예수 그리스도와 네 전도자를 의미합니다. 일곱 장, 일곱 성사, 일곱 에큐메니칼 공의회; 13명의 예수 그리스도와 12명의 사도.

펠트 모자를 쓴 자화상. Van Gogh Vincent .. 초상화, 풍경, 정물, Vincent van Gogh의 장르 장면 ()은 대포와 규범에 관계없이 반항적 인 외로운 영혼을 반영합니다.

W. 반 고흐. 별빛밤. 그의 작업에는 극심한 불안과 혼란이 스며든다. 작가의 복잡한 내면세계는 종종 상징을 통해 드러난다. 반 고흐는 표현력이 풍부하고 심리적으로 풍부한 색상을 통해 내용을 반영하고자 했습니다.

회화의 상징. "나는 인간의 끔찍한 열정을 빨강과 초록으로 표현하려고 노력했습니다."라고 작가는 말했습니다. 작은 점선으로 덧칠하는 명인의 기법과 물결치는 움직임의 리듬 덕분에 감정의 강렬함은 몇 배로 증폭되었다. W. 반 고흐. Oleander W. Van Gogh가 있는 정물화. 오베르의 교회

회화의 상징. P. 피카소. 악기. P. 피카소. 바이올린. 그의 작품과 Pablo Picasso ()에서 상징주의를 사용했습니다. 그의 정물화의 주제는 종종 악기였습니다. 아마도 이것은 그들의 형태의 세련됨 때문일 수도 있고, 아마도 회화와 음악을 종합하려는 욕구 때문일 것이다.

N. Paganini의 "Perpetual Motion" 음악의 상징 N. Paganini, F. Mendelssohn, N. Rimsky-Korsakov 등 다양한 작곡가의 기악곡 "Perpetual Motion"("Perpetual Motion")은 "영원한 움직임"의 이미지 음악 예술은 소리의 언어로 우리에게 말하며 비밀로 가득 차 있습니다. 놀라운 다양성과 깊이, 기호와 상징 체계의 도움으로 음악은 인간 감정의 가장 풍부한 세계를 표현합니다. 높이, 지속 시간, 음색, 크기 등의 모든 측면을 고려하면 하나의 소리도 기호 억양입니다. 소심함이나 자신감, 제약이나 자유, 부드러움이나 무례함을 나타낼 수 있습니다.

L. Beethoven의 교향곡 5번 L. Beethoven의 교향곡 5번. 상징이 되는 음악적 기호는 L. Beethoven 교향곡 5번 전체가 성장하는 곡물 음조인 운명의 동기라고 할 수 있습니다. 그리고 음악 예술에는 그러한 예가 많이 있습니다. L. Beethoven의 Symphony No. 5 국가 국가는 국민의 단결, 문화, 조국에 대한 자부심을 구현하는 음악적 상징입니다.

숙제 기호와 상징의 언어로 인생의 모든 사건, 기억에 남은 사건에 대해 이야기하는 음악, 시 또는 시각 예술 작품을 선택하십시오. 당신의 삶의 모든 사건, 당신의 기억에 흔적을 남긴 것에 대해 기호와 상징의 언어로 알려주는 뮤지컬, 시적 또는 미술 작품을 선택하십시오.

사자의 이미지는 도시 환경과 인테리어 모두에서 조각 예술에서 가장 일반적입니다. 모든 예술가는 이러한 동물을 다른 방식으로 묘사하며 때로는 매우 흥미롭고 호기심 많은 표본이 있습니다. 각각 고유한 특성이 있습니다. 사자 조각은 베이징, 프레스턴, 파리, 오데사, 독일의 많은 도시, 상트 페테르부르크, 모스크바, 사라 토프, 리버풀, 런던, 알 루프카, 라스 베이거스, 비엔나, 그리스 및 기타 국가의 도시에서 볼 수 있습니다. 이 당당한 동물의 조각품이 왜 그렇게 흔한가요? 그들 중 가장 유명한 것은 무엇입니까? 이것은 기사에서 논의 될 것입니다.

왜 사자?

인간에게 경외심과 두려움, 존경과 위대함을 불어넣은 것은 사자였습니다. 그의 당당한 외모와 태도 때문에 백수의 왕이라 불린다. 우리의 환상에서 우리는 이 동물이 푹신한 갈기를 가진 강하고 젊고 한창일 때를 상상합니다.

고대부터 건축에는 크고 작은 수많은 형태가 사용되었으며 그중 가장 일반적인 것 중 하나는 사자 조각입니다. 왜 이 특별한 동물인가?

첫째, 사자는 권력, 왕국을 상징하는 이미지이다. 사람들은 항상 이러한 자질에 무관심했습니다. 사자 조각은 부의 상징입니다.

권력과 관련이 있거나 관련이 있었던 모든 고위 시민들의 집은 이 동물들로 장식되었습니다.

둘째, 거대하고 강력하지만 동시에 근육이 많고 큰 힘을 가진 사자의 유연한 몸은 힘과 민첩성, 적에 대처할 수있는 능력의 상징입니다.

왕실 동물의 행동에서 충성도, 용기, 두려움과 같은 인간 사회에서 높은 가치를 지닌 그러한 특성이 발견되었습니다. "싸우다 사자처럼"이라는 표현이있는 것은 당연합니다. 그렇기 때문에 동물은 조각 및 건축 예술에서 불멸과 같은 영예를 얻었습니다.

