예술 작품은 이데올로기적이고 주제적인 내용을 중심으로하는 시스템입니다. 본문의 주제()는 작가가 작품에서 삶의 어느 면에 주목하는지, 즉 이미지의 주체를 나타내는 개념이다. 주제를 공식화하려면 “이 작품은 무엇에 관한 것입니까?”라는 질문에 답해야 합니다. 작품의 주제가 제목에 반영되는 경우가 많습니다. 예: M.E.의 "한 사람이 두 장군에게 먹이를 준 방법에 대한 이야기" Saltykova-Shchedrin, F.M.의 "범죄와 처벌" 도스토옙스키, M.A. Sholokhov. 때로는 같은 작품에서 작가가 서로 연관된 여러 현상을 보여주고, 여러 주제를 드러낸 다음, 우리는 작품의 주제에 대해 이야기합니다. 예를 들어, M.A. Bulgakov에서는 창의성이라는 주제, 사랑의 주제, 자비의 주제, 보복의 주제 등을 찾을 수 있습니다. F.M. Dostoevsky "범죄와 처벌"- 범죄 주제, 사회적 불평등 주제, "굴욕과 모욕"주제, 법률 및 도덕법 주제, 동정심 주제, 어린 시절 주제 등; A.S. Griboyedov "Woe from Wit"- 마음의 주제, 행복의 주제, 러시아의 사회 정치적 삶의 주제 초기 XIX V. 등. 문학의 주제적 다양성의 원천은 작가의 삶과 독서 경험이다. A.N. Ostrovsky는 상인 환경에서 자랐으며 그곳에서이 수업의 도덕과 관습을 철저히 연구 할 기회를 가졌습니다. 그의 연극의 주제를 결정한 것은 바로 이러한 상황이었습니다. 일체 포함. Kuprin은 많은 직업을 습득하여 가장 많은 직업을 포함할 수 있었습니다. 다양한 주제, 모든 종류의 사람들의 삶의 다양한 측면을 조명합니다. 사회 단체: 군인, 노동자, 가수, 서커스 공연자, 음악가 등 문학은 실생활만큼 풍부한 주제의 원천입니다. 우리는 자연, 사랑, 우정, 전쟁과 평화, 창의성 등 "영원한 주제"에 대해 이야기하고 있습니다. 또한 문학사에서 한 작가가 다른 작가에게 주제를 제시하는 경우가 있습니다 (예를 들어 푸쉬킨은 고골에게 "감독관"과 "죽은 영혼"의 주제와 줄거리를 부여했습니다). 주제, 문제는 어떤 삶의 현상을 지명하는 것이 아니라, 이 삶의 현상과 관련된 모순을 정식화한 것이다. 즉, 문제는 작가가 자신의 작품에서 답하고자 하는 질문, 즉 그 주제를 고려하는 측면이다. 예를 들어, 연극 "Woe from Wit"에서는 마음과 행복의 문제가 제기됩니다. 마음이란 무엇입니까? 행복해지는 마음과 사람의 능력은 어떻게 상호 연결되어 있습니까? 동일한 주제를 다룬 작품이라도 다른 문제가 있을 수 있습니다. 따라서 M.Yu의시는. Lermontov와 N.A. 네크라소바 일반 이름- "Motherland" - 동일한 주제를 다루지만 현재 다른 문제: Lermontov의 서정적 영웅이 질문에 대해 반성합니다. 무엇그에게 있어 '고향'이라는 개념은 다음과 같은 내용을 담고 있다. 어느 것그는 고국을 사랑합니다. Nekrasov의 영웅이 질문에 답합니다. 무엇을 위해그 싫어한다당신의 작은 조국. 반대의 진술도 사실입니다. 동일한 문제를 제기하는 작품은 다른 주제에 초점을 맞출 수 있습니다. 예를 들어, 문제 도덕적 선택(수행하는 방법 올바른 선택? 무엇을 선호합니까? 개인의 안녕입니까, 아니면 다른 사람의 이익입니까? 비겁함과 양심의 거래는 무엇으로 변할 수 있습니까? 등)을 다양하게 제시할 수 있습니다. 생활재료: 군사 행사 전용 작품 또는 은둔다양한 시대와 계층의 대표자 등 (A.S. Pushkin의 "The Captain's Daughter", L.N. Tolstoy의 "War and Peace", F.M. Dostoevsky의 "Crime and Punishment", V.G. Rasputin의 "Live and Remember", V. Bykov의 "Sotnikov" 등). 상대적으로 작은 문학 작품에서도 한 주제의 틀 안에서 작가는 하나의 문제가 아니라 일련의 복잡한 문제를 제기할 수 있으므로 작품의 문제에 대해 이야기하는 것이 일반적입니다. 작품의 규모가 크고 주제가 다양할수록 작가가 제기하는 문제의 범위도 넓어집니다. 예를 들어 진리의 문제와 거짓 애국심영웅주의, 도덕적 선택, 진실과 거짓된 아름다움, 역사에서 개인의 역할, 가족, 의무 및 명예의 문제-이것은 L.N. 서사시의 모든 문제가 아닙니다. 톨스토이 "전쟁과 평화". 문학 비평에서는 역사적, 국가적, 사회적, 철학적, 도덕적, 심리적 문제를 구별합니다. 사회적-도덕적, 사회-철학적, 도덕적-심리적 등 중간 유형도 가능합니다. 러시아 고전에서는 문헌 XIX-XX세기 가장 시급한 문제는 사람과 도덕법, 인간과 환경, 인간과 사회, 인격과 운명, 인격과 명예, 시대의 영웅, 정신적, 도덕적 탐구, 삶의 의미 탐색 등 아이디어() - 주요 생각 문학 작품, 주제를 밝히는 작가의 경향, 텍스트에 제시된 질문에 대한 답변, 즉 작품이 작성된 목적입니다. 나. Saltykov-Shchedrin은 아이디어를 작품의 영혼이라고 불렀습니다. 아이디어는 항상 주관적이며(작가의 성격, 그의 미학적, 윤리적 견해, 좋아하는 것과 싫어하는 것이 각인되어 있기 때문에) 비유적입니다(즉, 합리적인 방식으로 표현되지 않고 이미지를 통해 작품 전체에 스며듭니다). . 아이디어는 명시적으로, 즉 문학적 텍스트에 명시적으로 제시되지 않습니다. 그것을 보고 이해하려면 본문을 자세하고 깊이 있게 분석하는 것이 필요하다. 위대한 스승이 창작한 문학작품이라면 그 사상적 내용이 풍부하다는 점에서 구별됩니다. 동시에 비평가 N.A. Dobrolyubova, “예술 작품은 표현이 될 수 있습니다 유명한 아이디어저자가 이 아이디어를 내놓았기 때문이 아니라, 이 아이디어가 저절로 나오는 현실의 사실에 작가가 충격을 받았기 때문입니다.” 작가가 펜을 잡게 된 아이디어가 작가의 작업에 변화가 없이는 항상 완전히 실현되는 것은 아니라는 점을 기억해야 합니다. 원칙적으로 아이디어와 구현 사이에는 "가위"가 있습니다. 허구의 현실, 즉 자신의 작품의 예술적 세계를 창조한 작가는 이후 이 세계가 존재하는 법칙을 고려해야 합니다. 그래서. 푸시킨은 자신의 여주인공이 그러한 조치를 취할 수 있다고 의심하지 않았지만 Tatyana Larina 장군과 "결혼"하도록 강요 받았습니다. 이다. Turgenev는 허무주의에 대해 동정심이 없었고 그 불일치를 보여 주려고 노력했지만 작가의 마음에 소중한 귀족보다 우뚝 솟은 허무주의 영웅 Bazarov의 매력적인 이미지를 만들었습니다. 이 모든 예는 진정한 예술가는 항상 다음을 따른다는 것을 나타냅니다. 예술적 진실-예술의 진실, 성격의 논리, 비록 이것이 그의 세계관과 완전히 일치하지 않더라도. 주제 (고대 그리스 주제에서 - "주어진 것이 기초이다" )은 작가가 작품에서 삶의 어느 면에 주목하는지, 즉 이미지의 주체를 나타내는 개념이다.문제 그것은 삶의 어떤 현상에 대한 지명이 아니라, 이 삶의 현상과 관련된 모순의 정식화이다.아이디어 (그리스어 "아이디어"에서 유래 - 눈에 보이는 것 ) - 문학 작품의 주요 아이디어, 주제를 밝히는 작가의 경향, 텍스트에 제기된 질문에 대한 답변, 즉 작품이 작성된 목적.
문제에 대한 근본적으로 다른 두 가지 접근 방식. – 독자의 전능함을 인정합니다. – 작가의 죽음. – 독자 창의성의 이차적 성격.
작가의 문제는 문학 작품을 해석하는 항상 관련성이 높고 논란이 많은 작업, 문학 텍스트에 대한 분석적이고 정서적 침투, 문학 문학에 대한 직접적인 독자 및 특별한 연구 인식과 관련하여 특히 심각해집니다.
