Драматичные факты из жизни евдокии истоминой, знаменитой балерины и музы пушкина

Корни русского балета, как и всякого вида искусства, лежат в танцевальном фольклоре. Скорее всего, это были культовые (всевозможные хороводы) и игровые («Перепляс», «Кума, где была» и проч.) пляски. Русский балет не только сохранил все эстетические каноны, но и стал законодателем в мире балета.

Истоки

В Киевской Руси на рубеже VIII-IX веков стали появляться первые танцоры, профи своего дела - скоморохи... Спустя время, когда столицей стала Москва, скоморохами уже были не обязательно мужчины.

В XV-XVI веках веселые зрелища ряженых с лицами, скрытыми масками, так называемыми «машкарами», изумляли и удивляли заезжих иностранцев.

В XVII веке история русского балета отмечена открытием в Кремлевского театра. По заведенной традиции, каждая постановка в этом театре всегда завершалась междусеньями (особыми выходами балетных). Эти так называемые entrée исполняли мужчины, облаченные в напыщенные одежды. Актеры показывали несколько элементов бального танца.

Царская потеха

Первым полномасштабным балетным представлением в России считается спектакль, поставленный 8 февраля 1673 года. Произошло это знаменательное событие при дворе царя Алексея Михайловича и называлось оно «Балет об Орфее и Эвридике». История возникновения русского балета описывает его как смену церемонных поз, медлительных танцев, поклонов и переходов. Между ними актеры произносили заученные слова или пели. Все это мало походило на настоящее театральное действо. Это была только лишь царская потеха, завлекающая своей неизвестностью.

Тем временем И. Грегори, устроитель театра, приглашает Николу Лима организовать курсы обучения театральному мастерству для царского театра. На первых порах 10 детей знатных мещан, затем уже 20, успешно прошли обучение и показали на суд царю балетную постановку «Орфей» во французском стиле.

Задача поставлена

Только по прошествии четверти века Петр I, задавшись целью реформировать культурную жизнь России, привносит в быт русского общества музыку и танец. Он решает привить искусство элитным слоям жителей Петербурга. Для этого Петр I закрывает московский театр Алексея Михайловича и издает революционный указ. Этот указ об ассамблеях обязывал все государственные учреждения преподавать бальные танцы в обязательном порядке. Эти реформы сделали должность танцмейстера недосягаемо высокой. Именно этим распорядителям ассамблей балет обязан появлением в балетных танцевальных движениях, пришедших из-за рубежа, нововведений в виде элементов из национальных славянских танцев.

Автор В. Красовская («История русского балета» - Л. Искусство, 1978 г.) считает, что благодаря энергичности и безапелляционности Петра I в дворцовых залах стали проходить выступления балетных трупп, музыкантов и оперных артистов, приглашенных из-за рубежа.

В начале 1738 года в стране была организована школа балетного искусства, ставшая, по сути, первой. История русского балета кратко рассказывает об этом периоде. Выпускники школы работали в балетных коллективах иностранных театров так называемыми фигурантами (актерами кордебалета). И только много позже их допускали к главным партиям.

Первое профессиональное обучение

Колыбелью современного балета историки считают Сухопутный В нем трудился прославленный Жан Батист Ландж, который со своими учениками поставил три придворных балетных спектакля. Как показывает история русского балета, они стали практически первыми балетными представлениями, соответствующими всем законам и нормам Королевской Академии танцев в столице Франции.

Кадеты шляхетного корпуса принимали участие в академическом, лирическом полухарактерном и одновременно комическом балетном представлении труппы Фессано из Италии.

Елизавета I, чтобы не растерять подготовленных балетных танцоров, открывает Собственную Ее Величества танцевальную школу, первым набором которой были 12 детей простолюдинов.

А к концу 1742 года, императрицей подписан указ, повелевающий учредить балетную труппу из русских танцовщиков. Именно в ней засветились первые русские звезды - профессиональные балетные танцовщики: Аксинья Баскакова и Афанасий Топорков.

Выход из тупика

Смерть Батиста Ланде вносит сумятицу в хореографическое дело в стране. Представления, которыми руководит Фессано, становятся однотипными и скучными бурлесками. Зрителя не привлекают такие постановки.

История русского балета кратко описывает тот период. В эту пору и в Европе стоит вопрос о реформе хореографического дела. Руссо и Сен-Мар требуют балетных танцоров избавиться от пышных одежд и масок с париками. Дидро настоятельно рекомендует изменить сюжетные линии балетных представлений. Тем временем Джон Уивер, не дожидаясь всеобщих изменений, ставит танцевальное представление, имеющее продуманный сюжет, а Жорж Новер пишет легендарные «Письма о танце».

Не отстает и русский балет. Появление Гильфердинга - тому подтверждение. Этот немецкий специалист закрепил сюжетные хореографические постановки в Петербурге. В Париже сюжетные балетные постановки появились только 15 лет спустя. Гильфердингу помогал Леопольд Парадизо. Уже к 50-м годам XVIII века они создавали независимые балетные пьесы.

Начало драматических постановок

Первая драма в русском балете принадлежит А. П. Сумарокову. Он пропагандировал хвалебные танцевальные постановки, сочинил литературную основу к балетным спектаклям «Прибежище добродетели» и «Новые лавры».

Гаспаро Анжиолини, приглашенный царем балетмейстер, усиливая яркость народных песенных славянских ноток, ставит балетное действо «Забавы о святках». Екатерина II сильно нахваливала представление. В 1779 году Законодательная комиссия в полном составе одобрила балет, музыка к которому была написана на основе славянского фольклора.

После такого колоссального успеха Анжилини перешел к развлекательным театральным постановкам, которые высмеивали злободневную тематику. Это были наделавшие шума панегирики: «Торжествующая Россия» (расхваливалось поражение турецкой армии при Кагуле и Ларге), «Новые аргонавты» (славная ода флоту Российской империи) и «Победное рассуждение» (поднимался волнующий всех вопрос о необходимости прививки против свирепствующей оспы).

Немногим ранее был поставлено первое героическое балетное представление «Семира». С этого момента балетмейстеры стали уделять большое внимание выразительности балетного танца. Ибо танцоры одновременно могут быть заняты и в потешных оперных выступлениях негосударственных театров, и в псевдорусских оперных показах, либретто к которым сочиняла сама императрица.

К новому 1778 году в Петербурге (как показывает история русского балета, книгиярко описывают это уникальное событие)ждет зрителей уже два театра: коммерческий «Вольный театр» и придворный.

