Le style c"est l"homme(„styl to człowiek”). Maksymę tę, zdaniem Buffona, można porównać do wyrażenia matematycznego łączącego dwie zmienne. Zmienną niezależną, argumentem, jest osoba, a styl, jako uporządkowany ciąg praktyk ekspresyjnych, jest funkcją. Jaki jest człowiek, taki jest jego styl. Pomimo uniwersalności tej definicji, należy wziąć pod uwagę kontekst historyczny momentu jej pojawienia się – epoki oświecenia, z jej koncepcją „człowieka naturalnego”. Ten ostatni, jak wiemy, jest bezpośrednim rozwinięciem idei XVII wieku, początków New Age i jego charakterystycznych stylów – klasycyzmu i baroku. Można powiedzieć, że te style, ich kombinacje zawierają projekt całego New Age, aż do chwili obecnej.
Sama koncepcja styl(od łac. rysik- kij) i pokrewna koncepcja bodziec(od łac. bodziec, dosł. - szpiczasty kij, który służył do poganiania zwierząt) etymologicznie wpisuje się doskonale w założenia klasycyzmu. Preferowanie linii prostej jest charakterystyczne dla kartezjańskiego racjonalizmu. Koło wraz z arystotelizmem utraciło swój status ontologiczny i ustąpiło miejsca temu, co nieskończone, pozbawione jakości, absolutnie policzalne. „Bóg” – twierdzi Kartezjusz – jest jedynym twórcą wszystkich ruchów istniejących na świecie, o ile w ogóle istnieją i o ile są prostoliniowe. Jednak różne położenia materii sprawiają, że te ruchy stają się nieregularne i krzywoliniowe. W ten sam sposób teolodzy uczą nas, że Bóg jest autorem wszystkich naszych działań, o ile one istnieją i ponieważ jest w nich coś dobrego, ale różne skłonności naszej woli mogą sprawić, że te działania będą błędne” ( Kartezjusz R. Działa: w 2 tomach. M.: Myśli, 1989. T.1. s. 205). Takiego stwierdzenia nie należy rozumieć jako próby nałożenia maski ortodoksyjnej teologii na zasadę inercji Galileusza. Nieprzypadkowo Kartezjusz porusza fundamentalne pytanie, jakim jest problem zła i wolnej woli, i czyni to całkowicie w zgodzie z poglądami św. Augustyn. Według A.-I. Marru „nic lepiej nie świadczy o pierwotnym miejscu, jakie Augustyn zajmował w świadomości francuskiej XVII wieku, niż rola, jaką odegrał w rozwoju kartezjanizmu” ( Marru A.-I.Święty Augustyn i augustianizm. Dolgoprudny: Westcom, 1999. s. 185). Zatem pomiędzy rygoryzmem „człowieka wewnętrznego” św. Augustyna, który mistycznie i intelektualnie jest skierowany ku Bogu najkrótszą drogą, podczas której nie można Go rozpraszać, oraz rygoryzm „człowieka wewnętrznego” Kartezjusza jest tu wspólny. Polega ona, po pierwsze, na nieustannej potrzebie pokonywania wątpliwości za pomocą rozumu, kierowanego przez Wszechmogącego. Teza Kartezjusza „Bóg nie jest zwodzicielem” gwarantuje prawdziwość Metody. Po drugie, cel można osiągnąć tylko w przybliżeniu. Dla św. Dla Augustyna było to zrozumienie Boga, dla Kartezjusza – osiągnięcie panowania nad naturą poprzez projekt. Daje to wiele możliwości i możliwości probabilizm Kartezjanizm ( Gajenko P. Historia nowożytnej filozofii europejskiej w jej powiązaniu z nauką. M.: University Book, 2000. s. 130). Nie ma wątpliwości, że jak najbardziej wyraźny przykład realizacji kartezjańskiego projektu panowania nad naturą służyć może układ parku wersalskiego autorstwa A. Lenotre’a ( Lichaczew D.S. Wybrane prace: W 3 tomach. M.: Artysta. lit., 1987. T.3. s. 488). Jest to zarówno stworzony przez człowieka Eden, jak i widzialne ucieleśnienie lakonicznej formuły absolutyzmu, która należała do Franciszka I: „Un roi, une foi, une loi”. Triada „jeden król, jedna wiara, jedno prawo” okazuje się zgodna z trójpromienną kompozycją parkową, a także z zasadą jedności czasu, miejsca i akcji z „Sztuki poetyckiej” N. Boileau z jej rygorystyczną hierarchia gatunków.
Długie współistnienie klasycyzmu i baroku trudno uznać za przypadek. Taka synchroniczność wskazuje na ich wzajemne powiązanie, co oczywiście nie niweluje istotnych różnic w cechach i genezie obu stylów. Barok był bezpośrednim spadkobiercą renesansu, ale spadkobiercą wyraźnie zawiedzionym. Tak na przykład pisze A.F. Losev o Montaigne: „Jego „Doświadczenia” są pozbawione jakiegokolwiek systemu,<…>obsypany starożytnymi cytatami, chociaż od starożytności bliscy mu byli początkowo tylko stoicy, a potem już tylko sceptycy” ( Losev A.F. Estetyka renesansowa. M.: Mysl, 1978. s. 597). Montaigne był poprzednikiem Kartezjusza, jednak warto w tym miejscu zwrócić uwagę na wzmiankę o stoicyzmie i sceptycyzmie jako bezpośrednio związanych ze stylem barokowym. Jeśli klasycyzm wywodził się z augustianizmu w postaci zsekularyzowanego dualizmu między naturą a człowiekiem, który powinien zostać usunięty przez monizm podporządkowania się pewnej jednolitej (ale nie jedynej możliwej) formie, to barok wywodził się z uniwersalności stoickiego Logosu , jedność w postaci organizmu nasyconego oddechem pneumy. W kontekście tego samego augustianizmu kładł nacisk na psychologiczną złożoność indywidualnej osobowości. W jego spojrzeniu na świat zamiast sztywnej, monofonicznej hierarchii uniwersalizmu tkwiącej w klasycyzmie, powstał polifoniczny uniwersalizm plastyczności, deklarujący możliwość wielokrotnych odmian tej samej formy lub tematu. Nieprzerwane granie fugi Bacha towarzyszy „człowiekowi faustowskiemu”. Historyczny barok jako zjawisko wyprzedzał klasycyzm, jednak z punktu widzenia przyszłych perspektyw zmiany stylów należy go uznać za spadkobiercę, a nie poprzednika klasycyzmu. Powszechnie wiadomo, że pojawienie się baroku wiąże się z ko-reformacją. Kanony i cele zakonu jezuitów znalazły swój wyraz w stylu barokowym. Wystarczy przypomnieć główną świątynię jezuicką Il Gesu w Rzymie (1568-1584), zbudowaną według projektu G. Vignoli. To może być pierwsze standard projekt w historii architektury, realizowany na obszarach od Paragwaju po Inflanty. Główna cecha baroku – jego zwodniczość i symulacyjność – dała mu możliwość przekształcenia w swoich fanów i wrogów „żołnierzy Jezusa” – protestantów, z wrodzonym kultem pracy. „Barok – jak zauważa J. Deleuze – wymyśla niekończącą się produkcję lub niekończący się proces pracy. Problem nie w tym, jak dokończyć fałdę, ale jak ją kontynuować, przejść z nią przez sufit, skierować ją w nieskończoność” ( Deleuze J. Fold, Leibniz i barok. M.: Logos, 1997. s. 63). Dlatego złożone formy i kontrapunkt, za którymi kryje się symetria liczb i funkcji, mogły gloryfikować cnoty purytanów (na przykład oratorium G. F. Handla „Juda Machabeusz”). Odwoływanie się do tematyki Starego Testamentu jest także charakterystyczne dla literatury barokowej. " Stracone niebo„J. Miltona i” Największy potwór pokój” P. Calderona. Temat katastrofy wynikającej ze zderzenia wolnej woli i prawa dominuje w gatunku tragicznym tamtej epoki. Jednocześnie rozumienie Prawa jest bardzo eklektyczne: może być starotestamentowe, gnostyckie i racjonalistyczne. W tym drugim przypadku ujawnia się zbieżność z klasycyzmem. Gnostyckie cechy baroku znalazły swój wyraz w zamiłowaniu do astrologii i alchemii, o czym świadczy nie tylko literatura tamtej epoki. Dlatego I. Kepler nigdy nie ukrywał swojego zaangażowania w astrologię, służyła mu nawet jako sposób na zarabianie na życie. I. Newton wolał milczeć na ten temat, a także na temat swojego antytrynitaryzmu. Jednak newtonowski program fizyki przesiąknięty jest nie tylko matematyką (w jej racjonalistycznym, kartezjańskim rozumieniu), ale także duchem alchemii, z którego jego twórca potrafił wydobyć wiele idei naukowych ( Dmitriew I.S. Nieznany Newton. Sylwetka na tle epoki. Petersburg: Aletheya, 1999). Jego słynna odpowiedź na absolutnie słuszne zarzuty kartezjanów dotyczące odrodzenia zasady magicznej – „nie wymyślam hipotez” – jest niczym innym jak truizmem.