그들 중 하나는 문학 텍스트와의 대화에서 독자의 완전하거나 거의 완전한 전능함, 시 작품에 대한 인식의 자유, 작가의 지도로부터의 자유, 작가의 개념을 순종적으로 따르는 것으로부터의 자유에 대한 무조건적이고 자연스러운 권리를 인식합니다. 텍스트는 저자의 의지와 입장으로부터 독립됩니다.
V. Humboldt와 A. A. Potebnya의 작품으로 돌아가 보면, 이 관점은 20세기 문학 비평의 심리학 학교 대표자들의 작품에서 일관된 구체화를 발견합니다.
A. G. Gornfeld는 예술 작품에 대해 다음과 같이 썼습니다. “완전하고, 창작자로부터 분리되어 있으며, 그의 영향에서 자유롭고, 다른 사람의 창의성의 도구가 되었기 때문에 역사적 운명의 놀이터가 되었습니다. 우리는 예술가의 작업이 우리의 질문에 대한 답이기 때문에 필요합니다. 예술가는 그것을 스스로 제시하지 않았고 예측할 수 없었기 때문입니다.<…>. 햄릿의 새로운 독자는 말하자면 그의 새로운 작가이다..."1.
Yu.I. Aikhenvald는 이 문제에 대해 자신의 격언을 제시합니다. "독자는 작가가 쓴 내용을 정확히 읽지 못할 것입니다." 그리고 그는 다음과 같은 고려 사항으로 그 서문을 시작합니다. “표현된 생각이 시인 자신, 이 생각의 소유자에게 거짓말이라면, 그것을 인식하는 사람들에게는 더욱 거짓말이 됩니다.”2
반면에 많은 권위있는 작가들은 창작 과정에서 상상의 독자가 "참여"했다는 사실, 예술적 창작에 대한 영향 또는 눈에 띄는 영향의 흔적을 단호하게 부인합니다. A. M. Remizov는 자신의 글쓰기 경험에 대해 다음과 같이 말합니다. .”
이 입장을 극단적으로 표현하면, 넓고 끝없는 독자의 바다를 건너 자유로운 항해를 떠나는 저자의 텍스트는 이후의 적극적인 수용, 가능한 문학적 적응, 고의적인 언어 번역을 위한 민감한 구실이 될 뿐이라는 것입니다. 다른 예술 등. 이것이 독자의 오만한 범주와 포괄적인 범주 판단을 의식적으로 또는 무의식적으로 정당화하는 경우.
학교 실습, 때로는 특수 대학 문학 교육에서 문학 텍스트에 대한 독자의 완전하고 무한한 힘에 대한 자신감이 탄생하는 경우가 많습니다. M. I. Tsvetaeva가 겪은 "My Pushkin"이라는 공식은 기꺼이 또는 무의식적으로 복제되었으며 Gogol의 불멸의 Ivan Aleksandrovich Khlestakov로 돌아가서 "푸쉬킨과 우호적 인 관계"로 돌아가는 또 다른 공식이 갑자기 발생합니다.
20세기 후반에는 '독자 중심' 관점이 극한에 이르렀다.
문학과 문헌학의 소위 포스트구조주의에 초점을 맞춘 롤랑 바르트(Roland Barthes)는 텍스트가 독자에게 주로 장난스러운 즐거움과 만족을 가져다줄 수 있는 언어적 관심의 영역이라고 선언했습니다.
프랑스 과학자는 문학적 창의성에서 "우리 주관성의 흔적이 사라졌습니다", "모든 자기 정체성과 우선 작가의 신체적 정체성이 사라집니다", "목소리가 그 근원에서 찢어지고 죽음이 발생합니다"라고 주장했습니다. 저자."
롤랑 바르트(Roland Barthes)에 따르면 문학 텍스트는 초주관적 구조이며, 텍스트 자체와 자연스러운 소유자이자 관리자는 독자입니다. “... 독자의 탄생은 죽음으로 대가를 치러야 합니다. 저자의”3.
방종한 충격과 자유로운 사치와는 반대로, 롤랑 바르트가 개발한 작가의 죽음 개념은 관찰된 텍스트에 선행하고 그 계보를 구성하는 깊은 의미-연관적 뿌리에 문헌학적 연구 관심을 집중시키는 데 도움이 되었습니다. 작가의 의식에 의해 고정되지 않습니다(“텍스트의 텍스트”, 문학적 회상과 연결의 밀집된 층, “다른 사람의 말”, 전형적인 이미지, 광범위하고 고대의 주제와 모티프 등).
문학 텍스트에 대한 연구 및 독자 커뮤니케이션의 또 다른 추세는 독자 창의성의 근본적인 이차적 특성을 나타냅니다.
러시아 미학적 전통에서 이러한 경향은 작가를 "그가 스스로 인정한 법칙에 따라" 판단하라는 푸쉬킨의 요청으로 거슬러 올라갑니다.
A.P. Skaftymov는 1922년 기사 "문학사에서 이론적 고려와 역사적 고려 사이의 관계에 관한 문제"에서 다음과 같이 언급했습니다. "우리가 독자의 인식 창의성에 대해 아무리 많이 이야기하더라도 미술품, 우리는 독자의 창의성이 그 방향과 측면에서 부차적이라는 것을 여전히 알고 있습니다. 독자는 여전히 저자의 인도를 받고 있으며, 저자는 그를 따르기 위해 순종을 요구합니다. 창의적인 방법. 그리고 좋은 독자자기 안에서 이해의 폭을 찾고 작가에게 자신을 바칠 줄 아는 사람이다."
정말 마지막 말작품의 저자는 이미 말했습니다. 유 문학적 텍스트, 모든 복잡한 다의미와 함께 특정 객관적인 (개념적으로나 논리적으로 포착되지 않은) 예술적 및 의미 론적 핵심이 있습니다. 그리고 작가는 작품 자체와 전체 다단계 구조를 통해 독자를 선택하고 그와 비밀 대화를 나눌 준비가 되어 있습니다.
A.P. Skaftymov는 "통역사는 통제되지 않습니다. 그 자체로 해석의 규범을 따릅니다"라고 썼습니다. 과학자의 이러한 현명한 결론은 독서, 문학 비평, 문학 비평의 가장 중요한 특성을 특징으로 합니다.
이는 학교 및 대학의 예술 문학 교육 실천과 가장 직접적인 관련이 있습니다. 진정한 시 감정가(극에 관한 고전적인 격언을 의역하자면)는 문학 작품에서 자신을 사랑하지 않고 문학 작품 자체를 사랑합니다. 실제 리더텍스트에 자신을 강요하지 않지만 텍스트는 모든 완전성과 무결성을 이해하고 느끼려고 노력합니다.
독자, 평론가, 문학 평론가가 선호하는 작가의 선택은 인식자의 취향, 그의 미학적 경험 및 특성에 따라 결정된다는 점을 기억하는 것도 중요합니다. 개별적인 접근 방식문제의 자료에.
인식 과정 자체는 매우 주관적이며 달리 설명할 수 없습니다. 독자는 자신으로 남아 있습니다. 그러나 주권 작가의 문학적 텍스트도 그 자체로 남아 있습니다.
새로운 의미론적, 시적 특성이 대화에서 탄생합니다. 그 안에서 작가의 의지에 의해 조명된 언어적 텍스트의 깊은 객관성은 필수적인 독자의 주관성에 스며들어 따뜻해집니다.
문학 비평의 고전 작품에서 숨겨진 작가 원리와 해석자 자신의 개성이 어떻게 드러나는 지 관찰하는 것은 흥미 롭습니다. 무엇을 말하고 어떻게 말하는지뿐만 아니라 중요합니다 문학 작품, 그러나 또한 무의식적으로 숨겨진 고백 현실로서 조용하고 무언의 고백으로 점차적으로 주어지는 것입니다.
따라서 A.P. Skaftymov의 연구 결정, Kutuzov와 나폴레옹의 주제에 대한 그의 쇠퇴기 호소, "전쟁과 평화"6에서 L. Tolstoy의 역사 철학에 대한 논쟁적인 재구성에 대한 그의 호소는 중요해 보이고 많은 것을 설명합니다.
1959년 9월 2일자 Skaftymov에게 보낸 편지에서 Yu.G. Oksman은 이 간행물에 대해 다음과 같이 응답합니다. "나는 당신의 주장이 거부할 수 없다고 생각하기 때문에 오래 전에 Kutuzov의 이미지에 대한 기사를 읽었습니다." 7.
제 생각에는 이 기사에서 Skaftymov의 주장은 문학 텍스트 현상, Skaftymov의 비밀 연구 기술의 성격, 취약한 상황에서 따라야 할 선호 경로에 대한 과학자의 가장 원칙적이고 소중한 접근 방식에 대한 아이디어를 전혀 의도하지 않게 제공합니다. 말로 표현할 수 없는 문학의 세계.
