라파엘 모나리자의 작품을 간략하게 설명합니다. 하나의 걸작에 대한 이야기: 다빈치의 모나리자. 그림에 관한 몇 가지 신화

레오나르도 다빈치의 '모나리자'('라 자콘다')는 여전히 서유럽 미술의 가장 유명한 그림 중 하나입니다.

그 큰 명성은 높은 예술적 장점과 이 작품을 둘러싼 미스터리한 분위기와 관련이 있습니다. 이 미스터리는 예술가의 생애가 아니라 이후 수세기 동안 그림에 기인하기 시작하여 놀라운 보고서와 그림 연구 결과를 통해 그림에 대한 관심을 불러 일으켰습니다.
우리는 이 그림의 장점과 창작의 역사에 대해 차분하고 균형 잡힌 분석을 하는 것이 옳다고 믿습니다.
첫째, 그림 자체에 대해.

그림 설명

레오나르도 다 빈치 “리사 조콘도 부인의 초상. 모나리자"(1503-1519). 보드(포플러), 오일. 76x53cm 루브르(파리)
그림에는 여성(반신 초상화)이 그려져 있습니다. 그녀는 두 손을 꼭 잡은 채 의자에 앉아 있으며, 한 손은 팔걸이 위에, 다른 한 손은 그 위에 올려놓고 있습니다. 그녀는 관객을 거의 마주하기 위해 의자를 돌렸다.
그녀의 부드럽고 갈라진 머리카락은 그 위에 드리워진 투명한 베일을 통해 보입니다. 그들은 두 개의 얇고 약간 물결 모양의 가닥으로 어깨에 떨어집니다. 노란 드레스, 짙은 녹색 망토...
일부 연구자들(특히 보리스 비퍼(Boris Vipper) - 러시아, 라트비아, 소련 미술사가, 교사 및 박물관 인물, 서유럽 미술사 국내 학교 창립자 중 한 명)은 콰트로센토 패션의 흔적이 다음과 같은 면에서 눈에 띈다고 지적합니다. 모나리자: 그녀의 눈썹은 면도되었고 이마 위에 머리카락이 있습니다.
모나리자는 발코니나 로지아의 의자에 앉아 있습니다. 믿어진다 이전 사진더 넓어지고 로지아의 두 측면 기둥을 수용할 수 있습니다. 아마도 작가 자신이 그 범위를 좁혔을 것입니다.
모나리자 뒤에는 구불구불한 시냇물과 호수가 둘러싸인 황량한 지역이 있습니다. 눈 덮인 산; 지형은 높은 수평선을 향해 확장됩니다. 이 풍경은 여성의 위엄과 영성의 이미지를 제공합니다.
V. N. Grashchenkov, 러시아 미술 평론가 이탈리아 르네상스, 풍경 덕분에 Leonardo가 다음을 만들 수 있다고 믿었습니다. 특정 인물의 초상이 아닌 보편적인 이미지: "이것에 신비한 그림그는 프란체스코 델 조콘도(Francesco del Giocondo)의 세 번째 부인인 무명의 피렌체 모나리자(Mona Lisa)의 초상화 이상의 것을 창조했습니다. 모습그리고 특정인의 영적 구조는 전례없는 종합으로 그에 의해 전달됩니다. "La Gioconda"는 초상화가 아닙니다. 이것은 인간과 자연의 생명 자체를 눈으로 볼 수 있는 상징으로, 하나의 전체로 통합되어 개별적인 구체적인 형태에서 추상적으로 표현됩니다. 그러나 가벼운 잔물결처럼 이 조화로운 세계의 움직이지 않는 표면을 가로질러 흐르는 거의 눈에 띄지 않는 움직임 뒤에는 육체적, 정신적 존재의 가능성의 모든 풍부함을 분별할 수 있습니다.”

지오콘다의 유명한 미소

모나리자의 미소는 그림의 가장 중요한 미스터리 중 하나로 간주됩니다. 하지만 이것이 정말 그렇습니까?

레오나르도 다 빈치의 모나리자의 미소(그림 세부 사항)
이 약간 방황하는 미소는 거장 자신과 Leonardesques(밀라노 시대의 레오나르도의 방식에 강한 영향을 받은 예술가로서 그의 학생 중 하나이거나 단순히 그의 스타일을 채택한 예술가)의 많은 작품에서 발견됩니다. 물론 모나리자에서 그녀는 완벽함을 달성했습니다.
사진 몇 장을 살펴보겠습니다.

F. Melzi(레오나르도 다빈치의 학생) “플로라”
똑같은 약간 방황하는 미소.

"성가족" 그림. 이전에는 레오나르도의 작품으로 여겨졌으나 이제는 에르미타주에서도 그의 제자인 체사레 다 세스토(Cesare da Sesto)의 작품임을 인정하게 되었습니다.
성모 마리아의 얼굴에도 똑같은 약간 방황하는 미소가 있습니다.

레오나르도 다빈치 "세례자 요한"(1513-1516). 루브르(파리)

세례 요한의 미소도 신비로운 것으로 간주됩니다. 왜 이 엄숙한 선구자는 미소를 지으며 위를 가리키나요?

La Gioconda의 원형은 누구였습니까?

Vasari가 언급한 Leonardo da Vinci의 첫 번째 전기의 익명 저자의 정보가 있습니다. 예술가에게 세 번째 부인의 초상화를 주문한 실크 상인 프란체스코 조콘도에 대해 글을 쓰는 것은 바로 이 익명의 작가입니다.
그런데 모델 식별에 관해서는 의견이 너무 많았어요! 많은 가정이 있었습니다: 이것은 레오나르도 자신의 자화상, 예술가의 어머니 카테리나의 초상화, 예술가의 동시대인과 동시대인의 다양한 이름이 언급되었습니다...
그러나 2005년에 하이델베르그 대학의 과학자들은 피렌체 관리의 고서 여백에 있는 메모를 연구하던 중 다음과 같은 메모를 발견했습니다. "...다빈치는 현재 세 개의 그림을 작업하고 있으며 그 중 하나는 리사 게라르디니의 초상화입니다." 피렌체 상인 Francesco del Giocondo의 아내는 Lisa Gherardini였습니다. 이 그림은 젊은 가족의 새 집과 둘째 아들의 탄생을 기념하기 위해 레오나르도가 의뢰한 것입니다. 이 미스터리는 거의 해결되었습니다.

그림의 역사와 모험

그림의 전체 제목은 " 리트라토 디 모나리자 델 지오콘도"(이탈리아어) - "리사 조콘도 부인의 초상." 이탈리아어로 엄마도나수단 " 내 아가씨", 축약된 버전에서는 이 표현이 다음과 같이 변형되었습니다. 모나또는 모나.
이 그림은 레오나르도 다빈치의 작품에서 특별한 위치를 차지했습니다. 4년을 보낸 후 성인이 되어 이탈리아를 떠난 작가는 그 작품을 프랑스로 가져갔습니다. 그가 피렌체에서 그림을 완성하지 않고 1516년 떠날 때 가지고 갔을 가능성이 있다. 그렇다면 그는 1519년 죽기 직전에 이 그림을 완성한 것이다.
그 그림은 그의 학생이자 조수인 살라이의 소유가 되었습니다.