Charakterystyczne dla baroku pragnienie kontrastu i zewnętrznej prawdopodobieństwa poprzez zastosowanie różnorodnych technologii wynika z jego najgłębszego pesymizmu. „Nieważne, jak piękna jest komedia w pozostałych częściach” – napisał Pascal – „ostatni akt jest zawsze krwawy. Rzucą ci ziemię na głowę i będzie to koniec na zawsze!” ( Pascal B. Myśli. M.: Książka REFL, 1994. s. 256). Stąd zamiłowanie do martwej natury i przesadne umiłowanie życia w aktach Rubensa. Ironia i pokusa sztuczności próbują w łobuzerski sposób wyczarować śmierć i przejąć od niej władzę nad światem. W tym sensie nasza nowoczesność, ze swoim zamiłowaniem do kontrastu i syntetyki (nawet klonowania), kontynuuje nurt baroku. „Można myśleć o sztukaterii” – zauważa J. Baudrillard – „jako o triumfalnym rozwoju nauki i technologii, ale jest ona także, a nawet przede wszystkim kojarzona z barokiem<…>Wszelka technologia i technokracja są już tu osadzone – domniemanie idealnego fałszerstwa świata, które znajduje wyraz w wynalezieniu substancji uniwersalnej i uniwersalnej kombinatoryce substancji” ( Baudrillarda J. Symboliczna wymiana i śmierć. M.: Dobrosvet, 2000. s. 116).
Połączenie sztywnych zasad klasycyzmu i elastycznego baroku widać we wszystkich kolejnych stylach. O dominacji jednych nad innymi decydują wyłącznie względy taktyczne, które powinny zapewnić jak największą skuteczność. „Czy wiesz” – mówi Vautrin z Balzaca, „Napoleon ciężkiej pracy”, zwracając się do młodego Rastignaca – „jak oni tu trafiają? Tę ludzką masę należy uderzyć kulą armatnią lub przeniknąć jak zaraza. Do pierwszego można porównać klasycyzm, do drugiego barok. Obaj byli narzędziami New Age do formowania Nowego Człowieka. Tym samym we współczesności widać dominację klasycyzmu z jego projektami futurystów i Le Corbusiera, jego patosem powagi. Ponowoczesność preferuje techniki barokowe. Przechodzi na język kodów binarnych i deterministycznego chaosu. Wykazuje troskę o środowisko i pokrywa świat siecią sieci informacyjnych, symulując „nieznośną lekkość bytu”.
Jeśli mówimy o sztuka XVII wieku, wówczas będziemy świadkami powstawania dwóch głównych stylów paneuropejskich: klasycyzmu i baroku. Pierwsza była estetycznym wyrazem idei absolutyzmu i osiągnęła swój główny rozwój we Francji. Jego celem artystycznym jest przekształcanie rzeczywistości przez pryzmat klasycystycznego ideału estetycznego, zbudowanego na racjonalnych podstawach. (14)
Klasycyzm - styl artystyczny, dominująca w Europie przez prawie dwa stulecia, była przejawem sztuki normatywnej, której idealne przykłady odnaleziono w starożytności. Klasycyści przekazali normy czysto mechanicznie starożytna kultura w nowych czasach. Działając w kategoriach harmonii i piękna, nie szukał ich w życiu, lecz jedynie w dziedzictwie przeszłości. Z historycznego punktu widzenia klasycyzm był bezwarunkowym krokiem wstecz rozwój kulturowy społeczeństwo, a jego ideologiczny nacisk miał na celu uzasadnienie i podniesienie hierarchicznej struktury społeczeństwa, zwieńczonej przez oświeconego monarchę. Teoretyczne zasady klasycystów uderzały swoim dogmatyzmem i bezkompromisowością, w istocie ograniczały artystę pod każdym względem, dzieląc gatunki na wysokie i niskie, styl na wzniosły i pospolity, ubierając bohaterów czasów nowożytnych w starożytną togę i przewracając się. spojrzenie artysty oderwane od rzeczywistości, od autentycznych konfliktów czasu. (4)
Każdy gatunek ma ścisłe granice i jasne cechy formalne; Niedozwolona jest żadna mieszanka wzniosłości i podłości, tragizmu i komizmu, bohaterstwa i zwyczajności. W sztukach plastycznych przesłanki klasycyzmu powstały już w drugiej połowie XVI wieku. we Włoszech w teorii i praktyce architektonicznej Palladia, traktaty teoretyczne Vignoli, S. Serlio; Konsekwentniej wyrażają się one w pismach J.P. Bellori (XVII w.), a także w standardach estetycznych opracowanych przez akademików szkoły bolońskiej.
Jednak przez cały XVII w. klasycyzm, rozwijający się w interakcji i polemice z barokiem, dopiero w Sztuka francuska przekształca się w integralny system stylów, a w XVIII wieku staje się stylem paneuropejskim - początek XIX wieki Architekturę klasycyzmu jako całości charakteryzuje geometryczność zdecydowanie statycznych form i logiczny układ; ciągłe odwoływanie się do form architektury antycznej miało na celu nie tylko podążanie za jej indywidualnymi motywami i elementami, ale także zrozumienie jej ogólnych wzorców tektonicznych. (1)
Podstawowymi zasadami klasycyzmu są: charakter doniosły społecznie, monumentalność, naśladownictwo antycznego ideału, moralizowanie, normatywność (przejawiająca się w systemie trzech jedności i hierarchii gatunków). Archetyp klasycyzmu można nazwać „kryształem”. Postacie klasycyzmu: poeta Nicolas Boileau, dramatopisarze Pierre Corneille, Jean Racine, komik Jean-Baptiste Moliere, artysta Nicolas Poussin. Barok stanowi antytezę sztuki klasycystycznej. Charakteryzuje się ruchem dużych mas materii, pasją, impulsem i patosem. Archetyp baroku można nazwać „kiełkującym ziarnem”. Wśród przedstawicieli wyróżniamy rzeźbiarza Lorenzo Berniniego i artystę Petera Paula Rubensa. (14)
W przeciwieństwie do klasycyzmu estetyka barokowa głosiła jakościowo odmienne zasady światopoglądu.
