K.G. 의 텍스트를 기반으로 한 통합 상태 시험에 대한 에세이. Paustovsky. 산문 작가는 창의적 글쓰기에 인접한 예술 분야와 어떤 관계를 맺어야 합니까?그는 그림, 건축, 음악에 관심이 있어야 할까요? "부인할 수 없는 진실이 있지만, 우리의 게으름이나 무지로 인해 인간의 활동에 아무런 반응도 없이 허무하게 거짓말을 하는 경우가 많습니다."
산문 작가는 창의적 글쓰기에 인접한 예술 분야와 어떤 관계를 맺어야 합니까? 그는 그림, 건축, 음악에 관심이 있어야 할까요? 분석을 위해 제안된 텍스트의 저자인 K. Paustovsky와 관련된 질문은 바로 이러한 질문입니다.
이 문제를 고려하여 K. Paustovsky는 다양한 유형의 예술이 산문에 어떤 영향을 미치는지 논의합니다. 그는 관련 예술 분야에 대한 지식이 “산문 작가의 내면 세계를 엄청나게 풍요롭게 하고 그의 산문에 특별한 표현력을 부여한다”고 썼습니다. 작가가 이 지식을 무시한다면 그의 작품은 독자의 기억에 아무 것도 남지 않게 됩니다. 그들은 삶을 재현하지도 않고 이미지도 갖고 있지 않습니다. 저자의 추론은 좋은 문체만으로는 고품질의 산문을 만드는 데 충분하지 않다는 생각으로 우리를 이끈다. 작가는 다양한 예술 분야에 대한 지식을 갖고 있어야 합니다. 자신의 의견을 확인하기 위해 저자는 제기된 주제에 대한 자신의 관찰에서 다른 사람의 의견으로 전환합니다. K. Paustovsky는 한때 작가에게 자신의 창의적인 비전을 개발하라고 조언했던 예술가에 대해 이야기합니다. 예술가가 K. Paustovsky에게 준 조언은 "꼭 그림을 그려야 한다는 생각을 가지고 한두 달 동안 모든 것을 살펴보십시오. "였습니다. 저자는 자신이 그 조언을 따랐고 곧 사람과 사물 모두가 이전보다 훨씬 더 흥미로워 보이기 시작했다는 것을 인정합니다. 이 이야기를 통해 작가는 작가는 다양한 유형의 예술을 연구해야 하며 자신 안에서 예술가, 건축가, 음악가를 결합할 수 있어야 함을 증명합니다. 그래야만 그의 작업의 결과가 관심과 칭찬을 받을 가치가 있을 것입니다.
이 두 가지 예는 동일한 문제에 대한 두 사람의 의견을 보여주고 창작에 인접한 예술 영역이 산문 작가에게 매우 중요하다는 것을 증명하기 때문에 문제를 이해하는 데 상호 연결되어 중요합니다.
작가는 시, 회화, 건축, 조각, 음악에 관심을 갖는 것 등 자신의 세계관을 확장하는 그 어떤 것도 소홀히 해서는 안 된다고 믿는다. 이러한 지식은 산문 작가의 작품에 색채, 신선함, 개성을 더해줍니다. 나는 저자의 의견에 동의합니다. 작가는 그의 작품이 생생한 이미지와 진지한 감정으로 가득 차도록 다양한 유형의 예술에 정통해야합니다.
예술계에는 내 생각을 확증하는 사례가 많이 있는데, 그 중 하나가 보리스 파스테르나크입니다. 유명한 시인은 다른 유형의 예술에도 잘 알고 있었습니다. 그는 그림, 음악, 철학 과학을 좋아했습니다. 이러한 광범위한 지식은 오늘날 수천 명의 팬을 보유하고 있는 그의 작업에 확실히 영향을 미쳤습니다.
따라서 작가는 자신의 작품이 깊은 의미와 표현적인 이미지로 가득 차도록 다양한 유형의 예술을 연구해야 합니다.
