Натюрморт завтраки были популярны в. Изысканный голландский натюрморт – шедевры тихой жизни

Удивительное явление в истории мирового изобразительного искусства имело место в Северной Европе XVII века. Оно известно как голландский натюрморт и считается одной из вершин в живописи масляными красками.

У ценителей и профессионалов существует твердое убеждение, что такого количества великолепных мастеров, обладавших высочайшей техникой и создавших столько шедевров мирового уровня, при этом живших на небольшом пятачке европейского континента, в истории искусства больше не встречалось.

Новый смысл профессии художника

Особое значение, которое приобрела профессия художника в Голландии с начала XVII века, стало результатом появления после первых антифеодальных революций зачатков нового буржуазного строя, формирования класса городских бюргеров и зажиточных крестьян. Для живописцев это были потенциальные заказчики, формировавшие моду на произведения искусства, сделавшие голландский натюрморт востребованным товаром на зарождающемся рынке.

В северных землях Нидерландов реформаторские направления христианства, возникшие в борьбе против католичества, стали самой влиятельной идеологией. Это обстоятельство в числе других сделало голландский натюрморт основным жанром для целых художественных цехов, Духовные лидеры протестантизма, в частности кальвинистов, отрицали душеспасительное значение скульптуры и живописи на религиозные сюжеты, они изгнали из церкви даже музыку, что заставило живописцев искать новые сюжеты.

В соседней Фландрии, оставшейся под влиянием католиков, изобразительное искусство развивалось по другим законам, но территориальное соседство обуславливало неизбежное взаимное влияние. Ученые - историки искусства - находят много того, что объединяет голландский и фламандский натюрморт, отмечая присущие им кардинальные отличия и уникальные особенности.

Ранний цветочный натюрморт

«Чистый» жанр натюрморта, появившийся в XVII веке, в Голландии принимает особые формы и символическое название «тихая жизнь» - stilleven. Во многом голландский натюрморт стал отражением бурной деятельности Ост-Индской компании, привозившей с Востока предметы роскоши, до того не виданные в Европе. Из Персии компания привезла первые тюльпаны, которые стали впоследствии символом Голландии, и именно цветы, изображенные на картинах, стали самым популярным украшением жилых домов, многочисленных контор, магазинов и банков.

Назначение виртуозно написанных цветочных композиций было многообразным. Украшая дома и офисы, они подчеркивали благосостояние их хозяев, а для продавцов цветочных саженцев, луковиц тюльпанов они были тем, что теперь называется визуальным рекламным продуктом: постерами и буклетами. Поэтому голландский натюрморт с цветами - прежде всего ботанически точное изображение цветов и плодов, в то же время наполненное множеством символов и аллегорий. Таковы лучшие полотна целых мастерских, во главе которых были Амбросиус Босхарт Старший, Якоп де Гейн Младший, Ян Баптист ван Форненбург, Якоб Ваутерс Восмар и др.

Накрытые столы и завтраки

Живопись в Голландии XVII века не могла избежать влияния новых общественных отношений, и развития экономики. Голландский натюрморт 17 века был выгодным товаром, и для «производства» картин организовывались большие мастерские. Кроме живописцев, среди которых появлялась жесткая специализация и разделение труда, там работали те, кто готовил под картины основу - доски или холст, грунтовал, изготавливал рамы и т. д. Жесткая конкуренция, как при любых рыночных отношениях, приводила к повышению качества натюрмортов до очень высокого уровня.

Жанровая специализация художников приняла и географический характер. Цветочные композиции писались во многих голландских городах - Утрехте, Делфте, Гааге, но именно Харлем стал центром развития натюрмортов, изображавших сервированные столы, продукты и готовые блюда. Подобные полотна могут быть разнообразны по масштабу и характеру, - от сложных и многопредметных до лаконичных. Появились «завтраки» - натюрморты голландских художников, изображающие разные стадии трапезы. На них запечатлено присутствие человека в виде крошек, надкушенных булочек и т. д. Они рассказывали интересные истории, наполненные общими для картин того времени аллюзиями и морализаторскими символами. Особо значимыми считаются полотна Николаса Гиллиса, Флориса Герритс ван Схотена, Клары Петерс, Ханса Ван Эссена, Рулофа Кутса и др.

Тональный натюрморт. Питер Клас и Виллем Клас Хеда

Для современников были актуальны и понятны символы, которыми насыщен традиционный голландский натюрморт. Картины по содержанию были подобны многостраничным книгам и особенно ценились за это. Но существует понятие, в не меньшей степени впечатляющее и современных знатоков, и любителей живописи. Его называют "тональный натюрморт", и главное в нем - высочайшее техническое мастерство, удивительно изысканный колорит, потрясающее мастерство в передаче тонких нюансов освещения.