레오나르도의 그림 속 살라이
살라이(1525년 사망)는 밀라노에 살았던 누이들에게 그림을 남겼습니다. 초상화가 어떻게 밀라노에서 프랑스로 돌아왔는지는 알려지지 않았습니다. 프란시스 1세 왕은 살라이의 상속자들로부터 이 그림을 구입하여 루이 14세 시대까지 그의 성 퐁텐블로에 보관했습니다. 그는 그녀를 베르사유 궁전으로 데려갔다. 프랑스 혁명 1793년에 그 그림은 결국 루브르 박물관에 전시되었습니다. 나폴레옹은 뛸르리 궁전 침실에서 라 조콘다를 감상한 후 박물관으로 돌아왔습니다.
제2차 세계 대전 중에 이 그림은 루브르 박물관에서 앙부아즈 성(레오나르도가 죽고 묻힌 곳), 록디외 수도원, 몽토방의 앵그르 박물관으로 옮겨졌습니다. 전쟁이 끝난 후 La Gioconda는 그 자리로 돌아 왔습니다.
20세기에는 그림은 루브르 박물관에 남아있었습니다. 1963년에야 그녀는 미국을 방문했고, 1974년에는 일본을 방문했습니다. 일본에서 프랑스로 가는 길에 라 조콘다(La Gioconda)가 박물관에 전시되었습니다. 모스크바의 A. S. 푸쉬킨. 이 여행은 그녀의 성공과 명성을 높였습니다.
2005년부터 루브르 박물관의 별도 공간에 보관되었습니다.

루브르 박물관 방탄유리 뒤의 '모나리자'
1911년 8월 21일, 이 그림은 루브르 박물관의 직원인 이탈리아인 빈첸초 페루자에 의해 도난당했습니다. 아마도 페루자는 La Gioconda를 역사적인 고향으로 돌려보내고 싶었을 것입니다. 이 그림은 불과 2년 뒤 이탈리아에서 발견됐다. 이탈리아 여러 도시에서 전시된 후 파리로 돌아왔습니다.
“La Gioconda” 역시 기물 파손 행위를 경험했습니다. 그들은 그 위에 산을 붓고(1956), 돌을 던진 후 방탄 유리 뒤에 숨겼고(1956), 점토 컵(2009) 뒤에 숨기려고 했습니다. 캔에 담긴 그림에 빨간색 물감을 뿌리다(1974).
레오나르도의 학생과 추종자들은 모나리자와 20세기 아방가르드 예술가들의 수많은 복제품을 만들었습니다. 모나리자의 이미지를 무자비하게 이용하기 시작했습니다. 그러나 그것은 완전히 다른 이야기입니다.
"La Gioconda"는 이탈리아 전성기 르네상스 초상화 장르의 가장 좋은 예 중 하나입니다.

// Leonardo da Vinci "Mona Lisa"(La Gioconda)의 그림 설명

레오나르도 다빈치(1452년 4월 15일 - 1519년 5월 2일) - 뛰어난 과학자이자 르네상스 예술가. 안에 미술현실적인 방향을 고수했다. 예술가로서 그의 유산은 작지만 그의 그림은 모두 진정한 걸작이다. 그중에는 "La Gioconda", "Annunciation", "와 같은 유명한 그림이 있습니다. 최후의 만찬", "담비를 안고 있는 여인", "마돈나 리타" 등.

"Mona Lisa" 또는 "La Gioconda"(c. 1503 - 1505)는 초상화 장르로 그려졌습니다. 이 그림은 레오나르도의 작품에서 특별한 위치를 차지했습니다. 전기 작가들은 그가 어떤 그림에도 그렇게 많은 시간과 열정을 투자한 적이 없다고 지적합니다. Leonardo는 피렌체 상인 Francesco del Giocondo의 아내 초상화를 그렸습니다. 동안 사 년작가는 마돈나 리사의 이미지를 구현하기 위해 사심 없이 노력했지만 그것을 완성하지는 못했습니다...

그림은 반쯤 돌아 앉아 있는 여성의 반신상이다. 그녀는 어두운 드레스를 입고 있어요 왼손그것은 의자의 팔걸이에 있고 오른쪽은 왼쪽 팔걸이 위에 있습니다. 굵고 검은 머리카락은 가운데가 갈라져 마치 컬을 만든 듯 작은 파도를 그리며 어깨까지 늘어져 있습니다.

그녀의 머리는 거의 눈에 띄지 않는 베일로 덮여 있는데, 이는 아마도 아이를 임신한다는 표시였을 것입니다. 이 드레스는 가슴 네크라인에 섬세한 주름 장식이 있고 노란색 소매에 느슨한 주름이 있는 것이 특징입니다. 여자의 머리는 보는 사람을 향해 약간 회전되어 있습니다. 미술 평론가들은 당시 유행에 따라 모나리자의 눈썹과 이마 윗부분의 털을 삭발했다고 지적한다.

그림의 위치에서 보면 그녀 뒤에 난간이 보이기 때문에 그녀가 발코니에 앉아 있는 것이 분명합니다. 초상화의 배경은 아름답고 장엄한 풍경입니다. 언덕, 산, 호수, 구불구불한 길, 그리고 이 자연 위로 밝게 빛나는 하늘이 옅은 안개 속에 담겨 있습니다. 이러한 배경은 확실히 묘사된 인물에 웅장함을 더해준다. 묘사된 여성의 실제 현실과 안개가 자욱한 꿈 같은 풍경이 대비되어 인상이 더욱 강화됩니다.

그림의 첫 번째 계획은 음영으로 디자인되었습니다. 갈색: 황금색에서 붉은색. 배경은 청록색 톤으로 표현되어 에메랄드 색상에 이릅니다. 시간이 지나고 그림이 어두워지고 색상이 약간 변경되었지만 작가가 생각한 그림 톤 간의 대조되는 관계는 유지되어 여전히 인상을 남깁니다.

모나리자의 미소, 아니 오히려 반미소에 관해 많은 논란이 있어 왔습니다. Leonardo의 작품에서는 약간의 미소가 두 번 이상 발견되었지만 La Gioconda에서는 그것을 완벽하게 만들었습니다. 모나리자의 미소는 다양한 방식으로 해석되었습니다. A. F. Losev는 심지어 그녀를 "악마의 미소"라고 불렀습니다. 아마도 Boris Vipper는 이미지에 대한 가장 객관적인 해석을 제공했을 것입니다. 그는 눈썹과 이마를 면도하면 신비로운 느낌을 더할 수 있다고 지적했다. 그림의 매력, 최면과 유사한 효과는 이미지의 영성에 있습니다. 모나리자의 개별 속성이 미소에서 발현되는 것을 찾는 것은 실수였습니다. 레오나르도는 구체적이 아닌 전형적인 영성을 전달하려고 노력했습니다. 그리고 가장 중요한 것은 영성의 원천이 된 것은 모나리자의 정서적 내용이 아니라 지성이었다는 것입니다.

실제로, 시간이 흘렀던 이 걸작에서 우리는 풍부한 내면의 내용을 부여받고 레오나르도 자신과 대화할 수 있는 생각하는 여성을 봅니다.

수십 년 동안 역사가, 미술 평론가, 언론인 및 관심 있는 사람들은 모나리자의 신비에 대해 논쟁을 벌여 왔습니다. 그녀의 미소의 비결은 무엇일까? 레오나르도의 초상화에는 실제로 누가 묘사되어 있습니까? 매년 800만 명 이상의 방문객이 루브르 박물관을 방문하여 루브르의 작품을 감상합니다.

그러면 단정한 옷차림과 가볍고 은은한 미소를 지닌 이 여자는 어떻게 받아들였습니까? 명예의 장소다른 위대한 예술가들의 전설적인 창작물 중 연단에 있습니까?

마땅한 영광

우선 레오나르도 다빈치의 모나리자를 잊어버리자 - 화려한 창조아티스트. 우리 앞에는 무엇이 보이는가? 눈에 띄지 않는 미소를 지으며 단정한 옷을 입은 중년 여성이 우리를 바라보고 있습니다. 그녀는 미인은 아니지만 시선을 사로잡는 뭔가가 있습니다. 명성은 놀라운 현상입니다. 어떤 광고도 평범한 사진을 홍보하는 데 도움이 되지 않지만 La Gioconda는 명함전 세계적으로 알려진 유명한 피렌체.