Первые крепостные коллективы

Во второй половине XVIII века в моду входит овладение танцевальным искусством. А уже в начале 1773 года под опекой Леопольда Парадиза в столице на базе Воспитательного дома открывается первый учебный центр, впоследствии ставший первым публичным театром. В первом наборе было 60 детей. О первых хореографических представлениях, поставленных прославленным Козимо Меддоксом, рассказывает в своих книгах Ю. Бахрушин.

История русского балета, изученная и описанная им очень подробно, полновесно раскрывает этот период танцевального искусства. Медокс с коллективом молодых, выучившихся в России, танцоров ставил комические оперы, хореографические постановки, посвященные реальным событиям (например, «Взятие Очакова»), и дивертисменты.

На этом фоне стал быстро развиваться крепостной театр. В последнее десятилетие XVIII века уже были хорошо известны крупные коллективы крепостных актеров. Такие коллективы были у Зорича, Головкиной, Апраксина, Шереметьева, Потемкина и других помещиков.

Этот же период ознаменовался развитием и постановкой техники женского танца и художественного оформления сцены для представления. Появляется новая традиция конкретизировать на сцене место действия, декорации писать в реалистичном стиле, применять игру полутеней и света.

Торжество русского балета

История русского балета 19-20 веков насыщена и многообразна. К началу XIX века искусство балета достигает той зрелости, которая по достоинству оценивается зрителем. Русские балерины привносят в хореографию воздушность, благородность и выразительность. Это очень метко подмечает А. С. Пушкин, описывая красоту танцевальных движений своей современницы, звезды балетной сцены, Истоминой: «души исполненный полет» (фраза стала синонимом балета). Ее мимика и отточенность танцевальных движений вызывала восхищение. Большая часть зрителей ходила именно на

Не менее прекрасны были Лихутина Анастасия, Екатерина Телешова, Данилова Мария.

Балетные постановки набирают популярность. Балетный танец, как искусство, становится привилегированным, и на него выделяются государственные дотации.

К 60-м годам прошлого века культурный бомонд охвачен новомодным течением «реализм». В русский театр приходит кризис. Касаемо хореографических постановок, он выражался в примитивизме сюжетной линии, которая подстраивалась под определенный танец. Балеринам, достигшим совершенства, предлагают танцевать в реалистичных постановках.

История создания русского балета выходит на новый виток. Возрождение началось с Петра Чайковского, который первым написал музыку для хореографической постановки. За всю историю балета, впервые музыка стала так же важна, как танец. И даже оказалась в одном ряду с оперной музыкой и симфоническими композициями. Если до Чайковского музыка писалась под танцевальные элементы, то теперь балетный актер пластикой, движением и изяществом стремился передать музыкальное настроение и эмоцию, чем помог зрителю разгадать сюжет, переложенный композитором на ноты. Мир до сих пор восхищается знаменитым «Лебединым озером».

Хореограф А. Горский привнес в постановки элементы современной режиссуры, стал уделять огромное внимание художественному обрамлению сцены, полагая, что зритель должен полностью погружаться в происходящее на сцене. Он запретил применять элементы пантомимы. Коренным образом переломил ситуацию М. Фокин. Он возродил романтический балет и сделал язык тела в танце понятным и говорящим. По мнению Фокина, каждая постановка на сцене должна быть уникальной. То есть музыкальное сопровождение, стиль и танцевальный рисунок должны быть присущи только конкретному представлению. В первые годы XX века аншлаги снимали его постановки «Египетские ночи», «Умирающий лебедь», «Сон в летнюю ночь», «Ацис и Галатея» и др.

В 1908 году П. приглашает Фокина стать главным постановщиком парижских «Русских сезонов». Благодаря этому приглашению Фокин становится всемирно знаменитым. А русские балетные артисты стали ежегодно с триумфом выступать во французской столице. История русского балета славит танцовщиков русской труппы, имена которых знает весь мир: Адольф Больм, Тамара Карсавина, Вацлав Нижинский и др. И это во время упадка европейского балета!

Дягилев рискнул и выиграл. Он собрал труппу молодых и талантливых балетных актеров и предоставил им свободу действий. Разрешил действовать вне известных рамок, которые ставил известный, но уже довольно пожилой Петипа.

Свобода действий дала возможность танцорам раскрыть и выразить себя. Кроме этих революционных нововведений Дягилев привлек к художественному оформлению известнейших своих современников художников (Ж. Кокто, А. Дерена, П. Пикассо) и композиторов (К. Дебисси, М. Равеля, И. Стравинского). Теперь каждая балетная постановка стала шедевром.

После Октябрьской революции многие танцоры и хореографы оставили мятежную Россию. Но костяк остался. Постепенно ближе к народу становится русский балет. Страницы истории за период становления видели многое…

После середины XX века танцовщики и хореографы нового поколения вернули на сцену забытые танцевальные миниатюру, симфонию и одноактный балет. Число студий и театральных стало неизменно расти.

«Триумфатор», балерина, балетный критик

Знаменитая российская танцовщица Вера Михайловна Красовская появилась на свет еще в Российской империи 11 сентября 1915 года. После средней школы поступила и в 1933 году успешно окончила Ленинградское хореографическое училище. Училась у знаменитой Вагановой Агриппины. С этого времени и по 1941 год Красовская служит в Театре им. Кирова. Занята она в балетах академического репертуара.

В 1951 году Вера Михайловна оканчивает в Ленинграде аспирантуру Театрального института им. А. Островского, после основного обучения на факультете театроведения.

Школа профессионализма, полученная Красовской сначала в классе Агриппины Вагановой, затем в балетных постновках Мариинского театра, вместе с багажом знаний энциклопедического масштаба, аристократизмом, культурными традициями и потрясающим владением языками (французским и английским), позволила ей стать блестящим и однозначно крупнейшим балетным искусствоведом.

В 1998 году радостная новость облетела весь театральный мир. Премию «Триумф» получила Вера Михайловна Красовская. История русского балета, о которой она рассказала в книгах (некоторые из них переведены на иностранные языки) и статьях (более 300) как искусствовед и критик, сделали Веру Михайловну лауреатом свободной российской премии «Триумф». Эта награда присуждается за высшие достижения в искусстве и литературе.

В 1999 году Красовской Веры Михайловны не стало.