Po pierwsze, w baroku najpełniej ucieleśniała się tendencja oparta na świadomości umowności wszelkiego porządku i harmonii; Pod wpływem odkryć naukowych, które poszerzały horyzonty wiedzy, stawiały złożone, nierozwiązywalne pytania i wskazywały na bezgraniczność istnienia, człowiek zaczyna odczuwać oczywistą niewystarczalność racjonalistycznego myślenia.
Po drugie, w estetyce baroku uległa przemianie tendencja do wzmacniania przetworzonej energii i dystansowania społeczeństwa od świata przyrody. To nie przypadek, że Bernini powiedział, że przyroda jest słaba i nieistotna, ale aby osiągnąć piękno, trzeba ją przekształcić. Sztuka jest wyższa od natury, tak jak duch jest wyższy od materii, jak mistyczny wgląd jest wyższy niż proza życia. Używając nowa estetyka człowiek próbował wyjść poza to widzialny świat, poza sferą możliwości. Neapolitański poeta D. Marino jasno wyraził najważniejszą zasadę baroku: celem poety jest cud i zdumienie. Musi zaskoczyć. Dlatego nowy typświatopogląd afirmował ekspresję, impuls, dramatyczne pęknięcie życia, dwuznaczność. Dominowała energia mocne uczuciaświat jest niepewny, zmienny, nielogiczny. Barok ucieleśniał idee o bezgraniczności Wszechświata, ostrą ambiwalencję ludzkiej egzystencji. Osobowość z punktu widzenia nowej logiki artystycznej uznawana była za wieloaspektową, sprzeczną wewnętrzny świat, o intensywnym życiu emocjonalnym. Estetykę zbudowano na zderzeniu człowieka z naturą, ideału z rzeczywistością, rozumu z potęgą sił irracjonalnych. Ignorowana jest klasyczna klarowność form, przejrzystość, oczywistość semantyczna, struktura, tektoniczność w obrazie świata.
W estetyce baroku wzrasta zainteresowanie nie tylko doskonałymi przejawami istnienia, zadziwiającymi wyobraźnię, ale także tym, co dysharmonijne, fantastyczne, groteskowe, a nawet brzydkie. Rośnie znaczenie elementów rozrywki i spektakularnego oddziaływania.
Po trzecie, interesy monarchii i najwyższej arystokracji realizowały się w estetyce barokowej. Wraz z zniszczeniem absolutnego zaufania do Boga monarcha zaczyna przejmować funkcję absolutu. Wola króla jest najwyższym prawem dla każdego. Dlatego obiektywny świat, otaczająca monarchę, powinna budzić zachwyt. Stąd iskrzący się złoty przepych, przepych, przepych, nadmierny luksus, imponencja, która zadziwia wyobraźnię zwykłych śmiertelników. Ta lśniąca wielkość i bogactwo stają się synonimem piękna. Pałac nie był już fortecą, jak w średniowieczu, ale rajem tonącym w luksusie ziemskie przyjemności który miał galerie, ogromne, przestronne lustrzane sale, gdzie stoły, krzesła i przybory do jedzenia były zrobione ze złota. W wakacje Tysiące świec błyszczało olśniewająco w złoconych salach, odzwierciedlając przepych bogatych strojów wysadzanych drogimi kamieniami. Uroczyste wnętrza ozdobiono wielobarwną rzeźbą, modelarstwem i rzeźbieniem. Malowanie abażurów stworzyło iluzję otwartych sklepień. Ogrody barokowe, chcąc powiększyć przestrzeń pałaców, ucieleśniały patos obfitości w postaci różnorodnych aromatycznych roślin, drzew i ogromnych fontann. Tutaj wyraźnie pojawia się chęć oderwania się od powagi. Jeśli w renesansowych fontannach szmer wody miał nastrajać do refleksji, to w ogrodach barokowych fontanny, kaskady i wodospady projektowano tak, aby zadziwiały, zadziwiały i urzekały spektakularnymi efektami. Pojawiają się w nich nawet urządzenia muzyczne.
W stylu barokowym kształtowała się także architektura miejska: zespoły budowlane, ulice, place i parki zaczęto postrzegać jako ograniczoną całość estetyczną funkcjonującą w przestrzeni, rozwijającą się przed widzem na różne sposoby. Chęć przepychu i pokazu doprowadziła do tego, że bramy miejskie stały się zabytkowe łuki triumfalne na rynkach pojawiły się pomniki znanych osobistości bohaterowie mitologiczni. Nawet cukiernicy robili ciasta z wizerunkiem postacie mitologiczne. Wszystkie najbardziej ozdobne, dziwaczne uczucia próbowali przekazać za pomocą form zewnętrznych.
Po czwarte, artystyczna logika baroku ucieleśniała zainteresowania kościół katolicki. Ideolodzy katolicyzmu musieli walczyć nie tylko z religiami niechrześcijańskimi, ateizmem, ale także z prawosławiem, protestantyzmem, który domagał się demokratyzacji stosunków religijnych, poniżania hierarchii kościelnej, sprzeciwiał się kultowi pobożności zewnętrznej, broniąc samowystarczalności religijności wewnętrznej. Nasilając walkę o utrzymanie swoich wpływów, Kościół katolicki oparł się na tak sprawdzonym środku, jak sztuka. Budowle sakralne w stylu barokowym, oddziałujące na wyobraźnię, wychwalające moc Boga i Jego przedstawicieli na ziemi, wywierały najlepszy możliwy wpływ na wewnętrzny świat człowieka. W rezultacie w etyce barokowej utrwaliły się takie przejawy niezbędne do oswojenia się z egzystencją transcendentalną, jak mistycyzm, egzaltacja, irracjonalizm, reprezentatywność, monumentalność, wszechstronność, pragnienie dematerializacji, dramatyczna intensywność uczuć, a często także tragedia. Msza coraz bardziej przeradzała się w emocjonujące widowisko teatralne. Charakterystyczne jest, że w tej epoce wiele kościołów romańskich zostało zamienionych na barokowe, gdyż wydawały się one niewystarczająco wyraziste.
Podstawową zasadę klasyki - proporcjonalność do ludzkiego ciała, powściągliwość - zastąpiono dokładnym przeciwieństwem - niespójnością, wielkością, fantastycznością, ekspresją. (12, s. 165-169)
Budynek klasycystyczny: Nationalrat, Rada Narodowa – izba niższa austriackiego parlamentu. Żyła. 1874 -1884 Budynek został zaprojektowany przez architekta Theophila Hansena. Konstrukcja miała przypominać starożytna Grecja- „kolebka demokracji”.
Często zwyczajowo porównuje się style w architekturze, które są ściśle powiązane z architekturą krajów europejskich: imperium, barok, rokoko, klasycyzm.