이것이 무엇이며 어떻게 나타나는가?
Skaftymov에 따르면 Kutuzov는 "전쟁과 평화"에 제시된 다른 모든 역사적 인물과 다릅니다. 그들이 행동하고 활동하지 않는다는 점에서가 아니라 그들과 다르게 행동한다는 점입니다. Kutuzov 활동의 특별한 유형은 이 활동이 "객관적(비인격적) 필요성의 요구 사항"에 의해 영감을 받고 정당화된다는 것입니다.
Skaftymov의 관찰에 따르면 Tolstoy의 Kutuzov는 경솔하거나 교활하지만 항상 "자제적이고 헛된 프로젝트 제작"에 반대합니다8. 이것이 가장 중요한 것입니다!
"L. Tolstoy의 소설 "전쟁과 평화"에 나오는 Kutuzov의 이미지와 역사 철학"이라는 작품에서 Skaftymov 학교의 가장 본질적인 속성은 매우 명확하고 뚜렷하게 드러납니다.
가장 중요한 것은 텍스트 개체의 두께와 광대함에 대한 단호하고 자신감 있는 공격(나폴레옹식)이 아니라 신중하고 신중하며 민감하고 정직한 이해에 대한 초기 욕구입니다. 가장 중요한 것은 L. Tolstoy를 따라 Skaftymov가 개체의 "숨겨진 선도적 편의"라고 부르는 것, 즉 L. Tolstoy와 Skaftymov에 따르면 사물의 객관적인 논리를 탐구하는 "현명한 인물"에 대한 깊은 이해에 있습니다. 그는 "다른 것을 향한"자신의 개인적인 의지, 즉 이러한 객관성과 일치하지 않는 의지로부터 "포기하는 방법을 알고 있습니다".
Skaftymov의 문학적 수업의 세부 사항에 대한 매우 정확한 정의: 문학 및 예술 작품 자체는 해석의 규범을 따릅니다.
Skaftymov의 혐오감은 문학 연구의 자의성과 야심 찬 계획으로 인해 끊임없이 발생합니다.
위에서 언급한 1959년 기사보다 25년 전에 스카프티모프(Skaftymov)가 "시학과 서사시의 창세기"라는 책에서 비교 문제, 유사점 정의, 유사점 등 그리고 그는 이것에 대해 가장 진지한 성가심의 어조로 말합니다.
권위 있는 민속학자 중 한 사람의 작품을 다루고 그에게서 집중적이고 민감한 지식으로는 받아들일 수 없는 다양한 텍스트의 구체적인 비교를 발견한 Skaftymov는 1924년에 다음과 같이 썼습니다. 역사적 유사점, 연구 중인 작품의 줄거리를 조각화하고 조각은 하기오그래피 및 연대기 문학의 하나 또는 다른 모티프와의 유사성을 통해 더 가까워집니다."10.
어휘 표현 반대는 주목할 만합니다. 한편으로는 설득력과주의가 있고 다른 한편으로는 "추적 중", 음모의 "조각"조각화, 무작위 화해 등이 있습니다. Skaftymov는 이러한 화해와 관련하여 Karatayev의 스타일과 매우 흡사하게 "정말입니다. 마치 정신 착란에 빠진 물과 같습니다. 당기면 가득 차고, 당기면 아무것도 없습니다."라고 말합니다.
러시아 서사시에 대한 연구에서 Skaftymov는 "과학 분야의 엄격함"(그리고 이 엄격함은 "각 연구자의 개인적 책임에 달려 있음")이 종종 "임의적인 비교"와 "증명할 수 없는 가설의 너무 자유로운 취급"으로 인해 반대된다는 점을 지적할 것입니다. .”
한편, "지나치게 발전된 취미를 제한하는 것"을 항상 기억해야 합니다. "모든 생각은 결국 내부적으로 설득력이 있는 한에서만 가치가 있습니다. 가설은 자의적이지 않습니다."
Skaftymov는 "모든 합리적 이론적 구성이 스스로 설정하는 의무와 필요성의 측면에서 완전한 자유를 드러내는 가설"에 대해 이야기하고 있습니다. 그렇지 않으면 비록 비자발적이긴 하지만 텍스트에 대한 폭력이 거의 불가피할 것입니다.
Skaftymov는 국내 민속학자 중 한 명에 대해 다음과 같이 말할 것입니다. 이름은 "서사시를 강간합니다." 다른 정보: "임의로 제거합니다.<…>사실." 세 번째에 대해: 그는 전혀 없는 "급진적인" 유사성을 본다. "저자의 영혼의 진지한 개입이 분석에서 제거되는" 것은 나쁘다.
Skaftymov에 따르면 각 문학 텍스트는 그 자체로 전달됩니다. 나의해석의 척도: Skaftymov는 1959년 6월 28일 Yu. G. Oksman에게 보낸 편지에서 "나는 작품 구조의 내부 논리에 관심이 있었습니다."라고 인정했습니다. - “...저는 작가에게 어떤 '철학'을 강요한 적이 없습니다... 이 점에 있어서 저는 항상 작품 자체에 대해 말하려고 노력했습니다. 우리의 논리에 대한 예술적 논리의 언어에서 말한 것, 즉 모든 요소의 논리적 관계에서 예술적이고 직접적인 것을 이해하고 이 모든 것을 우리의 공통 언어로 공식화하는 것..."13.
Skaftymov에 따르면 문학 텍스트에 대한 모든 연구(비교 포함) 접근 방식에서 문학 평론가는 톨스토이의 나폴레옹보다 톨스토이의 쿠투조프의 논리를 더 많이 따라야 합니다. 저자의 문제(주로 그의 다양한 텍스트 내 표현에서)는 계속해서 가장 뜨거운 논쟁거리 중 하나로 남아 있습니다. 문학 과학 21세기 초.
전통적으로 그는 뉴에이지의 문학 과정에 작가, 독자와 함께 자신만의 방식으로 적극적으로 참여한다. 문학평론가. 종종 그는 "세 번째 바퀴"로 밝혀졌습니다. 그리고 "작가들"은 종종 특별한 경멸적인 기쁨으로 이것에 대해 이야기합니다. 독자들은 때때로 비판을 무시하고, 고려하지 않고, 눈치 채지 못하는 경향이 있습니다. 특히 독자의 의견과 취향에 따라 비판이 진정한 진실성과 설득력 있는 증거가 없는 경우에는 더욱 그렇습니다.
작가나 독자 모두에게 아무 소용이 없는 이런 활동은 무엇일까요? 누구에게, 무엇을 제공하나요? 왜 필요한가요? 그 의미는 무엇입니까?
성격.
A LITERARY HERO는 작품의 내용을 드러내는 플롯 액션의 대표자입니다.
CHARACTER는 작품에 등장하는 모든 캐릭터입니다.
"캐릭터"라는 단어는 추가적인 의미를 갖지 않는다는 점에서 특징적입니다.
예를 들어 "배우"라는 용어를 생각해보십시오. 그것은 행동 = 행동을 수행해야 한다는 것이 즉시 분명해지며, 그러면 많은 영웅들이 이 정의에 맞지 않습니다. 신화 속의 선장인 파파 삐삐 롱스타킹(Papa Pippi Longstocking)에서 시작하여 언제나처럼 "침묵"하는 "보리스 고두노프(Boris Godunov)"의 사람들로 끝납니다.
"영웅"이라는 용어의 감정적이고 평가적인 의미는 전적으로 긍정적인 자질, 즉 영웅주의/영웅주의를 의미합니다. 그러면 더 많은 사람들이 이 정의에 속하지 않을 것입니다. 그렇다면 Chichikov 또는 Gobsek을 영웅이라고 부르는 것은 어떻습니까?
그리고 이제 문학 학자들은 언어 학자들과 싸우고 있습니다. 누가 "영웅"이라고 불러야하고 누가 "캐릭터"라고 불러야합니까?
누가 이길지는 시간이 말해 줄 것입니다. 지금은 간단한 방법으로 계산하겠습니다.
영웅은 작품의 사상을 표현하는 중요한 인물이다. 그리고 캐릭터는 다른 모든 사람입니다.
잠시 후에 소설 작품의 캐릭터 시스템에 대해 이야기하고 메인(영웅)과 보조(캐릭터)에 대해 이야기하겠습니다.
이제 몇 가지 정의를 더 살펴보겠습니다.
서정적 영웅
서정적 영웅의 개념은 Yu.N.에 의해 처음 공식화되었습니다. A.A.의 작업과 관련하여 1921년 Tynyanov. 블록.
서정적 영웅-영웅의 이미지 서정적 작품, 작가의 세계관을 반영하는 경험, 감정, 생각.
서정적 영웅은 작가의 자전적 이미지가 아닙니다.
"라고 말하면 안 돼요. 서정적 성격" -단지 "서정적 영웅"입니다.