Эпилог

История русского балета с благодарностью хранит имена мастеров танцевального искусства, которые внесли колоссальный вклад в формирование русской хореографии. Это небезызвестные Ш. Дидло, М. Петипа, А. Сен-Леон, С. Дягилев, М. Фомин и многие другие. А талант русских артистов притягивал и сегодня притягивает огромное количество зрителей в разных странах мира.

По сей день русские балетные труппы считаются самыми лучшими в мире.

Зрелищные постановки, потрясающие костюмы, порхающие нимфы – именно таким рисует воображение балет XIX века. Но для того чтобы попасть на сцену, девушкам приходилось жить впроголодь, терпеть нужду и побои преподавателей.

Питались воспитанницы очень скудно. На завтрак им давали чай с сахаром и молоком и четвертью французской булки. На второй завтрак в полдень девушки снова получали булку и кусок черного хлеба. Отличницам в качестве поощрения давали рюмку хереса и картофель с бифштексом.

Однажды в училище разразился настоящий скандал, когда в тарелке одной из учениц обнаружили зеленого червя. Ответственного за питание уволили, но качество еды от этого не улучшилось. Частенько девушки в складчину покупали себе втайне от воспитательниц пряники у лоточников.

При всем скудном рационе за весом каждой и учениц следили очень тщательно. Если кто-то из балерин терял килограммы, то ей тут же выдавали молоко, яйца, масло в увеличенном объеме, потому что зрители не должны были видеть несчастных изможденных танцовщиц.

Петербургское театральное училище славилось своими выпускницами, но за дверями хореографических классов, помимо изматывающих занятий, балерин часто награждали синяками и ссадинами. Если хореограф считал, ученица недостаточно старается, он мог оттаскать за волосы или побить палкой. Бывало только зайдет счастливая балерина за кулисы после окончания спектакля, как хореограф тут же начинал осыпать ее тумаками и бранью, а через секунду выталкивал снова на сцену для финального поклона.

Сегодня балет - не менее тяжёлый труд. Но нравы всё же не такие крутые. Недавно . А что получилось - смотрите сами.

Балет - искусство довольно молодое. Ему немногим более четырехсот лет, хотя танец украшает жизнь человека с древнейших времен. Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Сельские пляски не подходили придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы, где они танцевали, не допускали неорганизованного движения. Специальные учителя - танцмейстеры - старались навести порядок в придворных танцах. Они заранее репетировали с дворянами отдельные фигуры и движения танца и руководили группами танцующих. Постепенно танец становился все более театральным.

Термин «балет» появился в конце XVI века (от итальянского balletto - танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие «балеты» состояли обычно из мало связанных между собой «выходов» персонажей - чаще всего героев греческих мифов. После таких «выходов» начинался общий танец - «большой балет».

Первым балетным спектаклем-представлением стал «Комедийный балет Королевы», поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо. Именно во Франции происходило дальнейшее развитие балета. Вначале это были балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды сменялись вокальными ариями и декламацией стихов. Не удивляйтесь, в то время балет еще не был только танцевальным спектаклем.

В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепия. Людовик сам любил участвовать в балетах, и свое знаменитое прозвище «Король-Солнце» получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи».

В 1661 году он создал Королевскую академию музыки и танца, в которую вошли 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций. Директор академии, королевский учитель танцев Пьер Бошан, определил пять основных позиций классического танца.

Вскоре была открыта Парижская опера, балетмейстером которой был назначен тот же Бошан. Под его началом была сформирована балетная труппа. На первых порах в ее составе были одни мужчины. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году.

В театре ставились оперы-балеты композитора Люлли и комедии-балеты драматурга Мольера. В них поначалу участвовали придворные, а спектакли почти не отличались от дворцовых представлений. Танцевали уже упоминавшиеся медленные менуэты, гавоты и паваны. Маски, тяжелые платья и туфли на высоких каблуках мешали женщинам выполнять сложные движения. Поэтому мужские танцы отличались тогда большей грациозностью и изяществом.

К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора. В городах открывались оперные театры. Многочисленные танцовщики и учителя танцев легко находили себе работу.

Вскоре под влиянием моды женский балетный костюм стал значительно легче и свободнее, под ним угадывались линии тела. Танцовщицы отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкие бескаблучные туфельки. Менее громоздким стал и мужской костюм: панталоны в обтяжку до колен и чулки позволяли разглядеть фигуру танцовщика.

Каждое новшество делало танцы осмысленнее, а танцевальную технику - выше. Постепенно балет отделился от оперы и превратился в самостоятельное искусство.

Хотя французская балетная школа славилась изяществом и пластичностью, ей была свойственна некоторая холодность, формальность исполнения. Поэтому балетмейстеры и артисты искали иные выразительные средства.

В конце XVIII века родилось новое направление в искусстве - романтизм, оказавший сильнейшее влияние на балет. В романтическом балете танцовщица встала на пуанты. Первой это сделала Мария Тальони, полностью изменив прежние представления о балете. В балете «Сильфида» она предстала хрупким существом из потустороннего мира. Успех был ошеломляющий.

В это время появилось множество замечательных балетов, но, к сожалению, романтический балет стал последним периодом расцвета танцевального искусства на Западе. Со второй половины XIX века балет, потеряв свое прежнее значение, превратился в придаток к опере. Лишь в 30-е годы XX века под влиянием русского балета началось возрождение этого вида искусства в Европе.

В России первый балетный спектакль - «Балет об Орфее и Евридике» - поставлен 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Церемонные и медлительные танцы состояли из смены изящных поз, поклонов и ходов, чередовавшихся с пением и речью. Никакой существенной роли в развитии сценического танца он не сыграл. Это была лишь очередная царская «потеха», привлекавшая своей необычностью и новизной.

Только спустя четверть века, благодаря реформам Петра I, музыка и танец вошли в быт русского общества. В дворянские учебные заведения ввели обязательное обучение танцам. При дворе начали выступать выписанные из-за границы музыканты, оперные артисты и балетные труппы.

В 1738 году открылась первая в России балетная школа, и через три года 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди стали первыми в России профессиональными танцовщиками. Поначалу они выступали в балетах иностранных мастеров в качестве фигурантов (так называли артистов кордебалета), а позже в главных партиях. Замечательный танцовщик того времени Тимофей Бубликов блистал не только в Петербурге, но и в Вене.

В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости. Русские танцовщицы внесли в танец выразительность и одухотворенность. Очень точно это почувствовав, А. С. Пушкин назвал танец своей современницы Авдотьи Истоминой «душой исполненный полет».