Этим качествам всемерно соответствуют полотна двух ведущих мастеров, картины которых относят к лучшим образцам тонального натюрморта: Питера Класа и Виллема Клас Хеда. Они выбирали композиции из небольшого количества предметов, лишенных ярких красок и особой декоративности, что не мешало им создавать удивительные по красоте и выразительности вещи, ценность которых не уменьшается со временем.

Суета сует

Тема бренности жизни, равенства перед смертью и короля, и нищего, была очень популярна в литературе и философии того переходного времени. А в живописи она нашла выражение в картинах, изображавших сюжеты, главным элементом которых был череп. Такой жанр получил название vanitas - с латинского «суета сует». Популярности натюрмортов, похожих на философские трактаты, способствовало развитие науки и образования, центром которых был знаменитый на всю Европу университет в Лейдене.

Vanitas занимает серьезное место в творчестве многих голландских мастеров того времени: Якоба де Гейна Младшего, Дэвида Гейна, Хармена Стенвейка и др. Лучшие образцы «ванитас» - не простые страшилки, они вызывают не безотчетный ужас, а спокойное и мудрое созерцание, наполненное раздумьями о самых важных вопросах бытия.

Картины-обманки

Картины - самое популярное украшение голландского интерьера со времен позднего средневековья, которое могло себе позволить растущее население городов. Чтобы заинтересовать покупателей, художники прибегали к разным уловкам. Если позволяло мастерство, они создавали «обманки», или «тромплей», от французского trompe-l"oeil - обман зрения. Смысл был в том, что типичный голландский натюрморт - цветы и фрукты, битая птица и рыба, или предметы, связанные с наукой - книги, оптические приборы и т. д.- содержал полную иллюзию реальности. Книга, которая выдвинулась из пространства картины и вот-вот упадет, муха, севшая на вазу, которую хочется прихлопнуть - типичные сюжеты для картины-обманки.

Картины ведущих мастеров натюрмортов в стиле «тромплей» - Герарда Доу, Сэмюэла ван Хогстратена и др. - часто изображают углубленную в стену нишу с полками, на которых находится масса самых разных вещей. Техническое мастерство художника в передаче текстур и поверхностей, света и тени было так велико, что рука сама тянулась за книгой или бокалом.

Период расцвета и время заката

К середине XVII века основные разновидности натюрморта в картинах голландских мастеров достигают наивысшего расцвета. Становится популярным «роскошный» натюрморт, ведь благосостояние бюргеров растет и богатая посуда, драгоценные ткани и продуктовое изобилие не выглядит чужеродным в интерьере городского дома или богатой сельской усадьбы.

Картины увеличиваются в размерах, они поражают количеством разнообразных текстур. При этом авторы ищут пути повышения занимательности для зрителя. Для этого традиционный голландский натюрморт - с фруктами и цветами, охотничьими трофеями и разнообразной по материалам посудой - дополняется экзотическими насекомыми или мелкими животными и птицами. Кроме создания привычных аллегорических ассоциаций художник часто вводил их просто для положительных эмоций, для повышения коммерческой привлекательности сюжета.

Мастера «роскошного натюрморта» - Ян ван Хёйсум, Ян Давидс де Хем, Франсуа Рейкхалс, Виллем Калф - стали предвестниками наступающего времени, когда важным становилась повышенная декоративность, создание внушительного впечатления.

Конец золотого века

Менялись приоритеты и мода, постепенно уходило в прошлое влияние религиозных догм на выбор сюжетов для живописцев, уходило в прошлое само понятие золотого века, который знала голландская живопись. Натюрморты вошли в историю этой эпохи как одна из важнейших и впечатляющих страниц.

Питер Класс «Завтрак с ветчиной» 1647 г

Специалисты утверждают, что каждый натюрморт несет свой скрытый смысл, который был понятен современникам. А мы можем только догадываться о том, что и кому хотел сказать художник.

Голландский натюрморт 17 века характеризует узкая специализация голландских мастеров внутри жанра. Тема «Цветы и фрукты», включает, как правило, и разнообразных насекомых. «Охотничьи трофеи» - это, прежде всего, охотничьи трофеи - битая птица и дичь. «Завтраки» и «Десерты», а также изображения рыбы - живой и уснувшей, разнообразных птиц – лишь часть наиболее известных тем натюрмортов.

В своей совокупности эти отдельные сюжеты характеризуют и пристальный интерес голландцев к сюжетам повседневной жизни, и их любимые занятия, и увлеченность экзотикой дальних земель (в композициях присутствуют диковинные раковины, фрукты). Часто в произведениях с мотивами «живой» и «мертвой» натуры закладывается символический подтекст, легко понятный образованному зрителю XVII века.