조각에서 사자 이미지 사용의 역사

고대부터 이 동물들은 조각품으로 불멸화되었습니다. 각 클랜에는 자체 토템 포유류가 있었지만 사자가 가장 흔했습니다. 모든 민족 중에서 이 동물은 긍정적인 상징을 가지고 있었습니다. 사자 조각은 고대 아시리아, 이집트, 바빌론, 인도에서 흔히 볼 수 있습니다. 이 동물의 모습은 키메라, 그리핀, 스핑크스와 같은 많은 신화적인 인물에서 볼 수 있습니다.

세계 종교에서 사자는 거룩함의 후광으로 둘러싸여 있습니다.

• 불교에서는 사람들 사이에서 사자라고 불리는 부처였으며 용기, 질서 보호, 지혜, 믿음을 상징했습니다.
• 이슬람에서 무함마드의 사위는 알라의 사자라고 불렸고 그는 악의 파괴와 선의 보호의 상징입니다.
• 힌두교에서 비슈누는 반인반사자로 변했다.
• 기독교에서는 많은 성도들이 사자에게 먹히도록 던져졌지만 동물에게 손을 대지는 않았습니다.

중세 시대에 동물은 눈을 뜨고 잠을 잘 수있는 능력을 부여 받았기 때문에 경계하는 경비원을 의인화했습니다. B는 천체 인 태양을 상징하는 공을 가지고 노는 모습을 묘사했습니다. 르네상스 시대에 사자는 자부심과 용기의 상징이 되었습니다. 그 때부터 이 동물에 대한 집단 숭배와 조각 예술에서의 이미지 사용이 시작되었습니다.

사자 조각

조각 사자는 주로 도시에서 발견됩니다. 예술은 주로 대규모 정착지에서 태어 났기 때문에 이해할 수 있습니다.

초기 기독교 조각 예술에서 사자는 Jerome과 Mark의 상징이었고 조금 후에는 예수 그리스도 자신의 상징이었습니다. 시간이 지남에 따라 이 동물들은 많은 주와 공국의 엠블럼의 필수적인 장식이 되었습니다. 그들의 동상은 궁전과 사원을 장식하기 시작했습니다. 예를 들어 St. Mark는 베니스의 Doge 's Palace 정문에 서 있습니다.

죽어가는 사자

전 세계적으로 매우 유명한 사자 조각상은 루체른의 죽어가는 사자 기념비입니다. 그것은 유럽 역사의 슬픈 에피소드에 전념합니다. 세계적으로 유명한 예술가이자 조각가인 Thorvaldsen이 디자인했습니다.

이 조각품은 튈르리 궁전을 포위한 화난 폭도들의 희생양이 된 660명의 스위스 근위대에게 헌정되었습니다. 경비병의 분리는 마지막 프랑스 왕 루이의 궁전 경비대였습니다.

많은 사람들이 궁전에 침입했을 때 왕은 "아무도 사람을 쏘지 마십시오. "라고 명령했습니다. 그는 그의 사람들을 쏘고 싶지 않았습니다. 하지만 시민들은 이런 행동을 달갑게 여기지 않았다. 군주가 죽었고 그의 충실한 호위병들도 그와 함께 죽었습니다. 그들의 위업과 자기 희생을 기리기 위해 조각품 "The Dying Lion"이 조각되었습니다.

천상의 부처 사자

전통에 따르면 중국 사자는 종종 "한국" 또는 "푸 개"라고 불립니다. 불교에서는 신성한 동물이다. 그는 항상 부처에게 꽃다발을 바치는 것으로 묘사됩니다. 사자 위에 앉아 있는 신들의 이미지가 있습니다. 왕의 동물은 에너지, 용맹, 지혜의 이미지입니다.

개 푸(Fu)는 부처 앞에서 발에 창을 들고 그의 보호자로 묘사됩니다. 다양한 모양, 크기, 색상이 있으며 다양한 재료로 만들어집니다. 때때로 그들은 악마로부터 부처를 보호하기 위해 어떤 길이든 갈 준비가 된 사나운 얼굴로 묘사됩니다.

Fu dog는 종종 고대 의류에 수를 놓았습니다. 중국인들은 동물의 발에 우유가 있다고 믿으며 공놀이를 아주 좋아합니다. 숲에 온 고대인들은 항상 그들을 위해 공을 남겼습니다.

Fu 개는 오늘날 중국에서 매우 인기가 있습니다. 그녀의 이미지는 도난으로부터 보호하고 부정적인 에너지를 제거한다고 믿어집니다. 객실 정문 앞에 있습니다.

일반적으로 중국 사자는 그 나라의 문화에 특유하지 않습니다. 별도의 사본이 선물로 황제에게 전달되었습니다. 사자는 초기 중국 예술에는 나타나지 않으며 불교의 출현과 함께 널리 퍼졌습니다. 사자 조각이 사원 입구를 장식하기 시작했습니다. 모든 중국 동상은 한 발을 들고 앉아있는 동물을 묘사합니다.