Każdy z tych stylów powstał u schyłku określonej epoki, poprzedziły je pewne wydarzenia kluczowe dla rozwoju cywilizacji. Style różniły się podejściem do projektowania budynków, bazując na konkretnych filozofiach charakterystycznych dla danego okresu historycznego.
Imperium i barok
Empire i barok wydają się być stylami zupełnie odmiennymi, jednak łączy je jedno – podkreślana teatralność i dekoracyjność. Barok powstał w XVI wieku pod wpływem ruchu reformistycznego, osłabienia wpływów Kościoła katolickiego i wzmocnienia władzy świeckiej.
Barok odzwierciedla pragnienie bogactwa i luksusu oraz ich zewnętrzny wyraz. Kolebką stylu były Włochy, gdzie barok pojawił się w wyniku rozwoju renesansu. Z Włoch styl rozprzestrzenił się na całą Europę, gdzie panował aż do XVIII wieku. W niektórych krajach z różnych powodów barok rozwijał się powoli: np. w Niemczech i Austrii, w związku z wojną trzydziestoletnią, nie prowadzono praktycznie żadnej większej budowy, a styl ten zaczął pojawiać się w architekturze dopiero w latach druga połowa XVII wieku.
Uniwersytet Akademia Rosyjska Edukacja
Cechy baroku i klasycyzmu.
Główne style w sztuce XVII wieku.
Ukończył: student II roku
Dział na pełen etat
Specjalne studia kulturowe
Jakubowa K.N.
Nauczyciel: Mareeva N.S.
Moskwa 2010
Wprowadzenie……………………………………………………………………………...…3
1. Charakterystyka kultury XVII wieku………………………………………………………...4
2. Barokowy ruch artystyczny XVII wiek………………………..5
2.1. Przesłanki i cechy baroku……………………………………….…..5
2.2. Barok w architekturze……………………………………………………………....6
2.3. Barok w literaturze………………………………………......8
2.4. Barok w malarstwie i rzeźbie………………………………………..9
3. Klasycyzm jako ruch artystyczny XVII wieku……………...……..10
3.1. Przesłanki i cechy klasycyzmu………………………………….….10
3.2. Klasycyzm w literaturze…………………………………………………..….....11
3.3. Klasycyzm w architekturze i malarstwie……………………………12
3.4. Klasycyzm w rzeźbie…………………………………………….….13
Zakończenie………………………………………………………………………………….14
Referencje……………………………………………………………....15
Wstęp
Temat mojego testu brzmi: „Klasycyzm i barok w Europie kultura XVII w: Pomysły i wdrożenia”. Temat ten został wybrany z kilku powodów:
Po pierwsze, barok i klasycyzm to dwa najbardziej rozpowszechnione i wpływowe ruchy artystyczne omawianej epoki.
Po drugie, obszary te mają złożony i dwoisty charakter, co czyni to zagadnienie jednym z najbardziej palących w wiedzy kulturowej.
Po trzecie, barok i klasycyzm stanowią wybitny wkład w światową skarbnicę sztuki, co budzi jeszcze większe zainteresowanie ich wiedzą.
Celem mojej pracy jest badanie takich nurtów w sztuce XVII wieku jak klasycyzm i barok.
Aby osiągnąć ten cel muszę rozwiązać szereg problemów:
· Rozważ ogólne wzorce rozwoju kultury europejskiej XVII wieku;
· Poznaj cechy baroku i klasycyzmu jako głównych ruchów artystycznych tego okresu.
1. Charakterystyka kultury XVII wieku
Wiek XVII to wiek Kartezjusza i Port-Royala, Pascala i Spinozy, Rembrandta i Miltona, wiek odważnych żeglarzy, migracji do krajów zamorskich, śmiałego handlu, rozkwitu nauk przyrodniczych, literatury moralizującej - i... peruki, osiągającej swój największy rozgłos w latach 60-tych, perukę noszoną przez wszystkich – od króla, przez admirała po kupca.
To nie przypadek, że wiek XVII otwiera okres Nowego Czasu: był to naprawdę wiek nowego człowieka, nowej nauki, nowej sztuki.
W Europie New Age objawia się w kształtowaniu i umacnianiu tendencji kapitalistycznych, a w Anglii kapitalizm najwyraźniej ugruntował się w rzeczywistości. Ten sam czas to okres pierwszej rewolucji burżuazyjnej, która odsłoniła tragedię i nieludzkość gwałtownych zmian w społeczeństwie oraz okrucieństwo jego organizatorów.
Pojawiło się i umocniło racjonalistyczne podejście do rzeczywistości; główną rolę w świecie zaczyna odgrywać rozum. Wyraziło się to przede wszystkim w tworzeniu nowej nauki, zarówno eksperymentalnej, jak i teoretycznej. Osiągnięcia naukowe Wiek XVII stworzył warunki do dalszego rozwoju nauk podstawowych aż po dzień dzisiejszy i stworzył podwaliny nowego pogląd filozoficzny Do świata.
XVII wiek – okres początkowy w rozwoju burżuazyjnego sposobu produkcji. To niezwykle trudna i pełna sprzeczności epoka w życiu państw europejskich. Era wczesnych rewolucji burżuazyjnych i powstania monarchii absolutystycznych; czas rewolucji naukowej i końcowy etap kontrreformacji; era wspaniałego, wyrazistego baroku i suchego, racjonalnego klasycyzmu.
2. Barok jako ruch artystyczny XVII wieku
2.1. Tło i cechy baroku
Barok (włoski: Barosso – dziwny, kapryśny) – jeden z głównych kierunki stylu w sztuce europejskiej końca XVI – połowy XVIII wieku. Pochodzi z Włoch i rozprzestrzenił się na większość krajów europejskich. Ucieleśniając nowe wyobrażenia o wiecznej zmienności świata, barok skłania się w stronę spektakularnych spektakli, mocnych kontrastów, łączenia iluzorycznego z realnym, fuzji sztuk (zespoły miejskie, pałacowo-parkowe, opera, muzyka religijna, oratorium); jednocześnie – tendencja do autonomii poszczególnych gatunków (concerto Grosso, Sonata, Suita w muzyce instrumentalnej).
Styl barokowy rozpowszechnił się przede wszystkim w krajach katolickich dotkniętych procesami kontrreformacji. Kościół protestancki, który wyłonił się w okresie reformacji, był bardzo mało wymagający, jeśli chodzi o zewnętrzną stronę rozrywkową kultu. Rozrywkę zamieniono w główną atrakcję katolicyzmu; poświęcono jej samą pobożność. Styl barokowy, ze swoim wdziękiem, czasem przesadną ekspresją, patosem, dbałością o zasadę zmysłową, cielesną, która pojawia się bardzo wyraźnie nawet przy przedstawianiu cudów, wizji i ekstaz religijnych, doskonale wpisywał się w cele powrotu owczarni na łono Boga. Kościół katolicki.
Ale istota baroku jest szersza niż upodobania Kościoła katolickiego i arystokracji feudalnej, która starała się wykorzystać charakterystyczne dla baroku skutki monumentalności i olśnienia dla gloryfikacji potęgi, przepychu i splendoru państwa i państwa. siedliska osób bliskich tronu.
