Literatura krajów europejskich okresu kształtowania się i dominacji ideologii renesansu, odzwierciedlająca cechy typologiczne tej kultury. W różnych krajach obejmuje okres od XVI do pierwszej ćwierci XVII wieku. (We Włoszech - od XIV wieku). Intensywny rozkwit literatury tego okresu wiąże się w dużej mierze ze szczególnym podejściem do dziedzictwa starożytnego. Stąd sama nazwa epoki, która stawia sobie za zadanie odtworzenie, „ożywienie” ideałów i wartości kulturowych rzekomo utraconych w średniowieczu. Tak naprawdę rozwój kultury zachodnioeuropejskiej nie następuje na tle wcześniejszego upadku. Ale w życiu kultury późnego średniowiecza zmienia się tak wiele, że ma się wrażenie, że należy do innych czasów i odczuwa się niezadowolenie z poprzedniego stanu sztuki i literatury. Przeszłość wydaje się człowiekowi renesansu zapomnieniem o cudownych osiągnięciach starożytności i przystępuje do ich przywracania. Wyraża się to zarówno w twórczości pisarzy tej epoki, jak i w samym ich sposobie życia: niektórzy ludzie tamtych czasów zasłynęli nie z tworzenia malowniczych, literackich arcydzieł, ale z tego, że umieli „żyć w starożytny sposób”, naśladując w życiu codziennym starożytnych Greków czy Rzymian. W tym czasie starożytne dziedzictwo jest nie tylko badane, ale „odnawiane”, dlatego postacie renesansu przywiązywały dużą wagę do odkrywania, gromadzenia, konserwacji i publikacji starożytnych rękopisów.
Literatura jest jednym z najważniejszych osiągnięć kultury renesansu i to w niej, podobnie jak w sztukach pięknych, z największą siłą objawiły się nowe idee tej kultury dotyczące człowieka i świata. Przedmiotem literatury stało się życie ziemskie w całej jego różnorodności, dynamice i autentyczności, co zasadniczo odróżnia literaturę renesansową od literatury średniowiecznej. Cechą literatury renesansu, a także całej kultury, było najgłębsze zainteresowanie jednostką i jej przeżyciami, problematyką osobowości i społeczeństwa, gloryfikacją ludzkiego piękna i wzmożonym postrzeganiem poezji świata ziemskiego. Podobnie jak humanizm-ideologia renesansu, literaturę renesansu charakteryzowała chęć odpowiedzi na wszystkie palące problemy ludzkiej egzystencji, a także odwoływanie się do narodowej przeszłości historycznej i legendarnej. Stąd niespotykany od starożytności rozkwit liryki i powstanie nowych form poetyckich, a w konsekwencji powstanie dramatu.
To kultura renesansu umieściła literaturę, a raczej poezję oraz naukę o języku i literaturze, ponad innymi rodzajami ludzkiej działalności. Już sam fakt głoszenia poezji u zarania renesansu jako jednego ze sposobów poznawania i rozumienia świata zadecydował o miejscu literatury w kulturze renesansu. Rozwój literatury renesansowej wiąże się z procesem kształtowania się języków narodowych w krajach europejskich; humaniści we Włoszech, Francji i Anglii występują w roli obrońców języka narodowego, a w wielu przypadkach jego twórców. Cechą literatury renesansowej było to, że powstawała zarówno w językach narodowych, jak i po łacinie, jednak z tą pierwszą kojarzono niemal wszystkie jej najwyższe osiągnięcia.
Literatura renesansu radykalnie zmieniła system gatunkowy. Powstał nowy system gatunków literackich, niektóre znane od starożytności zostały wskrzeszone i przemyślane z perspektywy humanistycznej, inne powstały na nowo. Największe zmiany dotknęły sferę dramatu. W miejsce gatunków średniowiecznych renesans odrodził tragedię i komedię, gatunki, które w czasach Cesarstwa Rzymskiego dosłownie zniknęły ze sceny. W porównaniu z literaturą średniowieczną fabuła dzieł ulega zmianie – ustalana jest najpierw mitologiczna, potem historyczna lub współczesna. Scenografia się zmienia, opiera się na zasadzie prawdopodobieństwa. Najpierw powraca komedia, potem tragedia, a następnie dramat pasterski (dramat pasterski (od łac. pastoralis – pasterz) staje się dość powszechny w literaturze).Gatunek teatru dworskiego, który powstał we Włoszech w XVI wieku i rozprzestrzenił się w Europie Zachodniej. wywodzi się zresztą z poezji „pasterskiej” (w szczególności z Bukoliczny Wergiliusz). Pasterka była krótkim spektaklem, często włączanym do programu uroczystości dworskich. Przedstawiał wiejskie życie dzielnych pasterzy i pastereczek, obdarzonych manierami, uczuciami i słownictwem arystokracji. Pastoral namalował wyjątkowy, upiększony, wyidealizowany świat, który nie miał nic wspólnego z rzeczywistością. To duszpasterstwo najściślej odpowiadało integralnemu i harmonijnemu światopoglądowi renesansu i faktycznie niszczyło sztukę teatralną, zamieniając przedstawienie w „żywe obrazy”).
Epos w literaturze renesansu przedstawiany jest w różnych formach. Należy przede wszystkim zwrócić uwagę na szeroką dystrybucję poematu epickiego, średniowieczny romans rycerski zyskuje nowe życie i wlewa się w niego nowe treści. U schyłku renesansu zaczęto rozpowszechniać powieść łotrzykowską. Gatunek opowiadania, którego podstawy typologiczne położył Boccaccio, stał się prawdziwym dziełem renesansu.
Dialog stał się gatunkiem specyficznie renesansowym. Pierwotnie była to ulubiona forma pisarstwa humanistów, której celem było zmuszenie czytelnika, po rozważeniu za i przeciw w sporach, wyciągnięcia dla siebie wniosków.
Poezję renesansową łączono także z pojawieniem się i odrodzeniem szeregu gatunków. Charakteryzuje się dominacją liryki. Oda i hymn odradzają się ze starożytnych gatunków poezji epickiej; poezja liryczna jest ściśle związana z pojawieniem się, rozwojem i udoskonalaniem sonetu, który stał się wiodącą formą poezji lirycznej, a także madrygału (jednego z główne gatunki polifonicznej muzyki chóralnej). Rozwijane są także fraszki, elegie (utwór o charakterze smutnym, o motywach samotności, cierpienia, nieodwzajemnionej miłości), rzadziej ballada (romantyczno-narracyjna, często sentymentalna piosenka popularnego typu).
Literatura renesansu, podobnie jak cała kultura renesansu, opierała się na osiągnięciach starożytnych i od nich zaczynała. Stąd na przykład pojawienie się „dramatu naukowego” jako imitacji dramatu starożytnego. Jednocześnie twórczo rozwijała tradycje ludowe literatury średniowiecznej. Cechy te były w mniejszym lub większym stopniu nieodłączne od każdej literatury narodowej.
Literatura Włoch
Historia literatury renesansu, jak i całej kultury renesansu, zaczyna się we Włoszech. Na początku XVI wieku. jego zwiastunem był wielki poeta Dante Alighieri (1265–1321). W swoich pismach filozoficznych (np. Święto I Monarchia) i najwspanialszy wiersz Boska Komedia odzwierciedlał całą złożoność światopoglądu osoby w okresie przejściowym, która już wyraźnie widzi przyszłość nowej kultury.
Prawdziwym twórcą renesansu jest Francesco Petrarca (1304–1374), którego twórczość wyznaczyła zwrot w stronę nowej kultury i innych wartości duchowych. To dzięki jego działalności rozpoczęła się rekonstrukcja kultury starożytnej, badanie zabytków literackich i poszukiwania starożytnych rękopisów. Petrarka był nie tylko naukowcem, ale także wybitnym filozofem, postacią polityczną, a właściwie pierwszym intelektualistą w historii Europy. Podniósł wiedzę do tego stopnia, że w 1349 roku został uroczyście ukoronowany wieńcem laurowym na Kapitolu w Rzymie niczym starożytni bohaterowie.
Dla współczesnych Petrarka stał się zarówno symbolem, jak i idealną osobowością nowej kultury. Głosił zasadę konieczności opanowania dziedzictwa kulturowego starożytności, jednak zadanie to zakładało ukształtowanie człowieka doskonałego moralnie, wzbogaconego duchowo i rozwiniętego intelektualnie. Przy swoim wyborze człowiek musiał polegać na doświadczeniach z przeszłości.
Petrarka stworzył nowy system myślenia, zdefiniował wszystkie wyobrażenia o człowieku renesansu, był wybitnym filologiem i udoskonalił język łaciński. W swej twórczości łacińskiej odwoływał się do tradycji antycznej, w duchu Wergiliusza pisał eklogi (rodzaj idylli, poematu przedstawiającego scenę z życia pasterskiego (zwykle miłosnego)), w duchu Horacego – Poetyckie przesłania. Uważał swoje najlepsze dzieło Afryka(1339–1341), poemat w języku łacińskim oparty na modelu Eneidy Wergiliusza, gdzie w imieniu starożytnych bohaterów przepowiada o wielkiej przyszłej chwale Włoch i odrodzeniu jeszcze większej kultury włoskiej. Zapisał się w historii literatury przede wszystkim jako twórca zbioru wierszy Księga Pieśni, napisany przez niego w języku włoskim i poświęcony intonowaniu piękna ludzkich uczuć, miłości, która uszlachetnia i ulepsza człowieka. Imię jego ukochanej Laury stało się powszechnie znane od czasów Petrarki, a sama księga stała się wzorem dla większości poetów renesansu, tak że czasownik „petrarchize” pojawił się nawet we Francji.
Po raz pierwszy w literaturze Petrarka nie tylko uzasadniła doświadczenia miłosne, ale także ujawniła ich niezwykłą wszechstronność, złożoność uczuć zakochanej osoby. Jeszcze bardziej niezwykła dla współczesnych była dbałość, z jaką opisywał świat duchowy swojej ukochanej.