상트페테르부르크의 라이온스

대리석 사자는 세계의 많은 도시를 장식하지만 상트 페테르부르크에서는 사자, 스핑크스 및 그리핀이 공원, 정원, 제방, 광장 및 집 정면을 훌륭하게 장식합니다. 그래서 러시아 북부 수도의 동물의 돌 왕 :

• 궁전 부두의 사자.경비 동물은 Neva의 도시에서 가장 인기가 있습니다. 1832년 니콜라이 1세 황제의 명령으로 설치되었습니다. 그들은 Admiralteyskaya 제방의 부두를 지키는 한 쌍의 쌍둥이 사자입니다.
• 그리보예도프 운하의 라이온스. 1825년에 문을 열었습니다. 그 이후로 동물의 2m 주철 조각상은 현지인과 도시 방문객에게 감탄했습니다. 다리의 수호 사자는 매달린 밧줄을 입에 물고 발은 받침대에 파고 들며 등은 긴장되어 수세기 동안이 짐을 운반하는 것이 얼마나 어려운지 분명히 보여줍니다.
• 러시아 박물관의 사자.공원으로 이어지는 계단에 설치된 두 쌍둥이 형제입니다. 주철로 주조하고 포즈를 취하고 공을 화강암으로 누르십시오.
• 사자가 있는 집. 전쟁부에 이관된 호화 저택입니다. 강력한 대리석 사자가 지키고 있습니다.
• Yelagin 궁전 계단에서 사자.상트페테르부르크 최초의 주철 동물.
• 사자상트 페테르부르크에서 가장 많은 조각 사자 가족이이 제방에 있습니다. 저자의 이름은 알려지지 않았으며 대략적인 등장 시간 만 알려져 있습니다. 대략 1790 년대입니다. 이들은 이빨에 주철 사슬을 쥐고 있는 매우 만족스러운 동물입니다.
• Petrovskaya 제방에 중국 사자. 독특하고 신화적인 동물은 Shih Tza 사자입니다. 키는 약 4.5m, 무게는 2.5m입니다.
• Laval의 집에 있는 화강암 사자.저택 벽 근처에 조각품이 등장한 정확한 시간은 알 수 없습니다.
• 파블로프스크 궁전의 사자상.사자 철학자를 연상시키는 잠겨 있고 슬픈 총구를 가진 그들은 궁전 별채에 설치됩니다.

결론

사자는 권력, 권세, 귀족, 왕족의 상징이라고 합니다. 이집트 신화에서 그는 신성한 힘의 상징입니다. 아시리아인과 그리스인 사이에서 이 동물들은 여신의 동반자였습니다. 사자 조각은 고대에 만들어졌으며 오늘날까지 이 우아한 동물을 영속시키고 있습니다.

요즘 예술은 다시 힘을 얻고 있으며 고대에 소중했던 모든 것이 지금은 더욱 대중화되고 있습니다.

플라스틱의 발전은 고딕 건축과 불가분의 관계가 있습니다. 조각은 당시 미술 분야에서 1 위를 차지했습니다. 그것은 고딕 건축의 감성과 스펙터클을 향상시켰고, 당시의 종교적 관념뿐만 아니라 인간과 자신이 순진하게 신격화한 자연의 관능적이고 시적이고 그림 같은 구현에 대한 열망을 가장 분명하게 나타냈습니다. 고딕 성당은 특히 화려하게 장식되어 Victor Hugo가 비 유적으로 거대한 책과 비교했습니다. 외부 및 내부 장식 장식의 주요 장소는 동상과 구호에 속했습니다. 조각 장식의 구성 및 이데올로기 디자인은 신학자들이 개발한 프로그램에 종속되었습니다.

예언자 예레미야

선지자 다니엘

예언자의 우물

Claus Sluter, 예언자의 우물, 1395-1406, 프랑스 디종, 샹몰 수도원

이전과 마찬가지로 우주의 이미지를 구현하는 성전에서 숭고하고 저급한 측면과 삶의 복잡성을 지닌 인류의 종교 역사는 이제 눈에 보이는 감각적 형태로 가장 확장되었습니다. 대성당의 작업장에서 수천 개의 조각상과 부조가 만들어졌습니다. 여러 세대의 예술가와 견습생이 종종 창작에 참여했습니다. 포털은 조각 구성의 초점이 되었으며, 마치 방문자를 만나는 것처럼 사도, 선지자, 성인의 대형 조각상이 줄지어 배열되었습니다. Tympanums, 포털 아치, 그들 사이의 틈, 상위 계층의 갤러리, 포탑의 틈새, wimpergi는 높은 부조, 장식 부조 및 동상으로 장식되었습니다. 많은 작은 그림과 별도의 장면이 수랑, 콘솔, 주각, 받침대, 부벽 및 지붕에 배치되었습니다. 수도와 처마 장식은 새, 잎, 꽃, 다양한 과일의 이미지로 가득 차 있었고 처마 장식의 선반, 포탑의 갈비뼈, 날아 다니는 부벽, 반쯤 열린 돌 잎 (게)이 첨탑을 따라 정확히 달렸습니다. 첨탑은 꽃 (십자화과)으로 장식되었습니다. 이 모든 장식용 모티프는 말하자면 자연의 생명을 건축 양식에 불어넣었습니다. 이러한 풍부한 꽃 장식은 다른 건축 양식에서는 볼 수 없습니다.

