각 예술에는 고유한 특수 언어, 감정 전달 기술, 표현 수단이 있습니다. 예를 들어, 물감과 그림은 회화의 표현 수단입니다. 작가는 이를 능숙하게 활용하여 그림을 만든다. 시를 쓰는 시인은 시적 운율을 사용하여 단어의 언어로 우리에게 말합니다. 무용예술의 기본은 춤이고, 연극예술은 연기이다.
음악에는 고유한 특별한 언어가 있습니다. 그것은 소리의 언어입니다. 음악의 표현 수단: 멜로디, 리듬, 템포, 모드, 음색, 크기, 음역. 또한 음악을 분석할 때 악센트와 일시정지, 억양이나 화성을 고려합니다.
멜로디. 이것은 모든 음악 작품의 기초이며 작곡의 영혼이자 생각입니다. 멜로디를 사용하면 음악의 분위기(슬픔 또는 행복)를 이해할 수 있습니다. 부드럽거나 육포적일 수 있고, 경련성이 있거나 진정될 수 있습니다.
율. 자연의 모든 것은 리듬의 영향을 받습니다. 심장 박동, 뇌 박동이 있습니다. 하루는 아침, 오후, 저녁, 밤의 리듬으로 구분됩니다. 계절의 변화는 지구의 리듬이기도 합니다.
그리스어로 번역된 "리듬"이라는 단어는 "측정"을 의미합니다. 짧고 긴 소리가 균일하게 반복되는 것입니다. 리듬이 없는 음악은 단지 소리의 집합일 뿐입니다. 부드러운 리듬은 음악에 서정성을 부여하는 반면, 경련적이고 갑작스러운 리듬은 불안과 흥분을 유발합니다.
속도. 이것이 작품의 연주 속도입니다. 느리고 빠르며 적당할 수 있습니다. 템포를 표시하려면 이탈리아어 용어. 예를 들어, 빠른 템포 - 알레그로, 프레스토; 천천히 - 아다지오; 적당한 템포 - 안단테. 전 세계는 템포를 나타내기 위해 이 이탈리아어 단어를 사용합니다. 또한 속도는 차분하고 활기차고 빠를 수 있습니다.
일부 음악 장르에는 고유한 일정한 박자표가 있습니다. 그렇기 때문에 왈츠나 행진곡을 귀로 알아보는 것이 매우 쉽습니다.
젊은이. 음악에는 두 가지 대조되는 형태가 있습니다. 음악의 기쁨, 쾌활함, 재미를 표현하는 장조와 슬픔과 슬픔의 수호 성인인 단조입니다.
음색. 이것이 소리의 색깔이다. 각 악기에는 사람의 목소리처럼 고유한 음색이 있습니다.
크기. 리듬을 종이에 적으려면 필요합니다. 음악적 박자표는 다르며 분수로 표시됩니다: 2/4, 3/4...
등록하다. 낮음, 중간, 높음으로 나누어져 있습니다. 멜로디를 연주하는 음악가나 특정 멜로디를 분석하는 전문가가 직접 필요합니다.
안에 다른 유형예술과 관련된 표현 수단을 찾을 수 있습니다. 예를 들어 이미지, 억양, 리듬, 분위기, 대비 등이 있습니다. 다양한 색조.
음악과 그림. 그림은 비행기 위에서의 창작이다 실제 그림우리의 세계, 혹은 작가의 마음이 만들어낸 상상의 그림. 회화의 표현 수단 : 색상 및 드로잉, 획의 표현력, 가벼운 공기 환경, 명암 대비, 대비. 그림은 음악과 마찬가지로 이미지, 분위기의 도움으로 분위기를 조성합니다! 억양은 대사, 멜로디는 그림, 음악의 템포는 그림의 구성, 모드는 분위기, 음색은 색 구성표입니다. 소리와 색상의 관계에 대한 예는 다양합니다. 일부 화가는 특정 색상을 특정 음악적 음색과 직접 연관시킵니다. 그것은 관하여이른바 '색채청각'에 관한 것입니다. 러시아의 뛰어난 작곡가 림스키코르사코프와 스크리아빈이 이것을 가지고 있었습니다. 각 색조는 그에게 특정 색상으로 칠해진 것처럼 보였고 따라서 독특한 풍미를 가졌습니다. 다양한 그림과 조각의 인상을 받아 많은 음악 작품이 탄생했습니다.
음악과 문학. 원래 형태에서는 음악과 시가 하나의 전체로 존재했습니다. 악기 연주는 주로 반주로 축소되었습니다. 17세기에 와서야 음악은 창의성의 독립적인 형태가 되었습니다. 그러다가 모든 종류의 문학 작품이 현대 음악에 비유되기 시작했습니다. 이것들은 모든 종류의 변형과 모음입니다. 소설과 같은 문학 장르의 출현은 소나타 형식의 출현과 밀접한 관련이 있습니다. 문학과 음악은 상호 연결되어 발전했습니다. 예를 들어, 음악에서 중요한 위치는 다음과 같습니다. 문학적 인물오르페우스, 파우스트, 돈 후안, 오필리아, 로미오, 줄리엣처럼요. 수세기 동안 그들의 삶은 음악가들의 마음과 상상력을 자극하고 흥분시켰습니다. 그리고 그 결과 - 유럽 음악밝은 색상의 오페라, 발레, 교향곡으로 풍성해졌습니다.
음악과 건축. 괴테는 건축을 “얼어붙은 음악”이라고 불렀습니다. 요즘에는 음악을 뛰어난 감성과 극단적인 구조를 결합한 변증법적 예술로 취급하는 것이 관례입니다. 그렇기 때문에 정밀한 계산을 바탕으로 한 음악 예술 작품은 건축과 가장 가까운 작품으로 간주됩니다. Debussy의 "The Sunken Cathedral", Bizet의 "Rome" 교향곡, Milhaud의 "Castle of Fire" 모음곡 등 많은 작품은 건축 구조의 이미지에서 영감을 받았습니다.
모든 예술에는 감정을 전달하는 고유한 기법과 메커니즘이 있으며, 음악에도 고유한 기술이 있습니다. 자신의 언어. 음악적 표현의 수단에는 템포, 강약, 음역, 음색, 리듬, 화성, 선율, 억양 등이 포함됩니다.
멜로디는 작곡의 영혼입니다. 이를 통해 작품의 분위기를 이해하고 슬픔이나 기쁨의 감정을 전달할 수 있습니다. 멜로디는 급격하거나 부드럽거나 갑작스러울 수 있습니다. 모든 것은 작가가 그것을 어떻게 보는지에 달려 있습니다.
템포는 연주 속도를 결정하며 느림, 빠름, 보통의 세 가지 속도로 표현됩니다. 이를 지정하기 위해 다음에서 나온 용어가 사용됩니다. 이탈리아어. 따라서 느린 경우-adagio, 빠른 경우-presto 및 allegro, 중간-andante. 또한 속도는 빠르고 차분할 수 있습니다.
음악적 표현의 수단인 리듬과 박자는 음악의 분위기와 움직임을 결정합니다. 리듬은 다를 수도 있고, 차분할 수도 있고, 균일할 수도 있고, 갑작스러울 수도 있고, 당김음이 있을 수도 있고, 명확할 수도 있습니다. 인생에서 우리를 둘러싼 리듬과 같습니다. 음악을 연주하는 방법을 결정하는 음악가에게는 크기가 필요합니다. 그들은 분기 형태의 분수로 작성됩니다.
음악의 모드에 따라 방향이 결정됩니다. 단조라면 슬프거나 우울하거나 사려 깊은 몽환적이거나 향수를 불러일으킬 수도 있습니다. 전공은 명랑하고 즐겁고 맑은 음악에 해당합니다. 마이너가 메이저로 대체되거나 그 반대의 경우에도 모드는 가변적일 수 있습니다.
음색은 음악을 색칠하므로 음악은 울림, 어두움, 밝음 등으로 특징지어질 수 있습니다. 각 악기에는 고유한 음색과 특정 사람의 목소리가 있습니다.
음악의 음역은 저음, 중음, 고음으로 나뉘는데 이는 멜로디를 연주하는 연주자나 작품을 분석하는 전문가에게 직접적으로 중요한 부분이다. 억양, 강조, 일시정지 등의 수단을 통해 작곡가가 말하려는 내용을 명확하게 이해할 수 있습니다.
음악적 이미지는 음악적 표현 수단의 특정 조합을 통해 생성됩니다. 예를 들어, 무서운 캐릭터가 충분히 전달될 수 있다. 시끄러운 역학, 제한된 템포와 결합된 낮은 음역. 온화한 성격 - 차분한 템포, 부드러운 역동성 및 절제된 리듬. 이미지 생성에서 개별 음악적 수단의 역할 동일하지 않을 수도 있습니다. 각 음악적 이미지는 특정 표현 수단에 의해 지배됩니다.
음악 언어의 표현력은 여러 면에서 말의 표현력과 유사합니다. 항상 감정적으로 가득 찬 음성 억양에서 음악의 기원에 대한 가설이 있습니다. 음악과 연설은 공통점이 많습니다. 음악적 소리, 말과 마찬가지로 청각으로 인식됩니다. 목소리는 웃음, 울음, 불안, 기쁨, 부드러움 등 사람의 감정 상태를 전달합니다. 말의 억양 색상은 음색, 음조, 목소리의 강도, 말의 템포, 악센트, 일시 중지를 사용하여 전달됩니다. 음악적 억양은 동일한 표현 능력을 가지고 있습니다.
~에 음악 수업유치원에서 우리는 아이들에게 음악은 "살아있다"고 "마음을 뛰게 한다"고 말합니다. 음악은 말할 수 있으며, 이해하는 법을 배워야 하는 고유한 특별한 연설이 있습니다. 살아있는 모든 것과 마찬가지로 음악은 작은 세포, 곡물에서 태어나 싹트고 발전하고 특정 형태를 취합니다... 그리고 음악은 살아 있기 때문에 그것을 친구처럼 대해야 합니다. 듣고 느낄 수 있어야 합니다. 그것을 경험해 보십시오. 그렇지 않으면 그것은 당신에게 아무것도 드러내지 않을 것입니다. 예술 작품을 이해하는 능력은 엘리트, 특히 재능 있는 사람들의 특권이 아닙니다. 개발될 수 있습니다.
같은 음악 살아있는 예술모든 유형의 활동이 통합된 결과로 태어나고 살아갑니다. 그들 사이의 의사소통은 음악적 이미지를 통해 이루어진다. 이미지 외에 음악(예술 형식)은 존재하지 않습니다. 작곡가의 마음 속에서 음악적 인상과 영향을 받아 창의적인 상상력음악적 이미지가 탄생하고, 그것이 음악으로 구체화됩니다.