Балет в это время занял привилегированное положение среди других видов театрального искусства. Власти уделяли ему большое внимание, предоставляли государственные субсидии. Московская и петербургская балетная труппы выступали в хорошо оборудованных театрах, а выпускники театральных училищ ежегодно пополняли штат танцовщиков, музыкантов и декораторов.

Артур Сен Леон

В истории нашего балетного театра часто встречаются фамилии иностранных мастеров, сыгравших немалую роль в развитии русского балета. В первую очередь, это Шарль Дидло, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Они помогли создать русскую школу балета. Но и талантливые русские артисты давали возможность раскрыться дарованиям своих учителей. Это неизменно привлекало в Москву и Петербург крупнейших хореографов Европы. Нигде в мире они не могли встретить такой большой, талантливой и хорошо обученной труппы, как в России.

В середине XIX века в русскую литературу и искусство пришел реализм. Балетмейстеры лихорадочно, но безрезультатно пытались создать реалистические спектакли. Они не учитывали, что балет - искусство условное и реализм в балете значительно отличается от реализма в живописи и литературе. Начался кризис балетного искусства.

Новый этап в истории русского балета начался, когда великий русский композитор П. Чайковский впервые сочинил музыку для балета. Это было «Лебединое озеро». До этого к балетной музыке серьезно не относились. Она считалась низшим видом музыкального творчества, всего лишь аккомпанементом к танцам.

Благодаря Чайковскому балетная музыка стала серьезным искусством наряду с оперной и симфонической музыкой. Раньше музыка полностью зависела от танца, теперь танцу приходилось подчиняться музыке. Потребовались новые средства выразительности и новый подход к созданию спектакля.

Дальнейшее развитие русского балета связано с именем московского балетмейстера А. Горского, который, отказавшись от устаревших приемов пантомимы, использовал в балетном спектакле приемы современной режиссуры. Придавая большое значение живописному оформлению спектакля, он привлекал к работе лучших художников.

Но подлинный реформатор балетного искусства - Михаил Фокин, восставший против традиционного построения балетного спектакля. Он утверждал, что тема спектакля, его музыка, эпоха, в которую происходит действие, требуют каждый раз иных танцевальных движений, иного рисунка танца. При постановке балета «Египетские ночи» Фокина вдохновляли поэзия В. Брюсова и древнеегипетские рисунки, а образы балета «Петрушка» навеяла ему поэзия А. Блока. В балете «Дафнис и Хлоя» он отказался от танцев на пуантах и в свободных, пластичных движениях оживил античные фрески. Его «Шопениана» возродила атмосферу романтического балета. Фокин писал, что «мечтает создать из балета-забавы балет-драму, из танца - язык понятный, говорящий». И ему это удалось

Анна Павлова

В 1908 году начались ежегодные выступления артистов русского балета в Париже, организованные театральным деятелем С. П. Дягилевым. Имена танцовщиков из России - Вацлава Нижинского, Тамары Карсавиной, Адольфа Больма - стали известны во всем мире. Но первым в этом ряду стоит имя несравненной Анны Павловой.

Павлова - лиричная, хрупкая, с удлиненными линиями тела, огромными глазами - вызывала в памяти гравюры с изображением романтических балерин. Ее героини передавали чисто русскую мечту о гармоничной, одухотворенной жизни или тоску и грусть о несбывшемся. «Умирающий лебедь», созданный великой балериной Павловой, - поэтический символ русского балета начала XX века.

Именно тогда, под влиянием мастерства русских артистов, встряхнулся и обрел второе дыхание западный балет.

После Октябрьской революции 1917 года многие деятели балетного театра покинули Россию, но, несмотря на это, школа русского балета уцелела. Пафос движения к новой жизни, революционная тематика, а главное простор творческого эксперимента вдохновляли мастеров балета. Перед ними стояла задача: приблизить хореографическое искусство к народу, сделать его более жизненным и доступным.

Так возник жанр драматического балета. Это были спектакли, обычно основанные на сюжетах известных литературных произведений, которые строились по законам драматического спектакля. Содержание в них излагалось с помощью пантомимы и изобразительного танца. В середине XX века драматический балет переживал кризис. Балетмейстеры предпринимали попытки сохранить этот жанр балета, усиливая зрелищность спектаклей с помощью сценических эффектов, но, увы, тщетно.

19-й век был периодом больших изменений в обществе, и это отразилось в балете, произошёл отход от аристократических способностей восприятия, доминировавших ранее, к романтическому балету.

Романтицизм был реакцией против формальных ограничений и механики индустриализации. Разум эпохи привёл хореографов к сочинению романтических балетов, которые выглядели как лёгкие, воздушные и свободные, что должно было быть контрастом к редукционистской науке которая, по словам Poe, «вывела дриад из лесов». Эти как бы нереальные балеты представляли женщин как деликатных, неземных, воздушных существ, которые могут быть подняты без труда и выглядят почти плавающими в воздухе. Балерины начали носить костюмы в пастельных тонах, с парящими вокруг ног юбками. Сценарии были на темы ужасных фольклорных духов.

Балерины Geneviève Gosselin, Мария Тальони и Fanny Elssler экспериментировали с новыми техниками как например танцы на пальцах, которая давала увеличенный рост как идеальную сценическую фигуру. Профессиональные либреттисты писали рассказы для балетов. Преподаватели как например Карло Блазис описывали балетную технику в той базовой форме которая используется и сейчас. Пуанты были изобретены для поддержки танцев на пальцах.

В 1832 году Филиппо Тальони (Filippo Taglioni) (1777-1871), отец Марии Тальони, поставил балет La Sylphide чтобы она его исполняла. Мария Тальони танцевала роль Sylphide, сверхъестественного существа которое было любимо телесным человеком и по неосторожности разрушено им. Хореография использовала танцы на пальцах чтобы подчеркнуть сверхъестественные яркость и невещественность. La Sylphide вызвал многие изменения в балетах эпохи в теме, стиле, технике и костюмах. В La Sylphide Мария Тальони одевала костюм в форме колокола с корсажем их китового уса. На этой базе через 50 лет была сконструирована романтическая балетная юбка.

La Sylphide начал романтический период, он является одним из наиболее важных балетов и является одним из старых балетов который ещё исполняется сейчас.