Jego następcą został młodszy współczesny i przyjaciel Petrarki, Giovanni Boccaccio (1313–1375). Jego dziedzictwo literackie jest dość zróżnicowane: pisarz zwrócił się także ku tradycyjnemu gatunkowi powieści dworskiej ( Filokolo I Filostrato) i klasyczny epos ( Teides). Boccaccio stworzył wiele dzieł w nowych gatunkach: jest właścicielem powieści prozą i wierszem Komedia florenckich nimf, co zapoczątkowało gatunek pastoralny. Boccaccio napisał także niezwykle liryczny poemat pasterski z Peru. Nimfy Fiesolańskie. Stworzył pierwszą w Europie powieść psychologiczną Elegia Madonny z Fiametta. W historii literatury pozostał przede wszystkim twórcą gatunku opowiadania renesansowego (opowiadanie, opowiadanie), słynnego zbioru Dekameron. W Dekameron powstało nowe społeczeństwo (gawędziarze) – wykształcone, wrażliwe, poetyzujące świat, piękne. Świat ten opiera się na wspólnej kulturze i przeciwstawiony jest strasznym obrazom śmierci i rozkładu społeczeństwa w czasie epidemii dżumy.
W opowiadaniach autor daje szeroką panoramę sytuacji i zjawisk życiowych. Bohaterowie reprezentują wszystkie poziomy społeczeństwa europejskiego i wszyscy wysoko cenią życie ziemskie. Nowy bohater to osoba aktywna, zdolna do podjęcia walki z losem i cieszenia się życiem we wszystkich jego przejawach. Człowiek Boccaccia jest nieustraszony, dąży do podboju i zmiany świata, upiera się przy wolności uczuć i działań oraz prawie wyboru.
Jednocześnie Boccaccio głosi równość wszystkich ludzi z urodzenia, zaprzeczając barierom klasowym średniowiecznego społeczeństwa. Wartość osoby zależy wyłącznie od jej cech osobistych, a nie od pochodzenia; wola i umysł człowieka triumfują nad przypadkowymi okolicznościami jego losu. Jego pisma przyczyniły się do rozwoju włoskiego języka literackiego.
Literatura XV wieku. wiązał się z rozwojem liryzmu w twórczości Angelo Poliziano (1454–1494) i Lorenza Medici (1449–1492), których twórczość charakteryzują pieśni karnawałowe sławiące radość życia. Poliziano napisał pierwszy humanistyczny poemat napisany dla teatru, Opowieść o Orfeuszu. W XV wieku powstała pierwsza powieść pastoralna Arkadia Jacopo Sanazaro, który wpłynął na dalszy rozwój gatunku.
Gatunek opowiadań otrzymany w XV wieku. dalszy rozwój. Poggio Bracciolini (1380–1459) pozostawił po sobie zbiór facetiów (anegdot gatunkowych zbliżonych do opowiadań). Pod koniec stulecia gatunek opowiadania (już w dialekcie neapolitańskim) łączono z twórczością Tommaso (Masuccio) Guardato (ok. 1420–1476), który pozostawił po sobie książkę Novellino.
Znaczące miejsce w literaturze włoskiego renesansu zajmuje poezja epicka, zasilana wątkami zaczerpniętymi z romansów rycerskich, a przede wszystkim cyklu karolińskiego. Najlepszymi przykładami tej poezji były Większa Morgante Luigi Pulci (1432–1484) i Zakochany Orlando(1483–1494) Matteo Boiardo (1441–1494).
Wysoki renesans w literaturze włoskiej charakteryzował się dominacją klasycznego stylu renesansowego, monumentalnego i wzniosłego, ucieleśniającego humanistyczne ideały piękna i harmonii, z których wywodzi się idealizacja rzeczywistości. Jest ono kojarzone przede wszystkim z nazwiskiem Ludovico Ariosto (1474–1533), który pozostawił po sobie wspaniały poemat Wściekły Roland, który stał się jednym z najwspanialszych szczytów włoskiego renesansu. Podobnie jak jego poprzednik Matteo Boiardo ( Zakochany Roland) Ariosto sięgnął po wątki powieści rycerskich poświęconych paladynom Karola Wielkiego i rycerzom Okrągłego Stołu. Średniowieczne obrazy i sytuacje zyskują nowy wygląd i nową interpretację: bohaterowie obdarzeni są cechami renesansowej osobowości, silnymi uczuciami, silną wolą i umiejętnością cieszenia się życiem. Uderza pomysłowość i swoboda autora w strukturze kompozycyjnej powieści przy ogólnej harmonijnej równowadze całego tekstu. Epizody bohaterskie można łączyć z odcinkami czysto komicznym. Wiersz został napisany w specjalnej zwrotce, zwanej często „złotą oktawą”. Nurt liryczny wysokiego renesansu kojarzony jest z poezją Pietro Bembo, który stał się twórcą poezji Petrarchizmu, kultywującego poetyckie dziedzictwo Petrarki.
Literaturę późnego renesansu charakteryzuje zachowanie ustalonego systemu gatunków, ale zmienia się w niej wiele rzeczy (fabuły, obrazy itp.), W tym orientacja ideologiczna. Największymi mistrzami opowiadania tego okresu byli M. Bandello (1485–1565) i G. Cintio (1504–1573). I Nowele Bandello i Sto historii Cintio charakteryzuje się ekstremalną dramatycznością sytuacji, zwiększoną dynamiką i pozbawionym ozdób portretem podbrzucha życia i fatalnych namiętności. Nowela nabiera charakteru pesymistycznego i tragicznego. Trzeci z powieściopisarzy późnego renesansu, Giovanni Francesco Straparola (1500–1557), również odchodzi od harmonii i klarowności renesansu, jego język splata się z potocznym, a autor opiera się na folklorze. Szczególne miejsce w tym okresie zajmuje autobiograficzna twórczość słynnego rzeźbiarza i wytłaczarki Benvenuto Celliniego.
Poezja liryczna późnego renesansu we Włoszech jest w dużej mierze kojarzona z twórczością kobiet. Wiersze V. Colonny (1490–1547) i G. Stampy (ok. 1520–1554) odzwierciedlały dramatyczne przeżycia i namiętności. Bardzo szczególne miejsce w literaturze Włoch późnego renesansu zajmuje twórczość poetycka wielkiego artysty Michała Anioła, którego poezja przesiąknięta jest motywami niezwykle tragicznymi. Zwieńczeniem literatury późnego renesansu jest dziedzictwo artystyczne Torquato Tasso (1544–1595). Jego wczesne prace Aminta(1573), powstał w gatunku dramatycznym, wysoce poetyckim pastorału. Największą sławę zyskał jego poemat epicki Wyzwolona Jerozolima(1580). Fabuła została zaczerpnięta z epoki wypraw krzyżowych, jednak gloryfikacja wyczynów jej bohaterów organicznie łączy się z nowymi trendami, wpływem idei kontrreformacji. Wiersz łączył idee renesansu, nurty późnego renesansu oraz baśniowe elementy romansów rycerskich (zaczarowany las, magiczne ogrody i zamki). Poemat heroiczny był przesiąknięty motywami religijnymi i odznaczał się niezwykłym bogactwem języka.
W mniejszym stopniu dramaturgia rozwinęła się we Włoszech. W XVI wieku pisano głównie komedie i pastorałki. Komedie pisali tak wielcy autorzy jak Machiavelli (1469–1527) ( Mandragora) i Ariosto (1474–1533), a rozwój komedii włoskiego renesansu dopełnia sztuka wielkiego uczonego i myśliciela Giordano Bruno (1548–1600). Wraz z „komedią naukową”, tworzoną według starożytnych wzorców, rozwija się także ludowa komedia masek i pojawia się tragedia. Pod koniec stulecia duszpasterstwo (w związku z rozwojem teatru i muzyki dworskiej) stawało się coraz bardziej powszechne ( Wierny pasterz D. Guariniego).
Cecha charakterystyczna literatury XVI wieku. jest powstawanie i działalność stowarzyszeń literackich, przede wszystkim akademii.
Literatura renesansowa we Francji
Rozwinął się przede wszystkim już w XVI w., choć za jego prekursora uważa się zwykle wielkiego poetę Francois Villona (1431–1469), pierwszego prawdziwie tragicznego poetę Francji, który podjął temat ubóstwa i samotności. Same początki poezji renesansowej wywodzą się z tzw. szkoły. „wielkich retorów”, którzy wiele zrobili dla rozwoju formy literackiej. Pierwszym poetą renesansu jest ostatni z nich, Jean Lemaire de Belge (1473–1525), który wprowadził do literatury sekularyzm i renesansową radość życia, czerpiąc z poezji starożytnej i wielkich mistrzów włoskiego renesansu (Dantego i Petrarki). Lyońska szkoła poetów czerpała także z tradycji antycznej, której największymi przedstawicielami byli Maurice Sav (ok. 1510 - ok. 1564) i Louise Labe (1525/26-1565), których poezja kojarzona jest przede wszystkim z rozwojem motyw miłosny. Wdzięk, naturalność i siła uczuć opuszczonej kobiety łączą się w jej poetyckim dziedzictwie z wyrafinowaniem stylu. Teksty miłosne Labego wyróżniały się głębokim człowieczeństwem, trafnością obrazu i precyzyjną formą sonetu.
Pierwszy rozwój poezji renesansowej we Francji wiąże się z nazwiskiem Clémenta Marota. Charakter jego dorobku literackiego Marota słusznie pozwala uznać go za twórcę poezji renesansowej we Francji: całkowicie zerwał ze średniowieczną tradycją poetycką i wprowadził szereg nowych form (m.in. sonet). Od starożytnych poetów zapożyczył szereg form poetyckich (eklogę, fraszkę, satyrę). Jako poeta nadworny Marot pozostawił po sobie dzieła przeważnie eleganckie, pisane nie w dużych gatunkach (motto, fraszki, „dary”), które cechuje świeckość, a nawet żartobliwość. Całość twórczości Marota charakteryzowała się bardziej wysublimowanym charakterem harmonicznym, renesansową wizją świata i człowieka. Dokonał gigantycznego dzieła tłumaczenia psalmów biblijnych na język francuski.
Pochodził z pierwszej połowy XVI wieku. Trwała walka o ustanowienie narodowego języka francuskiego, co znacznie ułatwiła działalność filologów i poetów.