이미지는 객관적-실용적, 감각적-지각적, 정신적 활동의 결과로 발생하는 주관적인 현상으로 현실의 전체적인 반영을 나타내며 주요 범주(공간, 움직임, 색상, 모양, 질감 등)는 다음과 같습니다. 동시에 표현됩니다.
정보 측면에서 이미지는 주변 현실을 표현하는 비정상적으로 넓은 형태입니다.
음악 이미지에 대한 적극적인 인식은 객관적이고 주관적인 두 가지 원칙의 통일성을 전제로 합니다. 예술 작품 자체에 내재된 것, 그리고 그 작품과 관련하여 어린이의 마음 속에 태어난 해석, 아이디어, 연상. 분명히 그러한 주관적인 아이디어의 범위가 넓을수록 어린이가 가소성과 몸짓의 도움으로 만든 이미지의 범위가 더 풍부하고 완전할수록 어린이는 창의적인 작업 수행에 더 적극적으로 참여하고 즉흥적으로 옵션을 제시할 것입니다. 게임과 둥근 춤의 비유적인 움직임.
10. 음악 리듬 동작 - 음악 활동 유형(의미, 작업, 리듬 유형, 프로그램 내용).
음악적이고 리드미컬한 움직임은 활동적인 일, 이는 움직이는 음악의 본질을 반영합니다. 음악적 및 리듬적 움직임에는 다음이 포함됩니다. 음악 게임, 춤과 운동. 음악 리듬 교육의 기본은 어린이의 음악적 이미지를 인식하는 능력과 이를 움직임에 반영하는 능력의 발달입니다.
음악 및 리듬 교육의 의미와 목적
그는 음악-리듬 교육 시스템을 최초로 개발한 사람 중 한 명이었습니다. XIX 후반 V. 스위스의 교사이자 음악가인 Emile Jacques-Dalcroze. 창조 위 현대 시스템많은 음악가, 교사, 심리학자, 방법론자, 유치원 기관의 음악 감독이 음악 및 리듬 교육 분야에서 일했습니다. 그 중 선두 자리는 N.G. Alexandrova와 그녀의 학생 및 추종자-E.V. 코노로바, N.P. 즈브루에바, V.I. 그리너, N.E. 키에즈월터, M.A. 루머. 신체의 성장으로 인한 아동의 움직임 필요성을 고려하여 운동 능력을 형성하고, 가장 중요한 것은 움직임과 음악 소리의 유기적 결합을 통해 포괄적인 발달을 추구했습니다.
움직임의 도움으로 아이는 세상에 대해 배우는 것으로 알려져 있습니다. 수행 다양한 움직임게임과 춤을 통해 아이들은 현실에 대한 지식을 심화시킵니다. 음악은 운동 반응을 불러일으키고 운동 반응을 심화시킵니다. 운동에 수반될 뿐만 아니라 운동의 본질을 결정합니다. 교사의 임무는 아이들에게 제안된 동작을 신속하게 수행할 수 있는 능력을 개발하고, 필요한 경우 속도를 늦출 수 있는 능력, 즉 적극적인 억제 능력을 개발하는 것입니다. 음악은 흥분 방향과 억제 방향 모두에서 반응을 일으키는 자극입니다. 음악교육 수업에서는 무기력하고 소극적인 아이들이 활발하게 변하고, 흥분한 아이들이 징계를 받는 모습을 관찰할 수 있습니다.
음악적이고 리드미컬한 동작을 연습하는 과정에서 아이의 신체는 강화됩니다. 음악에 대한 귀, 기억력, 주의력이 발달합니다. 도덕적, 의지적 특성, 손재주, 정확성, 속도, 결단력이 향상되고 부드러움, 탄력성, 에너지, 가소성과 같은 움직임 속성이 개발됩니다. 아이들의 자세가 좋아집니다. 음악적 리듬은 움직임을 체계화하고 익히는 데 도움이 됩니다. 적절한 선택을 통해 음악적이고 리드미컬한 움직임은 심장 근육을 강화하고 혈액 순환과 호흡 과정을 개선하며 근육을 발달시킵니다.
음악 리듬 교육의 기본은 어린이의 음악 이미지에 대한 인식과 이를 움직임에 반영하는 능력의 발달입니다. 음악 작품의 시간 흐름에 따라 움직이면서 어린이는 음높이 움직임, 즉 모든 표현 수단과 관련된 멜로디도 인식합니다. 이는 음악 작품의 성격과 템포를 움직임에 반영하고, 역동적인 변화에 반응하며, 악구의 구조에 따라 움직임을 시작, 변경 및 종료하며, 움직임의 단순한 리듬 패턴을 재현합니다. 결과적으로 음악 리듬의 표현력을 인식하는 어린이는 전체 음악 작품을 전체적으로 인식합니다. 감정적인 성격을 전달합니다. 모든 구성 요소(음악 이미지의 개발 및 변경, 템포 변경, 다이내믹스, 음역 등)가 포함된 음악 작품입니다.
따라서 음악-리듬적 움직임은 음악에 대한 정서적 반응과 음악적 리듬감을 개발하는 수단입니다.
게임, 춤, 둥근 춤에서 움직임의 아름다움을보고 가능한 한 아름답고 우아하게 움직임을 수행하고 음악과 조화를 이루기 위해 노력하면서 아이는 미학적으로 발전하고 아름다움을보고 창조하는 법을 배웁니다.
음악 및 리듬 구성, 민족 무용, 극화, 노래가 포함된 라운드 댄스 게임은 민속, 러시아 고전 및 현대 음악, 형태 도덕적 성격음악성과 예술적 취향을 키우고 조국에 대한 사랑을 키우십시오. 또한 음악적, 리듬적 움직임은 공간적, 시간적 방향의 발달에 기여합니다. 아이는 음악의 변화와 친구들의 움직임에 빠른 반응을 요구하는 놀이 상황에 처하게 됩니다. 자기 실행작업. 이것은 그의 관심과 창의적인 이니셔티브를 발전시킵니다.
결과적으로 음악적, 리듬적 동작을 연습하는 것은 교육의 모든 측면과 연관되어 있습니다. 그들은 정신적, 도덕적, 미학적, 신체 발달어린이.
어린이의 삶에서 음악적, 리듬적 움직임의 중요성은 다음과 같습니다.
◆ 풍부하게 하다 감정의 세계아이들을 키우고 음악적 능력을 개발합니다.
◆ 개발하다 인지 능력;
숫자 활동, 규율, 팀워크를 장려합니다.
신체의 신체적 개선에 기여합니다.
음악 리듬 동작 작업의 주요 방향은 어린이의 체계적인 음악 발달입니다.
음악은 단순히 동작에 수반되는 것이 아니라 그 본질을 결정합니다. 즉, 동작은 음악의 반주에 대한 동작이거나 음악의 배경에 반대되는 동작이어야 할 뿐만 아니라 다음 사항에 부합해야 합니다.
♦ 음악의 성격;
◆ 음악적 표현 수단;
♦ 음악 작품의 형식.
이에 대해 좀 더 자세히 살펴보겠습니다.
음악은 다양한 분위기를 전달하는 것으로 알려져 있습니다. 예를 들어, 다음 세 가지 걷기 작품에서 N. Levi의 "Festive March", T. Lomova의 "Etude" 및 S. 프로코피예프 - 명랑하고 차분하며 엄숙한 성격의 음악. 당연히 이 세 가지 경우에 아이들은 다르게 걷는다. 그들은 T. Lomova의 음악에 맞춰 빠른 발걸음으로 첫 번째 행진까지 걸어갈 것입니다. 차분하고 서두르지 않고 S. Prokofiev의 "3월"까지 아이들은 엄숙하게 걸을 것입니다. 따라서 움직임(이 경우 걷기)은 음악의 성격에 해당합니다.
음악적 표현의 수단 중에서 템포, 메트로 리듬 및 다이내믹은 음악 리듬 교육에 특히 중요합니다. 템포는 음악의 이동 속도이고, 미터리듬은 강하고 약한 비트의 구성이며, 다양한 지속 시간의 비율이며, 다이내믹스는 소리의 강도(크기)입니다.
음악의 템포에 따라 아이는 빠르게 또는 느리게 움직이고, 움직임을 늦추거나 빠르게 합니다. 메트로리듬은 음악과 특정 동작의 조화를 결정합니다. 예를 들어, J. Strauss의 "Polka"에서는 박자에 맞춰 발을 발가락으로 앞으로 내밀도록 요청하고 악센트를 위해 아이들은 오른손이나 왼손으로 위협합니다.
6세가 되면 운율적인 악센트를 느낄 뿐만 아니라 음악 작품의 리듬 패턴을 부분적으로 재현할 수도 있습니다. 그래서 둥근 춤 "산에 가막살 나무속이 있습니다"(러시아 민요), "글쎄, 가막살 나무속을 걱정하는 사람"합창에서 아이들은 박수 4 번과 도장 3 번을합니다. 이것은 이미 리듬 패턴입니다.
이미 말했듯이 움직임은 음악의 형식과 일치합니다. 이미 어린 그룹의 아이들은 구별할 수 있습니다. 대조되는 음악두 부분으로 구성된 형태와 그에 따른 움직임의 변화. 미취학 아동을 대상으로 한 댄스 "부츠"(러시아 민요)를 고려해 보겠습니다. 이 춤에는 두 부분이 있습니다. 아이들은 작품의 첫 번째 부분으로 가서 두 번째 부분까지 발을 구릅니다. 따라서 악보의 형태에 따라 움직임이 달라집니다. 나이가 많은 어린이에게는 세 부분으로 구성된 보다 복잡한 형태의 음악 작품을 소개하고 덜 대조되는 부분의 변화에 따라 동작을 바꾸는 방법을 배웁니다. 음악의 본질, 음악적 표현의 수단, 음악 작품의 형태를 더 정확하고 자세하게 구별할수록 그들은 더 자유롭고 표현력 있게 동작을 수행합니다.
유치원은 음악적 감동이 축적되고 집중적으로 발전하는 기간입니다. 음악적 인식. 연령 발달에 따라 어린이의 음악 및 리듬 활동의 성격이 달라집니다.
아주 어린 시절에 아이는 즐겁게 달리고, 점프하고, 춤을 춥니다. 그러나 이것은 아직 게임이나 춤의 공연이 아니라 단지 부분 포함이 과정에 들어갑니다. 아이는 부정확하고 무표정하게 움직인다. 이 기간 동안 아이들은 음악에 대한 감정적 반응, 음악을 듣는 능력, 교사가 보여주는 음악 관련 동작을 기억하고 수행하는 능력, 노래 가사와 일치하는 능력을 발달시킵니다.