Романтическая эпоха более-менее началась с постановкой Giselle, ou Les Wilis (или просто Giselle - Жизель) в Парижской опере в 1841 году, хореография Jean Coralli и Jules Perrot (1810-1892). Музыку написал Адольф Адан (Adolphe Adam). Роль Жизели играла Карлотта Гризи (Carlotta Grisi) (1819-1899), новая балерина из Италии. В Жизели был контраст человеческого и сверхъестественного миров, и в его втором действии духи-привидения, называемые wilita, были одеты в белые юбки, популяризованные в La Sylphide. Романтический балет однако не ограничивался сверхъестественными существами.

В 1845 году в Театре Её Высочества в Лондоне Jules Perrot поставил Pas de Quatre.

По мере того как относительно новое умение танцевать на пальцах улучшалось, женщины танцоры становились всё более заметными в романтическую эпоху. Лишь немногие мужчины были заметными в балете того времени. Некоторыми из них были Jules Perrot, хореограф поставивший Pas de Quatre, Lucien Petipa (1815-1898) который умел быть виртуозным партнёром, Arthur Saint Léon (1821-1870) который был не только отличным танцором, но и отличным виолончелистом.

В России и Дании, однако, мужчины совершенствовались вместе с женщинами, в то время как балет в этих странах поддерживался монархическими дворами. Датчанином, оставившем наиболее заметный след в балете был Август Бурнонвиль (Auguste Bournonville). После обучения в Дании и Париже, после танцевания в Парижской опере, Август Бурнонвиль вернулся в Данию. Там в 1836 году он поставил свою версию La Sylphide, с новой хореографией и новой музыкой; 16-летняя Lucille Grahn играла роль Sylphide.

Балет в России

В то время как Франция была успешной в раннем балете, другие страны и культуры вскоре адаптировали для себя эту форму искусства, наиболее заметной была Россия. Россия имеет признанную традицию балета, и русский балет играет заметную роль в истории этой страны.

После 1850 года, балет начал угасать в Париже. Балет ещё был популярным, но он рассматривался главным образом как представление с участием красивых женщин. В Лондоне балет практически исчез со сцен оперных театров и переместился на эстраду.

Но балет процветал в России и Дании благодаря мастерам Августу Бурнонвиль, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Энрико Чеккетти (Enrico Cecchetti) и Мариусу Петипа (Marius Petipa) (1818-1910) (брат Lucien Petipa). В конце 19-ого века был в моде ориентализм. Колониальная политика дала знания о азиатских и африканских культурах, но они искажались из-за ошибок и фантазии. Восток часто рассматривался как далекое место где всё возможно, как будто он является щедрым, экзотическим и декадентским.

Перед этим Франция в течение нескольких веков импортировала многие таланты из Италии. Аналогично Россия импортировала танцоров из Франции. Ранее и собственные российские танцоры выступали перед зрителями в Санкт-Петербурге. Одной из наиболее заметных танцовщиц была Мария Данилова, которая отлично танцевала на пальцах и о которой вспоминали как о «российской Тальони». Она умерла в возрасте 17 лет в 1810 году.

В 1842 году Christian Johansson (1817-1903) сопровождал Марию Тальони в Россию и остался там, позднее он стал одним из наиболее заметных преподавателей в России.

Жизель был в первый раз исполнен в России через год после его премьеры в Париже с Еленой Андреяновой (1819-1857) в роли Жизели. Она танцевала с Christian Johansson и Мариусом Петипа, двумя из наиболее заметных фигур в российском балете.

В 1848 году Fanny Elssler и Jules Perrot приехали в Россию. Perrot остался там на 10 лет в качестве руководителя санкт-петербургского Императорского Российского Балета (сейчасБалетная труппа Мариинского театра).

В 1852 году Лев Иванов (1834-1901), первый родившийся в России инноватор, закончил Императорское Балетное Училище (сейчас Академия русского балета им. А. Я. Вагановой).

В 1859 году Arthur Saint-Leon стал руководителем санкт-петербургского Императорского Российского Балета (сейчас Балетная труппа Мариинского театра) вместо Jules Perrot.

Мариус Петипа ещё был ведущим танцором санкт-петербургского балета в 1862 году когда он создал свой первый балет из нескольких действий Дочь Фараона для царского императорского театра. Это была невероятная фантазия на египетские темы, с оживающими мумиями и ядовитыми змеями. Этот балет привёл к появлению других балетов и возможно к тому что сейчас рассматривается как классический балет.

В 1869 году Мариус Петипа стал главным постановщиком санкт-петербургского Императорского Российского Балета (сейчас Балетная труппа Мариинского театра) вместо Arthur Saint-Leon и был его диктатором на следующие 30 лет. Петипа создал много балетов из одного действия и из нескольких действий для постановки на императорских сценах России. В 1869 году он отправился в Москву и там поставил балет Дон-Кихот для большого театра в Москве.

Тогда Arthur Saint-Leon вернулся в Париж и поставил Coppelia, последний большой балет Парижской оперы. Франзуско-Прусская война и осада Парижа привели к смерти балета в западной Европе.

В 1877 году Петипа создал балет Баядерка для большого театра в Санкт-Петербурге.

В 1877 году была первая постановка Лебединого Озера, балета настолько популярного что его название является представлением классического балета. Лебединое Озеро с первой музыкой Петра Ильича Чайковского был первым из большой тройки русского балета. Изначально созданный австрийцем Wenzel Reisinger (1827-1892), Лебединое Озеро был переработан многими, среди них Joseph Hansen (1842-1907), и Петипа в 1895 году.

В 1880-е годы Петипа поставил в России два балета которые были очень успешны в Париже. Первый был Жизель, второй - Coppélia поставленный Saint-Léon (оригинальная постановка была в 1870 году).

В 1889 году Петипа создал балет Амулет.

В 1890 году Энрико Чеккетти (1850-1928) стал танцором и постановщиком Императорской Балетной Школы. Он родился в Риме, оба его родителя были танцорами и он у них учился. Также он них учился у Джованни Лепри, ученика Карло Блазиса.

В 1890 году итальянская балерина Carlotta Brianza (1867-1930) была выбрана Петипа на роль в новом балете «Спящая красавица»). Этот балет - второй в большой тройке и один из основных классических балетов.

В 1892 году (хотя год остаётся открытым вопросом для историков) Петипа с дизайнером Иваном Всеволжским и вторым постановщиком Львом Ивановым создали балет Щелкунчик. Это третий балет из большой тройки. Он основан на подслащённом французском пересказе рассказа авторства E. T. A. Hoffmann. Щелкунчик имеет огромную популярность в сотнях различных версий как рождественский балет. Премьера Щелкунчика была в Мариинском Театре 18 декабря (6 декабря по использовавшемуся тогда в России юлианскому календарю) 1892 года.