예술가는 미적 발전과 현실에 대한 창의적 재고의 결과로 예술 작품을 창작합니다. 그 안에 구현 된 작가의 생각, 기분, 세계관은 사회를 대상으로하며 미적 인식 과정에서만 다른 사람들이 이해할 수 있습니다. 미적 인식 예술 작품(또는 예술적 인식)은 예술의 특정 비유적 언어에 대한 이해와 평가에서 표현되는 특정 미적 태도의 형성을 통해 예술 작품에 대한 정서적 이해를 특징으로 하는 특별한 형태의 창의적인 인지 활동입니다.
예술 작품은 정신적, 실제적 활동의 산물이며 이러한 유형의 예술 수단을 통해 표현된 특정 정보를 전달합니다. 예술 작품에 대한 사람의 인식 과정에서 이 정보를 기반으로 인식 가능한 대상의 독특한 모델이 그의 의식에 형성됩니다. "보조" 이미지. 동시에 생겨난다 미적인 느낌, 특정 감정 상태. 예술 작품은 그 안에 묘사된 사건이 비극적이거나 부정적인 성격을 담고 있는 경우에도 사람에게 만족감과 즐거움을 불러일으킬 수 있습니다.
예를 들어 예술가가 묘사하는 불의나 악에 대한 사람의 인식은 물론 긍정적인 감정을 불러일으킬 수 없지만, 사람이나 현실의 부정적인 성격 특성을 예술적 표현하는 방법 자체가 만족감과 감탄을 불러일으킬 수 있습니다. 이는 예술 작품을 인식할 때 그 내용뿐만 아니라 이 내용을 구성하는 방식, 즉 예술적 형식의 존엄성을 평가할 수 있다는 사실로 설명됩니다.
예술적 인식에는 예술 작품을 해석하는 다양한 방법과 다양한 해석이 포함됩니다. 특정 작품에 대한 개인의 인식은 사람마다 다르게 발생하며, 같은 사람이라도 문학 작품을 여러 번 읽으면 이미 알려진 것에서 새로운 인상을 받습니다. 예술 작품과 그것을 인식하는 대중 사이에 역사적 거리가 있을 때, 이는 일반적으로 미학적 거리, 즉 미적 요구 사항 시스템의 변화, 예술 평가 기준과 결합되어 문제가 발생합니다. 예술 작품에 대한 올바른 해석의 필요성에 대해. 여기서 우리는 과거의 문화 기념물에 대한 전체 세대의 태도에 대해 이야기하고 있습니다. 이 경우 그 해석은 현대 예술가가 어떻게 연주하고 읽는지에 따라 크게 달라집니다(특히 공연 예술 분야: 음악, 안무, 연극 등).
예술 작품을 인식할 때 사람은 이미 언급했듯이 특정 행위를 저지릅니다. 정신 활동. 작업의 구조는 이 활동의 방향, 질서, 내용의 가장 중요하고 중요한 측면에 대한 관심 집중에 기여하므로 인식 과정의 구성에 중요한 영향을 미칩니다.
모든 예술가의 창작물은 실제 생활의 특징과 모순, 현대 시대의 특징적인 사회적 정서 및 추세를 반영합니다. 예술 속 전형적인 사건과 인물의 비유적 반영은 예술 작품을 현실을 이해하는 특별한 수단으로 만듭니다. 예술 작품은 예술가의 활동뿐만 아니라 사회 환경, 시대, 사람의 영향, 즉 사회 역사적 발전의 산물입니다. 예술의 사회적 성격은 예술가의 창작 과정과 세계관의 사회적 조건뿐만 아니라 작품에 대한 대중의 인식과 평가의 성격에 대한 사회 생활의 결정적인 영향에서도 표현됩니다. 사회 발전의 산물인 예술은 예술적 가치를 적극적으로 창의적으로 습득하는 개인의 능력을 형성하는 데 중요한 역할을 합니다. 그럼에도 불구하고, 지각의 대상으로서의 예술 작품은 예술을 숙달하고 이해하는 능력에 영향을 미치는 유일한 요소와는 거리가 멀습니다.
미적 인식은 인간 정신의 개별 특성, 예술과의 적극적인 의사 소통에 대한 태도, 일반적인 문화 수준 및 세계관, 정서적 및 미적 경험, 국가 및 계급 특성을 포함하는 다양한 조건의 영향을 받아 형성됩니다. 이러한 요소 중 일부를 자세히 살펴보겠습니다.