영웅의 이미지는 인간 속성, 영웅 개인 외모의 성격 특성을 예술적으로 일반화 한 것입니다.
문학형은 특정 사회 환경의 가장 특징적인 인간 개성의 일반화된 이미지입니다. 특정 시간. 개인 (단일)과 일반의 양면을 연결합니다.
전형적인 것은 평균을 의미하지 않습니다. 이 유형은 가장 눈에 띄고 특징적인 모든 것을 그 자체에 집중합니다. 그룹 전체사람 - 사회, 국가, 연령 등 예를 들어 Turgenev 소녀 또는 Balzac 시대의 여성 유형입니다.
캐릭터와 캐릭터
안에 현대 문학 비평캐릭터는 캐릭터의 독특한 개성, 내면의 모습, 즉 그를 다른 사람과 구별하는 것입니다.
성격은 우연히 결합되지 않는 다양한 특성과 자질로 구성됩니다. 모든 캐릭터에는 주요하고 지배적인 특성이 있습니다.
성격은 단순할 수도 있고 복잡할 수도 있습니다.
단순한 캐릭터는 무결성과 정적으로 구별됩니다. 영웅은 긍정적이거나 부정적이다.
간단한 문자는 전통적으로 쌍으로 결합되며, 대부분 "나쁜"- "좋은" 반대를 기반으로 합니다. 대조는 긍정적인 영웅의 장점을 강조하고 부정적인 영웅의 장점을 감소시킵니다. 예 – "의 Shvabrin 및 Grinev 선장의 딸»
복잡한 캐릭터는 영웅의 끊임없는 자신 탐색, 영웅의 영적 진화 등입니다.
복잡한 문자는 "긍정적" 또는 "부정적"으로 분류하기가 매우 어렵습니다. 거기에는 불일치와 역설이 있습니다. 불쌍한 Gruzdev를 감옥에 보낼 뻔했지만 Sharapov의 이웃에게 쉽게 푸드 카드를 준 Zheglov 선장처럼.
문학적 인물의 구조
문학 영웅은 복잡하고다면적인 사람입니다. 외부와 내부의 두 가지 모양이 있습니다.
만들다 모습영웅의 일:
초상화. 이 얼굴, 모습, 고유 한 특징체격(예: 콰지모도의 혹 또는 카레닌의 귀).
영웅의 특정 성격 특성을 반영할 수도 있는 의복.
SPEECH는 그의 외모만큼 영웅의 특징을 특징으로합니다.
특정 행동의 잠재적 가능성을 결정하는 AGE.
영웅의 사회화 정도를 보여주는 직업은 사회에서의 그의 지위를 결정합니다.
인생 이야기. 영웅의 출신, 그의 부모/친척, 그가 살고 있는 국가와 장소에 대한 정보는 영웅에게 감각적으로 유형의 현실감과 역사적 특수성을 부여합니다.
영웅의 내면은 다음과 같이 구성됩니다.
영웅을 부여하는 세계관과 윤리적 신념 가치 지침, 그의 존재에 의미를 부여하십시오.
영웅 영혼의 다양한 삶을 설명하는 생각과 태도.
믿음(또는 믿음의 부족)은 영웅의 존재를 결정합니다. 영적 분야, 하나님과 교회에 대한 그의 태도.
영웅의 영혼과 정신의 상호 작용 결과를 나타내는 진술 및 행동.
영웅은 이성과 사랑을 할 수 있을 뿐만 아니라 감정을 인식하고 자신의 활동을 분석하고 반영할 수 있습니다. 예술적 성찰을 통해 작가는 영웅의 개인적인 자존감을 식별하고 자신에 대한 태도를 특성화할 수 있습니다.
캐릭터 개발
따라서 캐릭터는 특정 캐릭터와 독특한 외부 특성을 가진 가상의 애니메이션 인물입니다. 저자는 이 데이터를 생각해내고 독자에게 설득력 있게 전달해야 합니다.
작가가 이렇게 하지 않으면 독자는 캐릭터를 판지로 인식하고 그의 경험에 포함되지 않습니다.
캐릭터 개발은 다소 노동집약적인 과정이며 기술이 필요합니다.
최대 효과적인 방법- 독자에게 제시하고 싶은 캐릭터의 모든 성격 특성을 별도의 종이에 적는 것입니다. 바로 가리킨다.
첫 번째 포인트는 영웅의 외모(뚱뚱함, 마른 체형, 금발, 갈색 머리 등)입니다. 두 번째 포인트는 나이입니다. 세 번째는 교육과 직업입니다.
다음 질문에 답하십시오(우선 자신에게).
- 캐릭터가 다른 사람들과 어떤 관계를 맺고 있나요? (사교적\폐쇄적, 예민함\냉담함, 공손함\무례함)
- 캐릭터는 자신의 작품에 대해 어떻게 생각하는가? (열심히 일하는/게으른, 창의적인/일상적인, 책임감 있는/무책임한, 적극적/소극적인)
- 등장인물은 자신에 대해 어떻게 생각하는가? (자존심이 있음, 자기비판적, 자랑스러움, 겸손함, 오만함, 허영심 있음, 거만함, 예민함, 수줍음 많음, 이기적임)
- 캐릭터는 자신의 물건에 대해 어떻게 생각하나요? (단정한/엉성한, 조심성 있는/부주의한)
질문의 선택은 무작위가 아닙니다. 그들은 대답될 것이다 전체보기캐릭터의 성격에 대해.
답변을 적어두고 작업 전체에 걸쳐 눈앞에 두는 것이 좋습니다.
그것은 무엇을 줄 것인가? 작품에서 성격의 모든 특성을 언급하지 않더라도 (미성년자 및 에피소드 캐릭터이렇게 하는 것은 합리적이지 않습니다.) 그럼에도 불구하고 작가의 캐릭터에 대한 완전한 이해가 독자에게 전달되어 이미지를 3차원으로 만들 것입니다.
ARTISTIC DETAIL은 캐릭터 이미지를 생성/발현하는데 큰 역할을 합니다.
예술적 디테일은 작가가 상당한 의미론적, 감정적 부하를 부여한 디테일입니다.
밝은 디테일전체 설명 부분을 대체하고 문제의 본질을 모호하게 만드는 불필요한 세부 사항을 잘라냅니다.
표현력이 풍부하고 성공적으로 발견된 세부 사항은 작성자의 기술을 입증하는 증거입니다.
특히 캐릭터 이름 선택과 같은 순간에 주목하고 싶습니다.
Pavel Florensky에 따르면 "이름은 개인 인식 범주의 본질입니다." 이름은 단지 명명되는 것이 아니라 실제로 사람의 영적, 육체적 본질을 선언합니다. 그들은 특정 이름을 가진 각 보유자에게 공통되는 개인 존재의 특별한 모델을 형성합니다. 이름은 사람의 영적 자질, 행동, 심지어 운명까지 미리 결정합니다.
소설 속 인물의 존재는 이름을 선택하는 것에서부터 시작된다. 영웅의 이름을 무엇으로 지정하는지는 매우 중요합니다.
Anna, Anka, Anka, Nyura, Nyurka, Nyusha, Nyushka, Nyusya, Nyuska라는 이름의 옵션을 비교하십시오.
각 옵션은 특정 성격 특성을 구체화하고 성격의 핵심을 제공합니다.
캐릭터의 이름을 결정한 후에는 진행하면서 (불필요하게) 변경하지 마십시오. 이는 독자의 인식을 혼란스럽게 할 수 있습니다.
인생에서 친구와 지인에게 작은, 애정 어린, 비난적인 태도로 (Svetka, Mashulya, Lenusik, Dimon) 전화하는 경향이 있다면 작문 작업당신의 열정을 통제하십시오. 예술 작품에서 그러한 이름을 사용하는 것은 정당해야 합니다. 수많은 Vovka와 Tankas가 끔찍해 보입니다.
캐릭터 시스템
문학적 영웅은 명백히 개인인 동시에 명백히 집단적이다. 즉, 그는 사회적 환경과 대인관계에 의해 생성된다.
귀하의 작품에 영웅이 단 한 명만 등장할 가능성은 거의 없습니다(이런 일이 발생했지만). 대부분의 경우 캐릭터는 세 개의 광선이 교차하는 지점에 있습니다.
첫 번째는 친구, 동료(좋은 관계)입니다.
두 번째는 적, 악의를 품은 자(적대 관계)입니다.
세 번째 - 기타 낯선 사람(중립관계)
이 세 개의 광선(그리고 그 안에 있는 사람들)은 엄격한 계층 구조, 즉 캐릭터 시스템을 만듭니다.
캐릭터는 작가의 관심 정도(또는 작품에 묘사되는 빈도), 캐릭터가 수행하는 목적 및 기능에 따라 구분됩니다.
전통적으로 주요 캐릭터, 보조 캐릭터, 에피소드 캐릭터가 있습니다.