사진의 품질이 인상적입니다. 최고 수준르네상스의 모든 업적이 하나로 모였습니다. 여기서 풍경은 초상화와 미묘하게 결합되고, 시선은 보는 사람을 향하고, 유명한 "카운터포스토" 포즈, 피라미드 구성... 이 기술 자체는 감탄할 가치가 있습니다. 가장 얇은 레이어 각각은 다른 레이어에만 적용되었습니다. 이전 것이 말린 후에. Leonardo는 "스푸마토(sfumato)" 기술을 사용하여 물체의 녹는 이미지를 얻었습니다. 그는 브러시로 공기의 윤곽을 전달하여 빛과 그림자의 유희를 부활시켰습니다. 이거 야 주요 가치다빈치의 작품 '모나리자'.

보편적인 인식

Leonardo da Vinci의 La Gioconda의 첫 번째 팬은 예술가였습니다. 16세기 회화는 말 그대로 모나리자의 영향을 받은 흔적으로 가득 차 있다. 예를 들어, 위대한 라파엘로를 생각해 보십시오. 그는 레오나르도의 그림에 질린 것 같았고, 지오콘다의 특징은 "유니콘을 안고 있는 여인"에 나오는 피렌체의 초상화에서 포착될 수 있습니다. 남자의 초상화발다사라 카스틸리오네. 레오나르도는 그것을 모르고 창조했다. 시각 자료모나리자의 초상화를 기초로 회화에서 많은 새로운 것을 발견한 그의 추종자들을 위해.

예술가이자 미술 평론가인 그는 '라 조콘다'의 영광을 말로 표현한 최초의 사람이었습니다. 그의 "전기"에서 유명한 화가…” 그는 그 초상화를 인간보다 더 신성하다고 말했고, 게다가 직접 그 그림을 본 적도 없이 이런 평가를 내렸습니다. 저자는 단지 표현했다 일반적인 의견, 따라서 "Gioconda"는 전문가들 사이에서 높은 평판을 얻었습니다.

초상화를 위해 포즈를 취한 사람은 누구입니까?

초상화 제작이 어떻게 진행되었는지에 대한 유일한 확인은 그림이 피렌체의 거물 인 Francesco Giocondo의 아내이자 25 세의 Mona Lisa를 묘사한다고 주장하는 Giorgio Vasavi의 말입니다. 그는 다빈치가 초상화를 그리는 동안 주변의 소녀들이 끊임없이 거문고를 연주하고 노래를 불렀으며 궁중 광대들이 이를 지지했다고 말했습니다. 좋은 분위기, 그렇기 때문에 모나리자의 미소가 너무 부드럽고 유쾌합니다.

그러나 조르지오가 틀렸다는 증거는 많습니다. 첫째, 소녀의 머리는 애도하는 과부의 베일로 덮여 있었고 프란체스코 조콘도는 살았습니다. 장수. 둘째, Leonardo는 왜 고객에게 초상화를 제공하지 않았습니까?

작가는 그 당시 많은 돈을 받았지만 죽을 때까지 초상화와 헤어지지 않은 것으로 알려져 있습니다. 1925년 미술사학자들은 이 초상화가 줄리아노 메디치의 여주인이자 미망인 콘스탄시아 다발로스(Constancia d'Avalos)의 것이라고 제안했습니다. 나중에 Carlo Pedretti는 또 다른 가능성을 제시했습니다. Pedretti의 또 다른 여주인인 Pacifica Bandano일 수 있습니다. 그녀는 스페인 귀족의 미망인이었고 교육을 잘 받았으며 쾌활한 성격을 지녔으며 그녀의 존재로 모든 회사를 우아하게 만들었습니다.

레오나르도 다빈치의 진짜 모나리자는 누구일까요? 의견은 다양합니다. 아마도 Lisa Gherardini, 아니면 Isabella Gualando, Philibert of Savoy 또는 Pacifica Brandano... 누가 알겠어요?

왕에서 왕으로, 왕국에서 왕국으로

16세기의 가장 진지한 수집가는 왕들이었습니다. 예술가들 사이의 긴밀한 존경의 고리에서 벗어나기 위해서는 작품이 승리해야 한다는 것이 그들의 관심이었습니다. 모나리자의 초상화가 가장 먼저 눈에 띄는 곳은 왕의 목욕탕이었다. 군주는 자신이 얼마나 찬란한 창조물을 받았는지에 대한 무례함이나 무지에서 그림을 그곳에 두지 않았다. 가장 중요한 장소프랑스 왕국은 퐁텐블로에 목욕탕을 가지고 있었습니다. 그곳에서 왕은 쉬고 여주인과 즐거운 시간을 보내고 대사를 맞이했습니다.

퐁텐블로 이후 레오나르도 다빈치의 그림 “모나리자”는 루브르 박물관, 베르사유 궁전, 튀일리 궁의 벽을 방문하여 2세기 동안 궁전에서 궁전으로 이동했습니다. Gioconda는 완전히 성공하지 못한 여러 번의 복원으로 인해 크게 어두워졌고 그녀의 눈썹과 그녀 뒤에 있는 두 개의 기둥이 사라졌습니다. Mona Lisa가 프랑스 궁전 벽 뒤에서 본 모든 것을 말로 설명하는 것이 가능하다면 Alexandre Dumas의 작품은 건조하고 지루한 교과서처럼 보일 것입니다.

La Gioconda를 잊으셨나요?

18세기에 전설적인 그림에 행운이 돌아섰습니다. Leonardo da Vinci의 "Mona Lisa"는 고전주의의 아름다움과 경박 한 로코코 양치기의 매개 변수에 맞지 않았습니다. 그녀는 처음에 장관실로 옮겨졌고, 점차적으로 법원 계층 구조에서 점점 더 낮아지면서 베르사유의 가장 어두운 구석 중 하나에 이르렀고, 그곳에서 청소부와 하급 관리들만이 그녀를 볼 수 있었습니다. 그림은 컬렉션에 포함되지 않았습니다 최고의 그림 프랑스 왕, 1750년에 대중에게 공개되었습니다.

프랑스 혁명은 상황을 변화시켰다. 이 그림은 다른 그림들과 함께 루브르 박물관의 첫 번째 박물관을 위한 왕의 소장품에서 압수되었습니다. 왕들과 달리 예술가들은 레오나르도의 창조물에 대해 단 한 순간도 실망하지 않았다는 것이 밝혀졌습니다. 컨벤션 위원회 위원인 프라고나르는 이 그림을 적절하게 평가하여 박물관의 가장 가치 있는 작품 목록에 포함시켰습니다. 그 후에는 왕뿐만 아니라 모든 사람이 그림에 감탄할 수있었습니다. 최고의 박물관평화.

모나리자의 미소에 대한 다양한 해석

아시다시피, 유혹적으로, 냉소적으로, 슬프게, 창피하게 또는 행복하게 미소를 지을 수 있습니다. 그러나 이러한 정의 중 어느 것도 적합하지 않습니다. '전문가' 중 한 명은 그림 속 인물이 임신 중이며, 태아의 움직임을 포착하려고 웃고 있다고 주장한다. 또 다른 사람은 그녀가 연인인 레오나르도를 보고 웃고 있다고 말합니다.

중 하나에서 알려진 버전라 조콘다(모나리자)는 레오나르도의 자화상이라고 한다. 최근에는 컴퓨터를 이용해서 비교를 했는데요. 해부학적 특징작가가 그린 자화상 중 지오콘다와 다빈치의 얼굴이 완벽하게 일치하는 것으로 나타났습니다. 모나리자는 천재의 여성형이고, 그녀의 미소는 레오나르도 자신의 미소임이 밝혀졌다.

모나리자의 미소는 왜 사라졌다가 다시 나타나는 걸까요?