고딕 조각은 대성당 건축의 유기적 부분입니다. 그것은 건축 설계에 포함되며 건물의 기능적 요소의 일부입니다. 랭스 대성당에서는 외모까지 결정짓는다. 건축과 조각 및 회화의 상호 작용은 고딕 양식이 동시대인들을 풍요롭게 했던 독특하고 다양한 인상을 불러일으켰습니다. 동상은 지지대와 함께 벽과 가장 가까운 연결을 유지합니다. 길쭉한 비율의 인물은 전체의 역동적인 리듬에 따라 건축의 수직적 분할을 반영하여 단일 건축 및 조각 앙상블을 형성합니다. 그들의 치수는 건축 양식과 정확히 비례했으며 종교적 대포가 설정한 위치에 따라 달라졌습니다. 고딕 건축에서는 조각의 건축에 ​​대한 종속 정도가 높아졌을 뿐만 아니라 조각의 독자적 의미도 높아졌다. 고딕은 로마네스크 조각가들이 시작한 일반적인 장식 장식에서 인간 이미지의 분리를 계속했습니다. 예술적 형태의 해석이 더 자유로워졌고 조각상 원형 가소성의 역할이 주변 공간 및 가벼운 공기 환경과의 상호 작용이 증가했습니다. 동상은 종종 벽에서 분리되어 별도의 받침대에 틈새에 놓였습니다. 가벼운 굴곡, 몸통의 회전 및 몸의 무게를 한쪽 다리로 옮기는 것, 특징적인 생생한 포즈와 제스처는 인물에게 대성당의 수직 건축 리듬을 다소 깨뜨리는 역 동성을 부여합니다.

산타 레파라타
피렌체 두오모 박물관

산타 대성당 종탑
마리아 델 피오레, 1337–1343

희망, 1330
세례당, 피렌체

조각가이자 건축가인 안드레아 피사노, 피렌체 세례당의 문, 피렌체 대성당의 부조와 조각상

인체의 가소성과 유연성, 공간 환경에서의 삶을 강조한 옷의 휘장은 조각상에 큰 정서적 표현력을 부여했습니다. 주름은 자연스러운 무게를 얻었습니다. 깊이 가라 앉으면서 그들은 때때로 기둥의 피리에 비유되는 빛과 그림자의 풍부한 놀이를 일으켰고 긴장된 날카로운 틈을 형성 한 다음 가벼운 흐름으로 흘렀다가 마치 인간의 경험을 반영하는 것처럼 폭풍우가 치는 자유 폭포에 떨어졌습니다. 종종 얇은 옷을 통해 몸이 보였고 그 아름다움은 당시 시인과 조각가 모두에게 인식되고 느껴지기 시작했습니다. 얼굴의 조형적이고 영적인 표현력에 관심이 집중되었습니다. 인성과 온유함이 성도의 성품에 나타났습니다. 그들의 이미지는 다양하고 날카롭게 개별적이고 구체적이되었으며 숭고함이 일상 생활과 결합되었습니다. 인간의 얼굴은 표정, 생각 또는 경험으로 생기를 불어넣었습니다. 주변 사람들과 서로에게 말하면서 영적 친밀감으로 가득 찬 성도들은 그들 사이에서 진심으로 이야기하는 것 같았습니다. 고딕 예술가는 미묘한 영적 움직임, 기쁨과 불안, 연민, 분노, 열정적 인 흥분, 나른한 명상을 전달했습니다.

구성이 다양한 음모와 극적인 행동으로 통합 된 조각 그룹이 나타납니다. 거룩한 여인들은 구세주의 무덤 앞에서 울고, 천사들은 기뻐하고, 최후의 만찬에서 사도들은 걱정하고, 죄인들은 지옥에서 괴로워합니다. 그리스인의 플라스틱 정복 (얼굴의 프로필 이미지와 그림의 3/4 회전)을 되살리면 고딕 마스터는 자신의 길을갑니다. 주변 세계에 대한 그들의 태도는 더 개인적이고 감정적입니다. 이미지의 감각적 진정성을 높이고자 하는 욕구는 단일, 사적, 개인, 초상, 심지어 비범하고 무작위적인 것에 대한 예리한 관찰과 열렬한 관심으로 드러났습니다. 중세의 거장에게 아름답고 추한 인간의 얼굴은 우주의 영원한 아름다움과 지혜를 반영한 ​​것이었다. 따라서 플라스틱을 풍부하게 만든 특징적인 생활 세부 사항에 대한 관심이 있습니다. 조각의 전성기는 12세기와 13세기로 접어들면서 프랑스에서 민족 각성 과정이 진행되던 시기에 시작되었습니다. 명확한 형태의 단순함과 우아함, 윤곽의 부드러움과 순수함, 비율의 명확성, 절제된 몸짓은 도덕적 힘과 영적 완전함의 표현으로 프랑스 조각에서 사용되었습니다.

고딕 조각의 가장 높은 업적은 샤르트르, 랭스 및 아미앵 대성당의 건설과 관련이 있으며, 높은 미학적 파토스로 구별되는 최대 2천 개의 조각 작품에 번호가 매겨져 있습니다. 여기에서 조각 장식의 고전적 기법이 개발되었고 건축의 후원 아래 모든 예술의 종합이 개발되었습니다. Chartres 마스터는 밝은 개성과 영성 측면에서 뛰어난 여러 이미지를 만들었습니다. 예를 들어 서부 포털의 현명한 구약 성서 "왕"은 얼굴이나 내부 긴장. 남쪽 포털의 성 테오도르 동상은 성숙한 장인 정신으로 구별됩니다. 청년의 신뢰하는 열린 얼굴, 집중하고 약간 슬프고 동시에 흔들리지 않는 용기를 가진 기독교 기사의 이상적인 순수한 이미지를 구현합니다. 관점을 바꾸면 시청자는 전사 캐릭터의 다양한 측면을 발견하게 됩니다. 내면 세계의 복잡성과 다재다능함에서 뛰어난 것은 샤르트르의 주교인 Rainier de Mouson(샤르트르 근처 조소팟 수도원의 묘비)의 초상화 머리로, 지성, 사고력, 긴장된 긴장이 특징인 얼굴을 가지고 있습니다.