Так, сочетание отдельных предметов могло служить намеком на бренность земного существования: увядающие розы, курильница, свеча, часы; или связывалось с осуждающимися моралью привычками: лучины, курительные трубки; или указывало на любовную интригу; письмо, музыкальные инструменты, жаровня. Нет никакого сомнения, что значение этих композиций значительно шире их символического содержания.

Голландские натюрморты привлекают, прежде всего, своей художественной выразительностью, завершенностью, умением раскрыть одухотворенную жизнь предметного мира.

В отличие от фламандцев, предпочитающих крупные, по размерам, картины с обилием всевозможных предметов, живописцы Голландии ограничиваются немногочисленными объектами созерцания, стремясь к предельному композиционному и цветовому единству. Натюрморт («Stilleven» - что по-голландски означает - «тихая жизнь») – это своеобразная и достаточно популярная ветвь голландской живописи.

Голландский натюрморт 17 века

Питер Класс «Трубка и жаровня» 1636 г

Балтазар ван дер Аст «Натюрморт с фруктами»

Балтазар ван дер Аст «Тарелка с плодами и раковинами» 1630 г

Мелхиор де Хондекутер «Птицы в парке»

Бартоломеус ван дер Хелс «Новый рынок в Амстердаме» 1666 г

Виллем клас Хедп «Завтрак с крабом» 1648 г

Фердинанд Бол «Битая дичь»

Абрахам Миньон «Плоды»

Мелхиор де Хондекутер «Охотничьи трофеи»

Иоханнес Леманс «Охотничий натюрморт»

Мартен Буллема де Стомме. «Натюрморт с кубком-наутилусом»

Виллем Хеда. «Натюрморт с ветчиной». 1656

Ян Брейгель Старший. «Цветы в деревянном вазоне». 1606/07 гг.

Амброзиус Боссхарт Старший. «Букет цветов в нише». 1618 г

Балтасар ван дер Аст. «Корзина с цветами». 1622 г.

Ханс Боллонгиер. «Цветочный натюрморт». 1639 г.

Николас Гиллис. «Накрытый стол». 1611 г.

Флорис ван Дейк. «Натюрморт с сыром». Ок. 1615 г.

Якоб ван Хюльсдонк. «Натюрморт с артишоками, редисом, спаржей, сливами и персиками в корзине». 1608-1647 гг.

Клара Петерс. «Сервированный стол». 1611

Виллем Клас Хеда. «Натюрморт с серебряным кувшином и пирогом». 1645 г.

Питер Клас. «Натюрморт с солонкой». Ок. 1644

Геррит Виллемс Хеда. «Натюрморт с глиняным кувшином»

Флорис Герритс ван Схотен. «Натюрморт с фруктами, овощами и сценой ужина в Эммаусе». 1630

Корнелис Делфф. «Кухонный натюрморт». 1610-1620

Пройдя ряд этапов, из которых каждый обладал своей специфической и своеобразной значимостью, голландский натюрморт широко охватил мир вещей и органической природы. От первой стадии в творчестве художников начала века с фиксированием выставленных как бы напоказ вещей живописцы следующего поколения перешли к скромным «завтракам» со сгруппированными на белой скатерти металлическими и стеклянными предметами (Клас , Хеда). Эти «завтраки» отличаются простотой изображённых вещей: булочка, оловянные блюда, стеклянные сосуды - вот основные компоненты выдержанных в сероватой красочной гамме изображений. Несколько рыб в картинах Ормеа и Пюттера, кухонный натюрморт роттердамских художников отражают скромные пуританские вкусы демократических слоев в первой половине столетия.

Но по мере утверждения республиканского строя и последующего укрепления власти буржуазного класса, а затем постепенной аристократизации его меняются и требования, предъявляемые к искусству. Натюрморт утрачивает свой скромный, простой характер. «Завтраки» становятся роскошнее и пышнее, поражая богатством колорита. Они теперь строятся на сочетании тёплых тонов ковровых скатертей и разложенных на блюдах дельфтского фаянса или китайского фарфора оранжевых, жёлтых, красных фруктов, оживлённых сверканием золочёных кубков и стеклянных бокалов, на поверхности которых играет свет. Свидетельствующие о полном владении передачей материала и освещения, насыщенные цветом, натюрморты Кальфа , Бейерена , Стрека характеризуют пору наивысшего расцвета натюрморта.