사회의 역사적 발전의 이 단계에서 객관적으로 발생하는 영적 요구는 사회적 태도로 나타나는 공익으로 표현됩니다. 설치 -이것은 특정 방식으로 현상을 인식할 준비가 되어 있으며, 이전, 이 경우 미학적 경험의 결과로 사람에게 생성된 심리적 분위기입니다. 배경은 예술 작품에 대한 해석과 이해가 이루어지는 기초입니다. 특정 유형이나 예술 장르에 대한 개인의 내부 성향, 그가 알게 될 작품에 내재된 특정 특징은 그의 인식의 정확성과 유용성에 크게 기여할 것입니다. 결과적으로 인식 자체는 사람의 예술에 대한 새로운 태도를 형성하고 이전에 확립된 태도를 변화시켜 태도와 인식의 상호 영향을 미칩니다.
예술에 대한 미적 인식의 성격을 결정하는 또 다른 중요한 점은 문화적 수준 현실과 예술을 객관적으로 평가하는 능력, 예술적 현상을 설명하는 능력, 이러한 현상에 대한 이해를 미학적 판단으로 표현하는 능력, 폭넓은 예술교육을 특징으로 하는 사람. 국민의 문화적 수준을 높이는 것은 미적교육의 가장 중요한 조건의 하나이다. 예술과의 지속적인 의사 소통은 예술에 대한 특정 판단을 표현하고, 다른 시대와 민족의 작품을 평가하고, 비교하고, 자신의 의견을 정당화하는 능력을 개발합니다. 예술적 가치를 인식함으로써 사람은 정서적 경험을 얻고 자신을 풍요롭게 하며 영적 문화를 향상시킵니다. 결과적으로 인식과 이에 대한 준비 수준은 상호 영향을 미치고, 서로를 자극하고 활성화시킨다.
위의 요소를 고려하면 예술 작품을 인식하는 과정에 어떤 방식으로 영향을 미치고 예술을 창의적이고 적극적으로 이해하는 능력을 개인에게 개발할 수 있습니다. 이 인식 단계의 특징과 그것이 어떻게 달성되는지 생각해 봅시다.
사람이 예술 작품과 상호 작용한 결과, 이미 언급한 바와 같이 이 작품을 만들 때 예술가의 상상력에서 발생한 이미지에 어느 정도 적합한 "2차" 예술적 이미지가 그의 의식에 형성됩니다. 이 예술가의 창의적인 개념에 대한 인식 대상의 침투 정도와 깊이. 여기서 중요한 역할은 환상, 상상력과 같은 연관 사고 능력입니다. 그러나 특별한 대상으로서의 작품에 대한 전체적인 인식은 즉시 발생하지 않습니다. 첫 번째 단계에서는 해당 장르, 즉 작가의 창의적인 스타일에 대한 일종의 "인식"이 이루어집니다. 여기서 인식은 여전히 어느 정도 수동적이며, 기능 중 하나, 일부 단편에 관심이 집중되고 작업 전체를 포괄하지 않습니다. 다음으로, 인식된 예술 작품의 구조, 그 안에 표현된 작가의 의도, 이미지 시스템에 대한 이해, 예술가가 사람들에게 전달하고자 하는 주요 아이디어에 대한 이해에 대한 더 깊은 침투가 있습니다. 실제 생활의 패턴과 작품에 반영되는 모순. 이를 바탕으로 지각이 활성화되고 그에 상응하는 감정 상태가 동반됩니다. 이 단계를 '공동 창조'라고 부를 수 있습니다.
미학적 인식의 과정은 다음과 같다. 평가적인 성격. 즉, 인지된 예술 작품에 대한 인식과 그것이 불러일으키는 감정은 그 작품에 대한 감상을 불러일으킵니다. 예술 작품을 평가할 때 사람은 그 내용과 예술적 형식에 대한 자신의 태도를 깨닫고 말로 표현합니다. 여기에는 정서적이고 이성적인 순간이 종합되어 있습니다. 예술 작품에 대한 평가는 특정 기준에 따라 묘사되고 표현되는 내용과 사람의 의식 및 그가 속한 사회 환경에서 발전한 미적 이상을 비교하는 것입니다.