4학년이 되면 아이들은 독립적으로 동작을 익히고 수행할 수 있습니다. 그러나 이러한 움직임은 아직 충분히 조화되지 않았습니다. 아이들은 공간에 대한 적응력이 부족하고 집단 행동에 참여하는 데 어려움을 겪습니다. 따라서 4학년 아이들의 음악적, 리듬적 활동은 매우 완만합니다. 그들은 밝고 대조적인 음악의 성격에 따라 느리고 빠른 템포로 움직이는 법을 배우고, 음악 소리의 시작과 끝에 반응하고 간단한 동작을 수행할 수 있습니다.
5세가 되면 아이들은 이미 음악을 듣는 경험을 갖고, 친숙한 멜로디를 인식하고, 가장 눈에 띄는 음악 표현 수단을 구별하고, 음악의 본질을 구별할 수 있으며, 청각 감각이 차별화되고, 더 리드미컬하게 움직이며, 음악에 더 일관되게 움직입니다. 음악의 성격에 따라 음악의 시작과 끝 부분에 따라 동작을 시작하고 중지하며 더 다양한 동작을 수행합니다(직선 갤럽, 쌍으로 동작, 한쪽 다리로 밟기, 발 뒤꿈치에 발 놓기).
5~6세가 되면 아이들은 표정이 풍부하고 리드미컬하게 움직일 수 있으며 움직임에 개성을 드러낼 수 있습니다.
그들은 운율적인 박자를 느낄 수 있어야 하며, 처음에는 박수를 치고 그 다음에는 동작으로 간단한 리듬 패턴을 수행하고, 다양한 동작(높은 다리를 들어올리며 리드미컬하게 달리고 발에서 발로 점프하는 것부터 폴카 스텝까지)을 마스터할 수 있어야 합니다. , 하프 스쿼트, 교대 스텝 등).
결과적으로 음악-리듬 동작 과정에서 음악 교육의 일반적인 과제와 다음과 같은 특수 과제가 모두 수행됩니다.
음악적 지각, 음악적 리듬감, 그리고 이와 관련된 리듬적 움직임의 발달;
아이들에게 음악 표현의 가장 눈에 띄는 수단인 음악의 본질에 맞춰 움직임을 조정하고 공간적, 시간적 방향을 개발하도록 가르칩니다.
게임, 춤, 연습을 통해 어린이들에게 음악적, 리듬적 기술을 가르칩니다.
예술적, 창의적 능력의 개발.
게임, 춤, 운동의 형태로 아이들과 함께 수행되는 음악적, 리듬적 움직임의 운동 기반은 다음과 같습니다.
◆ 기본 동작 - 걷기, 달리기, 점프, 점프;
◆ 물체(공, 리본, 후프, 깃발)를 이용한 체조 동작;
◆ 댄스 동작;
✔ 새, 사람, 동물, 차량 등의 다양한 행동과 움직임을 모방하면서 기본 동작을 결합한 모방 동작입니다.
이러한 모든 움직임은 아이들에게 다양한 방식으로 전달되며 상상력 발달과 창의적 활동에 유용한 자료입니다.
음악에서의 음악적 표현 수단
Faktura (라틴어 "처리"에서 유래)
멜로디
등록 (라틴어에서 "목록", "목록")
템포(라틴어, It. “시간”에서 유래)
미터
율
뮤지컬 크기
젊은이 토닉으로 통합된 피치 관계 시스템. 가장 일반적인 모드는 메이저와 마이너입니다. .
조화
스트로크(독일어 "line", "line"에서 유래) 레가토, 논레가토, 스타카토, 스피카토, 분리, 마르카토).
음악적 형식
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음악 형식의 요소. 기간
건설
음악 형식의 분할 징후건축:
일시 중지, 상대적으로 긴 소리에서 중지, 멜로디-리듬 모양의 반복, 종종 같은 길이의 마디, 음역 변경, 음영(휴지와 함께 제공)이 포함됩니다.
음악 형식의 구성: 동기 및 하위 동기, 구문, 문장. 기간.
카이수라
동기 -
구절 -
케이던스 -
기간 (그리스어에서 "우회", "순환") 상대적으로 완전한 음악적 사고를 표현하는 가장 작은 동음이의어 형태. 문장으로 구성됩니다. (단순할 수도 있고 복잡할 수도 있으며 특별한 구조를 가질 수도 있습니다.)
구성 다이어그램:
두 문장 중: ab 또는아아 1 ;
세 문장에서:
가 - 1 - 2
a b c
a b - b 1
아바(아바1)
기간:
쇼팽 F. 피아노를 위한 전주곡 op. 28: 4, 6, 7, 20번
차이코프스키 P. “잠자는 숲속의 공주” 파랑새 변주곡
차이코프스키 P. “잠자는 숲속의 공주” 은요정 변주곡
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음악과 댄스 장르. 음악 스타일과 방향
- 스타일과 장르의 개념.
- 기본 역사 음악 스타일그리고 그들의 대표자.
- 춤의 종류(민속, 볼룸, 클래식, 현대), 주요 형태.
- 프로그램 음악.
장르(프랑스어 “genus”, “type”에서 유래) 속과 종을 특징짓는 다의미적 개념 음악적 창의성원산지, 성능 및 인식 조건으로 인해. 장르는 기본 및 기타(보조 - 춤을 직접적으로 의도하지 않은 원본 작품)로 구분됩니다(참조 - Bonfeld M. 음악학 소개, p. 164)
생활 조건에 따른 장르 분류:
- 구전 전통 민속 음악(노래 및 기악);
- 가벼운 일상 및 팝 엔터테인먼트 음악 - 솔로, 앙상블, 보컬, 악기, 재즈, 브라스 밴드용 음악;
- 소규모 홀, 솔리스트 및 소규모 앙상블을 위한 실내악;
- 교향곡, 콘서트 홀에서 대규모 오케스트라가 연주;
- 합창 음악;
- 무대에서의 공연을 목적으로 하는 뮤지컬 연극 및 연극 작품.
장르도 보컬과 악기로 나눌 수 있습니다.
춤의 종류(민속, 볼룸, 클래식, 현대), 주요 형식:
민속 - 댄스(싱글, 페어, 단체, 미사), 크로스댄스(그룹, 미사), 쿼드리유, 랜시에, 라운드댄스(장식, 게임, 댄스, 여자, 혼성), 페어미사, 모음곡, 회화, 발레(1곡) -행동)
권위 있는 - 변주곡, 독백, 솔로,파 드 되, 듀엣, 파 드 트리오, 트리오, 파 드 카트르 , 소규모 앙상블(4~8명),파스디 액션 , 모음곡, 교향곡 그림, 안무 미니어처, 발레.
볼룸 댄스 전문 분야:
a) 15~19세기의 역사적, 일상적 춤:
살롱 - 쿠랑트, 미뉴에트, 부르르, 리가동, 볼타, 살타렐라, 가보트, 프렌치 쿼드리유 등
연회장 - 왈츠, 폴로네즈, 폴카, 탱고, 폭스트롯 등, 솔로, 듀엣, 트리오, 쌍미사 형식, 모음곡, 타블로, 발레(예: 18세기 춤의 어휘를 기반으로 함);
b) 20세기 일상 댄스:솔로, 듀엣, 트리오, 페어 미사, 미사, 모음곡(예: 50년대 댄스),
그림, 발레(예: "뉴욕 수출, Opus Jazz"
J. 로빈스 외).
c) 스포츠 연회장 XX~XXI 춤을 춘다세기:
스포츠 작곡 각 10개 유명한 춤서로 다른 클래스 쌍의 경우 번호, sequay 형식, 구성(8쌍의 경우, 유럽 및 라틴 아메리카 옵션)을 표시합니다.
d) 전문화다양성 댄스: 솔로 댄스, 듀엣, 트리오, 소규모 앙상블(4~8명), 대량 작곡, 모음곡, 회화, 발레(쇼 프로그램).
(왈츠, 폴카, 마주르카, 갤럽, 타란텔라, 차르다스)
- 이름(원산지), 국가적 뿌리, 성격;
- 장르의 기원, 전임자의 역사;
- 공연자 수에 따른 댄스 유형;
- 특징 표현 수단(형식, 템포, 리듬감 있는 형태);
- 공연 특징(의상, 악기, 장소);
- 음악적 예.
프로그램 음악. 예.
"프로그램 음악"이라는 용어는 F. Liszt에 의해 문학적 또는 서사적 아이디어, 플롯을 기반으로 하거나 제목을 통해 이미지, 분위기 또는 장르가 표시되는 작품을 위해 도입되었습니다. 프로그램 제목은 음악으로 표현할 수 없는 것을 드러내는 데 도움이 된다. 예는 다음과 같습니다:
M. Mussorgsky의 "대머리 산의 밤"(심포닉 그림), P. Tchaikovsky의 서곡 판타지 "로미오와 줄리엣", Rimsky-Korsakov N. "Scheherazade",
A. Vivaldi 외의 “The Seasons”.
간단한 음악과 춤 형식
단순한 음악 형식: 마침표, 단순 1부, 단순 2부, 단순 3부.
음악적 형식- 특정 이념적, 정서적 비유적 내용을 표현적 수단으로 구현한 것 음악적 언어(특정 역사적 시대의 특정 국가 문화의 전형), 라이브 사운드로 공연됩니다.
분류 중세부터 20세기까지 역사적 관점에서 본 음악 형식:
- 중세, 르네상스의 텍스트-뮤지컬(뮤지컬-텍스트, 소문자) 형태;
- 19~20세기의 성악 형태;
- 바로크 양식의 기악 및 성악 형태;
- 바로크 악기 형식;
- 고전 악기 형식;
- 오페라 형식;
- 뮤지컬 및 안무 형태의 발레;
- 음악적 형태 XX세기
댄스 아트는 응용 댄스 음악과 댄스를 목적으로 하지 않는 작품을 모두 사용합니다.
음악 형식의 일부와 기능, 표현 유형 음악 자료.
부품의 기능:
- 입문
- 전시회
- 접합재
- 가운데
- 인식
- 결정적인
이들 중 독립형 프레젠테이션에는 설명, 중간 및 최종 기능이 있습니다. 이러한 기능은 작품에서 일반(대규모 수준) 및 로컬(소규모 수준)로 나타날 수 있습니다. 다단계 기능의 조합은 음악 형식 섹션의 다기능성을 가져옵니다.
R. Zakharov, V. Panferov 및 기타 안무가 하이라이트부속 댄스 구성(보통 3에서 5까지 있습니다):
- 박람회
- 구성
- 액션 개발
- 클라이맥스
- 완료, 폐기
음악과 춤의 통일성은 내용의 정서적이고 비유적인 통일성, 템포와 리듬의 일치로 나타납니다. 움직임, 포즈, 댄스 그룹, 댄스 패턴은 음악 작품의 음악적 특징과 일치해야 합니다.