Rozkwit poezji francuskiej wiązał się z działalnością grupy literackiej „Plejady”, która utworzyła narodową szkołę poetycką. Pierwszym poważnym dziełem tej grupy był jej manifest literacki Obrona i celebracja języka francuskiego(1549), tradycyjnie przypisywanych Joachinowi Du Bellayowi (1522–1560), w którym wyraźnie deklarowano nowe idee dotyczące kultury i literatury narodowej. Autor wiązał powstanie i rozkwit kultury ze wzrostem i dobrobytem narodowym; Poziom rozwoju kulturalnego determinował zatem poziom rozwoju państwa i narodu. Jednocześnie manifest śledzi charakterystyczny dla renesansu kult starożytności i deklaruje hasło naśladowania autorów starożytnych. Program artystyczny Plejad potwierdzał pierwszeństwo języka francuskiego i jego równość z łaciną i włoskim oraz głosił wzniosły cel poety-twórcy. Język uznawano za rodzaj sztuki, a poezję za najwyższą formę. Traktowali dziedzictwo starożytne jako bodziec do rozwoju literatury narodowej. Skład grupy był zróżnicowany, ale jej przywódcami byli Pierre Ronsard (1524–1585), Joachin Du Bellay i Jean Antoine Baif. W największym stopniu duch kultury renesansowej i jej ideały zostały wyrażone w twórczości przywódcy Plejad, Ronsarda. Jako humanista wychwalał radość życia, człowieka i ludzką miłość jako szczyt swojego życia. Charakterystyczny dla światopoglądu poety kult natury, odczuwania i postrzegania piękna świata znalazł odzwierciedlenie w afirmacji idei organicznej jedności człowieka i natury. Dziedzictwo Ronsarda odzwierciedlało także jego krytyczne postrzeganie społeczeństwa ( Hymn do złota, wiersze protestujące przeciwko wojnom domowym) i filozoficzne refleksje na temat losów ludzkości. Jednocześnie starał się wychwalać swoją ojczyznę ( Hymn narodowy Francji). Tematyka miłości i natury zajmowała w jego twórczości szczególne miejsce, pozostawił po sobie kilka książek poświęconych miłości ( Miłość do Cassandry, Miłość do Maryi itd.). Jest właścicielem poematu epickiego Francjada. Współcześni słusznie uważali go za „księcia poetów”.
Drugim co do ważności w Plejadach był Joachin du Bellay, poeta i teoretyk literatury. Prowincjonalny szlachcic udał się pod wpływem Ronsarda do Paryża, gdzie stał się aktywnym uczestnikiem Plejad. Jest właścicielem kilku zbiorów wierszy (m.in Oliwa, Żałuje, Różne wiejskie zabawy, Starożytności rzymskie). Żałuje I Starożytności rzymskie wyniósł Du Bellaya na honorowe miejsce w literaturze francuskiej. Autora nie cechowała wielkość planów i obrazów oraz rozmach wyobraźni, skłaniał się ku prostocie, jego poezja miała charakter bardziej intymny. Charakteryzuje się elegijnym nastrojem, refleksją nad życiowymi trudami i cierpieniami, szczerością i melancholią, łagodnością i lekkim smutkiem. We wczesnym okresie swojej twórczości Du Bellay w dużej mierze podzielał ogólne stanowisko Plejad i ich przywódcy Ronsarda, zwłaszcza w interpretacji problemu miłości, choć już w tym okresie jego poezję charakteryzowało osobiste, indywidualne brzmienie, wyraz szczególnego nastroju duchowego. Zbiór ten wyraźnie ukazuje wpływ manierystycznych przykładów włoskich petrarchistów. W swoich najbardziej dojrzałych dziełach Du Bellay odszedł daleko od swojej pierwszej kolekcji. Starożytności rzymskie(w tym 33 sonety) - zbiór tekstów filozoficznych, w których wątek historyczny łączono ze zrozumieniem minionych epok i osobistym doświadczeniem. Tragiczny początek, zrozumienie kruchości ludzkich czynów i wszechmocy czasu znalazły swój wyraz w Starożytności rzymskie. Jednocześnie, według poety, w pamięci ludzi zachowują się wysokie myśli duchowe i piękne dzieła. Tym samym podkreślał wiarę w trwałość dziedzictwa kulturowego, a zwłaszcza literatury. Uważa się, że szczyt twórczości Du Bellaya jest jego Żałuje w istocie liryczny dziennik poety z pobytu w Rzymie. W sonetach zanika renesansowa idea triumfu i rozkwitu jednostki, a zamiast niej pojawia się tragiczna świadomość nieuchronności triumfu strasznych okoliczności niezależnych od woli i działań człowieka. W Żałuje wyrażano potępienie wojen, podłości i korupcji dworu, polityki władców i zrozumienia wartości narodowych. W Żałuje odzwierciedlał już rozpoczęty kryzys zarówno światopoglądu samego poety, jak i całego francuskiego humanizmu, początek duchowej tragedii i upadek ideałów renesansu podczas wojen domowych drugiej połowy stulecia. Kolekcja wyrażała centralny problem późnego renesansu - sprzeczność między renesansowym humanistycznym ideałem jednostki i społeczeństwa a rzeczywistością faktycznie otaczającą humanistów.
Inni członkowie Plejad to Etienne Jodelle (1532–1573), który stworzył pierwszą klasyczną tragedię francuską W niewoli Kleopatra(1553). Próbował także swoich sił w komedii wierszem ( Eugeniusz, 1552). Spektakl charakteryzował się patriotycznym patosem i ostrą krytyką duchowieństwa. Jodel był pierwszym francuskim dramaturgiem, który całkowicie zerwał ze średniowieczną tradycją teatralną, jego sztuki nawiązywały do starożytności i pisane były według obowiązujących zasad. Dramaturgia Jodelle pod wieloma względami antycypuje tragedię francuskiego klasycyzmu XVII wieku. W jego późniejszej twórczości można wyczuć wpływy manieryzmu, a nawet baroku.
Wojny religijne przyczyniły się do upadku Plejad i określiły specyfikę twórczości ostatniego z najważniejszych poetów francuskiego renesansu. Theodore Agrippa D'Aubigne (1552–1630), zagorzały kalwinista i szlachcic, już jako dziecko złożył przysięgę, że poświęci się sprawie wiary chrześcijańskiej i dotrzymał jej. Stanowczość i niezłomność jego charakteru łączyły się z wyjątkową lojalnością wobec wiary, honoru i króla. Pod koniec życia zmuszony był opuścić ojczyznę i udać się do Genewy. Jego pierwsze eksperymenty literackie ( Wiosna) wiązały się z tradycją poetycką wywodzącą się od Ronsarda, a nawet Petrarki. Wyjątkowy epos poetycki przyniósł mu sławę Tragiczne wiersze(1577–1589). Koncepcja, struktura i obrazy artystyczne wiersza nie mają odpowiednika nie tylko w języku francuskim, ale także w europejskiej literaturze renesansu. Zarówno pod względem tragicznego światopoglądu autora, jak i pod względem siły wizualnej, i pod względem intensywności emocjonalnej Tragiczne wiersze stanowią wyjątkowy zabytek późnego renesansu, wyprzedzający już barok, „stulecie, zmieniwszy obyczaje, prosi o inny styl”. A jednak wiersz wyraźnie ukazuje ducha renesansu, Tragiczne wiersze- krzyk zdeptanej ludzkości. Jej język obfituje w niezwykle wyraziste obrazy, wysublimowany patos łączy się z zjadliwym sarkazmem i skrajnym dramatyzmem, a przedstawienie zyskuje imponującą, wręcz kosmiczną skalę. Kreatywność (odszedł Pamiętniki i ważne dzieło historyczne) uzupełnia rozwój francuskiej poezji renesansu.
Rozwój francuskiej prozy renesansu jest w dużej mierze związany z opowiadaniem, którego historia zostaje ujawniona Sto nowych opowiadań(1486). Wśród licznych kolekcji wyróżnij się Nowe zabawne i zabawne rozmowy znany wolnomyśliciel i autor satyr Cymbał Pokoju Bonawentury Deperriera (1510–1544), w którym autor przedstawia szeroką panoramę życia codziennego współczesnej Francji i rysuje barwne, zindywidualizowane obrazy. Dziedzictwo koronowanej pisarki humanistycznej Małgorzaty z Angoulême (1592–1549) uważane jest za szczytowe osiągnięcie francuskiej powieści krótkometrażowej. Siostra króla francuskiego Franciszka I stanowiła centrum genialnego dworu, całego intelektualnego i wyrafinowanego społeczeństwa dworskiego. Zostając królową Nawarry, oderwała się od zwykłego środowiska kulturalnego francuskiego dworu, ale udało jej się stworzyć nowe, duże centrum kulturalne w odległej prowincji, przyciągając coraz więcej nowych postaci francuskiego renesansu. Do historii literatury weszła jako pisarka i poetka. Platoniczna zasada charakterystyczna dla jej kręgu znalazła swój maksymalny wyraz w poezji samej królowej Nawarry. Jest właścicielem alegorycznych wierszy i wierszy. Prawdziwą chwałę Margarity jako pisarki zebrał zbiór opowiadań Heptameron. Zbiór pozostał nieukończony, miał zawierać 100 opowiadań, ale pisarzowi udało się napisać zaledwie 72. Jego drugie wydanie (1559), w którym opowiadania o ostrych atakach antykościelnych zastąpiono tekstami bardziej neutralnymi, nosiło tytuł Heptameron. Cechą zbioru była rezygnacja autora z tradycyjnych, wędrujących wątków opowiadań, których wątki nawiązują do osobistych przeżyć narratorów lub innych realnych wydarzeń. Uczestnikami wydarzeń były osoby z najbliższego otoczenia pisarki, a nawet jej bliscy. Stąd szczególny autobiograficzny posmak książki i głębia postaci narratorów, wysuwająca na pierwszy plan nie tyle same historie, ile dyskusje. W porównaniu z innymi zbiorami opowiadań renesansowych Heptameron reprezentuje węższy krąg społeczny, książka jest bardziej o uczuciach, sytuacjach moralnych i bogactwie wewnętrznego świata człowieka. Charakterystyczne jest, że w zbiorze nie ma radosnego optymizmu – wiele historii jest smutnych, a ich interpretacja ukazuje rozbieżność pomiędzy wysokim ideałem człowieka a rzeczywistością otaczającego go świata. Twórczość Margarity z Angoulême, a zwłaszcza kolekcja Heptameron odzwierciedlał początek kryzysu ideałów francuskiego renesansu.