Петипа наиболее известен по своим совместным работам с Петром Ильичом Чайковским. Петипа использовал музыку Чайковского для своих танцев в Щелкунчике (1892), Спящей Красавице(1890), в окончательной переделке Лебединого озера (1895, с Львом Ивановым). Все эти работы основаны на европейском фольклоре.

В 1890-е года балет перестал быть большим искусством в западной Европе и не существовал в Америке. Три человека, все из России но не все русские, появились на сцене приблизительно одновременно и создали новый интерес к балету во всей Европе и в Америке: Энрико Чеккетти, Сергей Дягилев (1872-1929) и Агриппина Ваганова (1879-1951).

Классическая балетная пачка начала появляться в это время. Она состояла из короткой юбки, поддерживаемой слоями кринолина или тюля, и позволяла выполнение ногами акробатических трюков.

В 1895 году Петипа переделал Лебединое Озеро включив важные хореографические дополнения. Одним из добавлений были 32 fouetté поворотов.

В 1898 году Петипа поставил свой последний балет со использованием всех остававшихся возможностями. Raymonda был балет в трёх действиях с музыкой Александра Глазунова. Похожий по стилю на балеты Чайковского, Raymonda был очень сложен для исполнения так как имел большое разнообразие танцев, большее чем можно увидеть по графической линии представления.

В начале 20-ого века люди начали уставать от идей и принципов балеты Петипа и искали свежие идеи. Российский балет был уже более знаменит чем французский и многие российские танцоры имели международную известность. Вероятно наиболее заметной балериной того времени была Анна Павлова (1881-1931), известная по исполнению Умирающего Лебедя (1907).

В 1907 году Михаил Фокин начал пытаться изменить правила в отношении костюмов в Императорском Театре. Он чувствовал что вид открытого зонтика, как женщины тогда одевались, надоел и был не приличным. В своём балете греческого стиля Eunice он сделал так что танцоры казались босоногими. Иметь голые ноги было тогда против правил Императорского Театра, поэтому пальцы ног были нарисованы на обуви танцоров. Кроме того, он использовал серьёзную музыку вместо танцевальной.

В 1909 году Сергей Дягилев привёз балет обратно в Париж, открыв свою компанию Ballets Russes. Среди танцоров Ballets Russes были лучшие молодые российские танцоры - Анна Павлова, Тамара Красавина, Adolf Bolm (1884-1951), Вацлав Нижинский (1889-1950), Вера Каралли. Ballet Russes открылись в Париже 19 мая 1909 года и тут же имели успех. Танцоры мужчины, среди них Вацлав Нижинский, заслужили особенного восхищения, так как хорошие танцоры мужчины тогла практически исчезли в Париже. После русской революции 1917 года компания состояла из эмигрантов из России. Революция лишила Дягилева возможности вернуться в Россию.

Ballets Russes выступала большей частью в западной Европе, но иногда и Северной и Южной Америках. На 20 лет Сергей Дягилев был руководителем всего балета в западной Европе и Америке.

После одного сезона с Ballets Russes, Анна Павлова основала свою собственную компанию которая базировалась в Лондоне и много ездила по свету, бывая и в тех местах куда Ballets Russes не приезжали. Анна Павлова посетила многие города в США, в том числе небольшие. Она не основала балетную школу или компанию в США, но своими выступлениями побудила заняться танцами многих девочек.

Ballets Russes стартовал имея сильные российские знаковые работы. Однако, первый показанный балет был Le Pavillon d’Armide имевший сильное французское влияние. В исполнении Le Pavillon d’Armide и в Санкт-Петербурге и в Париже участвовал Вацлав Нижинский, известный как один из лучших прыгунов всех времён. Ballets Russes представила в Париже также балет ранее известный как Чопиниана, так как вся музыка принадлежала Чопину. Но он был переименован в Les Sylphides для французских зрителей. Он был не то же самое что La Sylphide, но ему было дано похожее название так как парижские зрители незадолго до того видели La Sylphide.

Дягилев и композитор Игорь Стравинский объединили свои таланты чтобы на основе русского фольклора создать балеты Жар-птица и Петрушка. За последующие несколько лет Ballets Russes исполнила несколько балетов которые таким образом стали известными, среди них Шехерезада (1910), Жар-птица (1910), Петрушка (Petroucha) (1911).

Михаил Фокин начал свою карьеры в Санкт-Петербурге и после переехал в Париж и работал с Дягилевым в Ballets Russes.

Энрико Чеккетти был одним из исполнителей Петрушки, играющий пантомиму так как он уже был в не очень хорошей физической форме. Энрико Чеккетти стал известен по ролям зажигательной феи Carbosse и синей птицы в Спящей красавице постановки Петипа 1890 года. После он стал известен как создатель способа Чеккетти преподавания балета.

В 1913 году Нижинский создал новый балет Le Sacre du Printemps (русское название Весна священная, хотя буквальный перевод с французского «Посвящение весны»). Это была наиболее противоречивая работа Ballets Russes. Этот балет был поставлен с также называющейся музыкой Стравинского. Современная балетная музыка и тема жертвы человека сильно впечатляют зрителей. Многие в США ассоциирует Заклинание весны с эпизодом с динозаврами из Fantasia Уолта Диснея.

Последняя важная постановка Ballets Russes в Париже была в 1921 и 1922 годах, когда Дягилев заново поставил версию Спящей Красавицы Петипа 1890-ого года. Её показ в течение четырёх месяцев не вернул вложенные финансовые средства, и это был фактически провал. Однако, Спящая Красавица вернула интерес зрителей к балету длиной в целый вечер.

В 1933 году после смерти Дягилева, René Blum и другие основали Ballet Russe в Монте-Карло и продолжали дальше нести традиции балета. Позднее Blum был убит в Освенциме нацистами.

После российской революции балет в России был сохранён Анатолием Луначарским, первым народным комиссаром образования. После Луначарского, комиссары разрешали балет если он был ярким и возвышенным.

Русский балет продолжил своё развитие в советскую эпоху. После революции в стране осталось небольшое количество талантливых людей, но этого было достаточно чтобы создать новое поколение. После стагнации в 1920-х годах, в середине 1930-х новое поколение танцоров и хореографов появилось на сценах.