사회적 미학적 이상은 개인의 이상에서 그 표현을 찾습니다. 예술 교육을 받은 모든 사람은 미적 판단을 표현할 때 사용하는 특정 규범, 평가 및 기준 시스템을 개발합니다. 이 판단의 성격은 주로 개인의 취향에 따라 결정됩니다. I. 칸트는 취향을 아름다움을 판단하는 능력으로 정의했습니다. 이 능력은 타고난 것이 아니라 실제적이고 영적인 활동 과정, 현실에 대한 미적 탐구 과정, 예술 세계와의 소통 과정에서 사람이 습득합니다.
미적 판단동일한 예술 작품에 대한 개인의 의견은 다양할 수 있으며 "좋아요" 또는 "싫어요"라는 평가의 형태로 나타날 수 있습니다. 이런 식으로 예술에 대한 태도를 표현함으로써 사람들은 이러한 감정을 불러일으킨 이유를 이해하는 임무를 스스로 설정하지 않고 감각 인식 영역에만 자신의 태도를 제한합니다. 이런 종류의 판단은 일방적이며 발전된 예술적 취향을 나타내는 지표가 아닙니다. 예술 작품과 현실 현상을 평가할 때 그것에 대한 우리의 태도가 긍정적인지 부정적인지 판단하는 것뿐만 아니라 이 작품이 왜 그러한 반응을 불러일으키는지 이해하는 것도 중요합니다.
대중의 판단과 평가와는 달리 전문 미술 비평과학적 기반의 미적 판단을 제공합니다. 예술문화 발전의 법칙에 대한 지식을 바탕으로 예술과 실생활 현상의 연관성을 분석하고, 이에 반영된 사회발전의 근본적인 문제를 분석한다. 예술에 대한 평가를 통해 비평은 사람과 대중에게 영향을 미치고 가장 가치 있고 흥미롭고 중요한 작품에 관심을 끌고 방향을 정하고 교육하여 발전된 미적 취향을 형성합니다. 예술가들에 대한 비판적 논평은 그들이 자신의 활동에 대한 올바른 방향을 선택하고, 자신만의 작업 방법과 스타일을 개발하여 예술 발전에 영향을 미치는 데 도움이 됩니다.
사람들은 자유 시간의 어느 정도를 자기 교육에 사용합니까? 백분의 일, 천분의 일? 인간의 마음은 해가 갈수록 낡아지고 새로운 지식을 덜 받아들이게 됩니다. 왜 이런 일이 발생합니까? 이전 활동은 어디에서 사라지나요? 내부 수하물은 평생 동안 우리가 보충하는 것입니다. 우리는 지식의 상자에서 "어떤 것을 꺼내"고 가져가고, 어떤 것들은 "더 나은 때까지"그 곳에 남아 앉아서 잊혀집니다. 그런데 왜 사람들은 항상 박물관, 갤러리, 극장에 가는 것을 미루는 걸까요? 미술. 정말 영향력을 잃은 걸까요? 18세기와 19세기에는 귀족 사회에서 프랑스어를 사용하는 것이 유행이었습니다. 많은 사람들은 이것이 가장 멍청한 추세 중 하나라고 말합니다. 기다리다. 하지만 개인의 발전을 위해 노력하는 사람들과 같은 파장을 갖는다는 것은 멋진 일입니다. 그렇지 않습니까? 그렇다면 예술의 존재를 확인하는 주장에서 예술의 문제점을 살펴 보겠습니다.
진짜 예술이란 무엇인가?
예술이란 무엇입니까? 이 그림들은 갤러리에 장엄하게 전시되어 있는 걸까요, 아니면 안토니오 비발디의 불멸의 작품인 "계절"일까요? 어떤 이들에게 예술은 사랑으로 모은 야생화 꽃다발이고, 자신의 걸작을 경매에 내놓는 것이 아니라 심장 박동이 천재를 일깨우고 그 느낌이 영원한 무언가의 원천이 되도록 허락한 자에게 예술은 겸손한 주인입니다. 사람들은 영적인 모든 것이 지식에 달려 있다고 상상하고, 말레비치 광장의 깊이를 이해하지 못하는 것이 진짜 범죄이자 무지의 표시인 사회에서 특별한 사회의 전문가가 될 수 있는 수많은 책을 읽습니다.