Gioconda의 초상화를 보면 그녀의 미소가 변덕스러운 것처럼 보입니다. 그것은 사라졌다가 다시 나타납니다. 왜 이런 일이 발생합니까? 사실은 세부 사항에 초점을 맞추는 중심 시력과 그다지 명확하지 않은 주변 시력이 있다는 것입니다. 따라서 모나리자의 입술에 시선을 집중시키면 미소는 사라지지만, 눈을 바라보거나 얼굴 전체를 담으려고 하면 미소를 짓는다.

오늘날 레오나르도 다빈치의 모나리자는 루브르 박물관에 있습니다. 거의 완벽한 보안 시스템을 위해 약 700만 달러를 지불해야 했습니다. 여기에는 방탄 유리, 최신 경보 시스템 및 내부에 필요한 미기후를 유지하는 특별히 개발된 프로그램이 포함되어 있습니다. 현재 그림 보험 비용은 30억 달러입니다.

프랑스 앙부아즈 왕궁에서 레오나르도 다빈치는 유명한 "La Gioconda"- "Mona Lisa"를 완성했습니다. Leonardo가 Amboise Castle의 St. Hubert 예배당에 묻혀 있다는 것이 일반적으로 인정됩니다.

모나리자의 눈 속에는 육안으로는 볼 수 없는 작은 숫자와 글자가 숨겨져 있습니다. 아마도 이것은 Leonardo da Vinci의 이니셜과 그림이 만들어진 연도일 것입니다.

"모나리자"는 지금까지 만들어진 그림 중 가장 신비로운 그림으로 여겨집니다. 미술 전문가들은 아직도 그 비밀을 풀어나가고 있습니다. 동시에, 모나리자는 파리에서 가장 실망스러운 명소 중 하나입니다. 사실 매일 엄청난 줄이 늘어서 있습니다. 모나리자는 방탄유리로 보호되어 있습니다.

1911년 8월 21일, 모나리자가 도난당했습니다. 그녀는 루브르 박물관 직원인 빈첸초 페루자(Vincenzo Perugia)에게 납치되었습니다. 페루자가 그림을 역사적인 고향으로 돌려보내기를 원했다는 가정이 있습니다. 그림을 찾으려는 첫 번째 시도는 아무데도 진행되지 않았습니다. 박물관 행정부가 해고되었습니다. 이 사건의 일환으로 시인 기욤 아폴리네르(Guillaume Apollinaire)가 체포되었다가 나중에 석방되었습니다. 파블로 피카소도 의심을 받았습니다. 이 그림은 2년 뒤 이탈리아에서 발견됐다. 1914년 1월 4일 회화(전시 이후) 이탈리아 도시) 파리로 돌아왔다. 이러한 사건 이후 사진은 전례없는 인기를 얻었습니다.

DIDU 카페에는 커다란 플라스틱 모나리자가 있습니다. 그녀는 한 달 동안 조각을 했다 일반 방문객카페. 이 과정은 예술가 Nikas Safronov가 주도했습니다. 1,700명의 모스크바 시민과 도시 손님이 조각한 모나리자는 기네스북에 등재되었습니다. 그것은 인간이 만든 모나리자의 가장 큰 플라스틱 복제품이 되었습니다.

제2차 세계 대전 동안 루브르 박물관 컬렉션의 많은 작품이 샹보르 성에 숨겨졌습니다. 그 중에는 모나리자도 있었습니다. 사진은 나치가 파리에 도착하기 전에 그림을 보내기 위한 긴급 준비를 보여줍니다. 모나리자가 숨겨진 장소는 철저히 비밀로 유지되었습니다. 그림은 정당한 이유로 숨겨졌습니다. 나중에 히틀러가 린츠에 "세계 최대의 박물관"을 만들 계획이라는 것이 밝혀졌습니다. 그리고 그는 독일 미술 감정가 Hans Posse의 지도력하에 이를 위한 전체 캠페인을 조직했습니다.

히스토리 채널(History Channel) 영화 Life After People에 따르면, 사람이 사라진 지 100년이 지난 후, 모나리자는 벌레들에게 먹히게 됩니다.

대부분의 연구자들은 모나리자 뒤에 그려진 풍경이 허구라고 믿습니다. 이것이 Valdarno Valley 또는 Montefeltro 지역이라는 버전이 있지만 이러한 버전에 대한 설득력 있는 증거는 없습니다. 레오나르도는 밀라노 작업실에서 그림을 그린 것으로 알려져 있습니다.

그는 그것에 상당한 시간을 보냈고 성인이 된 이탈리아를 떠나 다른 몇몇 그림들과 함께 프랑스로 가져갔습니다. 다빈치는 이 초상화에 대해 특별한 애정을 가지고 있었고, "회화에 관한 논문"과 그 안에 포함되지 않은 회화 기술에 대한 노트를 만드는 과정에서 많은 생각을 했으며 의심할 여지 없이 많은 징후를 찾을 수 있습니다. "La Gioconda"와 관련이 있습니다.

바사리의 메시지

1845년 판화의 "레오나르도 다빈치의 작업실": 광대와 음악가들이 지오콘다를 즐겁게 합니다.

뉴욕 하이드 컬렉션의 이 그림은 레오나르도 다 빈치의 작품일 수 있으며 모나리자의 초상화를 위한 예비 스케치입니다. 이 경우 처음에는 그녀의 손에 멋진 가지를 놓으려고 한 것이 궁금합니다.

아마도 Vasari는 독자들을 즐겁게 하기 위해 광대에 관한 이야기를 추가했을 뿐입니다. Vasari의 텍스트에는 그림에서 누락된 눈썹에 대한 정확한 설명도 포함되어 있습니다. 이러한 부정확성은 저자가 기억이나 다른 사람의 이야기에서 그림을 묘사한 경우에만 발생할 수 있습니다. Alexey Dzhivelegov는 "4년 동안 지속된 초상화 작업은 분명히 과장되었습니다. Leonardo는 Caesar Borgia에서 돌아온 후 오랫동안 피렌체에 머물지 않았으며 Caesar로 떠나기 전에 초상화 그리기를 시작했다면 Vasari는 아마도 5년 동안 썼다고 말하고 싶습니다." 과학자는 또한 초상화의 미완성 성격에 대한 잘못된 표시에 대해 썼습니다. "초상화는 의심 할 여지없이 그리는 데 오랜 시간이 걸렸고 완성되었습니다. Vasari가 말한 것과 상관없이 Leonardo의 전기에서 그를 예술가로 양식화 한 사람은 다음과 같습니다. 원칙적으로 주요 작업을 완료할 수 없습니다. 그리고 그것은 완성되었을 뿐만 아니라 레오나르도의 가장 세심하게 완성된 작품 중 하나입니다.”

흥미로운 사실은 그의 설명에서 Vasari가 모델과 그림 간의 유사성이 아니라 물리적 현상을 전달하는 Leonardo의 재능을 존경한다는 것입니다. 예술가의 작업실을 방문한 방문객들에게 깊은 인상을 남기고 거의 50년 후 바사리에 도달한 것은 바로 이 걸작의 "물리적" 특징이었던 것 같습니다.

이 그림은 미술 애호가들 사이에서 잘 알려져 있었지만, 레오나르도는 1516년 이 그림을 가지고 이탈리아를 떠나 프랑스로 향했습니다. 이탈리아 소식통에 따르면 이 작품은 이후 프랑스 왕 프란시스 1세의 소장품이었는데 언제, 어떻게 획득했는지, 레오나르도가 이 작품을 고객에게 돌려주지 않은 이유는 아직 불분명합니다.

다른

아마도 예술가는 실제로 피렌체에서 그림을 완성하지 않았지만 1516년에 떠날 때 그 그림을 가지고 가서 Vasari에게 그것에 대해 말할 수 있는 증인이 없을 때 마지막 획을 적용했을 것입니다. 그렇다면 그는 1519년에 죽기 직전에 이 작품을 완성한 것입니다. (프랑스에서 그는 근처 Clos Luce에 살았습니다. 왕실의 성앙부아즈).