뮤지컬 테마 - 의미가 완전하고, 표현력이 풍부하고, 엠보싱 처리되어 있으며, 음악 언어를 통해 모든 종류의 수정, 변형, 변환, 비유적 환생을 통해 발전할 수 있는 음악적 사고입니다.
춤 형태의 반복, 변주, 대조의 원리.
음악 자료의 개발은 다음을 기반으로 수행될 수 있습니다.
- 반복의 원리(동일성),즉, 음악 구조를 변경되지 않은 형태로 정확하게 반복하는 것입니다.
- 수정된 원리반복(다양한, 변형된 반복 또는 순서). 첫 번째 경우에는 반복에 자료의 사소한 변경이 포함되고, 두 번째 경우에는 더 중요한 질적 변화가 포함되지만 자료를 알아볼 수 있게 남겨 둡니다. 시퀀스에는 멜로디-리듬 구조를 유지하면서 다른 피치로 자료를 반복하는 작업이 포함됩니다.
- 대조의 원리 -다양한 음악 자료의 조합, 비교(보완, 음영 또는 상충)
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간단한 두 부분으로 구성된 형식
간단한 두 부분으로 구성된 형식 -두 번째 기간의 필수 대조 시작과 함께 2 기간으로 구성된 형식입니다. 이 대비는 두 가지 유형이 될 수 있습니다.
- 병치 (새로운 억양 자료) - ch.n.
- 1기 - 공주의 춤(Rimsky-Korsakov "Scheherazade")부터 자료의 적극적인 변형에 대한 개발.
2교시의 2번째 문장이 1교시의 내용을 반복하는 경우, 형태 전체가- 평판이 좋다 , 그리고 반복이 없다면 -취소할 수 없습니다.
간단한 두 부분으로 구성된 형식에는 서론과 코다가 있을 수 있습니다.
간단한 두 부분으로 구성된 형식:
라벨 M. “볼레로” – 주제
Fibich Z. 시
슈베르트 F. 에코세즈 op.18
쇼팽 F. 전주곡 op. 28 : 13, 21호
바흐 I.S. 미뉴에츠 G-dur, d-moll
베토벤 L. 에코세즈 G-dur
간단한 3부분 형식
간단한 세 부분으로 구성된 형식 -3부분으로 구성된 형식으로, 극단적인 부분은 완전한 마침표의 형태이고 중간 부분은 마침표 또는 관통 문자의 구성입니다.
중간 m.b. 4가지 유형:
- 전환(주요 톤을 기반으로 섹션 1과 3 사이의 확장된 링크를 나타냄)
- 다양하거나 옵션 1 부분;
- 개발 개발;
- 새로운 주제에 대해.
음조는 중간에 일반적입니다.디 여러 떼. 종종 지배적인 접두사로 끝납니다. T가 끝나면 중간과 반복 사이에 연결이 도입됩니다.
m.b를 재현하세요. 정확하거나 다양하고 역동적입니다(규모, 조화, 모양의 변화와 함께 테마의 적극적인 변형 포함).
덜 일반적인 것은 단순한 3부분 비반복(ABC) 형식으로, 반복의 부족이 부분의 약한 대비, 질감과 리듬의 통일성으로 보상됩니다.
단순한 3부 형식은 상당히 발전된 서주와 코다를 가질 수 있습니다.
구성 다이어그램:
가 - 1 - 2
a b c
a b - b 1
아바(아바1)
간단한 세 부분으로 구성된 형식:
오페라 "마술사수"의 웨버 K. 왈츠
그리그 E. 아니트라의 "페르귄트" 댄스
쇼팽 F. 마주르카: Op. 24, 5호; op. 30호, 1호, 3호; op. 55, No. 2, Op. 67, 2번; op. 68, 4
쇼팽 F. 전주곡 12번 1번
그리그 E. 녹턴 다장조
차이코프스키 P. “잠자는 숲속의 공주”: 지저귀는 요정 카나리아, 은빛 요정의 변주
복잡한 음악과 춤 형식
복잡한 두 부분으로 구성된 형식
복잡한 두 부분으로 구성된 형식 - 두 개의 뚜렷하게 대조되는 부분으로 구성된 형식으로, 각 부분(또는 둘 중 하나)은 기간보다 더 복잡한 형태로 설정됩니다.
섹션은 동일하거나 덜 자주 병렬인 키에 있습니다.
섹션 1 - 느린 속도로
섹션 2 - 빠른 속도로.
발생 줄거리의 돌이킬 수 없는 전개와 함께 특징적인 춤과 보컬 작업으로 구성된 복잡한 두 부분으로 구성된 형식입니다.
이중 두 부분 형식 - 변경 사항이 있으면 2번 소리가 나는 두 부분 형식:
AB - A 1 B 1 또는 AB - A B 1.
두 부분으로 구성된 복잡한 형식:
Minkus L. “La Bayadère” 뱀과의 춤, 3막
차이코프스키 P. “잠자는 숲속의 공주”, 파스 드 콰트로, 3막, 황금요정의 변주곡
차이코프스키 P. « 백조의 호수", 3막, 헝가리 무용, 러시아 무용, 나폴리 무용- 노트
쇼팽 F. 녹턴: op. 15, 3번; op. 72
2부: K. Vishen 백작부인의 Khachaturian 변주곡(“Cipollino”);
복잡한 세 부분으로 구성된 형식
복잡한 삼자 형식 - 세 부분으로 구성된 형식으로 각각 또는 세 부분 중 적어도 하나가 기간보다 더 복잡한 형식으로 표시됩니다. 단순한 두 부분 또는
론도나 변주곡, 소나타 등의 3악장 형식.
또 다른 특징이 형태는 중간 부분의 날카로운 비유적, 주제적 대조입니다.
중간 부분의 색조는 하위 또는 시조이며 덜 자주 - 멀리 떨어져 있습니다.
미드 종류:
- 트리오(명확하고 뚜렷한 형태)
- 에피소드(명확하고 명확한 형식이 없으며 교차 개발을 기반으로 하며 내부 흐름이 있을 수 있음)
- 대조-복합(여러 주제, 2개 이상, 서로 느슨하게 관련되어 있고 일종의 모음곡 순서를 가짐).
중간 부분은 종지로 완성될 수 있지만, 반복에 대한 지배적인 선구자로 끝나는 경우가 더 많습니다.
때로는 중간과 반복 사이에 기본 키에 없는 잘못된 반복이 나타나는 경우도 있습니다. 빠르게 중단되고 기본 키로의 변조 전환이 도입되고 진정한 재현이 시작됩니다.
반복은 다음과 같습니다.
- 정확함(동일함) - 메모에 기록되지 않음(기호를 넣으세요)다 카포 알 파인)
- 씨 그린 (기간 이상)
- 변화 많은.
세 부분으로 구성된 복합 형식에는 서론과 코다가 전개될 수 있습니다.
대부분의 행진곡, 왈츠, 스케르초, 미뉴에트 등 기타 장르(주로 댄스 음악)와 합창, 오페라 아리아가 수록되어 있습니다.
삼중 세 부분 형식 - 중간과 반복이 두 번 반복되며 매번 새로운 변경 사항이 있는 세 부분 형식: ABA-B 1A 1 -B 2A 2.
2-3성 중간형은 내부적으로 확장되는 2부의 2번째 반복문이 규모상 1부에 접근하여 균형을 이루고, 귀로는 형태가 3성으로 인식될 수 있는 형태이다. .
A B 시퀀스
| ____ | | ____ | | _-_-_ | | ____ _| _____ |
A ~ C (A)
세 부분으로 구성된 단순과 복합의 중간:
A-ESV-A
극단 부분은 단순한 3부분 형식과 같이 마침표 형식이고, 중간 부분은 트리오 원칙에 따라 단순한 2부분 또는 3부분 형식(복잡한 부분과 같이)입니다. .
복잡한 세 부분으로 구성된 형식:
오페라 "이반 수산인"의 글린카 M. 왈츠와 폴로네즈
Ravel M. Forlana, Rigaudon, Minuet 피아노 모음곡 "쿠프랭의 무덤" 중
차이코프스키 P. “계절”: 바카롤, 벽난로에서
쇼팽 F. 녹턴: op. 2, 1; op. 15, 2번; op. 32, 아니.
모차르트 V. 교향곡 C장조(“목성”), 미뉴에트; 교향곡 g단조, 미뉴에트.
쇼스타코비치 D. 환상적인 춤
차이코프스키 P. “백조의 호수”, 1막, Pa-d` 액시온.
차이코프스키 P. “호두까기 인형”, 트레팍
Minkus L. “La Bayadère” (Pas de Quatre, 3막) Tempo di valse brillante
Cherepnin N. 발레 '아르미다 파빌리온'의 그레이트 왈츠
론도
론도 - (프랑스어 "원"에서 유래) 주요 주제인 자제, 새로운 구성 또는 에피소드를 번갈아 가며 세 번 이상 반복하는 형식입니다. 론도의 기원은 원을 그리며 추는 노래와 춤에서 유래합니다.
론도의 종류 - 고전, 고대, 낭만적인 론도.
고대 미술 론도는 18세기 하프시코드 작곡가들의 음악에서 흔했습니다. 여기서 후렴은 항상 마침표 형식입니다. 반복해도 변하지 않습니다. 에피소드는 후렴 자료를 기반으로 발전적입니다. 예: A - A 1 - A - A 2 - A - 등. 여기서 A는 후렴(코러스, 반복 부분)입니다. 에피소드의 색조는 관계의 1도(1자마다 다름)를 넘지 않습니다.
권위 있는 론도는 18세기 말 비엔나 고전에서 마침내 형태를 갖추었습니다.
기존 방식: AWASA. 자제 - m.b뿐만 아니라. 기간은 물론 2~3부 형식으로도 반복될 때 달라질 수 있습니다. 마지막 행위에는 코드 기능이 있을 수 있습니다. 에피소드는 새로운 주제 자료를 기반으로 항상 대조적입니다. 그 형태는 기간보다 더 복잡할 수도 있고, 색조는 최대 3차 관계까지 될 수 있습니다.
A-B- A 1- C- A 2 (수정된 후렴 포함).
낭만주의 론도 -
의미 중심은 후렴구에서 에피소드로 이동합니다. 의미, 규모, 독립성 측면에서 후렴구를 능가하며 어떤 키로든 표현될 수 있으며 대조는 장르 수준에 도달할 수 있습니다. 여기서 후렴은 배경을 연결하는 역할을 한다.
Rondo는 세 부분(단순 또는 복합)으로 다른 형식과 결합될 수 있습니다.