В 1930-е годы в Санкт-Петербурге (тогда Ленинград) Агриппина Ваганова был художественным руководителем того что до того называлось Императорским Русским Балетом, и начала оставлять следы своей деятельности. В 1935 году балетная компания был переименована в Балет имени Кирова (сейчас Балетная труппа Мариинского театра). Будучи художественным руководителем, Ваганова выполняла государственные правила и изменила конец Лебединого озера с трагического на возвышенный.

Ваганова требовала технического совершенства и точности танца, она была учеником Петипа и Чеккетти и до того руководила Императорской Балетной Школой, переименованной в Ленинградский Государственный Хореографический Институт, которая готовила танцоров для Балетной труппы Мариинского театра. В 1957 году, через шесть лет после смерти Вагановой, правительство переименовало Ленинградский Государственный Хореографический Институт в Академию русского балета им. А. Я. Вагановой. Когда Балетная труппа Мариинского театра начала ездить в западную Европу, Ваганова уже умерла. Способ Вагановой преподавания балета известен из её книги «Основы классического танца», которая была переведена на разные языки.

Балет был популярен у публики. И московская балетная компания Большого театра и санкт-петербургская Балетная труппа Мариинского театра были активными. Идеологическое давление привело к созданию балетов социалистического реализма, большая часть из которых не впечатляла публику и позже они были исключены из репертуара обоих компаний.

Некоторый произведения этой эпохи, однако, были заметными. Среди них - Ромео и Джульетта Сергея Прокофьева и Леонида Лавровского. Балет Пламя Парижа, хотя и имеет все характерные черты искусства социалистического реализма, был первым где было активное использование кордебалета в спектакле. Удачной была также балетная версия Бахчисарайский фонтан по поэме Александра Пушкина с музыкой Бориса Асафьева и хореографией Ростислава Захарова.

Известный балет Золушка с музыкой Прокофьева также является продуктом советского балета. В советскую эпоху, эти постановки были большей частью неизвестны за пределами Советского Союза и позже Восточного Блока. После распада Советского Союза они стали более известны.

После появления Ballets Russes во Франции, балет приобрёл большее влияние, особенно в США.

В 1910 году была основана первая балетная компания в Америке, Балет Чикагской Оперы.

В 1929 году появилась Концерная Группа Aleksander Dorothy, позже ставшая Гражданским Балетом Атланты.

В 1933 году Adolph Bolm основал Балет Сан-Франциско.

Из Парижа, после разногласий с Дягилевым, Фокин переехал в Швецию и затем в США и наконец устроился в Нью-Йорке. Он полагал что традиционный балет представляет собой лишь немногим большее чем миловидное атлетическое представление. Для Фокина этого было мало. Кроме технического искусства, он требовал наличия драмы, выразительности и историчности. По его мнению, хореограф должен исследовать эпоху, по которой ставится балет, и её культуру, и отказаться от традиционной пачки в пользу соответствующего эпохе костюма.

Фокин поставил Шехерезаду и Клеопатру. Он также заново переработал Петрушку и Жар-птицу. Одной из его наиболее известных работ был Умирающий Лебедь в исполнении Анны Павловой. Кроме своих талантов как балерина, Павлова имела театральные способности чтобы соответствовать представлению Фокина балета как драмы.

Молодым танцором и хореографом с Ballets Russes был Георгий Мелитонович Баланчивадзе (1904-1983), чьё имя было впоследствии переделано на французский манер как George Balanchine (Джордж Баланчин). Он поставил несколько работ в Ballets Russes, наиболее известная из них Apollon Musagète (позднее Apollon) (1928), классическая работа неоклассицизма. Это был балет в одном действии греческого стиля. После смерти Дягилева, Баланчивадзе ушёл из Ballets Russes, недолго попутешествовал в одиночку, став в конце руководителем компании Ballets 1933, которая однако вскоре закрылась. Lincoln Kirstein (1907-1995) пригласил Баланчивадзе в Америку. Kirstein почти ничего не знал про балеты, а Баланчивадзе почти ничего не знал про Америку, кроме того что там появляются женщины похожие на Ginger Rogers. Баланчивадзе решил принять предложение и основать балет в Америке. Тогда Kirstein начал перечислять балеты которые он хотел бы увидеть в Америке, первым элементов в списке был Pocahontas.

В 1933 или 1934 году Kirstein и Баланчивадзе основали Школу Американского Балета в Hartford, Коннетикут, которая дала свой первый спектакль, новую постановку названную Серенада, в том же году. Баланчивадзе выработал образцовую технику в США, основав школу в Чикаго. В 1934 Школа Американского Балета переехала в Нью-Йорк, что было важнее. Баланчивадзе адаптировал балет к новым средствам, фильмам и телевидению. Продуктивный работник, Баланчивадзе переделал классические Лебединое озеро и Спящая красавица и также создал новые балеты. Он создал оригинальные толкования драм Шекспира - Ромео и Джульетта, Радостный вдовец, Сон в летнюю ночь. В балете Драгоценности Баланчивадзе нарушил традицию рассказа и драматизировал тему вместо графического представления.

Барбара Каринска, эмигрант из России, была способным портным и сотрудничала с Баланчивадзе. Она повысила роль дизайна костюма с вспомогательной до важной части балетного спектакля. Она ввела косой край и упрости классическую балетную юбку, что дало танцорам дополнительную свободу движений. С скрупулёзным вниманием к деталям, она украшал юбки бисером, вышиванием, аппликацией.

Благодаря Баланчивадзе, балет попал в Америку. Сейчас, отчасти благодаря Баланчивадзе, балет стал одним из наиболее сохраняемых танцев в мире. В Америке есть популярная ошибочная точка зрения что балет пришёл из России.

Похожая информация.

8 выбрали

Как прекрасен полет балерины в танце, как он легок и воздушен, и как тяжел ее труд на пути к этой кажущейся легкости. Тысячи девочек начинают этот путь в балетных школах, но лишь немногие становятся Великими балеринами. 23 апреля значимая дата в мире балета - 210 лет со дня рождения Марии Тальони, балерины первой вставшей на пуанты и первой представшей в воздушном облаке балетной пачки. Но не это главные страницы в истории балета, написанные великой балериной – ее танец, воздушный, мистический, который сравнивали со скрипкой Паганини, стал самой знаменитой легендой балета.