Styl barokowy ze szczególną ostrością wyraża kryzys humanizmu, poczucie dysharmonii życiowej, bezcelowe dążenie do nieznanego. W istocie ukazuje świat w stanie stawania się, a świat stawania się był wówczas światem burżuazji. A w tym odkrywanym świecie burżua szuka stabilności i porządku. Dla niego luksus i bogactwo są synonimem stabilności jego miejsca w świecie. Okazuje się, że styl barokowy łączy w sobie to, co nie do pogodzenia: monumentalność z dynamizmem, teatralny blask z solidnością, mistycyzm, fantazją, irracjonalność z trzeźwością i racjonalnością, iście mieszczańską sprawność.
Centrum rozwoju sztuki barokowej przełomu XVI i XVII wieku. był Rzym. Głównymi typami i gatunkami sztuki barokowej stały się zespoły parkowo-pałacowe, architektura sakralna, malarstwo i rzeźba dekoracyjna, portrety ceremonialne, a później martwe natury i pejzaże.
2.2. Barok w architekturze
Architekturę barokową (L. Bernini, F. Borromini we Włoszech, B.F. Rastrelli w Rosji) charakteryzuje rozpiętość przestrzenna, jedność i płynność skomplikowanych, zwykle krzywoliniowych form. Często znajdują się tam wielkoformatowe kolumnady, mnóstwo rzeźb na fasadach i we wnętrzach, woluty, duża liczba zastrzały, elewacje łukowe ze usztywnieniem pośrodku, boniowane kolumny i pilastry. Kopuły przybierają złożone kształty, często wielopoziomowe, jak kopuły katedry św. Piotra w Rzymie. Charakterystyczne detale barokowe - telamon (Atlas), kariatyda, maszkaron.
W architekturze włoskiej najwybitniejszym przedstawicielem sztuki barokowej był Carlo Maderna (1556-1629), który zerwał z manieryzmem i stworzył własny styl. Jego głównym dziełem jest fasada rzymskiego kościoła Santa Susanna (1603). Główną postacią w rozwoju rzeźby barokowej był Lorenzo Bernini, którego pierwsze arcydzieła wykonane w nowym stylu datowane są na około 1620 rok. Bernini jest także architektem. Jest odpowiedzialny za projekt placu Bazyliki św. Piotra w Rzymie oraz wnętrz, a także innych obiektów. Znaczący wkład wnieśli D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Sycylii po wielkim trzęsieniu ziemi w 1693 r nowy styl Późnobarokowo-sycylijski barok.
Za kwintesencję baroku, imponujące połączenie malarstwa, rzeźby i architektury, uważa się Kaplicę Coranaro w kościele Santa Maria della Vittoria (1645-1652).
Styl barokowy rozpowszechnił się w Hiszpanii, Niemczech, Belgii (wówczas Flandrii), Holandii, Rosji i Francji. Barok hiszpański, czyli lokalnie Churrigueresco (na cześć architekta Churriguery), który rozprzestrzenił się także na Ameryka Łacińska. Jego najpopularniejszym zabytkiem jest katedra w Santiago de Compostela, która jest jednocześnie jednym z najbardziej czczonych kościołów w Hiszpanii. W Ameryce Łacińskiej barok zmieszał się z lokalnymi tradycjami architektonicznymi, jest to jego najbardziej wyszukana wersja i nazywa się ultrabarokiem.
We Francji styl barokowy wyraża się skromniej niż w innych krajach. Wcześniej uważano, że styl ten w ogóle się tu nie rozwinął, a zabytki barokowe uznawano za pomniki klasycyzmu. Terminu „barokowy klasycyzm” używa się czasami w odniesieniu do francuskiej i angielskiej wersji baroku. Obecnie Pałac Wersalski wraz ze zwykłym parkiem, Pałac Luksemburski, budynek Akademii Francuskiej w Paryżu i inne dzieła uważane są za francuski barok. Mają pewne cechy klasycystyczne. Cechą charakterystyczną stylu barokowego jest regularność stylu w ogrodnictwie krajobrazowym, czego przykładem jest Park Wersalski.
2.3. Barok w literaturze
Postrzegani pisarze i poeci epoki baroku prawdziwy świat jak iluzja i sen. Realistyczne opisy często w połączeniu z ich alegorycznym przedstawieniem. Powszechnie stosowane są symbole, metafory, techniki teatralne, obrazy graficzne (linie poezji tworzą obraz), bogactwo figur retorycznych, antytezy, paralelizmy, gradacje i oksymorony. Panuje burleskowo-satyryczny stosunek do rzeczywistości.
Literaturę barokową cechuje dążenie do różnorodności, sumowanie wiedzy o świecie, inkluzywność, encyklopedystyka, która czasem przeradza się w chaos i kolekcjonowanie ciekawostek, chęć studiowania istnienia w jego kontrastach (duch i ciało, ciemność i światło, czas i wieczność). Etykę barokową cechuje pragnienie symboliki nocy, tematu kruchości i nietrwałości, życia jako snu (F. de Quevedo, P. Calderon). Znana jest sztuka Calderona „Życie jest snem”. Takie gatunki jak powieść waleczno-bohaterska (J. de Scudéry, M. de Scudery), powieść życiowa i powieść satyryczna(Furetière, C. Sorel, P. Scarron). W ramach stylu barokowego rodzą się jego odmiany i kierunki: marinizm, gongoryzm (kulteranizm), konceptyzm (Włochy, Hiszpania), szkoła metafizyczna i eufhuizm (Anglia).
Akcja powieści często przenoszona jest do fikcyjnego świata starożytności, do Grecji dworscy panowie i damy przedstawiani są jako pasterki i pasterki, co nazywa się pastoralnymi (Honoré d’Urfe, „Astraea”). W poezji kwitnie pretensjonalność i stosowanie skomplikowanych metafor. Typowe formy to sonet, rondo, concetti (krótki wiersz wyrażający dowcipną myśl) i madrygały.
Na Zachodzie w dziedzinie powieści wybitnym przedstawicielem jest G. Grimmelshausen (powieść „Simplicissimus”), w dziedzinie dramatu P. Calderon (Hiszpania). W poezji zasłynęli V. Voiture (Francja), D. Marino (Włochy) i Don Luis de Gongora y Argote (Hiszpania). W Rosji do literatury barokowej zaliczają się S. Połocki, F. Prokopowicz i wczesny M. Łomonosow. We Francji w tym okresie rozkwitła „cenna literatura”. Uprawiana była wówczas głównie w salonie Madame de Rambouillet, jednym z najmodniejszych i najsłynniejszych salonów arystokratycznych Paryża.
2.4. Barok w malarstwie i rzeźbie
(P.P. Rubens „Przykuty Prometeusz”) (L. Bernini „Eneasz i Anchises”)
Tak więc barok jest jednym z głównych trendów stylistycznych w sztuce europejskiej XVII wieku. Dla niego luksus i bogactwo są synonimem stabilności jego miejsca w świecie. Styl barokowy ze swoimi arcydziełami stanowi wybitny wkład w światową skarbnicę sztuki.
3. Klasycyzm jako ruch artystyczny XVII wieku
3.1. Przesłanki i cechy klasycyzmu
Klasycyzm (od łac. Classicus - wzorowy) - kierunek twórczy, który powstał artystyczny światopogląd, która rozwinęła się w epoce powstawania i umacniania się monarchii europejskich i opierała się na normach i wzorach starożytna sztuka. Klasycyzm odnosi się także do okresów i nurtów w historii europejskiej kultury artystycznej, gdy standardy estetyczne stanowią formy sztuki starożytnej.