A-B-C-B-A-B;
변형:
A- A 1- A- A 2 - A- A 3 등
소나타 형식으로
론도:
- 베토벤 L. “Fur Elise”노트
- 바흐 I.S. 바이올린 독주를 위한 파르티타 3번 중 가보트
- Prokofiev S. “로미오와 줄리엣”, 소녀 줄리엣,몬테규와 캐퓰렛
- 차이코프스키 P. “백조의 호수” 신부들의 왈츠 3막
- 마토스 로드리게스 탱고 "쿰파르시타"
- 쇼팽 왈츠 7번 시스몰
Glinka M. Waltz-판타지
차차차
생상스 K. 바이올린과 오케스트라를 위한 “론도 카프리치오소”
슈만 R. 비엔나 카니발, op. 26, 1시간
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변형
바소 오스티나토, 더블.
X에 변형 형태가 나타남 VI 세기. 변형 형식에는 두 가지 유형이 있습니다.
- 엄격한 유형 변형, 주제의 화성 계획의 형식, 규모 및 기초는 변경되지 않지만 질감, 리듬 및 음역은 변경될 수 있습니다.
변하지 않는 멜로디(장식적인 "Glinkinsky")와 변하지 않는 베이스에 변주곡이 있습니다.바소 오스티나토 (멜로딕 또는 하모닉 유형일 수 있으며, 고대 춤파사칼리아와 샤콘). 변형은 "단순한 것에서 복잡한 것까지"(소수) 원칙에 따라 만들어졌습니다. 많은 수의 변주곡이 그룹으로 나뉘며 그 비율은 지원 계획(론도, 소나타, 순환곡 등)의 형태를 제공합니다.
- 자유로운 유형 변형, 규모, 구조, 조화, 종종 음조 및 장르(장르 변형)가 변경될 수 있는 악기용인 경우가 가장 많습니다. 억양 구조의 공통성은 유지되고 변주 규모는 증가하며 대비는 증가하고 모음곡과 유사합니다.
자유로운 변형에서는 다성적 개발 개발을 사용할 수 있습니다.
자유로운 변형이 발생합니다. 성악. 일반적으로 규모, 내부 구조 및 조화 계획이 다른 여러 쌍이 있습니다. 특징은 구절의 실제 유사성으로 인해 이미지가 변하지 않으며 각 구절이 변형된다는 것입니다.
이중 변형두 가지 다른 테마의 변형. 발전하는 과정에서 그들은 서로 영향을 미치고 풍요로워지며 대개 가까워진다(교향곡과 소나타의 특징을 획득). 세 가지 유형이 있습니다:
- 대체 변형:
A B A 1 B 1 A 2 B 2 A 3 B 3 등
2. 그룹 변형:
A A 1 A 2 A 3 A 4 A 5 B B 1 B 2 B 3 B 4 B 5 B 6 A 6 A 7 A 8 A 9 A 10 B 7 B 8 B 9 B 10
3. 혼합 구조(대체 및 그룹);
변형:
클라비어를 위한 모음곡 g단조 중 헨델 G. 파사칼리아
글린카 M. “카마린스카야”
Glier R. "Red Poppy", 러시아 선원의 춤 "Yablochko", 1막
한여름 밤의 꿈 서곡 중 멘델스존 F. 행진곡
라벨 M. 볼레로
시르타키
스테파니프 R. 몰다비아 합창단
바라부쉬키
캡
소나타 형식
소나타 형식
소나타 형식은 발전된 도입부와 코다를 가질 수 있습니다.
디스플레이 두 가지 주제(주요 주제와 보조 주제)가 대조됩니다.
구체. 각 배치는 2~3부분 형식으로 결합되지 않는 1개 이상의 주제로 구성될 수 있지만(드물게 예외) 일련 번호라고 합니다.
연결 부분은 PP의 색조 준비를 제공합니다. 때로는 주요 주제와 부차적인 주제뿐만 아니라 전시의 다른 주제들 사이에도 대조가 있고, 형태의 섹션 간에도 충돌이 있을 수 있습니다.
마지막 부분은 항상 PP의 키로 되어 있으며 일련의 종지 또는 독립적인 테마(여러 테마)입니다.
PP의 톤은 비엔나 고전의 톤입니다.디 , GP가 마이너이면 병렬입니다. 낭만주의와 러시아 작곡가들 사이에는 세 번째와 두 번째 비율이 있을 수 있습니다. 20세기에는 아마도 그리고 더 멀고 거친 음조 관계.
개발 중 테마 (또는 테마)의 활발한 음조 조화 발전이 있습니다.
그 구조는 다음과 같습니다. 동질적(단일 엔드투엔드 개발)이거나 여러 단계로 구분됩니다.
모든 테마 또는 하나의 테마가 개발될 수 있으며 때로는 새로운 에피소드 테마가 도입되기도 합니다. 여기서는 기본 키를 피하고 키가 우선하는 경우가 많습니다.에스 , 개발이 완료되는 경우가 많습니다.디 재현의 전조. 잘못된 반복이 발생할 수 있습니다.
보답으로 테마와 색조 영역의 대비가 약해지고 작품의 주요 색조가 확립됩니다. 주제는 질적으로 변경될 수 있습니다. 규모가 확대되거나 축소되고, 색조 유사성으로 인해 모든 주제가 존재하지 않을 수 있으며, 주제의 순서가 변경될 수 있습니다("거울 재현" - PP가 먼저 수행된 다음 GP가 수행됨). PP와 GP를 동시음으로 조합하는 것을 '대위법 반복'이라고 합니다.
특별한 유형의 소나타 형식:
- 전개가 없는 소나타 형식
- 전개 대신 에피소드가 있는 소나타 형식
- 소나티나(간단한 소나타 형식)
- 옛 소나타 형식
- 기악 콘서트 장르의 소나타 형식
- 론도 소나타
예:
모차르트 W. 교향곡 40번 1시간..mp3
Beethoven L. Moonlight Sonata.mp3 - 전개 없음, 에피소드 포함.
차이콥스키 P. 호두까기 인형 서곡. 01 트랙 1.mp3 - 개발 없음.
소나타 형식:
Mozart V. 피아노 소나타의 첫 번째 악장; 오페라 "피가로의 결혼"과 "돈 조반니" 서곡; 소나타 3번, 4번, 17번, 교향곡 40번, 1부분의 결승.
Rimsky-Korsakov N. "Scheherazade", 1부.
베토벤 L. 교향곡 1번, 3번, 4번, 8번 첫 부분
쇼스타코비치 D. 교향곡 5번과 7번의 첫 악장
차이코프스키 P. “호두까기 인형”, 서곡
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부품 수가 적은 순환 모양입니다.
순환(그리스어 “원”에서 유래)
부품 수가 적은 사이클장르는 일반화된 방식으로 구현되고, 대조는 충돌 지점까지 심화되며, 부분의 확립된 형태, 톤 계획이 있습니다. 순환을 한 부분으로 병합하는 "엔드 투 엔드" 극작법이 있을 수 있습니다. 소나타, 교향곡, 협주곡은 이러한 순환 형식으로 작성됩니다.
소나타-교향곡 사이클.
교향곡의 형태는 점진적으로 발전했으며, 그 전신은 오페라 서곡과 콘서트 모음곡이었습니다. 모음곡에서 교향곡은 여러 부분과 대조되는 부분을 채택했고, 서곡에서는 1악장의 구성 원리를 채택했습니다. 부품 수는 다양합니다(2~5개 부품 이상). 4부작 사이클은 18세기 후반 비엔나 고전 J. 하이든과 W. 모차르트의 작품에서 확립되었습니다.
1부는 보통 소나타 형식으로 작곡되었습니다.알레그로.
2부는 대개 느리고 대비도 없고 이미지의 충돌도 없으며 휴식, 성찰, 묵상입니다(서정적 부분,느린 악장).
3부 스케르초, 유머러스한 성격의, 댄스, 활기차게(3부 형식).
파트 4 피날레 모빌은 포크댄스 선율을 바탕으로 다성음악 전개기법을 활용한 론도, 론도 소나타 형식입니다. 일반 코드가 포함되어 있습니다.
교향곡은 삶의 모든 다양성, 끓어오르는 움직임, 투쟁, 그리고 동시에 다양한 삶 현상의 깊은 연결을 반영할 수 있습니다.
19세기와 20세기 작곡가들의 교향곡에서는 악장의 순서와 성격이 항상 고전적인 악장과 일치하는 것은 아닙니다. 스케르초는 2악장이고 느린 악장은 3악장일 수 있습니다.
L. 베토벤은 교향곡 장르를 칸타타와 오라토리오에 더 가깝게 만드는 전통을 세웠습니다. (예: 9번 교향곡)
사이클을 단일 부분으로 병합합니다.
19세기 중반부터 세기에는 교향시와 기악 콘서트 장르에서주기가 한 부분 형태로 융합되는 것이 관찰됩니다. 작업은 중단 없이 수행되며, 해당 조각이나 섹션을 별도로 수행할 수 없습니다. 3부 구조를 많이 사용하는데, 1부는 소나타나 협주곡의 1부와 유사하고, 중간부는 2부(느린 템포)와 유사하며, 마지막부는 피날레의 장르적 특성을 갖는다.
4부 구조도 있는데, 1부 = 극 교향곡 1부, 2부 =아다지오(안단테) ), 3번째 = 스케르초(때때로 파트 2와 3이 교체됨), 4번째 섹션 = 교향곡 사이클의 피날레.
예:
모차르트 W. 교향곡 40번.
베토벤 L. 피아노 소나타 14번, 교향곡 5번.
베토벤 교향곡 5번
비발디 A. “계절”
Gershwin D. “랩소디 인 블루”
스위트 (프랑스어 " 행", "순서")
에인션트 스위트룸 15세기부터 기악 작품(류트 또는 클라비어용)과 춤으로 알려졌습니다(15~17세기의 소위 "프랑스 모음곡"은 느린 부분으로 시작되었고 "이탈리아어"는 빠른 부분으로 시작되었습니다). 이는 템포 대조의 원리인 allemande - chime sarabande gigue를 기반으로 만들어졌습니다.
18세기 이후에는 모음곡의 파트 수가 늘어나고 내용이 업데이트되었으며 새로운 춤이 포함되었습니다. 음악은 적용되는 특성을 잃어가고 있습니다. 19세기에는 공연, 오페라, 발레를 위한 프로그램 모음곡과 음악이 만들어졌고, 20세기에는 영화를 위한 프로그램이 만들어졌습니다.
부품 수가 많은 사이클의 경우파트의 대조 비교, 댄스, 노래, 프로그래밍과의 연결 원리를 사용합니다.
각 주기는 일반적인 예술적 개념, 주요 아이디어, 때로는 플롯을 기반으로 하는 단일한 예술적 유기체입니다.
주기의 일부는 계획과 플롯 개발 아이디어 개발의 개별 단계를 나타냅니다. 그러므로 완전히 예술적 콘텐츠각 부분은 전체의 맥락에서만 이해될 수 있습니다. 주기의 통일성은 구성적 기술적 수단으로도 보장됩니다.