Najwyższym osiągnięciem prozy francuskiej literatury renesansowej jest dzieło François Rabelais (1483–1553). Poszukiwania humanisty (słynnego lekarza) zaprowadziły go do literatury, w 1532 roku zaczął wydawać osobne książki swojej słynnej powieści „Z życia gigantów”, z których każda została potępiona kolejno przez Sorbbonę, a czwarta (1552 ) został skazany na spalenie przez parlament. W powieści Rabelais Gargantua i Pantagruel wyraża się nierozerwalny związek między francuską kulturą renesansu a średniowieczną tradycją śmiechu ludowego. Powieść zawiera niewątpliwie parodię poprzez hiperbolizację średniowiecznych gatunków, tradycji i wartości. Jednocześnie afirmowane są humanistyczne ideały i wartości. Rabelais, lekarz i naukowiec, propagował kult wiedzy i studiowanie nauk ścisłych jako sposobu wychowania harmonijnego człowieka, opowiadał się za prawem człowieka do swobodnego myślenia i odczuwania oraz sprzeciwiał się fanatyzmowi religijnemu. Powieść przedstawia rodzaj utopii społecznej - klasztor Thelema, w którym człowiek może realizować swoje prawo do wolności, radości życia i pragnienia wiedzy. Jednocześnie książkę cechuje optymizm i wiara w nieograniczone możliwości człowieka: „człowiek został stworzony dla pokoju, a nie dla wojny, urodził się dla radości, dla korzystania ze wszystkich owoców i roślin”.
Ideały humanistyczne przetrwały w literaturze francuskiej do końca XVI wieku; zostały one podsumowane i wyrażone w nowo stworzonym gatunku literackim – eseju – przez Michela de Montaigne (1533–1592). Po raz pierwszy w historii literatury autor nakreślił własne doświadczenia i przeżycia: „treścią mojej książki jestem ja sam”. Osobowość Montaigne'a stała się przedmiotem analizy jego eseju Doświadczenie. Głosi humanistyczne rozumienie losu człowieka – celem życia człowieka jest dążenie do szczęścia i przyjemności. To on powiązał tę ideę z ideą naturalnego życia i naturalnej wolności człowieka. Obecność wolności determinuje naturę porządku społecznego, a wszyscy ludzie są z natury równi. Montaigne podsumowywał rozwój humanizmu i dość sceptycznie oceniał rezultaty rozwoju nauki, a nawet sztuki, kładąc nacisk na prostotę i klarowność, antycypując zasady przyszłego klasycyzmu.
W Niemczech
losy literatury renesansowej okazał się ściśle związany z reformacją. Dzieło wielkiego Erazma z Rotterdamu (1466/9–1536) pod wieloma względami sąsiaduje z obszarem kulturowym Niemiec. Erazm jest czołowym myślicielem Europy, pozostawił po sobie wielkie dziedzictwo, ale największą popularność zyskały dwie satyry - Brawa za głupotę I Rozmowy są łatwe. Sławny Statek głupców Sebastiana Branta (satyra, która odniosła ogromny sukces) oraz słynną satyrę Erazma z Rotterdamu Brawa za głupotę(1511) i Rozmowy są łatwe, gdzie pada ostra krytyka współczesnego społeczeństwa. Literatura niemiecka nabiera szczególnego charakteru polemicznego w przededniu reformacji. W napiętej atmosferze walki ideologicznej zasłynął Listy od ciemnych ludzi, mistyfikacja humanistów, satyra napisana po łacinie przez humanistów K. Rubiana, G. Busche i W. von Huttena w formie listów w imieniu fikcyjnego duchowieństwa. Satyra dominowała w literaturze niemieckiej tamtej epoki i była najwyraźniej widoczna w pismach humanisty Ulricha von Huttena, który w swoich dialogach wyśmiewał Kościół katolicki.
Powstanie niemieckiego języka literackiego łączono z renesansem i reformacją. Tłumaczenie Biblii na język niemiecki przez wybitną postać reformacji Marcina Lutra oznaczało ustanowienie norm wspólnego języka niemieckiego. Poezja traci w Niemczech na znaczeniu, twórczość Hansa Sachsa (1494–1576) wywodzi się z tradycji niemieckiej i odtwarza miejskie życie Niemiec. Tak zwany książki ludowe, dzieła anonimowe przeznaczone do masowego czytania. Ich treść jest niezwykle różnorodna, łączą w sobie motywy baśniowe, wątki romansów rycerskich, anegdoty, a nawet narrację historyczną. Różniły się charakterem: jeśli Za pięknego Magellona był z natury poetycki, a potem w Opowieść Tilla Eulenspiegela I Schildburgery jest ostra nuta satyryczna. Wreszcie obecny jest renesansowy ideał pragnienia wiedzy i chwały, kult nieograniczonych możliwości człowieka Opowieści o doktorze Johannie Fauście, słynnym czarodzieju i czarnoksiężniku(1587), pierwsze w literaturze światowej opracowanie tego wątku.
Literatura angielska renesansu
Pojawienie się nowych nurtów w literaturze obserwuje się od czasu pojawienia się na uniwersytetach środowisk humanistycznych, na które wpływ miał włoski humanizm. Największą postacią humanizmu w Anglii był Tomasz More (1478–1535), który pozostawił po sobie jedno z dzieł programowych renesansu utopia, gdzie ukazane jest idealne społeczeństwo, zbudowane na równości i sprawiedliwości, gdzie panuje zasada własności zbiorowej i wspólności pracy, nie ma biedy, a celem jest osiągnięcie dobra wspólnego. Jako prawdziwy humanista More nalega na harmonijny rozwój jednostki w tym społeczeństwie, większość czasu każdej osoby poświęcona jest zajęciom intelektualnym. Charakterystyczne jest, że w czasach, gdy Europę rozdzierały spory religijne, More ukazuje triumf tolerancji religijnej w swoim idealnym państwie, a bezlitośnie i kpiąco opisuje losy złota w Utopie.
Angielska poezja renesansowa rozpoczęła się na początku panowania Henryka VIII, kiedy wypoczynek literacki stał się powszechnie popularny na dworze. Pierwszym humanistycznym poetą był John Scalton, słynący z nauki wychowawca przyszłego Henryka VIII. Scalton pozostawił wiele satyrycznych wierszy ( Dlaczego nie przyjdziesz do sądu?). W pierwszej połowie stulecia asymilowano nowe formy i gatunki literackie, a także dziedzictwo starożytne. Popularność poezji Petrarki w Anglii doprowadziła do ustanowienia sonetu jako wiodącej formy poetyckiej, choć nieco zmodyfikowanej w stosunku do klasycznej formy włoskiej. Pierwszy angielski poeta petrarchisty, Thomas Wyeth (1503–1542), wprowadził sonet składający się z trzech czterowierszów i końcowego kupletu; teksty miłosne rozwinął Henry Howard, hrabia Surrey (1517–1547), pozostawiając cykl poświęcony „ Geraldine”, a także udoskonalił formę sonetu. Rozkwit literatury angielskiej, a przede wszystkim poezji, wiązał się ze „złotym wiekiem” panowania Elżbiety Tudor. W tym okresie szczególnie rozwinął się mecenat sztuki i literatury. Podkreślane zainteresowanie językiem doprowadziło do powstania specjalnego języka dworskiego, wyrafinowanego i przeładowanego porównaniami. Literatura rozwijała się przede wszystkim w sferze poezji i dramatu. Dominacja liryki nastąpiła w połowie stulecia wraz z pojawieniem się liryki T. Wyetha i G. Sarriego, jednak prawdziwy rozkwit liryki wiązał się z nazwiskiem Philipa Sidneya (1554–1586), pisarza prawdziwy innowator w poezji i teorii literatury. Wracając do ugruntowanej już w Anglii formy sonetowej, stworzył cykl 108 sonetów Astrofil i Stella, gdzie miniatury poetyckie połączono wspólną koncepcją w jedną całość i powstała „historia miłosna” o złożonym spektrum przeżyć. Zakończenie jest smutne, bohater (Astrophil) nie odpowiedział na swoje uczucia i oddanie. Sonety Sidneya zawierały dialogi, po raz pierwszy w gatunku pojawił się ironiczny temat. Sonet staje się formą dominującą w angielskiej poezji renesansu, ale inni poeci tego czasu (tzw. „Elizawentyści”), oprócz niego, zajmowali się także gatunkami ody, elegii, ballady, fraszki, satyry itp. Sidney działał także jako teoretyk literatury, broniąc wysokiego celu poezji, jej wychowawczego oddziaływania na jednostkę, prowadzącego do moralnego doskonalenia ludzi (traktat Obrona Poezji). Stał się także pierwszym, który w swojej niedokończonej powieści zwrócił się ku gatunkowi pastoralnemu w Anglii Arkadia(opublikowane w 1590 r.).
Największym angielskim poetą renesansu był Edmund Spenser (ok. 1552–1599). W przeciwieństwie do arystokraty Sidneya Spencer wiódł trudne życie; pozostawił po sobie znaczącą spuściznę w dziedzinie poezji lirycznej, operując tradycyjnymi renesansowymi gatunkami sonetów i hymnów. Rozwinął duszpasterstwo angielskie w swoim „kalendarzu duszpasterskim”, gdzie typowa sielanka duszpasterska na tle natury łączyła się z głoszeniem ideałów obywatelskich. Największą sławę Spensera przyniósł jego wiersz Królowa wróżek, najważniejsze dzieło poety. Spencer sięgnęła po fabułę zaczerpniętą ze średniowiecznego romansu rycerskiego, do cyklu legend o królu Arturze. Przygody rycerzy, z których każdy jest ucieleśnieniem jednej z 12 cnót, stanowiły fabułę, ale objawienie postaci i zainteresowanie zasadą heroizmu. Pragnienie chwały, pragnienie doskonałości moralnej w duchu ideałów humanistycznych – wszystko to napełniło fabułę Artura treścią renesansową. Ponadto o atrakcyjności legend arturiańskich decydowało ogólne zainteresowanie historią narodową. Później do poezji angielskiej wprowadzono luz i swobodne przedstawianie ludzkich namiętności. Jednocześnie utrzymana została gloryfikacja radości życia i miłości. Jego osobliwością było poszukiwanie nowych form wiersza. Sidney wprowadził „męski rym”, Spencer stał się wynalazcą specjalnej zwrotki „Spencerian”. Proza rozwijała się przede wszystkim w gatunku opowiadania i często zawierała element satyry i gloryfikacji cnót mieszczańskich (pracy, oszczędności, skromności obyczajów). Powstaje szereg różnych powieści (utopijnych, pastoralnych, wręcz łobuzerskich).