Vasari는 여성의 신원에 대한 정보를 제공하지만 여전히 오랫동안불확실성이 남아 있었고 많은 버전이 표현되었습니다.

여백에 있는 메모는 모나리자의 모델이 정확하다는 것을 증명했습니다.

제시된 버전 중 하나에 따르면 '모나리자'는 예술가의 자화상입니다.

그러나 2005 년 일반적으로 받아 들여지는 사진 이름과 모델의 성격이 일치하는 버전이 최종 확인 된 것으로 추정됩니다. 하이델베르그 대학의 과학자들은 고서의 여백에 있는 메모를 연구했는데, 그 소유자는 예술가 아고스티노 베스푸치(Agostino Vespucci)와 개인적으로 아는 피렌체 관리였습니다. 책 여백에 있는 메모에서 그는 레오나르도를 유명한 고대 그리스 화가 아펠레스와 비교하면서 다음과 같이 기록했습니다. "다빈치는 현재 세 개의 그림을 작업 중이며 그 중 하나는 리사 게라르디니(Lisa Gherardini)의 초상화입니다.". 따라서 Mona Lisa는 실제로 피렌체 상인 Francesco del Giocondo-Lisa Gherardini의 아내로 밝혀졌습니다. 이 사례에서 학자들이 증명하듯이 이 그림은 젊은 가족의 새 집과 안드레아라는 이름의 둘째 아들의 탄생을 기념하기 위해 레오나르도가 의뢰한 것입니다.

그림

설명

월리스 컬렉션(볼티모어)의 모나리자 사본은 원본의 가장자리가 잘리기 전에 제작되었으며 손실된 기둥을 볼 수 있습니다.

직사각형 그림에는 어두운 옷을 입은 여성이 반쯤 몸을 돌리고 있는 모습이 그려져 있습니다. 그녀는 두 손을 꼭 잡은 채 의자에 앉아 한 손은 팔걸이에, 다른 한 손은 그 위에 올려놓고 거의 시청자를 향하도록 의자를 돌립니다. 갈라지고 매끄럽고 평평하게 누워있는 머리카락은 그 위에 드리워진 투명한 베일을 통해 볼 수 있으며 (일부 가정에 따르면-과부의 속성) 두 개의 얇고 약간 물결 모양의 가닥으로 어깨에 떨어집니다. 얇은 주름 장식이 달린 녹색 드레스, 노란색 주름 소매, 흰색 낮은 가슴에 컷 아웃. 머리가 약간 회전되어 있습니다.

기둥 밑부분이 남아 있는 모나리자 조각

그림의 아래쪽 가장자리가 신체의 후반부를 잘라내어 초상화의 길이가 거의 절반에 가깝습니다. 모델이 앉은 의자는 발코니나 로지아 위에 서 있으며, 모델의 팔꿈치 뒤에는 난간 선이 보입니다. 이전에는 그림이 더 넓고 로지아의 두 측면 기둥을 수용할 수 있었으며 현재 기둥의 두 베이스가 있으며 그 조각이 난간 가장자리를 따라 볼 수 있다고 믿어집니다.

로지아에서는 구불구불한 시냇물이 흐르는 황량한 황야와 그림 뒤에 높은 스카이라인까지 뻗어 있는 눈 덮인 산으로 둘러싸인 호수가 내려다보입니다. “모나리자는 풍경을 배경으로 의자에 앉아 있는 모습으로 표현되는데, 마치 거대한 산처럼 멀리서 보이는 풍경과 보는 사람에게 매우 가까운 그녀의 모습이 병치되어 이미지에 특별한 웅장함을 부여합니다. 기괴한 바위와 그 사이에 구불구불한 수로가 있는 안개가 자욱한 거리로 뻗어나가는 환상적인 풍경과 함께 형상의 강화된 플라스틱 촉감과 매끄럽고 일반화된 실루엣의 대조로 동일한 인상이 촉진됩니다.”

구성

Gioconda의 초상화는 이탈리아 전성기 르네상스 초상화 장르의 가장 좋은 예 중 하나입니다.

보리스 비퍼(Boris Vipper)는 콰트로센토의 흔적에도 불구하고 “가슴에 작은 컷아웃이 있고 소매가 헐렁하게 접힌 옷, 곧은 자세, 살짝 몸을 돌리는 것, 부드러운 손짓과 마찬가지로 모나리자는 속한다”고 썼습니다. 완전히 시대에 맞춰 클래식 스타일". Mikhail Alpatov는 다음과 같이 지적합니다. “Gioconda는 엄격하게 비례하는 직사각형에 완벽하게 새겨져 있고, 그녀의 반쪽 모습은 전체를 형성하고, 그녀의 접힌 손은 그녀의 이미지 완성도를 제공합니다. 물론, 초기 “수태고지”의 공상적인 곱슬머리에 대해서는 의문의 여지가 없습니다. 그러나 모든 윤곽이 아무리 부드러워져도 모나리자의 물결 모양의 머리카락은 투명한 베일과 조화를 이루고, 그녀의 어깨 위로 늘어진 천은 먼 길의 부드러운 구불구불한 곳에서 메아리를 찾습니다. 이 모든 것에서 레오나르도는 리듬과 조화의 법칙에 따라 창조하는 능력을 보여줍니다.”

현재 상태

"모나리자"는 매우 어두워졌는데, 이는 작가의 고유한 페인트 실험 경향의 결과로 간주되며, 이로 인해 "최후의 만찬" 프레스코화는 사실상 사라졌습니다. 그러나 예술가의 동시대 사람들은 명암대비의 구성, 디자인 및 플레이뿐만 아니라 작품의 색상에 대해서도 감탄을 표했습니다. 예를 들어, 프라도(Prado)의 그림 사본에서 볼 수 있듯이 그녀의 드레스 소매는 원래 빨간색이었을 수 있다고 가정합니다.

현재 그림의 상태가 매우 열악하기 때문에 루브르 박물관 직원은 더 이상 전시회에 제공하지 않겠다고 발표했습니다. “그림에 균열이 생겼고 그 중 하나가 모나리자의 머리 몇 밀리미터 위에서 멈췄습니다. .”

분석

기술

Dzhivelegov가 지적했듯이, 모나리자를 창작할 당시 레오나르도의 숙달은 “구성 및 기타 성격의 모든 형식적 작업이 제기되고 해결되었을 때 이미 그러한 성숙 단계에 들어섰습니다. 마지막으로, 예술적 기술의 가장 어려운 작업은 이를 수행할 자격이 있었습니다. 그리고 자신의 필요를 충족시키는 모나리자 모델을 찾았을 때, 그는 가장 높고 가장 높은 몇 가지 문제를 해결하려고 노력했습니다. 어려운 작업그가 아직 해결하지 못한 회화 기법. 그는 이전에 이미 개발하고 시도한 기술의 도움으로, 특히 그의 유명한 기술의 도움으로 원했습니다. 스푸마토이전에 비범한 효과를 주었던 , 이전보다 더 많은 작업을 수행합니다. 살아있는 사람의 살아있는 얼굴을 만들고 이 얼굴의 특징과 표현을 재현하여 끝까지 드러냅니다. 내면 세계사람."

모나리자 뒤의 풍경

보리스 비퍼(Boris Vipper)는 “이 영성은 어떤 수단으로 성취되었는지, 모나리자의 이미지에서 이 불멸의 의식의 불꽃은 무엇을 통해 달성되었는지, 그렇다면 두 가지 주요 수단을 명명해야 합니다. 하나는 Leonard의 멋진 스푸마토입니다. 레오나르도가 "모델링은 회화의 영혼이다"라고 즐겨 말한 것도 당연합니다. 지오콘다의 촉촉한 눈빛, 바람처럼 가벼운 미소, 비교할 수 없을 만큼 애무하는 부드러움을 만들어내는 것이 스푸마토다.” 스푸마토(Sfumato)는 얼굴과 체형을 감싸고 윤곽과 그림자를 부드럽게 만드는 미묘한 연무입니다. 이를 위해 Leonardo는 광원과 몸체 사이에 "일종의 안개"를 배치할 것을 권장했습니다.