- 주기의 다른 부분에서 특정 주제를 수행하는 주제별 연결;
- 억양 유사성 ( 다른 부분들);
- 색조 연결(주요 토닉 부분의 색조, 대칭 및 기능적 종속의 통일성);
- 템포 연결 템포 대칭, 템포의 점진적인 가속 또는 감속, 또는 양극화, 템포 관계의 악화;
- 구조적 연결(구조의 통일성, 부분의 대칭, 최종 속성의 일반화(3부분 형태와 유사)).
많은 부분으로 구성된 루프:
차이코프스키 P. “계절”
슈만 R. “카니발”
바흐 I.S. 영어 및 프랑스어 모음
Bizet J. - Shchedrin R. “카르멘 모음곡”
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자유 양식
자유로운 형식은 고대에서 유래되었습니다. 오르간 음악그리고 도달했다
J. S. Bach의 작품(주로 판타지 장르)의 완벽함.
이러한 형식은 19세기 후반 작곡가, 특히 F. Chopin, F. Liszt, P. I. Tchaikovsky의 작품에서 가장 번성하고 배포되었습니다.
교향시, 한 부분은 자유로운 형식으로 작성됩니다.
소나타, 협주곡, 서곡, 환상, 랩소디, 발라드 및 기타 희곡, 때로는 순환 작품의 개별 부분(특히 19세기와 20세기 작곡가의 작품).
일반적으로 음악 문학에는 다양한 혼합이 있습니다.
종종 무료라고 불리는 양식. 각각의 개별 양식을 고려해야 합니다.
대략 다음 조건을 만족하는 경우 수정됩니다. 1). 주제의 수
제한적이며 전체 또는 일부가 어떤 순서로든 반복됩니다. 2). 사용 가능
결론과 3)에서 충분히 표현된 주요 음조. 얼굴에
부품의 비례.
자유 형식의 두 가지 주요 유형(전신형 및 비전신형)을 구별할 필요가 있습니다.
체계적 자유 형식은 다음과 같은 특징이 있는 형식입니다.
부품 배열의 특정 순서이지만 다른 것과는 다릅니다.
판타지 - 그리고 매우 자유로운 구조의 악기 구성; V 16 세기 환상곡은 일반적으로 류트, 클라비어 또는 악기 앙상블 ricercara 또는 canzona 스타일을 연상시키는 다성 스타일로. 17~18세기. 장르는 즉흥적 성격의 요소로 점점 더 풍부해졌습니다.. 19세기에 "판타지"라는 이름은 악기, 주로 피아노 곡을 나타냅니다., 어느 정도 확립된 형식(예: Sonata quasi una fantasia)에서 자유롭습니다.월광 소나타 베토벤). 판타지는 선택한 주제에 대한 즉흥 연주라고도 할 수 있습니다..
광상곡 (그리스어 랩소디아; Rhaptein에서 유래, “꿰매다”, “작곡하다”, “작곡하다”, 그리고 송시, “노래”). 랩소디는 자유롭고 즉흥적으로 작곡된 악기(예: 브람스의 경우 보컬) 작곡이라고 할 수 있습니다. 서사시적인 스타일, 때로는 정품을 포함 민속 모티브 (헝가리 랩소디리스트, 랩소디 인 블루스거쉰).
교향시 -프로그램 오케스트라 작곡은 낭만주의 시대에 널리 퍼진 장르로 프로그램 교향곡과 콘서트 서곡(R. Strauss, Liszt, Smetana, Rimsky-Korsakov 등)의 특징을 포함합니다.
그러 모은 (프랑스어 - "혼합 요리") XIX 세기.
자유 형식:
차이코프스키 P. "로미오와 줄리엣"( 교향곡 서곡)
Lyadov A. “Kikimora”, “Magic Lake”, “Baba Yaga”
스트라빈스키 I. “페트루시카”
쇼팽 F. 발라드 1번
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다성적 형태
다음 모든 구성 성부의 멜로디 독립성을 기반으로 하는 특별한 유형의 다성음악입니다. 가장 일반적인 형식은 카논, 푸가, 복합 푸가입니다.
캐논 (그리스어에서
발명
푸가(라틴어, 이탈리아어 출신) 푸가는 원하는 수의 성부(2개부터 시작)로 구성될 수 있습니다.
푸가는 한 성부에서 주제를 제시하면서 시작되고, 다른 성부에서는 같은 주제를 연속해서 소개합니다. 종종 주제를 변형하여 두 번째로 제시하는 것을 응답이라고 합니다. 대답이 들리는 동안 첫 번째 성부는 멜로디 라인(대위 배치, 즉 밝기와 독창성 측면에서 테마보다 열등한 멜로디적으로 독립적인 구성)을 계속 발전시킵니다.
모든 성부의 도입부는 푸가의 해설을 형성합니다. 제시는 반대 제시(두 번째 제시) 또는 전체 주제나 그 요소(에피소드)의 다성적 전개로 이어질 수 있습니다. 복잡한 푸가에서는 증가(테마의 모든 소리의 리듬 값 증가), 감소, 반전(역전: 테마의 간격이 예를 들어 네 번째 대신 반대 방향으로 취해지는 등 다양한 다성 기술이 사용됩니다. 위로, 네 번째 아래로), 스트레타(친구에게 "서로 "등반"하는 목소리의 가속 입력), 때로는 유사한 기술의 조합. 푸가의 중간 부분에는 즉흥 연주 성격의 연결 구성이 있을 수 있습니다.막간 . 푸가는 코다로 끝날 수 있습니다. 푸가 장르에는 큰 중요성악기 형식과 보컬 형식 모두에서. 푸가는 전주곡, 토카타 등과 결합된 독립적인 곡이 될 수 있으며, 마지막으로 다음 곡의 일부가 될 수 있습니다. 훌륭한 일아니면 사이클. 푸가의 특징적인 기법은 소나타 형식의 부분을 발전시키는 데 자주 사용됩니다.
이중 푸가 이미 언급했듯이 두 가지 주제를 기반으로 하며 함께 또는 별도로 입력하고 전개할 수 있지만 마지막 섹션에서는 필연적으로 대위법으로 통합됩니다.
복합 푸가 두 배, 세 배, 네 배(4개 주제)가 될 수 있습니다. 전시회는 일반적으로 표현 방식이 대조되는 모든 주제를 보여줍니다. 일반적으로 전개 부분은 없습니다. 주제의 마지막 설명 뒤에는 결합된 반복이 이어집니다. 전시물은 공동으로 전시될 수도 있고 별도로 전시될 수도 있습니다. 단순하고 복잡한 푸가에서는 주제의 수에 제한이 없습니다.
다성 형식:
바흐 I.S. 평균율이 좋은 클라비어, 발명품
차이코프스키 P. 교향곡 6번 1악장(전개)
프로코피예프 S. 몬테규와 캐퓰렛
발레의 음악적 형식
발레의 음악 형식과 안무 형식은 동일하지 않습니다.
발레 입문 (소개) 대개 줄거리 내용이나 주인공의 특징과 관련된 주제(후기 주제)를 담고 있습니다. 형식은 다양할 수 있음(2부, 3부, 소나타)
클래식하고 특징적인 스위트룸입니다.참가자 수에 따라 다양한 스위트룸: pas de deux, pas de trois, pas de quatre, pas de cinque, pas de sis, grand pas.
클래식 모음의 구조:
입장 (앙트레)
느린 악장
변형
암호
클래식 모음은 플롯 개발을 중단합니다.
파스 "액션 (pa daksion "효과적인 댄스") 용어의 모호성: 일종의 클래식 모음곡(무대에서의 모방 동작이 수반되는 모음곡), 활발한 이벤트 전개와 함께 별도의 숫자입니다.
파드되 - 일종의 안무 듀엣, 고전적인 사랑의 춤, 장면이나 행위의 "서정적 중심".
앙트레 (출력)은 작고 불안정한 항목이거나 전혀 없을 수 있습니다.
느린 악장 보통 느린 템포의 듀엣 댄스. 캐릭터는 칸틸레나이고 음악 형식은 일반적으로 역동적인 재현이 있는 3성부입니다. 안무에는 삼자 구조가 없습니다.
변화 기술적으로 복잡한 작은 동작이나 큰 점프에 대한 짧은 거장 춤의 형태로 각 댄서의 솔로 공연. 성격, 템포, 표현방식 등에서 남성과 여성의 변주가 대조적이다. 음악 형식은 일반적으로 단순한 3부 형식입니다(안무 형식에서는 반복이 관찰되지 않음). 음악의 템포는 차분하고 감동적인 것부터 매우 빠른 것까지 다양합니다.
암호 독립 댄스그리고 독립적인 음악 형식, 빠르고 가장 흔히 기교적인 클래식 모음곡의 마지막 곡입니다. 코다의 음악적 형태: 3성, 이중 3성 복합 3성, 이중 3성. 댄스 번호는 전통적인 코다(형식의 마지막 부분)로 끝날 수 있습니다.
그랑파스 (빅 댄스)클래식 모음곡은 클래식 모음곡처럼 구성되어 있지만 주인공, 솔리스트, 때로는 발레단의 참여를 위한 것입니다.
다중 악장 클래식 모음곡의 특징은 템포와 미터의 대조, 음조 통일성 부족입니다.
특성 스위트즉, 일상, 민속, 장르가 부여된 특징적인 춤 모음입니다. 국가적 특성, 다양한 캐릭터를 모방하는 요소. 일반적으로 이는 다양화(오락) 성격을 띠며 줄거리를 전개하지 않습니다.
교향곡 그림비유적이고 효과적인 원리로 성과를 보완하거나 행동 장소, 사건 발생 시간을 특징으로 하는 숫자, 국가적 기원등. 세 부분 또는 그보다 더 복잡한 형태를 가질 수 있습니다.
중지 (프랑스어 entracte는 '사이'를 의미하는 entre와 '액션'을 의미하는 acte에서 유래), 막 사이에 들리는 악기 음악 극적인 놀이, 오페라, 발레 등
발레 형식
Delibes L. “Coppelia”, 마주르카, 차르다스, 왈츠
차이콥스키 P. “잠자는 숲속의 미녀” 프롤로그. 파스 드 시스. 파 드 트루아(Pas de Trois) 3막.
차이코프스키 <백조의 호수> <폭풍우>(4막)
Adan A. “Giselle”, 서주, Pas de deux(1, 2막), Giselle 변주곡(1, 2막)
Prokofiev S. "로미오와 줄리엣": 소녀 줄리엣, 로렌조 신부, 머큐티오, 몬테규, 캐퓰렛.