작품의 중심에는 항상 MAIN CHARACTER(들)이 있습니다.
주인공적극적으로 마스터하고 변환합니다. 예술적 현실. 그의 성격(위 참조)은 사건을 미리 결정합니다.
공리 - 주인공은 밝아야 합니다. 즉, 그의 구조를 철저하게 설명해야 하며 간격이 허용되지 않습니다.
보조 캐릭터는 주인공 옆에 위치하지만 예술적 묘사의 배경에는 다소 뒤쳐져 있습니다.
작은 캐릭터의 캐릭터와 초상화는 거의 상세하지 않으며 점선으로 나타나는 경우가 더 많습니다. 이 영웅들은 주인공이 마음을 열고 액션의 발전을 보장하도록 돕습니다.
공리 - 보조 캐릭터는 메인 캐릭터보다 밝을 수 없습니다.
그렇지 않으면 그는 담요를 스스로 덮을 것입니다. 관련 분야의 예입니다. 영화 '열일곱 개의 순간'. 그중 하나에서 Stirlitz를 괴롭혔던 소녀를 기억하십시오. 최신 에피소드? (“그들은 우리 수학자에 대해 우리가 끔찍한 크래커라고 말합니다.... 하지만 사랑에 빠진 나는 아인슈타인입니다...”).
영화 초판에서는 그녀와의 에피소드가 훨씬 길었다. 배우 인나 울리야노바(Inna Ulyanova)는 너무 훌륭해서 모든 관심을 훔치고 장면을 왜곡했습니다. Stirlitz는 센터로부터 중요한 암호화를 받기로되어 있음을 상기시켜 드리겠습니다. 그러나 아무도 암호화에 대해 기억하지 못했습니다. 모두가 EPISODIC(완전히 통과 가능한) 캐릭터의 밝은 광대를 즐겼습니다. 물론 Ulyanov는 미안하지만 Lioznova 감독은 절대적으로 올바른 결정을 내리고이 장면을 잘라 냈습니다. 그래도 생각해 볼 예입니다!
EPISODIC HEROES는 작품 세계의 주변부에 있습니다. 그들은 성격이 전혀 없고 저자의 의지를 수동적으로 집행하는 역할을 할 수도 있습니다. 그들의 기능은 순전히 공식적인 것입니다.
긍정적이고 부정적인 영웅은 일반적으로 작품의 캐릭터 시스템을 두 개의 전쟁 세력("빨간색" - "백인", "우리" - "파시스트")으로 나눕니다.
ARCHETYPES에 따라 캐릭터를 나누는 이론은 흥미롭습니다.
원형은 상징과 이미지로 표현되고 모든 것의 기초가 되는 기본 아이디어입니다.
즉, 작품 속의 각 인물은 무엇인가의 상징이 되어야 한다.
고전에 따르면 문학에는 일곱 가지 원형이 있다.
따라서 주인공은 다음과 같을 수 있습니다.
- 주인공 – "액션을 가속화"하는 사람, 진정한 영웅.
- 적대자 - 영웅과 완전히 반대입니다. 내 말은, 악당.
- 가디언, 세이지, 멘토, 어시스턴트 - 주인공을 돕는 사람들
보조 문자는 다음과 같습니다.
- 친한 친구– 주인공에 대한 지지와 믿음을 상징합니다.
- 회의적 - 일어나는 모든 일에 의문을 제기합니다.
- 합리적 - 논리에만 근거하여 결정을 내립니다.
- 감정적 – 감정에만 반응합니다.
예를 들어 Rowling의 Harry Potter 소설이 있습니다.
주인공은 의심할 바 없이 해리포터 자신이다. 그는 악당인 볼드모트와 반대합니다. 덤블도어 교수=현자가 주기적으로 나타납니다.
그리고 해리의 친구들은 이성적인 헤르미온느와 감정적인 론이다.
결론적으로 문자 수에 대해 이야기하고 싶습니다.
그 수가 많으면 서로 복제되기 시작하므로 이는 좋지 않습니다(전형은 7개만 있습니다!). 등장인물 간의 경쟁은 독자들의 마음에 혼란을 야기할 것이다.
가장 합리적인 것은 어리석게도 영웅을 원형으로 확인하는 것입니다.
예를 들어, 당신의 소설에는 세 명의 노파가 등장합니다. 첫째는 명랑하고, 둘째는 똑똑하고, 셋째는 그냥 1층에 사는 외로운 할머니다. 스스로에게 물어보세요 – 그것들은 무엇을 상징하는가? 그리고 당신은 외로운 노파가 불필요하다는 것을 이해하게 될 것입니다. 그녀의 문구(있는 경우)는 두 번째 또는 첫 번째(노부인)에게 쉽게 전달될 수 있습니다. 이렇게 하면 불필요한 언어적 소음을 제거하고 아이디어에 집중할 수 있습니다.
결국 “아이디어는 작품의 폭군이다”(c) Egri.
주제는 시적 작품의 주제-의미 론적 순간을 구성하는 일련의 문학적 현상입니다. 주제 개념과 관련된 다음 용어는 정의 대상입니다: 예술 및 문학 작품의 주제, 동기, 줄거리, 줄거리.
문학 작품의 주제는 논리적으로 식별되고 언어 공식의 형태로 지정되는 의미론적 순간입니다.
전통적으로 주제는 아이디어(idea)라고 불립니다. 그리고 독일의 이상주의 미학은 시가 하나의 아이디어를 감각적인 이미지로 구현한 것이라고 주장했습니다.
문제는 문학 작품의 내용 측면 중 하나입니다. 원칙적으로 같은 주제 내에서도 선택된 작가, 다양한 문제가 발생할 수 있습니다. 모든 작업에는 여러 가지 문제가 있습니다.
작품의 문제는 사회적, 이데올로기적, 도덕적, 심리적 관점에서 작가에게 가장 중요해 보이는 측면을 선택한 자료(주제)에서 선택, 강조 및 강화하는 것입니다. 주제보다 이슈는 작가의 성격, 삶의 경험, 세계관을 더 많이 반영합니다.
V. Vishnevsky 작품의 주요 주제는 현재의 사회적, 정치적, 경제적 문제현대 사회.
시인이 반영한 현재 현상에 주목해야합니다. 러시아 현실음성 기호인 단어라고 합니다. 소비에트 시대 이후, 동시대와 시대 전체의 언어 취향을 설명합니다.
V. P. Vishnevsky의 작업은 아이러니하고 냉소적인 방식으로 사회의 특별한 관심이 필요한 소비에트 이후 시대의 현재 문제를 강조하는 선례 텍스트를 사용하는 것이 특징입니다. 예를 들어, 현재의 사회적, 과학적으로 진보적인 현상인 컴퓨터화는 다음 텍스트에 반영되어 있습니다.
“...세상에 더 좋은 것은 없습니다.
왜 어둠 속에서 인터넷을 돌아다녀요!..”
"세상에 방황하는 친구들보다 더 좋은 것은 없다..."(만화 "브레멘 음악대"의 노래)라는 텍스트 생성 기술이 현대 현실(인터넷)의 프리즘을 통해 굴절됩니다. 점점 인간성을 사로잡는다. 저자가 어둠 속에서 부사를 선택한 것은 우연이 아닙니다. World Wide Web의 열렬한 방문자는 밤에 인터넷에 접속하는 것을 선호하는 것으로 알려져 있습니다.
V. P. Vishnevsky의 시적 작품의 의미에 대한 작가의 의도에 대한 적절한 인식 문구 설정, 발신자와 수취인 사이에 동일한 배경 지식이 필요합니다. 따라서 인플레이션과 러시아 통화의 가치 하락은 V. P. Vishnevsky의 텍스트에서 아이러니하게 반복적으로 평가됩니다.
“...러시아 루블은 장미가 아니지만 빛이 바랬습니다.
그리고 오직 달러만이 영원히 녹색이다!..”
미국 통화 "녹색"에 대한 속어가 사용됩니다. 또한, "녹색으로 변한다"라는 단어는 색상의 유사성을 기반으로 한 비유입니다(달러). 녹색 색상) 따라서 속어 의미를 부과합니다. 문학적 의미"녹색으로 변하다", 즉 "녹색이 된다"는 문맥상 "의미론적 증가"를 생성합니다. 색상의 유사성과 "젊음 - 젊음 - 꽃이 만발함"이라는 속성으로 인해 "녹색"이라는 단어의 의미가 향상됩니다. 따라서 "강화되고, 더 큰 권위를 얻고, 루블보다 우월하다"는 의미로 "녹색으로 변한다"라는 의미의 신조어가 만들어집니다.
분석된 텍스트는 확장된 은유입니다. 루블과 달러는 식물입니다. 명명된 기술은 문학적 텍스트를 구두 구어체 연설에 더 가깝게 만들어 현재의 현실 현상에 대한 화자와 수취인의 충동적인 반응을 표현합니다.