Literatura angielska renesansu dokonała największego przełomu w dramacie, gdzie oczywiście Brytyjczycy wyprzedzili całą Europę. Teatr angielski osiągnął swój największy rozwój w latach 1580-1590. Początkowo dramat angielski kojarzony był z naśladownictwem dramatu antycznego, a sztuki pisano w oparciu o wątki z historii starożytnej. Już w roku 1580 dramat angielski charakteryzował się szczególną różnorodnością gatunków i wydał na świat wielu znakomitych dramaturgów. Pełne bujnej retoryki sztuki Johna Lyly’ego adresowane były do dworskiej publiczności, jednak w nich, podobnie jak Roberta Greene’a, można dostrzec wyraźnie wyrażoną orientację patriotyczną i bliskość baśni ludowych ( Komedia o George'u Greenie, stróżu polowym w Wakefield). Od Tragedia hiszpańska Do użytku wszedł „krwawy dramat” Thomasa Kyda. W ogóle dramat charakteryzował się różnorodnością gatunkową (tragedia, komedia, sztuka historyczna, a nawet pastoralna), a dramaturgów było niezwykle płodnych (co tłumaczono potrzebami sceny i publiczności). Specyfiką dramaturgii angielskiej było także ciągłe mieszanie w jednym utworze gatunków wysokich i niskich, co dawało efekt kontrastu i głęboko oburzało teoretyków klasycyzmu.
Osobliwością tego teatru było to, że opierając się na narodowej przeszłości, starożytnym dziedzictwie i osiągnięciach kultury renesansowej, potrafił w języku dostępnym dla najszerszych mas, używając wspaniałych obrazów, podnosić odwieczne pytania o ludzką egzystencję , sens jego życia, cel, czas i wieczność, relacje jednostki i społeczeństwa.
Dramaturdzy, mając pod ręką aktorów (zwykle pracowali z trupą i pisali w oparciu o jej możliwości) nie tylko wprowadzali na scenę tytaniczne postacie, ale także podnosili kwestię moralnej odpowiedzialności jednostki wobec społeczeństwa, o to, na czym polega nieograniczona wolność niezwykłość niesie ze sobą osobę dla innych, choć już nie tak wielkich ludzi, jaki jest los ludzi w „chwilach fatalnych”. Na przełomie XVI i XVII w. teatr był w stanie podsumować całe doświadczenie zgromadzone przez renesans i wyrazić je, pogłębiając idee wysunięte wcześniej.
Dzieło pierwszego wielkiego dramaturga tragicznego, Christophera Marlowe’a (1564–1593), wyrażało te wątpliwości i sprzeczności. Marlowe stworzył wizerunek Fausta, który dążył do reorganizacji świata. Poprzez usta innego bohatera, okrutnego zdobywcy, niepiśmiennego pasterza Tamerlana, dramatopisarz przedstawia swoje rozumienie losu człowieka, „duch niespokojny i niezłomny” popycha go do działania i wiedzy. Bohaterowie Marlowe'a po raz pierwszy pokazali drugą stronę ideału człowieka renesansu - są niezwykli i sprzeciwiają się społeczeństwu, naruszając nie tylko jego prawa, ale także ogólnie przyjęte normy człowieczeństwa. Ze względu na swą niemoralność budzili zarówno przerażenie, jak i podziw. Wraz z twórczością Marlowe’a rozpoczyna się nowy etap w rozwoju dramaturgii angielskiego renesansu, który okazał się związany z analizą wewnętrznych sprzeczności duchowych, z wizerunkiem wspaniałej osobowości nieuchronnie ściągniętej na śmierć.
Szczytem rozwoju renesansu (i teatru europejskiego) jest dzieło Williama Szekspira (1564–1616). Dokładna liczba jego sztuk i czas ich powstania nie są znane, na podstawie analizy pierwszego wydania pośmiertnego badacze zidentyfikowali 37 sztuk (tzw. kanon) i zaproponowane daty. Ostatnio niektórzy badacze zaczęli dodawać do niego pewne dzieła tradycyjnie przypisywane Szekspirowi, a debata na temat autorstwa całego dziedzictwa ponownie powróciła. Twórczość dzieli się na trzy okresy. Okres pierwszy (1590–1600) to głównie komedie; większość z nich ma charakter liryczny, część codzienny, jeszcze inne zawierają elementy baśni romantycznej lub pastoralnej. Wszyscy wyrażali ideały renesansu, przepojeni są radością życia, gloryfikują ludzkie uczucia i działalność, są głęboko humanistyczni ( Sen w letnią noc. Wiele hałasu o nic, dwunasta noc, Wesołe kumoszki z Windsoru). Z tego okresu pochodzą także jego pierwsze tragedie o tematyce zaczerpniętej z historii starożytnej ( Juliusz Cezar), a także stworzył cykl sztuk historycznych poświęconych historii narodowej (kroniki), w których wyrażona została koncepcja historyczno-polityczna dramatopisarza ( Ryszard II, Henryk IV,Henryk W, Ryszard III itd.). To w nich po raz pierwszy podjął problematykę władzy, władcy, tyranii, roli ludu w życiu politycznym państwa i legitymizacji władzy. Na przełomie pierwszego i drugiego okresu powstała najbardziej poetycka z tragedii Szekspira – prawdziwy hymn miłości, umierającej z powodu bezwładu społeczeństwa ( Romeo i Julia). Okres drugi (1601–1602) charakteryzował się kryzysem humanistycznego światopoglądu i zwrotem dramatopisarza w stronę gatunku tragedii. Tragedie miały najgłębszą treść filozoficzną. W nich bohater renesansu konfrontuje się nie tylko z wrogim światem, ale także z nowym czasem, zniszczona zostaje renesansowa harmonia jednostki i społeczeństwa. Jest w tragediach ( Mała wioska, Król Lear, Makbet, Tragedie rzymskie Antoniusz i Kleopatra I Koriolan) Szekspir pokazał najbardziej złożoną walkę psychologiczną i dialektykę namiętności w duszach swoich bohaterów, odsłaniając głębię konfliktu. Okres trzeci (1608–1612) charakteryzował się pojawieniem się sztuk romantycznych, niemal baśniowych ( Cymbelina, Zimowa opowieść, zwłaszcza Burza), przepojony nostalgią za ideałami renesansu, Szekspir pozostał wierny ideałom renesansu - harmonijnie rozwinięta osoba jest „koroną wszystkiego”, ale otrzymuje władzę decydowania o losach świata tylko na zewnątrz znany świat, w bajce (utopia, sielska).
Szekspir w swoim dziele tak głęboko odsłonił sprzeczności natury ludzkiej i zrozumiał losy jednostki i społeczeństwa, że nie tylko pogłębił idee renesansowego humanizmu, ale jego rozumienie człowieka, myśli i doświadczeń zostało dostrzeżone przez epoki późniejsze, a sztuki weszły do złotego funduszu dzieł wiecznych, a bez nich do dziś działalność teatru dramatycznego jest nie do pomyślenia.
Nazwisko Szekspira kojarzone jest z koncepcją „humanizmu tragicznego”: świadomością tragedii jednostki zmuszonej do podjęcia walki ze społeczeństwem. Prawie zawsze ta walka jest skazana na porażkę, ale jest konieczna i nieunikniona. Szekspir w pełni podzielał ideały renesansu, ale główny konflikt jego sztuk został zdeterminowany rozbieżnością między renesansowym ideałem człowieka a rzeczywistością. Społeczeństwo jest wrogo nastawione do tego ideału.
Krytyczny stosunek do niedoskonałego społeczeństwa wiąże się z jego stosunkiem do czasu, potężnej siły, która jednak nie odpowiada zasadom porządku świata, jak w przenośnym wyrażeniu dramaturga: „Czas przesunął staw”. Skazuje to większość bohaterów Szekspira na nieuniknioną śmierć, a nawet w komediach ze szczęśliwym zakończeniem bohaterowie przechodzą ciężkie próby. Większość jego bohaterów stara się zrozumieć nie tylko siebie, ale także swój czas, miejsce człowieka w świecie i wieczności oraz konfrontację dobra ze złem. Refleksja, zrozumienie celu, losu i błędów prowadzą ich do oświecenia.
Wielkość Szekspira polega na tym, że potrafił stawiać pytania nurtujące ludzi przez cały czas, przybliżać potomnym ideały renesansu i tworzyć niezwykle złożone, wszechstronne, psychologicznie głębokie obrazy. Szekspir odziedziczył ideał człowieka od renesansu, ale nuta goryczy antycypuje już inny czas. Następcy Szekspira („młodsi elżbietanie”) wyrazili już nie tylko kryzys ideałów renesansu, ale także tragiczne postrzeganie świata charakterystyczne dla manieryzmu i baroku.
Literatura renesansowa w Hiszpanii
Wiązało się to przede wszystkim z wiekiem XVI, pod jego koniec dały się w nim zauważyć zjawiska kryzysowe, pod wieloma względami wyprzedzające nadejście baroku. Od początku XVI wieku. W literaturze ukształtowały się wiodące gatunki renesansowe. Specyfika sytuacji w kraju zdeterminowała niezwykle wczesną świadomość niezgodności renesansowych ideałów z otaczającą rzeczywistością, co odcisnęło piętno na charakterze literatury.