Państwa absolutystyczne nie mogły nie być pod wrażeniem idei majestatycznego porządku, ścisłego podporządkowania i imponującej jedności. Państwo, udając, że jest „rozsądne”, starało się być postrzegane jako zasada równoważąca, jednocząca i heroicznie wzniosła. W przeciwieństwie do baroku, klasycyzm wyrażał pragnienie rozsądnego, harmonijnego porządku życia, a dążenia te tkwiły nie tylko w monarchach, ale także w powszechnej świadomości, z jej ideałami pokoju, spokoju i jedności kraju . Ponadto atrakcyjną stroną klasycyzmu był jego moralny patos i orientacja obywatelska.
Estetyka klasycyzmu zorientowana jest na naśladownictwo wzorców klasycznych: wyznacznikiem dla niej jest arystotelesowska teza o naśladowaniu sztuki przez naturę; podziela ważną zasadę teatru starożytnego o trzech jednościach – miejscu, czasie i akcji. Ale w rzeczywistości opiera się na racjonalistycznej filozofii R. Kartezjusza. Klasycyzm rozpowszechnił się w absolutystycznej Francji, a także w wielu innych krajach (Włochy, Niemcy, Anglia).
Klasycyzm XVII wieku. był ściśle związany z kulturą szlachecką francuskiego państwa absolutystycznego. W tym okresie ukształtowała się estetyka normatywna, która wymagała od sztuki przestrzegania pewnych praw i zasad. Obrazy artystyczne klasycyzm wyróżniał się logiką i harmonijną ekspresją; były inteligentnie zorganizowane, logicznie skonstruowane i z reguły pozbawione indywidualne cechy. Ustanowienie surowe zasady kreatywność jest jedną z charakterystycznych cech estetyki klasycyzmu. Klasycyści rozumieli dzieło sztuki nie jako organizm występujący w przyrodzie, ale jako dzieło sztuczne, stworzone, stworzone rękami ludzkimi według planu, z określonym zadaniem i przeznaczeniem.
Najbardziej całościowy program kulturalny i estetyczny ukształtował francuski klasycyzm. Jego podstawą ideologiczną był racjonalizm Rene Descartes (1596-1650).
3.2. Klasycyzm w literaturze
Założycielem poetyki klasycyzmu jest Francuz Francois Malherbe (1555-1628), który przeprowadził reformę Francuski i wierszem oraz rozwinięte kanony poetyckie. Czołowymi przedstawicielami klasycyzmu w dramacie byli tragicy Corneille i Racine (1639-1699), których głównym tematem twórczości był konflikt pomiędzy obowiązkiem publicznym a namiętnościami osobistymi. Pierre Corneille napisał komedie poetyckie „Melita, czyli fałszywe listy” (1629, wyd. 1633), „Wdowa, czyli ukarany zdrajca” (1631–1632) itp., Tragikomedia wierszem „Cyd” (1637), tragedia „Horacy” (1641), „Cinna, czyli miłosierdzie Augusta” (1643) itp. Tragedia Jeana Racine’a „Andromacha” wyraża bohaterstwo sprzeciwu wobec despotycznej tyranii. Tragedia „Fedry” jest inna wysoki poziom psychologizm w opisie osobowości bohaterki.
Wysoki rozwój osiągnęli także „niscy”. gatunki - bajka(J. Lafontaine), satyra (Boileau), komedia (Molière 1622-1673). Francuski pisarz Jean de La Fontaine jest znany jako autor baśni, komedii i baśni, które w satyryczny sposób przedstawiają życie w absolutystycznej Francji.
Francuski dramaturg Jean-Baptiste Moliere rozwinął ten gatunek w swoich sztukach komedia ludowa, wyśmiewając bezczynność i uprzedzenia szlachty. Jego bohaterowie mówią zwyczajnym językiem. W komedii „Mieszczanin w szlachcie” w satyrycznej formie ukazano przedstawiciela trzeciego stanu, który chciał być jak szlachcic. Moliere wyśmiewał szlachetne lenistwo, egoizm („Don Juan”), karczowanie pieniędzy („Skąpiec”) i hipokryzję Kościoła („Tartuffe”). Postacie negatywne kontrastują z innymi bohaterami Moliera – zaradnymi, dowcipni ludzie od ludzi. Jego produkcja Don Juana została potępiona kręgi oficjalne dla ateizmu i wolnomyślicielstwa.
Boileau zasłynął w całej Europie jako „ustawodawca Parnasu”, największy teoretyk klasycyzmu, który swoje poglądy wyraził w traktacie poetyckim „ Sztuka poetycka" Pod jego wpływem w Wielkiej Brytanii byli poeci John Dryden i Alexander Pope, którzy stworzyli główną formę Poezja angielska aleksandryny. Dla Proza angielska Epokę klasycyzmu (Addison, Swift) charakteryzuje także zlatynizowana składnia.
3.3. Klasycyzm w architekturze i malarstwie.
(zespół architektoniczny w okolicach miasta Poczdam) (Leighton Frederick „Girl”)
3.4. Klasycyzm w rzeźbie
(J.A. Houdon „Rzeźba Woltera”)
Wniosek.
Pod koniec mojej pracy mogę wyciągnąć ważne wnioski.
Wiek XVII to niezwykle złożona i pełna sprzeczności epoka w życiu państw europejskich. To właśnie w tym okresie - okresie wczesnych rewolucji burżuazyjnych, rozkwitu monarchii absolutystycznych, rewolucji naukowej, powstały takie style w sztuce, jak barok i klasycyzm.
Barok nie może być rozumiany jedynie jako styl artystyczny, to także szczególny sposób odnoszenia się do świata i ze światem. Wiąże się to z kryzysem ideałów humanizmu, charakterystycznymi dla XVII wieku wstrząsami społeczno-politycznymi.
Klasycyzm, podobnie jak barok, był immanentny w całej kulturze XVII wieku. Jeśli barok swoim bogactwem i różnorodnością wrażeń skłania się w stronę sensacji jako sposobu zmysłowego poznania świata, to klasycyzm wymaga racjonalistycznej przejrzystości, uporządkowanego sposobu podziału całości na części i sekwencyjnego rozpatrywania każdej z nich.
Celem mojego testu było zbadanie klasycyzmu i baroku jako głównego XVII styl wiek. Aby osiągnąć ten cel, zaprezentowano rozdział pierwszy ogólna charakterystyka kultura określonego okresu. W rozdziałach drugim i trzecim starałem się możliwie najpełniej ukazać cechy nurtów stylistycznych baroku i klasycyzmu w różnych dziedzinach sztuki: malarstwie, architekturze, literaturze, rzeźbie. Podsumowując mogę stwierdzić, że cel pracy został osiągnięty.