모차르트와 살리에리의 유명한 이야기를 기억해 봅시다. 살리에리는 "...그는 음악을 시체처럼 파괴했다"고 말했지만, 길잡이 별은 모차르트의 길을 밝혀주었다. 예술은 꿈과 사랑, 희망을 안고 살아가는 마음에만 지배됩니다. 사랑에 빠지면 당신은 의심할 여지없이 사랑이라는 예술의 일부가 될 것입니다. 문제는 성실함이다. 아래의 주장은 이를 확증합니다.
예술의 위기란 무엇인가? 예술의 문제. 인수
어떤 사람들은 오늘날의 예술이 더 이상 부오나로티와 레오나르도 다빈치 시대의 예술이 아니라고 생각합니다. 무엇이 바뀌었나요? 시간. 그러나 사람들은 동일합니다. 그리고 르네상스 시대에는 인구의 문해력이 높지 않았기 때문이 아니라 일상 생활의 자궁이 감정, 젊음의 신선함 및 좋은 시작을 탐욕스럽게 흡수했기 때문에 창작자가 항상 이해되지는 않았습니다. 문학은 어떻습니까? 푸쉬킨. 그의 재능은 정말로 음모와 비방, 37년의 삶에만 가치가 있었습니까? 예술의 문제는 하늘의 선물의 화신인 창조자가 숨을 멈출 때까지 감상할 수 없다는 것이다. 우리는 운명이 예술을 판단하도록 허용했습니다. 음, 여기에 우리가 가진 것이 있습니다. 작곡가의 이름은 듣기에 낯설고 책은 선반에 먼지를 쌓습니다. 이 사실은 문학의 논증에서 예술의 문제를 가장 분명하게 나타냅니다.
"요즘 행복하기가 얼마나 힘든데,
큰 소리로 웃으세요.
잘못된 감정에 굴복하지 마세요
그리고 계획 없이 사는 것은 무작위입니다.
수 마일 떨어진 곳에서도 울음소리가 들리는 사람과 함께 있다는 것,
적을 피하려고 노력하십시오.
내가 인생에 기분이 상했다는 말을 반복하지 마십시오.
가치 있는 분들은 마음을 활짝 열어주세요."
문학은 즉시 모든 것을 고치고 싶은 방식으로 문제에 대해 이야기하는 유일한 예술 형식입니다.
예술의 문제, 문학의 논증... 작가들은 왜 자신의 작품에서 이 문제를 그토록 자주 거론하는 걸까요? 창조적인 본성만이 인류의 영적 타락의 길을 추적할 수 있습니다. 휴고의 유명한 소설 "노트르담 드 파리"를 논증으로 삼아 보겠습니다. 이 이야기는 "ANA"GKN(그리스어 "rock"에서 유래)이라는 한 단어로 생성되었습니다. 이는 영웅 운명의 파멸을 상징할 뿐만 아니라 불가침의 주기적 파괴도 상징합니다. , 건축가는 그들을 긁습니다. 그러면 사람들이 와서 그들을 멸망시키느니라.” 같은 작품에는 젊은 극작가 피에르 그랭구아르가 우리 앞에 등장한다. 그의 여행이 시작될 때 그에게 얼마나 낮은 추락이 예정되어 있었습니까! 인식 부족, 방랑. 그리고 그에게는 죽음이 탈출구처럼 보였지만 결국 그는 해피엔딩을 기대했던 몇 안 되는 사람 중 하나였습니다. 그는 많은 생각을 했고, 많은 꿈을 꾸었습니다. 정신적 비극이 대중의 승리를 가져왔습니다. 그의 목표는 인정이다. 그것은 에스메랄다와 함께 하고 싶은 콰지모도의 욕망, 페뷔스를 위한 유일한 사람이 되려는 에스메랄다의 꿈보다 더 현실적인 것으로 드러났다.
예술에서 포장이 중요한가요?