Literatura hiszpańska rozwijała się jednocześnie na poziomie krajowym. Charakterystyczne jest, że gatunek powieści rycerskiej zyskuje w nim nowy rozwój, który odzwierciedla nowe wyobrażenia o świecie i człowieku: radość panowania nad światem, świecki charakter, nowy ideał człowieka i normy jego zachowania w społeczeństwie . Najlepszą z wielu tej „literatury masowej” była ta sławna Amadis z Galii Garcia Montalvo (1508), do którego dodawali różni autorzy i ostatecznie rozrósł się do 12 książek (zamiast 4), doczekał się ponad 300 wydań i zyskał ogólnoeuropejską popularność. W hiszpańskiej prozie renesansu można znaleźć także powieść-dramat Celestyna F. De Rojas, gdzie jasna miłość głównych bohaterów przeciwstawia się otaczającemu go okrutnemu i podłemu światu miasta. Już w powieści rycerskiej ukształtowały się elementy powieści łotrzykowskiej, pierwszy ukończony egzemplarz tego gatunku pojawił się w połowie XVI wieku. Anonimowa powieść Życie Łazarillo z Tormez była powieścią w formie opowiadań, w której rozwiązane są wszystkie wątki fabularne, wręcz przeciwnie, w porównaniu z moralnością. Realizm, wręcz naturalizm obrazu, ostra satyra zadecydowały o sukcesie powieści.
Twórczość Miguela de Cervantesa Saavedry (1547–1616) uważana jest za szczyt literatury hiszpańskiego renesansu. Trudne losy autora, jego ogromne doświadczenie (m.in. więzienie za długi i niewola w Algierii) znajdują odzwierciedlenie w jego twórczości. Cervantes pozostał wierny ideałom renesansu, co było wyraźnie widoczne w jego wczesnych dziełach. Pierwszą z nich była powieść pasterska Galatea, w którym bohaterowie zostali obdarzeni szlachetnością i hartem moralnym. Jego postacie Budujące opowiadania posiada te same właściwości w dowolnych testach. Jego tragedia okraszona jest heroicznym i patriotycznym patosem. Numancia. Humanistyczny światopogląd pisarza został najpełniej ucieleśniony w jego słynnej powieści Don Kichot z La Manchy. Historia biednego rycerza, który czytał powieści rycerskie i odbywał wędrówki, miała być kpiną z przestarzałych ideałów. W ten sposób pierwsi czytelnicy odebrali powieść. Ale w powieści jest także wysoki poziom człowieczeństwa, prawdziwy humanizm: Rycerz Smutnego Obrazu pozostał wierny humanistycznym ideałom i stał się symbolem człowieczeństwa w świecie okrucieństwa i oszustwa.
Szlachetna rycerskość, którą czcił wielki bohater Cervantesa, implikowała w swej istocie główną ideę humanizmu - prawdziwą i bezinteresowną służbę wspólnemu dobru ludzkości i sprawiedliwości, człowiek jest zobowiązany „bronić pokrzywdzonych i uciskanych przez możnych” ten świat." Bohater dosłownie rzuca się do walki w obronie wzniosłych ideałów i wierzy w triumf cnót. W istocie Cervantes maluje obraz idealnego człowieka renesansu, ale obdarza go szaleństwem. Szaleństwo Don Kichota tylko podkreśla absurdalność cynicznego i pragmatycznego społeczeństwa. Osobliwość Don Kichot Jako powieść zawierała polisemię, możliwość odmiennego postrzegania i interpretacji postaci i sytuacji, była pełna sprzeczności. I każda kolejna epoka postrzegała go z innej perspektywy.
Poezja hiszpańskiego renesansu odzwierciedlała dążenie do wyrafinowania i podkreślała egzaltację, a jednocześnie potrafiła zawierać najbardziej subtelną analizę ludzkich doświadczeń, opis piękna natury i gloryfikację miłości Boga.
Dramaturgia hiszpańskiego renesansu wiązała się z procesem sekularyzacji teatru. Początek rozkwitu teatru hiszpańskiego przypada na okres renesansu, a rozkwit ten w dużej mierze zawdzięczamy twórczości Lope de Vega Carpio (1562–1635). Pochodząca ze środowiska miejskiego Lope de Vega wiodła życie pełne przygód i właściwie stworzyła nowy hiszpański teatr. Lope ustanowił prawdopodobnie rekord wielkości swojego dorobku artystycznego: przypisano mu ponad 2000 sztuk teatralnych, z czego zachowało się 468, w tym 426 komedii. To on określił charakter dramatu hiszpańskiego, łącząc w swoich sztukach elementy komizmu i tragizmu. Lope porzucił zasadę jedności miejsca i czasu, zachowując jedność działania. Lope de Vega, podobnie jak Cervantes, zachowuje wiarę w triumf humanistycznego ideału doskonałej i wolnej jednostki. Wartość mają tylko wysokie cechy osobiste i talenty danej osoby. Reszta jest dla humanisty nieważna, łącznie z przynależnością klasową. Tą linią podążają jego najlepsze komedie z gatunku „płaszcz i miecz” ( Pies w żłobie, Nauczyciel tańca, Dziewczyna z dzbankiem). W innych komediach dramatopisarz ukazuje siłę ludzkich uczuć, która pokonuje wszelkie przeszkody.
Dramaturg w wielu sztukach stawia poważne problemy moralne, a nawet polityczne ( Gwiazda Sewilli, Głupie dla innych, mądre dla siebie, Kara bez zemsty), często potęgują zasadę tragiczną i pod wieloma względami wyprzedzają rozwój teatru epoki baroku.
Szczególne miejsce w jego twórczości zajmuje sztuka Wiosna owiec, gdzie Lope de Vega wprowadził chłopów na scenę, przedstawił chłopskie powstanie przeciwko panu feudalnemu i ukazał chłopów jako moralnie wytrwałych, odważnych, bohaterskich, przewyższających hartem ducha nie tylko swoich panów, ale także króla i królową. Dzięki błyskotliwej fabule i walorom językowym oraz głębi interpretacji bohaterów jego sztuki weszły na złoty fundusz literatury europejskiej.
Literatura renesansu w pełni wyrażała wszystkie cechy tej kultury, jej świecki charakter, dążenie do człowieka i jego uczuć, zainteresowanie światem ziemskim.
Literatura renesansu.
Pojawienie się ruchu renesansowego we Francji zwykle wiąże się z kampaniami włoskimi Karola VIII, które otworzyły na Francuzów kulturę swoich sąsiadów, z reformacją religijną, wzmocnieniem władzy królewskiej i rosnącą populacją miejską, burżuazyjną. Początkowo humanizm ucieleśniał się w „ewangelizacji”, próbie odtworzenia chrześcijaństwa z początków ery, powrocie do tekstu Pisma Świętego nie zniekształconego przez interpretacje scholastyczne. Ruch renesansowy rozkwitł za panowania Franciszka I (1515–1547). Król, nazywany „ojcem literatury pięknej”, założył Collège de France, placówkę edukacyjną nowego typu, w której wykładali humaniści.
Renesans wiąże się z rozkwitem krótkiej formy prozatorskiej – opowiadania, które rozwinęło się pod bezpośrednim wpływem wzorców włoskich i tradycji francuskiej (fabliau). Na dworze burgundzkiego księcia Filipa Dobrego powstał anonimowy zbiór Stu nowych powieści (z lat 1456-1461), wyraźnie oparty na doświadczeniach Dekameronu D. Boccaccia, którego wpływ nasilił się wraz z tłumaczeniem L. de Premiefe został opublikowany w 1485 r. W zbiorze opowiadań Heptameron (wyd. 1559) Małgorzata z Nawarry (1492–1549) nie kryje wpływu Boccaccia. Nie mówimy jednak o bezpośrednim naśladownictwie; jeszcze bardziej odległe są zbiory opowiadań N. De Troyesa (Wielki egzemplarz nowych opowiadań, ok. 1535) i N. Du Faila (Rozmowy wiejskie..., 1548; Żarty, czyli nowe opowieści z Etrapel, 1548). z włoskich próbek. W zbiorze opowiadań Nowe zabawy i wesołe rozmowy (wyd. 1558) nie ma bezpośrednich zapożyczeń, autor B. Deperrier (ok. 1500–1543/44) zdaje się ukrywać swoje wykształcenie. Proza Deperriera (Cymbal of Peace, 1537) kontynuuje, podążając za Wielkimi Retorami, opanowanie stylu niskiego.
W Gargantui i Pantagruelu F. Rabelais (1494–1553) rozwój ten następuje szczególnie aktywnie, a gatunki prozy wysokiej poddawane są parodystycznej interpretacji. Pierwsze cztery księgi powieści ukazały się w 1532 (Panagruel), 1534 (Gargantua), 1546 (Księga Trzecia), 1552 (Księga Czwarta); autentyczność pośmiertnej V Księgi Pantagruela (wyd. 1564) jest kwestionowana przez wielu badaczy. Istnieją dwie główne interpretacje twórczości Rabelais’ego: jako wytworu „kultury śmiechu ludowego” (M.M. Bachtin) oraz jako twórczości pisarza-humanisty, których połączenie daje o nim holistyczne wyobrażenie o nim. U Rabelais’ego zanika charakterystyczny dla powieści średniowiecznej konflikt między indywidualnym uczuciem a obowiązkiem społecznym: „ironicznie zreformowany język powieści rycerskiej służy wyrażaniu nowych wartości humanistycznych”. Rycerska narracja w księgach jego eposu jest wykorzystywana „do humanistycznej satyry, humanistycznej utopii, do karnawałowej minnipei” (E.M. Meletinsky). Do końca pierwszej połowy XVI w. proza schodzi w dół hierarchii literackiej i na długo ustępuje miejsca poezji.