V. P. Vishnevsky의 텍스트는 J. V. Goethe의 비극 "Faust"의 선례 진술을 패러디 한 것입니다. 여기서 Mephistopheles는 학생에게 다음과 같은 말을합니다.
“친구여, 이론은 무미건조해요.
그러나 생명나무는 푸르게 자라나니..."
(B. Pasternak의 독일어 번역).
V.P. Vishnevsky는 웃음 계획에서 텍스트 생성 기술을 사용하여 현실의 특정 사실을 평가합니다. 예를 들어:
“...자연에는 나쁜 것이 없습니다.
크렘린에는 좋은 곳이 없어요..."
"자연에는 악천후가 없습니다" - E. Ryazanov의 영화에 나오는 인기 노래의 대사 " 직장에서의 연애" 미니어처 디자인의 평행성을 통해 수취인은 "크렘린의 날씨가 좋지 않습니다"라는 문구를 완성할 수 있으며 이는 해당 국가의 현재 상황에 대한 부정적인 평가를 보여줍니다.
“...나의 공범자, 명예 투자자,
내가 포로 생활 중에 병에 걸렸을 때,
추코트카가 첼시로 바뀌었습니다. -
이보다 더 좋은 것은 상상할 수 없었습니다..."
이 텍스트를 이해하려면 보낸 사람과 수취인이 공통 배경 지식을 갖는 것이 중요합니다. 2003년 Chukotka 지역 주지사 R. Abramovich가 영국 축구 클럽 Chelsea를 인수했습니다. A. S. Pushkin의 "Eugene Onegin"구절의 소설 시작 부분을 인용하면 아이러니가 강화되어 풍자로 발전합니다.
V.P. Vishnevsky의 텍스트에 대한 우리의 관찰에서 알 수 있듯이 그들은 종종 선행 텍스트를 기반으로 생성됩니다. 이것은 현실 현상에 대한 아이러니하거나 냉소적인 평가를 만드는 적극적인 방법 중 하나입니다.
Vishnevsky시의 내용은 완전히 통일되어 있습니다. 비슈네프스키의 주제 범위의 기초는 에로틱한 승리의 동기(때때로 다양성, 당황스러움)와 자신의 미미함과 주변 세계의 아이러니한 상관관계, 그리고 두 번째보다 첫 번째가 명백히 암시된 우월함입니다. 이 모든 텍스트에서 행동하는 서정적 주제는 변함없이 자신과 동일하며 매너리즘으로 이해할 수 있는 정중함과 변장되지 않은 무례함을 결합합니다.
그의 작품은 연애와 당혹감을 주제로 한 것이 특징이다. Vishnevsky의 모노스티치에서는 특정 유형의 서정적 주제가 안정적입니다. 예의바르고 부끄러운 주제(여성 작가의 경우 주제의 성별은 변경되지만 성격은 변경되지 않음), 특정 주제: 에로틱한 승리(때때로 다양성, 당혹감을 위해), 아이러니한 주제 자신의 미약함과 외부 세계의 상관관계는 외부 세계에 대한 전자의 우월성을 암시합니다.
문학 비평에서 예술 작품의 문제는 일반적으로 이해의 영역, 즉 반영된 현실에 대한 작가의 이해로 이해됩니다. 이것은 작가의 세계와 인간에 대한 개념이 드러나는 영역이며, 작가의 생각과 경험이 포착되는 영역이며, 주제가 다음과 같이 고려되는 영역입니다. 특정 각도비전.
문제 수준에서 독자에게 대화가 제공되고, 하나 이상의 가치 체계가 논의되고, 질문이 제기되고, 하나 또는 다른 삶의 방향에 대한 예술적 "논쟁"이 제공됩니다.
문제는 예술 콘텐츠의 중심 부분이라고 할 수 있습니다. 왜냐하면 일반적으로 여기에는 작가의 독특한 세계관이라는 작업을 위해 우리가 작업하는 대상이 포함되어 있기 때문입니다.
당연히 이 문제는 독자의 더 많은 활동을 요구합니다. 만약 그가 주제를 당연하게 여긴다면, 그는 문제와 관련하여 저자의 성찰과 경험에 따라 자신의 생각, 동의 또는 불일치, 성찰 및 경험을 가질 수 있고 가져야 합니다. 그러나 그들과 완전히 동일하지는 않습니다.
위의 첫 번째 섹션에서는 M.M.의 유익한 아이디어에 대해 논의했습니다. 바흐틴에 대해 특정인지작가와 독자 사이의 대화로서의 예술적 콘텐츠; 이 아이디어는 대부분 작업의 문제와 정확하게 관련됩니다.
주제와 달리 문제는 주관적인 측면따라서 예술적 내용, 작가의 개성, 원작자의 세계관, 또는 L.N. 이 쓴 것처럼 최대한 표현됩니다. 톨스토이, "주제에 대한 작가의 원래 도덕적 태도."
객관적 현실이 작가에게 제공하는 주제의 수는 필연적으로 제한되어 있기 때문에 전혀 다른 작가의 작품이 동일하거나 유사한 주제에 대해 집필되는 것은 드문 일이 아닙니다. 그러나 문제가 일치하는 작품을 쓴 주요 작가는 두 명 없습니다.
문제의 독창성은 작가의 일종의 명함이다. 따라서 그의 작품에서 시라는 주제를 우회하는 시인은 거의 없었지만, 이 주제와 관련된 문제가 시인마다 얼마나 다르게 들리는가!
푸쉬킨은 시를 신의 영감을 받은 예언자인 "뮤즈의 봉사"로 보고 시인의 위대함과 민족 문화를 위한 그의 역할을 강조했습니다. Lermontov는 군중 속에서 시인의 자랑스러운 외로움, 그의 이해력 부족 및 비극적 운명을 강조했습니다.
Nekrasov는 시적 창의성의 시민권과 "슬픔의 시대"에 시인 활동의 사회적 유용성에 대한 문제를 제기하면서 "순수 예술"이론에 대해 날카롭게 말했습니다. Blok에게 시는 주로 해석자이자 표현자였습니다. 신비로운 비밀존재.
마야콥스키는 시를 일종의 '생산'으로 간주한 최초의 사람으로, '노동계급에서 시인의 위치'에 대한 의문을 제기했다. 보시다시피 주제의 통일성으로 인해 각 시인의 문제는 매우 개인적이고 주관적인 것으로 나타났습니다.
이상으로 볼 때, 예술적 내용의 구성에 있어 문제가 갖는 의미는 분명하다. 작품의 중심 문제는 예술적 무결성의 모든 요소에 스며드는 구성 원칙으로 나타나는 경우가 많습니다.
많은 경우, 문학 작품은 여러 가지 문제를 안고 있으며, 이러한 문제가 항상 작품 내에서 해결되는 것은 아닙니다. AP Chekhov는 아이디어 이전에도 문제에 우선 순위를 두면서 올바르게 썼습니다. “당신은 두 가지 다른 현상, 즉 문제 해결과 문제 해결을 혼동하고 있습니다. 올바른 위치질문. 아티스트에게는 두 번째만 필수입니다.
"Eugene Onegin"이나 "Anna Karenina"에서는 단 하나의 질문도 해결되지 않았지만 모든 질문이 올바르게 제기되어 있기 때문에 완전히 만족합니다."(1888년 10월 27일자 A.S. Suvorin에게 보낸 편지) 작품의 문제는 독자에게 생각하고 경험할 수 있는 기회를 제공하며, 이것이 본질적으로 우리가 소설로 전환하는 주요 이유입니다.
그러므로 어떤 경우에도 문제 분석을 무시해서는 안 된다는 것이 분명합니다. 한편, 이는 문제와 문제의 개념이 독립된 존재조차 갖지 않는 학교 문학 비평의 실천에서 종종 이루어집니다. 작품의 주제에서 학교 분석아이디어로 곧바로 뛰어 들었고 저자는 "와서보고 반영하고 브랜드화 (또는 노래)"한 것으로 나타났습니다.
그것의 주요 측면은 창작 과정에 대한 아이디어, 즉 작가가 브랜딩이나 노래를 부르기 전에 생각하고 느낀 것에서 사라집니다. 그리고 작품의 예술적 전체에 대한 아이디어에서 가장 흥미로운 것들도 "씻겨 나갔습니다". 때로는 답변이 없거나 이러한 답변이 논쟁의 여지가 있는 질문입니다. 반성, 경험, 독자의 생각과 감정을 자극하는 모든 것.
그 결과, 왜곡될 정도로 단순화된 예술적 내용에 대한 아이디어는 찾을 것이 없고, 인생 경험과 노력을 적용할 필요가 없는 수학적으로 명확하고 단순한 체계로 떠오른다. 이해 등
문제 분석과 관련된 이러한 상황은 고전 문학 작품의 진정한 풍부함(감정적, 지적)을 드러내는 것을 불가능하게 합니다.