아마도 모든 사람들이 "예술 형식"이라는 조합을 들어본 적이 있을 것입니다. 그 의미에 대해 어떻게 생각하시나요? 예술의 문제 자체는 모호하며 특별한 접근이 필요합니다. 형태는 물체가 존재하는 독특한 상태이며 환경에서의 물질적 표현입니다. 예술 - 우리는 그것을 어떻게 경험하는가? 예술은 음악과 문학, 건축과 회화이다. 이것은 특별한 영적 수준에서 우리가 인식하는 것입니다. 음악 - 건반, 현의 소리; 문학은 갓 구운 빵의 향과 비슷한 냄새를 풍기는 책이다. 건축 - 벽의 거친 표면, 수세기 전의 시대 정신; 그림은 주름, 주름, 핏줄, 생명체의 아름답고 불완전한 모든 특징입니다. 이 모든 것은 예술의 형태입니다. 그들 중 일부는 시각적 (물질적)이고 다른 일부는 특별한 방식으로 인식되며 느끼기 위해 만질 필요가 전혀 없습니다. 예민한 것도 재능이다. 그러면 <모나리자>가 어떤 프레임에서 연주되는지, 베토벤의 <월광 소나타>가 어떤 장치에서 연주되는지는 전혀 문제가 되지 않을 것입니다.예술 형식의 문제와 논쟁은 복잡하고 주의가 필요합니다.
예술이 사람에게 미치는 영향의 문제. 인수
문제의 본질이 무엇인지 궁금합니다. 예술... 긍정적인 것 외에 어떤 영향을 미칠 수 있을까요?! 문제는 그것이 인간 정신에 대한 통제력을 돌이킬 수 없게 상실하고 더 이상 강한 인상을 줄 수 없다는 것이라면 어떨까요?
가능한 모든 옵션을 고려해 봅시다. 부정적인 영향에 관해서는 "The Scream", "Portrait of Maria Lopukhina"등의 그림을 기억합시다. 왜 이런 신비한 이야기가 붙어 있는지는 알 수 없으나, 그림을 보는 사람들에게 부정적인 영향을 미칠 수 있다고 여겨진다. Borovikovsky가 죽기 직전에 묘사 한 비극적 인 이야기로 불행한 아름다움을 바라 보는 불임 소녀들의 불구인 운명 인 E. Munch의 그림을 불쾌하게 한 사람들에게 발생한 부상. 훨씬 더 나쁜 것은 오늘날의 예술에는 영혼이 없다는 것입니다. 부정적인 감정조차 일깨울 수 없습니다. 우리는 놀라고 감탄하지만, 1분 정도가 지나면 우리가 본 것을 잊어버립니다. 무관심과 관심 부족은 정말 불행한 일입니다. 우리 인간은 위대한 일을 위해 창조되었습니다. 예외없이 모두. 선택은 우리의 몫입니다. 같을지 말지. 예술의 문제와 논쟁은 이제 이해되었고, 이제부터는 모두가 진심으로 살 것을 다짐하게 될 것입니다.
31.12.2020 "IP Tsybulko가 편집한 OGE 2020 테스트 모음에 대한 에세이 9.3 작성 작업이 사이트 포럼에서 완료되었습니다."
10.11.2019 -사이트 포럼에서 I.P. Tsybulko가 편집한 2020년 통합 상태 시험 테스트 모음에 대한 에세이 작성 작업이 종료되었습니다.
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22.09.2019 - 친구 여러분, 2020 OGE 프레젠테이션의 텍스트는 동일하게 유지됩니다.
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09.05.2017 - 오늘 러시아는 위대한 애국전쟁 승리 72주년을 기념합니다! 개인적으로 우리가 자랑스러워할 이유가 한 가지 더 있습니다. 바로 5년 전 승리의 날에 우리 웹사이트가 개설되었다는 것입니다! 그리고 이번이 우리의 첫 번째 기념일이에요!
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25.02 2017 -OB Z의 텍스트를 바탕으로 에세이 작성 사이트에서 작업이 시작되었습니다. "무엇이 좋은가?"라는 주제에 대한 에세이 이미 시청할 수 있습니다.
28.01.2017 - FIPI OBZ 텍스트에 대한 기성 요약 진술이 웹 사이트에 나타 났으며,
미구엘 데 세르반테스(Miguel de Cervantes)는 “아름다움은 마음에 평화를 가져오는 힘과 선물을 가지고 있다”고 말한 적이 있습니다. 이 말은 돈키호테의 저자가 전적으로 옳았던 것 같습니다. 인간의 마음은 자연, 그림, 음악, 건축 등 모든 아름다움의 표현에 유난히 민감하게 반응합니다. 하지만 이 모든 것을 마음이 아니라 영혼 자체로 어떻게 이해할 수 있습니까? 이것이 바로 V. Soloukhin이 그의 텍스트에서 반영한 내용입니다. 작가가 제기하는 주요 문제는 사람의 아름다움에 대한 이해의 문제입니다.