무소르그스키 M. “대머리 산의 밤”
Glazunov A. “Raymonda”, 1막, 3장면(그랜드 파스)
비디오:
보로딘 A. “이고르 왕자” 폴로브치아 춤, 2막
차이코프스키 P. <백조의 호수> 2막
Glazunov A. “Raymonda”, 2막의 마지막(장면 4),파스디 액션
Oldenburgsky P. “La Bayadère” Pas de sklyav
오베르 J. 그랑 파스
용어 사전
변주곡(라틴어 'change'에서 유래) 주제를 제시하고 매번 새로운 변화를 주면서 여러 번 반복하는 음악 형식입니다. 변형은 엄격하고 자유로우며 장식적일 수 있습니다.바소 오스티나토, 더블.
소개 - 음악 작품의 주요 부분에 앞서 음조, 템포, 메트로 리듬, 질감을 설정하는 섹션입니다. 하나 이상의 소절 또는 하나의 코드로 구성될 수 있으며 때로는 주요 부분의 음악적 주제를 사용합니다.
조화 소리를 자음, 즉 일련의 자음으로 결합합니다.
역학 (그리스어 "힘"에서 유래) 소리의 강도, 볼륨. 다양한 볼륨 옵션을 뉘앙스, 동적 음영이라고 합니다.
장르(프랑스어 “genus”, “type”에서 유래) 기원, 연주 조건 및 인식과 관련하여 음악적 창의성의 유형 및 유형을 특징 짓는 다중 가치 개념입니다. 장르는 1차, 응용, 기타(2차)로 구분됩니다.
자탁트 약한 박자에서 프레이즈를 시작하고 소절의 강한 박자를 향해 이어지는 하나 이상의 소리.
발명 (라틴어 "발명", "발명"에서 유래) 작은 다성음악 연극. 이러한 작품은 일반적으로 모방 기법을 기반으로 하지만 푸가의 특징인 더 복잡한 기법을 포함하는 경우가 많습니다. 학생들의 레퍼토리 중 음악 학교 J. S. Bach의 2성 및 3성 발명품은 일반적입니다(원래에서는 3성 발명품을 "신포니"라고 불렀습니다). 작곡가에 따르면, 이 작품들은 선율적인 연주 방식을 달성하기 위한 수단일 뿐만 아니라 음악가의 다성적 독창성을 개발하기 위한 일종의 연습으로도 간주될 수 있습니다.
캐논 (그리스어에서 "표준", "규칙") 다성 형식, 모든 성부의 주제 모방을 기반으로하며 성부의 입력은 주제 제시가 끝나기 전에 발생합니다. 즉, 주제는 다양한 섹션으로 자체적으로 겹쳐집니다. (두 번째 성부의 입력 시간 간격은 소절 또는 비트 수로 계산됩니다.) 카논은 일반적인 종지 또는 목소리의 점진적인 "끄기"로 끝납니다.
케이던스 - (이탈리아어 - "떨어짐", "끝") - 음악 구조의 끝, 최종 고조파 또는 멜로디 전환. Cadenzas는 완전하고 완벽하며 불완전하며 표절과 정통, 절반과 중단, 중간, 최종 및 추가입니다.
이 용어의 또 다른 의미는 즉흥적 성격의 보컬 또는 악기 작품의 기교적인 솔로 부분입니다(종종 저자가 메모에 기록함).
코드(라틴어에서 유래) "꼬리", "기차") 주요 최종 섹션에 이어 음악 작품이나 사이클의 일부를 최종 구성하는 것입니다. 코드는 일반적으로 작품의 주요 색조를 명시하고 주요 주제의 요소를 포함합니다.
젊은이 토닉으로 통합된 피치 관계 시스템. 가장 일반적인 모드는 메이저와 마이너입니다.
주악상 (독일어 - "주요 동기") - 상대적으로 짧음 음악적 구조, 작업 전반에 걸쳐 반복적으로 반복됩니다. 특정 성격, 이미지, 감정 등을 지정하고 특성화하는 역할을 합니다. 무대 음악과 낭만적인 교향곡 작품에 자주 사용됩니다.
멜로디 (그리스어 "성가", "노래"에서 유래) - 모달 중력의 도움으로 구성된 동일하거나 다른 높이의 단음 소리 시퀀스입니다.
미터 음악에서 가볍고 무거운 비트의 교대(음악의 "펄스").
동기 - 하나 이상의 소리로 구성되고 하나의 미터법 악센트를 포함하는 음악 형식의 분할할 수 없는 가장 작은 억양 의미 셀입니다. 모티프에는 하나 이상의 하위 모티브가 포함될 수 있습니다.
음악 테마 -구조적 완전성과 그 안에 담긴 음악적 사고의 가장 큰 밝기를 특징으로 하는 음악 작품의 일부입니다. 주제는 감정적인 구조를 가지고 있으며, 장르적 특징, 국가 스타일의 특징. 변화하고, 발전하고, 변화할 수 있습니다.
음악적 형식 음악 작품의 구조. 각 작품의 내용에 따라 결정되고, 내용과 통일되어 창작되며, 모든 표현수단이 상호작용하는 것이 특징이다.
기간 (그리스어에서 "우회", "순환") 상대적으로 완전한 음악적 사고를 표현하는 가장 작은 동음이의어 형태. 문장으로 구성됩니다. (단순하거나 복잡하거나 특수한 구조일 수 있음)
그러 모은 (프랑스어 - "혼합 요리") 대중적인 단편, 다른 작품의 동기로 구성된 악기 작품으로 모자이크 방식으로 서로 대체됩니다. 양식은 다음과 함께 사용됩니다. XIX 세기.
건설 음악 형식의 구분을 나타내는 용어.
제안은 기간의 큰 부분을 차지합니다. 하나 또는 여러 개의 문구로 구성된 종지로 끝납니다.
예측(predikt)(라틴어 ictus - "불어"에서 유래) - 불안정하고 흔히 지배적인 기능(주요 오르간 지점)을 기반으로 하며 형식의 안정적인 부분에서 해결이 필요한 음악 형식의 섹션입니다. 중간 부분, 발달, 인대 및 기타 연결 구조에 사용됩니다.
프로그램 음악 -기반으로 한 작품문학적이거나 서술적 아이디어, 줄거리 또는 제목을 사용하여 이미지, 장르 또는 분위기를 나타내는 것입니다.
뮤지컬 크기분수, 여기서 분자는 소절의 비트 수이고 분모는 계산 단위인 지속 시간입니다.
광상곡 (그리스어 - "꿰매다", "작곡하다", "작곡하다" 및 송시- "노래"). 랩소디는 자유롭고 즉흥적이며 서사적인 스타일로 쓰여진 기악, 때로는 보컬 작곡이라고 할 수 있으며 때로는 진정한 민속 모티프를 포함합니다.
등록 (라틴어에서 "목록", "목록") 도구 범위의 일부 또는 노래하는 목소리, 단일 음색이 특징입니다.
율 (그리스어 "조화", "비례"에서 유래) 미터를 사용하여 구성되는 동일하거나 다른 지속 시간의 일련의 소리입니다.
론도(프랑스어 '원'에서 유래) 주제 자제, 새로운 구성 또는 에피소드를 번갈아 가며 세 번 이상 반복하는 형식입니다. (클래식, 고대, 낭만적인 론도가 있습니다).
교향시.프로그램 오케스트라 작곡은 낭만주의 시대에 널리 확산된 장르로 프로그램 교향곡과 콘서트 서곡의 특징을 포함하고 있다.
소나타 형식복잡하고 변증법적인 내용, 표현력이 보편적인 음악 형식, 특별한 음조 계획에 따라 세 가지 섹션(설명, 전개 및 재현)으로 구성됩니다.
스타일 (라틴어에서 " 필기구") 시대, 운동, 국적 또는 작곡가의 특징적인 표현 수단의 체계성을 포착하는 미학과 미술사의 개념입니다.
스위트룸(프랑스어. « 행", "순서") 공통 장르(댄스 모음곡)를 갖거나 프로그램 개념에 종속되는 여러 주제별로 서로 다른 독립적인 부분으로 구성된 순환 형식입니다.
측정하다음악에서 두 개의 동등한 운율 악센트 사이의 기간은 막대 선으로 쓰여질 때 구분됩니다.
음악 테마구조적 완성도와 그 안에 담긴 음악적 사상의 최대 밝기를 특징으로 하는 작품의 일부. 주제는 정서적 구조, 장르적 특성, 국가적, 문체적 특징을 가지고 있습니다. 주제는 제시될 뿐만 아니라 변화하고 발전합니다.
속도(라틴어, 이탤릭체에서 유래). "시간") 단위 시간당 미터법 비트 수에 따라 결정되는 음악의 이동 속도.
열쇠프렛 높이 위치.
트리오 -(이탈리아어 "3"에서 유래) - 기악 작품의 음악 형식 부분(섹션)(댄스, 행진, 스케르초 등)은 작품의 보다 이동성이 뛰어난 극단 부분과 대조적으로 일반적으로 세 가지 악기(예: 콘서트, 교향곡)로 연주되었습니다. 트리오는 독립적인 작품이 될 수 있습니다.
송장(위도부터. "치료") 음악 작품의 표현 방법(창고)(단음, 다성, 동음, 혼합 가능)
공상- 매우 자유로운 구조의 악기 구성; 16세기에 판타지아는 일반적으로 라이서카(ricercar)나 칸초나(canzona) 스타일을 연상시키는 다성음악 스타일의 류트, 클라비에 또는 악기 앙상블로 구성되었습니다. 17~18세기. 장르는 즉흥적 성격의 요소로 점점 더 풍부해지고 있습니다. 19세기에 "판타지"라는 이름은 기악, 주로 피아노, 작품을 의미하며 어느 정도 확립된 형식(예: Sonata quasi una fantasia)에서 벗어났습니다.월광 소나타베토벤). 판타지는 선택한 주제에 대한 즉흥 연주라고도 할 수 있습니다.
구절 -하나 또는 여러 가지 동기로 구성된 음악 형식의 불완전하고 종속적이며 상대적으로 폐쇄된 부분입니다.
둔주곡(위도, 이탈리아어에서 유래) "실행 중", "탈출", "빠른 전류") 다양한 목소리로 주제를 반복적으로 모방하는 다성음악의 한 형태.
카이수라(라틴어 - "해부") - 음악 형식을 구성으로 나누는 순간.
주기(그리스어에서 "원") 구조적으로는 독립적이고 개념의 통일성으로 연결된 여러 부분으로 구성된 음악 형식입니다. 적은 수의 부분으로 구성된 사이클(소나타-교향악 사이클, 협주곡, 전주곡과 푸가의 사이클, 고대 모음곡)과 많은 수의 부분(종종 프로그래밍 방식의 성격을 지닌 악기 또는 성악 미니어처의 사이클)이 있습니다. 부분 결합의 원리는 비 유적 주제, 장르, 억양 주제 내용 및 색조 계획과 관련하여주기 부분의 대조적 비교 또는 상호 작용입니다.