조금 더 앞을 내다보면 관례적이고 일반적으로 수행되는 테마와 "이미지"가 아닌 콘텐츠 분석을 시작하는 것이 좋습니다. 중심 문제공장. 이 접근 방식에는 여러 가지 분명한 장점이 있습니다. 즉, 작업에서 가장 중요한 것을 즉시 다루고, 학생들의 지속적인 관심을 불러일으키고 유지하며, 문제 기반 학습 원리와 과학 원리를 결합할 수 있습니다.
문제에 대한 실질적인 분석을 위해서는 특정 작품, 특정 저자의 개별 고유성을 식별하는 것이 항상 중요합니다. (적어도 분석을 준비하는 과정에서는) 연구 중인 작업을 다른 사람과 비교하고 그 작업이 독특하고 반복할 수 없는 것이 무엇인지 이해합니다.
즉, 주어진 작품의 '열정'을 찾는 것이 중요한데, 예술적 내용을 이야기하면 문제의 영역에 속하는 경우가 많다. 이 방향의 첫 번째 단계로 연구 중인 작업에서 문제 유형을 설정하는 것이 좋습니다.
에신 A.B. 문학 작품 분석의 원리와 기법. - 엠., 1998
과학, 철학, 문화의 가장 중요한 경향 중 하나 지난 수십 년이에 대한 합리성과 관념의 형태 변화이다. 안에 현대 세계합리적인 것과 비합리적인 것이 어떻게 관련되어 있는지, 그리고 그것이 인간 활동의 특정 형태에 어떻게 영향을 미치는지에 대한 이해는 급격하게 변화하고 있습니다. 현재 창의성의 위치와 의미에 대한 생각이 변화하고 있습니다. 결국 바로 이런 현상이다. 인간 존재비합리적이고 합리적인 원칙이라는 단일 전체의 반대 표현으로서 뗄 수 없는 연결로 병합하고 통합합니다. 그러므로 철학적 이해와 연구는 다양한 면창의성의 형태는 풍요롭게 할 뿐만 아니라 경험적 지식자연과 인간에 관한 것뿐만 아니라 복잡한 철학적, 심리적 범주를 분석하기 위한 복잡한 방법을 만드는 기초가 될 수도 있습니다.
철학 발전의 전체 역사적 기간 동안 창의성에 대한 아이디어가 크게 변했습니다. 신비로운 견해의 틀 내에서 그것은 주로 신성한 계획의 실행으로 간주되었습니다. 최선의 시나리오오직 '수행하는 역할'만 준비되어 있습니다. 신비적 접근 방식에 대한 비판에도 불구하고 그것은 오랫동안 창의성에 관한 철학적 사상을 지배했습니다. 이 범주에 대한 각 후속 연구 단계는 해당 범주 자체와 개인의 독립적인 창의적 활동 가능성에 대한 지식을 풍부하게 하고 확장했습니다.
고대 사상가들 사이의 창의성 문제에 대한 관심은 체계화의 출현과 거의 동시에 발생했습니다. 철학적 지식. 고대 철학자들은 창의성이 신성과 인간이라는 두 가지 형태로 존재할 수 있다고 믿었습니다. 신적 창조성이 우주와 생명의 창조 행위로 표현된다면, 인간의 창조성은 예술과 공예의 형태로 표현된다. 사람이 "세상적인 일"에서만 신성한 뜻을 깨닫는다면 인간의 창의성은 신성한 계획에 달려 있습니다.
고대 시대에 사상가들은 인지와 창의성에서 아이디어 교환의 역할에 대해 처음으로 가정했습니다. 그래서 소크라테스는 새로운 지식을 생성하는 대화적 방법인 마이우틱스(maieutics)의 중요성도 지적했습니다. 진리 탐구는 모순을 극복함으로써 이루어졌습니다. 특별히 공식화 된 질문의 도움으로 대담자는 잘못된 생각을 식별하고 포기할뿐만 아니라 진실을 찾는 길을 따라 나아갈 기회를 가졌습니다. 소크라테스는 생각과 생각, 고찰의 교환을 위한 유리한 기회가 만들어지는 의사소통 과정에서 사상가들이 서로에게 미치는 영향의 중요성을 거듭 지적했다.
아리스토텔레스는 또한 창의성의 문제에도 관심을 기울였습니다. R. Mayer는 그를 "사고와 창의성을 설명하는 과학적 접근 방식의 아버지"일 뿐만 아니라 창의성에 대한 많은 과학적 이론의 기반이 되는 "연합주의 철학"의 대표자로 간주합니다[Mauer, 1992]. 사람의 감정을 매우 중요하게 생각하는 아리스토텔레스는 자신의 삶에서 예술의 역할이 매우 중요하다고 강조했습니다.
기독교 철학에서 창의성의 문제는 축복받은 어거스틴과 토마스 아퀴나스와 같은 이 역사적 시대의 저명한 대표자들의 저술에 반영됩니다. 그들의 작품은 창의성의 신성한 본질을 다시 한 번 선언했습니다. 중세에는 재능이나 특별한 능력(주로 남성에게 부여됨)이 “신의 선택”의 표현이라는 공통된 믿음이 있었습니다. 이러한 능력을 지닌 사람들은 여전히 신성한 창조 계획의 “지휘자”로 인식되었습니다.
어거스틴은 창조성을 “비존재로부터 존재를 불러내는” 신의 행위로 묘사합니다. 동시에 그는 이미 존재하는 것을 다루는 마음과 달리 의지를 성격의 기능으로 구별하여 존재하지 않는 것을 다루고 무언가를 창조합니다. 어거스틴은 하나님의 인간 창조 활동에 대한 “통제”뿐만 아니라 그에 대한 종교 기관의 영향도 강조합니다. 그는 기독교가 인간의 창조력을 발견하는 데 결정적인 역할을 할 것이라고 생각합니다.
창의성의 의미를 이해하는 데 중세 철학자들의 기여를 결정한 요소 중 하나는 다음과 같습니다. 그들은 그것을 많은 사람들의 창의적이고 활동적인 활동을 대표하는 '역사의 창조'로 여러 면에서 보기 시작했다는 것입니다. 그러한 활동은 참여자들 사이의 상호작용 조건에서만 일어날 수 있다는 것은 명백합니다.
창의성의 본질에 대한 철학적 이해에서 주목할만한 다음 단계는 르네상스 시대입니다 (F. Petrarch, G. Boccaccio, B. Telesio, M. Montaigne 등). 이 시기 개발의 가장 중요한 특징 중 하나는 인류 문명강조점을 하나님에게서 사람으로 옮기는 것입니다. 물론 이것은 의미, 출처 및 프로세스에 대한 견해 분야의 우선 순위 변경에 반영될 수밖에 없습니다. 인간의 창의성. 그 안에 역사적 기간인간의 창조적 활동은 더 이상 신성한 계획의 표현으로만 간주되지 않습니다. 그는 하나님으로부터 "자신을 해방"하고 스스로 창조하기 시작합니다. 르네상스 시대에는 창의성이 주로 예술적 형태로 이해되었습니다. 그렇기 때문에 특별한 역할작가의 창의적 결과물의 독창성과 특이성이 중요한 역할을 하기 시작했는데, 이는 현대 철학적, 심리적 아이디어에서 창의성의 이러한 특성에 특별한 관심을 기울이기 위한 전제 조건이었습니다.
근대에 이르러 인간의 자유는 국가, 종교, 사회적 제한 등 모든 형태의 압력을 거부하는 근본적인 가치 중 하나로 간주되기 시작했습니다(F. Bacon). 이러한 아이디어에 비추어 창의성에 대한 아이디어와 연구의 다양한 측면이 변화하고 있습니다. 따라서 T. Hobbes는 '창조적 상상력'의 엄청난 중요성을 최초로 지적한 사람 중 한 사람입니다.
이 기간 동안 창의성 개념과 인간의 창의적 능력의 내용과 경계에 대한 논쟁은 천재의 잠재력과 그 발현이 사회 정치적 분위기에 달려 있다는 가정의 출현으로 이어졌습니다. 말 XVIII 세기많은 철학자들은 사람들 사이의 자유로운 생각 교환이 어려운 억압적이고 전체주의적인 사회에서는 천재도 재능도 살아남을 수 없다고 지적했습니다. 외부, 특히 사회적 지원의 중요성도 언급되었습니다. 창작 활동. 인간의 창의적 활동의 산물 교환의 중요성을 이해하는 데 중요한 자극은 최초의 등장으로 나타났습니다. 과학 저널. 이를 통해 아이디어 교환 조직을 더 많이 늘릴 수 있었습니다. 높은 레벨공동 창의성의 이점을 이해하기 위한 전제 조건을 만들었습니다.
뉴에이지와 계몽주의 시대에는 이미 위에서 언급한 인간 창의성 연구에 대한 연합주의적 접근 방식의 발전에 추가적인 자극이 주어졌습니다. 이는 주로 J. Locke와 T. Hobbes의 노력 덕분에 일어났습니다. 그들이 개발한 교육의 일부 조항은 현재 창의성 심리학에서 계속 이어지고 있습니다.