한스 멀처
성삼위일체, 1430,
독일 울름 대성당

미셸 콜롱
Margrita de Foy의 묘비,
1502년, 프랑스 낭트 대성당

미셸 콜롬, 세인트
용을 죽이는 조지
Gaillon 성, 프랑스

샤르트르 대성당의 남쪽 입구에 있는 마틴, 그레고리, 제롬의 성도 동상에서 인체 구조를 개선하는 데 결정적인 조치를 취했습니다. 건축에 필요한 정면 위치를 유지하면서 주인은 머리를 약간 돌리고 절제된 몸짓과 같이 거의 눈에 띄지 않는 움직임으로 성도의 모습을 되살 렸습니다. 각 이미지는 해당 상태를 가진 특정 캐릭터입니다. Martin은 화를 내고 횡포하고 George는 따뜻한 마음을 갖고 조용한 Jerome은 사려 깊습니다. 동시에 세 인물 모두 도덕적 힘, 영적 고귀함이라는 단일 감각으로 통합됩니다. 이 시대의 사람들은 높지만 추상적 인 명예, 충성, 관대함 개념으로 생각과 행동에 일관성이있었습니다. 미래에 프랑스 조각은 인물, 회전, 몸짓, 움직임의 무대에서 더 큰 자유의 길을 따랐고 독특하고 다양해졌습니다. 랭스 조각상 중 두 명의 여성인 메리와 엘리자베스의 강력한 인물은 조형적 표현의 특별한 힘으로 표시됩니다. 그들 각각은 독립적인 소성 값을 가지고 있습니다. 동시에 그들은 조용한 대화와 경험으로 내부적으로 통합됩니다. 그리스도의 탄생을 기다리는 어린 마리아는 새 생명이 깨어나는 소리를 듣고 있는 것 같습니다. 그녀의 머리는 가장 소성적으로 복잡합니다. 곱슬 머리에서 떨어지는 베일은 얼굴을 가리거나 드러내며 다른 관점에서 특징을 통해 미끄러지는 분위기의 미묘한 음영을 포착할 수 있게 합니다. 영적 흥분은 고전적으로 아름다운 특징뿐만 아니라 몸의 움직임, 옷 휘장의 떨리는 진동, 유연하고 물결 모양의 윤곽선으로 표현됩니다. 그녀의 영적 고양과 장엄한 은총을 지닌 마리아는 연로하고 엄격하며 현명하고 위엄 있고 비극적 인 예감이 드는 엘리자베스의 이미지와 대조됩니다. Reims 마스터가 만든 이미지는 도덕적 힘, 영적 충동의 높이, 동시에 신체적 활력, 단순함 및 성격, 고대 이상에 가까운 여성 아름다움의 매력으로 매료됩니다. 섬세한 프랑스식 특징을 지닌 사려 깊은 안나, 변덕스러운 성 요셉(그룹 "The Presentation", 1240년대)은 반짝이는 갈릭 정신을 가진 우아한 세속적 인물입니다. 세부 사항은 표현력이 풍부합니다. 날카 롭고 기발한 표정, 똑똑하게 꼬인 콧수염, 거칠게 곱슬 머리, 곱슬 수염, 대담자를 향한 머리의 빠른 회전. 활기찬 빛과 그림자 모델링은 표현의 생동감을 향상시킵니다.

전통적인 이미지에 대한 해석이 바뀌고 있습니다. 고딕 양식의 거장은 그리스도의 삶의 장면을 묘사하면서 고통받는 인류에 대한 자신의 친밀함을 드러냅니다. 방랑자 그리스도 (랭스 대성당)의 이미지는 자기 몰입하고 슬퍼하며 운명과 화해했습니다. Christ Blessing (Amiens Cathedral)에서 조화로운 특징은 현명한 도덕적 아름다움과 용감한 힘의 인장으로 표시됩니다. 손의 오만한 몸짓은 시청자를 합당한 깨끗한 삶으로 정확하게 부릅니다. 사람들 사이에서는 아기를 품에 안은 마돈나의 이미지가 소녀다운 순수함과 모성애를 형상화하며 사랑받았다. 13세기 이후 포털은 종종 그녀에게 바쳐졌습니다. 그녀는 반쯤 감은 눈으로 아기에게 머리를 부드럽게 숙이고 웃고있는 유연한 모습으로 묘사됩니다. 여성스러운 매력과 부드러움이 아미앵 대성당(13세기 후반) 남쪽 정면의 "금박을 입힌 마돈나"를 표시합니다. 랭스 조각상에서 이미 볼 수 있는 넓적다리에서 발까지 이어지는 넓은 선의 물결은 여기에서 고귀한 리듬으로 가득 찬 움직임의 특징을 얻습니다. 유려한 라인은 몸통, 엉덩이, 무릎의 우아한 곡선을 돋보이게 합니다. Amiens Cathedral의 동상에서 비율이 정확하고 커튼이 자연스럽게 그림에 맞습니다. 그들은 샤르트르 거장들의 작품 표현이 특징이 아닙니다. 그들은 온혈이고 단순하며 소성적으로 더 완벽합니다. Reims 마스터는 때때로 고대 고전에 접근합니다. 스트라스부르 대성당(1230년대)의 두 여성상은 영적 순수함과 가느다란 비율의 우아함으로 매료됩니다. 그들 중 하나는 승리 한 기독교 교회를 상징하고 다른 하나는 패배 한 회당을 상징합니다. 오만한 시선과 자랑스러운 자세, 옷 주름의 부드러운 리듬이 돋보이는 교회의 이미지가 긍정적으로 주어진다. 찢어진 언약의 석판을 떨어뜨리고 눈을 가린 회당은 비극적입니다. 그녀는 천주교가 비난하는 거짓 유대교를 구현합니다. 처진 머리, 유연한 몸의 복잡한 나선형 움직임, 예기치 않게 날카로운 창 부러짐은 정신적 혼란과 불안정을 표현합니다. 예술가의 적절한 관찰, 특정 세부 사항을 재현하려는 욕구가 주목할 만합니다. 회당 얼굴의 붕대를 통해 눈의 윤곽이 보이고 교회의 팔을 덮고있는 얇은 천을 통해 우아한 형태가 나타납니다.