Rothenberg는 다음과 같이 썼습니다. “Leonardo는 자신을 르네상스 남자 전체의 이미지로 간주할 수 있는 정도의 일반화를 자신의 창작물에 도입했습니다. 이러한 높은 수준의 일반화는 모든 요소에 반영됩니다. 비유적인 언어개별 모티프의 그림 - 모나리자의 머리와 어깨를 덮고 있는 가볍고 투명한 베일이 조심스럽게 그려진 머리카락과 드레스의 작은 주름을 전체적으로 부드러운 윤곽으로 결합하는 방법; 비교할 수 없을 만큼 부드러운 얼굴 모델링(당시 유행에 따라 눈썹이 제거됨)과 아름답고 매끈한 손에서 그것은 만져질 수 있습니다.”

Alpatov는 “얼굴과 인물을 감싸고 있는 부드럽게 녹는 안개 속에서 Leonardo는 인간 얼굴 표정의 무한한 가변성을 느끼게 만들었습니다. Gioconda의 눈은 시청자를 세심하고 차분하게 바라보고 있지만 눈구멍의 음영 덕분에 약간 눈살을 찌푸리고 있다고 생각할 수도 있습니다. 그녀의 입술은 압축되어 있지만 그 모퉁이 근처에는 매 순간 입술을 열고 미소를 짓고 말할 것이라고 믿게 만드는 미묘한 그림자가 있습니다. 그녀의 시선과 입술의 반쯤 미소 사이의 바로 그 대조는 그녀의 경험의 불일치에 대한 아이디어를 제공합니다. (...) Leonardo는 몇 년 동안 작업하여 그림에 단 하나의 날카로운 획이나 단일 각도 윤곽선이 남지 않도록 보장했습니다. 그리고 그 안에 있는 물체의 가장자리가 명확하게 인식될 수 있지만 반 그림자에서 반 빛으로의 가장 미묘한 전환으로 모두 용해됩니다.”

경치

미술 평론가들은 예술가가 결합한 유기적 성격을 강조합니다. 초상화 특성특별한 분위기가 가득한 풍경으로 개성을 더했고, 이것이 얼마나 초상화의 품격을 높여줬는지.

프라도(Prado)의 모나리자 초기 사본은 어둡고 중립적인 배경에 배치되었을 때 초상화 이미지가 얼마나 손실되는지를 보여줍니다.

2012년에 프라도(Prado)의 "모나리자(Mona Lisa)" 사본이 지워졌고 이후 녹음에는 풍경 배경이 있었습니다. 캔버스의 느낌이 즉시 바뀌었습니다.

Whipper는 풍경을 그림의 영성을 창조하는 두 번째 매체로 간주합니다. “두 번째 매체는 인물과 배경의 관계입니다. 바닷물을 통해 보이는 듯한 환상적인 바위 풍경, 모나리자의 초상화 속 그녀의 모습과는 또 다른 현실성을 지닌다. 모나리자에는 삶의 현실이 있고, 풍경에는 ​​꿈의 현실이 있습니다. 이러한 대조 덕분에 모나리자는 믿을 수 없을 정도로 가깝고 실감나게 느껴지며, 우리는 그 풍경을 그녀 자신의 꿈의 빛으로 인식합니다.”

르네상스 미술 연구원 Viktor Grashchenkov는 풍경 덕분에 Leonardo가 특정 사람의 초상화가 아니라 보편적인 이미지를 만들 수 있었다고 썼습니다. “이 신비한 그림에서 그는 알려지지 않은 피렌체 모나의 초상화 이미지 이상의 것을 만들었습니다. 프란체스코 델 지오콘도의 세 번째 부인 리사. 특정 인물의 외모와 정신 구조는 전례없는 종합으로 그에 의해 전달됩니다. 이 비인격적인 심리학은 풍경의 우주적 추상화에 해당하며 인간 존재의 흔적이 거의 전혀 없습니다. 연기가 자욱한 명암대비에서는 인물과 풍경의 모든 윤곽선과 모든 색조가 부드러워집니다. 눈에 거의 감지되지 않는 빛에서 그림자로의 미묘한 전환, 레너드의 "스푸마토"의 진동에서 개성과 그 심리적 상태. (…) <라 조콘다>는 초상화가 아니다. 이것은 인간과 자연의 생명 자체를 눈으로 볼 수 있는 상징으로, 하나의 전체로 통합되어 개별적인 구체적인 형태에서 추상적으로 표현됩니다. 그러나 가벼운 잔물결처럼 이 조화로운 세계의 움직이지 않는 표면을 가로질러 흐르는 거의 눈에 띄지 않는 움직임 뒤에는 육체적, 정신적 존재의 가능성의 모든 풍부함을 분별할 수 있습니다.”

"모나리자"는 전경에 황금빛 갈색과 붉은 톤, 배경에 에메랄드 그린 톤으로 디자인되었습니다. "유리처럼 투명한 페인트는 마치 사람의 손이 아닌 용액에서 완벽한 모양의 결정을 생성하는 물질의 내부 힘에 의해 만들어진 것처럼 합금을 형성합니다." 레오나르도의 많은 작품과 마찬가지로 이 작품도 시간이 지남에 따라 어두워지고 색상 관계가 다소 변경되었지만 지금도 카네이션과 의복 톤의 사려 깊은 병치와 청록색과의 일반적인 대조를 분명히 인식할 수 있습니다. 풍경의 "수중" 톤 .

초상화 장르의 발전에서 그림의 위치

"모나리자"는 다음 중 하나로 간주됩니다. 최고의 작품전성기 르네상스의 작품에 영향을 준 초상화 장르와 간접적으로 이를 통해 "항상 달성할 수 없지만 의무적인 예로서 La Gioconda로 돌아와야 하는" 장르의 전체 후속 발전에 영향을 미쳤습니다.

미술사학자들은 모나리자의 초상화가 르네상스 초상화 발전의 결정적인 단계였다고 지적합니다. Rothenberg는 다음과 같이 썼습니다. “Quattrocento 화가들이 숫자를 남겼음에도 불구하고 중요한 작품이 장르이지만 초상화에서의 성취는 말하자면 종교 및 신화 주제에 대한 구성의 주요 회화 장르의 성취에 비해 불균형했습니다. 초상화 장르의 불평등은 이미 초상화 이미지의 "아이콘" 자체에 반영되었습니다. 15세기의 실제 초상화 작품은 부인할 수 없는 생리적 유사성과 그들이 발산하는 내면의 힘으로 인해 외부 및 내부 제약으로 구별되었습니다. 그 모든 부 인간의 감정성경적 특징을 나타내는 경험과 신화적인 이미지 15세기 화가들은 대개 그들의 소유물이 아니었습니다. 초상화 작품. 이에 대한 반향은 레오나르도가 밀라노에 머무른 첫해에 만든 초기 초상화에서 볼 수 있습니다. (...) 이에 비해 모나리자의 초상화는 엄청난 질적 변화의 결과로 인식됩니다. 처음으로 인물 이미지의 중요성이 가장 중요해졌습니다. 밝은 이미지다른 화보 장르".