Мария Тальони (1804-1884)

Отец Марии был балетмейстером и хореографом, поэтому видел в своей дочери то, чего не видели другие. А как иначе? Ведь она должна была стать балериной в третьем поколении! А она выглядела гадким сгорбленным утенком среди других его учениц, от которых терпела немало насмешек в свой адрес. Отец же был неумолим и строг, порой урок заканчивался обмороком обессилевшей Марии, но именно каторжный труд превратил ее в нимфу балета. А впереди ее ждал триумф – в 1827 году "Венецианский карнавал" в Париже, после которого она танцевала в Гранд Опера и мировая слава в 28 лет в постановке отца "Сильфида". Роль Сильфиды стала главной в ее жизни – четверть века она была лучшей исполнительницей этой партии. За ней последовали и другие партии в постановках Филиппе Тальони, долгий контракт с Гранд Опера и… гастроли в России. И Петербург буквально "заболел балетом" - она выступала на цене через день, неизменно вызывая восторг и восхищение, внимание императорской семьи и обожание публики. Последнее выступление балерины в Петербурге состоялось 1 марта 1842 года. Вызывали ее восемнадцать раз – ее, Сильфиду, летящую над сценой на кончиках пуант в газовом облаке балетной пачки….

Анна Павлова (1881-1931)

Будущая звезда русского балета мечтала о белом репетиционном зале с портретом Марии Тальони на стене. Дочь железнодорожного подрядчика и прачки обладала прекрасными природными балетными данными и огромным упорством, благодаря которому она и смогла стать ученицей театрального училища, ведь ее не приняли сразу! Лишь вторая попытка оказалась успешной, благодаря Мариусу Петипа, разглядевшему в маленькой девочке "пушинку на ветру". По окончании училища Анна поступила в Мариинский театр, примой которого она стала спустя 6 лет поле первого выхода на сцену. "Баядерка", "Жизель", "Щелкунчик" в ее блистательном исполнении приводили в восторг театральную публику и придирчивых "балетоманов". Настоящая слава же пришла к ней в 1907 году после исполнения миниатюры "Умирающий лебедь" на музыку Сен-Санса, которую Михаил Фокин поставил для нее буквально за одну ночь для выступления на благотворительном концерте. Миниатюра навсегда стала символом русского балета 20 века. С 1910 года начинается череда гастролей "Русского лебедя" и история ее мировой славы. "Русские сезоны" в Париже стали одной из "золотых страниц" в истории русского и мирового балета. Анна Павлова создает свою собственную труппу, свою балетную семью, с которой открывает миру классический балет Чайковского и Глазунова. В 1913 году она переезжает в Лондон и уже больше не возвращается в Россию. Америка, Европа, Индия, Куба, Австралия рукоплескали Павловой, ставшей живой легендой. Скончалась Анна Павлова во время гастролей в Гааге 23 января 1931 года от пневмонии.

Ольга Спесивцева (1895- 1991)

Что более всего надломило душу балерины – потрясения революции, преследовавшие ее обвинения эмиграции в "шпионаже", душевная драма или полное погружение в образ Жизели, ради которого она посещала дома для душевнобольных и с которой она разделила ее безумие? Она уже не могла выти на сцену и, надломленная, в 1931 году переехала в США, где вскоре в состоянии полной потери памяти оказалась в лечебнице, где пробыла до 1963 года. Случилось чудо, память вернулась к ней и до самой смерти Ольга Спесивцева прожила в пансионате Фонда Льва Толстого, успев сняться в документальном фильме….

Агриппина Ваганова (1879-1951)

Она не стала великой балериной на цене, но ее имя известно всему миру, как имя великого балетного педагога, которое носит Академия танца….

На сцене ей были уготованы только третьестепенные роли – она не была привлекательна внешне и первые партии обходили ее стороной, да и критики не видели в ней "воздушной красавицы". Упорный труд, талант, великолепная техника исполнения оказались важнее красивой внешней оболочки. Агриппина Ваганова "лепила" себя сама, добившись вначале ролей второго плана, образы которых она открыла для публики заново. Создавая все новые вариации уже, казалось затертых образов, она получила от критиков титул "королевы вариаций". Она не стала знаменитой балериной, уже в 36 лет ее отправили "на пенсию", но, посвятив себя хореографии, стала самым знаменитым педагогом, вписав золотыми буквами свое имя в историю балета. Она посвятила себя хореографии в те годы, когда совершенно серьезно обсуждался вопрос о… ликвидации балета, как чуждого вида искусства. Вагановская школа по праву стала одной из лучших в мире, выпустившей балерин, чьи имена по праву заслужили приставки "великая": Марина Семенова, Галина Уланова, Наталья Дудинская. Агриппина Ваганова руководила Академическим театром оперы и балета в 1931-1937 г.г., осуществив постановки "Лебединого озера" и "Эсмеральды" в новой редакции, в своей особенной манере, получившей имя "вагановской". Ее педагогический опыт стал всемирным достоянием во многом благодаря написанной ею книге "Основы классического танца", переведенной почти на все языки мира и выдержавшей 7 переизданий.

Алисия Алонсо (1920)

Создательница Национального Балета Кубы Алисия Мартинес дель Ойо в 9 лет поступила в единственную в то время на Кубе балетную школу русского балетмейстера Николая Яворского. И с первого же дня балет стал смыслом всей ее жизни. Шаг за шагом Алисия шла к намеченным ею одна за другой целям: стать профессиональной балериной, а затем создать национальную балетную школу на Кубе. Когда политика вмешалась в ее планы, и само существование балетной труппы на Кубе стало невозможным, она поставила своей целью поддерживать наиболее одаренных танцоров до лучших времен. После победы Кубинкой революции в 1959 году она проводит отбор самых одаренных учеников и ставит новую цель - поднять кубинский балет мирового уровня. Но в ее жизни были не только масштабные планы, в ее жизни был Балет, "чернорабочим" которого называла себя Алисия.. Ей рукоплескал Париж, Милан, Вена, Неаполь, Москва, Прага, а она никогда не была собою довольна. В 19 лет е сделал первую операцию на глазах, зрение падало с каждым годом, но она танцевала. "Танцующая в темноте" - так говорили о великой кубинской балерине. Специально для нее центр сцены освещали самым ярким прожектором – она не видела кулис, декораций, она танцевала душой…. Множество постановок, образов - она танцевала, танцевала, танцевала всегда, не давая себе ни поблажек, ни скидок на возраст и потерю зрения. Последнее выступление Алисии Алонсо в поставленном ею балете "Бабочка" состоялось в 1995 году, когда балерине исполнилось 75 лет! Она танцует до сих пор, сидя в инвалидном кресле, полностью потеряв зрение – она все равно танцует руками и сердцем. Алисия Алонсо - Prima ballerina assoluta.