독일 고전 철학이 발전하는 동안 상대적으로 조화로운 창의성 개념은 I. Kant에 의해 창안되었고 F. Schelling에 의해 개발되었습니다. 칸트는 창의적 활동을 “상상력의 생산적 능력”으로 봅니다. 동시에 그는 창의성에 대한 이러한 아이디어를 개신교의 아이디어와 연결합니다. 활동적인 일, 주변 현실을 변화시키고 감각 세계와 이성 세계를 연결합니다. 창의적 활동의 감정적 요소와 지적 요소 사이의 관계는 심리학 연구자들에 의해 추가로 연구되었습니다 [Vygotsky, 1998, 2003; 티코미로프, 1975,1984].
독일 고전 철학의 틀 내에서 창의성 문제의 발전에서 특정 위치는 무의식적 측면의 중요성에 대한 연구가 차지합니다. F. Schelling에 따르면 창의적인 상상력은 의식적, 무의식적 인간 활동의 종합입니다. 천재는 주로 무의식적으로 위에서부터 특별한 영향, 즉 신성한 충동을 받는다고 가정하기 때문에 특별한 유형의 창의성으로 간주됩니다. 동시에 천재의 창조적 활동은 그 사람 자신의 주관적인 현실에서 일어난다는 점이 주목됩니다.
19세기 말부터 20세기 초는 삶의 영적, 비합리적 측면, 특히 창의성에 특별한 관심을 기울이는 여러 철학적 운동의 출현으로 특징지어집니다. 이러한 접근 방식은 주로 산업 발전과 관련된 기계주의적, 기술주의적 경향에 반대하여 발전했습니다. 자연 과학. 그중 특별한 위치는 삶의 철학과 실존주의가 차지합니다.
삶의 철학은 창의성을 현상으로 간주합니다. 인간의 삶, 인간의 생물학적 본질에 의해 결정됩니다. 이 범주의 세부 개념을 제안한 이러한 경향의 가장 뛰어난 대표자 중 한 명은 A. Bergson입니다. 그의 생각에 창의성은 비합리적인 직관과 밀접한 관련이 있습니다. 신성한 선물는 모든 사람의 특징은 아니며[Bergson, 2001] 성실성, 비폭력, 유기성을 특징으로 합니다. A. Bergson은 창의성의 주요 특징 중 하나로 세상에 대한 개방성을 세상과 상호 작용하려는 의지로 인식했습니다. 생명철학에서 창의성은 생물-자연적 결정론의 틀 안에서뿐만 아니라 많은 사람들의 공동 노력 없이는 불가능한 문화와 역사의 창조로도 간주됩니다.
이 역사적 시대에 가장 인기 있는 또 다른 방향인 실존주의의 틀 내에서 인간 삶의 철학적, 예술적, 도덕적 영역에서 가능한 창의성의 개인적, 영적 본질의 가장 중요한 중요성이 강조됩니다. . N.A.는 그 의미를 이해하는 데 명확한 흔적을 남겼습니다. Berdyaev. 그의 모든 탐구와 취미의 교차 주제는 창의적인 사람인 Homo creatus입니다 [Berdyaev, 2002]. “창의성 철학에서 가장 중요한 것은 인간이 완전하고 안정된 존재 체계에 있지 않다는 의식이며, 이로 인해 인간의 창조적 행위가 가능하고 이해할 수 있다는 것입니다. 또 다른 기본 입장은 인간의 창조적 행위는 세계 문제의 재편성과 재분배일 뿐만 아니라, 세계의 주요 문제의 발산, 유출일 뿐만 아니라, 세계 속의 물질의 설계일 뿐이라는 것입니다. 그것에 이상적인 형태를 부과한다는 의미입니다. 인간의 창조적 행위에는 포함되지 않은 새로운, 존재하지 않는 것이 도입됩니다. 이 세상, 그 구성에서 영원히 주어진 이상적인 형태가 아니라 자유, 어두운 자유가 아니라 계몽의 자유로부터 세계의 다른 평면을 돌파합니다.”[Berdyaev, 1995, p. 247-248]. 교육의 자유를 강조한다는 것은 그것이 나온 사람뿐만 아니라 다른 사람도 변화시키는 창의적인 행위의 사회적, 인도주의적 중요성을 인식하는 것을 의미합니다.
철학자의 방향 XIX 후반- 20세기 초 인간의 창의성의 의미를 탐색하고 그 실존적 중요성을 인식한다는 것은 그 틀 안에 부각하고 포함시키는 것을 의미한다. 철학적 분석목표와 효과뿐 아니라 절차적인 측면도 중요합니다. 이는 심리학의 틀 내에서 창의성의 메커니즘과 인간과 주변 현실(주로 사회문화적) 사이의 상호 작용 방식에 대한 질문을 제기하기 위한 기초를 마련하여 창의적 과정을 결정하고 존재를 가능하게 합니다. 사람들 사이의 다양한 형태의 아이디어 교환.
가장 중요한 것 중 하나 고유 한 특징현대 철학은 과학의 엄격한 기준에 초점을 맞추는 것을 거부하고 인간에 대한 더 큰 관심을 거부합니다. 자신의 생각, 생각, 경험을 가진 사람에 대한 관심을 높인다는 의미에서 현대사우리 의견으로는 철학의 발전은 여러 면에서 르네상스와 유사합니다.
인간 창작 활동의 의미에 대한 현대적 이해의 기원은 이미 M. Heidegger와 H.G. Gadamer는 철학적 해석학에서 인간의 이해의 자유는 텍스트에 대한 자신의 해석에서 나타납니다. 텍스트의 저자와 해석자 모두 단일하고 통합적인 창의적 제품의 동등한 "창작자" 역할을 합니다. 저자와 텍스트 해석자 사이에서 텍스트를 매개로 하는 생각과 아이디어의 교환은 의미론적 유연성을 보장하고, 창작 단계뿐만 아니라 독서 단계에서도 독창적인 아이디어가 출현할 수 있는 기반을 제공합니다. 그리고 해석.
당신 것 추가 개발인간의 창의성이 '해방'된다는 생각은 연구의 대상이 질서가 아니라 경계 너머에 있는 혼돈이 되는 포스트 구조주의(J. Deleuze, J. Derrida, J. Kristeva)에서 발견되었습니다. 온갖 종류의 구조물. 가장 다양한 의견의 존재와 충돌과 효과적인 아이디어 교환을 보장하는 이러한 혼란 속에서 창의성과 모든 종류의 해석에 대한 무한한 전망이 사람에게 열립니다.
그의 작품에서 인간 해방을 향한 경향은 철학의 포스트 모더니즘 방향에서도 상당 부분 나타났습니다 (J. Baudrillard, J. Bataille, J. Deleuze). 이 철학적 방향의 틀 내에서 이것은 주로 원인과 결과 관계를 식별하고 거의 평등을 인식하는 데 기반을 둔 엄격한 자연 과학적 세계 그림을 거부했기 때문에 발생했습니다. 모든 의견과 판단은 단일 창작 과정에 무한한 수의 공동 저자가 참여한다는 것을 의미합니다. 20세기 말 창의성 철학에서 포스트모던과 포스트구조주의 경향의 인기 증가는 창의성의 신적 결정 요소와 창의성의 요소를 제시하고 종합한 그 본질을 이해하기 위한 동양적 신비주의적 접근 방식의 인기 증가와 병행하여 발생했습니다. 서양 철학의 최신 발전(Sri Aurobindo, Osho Rajneesh 등).
일반적으로 창의성의 본질과 역할을 이해하는 주요 철학적 접근 방식을 분석하면 인간 삶의 본질과 중요성에 대한 이해가 역사적 시대마다 바뀌는 것으로 나타났습니다. 신비로운 아이디어는 현실적인 아이디어로 바뀌었고 인간과의 상호 작용에 중점을 두었습니다. 더 높은 권력, 그러나 당신 자신과 당신과 같은 다른 사람들과 함께. 다음과 같이 철학적 사고예를 들어 창작 과정에서 무의식의 역할, 주제의 창작 활동의 산물에 대한 사회적 평가의 중요성과 관련된 더 좁은 철학적, 심리적 문제를 해결하려는 시도가 점점 더 많이 이루어졌습니다. 개인의 창의성을 더 넓은 맥락에 맞추는 것을 가능하게 하는 사회문화적 패러다임의 출현과 발전을 위해 철학적 전제조건이 만들어졌습니다. 이와 관련하여 다양한 역사적 시대그리고 다양한 수준에서 다양한 형태의 창의적 활동에 대한 철학적, 심리적 분석이 시도되었습니다. 이 문제는 후기 산업화 및 정보화 사회의 개념 개발 맥락에서 더욱 중요해졌습니다.