스트라스부르 대성당의 조각품은 프랑스와 독일 고딕의 특징, 즉 프랑스 플라스틱의 높은 윤리적 구조와 독일의 표현력을 결합했습니다. 고딕 조각의 숭고한 이미지의 세계에는 종종 예술의 민속 흐름이 느껴지는 일상적인 모티프가 포함되었습니다. 승려의 기괴한 인물, 정육점의 장르 인물, 약사, 잔디 깎는 사람, 포도 따는 사람, 상인. 가혹한 성격을 잃은 최후의 심판 장면에는 미묘한 유머가 지배합니다. 추악한 죄인 중에는 종종 왕, 승려, 부자가 있습니다. "돌 달력"(Amiens 대성당)이 묘사되어 있으며 매월 특징적인 농민의 직업과 직업에 대해 알려줍니다. 1385년 부르고뉴 공작 필리프가 프랑스 디종 근처 샹몰에 카르투지오 수도원을 세웠습니다. 1390년대부터 공작의 의뢰를 받아 최고의 장인들이 수도원 건물을 세우고 맞춤형 조각품을 만들었습니다. 그들 중 한 사람은 네덜란드 조각가인 Klaus Sluter로 수도원을 위해 인간 크기의 선지자 석상 6개를 만들었습니다.

독일에서는 조각품이 덜 발달했습니다. 프랑스보다 그 형태가 더 육중하고 극적인 이미지의 힘을 포착합니다. 성격과 감정의 개별화 경향은 밤베르크 대성당의 엘리자베스 (1230-1240)의 거의 초상화를 낳습니다. 날카로운 각진 형태, 불안한 옷 주름이 이미지의 드라마를 향상시킵니다. 승마 이미지는 독일에서 일찍 나타납니다. 밤베르크 기수는 용기와 기사도 에너지의 화신입니다.

독일 고딕 양식은 초상화 조각의 발전에 중요한 역할을 했습니다. Naumburg 대성당의 Margrave Eckehard 동상 (13 세기 중반)에는 관능적 인 거만한 얼굴을 가진 오만하고 무례한 기사의 전형적인 이미지가 제공됩니다. 연약함과 서정은 갑자기 포착 된 움직임처럼 독특하고 개별적인 표현력으로 우울하고 집중된 그의 아내 Uta를 구별합니다. 13세기 60년대부터 영성은 작은 플라스틱에서 특히 두드러지는 예쁜 이미지의 매너리즘으로 대체되었습니다. 14세기에는 차가운 우아함, 자연주의적 흙이 지배적이었습니다. 진지한 영감은 종종 조건부 도식화로 대체되었습니다.

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각 시대의 예술에는 고유한 상징과 알레고리의 언어가 있습니다. 우화적인 형태로 이것은 사회를 걱정하는 생각과 개념을 드러내고 권력을 가진 계급의 견해를 반영했습니다. 여러 국가 발전의 전환점, 사회 구성의 변화는 새로운 비유적 상징과 알레고리를 낳았다.

예를 들어, 18세기 러시아를 예로 들 수 있는데, 그곳에서 표트르 대제의 변화는 많은 새로운 개념과 아이디어를 우화적 이미지로 구현해야 했습니다. 이와 관련하여 Peter의 명령에 따라 설명 비문이있는 많은 이미지가 포함 된 "Symbols and Emblems"컬렉션이 1705 년에 출판되었습니다. 그러한 책에 대한 필요성이 너무 커서 한 세기 동안 세 번에 걸쳐 개정되었습니다. 해당 이미지가 있는 스토브 타일에서도 동일한 역할을 수행했습니다. 프랑스에서 봉건 제도의 몰락으로 이어진 대혁명적 격변은 고대에 대한 호소로 이어졌고, 예술가들은 저항 세력이 경험한 생각과 감정을 전달할 수 있는 민속적이고 민주적인 이미지를 그렸습니다. L. David의 초기 그림 "The Oath of the Horatii"에서 조국의 자유를위한 투쟁이 고대의 이미지에서 우화적인 형태로 표현 되었다면 F. Ryud의 "La Marseillaise"는 Arc de 파리의 Triomphe는 전체 그룹의 형태로 여전히 같은 고대로 거슬러 올라가지 만 더 현대적인 수단으로 사람들의 혁명적 충동의 모든 위대함과 모든 파토스를 재현합니다. 그러나 우리는 과거 예술의 우화적이고 상징적인 이미지의 형성과 발전에 관심이 있는 것이 아니라 소비에트 현대 미술, 특히 조각에서의 출현과 존재에 관심이 있습니다.