해치 (독일어에서. « 줄", "대시") 표현적 의미를 지닌 악기에서 소리를 생성하는 방법(레가토, 비레가토, 단음, 스피카토, 분리하다, 마르카토).
문학
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음악적 표현의 수단은 일련의 음표, 소리, 악기가 어떻게 음악으로 변하는가의 비밀을 드러냅니다. 다른 예술과 마찬가지로 음악에도 특별한 언어가 있습니다. 예를 들어, 예술가는 그러한 수단을 사용하여 페인트를 사용할 수 있습니다. 페인트의 도움으로 예술가는 걸작을 만듭니다. 음악에도 비슷한 악기가 있습니다. 우리는 그들에 대해 더 이야기하겠습니다.
음악적 표현력
작품 연주 속도를 결정하는 음악부터 시작해 보겠습니다. 일반적으로 음악에는 느림, 보통, 빠름의 세 가지 유형의 템포가 있습니다. 각 템포에는 음악가가 사용하는 이탈리아어 버전이 있습니다. 느린 속도아다지오(adagio)에 해당하고, 보통은 안단테(andante), 빠르기는 프레스토(presto) 또는 알레그로(allegro)에 해당합니다.
그러나 어떤 사람들은 "왈츠 템포" 또는 "행진 템포"와 같은 표현을 들어본 적이 있습니다. 실제로 그러한 요금도 존재합니다. 오히려 크기에 기인할 수도 있습니다. 왈츠의 템포는 보통 3/4박자이고, 행진곡의 템포는 2/4박자이기 때문입니다. 그러나 일부 음악가들은 이러한 특징을 템포 특징에 기인한다고 생각합니다. 왜냐하면 왈츠와 행진곡이 다른 작품과 구별하기가 매우 쉽기 때문입니다.
크기
크기에 대해 이야기하고 있으므로 계속하겠습니다. 같은 왈츠를 행진곡과 혼동하지 않기 위해 필요합니다. 일반적으로 크기는 간단한 분수(2/4 - 2/4, 3/4 - 3/4, 2/3 - 2/3, 6/8, 3/) 형식으로 키 뒤에 기록됩니다. 8 등). 때로는 크기가 문자 C로 표시되는데 이는 "전체 크기"-4/4를 의미합니다. 박자는 곡의 리듬과 템포를 결정하는 데 도움이 됩니다.
율
우리의 심장에는 고유한 리듬이 있습니다. 우리 행성에도 고유한 리듬이 있는데, 이를 관찰할 때 짧은 소리와 긴 소리가 교대로 나타나는 것으로 정의할 수 있습니다. 예를 들어, 왈츠의 미터는 우리에게 잘 알려진 왈츠의 리듬 개념과 연관되어 있습니다. 탱고, 폭스트롯, 왈츠 등 모든 춤에는 고유한 리듬이 있습니다. 일련의 소리를 하나 또는 다른 멜로디로 바꾸는 사람은 바로 그 사람입니다. 서로 다른 리듬으로 연주되는 동일한 사운드 세트는 다르게 인식됩니다.
음악에는 메이저(또는 단순히 메이저)와 마이너(마이너)라는 두 가지 모드만 있습니다. 없는 사람이라도 음악 교육음악가의 관점에서 이 음악 또는 그 음악을 명확하고 쾌활한 것으로 특성화할 수 있거나 슬프고 애도하며 몽환적인(마이너) 음악으로 특성화할 수 있습니다.
음색은 소리의 색상으로 정의할 수 있습니다. 이러한 음악적 표현 수단을 사용하면 인간의 목소리, 바이올린, 기타, 피아노 또는 플루트 등 정확히 무엇을 듣고 있는지 귀로 확인할 수 있습니다. 각 악기에는 고유한 음색과 고유한 사운드 색상이 있습니다.
멜로디
멜로디는 음악 그 자체이다. 멜로디는 리듬, 템포, 조성, 크기, 모드, 음색 등 음악 표현의 모든 수단을 결합합니다. 그들 모두가 특별한 방식으로 서로 결합하여 멜로디로 변합니다. 세트에서 하나 이상의 매개변수를 변경하면 멜로디가 완전히 달라집니다. 예를 들어, 템포를 변경하고 동일한 리듬, 동일한 스케일, 동일한 악기를 연주하면 다른 성격의 다른 멜로디를 얻게 됩니다.
음악적 표현의 모든 수단을 간략하게 상상할 수 있습니다. 이 표는 이에 도움이 될 것입니다:
음악을 즐기다!
역사가들에 따르면, 음악과 유사한 것이 50,000여년 전에 나타났습니다. 그것은 단지 구두이고 원시적이었습니다. 최초의 사람들은 매우 간단한 음악 표현 수단을 사용했습니다. 설형 문자로 쓰여진 노래는 이라크에서 니푸르(Nippur)를 발굴한 고고학자들에 의해 발견되었습니다. 최초의 멜로디 중 하나의 추정 연대는 약 4,000년입니다.
소리와 침묵 중 무엇이 더 중요합니까?
음악(고대 그리스의 "뮤즈의 예술"에서 유래)은 짧거나 긴 소리와 정지의 리드미컬한 시퀀스로, 단일 시스템으로 구성됩니다. 여러 소리가 동시에 생성되는 것을 화음 또는 자음이라고 합니다. 하모니는 음악적 표현의 수단, 멜로디와 시퀀스 구성의 법칙을 연구합니다.
구두 연설에서 단어는 소리, 문장-단어, 구-문장으로 구성됩니다. 멜로디(노래의 음성 재현)는 화성, 화음, 동기로 구성된 완전한 음악적 사고입니다.
일시 중지는 전체 노래나 오케스트라 작품의 성격을 강조하면서 주 곡의 일반적인 리듬에 대한 짧은 침묵입니다. 침묵 없이는 멜로디도 없다고 말할 수 있습니다.
소리, 건강, 기분은 어떻게 연결되어 있나요?
사람이 들으면 아름다운 노래, 그는 작곡가가 어떤 음악적 표현 수단을 사용했는지 생각하지 않습니다. 멜로디는 모든 사람에게 개별적으로 영향을 미칩니다. 모든 문화, 모든 세대에는 고유한 스타일이 있습니다.
- 포크 또는 클래식;
- 랩이나 포크;
- 재즈 또는 팝;
- 바위 또는 영적인 성가.
조화로운 소리는 감정과 감정뿐만 아니라 인체와 정신에도 영향을 미칩니다. 이는 묵상과 직관, 상상력, 놀이 능력에 영향을 미칩니다. 일본 과학자들은 듣기가 고전 음악금액이 대폭 늘어납니다 모유수유부와 록 및 팝에서는 이 수치가 감소합니다. 그리고 모차르트의 음악은 지성에 긍정적인 영향을 미칠 수 있습니다. 잔잔한 멜로디가 흘러나오면 닭도 더 행복해지고 더 많은 알을 낳게 됩니다.
리드미컬한 템포와 속도의 젊은이
음악의 음악적 표현 수단은 멜로디 사운드의 감성과 풍부함을 향상시킵니다. 리듬은 시간에 따라 소리를 구성합니다. 그의 리듬감 없이 상수 공식왈츠도, 행진도, 춤도 있을 수 없습니다. 복잡한 아프리카 및 일부 아시아 멜로디는 타악기로만 연주할 수 있습니다.
음악의 템포는 노래나 오케스트라 곡이 1분 또는 1초 동안 전개되는 속도를 말합니다. 음악 텍스트에서 읽을 수 있습니다. 이탈리아어 단어: 알레그로, 프레스토, 돌체 등. 이는 전체 작품과 개별 부분 모두의 속도를 설정하는 작곡가의 의도를 이해하기 위한 음악적 표현의 수단입니다. 그 중 일부를 나열해 보겠습니다.
- 천천히 - 라르고;
- 단호하게 - 단호하게;
- 열정적으로 - 표현적으로;
- 엄숙하게-마에스토소;
- 및 기타 일반적으로 허용되는 명칭.
음악 모드는 주요 요소인 강장제를 중심으로 다양한 사운드를 통합할 뿐만 아니라 멜로디의 일관성과 일관성, 서로에 대한 매력, 작품의 조화가 나타납니다. 메이저 모드와 마이너 모드의 형성 규칙은 음악을 감정적으로 만듭니다.
- 메이저 - 명랑하고, 밝고, 즐겁고, 재미있는 멜로디입니다.
- 마이너는 슬픔, 서정성, 슬픔입니다.
전체 작품의 성격과 감정적 요소는 정확하게 모드에 따라 달라집니다.
음악적 표현의 수단으로서의 뉘앙스와 억양
감각적인 색조의 테이블은 그 광대함에도 불구하고 인간의 목소리와 악기의 다양한 가능성을 전달할 수 없습니다. 사람들은 소리의 세기나 크기, 멜로디의 오르락내리락, 부드러운 물보라, 귀청이 터질 듯한 자연의 천둥소리를 우연히 들어왔습니다. 음악 표기법에서 이러한 모든 뉘앙스는 기호라는 단어의 첫 글자에 해당하는 라틴어 글꼴로 표시됩니다. 예를 들어:
- 날카로운 악센트 - sf (sforzando);
- 매우 조용함 - pp(피아니시모);
- 큰 소리 - f (포르테);
- 및 기타 명칭.
레지스터와 아티큘레이션
음악적 박자표(박자)는 강한 비트가 약한 비트로 바뀌거나 그 반대의 순서입니다. 단순, 복합 및 혼합 미터법 크기를 구분할 수 있습니다. 시에도 유사한 개념이 존재합니다: iambic, anapest, dactyl, amphibrachium, trochee 및 헥사미터. 음악에서 가장 유명한 박자표는 왈츠의 3/4박자와 행진곡의 2/4박자를 포함합니다.
음성 및 악기의 레지스터는 범위 또는 사운드 생성 기능입니다. 최저와 최고 사이의 거리 높은 소리하위, 상위, 중간 레지스터로 구분됩니다. 저음역에서만 연주되는 작품은 우울한 색채를 띠고, 고음역은 울리고 맑고 투명한 멜로디를 가지고 있습니다. 흥미롭게도 음악을 듣는 동안 인간의 성대는 무작위이지만 조용히 멜로디를 반복합니다.
음악적 표현의 수단에는 다음이 포함됩니다. 다양한 방법사운드 생성, 호흡 및 다양한 멜로디 연주 방식. 그 중에는 획(추출 방법)과 조음(명확한 발음)이 있습니다.
- 갑자기(스타카토) 그리고 일관되게(레가토);
- 강조 표시(marcato) 및 피치카토(손가락으로 현 당기기);
- glissando - 키, 문자열 또는 음표를 따라 슬라이드합니다.
각 악기와 사람의 목소리에는 고유한 사운드 팔레트, 음색, 범위 및 특정 스트로크 조합이 있습니다.