“Donna Nuda”(즉, “Naked Donna”). 무명 화가, XVI 말세기, 암자

그의 혁신적인 작품레오나르도는 고통 받았다 메인 센터초상화 얼굴의 무거움. 동시에 그는 자신의 손을 강력한 도구로 사용했습니다. 심리적 특성. 초상화를 세대별로 형식화함으로써 작가는 보다 폭넓은 예술적 기법을 선보일 수 있게 되었다. 그리고 초상화의 형상 구조에서 가장 중요한 것은 모든 세부 사항을 안내 아이디어에 종속시키는 것입니다. “머리와 손은 나머지 요소가 희생되는 그림의 중심입니다. 멋진 풍경은 바닷물을 통해 빛나는 것 같고, 너무 멀고 무형적인 것 같습니다. 그의 주요 목표- 시청자의 주의를 얼굴에서 산만하게 하지 마세요. 그리고 가장 작은 주름으로 이루어진 의복도 동일한 역할을 수행하도록 되어 있습니다. 레오나르도는 손과 얼굴의 표현력을 가릴 수 있는 무거운 휘장을 의도적으로 피했습니다. 따라서 그는 후자가 특별한 힘을 사용하여 수행하도록 강요하며, 조용하고 거의 눈에 띄지 않는 반주에 비유되는 풍경과 복장이 더 겸손하고 중립적입니다.”

Leonardo의 학생과 추종자들은 모나리자의 수많은 복제품을 만들었습니다. 그들 중 일부(미국 버논 컬렉션, 미국 볼티모어 월터 컬렉션, 한동안 스위스 아일워스 모나리자)는 소유자에 의해 진품으로 간주되며 루브르 박물관의 그림은 사본으로 간주됩니다. 또한 여러 버전으로 제시된 “누드 모나리자” 도상학(“아름다운 가브리엘”, “모나 반나”, 에르미타주 미술관 “도나 누다”)도 있는데, 이는 예술가 자신의 학생들이 만든 것으로 보입니다. 그들 중 다수는 주인이 직접 그린 누드 모나리자의 버전이 있다는 증명할 수 없는 버전을 만들어냈습니다.

그림의 평판

루브르 박물관 방탄유리 뒤의 '모나리자'와 인근에 붐비는 박물관 관람객들

모나리자는 동시대 예술가들에게 높은 평가를 받았음에도 불구하고 그 명성은 나중에 사라졌습니다. 그 사진은 그때까지 특별히 기억나지 않았다. 19일 중반상징주의 운동에 가까운 예술가들이 그녀를 칭찬하기 시작하면서 그녀를 여성 신비주의에 관한 그들의 생각과 연관시키기 시작했습니다. 비평가 월터 페이터(Walter Pater)는 1867년 다빈치에 대한 에세이에서 그림 속 인물을 "그녀가 앉아 있는 바위보다 나이가 많고" "여러 번 죽은" 영원한 여성의 일종의 신화적 구현으로 묘사하면서 자신의 의견을 표명했습니다. 그리고 사후 세계의 비밀을 배웠습니다." .

그림의 명성이 더욱 높아지는 것은 신비한 실종 20세기 초에 그녀는 신문 페이지를 떠나지 않은 덕분에 몇 년 후 박물관으로 행복하게 돌아왔습니다(아래 절도 섹션 참조).

그녀의 모험과 동시대인인 평론가인 Abram Efros는 다음과 같이 썼습니다. 델 지오콘도의 아내, 그러나 웃고 있거나 우울하거나 그의 뒤에 펼쳐진 차갑고 헐벗고 바위투성이인 공간을 지배하고 있는 반인반뱀의 이미지입니다.”

모나리자는 오늘날 서유럽 미술에서 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 그 엄청난 명성은 높은 예술적 가치뿐만 아니라 이 작품을 둘러싼 신비스러운 분위기와도 연관되어 있습니다.

모나리자가 거의 400년 동안 그녀의 이미지 앞에 모여든 팬들에게 얼마나 풀리지 않는 수수께끼를 묻고 있는지 모두가 알고 있습니다. 여성다움의 본질을 표현한 예술가는 이전에 단 한 번도 없었습니다. (피에르 콜레라는 가명 뒤에 숨은 세련된 작가의 대사를 인용하겠습니다.) “부드러움과 수간, 겸허함과 숨은 풍만함, 대단한 비밀스스로를 억제하는 마음, 이성적인 마음, 스스로에게 갇힌 성격, 다른 사람들이 그 광채만을 생각하도록 내버려두는 성격.” (유진 먼츠).

그 미스터리 중 하나는 작가가 이 작품에 대해 느꼈던 깊은 애정과 관련이 있다. 예를 들어 낭만적인 설명과 같은 다양한 설명이 제공되었습니다. Leonardo는 Mona Lisa와 사랑에 빠졌고 그녀와 더 오래 머물기 위해 의도적으로 작업을 연기했으며 신비한 미소로 그를 놀리고 그를 가장 창의적인 엑스터시로 데려갔습니다. 이 버전은 단순한 추측으로 간주됩니다. Dzhivelegov는 이 애착이 그녀에게서 그의 많은 적용 지점을 발견했기 때문이라고 믿습니다. 창의적인 퀘스트(기술 섹션 참조).

지오콘다의 미소

모나리자의 미소는 이 그림의 가장 유명한 미스터리 중 하나입니다. 이 약간 방황하는 미소는 주인 자신과 Leonardesques의 많은 작품에서 발견되지만 완벽에 도달한 것은 Mona Lisa에서였습니다.

Grashchenkov는 다음과 같이 썼습니다. “끝없이 다양한 인간의 감정과 욕망, 반대되는 열정과 생각이 매끄럽고 함께 융합되어 간신히 나타나고 사라지는 그녀의 미소의 불확실성과 함께 조화롭게 냉정한 Gioconda의 모습에 공명합니다. 먼 곳의 메아리가 하나의 소리로 합쳐진 것처럼 그녀 입가의 이 무의미하고 덧없는 움직임은 한 사람의 영적 삶의 다채로운 다성음악을 무한한 거리에서 우리에게 가져옵니다.”

미술평론가 로텐베르그는 “표현력 측면에서 모나리자에 필적하는 초상화는 세계 미술계에서 거의 없다”고 믿는다. 인간의 성격, 성격과 지성의 통일성으로 구현됩니다. 레오나르도의 초상화가 다른 초상화와 구별되는 것은 바로 그 특별한 지적 능력입니다. 인물 이미지콰트로센토. 그의 이러한 특징은 다음과 관련이 있기 때문에 더욱 심각하게 인식됩니다. 여자의 초상화, 모델의 성격은 이전에 완전히 다른, 주로 서정적이고 비유적인 음색으로 드러났습니다. '모나리자'에서 나오는 강인함은 내면의 평정과 개인적 자유의식, 즉 자신의 의미에 대한 의식을 바탕으로 한 사람의 영적 조화가 유기적으로 결합된 것이다. 그리고 그녀의 미소 자체는 우월감이나 경멸을 전혀 표현하지 않습니다. 이는 차분한 자신감과 완전한 자제력의 결과로 인식됩니다."

보리스 비퍼(Boris Vipper)는 위에서 언급한 눈썹이 부족하고 이마를 깎은 것이 아마도 그녀의 얼굴 표정에 있는 이상한 미스터리를 무의식적으로 강화한다고 지적합니다. 그는 또한 그림의 힘에 대해 다음과 같이 썼습니다. “만약 우리가 스스로에게 위대한 것이 무엇인지 묻는다면 인력진정으로 비교할 수없는 최면 효과 인 "모나리자"는 영성 측면에서 단 하나의 답만있을 수 있습니다. 가장 기발하고 가장 상반된 해석이 <라 조콘다>의 미소에 담겼다. 그들은 그 속에서 자부심과 부드러움, 관능미와 요염함, 잔인함과 겸손함을 읽고 싶었습니다. 실수는 첫째, 그들이 모나리자의 이미지에서 어떤 대가를 치르더라도 개인적이고 주관적인 영적 속성을 찾고 있다는 사실에 있었지만 Leonardo가 전형적인 영성을 위해 노력했다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 둘째, 이것은 아마도 훨씬 더 중요할 것입니다. 그들은 정서적 내용을 모나리자의 영성에 귀속시키려고 노력했지만 실제로는 지적 뿌리를 가지고 있습니다. 모나리자의 기적은 바로 그녀가 생각한다는 사실에 있습니다. 누렇고 금이 간 판자 앞에 서서 우리는 지성을 부여받은 존재, 우리가 대화할 수 있고 대답을 기대할 수 있는 존재의 존재를 거부할 수 없이 느낀다.”