소비에트 국가가 형성되었을 때 노동계급과 농민의 단결과 노동의 상징인 망치와 낫이 문장에 포함되었습니다. 현실에서 가져온 이 물건들은 승리한 사람들의 노동 활동의 본질에 대해 이야기했습니다. 기억에 남을 만한 장식적인 실루엣을 지닌 간결한 엠블럼의 중요하고 효과적인 특성은 그 시대의 상징적 이미지에 필요한 톤을 설정했습니다.

그러나 이후 몇 년 동안 알레고리와 상징에 대한 태도는 설명할 수 없을 정도로 변했습니다. 알레고리와 상징은 소비에트 예술에 이질적이며 과학적 지식의 성장, 사실주의의 발전 및 심화가 우리 예술에서 그들의 위치와 역할을 제한했거나 단순히 불필요하게 만들었다는 말을 들을 수 있었습니다. V. Mukhina는 그러한 판단에 반대하여 우리 예술, 특히 조각에서 우화와 상징 모두의 존재 필요성을 실질적으로 증명했습니다. 그녀는 “생각과 언어의 삶에서 개념과 표현을 버릴 수 없습니다. 개념이 항상 비유적인 것은 아닙니다. 추상적인 개념은 조각 예술의 특징이 아니기 때문에 의인화, 알레고리의 광범위한 사용을 강요합니다. 정의, 힘, 생각, 농업, 다산, 용기, 친절 등 -이 모든 개념은 비 유적이 아니라 눈쇼를 전달하기 위해 생각이 가난 해집니다. 인체와 사물로만 작동하기 때문에 이러한 개념을 조각으로 모두 전달하는 것은 매우 어렵습니다. 따라서 당연히 여기서 우리는 의인화의 언어 인 우화로만 말할 수 있습니다. 동시에 V. Mukhina에 따르면 "예술가가 자신의 작업에 맞는 외부 데이터를 자유롭게 선택할 수 있기 때문에 우화 형식은 미술의 가장 강력한 비 유적 표현입니다." 그녀의 실제 활동에서 Mukhina는 그녀의 판단을 따랐습니다. 우화적인 조각 그룹 "Worker and Collective Farm Girl"에서 그녀는 혁명적 충동, 운동, 우리 공화국의 젊음과 같은 모든 범위의 아이디어를 구현했습니다. 소비에트 국가의 상징 인 망치와 낫은 우수한 플라스틱과 동시에 진정한 파토스로 가득 찬 장식 작업을 가리는 것처럼 보였습니다. 작품의 아이디어에 의해 직접적으로 지시되는 형태의 장식성, 충격의 감정적 힘, 관객의 감정에 호소하는 것은 예술가가 전체 깊이를 가장 날카롭고 완전하게 전달할 수 있을 뿐만 아니라 아이디어뿐만 아니라 소비에트 국민의 감정과 생각을 표현합니다. 동시에 감정적 영향은 추상적인 몸짓과 자세가 아니라 전체 그룹과 그 세부 사항 모두의 적당히 사실적인 시스템에 의해 달성됩니다. 여기에서는 동상의 발걸음 위치, 뒤로 던진 손의 특성 등에도주의를 기울여야합니다. 모든 것은 조각가가 현실에서 가져오고 예술가가 삶에서 알아 차리고 조각으로 번역됩니다. 형태. Mukhina는 모든 우화 작업에 필요하고 자연주의로부터 보호하는 관습의 척도를 유지하면서 현실적인 수단으로 그녀의 계획을 실현했습니다.

이미지의 모든 현대성, 인물의 모든 사실주의에 대해 소련 국가의 상징 인 망치와 낫이 조건부 인 것처럼 자세와 제스처의 일반적인 특성은 조건부입니다. 이 대회는 약간의 항의도 일으키지 않습니다. 어떤 의미에서 그것은 우리의 감정을 반영하기 때문에 자연 스럽습니다. 실제로는 그러한 몸짓과 자세를 만날 가능성이 낮습니다.

Mukhina는 고귀하지만 어려운 퀘스트에서 혼자가 아니 었습니다. 여기서 우리는 I. Shadra를 기억해야 합니다. The Liberated East에서 작가는 여전히 알레고리 작업에 대한 사변적 이해에 사로잡혀 있었습니다. 고대 이집트 조각의 방식으로 만들어진 그의 작품은 아직 현대적인 개념, 감정 및 이미지를 구현하지 못했습니다. 그러나 Shadr가 ZAGES 댐에 레닌 기념비를 세웠을 때 그는 소비에트 국가 설립자의 기념비적 초상화 이상의 것을 수행했습니다. 이것은 국가 전기화의 영감을 주는 사람의 이미지일 뿐만 아니라 레닌의 모습은 지금부터 지금부터 사람들의 필요를 충족시킵니다. Shadr 기념물에 내재된 일반화된 의미는 이 뛰어난 작품의 예술적 및 조형적 특성을 결정했습니다. 또한 인물의 몸짓과 자세의 장식적인 표현력을 지적해야 하는데, 이는 "Let it be!"라는 짧은 풀포스 공식으로 정의할 수 있습니다. 동시에 그들은 물론 Mukhina 그룹의 것과 다르지만 전체 디자인에서 중요한 역할을 합니다. 장식적 시작의 프리즘을 통과한 듯한 자세와 몸짓의 관습성은 차례로 기념물의 비유적 의미를 심화시킵니다.