Zwiastunami formalnych eksperymentów poetów renesansu i spadkobiercami doświadczeń szkoły Machauta byli „wielcy retorzy”, których twórczość rozkwitła w drugiej. podłoga. 15 – początek 16 wiek Ideologiem szkoły był J. Chatelain (ok. 1410–1475), który twierdził prymat formy nad treścią. Najwybitniejsi przedstawiciele ruchu (O. de Lamarche (1425–1502), O. de Saint-Gelais (1432–1502), J. Marot (1450?–1526), G. Chrétien (1460–1525) , J. Lemaire de Belge (1437–1525?), P. Grengor) próbowały przeniknąć ukryte warstwy języka, pozostając jednak w ramach średniowiecznych form poetyckich. W ich rozumieniu poezja staje się rzemiosłem, a ich kompozycje uważane są za jeden z pierwszych eksperymentów poezji dworskiej. Nacisk na sekularyzm i eksperymenty językowe szkoły wywarły wpływ na C. Maro (1496–1544), syna J. Maro, nadwornego poety Franciszka I. Maro, który zasłynął jako poeta liryczny i satyryczny (wiersz Piekło, 1526 ), jako tłumacz (Psalmy, Owidiusz) i innowator w dziedzinie formy. Otworzył sonet na literaturę francuską i wprowadził modę pisania herbów (Blazon na pięknym sutku, 1535). Obie te innowacje przejęli poeci „szkoły lyońskiej” (P. du Guillet, 1520–45; L. Labe, 1524?–1566; A. Eroe 1492–1568; C. Fontaine, 1513–1588). . Ich przywódca M. Sev (1500–1560) przewyższył się w formie herbem C. Maro (Brows, 1536). Zbiór Sewy Delii, skupiska najwyższej cnoty (1544), stał się najważniejszym doświadczeniem w głębokim postrzeganiu poezji Petrarki w literaturze francuskiej. Rozkwit Petrarchizmu we Francji wiąże się z twórczością poetów Plejad, na czele z P. Ronsardem (1524–1585), najwybitniejszym i uznanym poetą XVI w., oraz J. Du Bellayem (1522–1560). Szkoła poetycka wyrosła z kręgu młodych humanistycznych poetów, którzy zjednoczyli się, by studiować literaturę starożytną. Oprócz Ronsarda i Du Bellaya w skład Plejad (ostatecznie utworzonych pod koniec lat czterdziestych XVI wieku) wchodzili J. Dora (1508–1588), E. Jodelle (1532–1573), R. Bellot (1528–1577), J. A. de Baif (1532–1589), P. de Tillard (1521–1605). Reforma poezji i dramatu środkowego związana jest z działalnością Plejad. 16 wiek W traktacie programowym Du Bellaya Obrona i gloryfikacja języka francuskiego (1549) sformułowane zostały zasady rozwoju poezji narodowej: aktualizacja języka i literatury poprzez naśladowanie ducha źródła, wzbogacanie języka poprzez zapożyczenia i neologizmy . Zachowując orientację ku starożytności, poeci, w odróżnieniu od piszących po łacinie autorów tekstów „szkoły lyońskiej”, rozwinęli francuski język poetycki. Uczestnicy Plejad położyli podwaliny pod rozwój dramatu (Eugeniusz, 1552 i Zniewolona Kleopatra, 1553, Jodelle poprzedza poetykę sztuk klasycystycznych) i epopei heroicznej (Franciade, 1572, Ronsard) w literaturze francuskiej XVII i XVIII w. wieki.
Teatr francuski XVI wieku. połączyły jakby dwa teatry: jeden – ludowy, typowo średniowieczny, kwadratowy (szczególnie udane były soti), drugi – humanistyczny, kultywowany w szkołach wyższych i na dworze. Sztuki, czyli tragedie R. Garniera (1545–1590) są przykładem refrakcji wydarzeń epoki wojen domowych (1562–1598): jego świat artystyczny jest ponury i katastroficzny (Hippolytus, 1573; Marc- Antoine, 1578; Antygona, 1580; Żydzi, 1583).
Ostatnie dziesięciolecia XVI wieku, czas niestabilności politycznej i krwawych konfliktów religijnych, dały początek zjawisku „tragicznego humanizmu”. Późny cykl Sonnetów do Heleny Ronsarda (1578) zapowiada poetykę barokową: styl staje się bardziej kontrastowy i sprzeczny. Tragiczne nuty zaczynają brzmieć za Ronsardem nie tylko w poezji (F. Deporte, 1546–1606; J. de Spond, 1557–1595), ale także w opowiadaniach tego czasu (Lato B. Poisseno, 1583; Opowieści nowe, tragiczne i komiczne, 1585, V. Abanka). Ponadto gatunkowy opowiadanie ulega zmianom strukturalnym, narracja przesuwa się w stronę opowiadania swobodnego, rozważając temat interesujący autora (Loss, 1584, G. Boucher; Dziewięć porannych rozmów i popołudniowych rozmów, obydwa wyd. 1585, J. Dagano; A Way to Succeed, wyd. 1610, F.B. de Verville). Szczególnym fenomenem tego okresu były Eksperymenty (1580–1588) Michela de Montaigne’a (1533–1592), pisane w stworzonym przez niego elastycznym i swobodnym gatunku eseju. Refleksje filozoficzne autora odsłaniają motywy wpływowej wówczas szkoły stoicyzmu.
Najważniejszą postacią przełomu wieków jest protestancki myśliciel i pisarz T.A. d'Aubigne (1552–1630), którego teksty miłosne przesiąknięte są obrazami militarnymi (Wiosna 1573), a w epickim cyklu Wiersze tragiczne (1577–1573–1630). 1578; wyd. 1616) obrazy wojny domowej łączą się z fragmentami wizjonerskimi, zabarwionymi nastrojami apokaliptycznymi. Odkrycia „humanizmu tragicznego” znalazły ucieleśnienie w poetyce barokowej, która rozkwitła w literaturze francuskiej końca XVI – pierwszej tercji XVII w. wieki.
„Kultura wczesnego renesansu” - renesans lub renesans (francuski. Przybliżone ramy chronologiczne epoki to XIV-XVI wiek. Humaniści uważali, że celem życia nie jest służenie Bogu, ale praca dla dobra ludzi. Różnice nowej kultury Przyczyny powstania nowej kultury Kultura wczesnego renesansu we Włoszech Renesans, język włoski.
„Sztuka renesansu” – Posąg przeznaczony był na fontannę. Donatello (ok. 1386 - 1466) działał we Florencji, Sienie, Rzymie, Padwie. Historie ewangeliczne Giotto przedstawia jako rzeczywiste wydarzenia. Kreatywność Leonarda przed Vincim jest niewyczerpana. Lorenzo Gibberti (1381-1455) – kolejny przedstawiciel renesansu.
„Wczesny renesans we Włoszech” - Przyczyny pojawienia się nowej kultury. Sztuka wczesnego renesansu. Humanizm renesansowy. Kultura wczesnego renesansu we Włoszech. Boccacho. Sandro Botticellego. Odrodzenie i Kościół. Znaki renesansu. Odrodzenie. Związek renesansu ze starożytnością. Humaniści.
„Cechy renesansu północnego” – Ołtarz Gandawski. Hiszpania. Cechy renesansu północnego. Zamek Chenonceau. Architektura. Materiał edukacyjny. Anglia. Sztuka renesansu. J. Goujon. Wspaniała księga godzin księcia Berry. P. Lesko. Zamek Chambord. Kultura i sztuka renesansu. Muzyka północnego renesansu. Styl platereski.
„Sztuka i kultura renesansu” – we współczesnym znaczeniu termin ten został wprowadzony do użytku przez XIX-wiecznego francuskiego historyka Julesa Micheleta. Ogólnie rzecz biorąc, panteistyczny mistycyzm renesansu panujący w tej epoce stworzył niekorzystne tło ideologiczne dla rozwoju wiedzy naukowej. Wczesne odrodzenie. Architektura. W XVI w. narastał kryzys idei renesansowych, w wyniku którego wyłonił się manieryzm i barok.
„Renesans we Włoszech” - 2. Wysoki renesans, pierwsza ćwierć XVI wieku. Florencja (XII – XIII w.) – kolebka renesansu. Wczesny renesans. Maholeta. Dante (1265 - 1321) – Boska Komedia. Madonna z Dzieciątkiem – Albertinelli Mariotto. Sandro Botticelli Madonna z książką. Dziewczyna z gronostajem. Raphael Santi (1483 - 1520) – portrety, rzeźby, obrazy katedralne.
Łącznie w tej tematyce znajdują się 32 prezentacje
Gwałtowny rozkwit myśli humanistycznej we Francji przypada na pierwszą połowę panowania Franciszka I (1515-1547). Kampanie włoskie, zapoczątkowane przez jego poprzedników i przez niego kontynuowane, znacznie rozszerzyły stosunki kulturalne między obydwoma narodami. Silny wpływ Włoch jest jedną z najważniejszych cech francuskiego renesansu. Wczesny renesans we Francji - lata 70. XV wieku - Lata 20. XVI wieku. To czas kształtowania się nowego systemu edukacji we Francji, powstawania kręgów humanistycznych, publikacji i studiowania książek autorów starożytnych. Dojrzały renesans lat 20. - 60. XVI wieku. - okres powstania zbioru opowiadań „Heptameron” Margarity z Nawarry, wydanie słynnej powieści Francois Rabelais „Gargantua i Pantagrebel”. Późny renesans to czas kryzysu renesansu. W tym czasie pracowali wspaniali poeci Pierre de Ronsard (1524-1585), Joachin du Bellay (1522-1560), dramaturg Etienne Jodel (1532-1573), filozof i eseista Michel de Montaigne (1533-1592).
Pod koniec lat czterdziestych XVI w. powstało koło literackie składające się z kilku młodych szlachciców, którzy marzyli o zreformowaniu francuskiego języka poetyckiego i stworzeniu nowej humanistycznej poezji narodowej. Początkowo krąg nazywał się „Brygadą”, następnie na podstawie liczby członków kręgu zaczęto go nazywać „Plejadami” - nazwą konstelacji siedmiu gwiazd. Przywódcami koła byli Pierre de Ronsard i Joachin du Bellay. Manifest tego kręgu poetyckiego „Obrona i gloryfikacja języka francuskiego” został opublikowany w 1549 roku. i opracowane przez du Bellaya.
Praca ta składa się z dwóch części: pierwsza poświęcona jest problematyce języka poetyckiego, druga – teorii poezji. Oprócz uwag o charakterystyce poszczególnych gatunków i form, du Bellay pisze o dwóch stylach – wysokim, właściwym dla tragedii, ody i poematu epickiego, oraz niskim, charakterystycznym dla farsy i komedii. Du Bellay podaje szereg wskazówek dotyczących wersyfikacji. Nowa szkoła napotkała sprzeciw poetów dworskich, ale po wsparciu Henryka II odniosła zwycięstwo na dworze.