Tak więc barok i klasycyzm to jeden z głównych trendów stylistycznych w sztuce europejskiej XVII wieku. Stanowią wybitny wkład w światowy skarbiec sztuki
Bibliografia
1. Drach G.V. „Kulturologia: podręcznik dla studentów szkół wyższych instytucje edukacyjne» Rostów nad Donem 1999
2. Krawczenko A. I. „Kulturologia (podręcznik dla uniwersytetów)” M. 2003
3. N.V. Shishova, T.V. Akulich, M.I. Boyko (red. N.V. Shishova) „Historia i studia kulturowe” M. 2000
4. " Historia Europy XVII wiek” M. 2005
Jeśli ideałem renesansu była osoba harmonijnie doskonała, dla której nie ma sprzeczności między tym, co osobiste, a tym, co społeczne, to człowieka XVII wieku charakteryzuje niekończące się zderzenie tych zasad; Jeśli bohater dzieł sztuki renesansu charakteryzował się jednością ze światem zewnętrznym, naturą, to bohater New Age zdaje sobie sprawę ze swojej zależności od środowisko i okoliczności zewnętrzne. Dramat rzeczywistości i upadek ideału renesansu doprowadziły do nowych form postrzegania świata. Optymistyczny realizm renesansu zastępuje poczucie niestabilnej pozycji człowieka, która charakteryzuje się jedną lub drugą wewnętrzny konflikt: zderzenie praw jednostki i obowiązku publicznego, bunt przeciwko ślepemu podporządkowaniu się władzom władzy świeckiej lub kościelnej, świadomość sprzeczności istnienia. Jednostce coraz trudniej jest odnaleźć swoje miejsce w nowych stosunkach społeczeństwa, które coraz mniej potrzebuje wszechstronnego człowieka renesansu, a coraz bardziej ludzkiej funkcji. To tragiczne zderzenie znajduje wyraz w dwóch kierunkach myślenia, w dwóch sposobach odnoszenia się do świata i wreszcie w dwóch stylach artystycznych. - Barok i klasycyzm.
Pochodzenie terminu „barok” jest niejasne, znane jest jedynie tłumaczenie z języka włoskiego: dziwne, pretensjonalne. Można założyć, że barokowy
reprezentuje nie tylko styl artystyczny (barok jest często uważany jedynie za kierunek artystyczny), ale także szczególny sposób odnoszenia się do świata i ze światem. Wiąże się to z kryzysem ideałów humanizmu, charakterystycznymi dla XVII wieku wstrząsami społeczno-politycznymi. Barokowa mentalność człowieka charakteryzuje się poczuciem zamętu i zamieszania, poczuciem sprzecznej natury świata, nietrwałości szczęścia, wszechmocy losu i przypadku. Optymistyczny ideał renesansu „zastępuje pesymistyczna ocena rzeczywistości, a entuzjastyczny podziw dla człowieka i jego możliwości – podkreślanie jego dwoistości, niekonsekwencji i zepsucia”; „nieustannie pojmuje się rozbieżność pomiędzy wyglądem rzeczy a ich istotą, odczuwa się rozdźwięk bytu, zderzenie zasady cielesnej i duchowej, pomiędzy przywiązaniem do zmysłowe piękno pokój i świadomość kruchości ziemskiej egzystencji.”
Powstanie baroku najczęściej kojarzone jest z kontrreformacją. Faktem jest, że po burzliwych wydarzeniach przeszłości, zaciętych wojnach religijnych, Europa została zdewastowana i zniszczona. W rozdartej wojną Europie tylko Rzym uniknął burz i wstrząsów religijnych. Pozostał bastionem Kościoła katolickiego, choć stłumionym w jego wpływach, ale wciąż bardzo silnym, zwłaszcza po Soborze Trydenckim, dlatego to właśnie tutaj zrodziła się chęć potwierdzenia triumfu oficjalnego kościoła. Według współczesnych Teoretyk francuski E. Mal, głównymi ideami ówczesnego kościoła były: męczeństwo, wizja, ekstaza, śmierć. Te tematy religijne w umysłach ludzi wiązały się ze znaczeniem i dobry cel słuszne istnienie. Nie mogły istnieć jedynie na racjonalnych podstawach; z pewnością musiały być zmieszane z silnym uczuciem, które wywierało wrażenie na wierzącym i wywierało silny wpływ na każdą inną osobę. Ten potężny ładunek emocjonalny powinien był uchwycić nie tylko mistyczny stan obcowania z sakramentem zakonnym, ale także triumfalne poczucie zwycięstwa Kościoła nad jego reformatorami. Dlatego barok powstał początkowo w sztuka religijna, szczególnie w architekturze. I Styl rzymski i gotyk posiadały dobrze określone i podniesione do poziomu regularności zasady tworzenia budowli. Linie tych budynków były jasne i określone. Barok to „zamieszki zakrzywionych, przecinających się, opalizujących mas kamiennych, które utraciły swoją „kamienistość” i zdają się nabrać właściwości lepkiego tworzywa sztucznego”. Stopniowo barok przeszedł od architektury do rzeźby, malarstwa i innych form życia duchowego.
Może pojawić się pytanie: w jaki sposób tak szybki i dynamiczny (początkowo jedynie artystyczny) styl, jakim był barok, wiązał się z kryzysem ducha, jak w ramach sztuki kościelnej był w stanie zrekompensować duchowy zamęt i poczucie zamieszanie, o którym właśnie rozmawialiśmy? Należy zaznaczyć, że kontrreformacja nie była w stanie przezwyciężyć różnic religijnych – tego właśnie domagali się reformatorzy wysoka moralność w uczuciach religijnych. Kościół w w tym przypadku walczył o władzę – ziemską i duchową. Potrzebowała apologetów, rzeczników i po prostu parafian. Miała zapanować nad wewnętrznym światem człowieka, który zasmakował już niebezpieczeństw racjonalizmu, określić zakres grzechu i pobożności, a także losy wszystkich kategorii ludności – od zwykłych ludzi po królów. Można było przyciągnąć ludzi do swojej owczarni, kontrastując surowe życie protestanta z radosną rozrywką katolicyzmu. Dlatego w „sztuce baroku, nawet jeśli bezpośrednio służyła kościołowi, niewiele jest z tego, co nazywa się pobożnością, mimo że nieustannie przedstawiane są cuda, wizje i mistyczne uniesienia. W tych ekstazach zbyt wyraźnie ujawnia się zmysłowość, „cielesność”, a nawet bezpośrednia erotyka” [tamże, s. 97].
Jeden z najsłynniejszych teoretyków baroku Emmanuele Tesauro(1592-1675) nazwał „zasadę szybkiego rozumowania” główną zasadą „myślenia barokowego”. Szybki umysł żyje według praw odmiennych od praw myślenia; jest pełen fantazji i metafor, łączących to, co ważne i przypadkowe, poważne i zabawne, zabawne i smutne. Splata naturę i człowieka, boskość i to, co stworzył ludzki geniusz. Geniusze o bystrym umyśle „generują istniejące z nieistniejącego. Rozum tworzy istnienie z niematerialnego i tak lew staje się człowiekiem, orzeł – miastem. Łączy kobietę z postacią ryby i tworzy syrenę jako symbol pieszczoty, łączy ciało kozy z wężem i tworzy chimerę - hieroglif oznaczający szaleństwo. W takim systemie myślenia stopniowo zacierają się granice najróżniejszych zjawisk, a w sztuce pojawia się pewne lekceważenie celowości, co nazywa się „zdrowym rozsądkiem”.