장식성과 그것과 결합된 잘 알려진 자세와 몸짓의 관습성은 알레고리 작품의 필수 특성입니다. 소련 조각에서 그들의 성격은 무엇보다도 이미지의 현대성, 삶 자체, 오늘날 사람의 행동 방식, 걸음 걸이, 움직임과 불가분의 관계가 있습니다. Shadr과 Mukhina의 작품은 이것을 설득력있게 증언합니다. 예를 들어 Moskvoretsky Bridge를 장식하려는 그룹에서 Mukhina의 다른 작품에서 유사한 속성을 볼 수 있습니다. 그 중 일부는 N. Zelenskaya, Z. Ivanova 및 A. Sergeev의 청동 예술가 스케치에 따라 만들어졌습니다. 그런데 이러한 그룹은 제공된 장소에 오래 전에 설치되었어야 합니다. 여기 인물의 위치는 임의적이지만 동시에 감탄 속에서 큰 메기를 잡은 어부의 움직임의 성격에 소녀들이 머리 위로 뭉치를 잡는 방식에 얼마나 많은 활력이 있습니까? 청년이 들고 있는 바구니에 모은 과일을 바라보는 여성스러운 소녀! 모든 것은 삶의 예술가에 의해 미묘하게 눈에 띄고 가소성, 선의 아름다움 및 구성의 완전성으로 우리를 매료시키는 장식적인 우화 이미지로 전달됩니다.

Shadr와 Mukhina는 우화적인 형태로 크고 깊은 개념을 구현하는 그들의 작품이 밝고 눈길을 끄는 장식 효과, 감성 및 형태의 아름다움을 가져야 함을 잊지 않았습니다. Chiatura의 극장 페디먼트를 위해 "Victory"의 동상을 만든 그루지야 장인 V. Topuridze도 이것을 잊지 않았습니다. 팔을 쭉 뻗은 넓은 발걸음의 여성 인물에는 무한한 기쁨, 자유에 대한 도취가 구현되어 있으며 인물의 자세와 몸짓은 전 세계의 해방을 상징하는 것처럼 보이며 모든 인류에게 호소합니다. "족쇄가 적개심, 적대감, 폭정으로 떨어지는 온 지구본과 같습니다. 조각품의 예술적 특성은 F. Ryud의 마르세예즈 그림과 자유롭게 비교할 수 있고 E 동상과 비교할 수 있습니다. .Volgograd 기념관과 같은 주제에 대한 Vuchetich는 예술적 구현의 높이가 어느쪽에 있는지 명확하게 나타냅니다.

미학적으로나 내용면에서 고딕 양식과 관련된 중세 후기 조각은 기독교 이데올로기에 완전히 종속되어 있으며 건축 및 신성한 인물 묘사에 대한 엄격한 규칙과 밀접하게 관련되어 있습니다.

사실 고딕 시대에는 조각이 하나의 독립적인 예술로 여겨지지 않았다. 그것은 사원과 수도원을 장식할 뿐만 아니라 복잡한 고고학 구조의 하중을 견디는 부분, 물론 아이콘과 함께 숭배의 대상으로 사용하도록 설계되었습니다.

일반적으로 중세 예술 작품, 특히 고딕 예술은 상징적 의미, 성서적 의미를 포함하는 일종의 코드, 기독교 성도의 신앙이라는 이름의 위업 의미로 가득 차 있습니다.

성서의 구약 성서 인물 외에도 예수 그리스도, 성모 마리아, 사도, 왕, 통치자 및 정치가가 고딕 조각으로 묘사되었습니다.

고딕 조각에서 중세의 구속, 정적 및 분리는 감정, 역 동성 및 기능의 개별화로 대체됩니다. 물론 이러한 모든 변화는 개략적으로만 설명되어 있으며 중세 스케치가 될 때까지 수세기가 지나고 고의적 단순화는 르네상스의 인본주의와 진정성으로 대체될 것입니다.

고딕 조각은 예수 그리스도의 이미지 해석에 변화를 가져 왔습니다. 중세 초기에 구세주가 강력한 재판관이자 전능자로 해석 되었다면 이제는 점점 더 현명한 목자, 좋은 멘토 및 교사로 나타납니다. 얼굴 특징이 부드러워지고 얼굴에 반쯤 미소가 보입니다.

이러한 모든 변경 사항은 십자가의 조각품에는 적용되지 않습니다. 현재 작가들은 십자가에서 구주의 고통을 가능한 한 진정성 있고 생생하게 묘사하기 위해 온 힘을 다하고 있습니다.

고딕 시대의 조각가들은 영웅의 내면 세계에 관심이 있고 모든 유럽 국가의 예술가들은 성격의 특징, 사람의 내면 세계를 전달할 기회를 찾고 있습니다. 저자는 개별 얼굴 특징에 주목하고 옷의 주름, 자세 및 제스처를 묘사하여 사실감을 얻습니다. 르네상스는 12~14세기 조각가들의 작업장에서 탄생했다고 해도 과언이 아닙니다.

고딕 조각의 외부 도식과 단순성은 주로 검색의 주인이 고대 전통이 아니라 이교도 시대로 거슬러 올라가는 야만인 세계의 미적 및 기술적 전통에 의존했다는 사실에 의해 설명됩니다.

파사드 중 하나 위의 왕의 갤러리는 구약의 유대인 통치자를 묘사하여 성서의 불가분의 관계를 강조합니다. 잘 생긴 얼굴, 선량하고 미소를 지으며 지나가는 사람들을 바라 봅니다. 놀라울 정도로 다양한 얼굴, 각각의 조각품의 성격.