이 문제는 억제할 수 없는 리듬, 분주함, 일상적인 걱정으로 가득한 현대 생활과 매우 관련이 있습니다. 때때로 우리는 아름다운 일몰이나 밤의 별을 감상할 시간이 없거나 첫 눈이 내리는 기쁨을 경험할 시간이 없습니다.
V. Soloukhin은 그의 텍스트에서 예술에 대한 인간의 인식을 반영합니다. 그는 미술관을 둘러보면 그림의 외부적인 주제만 볼 수 있다고 썼습니다. 하지만 예술가의 영혼을 발견하고 이 분위기에 완전히 몰입하려면 시간과 차분함, 묵상이 필요합니다. 이 경우에만 예술 작품(그림, 고대 대성당, 교회)이 우리 영혼의 일부가 되어 우리가 세상을 새롭게 바라볼 수 있도록 도와줍니다.
이 글은 매우 밝고 상상력이 풍부하며 감성적입니다. 작가는 다양한 예술적 표현 수단을 사용합니다: 수사적 질문(“무엇을 볼 수 있고, 무엇을 이해할 수 있습니까? 그림의 이름? 프레임? 외부 줄거리?”), 동질적인 구성원의 행(“결국 , 나는 불안, 사랑, 우울함, 성취에 대한 설명할 수 없는 준비의 물결이 커지는 것을 느꼈습니다.”), 어구 단위(“마음 속의 상자를 확인했습니다”).
나는 작가의 관점에 전적으로 동의합니다. 아름다움에 대한 사람의 인식은 사람의 특별한 집중이 필요한 미묘하고 영적인 특별한 과정입니다. 그래야만 우리는 도덕적 계몽과 정화, 카타르시스를 경험할 수 있다. 그러면 우리는 변화하고, 더 친절해지고, 다른 사람들에게 더 관대해지고, 때로는 우리 자신의 삶을 새로운 방식으로 바라보게 됩니다. 우리의 뛰어난 시인은 다음과 같이 썼습니다. “뮤즈의 봉사는 허영심을 용납하지 않습니다. 아름다운 것은 위대해야 한다..." 제 생각에는 이것이 아름다움의 세계에 대한 우리의 이해가 여유롭고 평화로워야 하는 방식이라고 생각합니다.
S. Lvov는 그의 저널리즘 컬렉션 "To be or to visible?"에서 이에 대해 반성합니다. 그는 마드리드의 유명한 프라도 미술관에서 열린 걸작 전시회에 대해 이야기합니다. 그리고 그는 이 전시회가 권위 있고 유행하기 때문에 많은 사람들이 이 전시회에 왔다고 씁쓸하게 지적합니다. 하지만 저자는 언젠가 명문 전시회를 관람하는 습관이 사람들 사이에서 예술에 대한 진정한 관심으로 바뀌기를 바라고 있다. 그리고 그것은 사람이 허영심으로부터 분리되어 이 세상에 대한 특별한 이해를 통해서만 발생할 수 있습니다.
B.Sh.는 음악에 대한 인식에 대해 글을 씁니다. 시 "음악가"의 Okudzhava. “바이올린의 노래”는 영웅을 길로 인도하고 그에게 희망을 심어주며 최고의 기쁨을 선사합니다. Okudzhava의 뛰어난 음악가는 인간의 영혼에 침투할 수 있었기 때문에 행복합니다.
그 길이 좁고 그 손가락이 성내며 그 활이 날카로운 자는 복이 있도다
내 영혼에 불을 지펴준 음악가.
그리고 영혼은 확실히 불타버리면,
그녀는 더 공정하고 자비롭고 의롭습니다.
따라서 우리가 아름다움을 이해하는 과정은 신비이고 신성한 행위이며 성찬입니다. 그것은 항상 자신과 주변 세계에 대한 새로운 발견입니다.