François Rabelais, największy artysta francuskiego renesansu, urodził się prawdopodobnie w 1494 roku w Chinon. Był najmłodszym synem drobnego urzędnika sądowego. W 1510 wstąpił do francuskiego klasztoru i przebywał w Fontaine-Lecomte do 1521. Otrzymał także stopień kapłański. Ale tytuł duchowy niewiele pociągał Rabelais’go: chciał się uczyć. W krótkim czasie nauczył się łaciny i greki. Z trudem znajdowałem greckie książki i dużo czytałem. Zakonnicy zabrali jego księgi i dopiero przyjaciele uratowali Rabelaisego, uzyskując papieskie pozwolenie na wstąpienie do zakonu benedyktynów. W opactwie benedyktynów w Malieuse, przy wsparciu miejscowego biskupa, kontynuował naukę. Ponadto zainteresował się naukami przyrodniczymi i medycyną.
W 1528 r. Rabelais udał się do Paryża, następnie w 1530 r. w Montpellier, gdzie wykładał i zarabiał na życie jako lekarz lub jako ksiądz. W 1532 r pracował jako lekarz w dużym szpitalu w Lyonie. Stąd nawiązał kontakt z Erazmem z Rotterdamu. Tutaj w 1533 r ukazała się jego pierwsza część „Pantagruela” - „Przerażające i przerażające czyny oraz wyczyny słynnego „Pantagruela”.
„Panagruel” został pomyślany jako kontynuacja księgi ludowej: ta sama fabuła, ci sami giganci, ale zupełnie inne znaczenie i zupełnie inny nastrój.
Pierwsza książka opisuje dzieciństwo i szkolenie giganta, jego podróże i przygody. W 1534 r. z Francji do Rzymu przybyła ambasada króla Franciszka z biskupem Jeanem du Bellay i jego lekarzem Rabelais. Rabelais odwiedził Włochy po raz pierwszy i niezbyt długo – od stycznia do kwietnia 1534 roku.
W 1527 roku, siedem lat temu, Rzym padł ofiarą Hiszpanów i niemieckich lancknechtów, dlatego ślady tej klęski były widoczne na każdym kroku w mieście: zniszczone budynki, czarne ściany domów po pożarze.
Rabelais miał już około czterdziestu lat. Wiedział dużo, ale we Włoszech miał okazję dowiedzieć się jeszcze więcej. Po powrocie do ojczyzny pisarz opublikował kolejny tom swojego eposu zatytułowany „Opowieść o strasznym życiu wielkiego Gargantui, ojca Pantagruela” (1534). W drugiej książce Rabelais nie tylko stawia, ale także rozstrzyga zagadnienia wojny, pokoju i sprawiedliwych rządów (walka 1 Ranguziera z królem-gwałcicielem Pikrocholusem), pedagogiki humanistycznej (historia wychowania Gargantui) oraz nauki teologiczno-scholastycznej (satyryczne portrety sorbonistów, zainteresowania i poglądy Gargantui).
W latach 1535-1536 Rabelais odbył kolejną podróż do Włoch z du Bellayem, studiując botanikę, archeologię i kulturę starożytną. W 1542 r. wydał oba tomy swojej powieści, a w 1545 r. ubiegał się o przywilej królewski na wydanie trzeciej księgi. Rok później ukazała się „Księga trzecia…”, podpisana w imieniu mistrza François Rabelais, doktora medycyny.
Już w pierwszej książce autor przedstawia nam rozpustnego przyjaciela Pantagruela, Panurga, który później zajmie jedno z najważniejszych miejsc w powieści. Księga trzecia opowiada o zamiarze zawarcia małżeństwa przez Panurga i jego obawie przed konsekwencjami tego kroku – strachem przed „rogami”. Problem małżeństwa Panurga rozwija się w kwestię relacji między mężczyzną i kobietą, w analizę społecznej i kulturowej roli kobiety.
Pomimo pewnej ostrożności Rabelais'go wobec jego odwiecznych wrogów, książka, podobnie jak dwie pierwsze, została potępiona przez Sorbinę. W tym czasie w klasztornych lochach Frakcji polała się krew, na placach płonęły ognie Inkwizycji, a bliscy przyjaciele pisarza stali się ofiarami fanatyzmu. Wkrótce po opublikowaniu „Trzeciej księgi”, w tym samym 1546 roku, na Place Maubert w Paryżu spalono starego towarzysza broni i przyjaciela Rabelais’ego, Etienne Dolet. Król Franciszek był chory i Rabelais nie liczył na jego pomoc. W 1547 roku zmarł Franciszek, Rabelais nie miał żadnych powiązań ze swoim następcą, Henrykiem II, dlatego zdecydował się opuścić Francję.
Rabelais przeniósł się do Metz, gdzie rozpoczął pracę jako lekarz. Kardynał du Bellay wspierał go finansowo i w sierpniu 1547 zabrał go ze sobą ponownie do Włoch. W tym okresie Rabelais przebywał we Włoszech dość długo, aż do listopada 1549 roku.
Przed wyjazdem do Włoch Rabelais pokazał swojemu wydawcy „Księgę czwartą”, opublikowaną w 1548 roku. Księga czwarta opowiada o podróży Pantagruela i Panurga wraz z towarzyszami do odległych Chin, do wyroczni po radę: czy Panurg powinien się ożenić, czy nie. Kompania zatrzymuje się w wielu miejscach, odwiedzając wyspy Prokuratury, gdzie mieszkają prawnicy i łajdacy. Szyderczy śmiech Rabelais’ego uderzył nie tylko w próżniaków, kapusiów, żarłoków itp., ale także z nową energią w duchownych i samą religię w agresywną politykę tyranskich władców itp.
Przed publikacją „Księgi Czwartej” w lutym 1552 r. Rabelais ukrywał się. Najwyraźniej miał świadomość przyszłego zawarcia pokoju między królem a papieżem, co nastąpiło w kwietniu 1552 roku. Rabelais zmarł w Paryżu i tam został pochowany w drugiej połowie 1553 roku.
W 1562 r. ukazała się drukiem częściowo pod tytułem „Wyspa brzmiąca”, a w 1564 r. w całości „Księga piąta”, zredagowana i znacznie rozszerzona przez osobę bliską pisarzowi.
W piątej księdze podróżnicy przybywają na wyspę Zvonki, zamieszkaną przez dziwne ptaki: „duchowieństwo, ikony, księża, opaci, biskupi, kardynałowie i jedyny w swoim rodzaju papież”. Od czasu do czasu przyjeżdżali tu brzydcy „obłudnicy”.
Panurg, zapoznawszy się ze wszystkimi zwyczajami ptaków. Woła: „W tym kraju panuje całkowite oszustwo, oszustwo i oszustwo – nie daj Boże”. Na wyspie Fluffy Cats, gdzie mieszkają prawnicy żywiący się małymi dziećmi, panuje otwarta, nieskrywana tyrania.
W końcu podróżnicy spotkali się z wyrocznią, która w odpowiedzi na wątpliwości co do małżeństwa radzi Panurgowi: „Trink”, tj. drink. Rabelais w swoich książkach demaskuje stary świat, a jednocześnie naraża go na ośmieszenie przy ogłuszającym śmiechu mas. Książka Rabelais’ego zapisała się w historii kultury ludzkiej jako najjaśniejszy przejaw francuskiego, i nie tylko francuskiego renesansu.
W okresie renesansu literatura rozwijała się dynamicznie i szybko, obejmując swoim zasięgiem całe terytorium Europy i nie tylko. W każdym państwie rozwój przebiegał z inną dynamiką i na innych podstawach, ale wszystkich łączył jeden fakt – ogromny krok naprzód.
Włochy
Włochy bez wątpienia można nazwać „kolebką” całego europejskiego renesansu. Nie jest to zaskakujące, ponieważ to tutaj jako pierwsze rozwinęły się i zostały ustalone przesłanki społeczno-ekonomiczne do tego. We Włoszech stosunki o charakterze kapitalistycznym zaczęły się tworzyć dość wcześnie, w związku z czym ludzie zainteresowani rozwojem takich stosunków musieli opuścić kuratelę kościoła i ucisk feudalizmu. Z reguły były to osoby o wielostronnym światopoglądzie, często podróżujące, znające kilka języków i aktywnie uczestniczące we wszelkiego rodzaju wydarzeniach politycznych.
Włoską literaturę renesansu charakteryzują idee humanistyczne, które po raz pierwszy zostały zademonstrowane w dziełach wielkiego Dantego Alighieri. Pisarze bardzo często sięgali do folkloru, mądrości ludowej i sztuki ludowej w poszukiwaniu inspiracji oraz nowych obrazów i wątków. Między innymi włoscy mistrzowie pisma czerpali swoją wiedzę od autorów starożytnych. Główną cechą charakteryzującą literaturę renesansu we Włoszech jest fakt, że głównym bohaterem dzieł jest osoba. Jest obdarzony silnym duchem i charakterem. Literatura ukazuje życie między innymi poprzez pełne ukazanie jego sprzeczności.
Scena z Boskiej Komedii Dantego Alighieri
Francja
Rozwój literatury w okresie renesansu we Francji przebiegał niemal według tego samego scenariusza, co we Włoszech. Ale różnice nadal istniały. Przede wszystkim we Francji panowała pełna monarchia, rozwijał się absolutyzm i szerzyła się nowa religia – kalwinizm. Wszystko to wpłynęło na literaturę i wprowadziło własne poprawki. Jednak w ówczesnej literaturze francuskiej wpływ kultury włoskiej jest bardzo wyraźnie widoczny. Mistrzowie pisarstwa francuskiego renesansu, w porównaniu ze średniowiecznymi, charakteryzują się niezwykle silnym poszerzeniem horyzontów, realistycznym podejściem do współczesności i szeroką gamą zainteresowań intelektualnych.
Ewolucję literatury francuskiej tamtej epoki można podzielić na dwa etapy – wczesny, kiedy dominował optymizm i idee humanistyczne, oraz późny, kiedy na skutek rozłamu religijnego i sytuacji politycznej narodziły się wątpliwości i rozczarowania. Wśród najwybitniejszych pisarzy tamtych czasów można wyróżnić Pierre'a de Ronsarda i Francois Rabelais.
F. Rabelais. „Gargantua i Pantagruel”