Te cechy baroku znalazły swoje odzwierciedlenie w całości w dzieła Caravaggia, Bernini we Włoszech, Velazquez – w Hiszpanii, Van Dyck i Rubens – we Flandrii.
kreacja Pawła Rubensa(1577-1640) szczególnie wyraźnie ukazuje przenikanie baroku do życia świeckiego, jego wyzwolenie od tematów religijnych i istnienie jako szczególnej mentalności w kontekście kultury XVII wieku. W jego obrazach dominuje wieczny ruch, napięcie, zmagania ludzi ze zwierzętami, często fantastyka, ekscytacja i triumf życia. „Sprawił, że podziwiałem naturalne zdrowie i naturalną siłę. A wszystko to udało się połączyć z wymogami wspaniałej dekoracji, przepychu i pochwały monarchów…” W twórczości artystów tego czasu „duch religijny niepostrzeżenie wymknął się” ze sztuki. „Były to czasy opery, kantaty i oratorium, ale także ceremonii teatralnych, pompatycznych odów, kwiecistych przemówień, długich tytułów, długich peruk, alegorii i hiperbol w poezji, dowcipu ciężkiego i zawiłego, emblematów i metafor” [tamże, s. . 97].
W literaturze wyraża się to w chęci wyzwolenia wyobraźni, zadziwienia i oszołomienia czytelnika, w zamiłowaniu do nieoczekiwanych obrazów, które łączą pojęcia i porównują odległe od siebie obiekty. Tutaj najbardziej ze sobą powiązane różne kształtyżyciu, zasada jest realizowana - od wielkiego do śmiesznego jeden krok, gdyż w baroku istnieją one razem, podobnie jak inne przeciwieństwa: piękne i brzydkie (np. w sonetach poświęconych piękne panie, ich cudne włosy i pełzające po nich owady), entuzjazm, chamstwo i tak dalej, można opisać z równym podziwem. Na jednym biegunie sztuki baroku plasuje się wizerunek buntownika, wolnego i niepohamowanego, nie mieszczącego się w utartych granicach zachowań, jak Don Juan, depczący lojalność w miłości, kochający za każdym razem jak za pierwszym razem, bezlitośnie zabijający rywale, czyli liryczny bohater dzieł Cyrano de Bergerac(1619-1655). Z drugiej strony purytański buntownik, ascetyczny i surowy, niczym bohater wiersza „Raj utracony” wielkiego angielskiego poety Johna Miltona(1608-1674). Dla baroku i jego teoretyków dowcip był obowiązkowy jako umiejętność łączenia pojęć (co uważano za jeden z przejawów rozumu), a głównymi cechami tej zdolności były wszechstronność i wnikliwość. Tesauro wierzy, że Wgląd przenika „...do substancji, materii, formy, przypadku, jakości, przyczyny, skutku, celu, współczucia, podobnego, przeciwnego, identycznego, wyższego, gorszego, a także w emblematach, Nazwy własne i pseudonimy.” Wszechstronność szybko obejmuje wszystkie te istoty i ich relacje, „łączy je i oddziela, zwiększa lub zmniejsza, wyprowadza jedno z drugiego i z niesamowitą zręcznością stawia jedno na drugim”.
Barok jako styl życia był bardziej typowy dla kręgów dworskich i arystokratycznych, ale zwykłych ludzi charakteryzowały także pewne przejawy tego stylu, wyrażające się w komiksowych, parodycznych lub ascetycznie poprawnych formach zachowań bliskich etyce protestanckiej.
Klasycyzm rozwinęła się i została najwyraźniej wyrażona w warunkach monarchia absolutna we Francji. Nie oznacza to, że w innych krajach nie miało to miejsca. Klasycyzm, podobnie jak barok, był immanentny w całej kulturze XVII wieku. Jeśli barok swoim bogactwem i różnorodnością wrażeń skłania się w stronę sensacji jako sposobu zmysłowego poznania świata, to klasycyzm wymaga racjonalistycznej przejrzystości, uporządkowanego sposobu podziału całości na części i sekwencyjnego rozpatrywania każdej z nich. Wymaga to wewnętrznej harmonii, poczucia proporcji i Święty spokój. Mentalność osoby wyrażającej orientację klasycystyczną cechuje chęć zjednoczenia się wokół monarchy i porządek. Pamięć o wojnach religijnych poprzedniego stulecia i pragnienie stabilizacji zmusiły go do zaakceptowania ścisłej hierarchii absolutyzmu i ścisłego regulowania władzy królewskiej.
Klasycyzm w sztuce charakteryzuje się kreacją dzieła monumentalne, ukazanie bohaterów aktywnych, pełnych energii życiowej i zdolnych – dzięki umiejętności okiełznania ogarniających ich namiętności – do rozwiązania skomplikowanych, tragiczne konflikty. Dlatego teatr skłania się ku tragediom o tematyce historycznej, w których zderzenie obowiązku i uczuć zawsze kończy się zwycięstwem obowiązku. Wielcy pracowali w tym kierunku dramatopisarze francuscy - Corneille'a(1606-1684) i Racine(1639-1699). Ale była też komedia klasycyzmu, obnażająca sprzeczności otaczającego świata, o czym świadczy twórczość, która nie straciła jeszcze na aktualności Molier(1622-1673).
Teorię klasycyzmu charakteryzuje kult rozumu, który łączy ten styl z filozoficznym racjonalizmem. Rozum w klasycyzmie jest źródłem i miarą piękna; dla konsekwentnego klasycysty wartość dzieło sztuki w dużej mierze zależy od stopnia jego logicznej harmonii i przejrzystości, uporządkowania kompozycji. Tłumaczy to tendencję klasycystów do przedstawiania w roli bohaterów ludzi, którzy nawet w chwilach najtrudniejszych i najbardziej burzliwych przeżyć potrafią trzeźwo myśleć, rozumować i podporządkowywać swoje działania nakazom rozsądku. To samo pragnienie porządku narzucało różnym rodzajom sztuki, w zależności od ich specyfiki, pewne zasady, według których dzieła te powinny być tworzone. Zasady te dotyczyły nie tylko tematu czy fabuły dzieła, ale także usprawniały jego wewnętrzną strukturę. Na przykład w dramacie istniały słynne „trzy jedności”: jedność miejsca, jedność czasu i jedność akcji. Jedność miejsca zakładała, że wszystkie wydarzenia rozgrywają się tylko w jednym miejscu, umiejscowionym na scenie; jedność czasu wymagała, aby akcja rozpoczęła się i zakończyła w ciągu jednego dnia; jedność działania wymagała, aby główny konflikt był jasno zdefiniowany i pojedynczy. Najpełniej nakreślił normatywną stronę sztuki klasycyzmu. Nicola Boileau(1636-1711) w traktacie poetyckim „Sztuka poetycka”, w którym domagał się podporządkowania inspiracji artystycznej rozumowi:
Trzeba przemyśleć pomysł i dopiero potem pisać.
Nadal nie jest dla Ciebie jasne, co chcesz powiedzieć,
Nie szukaj na próżno prostych i precyzyjnych słów...
Wiek XVII dał ludzkość wysokie osiągnięcia kulturę w niemal wszystkich obszarach działalności. Ale zauważmy jeszcze raz, że był to czas kontrastów: świetności dworu „Króla Słońca” Ludwik XIV stanął w obliczu żebraczego narodu, który miał nie tylko jutro, ale także naród dzisiejszy; Do najwspanialszych umysłów tego stulecia - szlachcica, który nie umie czytać i pisać i się tym przechwala. Kontrasty te dają początek szczególnemu dramatowi czasu, który przygotował zarówno idee Oświecenia, jak i wynikającą z niego pluralizm w rozwoju kultury czasów nowożytnych.