라자레프는 마치 미술학자처럼 분석했다. “이 미소는 그다지 대단하지 않다. 개인의 특성모나리자는 심리적 활력을 주는 전형적인 공식입니다. 이 공식은 레오나르도의 젊은 이미지 전체에 붉은 실처럼 흐르고 있으며 나중에 그의 제자들과 추종자들의 손에 의해 전통적인 우표로 바뀌었습니다. Leonard의 인물 비율과 마찬가지로 얼굴의 개별 부분의 표현 가치를 엄격하게 고려하여 최고의 수학적 측정을 기반으로 제작되었습니다. 그럼에도 불구하고 이 미소는 매우 자연스럽고 이것이 바로 그 매력의 힘입니다. 그녀는 얼굴에서 단단하고 긴장되고 얼어붙은 모든 것을 없애고 모호하고 무기한의 거울로 바꿉니다. 정서적 경험, 그 이해하기 어려운 가벼움은 물을 통해 흐르는 잔물결과만 비교할 수 있습니다.”

그녀의 분석은 미술사가뿐만 아니라 심리학자들의 관심을 끌었습니다. 지그문트 프로이트는 다음과 같이 썼습니다. “레오나르도의 그림을 상상하는 사람은 누구나 그의 입술에 숨겨진 이상하고 매혹적이며 신비로운 미소를 떠올리게 됩니다. 여성 이미지. 길고 떨리는 입술에 얼어붙은 미소는 그의 특징이 되었고 흔히 '레오나르도'라고 불린다. 피렌체의 <모나리자 델 조콘다>의 유난히 아름다운 모습에서 그녀는 보는 사람을 가장 사로잡으며 혼란에 빠뜨린다. 이 미소에는 하나의 해석이 필요했지만 다양한 해석을 찾았지만 어느 것도 만족스럽지 않았습니다. (...) 모나리자 두 사람의 미소 속에 있는 것 같아요 다양한 요소, 많은 비평가들 사이에서 태어났습니다. 그러므로 그들은 아름다운 피렌체의 얼굴 표정에서 가장 많은 것을 보았습니다. 완벽한 이미지적대 통치 사랑의 삶여성, 구속과 유혹, 희생적인 부드러움과 무모하게 관능미를 요구하며 남성을 이질적인 것으로 흡수합니다. (...) 레오나르도는 모나리자로서 그녀의 미소의 이중 의미, 무한한 부드러움과 불길한 위협에 대한 약속을 재현했습니다.”

상트페테르부르크 에르미타주에 있는 16세기 사본

시청자는 특히이 미소의 악마적인 매력에 매료되었습니다. 수백 명의 시인과 작가들이 매혹적인 미소를 짓고 있거나 얼어붙은 듯 차갑고 영혼 없이 허공을 바라보고 있는 이 여성에 대해 글을 썼고, 아무도 그녀의 미소를 풀지 않았고, 아무도 그녀의 생각을 해석하지 않았습니다. 모든 것, 심지어 풍경조차도 꿈처럼 신비롭고, 폭풍 전 관능의 안개처럼 떨립니다(Muter).

현대 회화의 역사

1525년 그가 사망할 당시, 살라이라는 레오나르도의 조수(아마도 연인)는 "라 조콘다"(La Gioconda)라는 이름의 여성 초상화를 소유하고 있었습니다. 콰드로 데 우나 도나 아레타타) 선생님이 그에게 물려 주신 것입니다. 살라이는 밀라노에 사는 여동생들에게 그림을 남겼습니다. 이 경우 초상화가 어떻게 밀라노에서 프랑스로 돌아왔는지는 미스터리로 남아 있습니다. 대부분의 연구자들에 따르면 다른 초상화와의 비교를 바탕으로 원래 버전에 존재했던 기둥으로 그림의 가장자리를 누가 언제 정확히 다듬었는지도 알 수 없습니다. 레오나르도의 또 다른 크롭 작품인 "Ginevra Benci의 초상"은 물이나 불에 의해 손상되어 아래쪽 부분이 크롭된 것과는 달리, 이 경우그 이유는 구성적인 성격 때문일 가능성이 큽니다. Leonardo da Vinci가 직접 만든 버전이 있습니다.

루브르 박물관의 그림 근처 군중, 우리 시대

프란시스 1세 왕은 살라이의 상속자들로부터 이 그림을 구입하여(4,000에쿠스에) 루이 14세 시대까지 그의 퐁텐블로 성에 보관했다고 합니다. 후자는 그녀를 베르사유 궁전으로 데려갔고, 프랑스 혁명 이후 그녀는 루브르 박물관에 가게 되었습니다. 나폴레옹은 이 초상화를 뛸르리 궁전 침실에 걸었다가 다시 박물관으로 돌려보냈습니다.

제2차 세계대전 동안 안전상의 이유로 이 그림은 루브르 박물관에서 앙부아즈 성(레오나르도의 죽음과 매장지)으로 옮겨진 다음 록디외 수도원으로 옮겨졌고 마지막으로 몽토방의 앵그르 박물관으로 옮겨졌습니다. 승리 후 무사히 제자리로 돌아왔습니다.

공공 기물 파손

1956년에는 방문객이 염산을 뿌렸을 때 그림의 아래쪽 부분이 손상되었습니다. 같은 해 12월 30일, 젊은 볼리비아인 휴고 웅가자 비예가스(Hugo Ungaza Villegas)가 그녀에게 돌을 던져 팔꿈치의 페인트 층을 손상시켰습니다(손실은 나중에 기록되었습니다). 그 후 모나리자는 방탄 유리로 보호되어 더 이상의 심각한 공격으로부터 보호되었습니다. 그러나 1974년 4월에는 장애인에 대한 박물관의 정책에 불만을 품은 한 여성이 도쿄에 그림이 전시되어 있는 동안 캔에서 빨간색 페인트를 뿌리려고 했고, 2009년 4월 2일에는 러시아 여성이 이를 받지 못했다. 프랑스 시민권자는 유리잔에 점토컵을 던졌습니다. 이 두 경우 모두 그림에 해를 끼치 지 않았습니다.

예술에서

카지미르 말레비치. “모나리자와 작곡.”

• 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)는 1914년에 “모나리자를 이용한 작곡”을 만들었습니다.
• 1919년 다다이스트 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 이후 예술가들의 작품에 랜드마크가 되는 작품 “L.H.O.O.Q.”를 창작했습니다. , 그것은 복제품이었다. 유명한 그림그려진 콧수염으로.
• 페르낭 레제(Fernand Léger)는 1930년에 "열쇠가 있는 모나리자"를 그렸습니다.
• 1960년 르네 마그리트(Rene Magritte)는 모나리자는 없지만 창문이 있는 그림 '라 조콘다(La Gioconda)'를 그렸습니다.
• 앤디 워홀은 1963년과 1978년에 <네 개의 모나리자>와 <서른 명이 한 명보다 낫다>(1963), <모나리자(두 번)>() 등의 작품을 만들었다.
• 살바도르 달리는 1964년에 모나리자의 자화상을 그렸습니다.
• 구상미술의 대표 페르난도 보테로는 1959년에 『12세의 모나리자』를 썼고, 1963년에는 특유의 방식으로 모나리자의 이미지를 그렸다.