Не только время влияло на тематику и становление натюрморта, но и многое другое: локальные особенности, хозяйственный уклад, типичный для того или иного города, часто определяет тематику и даже трактовку произведения местного художника. Отнюдь не случайно, что в быстро развивающемся Харлеме с его крепкими объединениями горожан раньше всего сложился тип тонального натюрморта, а в средоточии хозяйственной и культурной жизни Голландии - Амстердаме - протекала деятельность создателей роскошных десертов Кальфа и Стрека. Близость Схевенингенского побережья вдохновила живущего в Гааге Бейерена на создание натюрморта с рыбами, а в университетском центре - Лейдене - возник глубокомысленный натюрморт с изображением черепа и песочных часов, долженствующих напомнить о бренности земного существования. Тут же были распространены картины с изображением учёного в окружении фолиантов, глобусов и других предметов научного обихода, часто заполняющих весь первый план.»

Строгое разделение натюрмортов на жанры невозможно, так как зачастую в одной картине объединялось несколько мотивов, тем не менее, можно выделить наиболее распространённые жанры.

Энциклопедичный YouTube

    1 / 5

    Голландский натюрморт. Как написать хризантему

    Эрмитаж. Живопись малых голландцев

    Лувр: Самый большой музей мира. 10 Фламандская и Голландская живопись 17 века. Рубенс, Рембрандт

    Голландский натюрморт.

    Эрмитаж. Искусство Фландрии и Голландии

    Субтитры

Цветочный натюрморт

В цветочных натюрмортах художники изображали тюльпаны, розы, гладиолусы, гиацинты, гвоздики, лилии, ирисы, ландыши, незабудки, фиалки, виолы, маргаритки, нигеллы, розмарины, анемоны, календулу, левкои, мальвы и другие цветы.

Одним из первых художников семнадцатого века, писавших вазы с цветами, был Якоб (Жак) де Гейн Младший (1565-1629). Для его творчества характерны вытянутый вертикальный формат картин, многоярусное расположение цветов с чередованием крупных и мелких растений, а также использование приёмов, которые станут весьма популярными среди художников данного жанра: встраивание букета цветов в нишу и изображение рядом с вазой мелких животных.

Появление в цветочных натюрмортах в качестве вспомогательных деталей насекомых, животных и птиц, раковин является отражением традиции использования скрытых значений изображаемых предметов, имеющих символическое значение. Различные символы появляются в натюрмортах всех жанров.

Последователями Якоба де Гейна Младшего являлись Ян Баптист ван Форненбург (1585-1649) и Якоб Ваутерс Восмар (1584-1641).

Форненбург писал букеты из тюльпанов, нарциссов, роз, физалиса, при этом в его картинах встречаются мотивы «суеты сует » и классической «обманки ».

Характерной чертой картин Восмара также является мотив «суеты сует» в виде поникшей розы. Часто он изображал в натюрмортах муху, бабочку-крапивницу, бабочку-капустницу, стрекозу и пчелу.

Основателем целой династии мастеров натюрмортов с цветами и фруктами был Амбросиус Босхарт Старший (1573-1621). В династию входили три сына (Йоханнес, Абрахам и Амбросиус), два шурина (Йоханнес и Балтасар ван дер Асты) и зять (Иеронимус Свертс).

Босхарт писал небольшие натюрморты с букетом в вазе (в ряде случаев это была ваза из китайского фарфора), поставленной в нише или на подоконнике окна. В качестве антуража в его картинах помимо мелких животных встречаются раковины.

Среди сыновей Босхарта наиболее ярко талант художника проявился у Йоханнеса Босхарта (1610/11 - после 1629). Отличительные черты его творчества - расположение предметов по диагонали картины и матово-металлический колорит.

Амбросиус Босхарт Младший (1609-1645) использовал приемы светотеневой моделировки утрехтских караваджистов .

Абрахам Босхарт (1612/1613 - 1643) копировал приёмы своих братьев.

Продолжателями традиций Босхарта стали братья жены Амбросиуса Босхарта - Йоханнес и Балтасар ван дер Асты.

Известна лишь одна картина Йоханнеса ван дер Аста.

Большое значение для развития натюрморта имело творчество старшего из братьев - Балтасара ван дер Аста (1593/1594 - 1657), оставившего богатое творческое наследие - более 125 картин. Он любил изображать на столе корзину с цветами или блюдо с фруктами, а на переднем плане вдоль кромки стола помещал раковины, плоды и бабочек. В некоторых его картинах изображены попугаи.

К школе Амбросиуса Босхарта Старшего относится Рулант Саверей (1576-1639). Его натюрморты построены по принципу букета цветов, расположенного в нише. Он добавлял в картины мотивы «суеты сует», в качестве антуража использовались жук-могильщик, навозная муха, бабочка мёртвая голова и другие насекомые, а также ящерицы.

Творчество Амбросиуса Босхарта оказало воздействие на таких художников как Антони Клас I (1592-1636), его однофамилец Антони Клас II (1606/1608 - 1652) и зять Амбросиуса Босхарта Старшего - Иеронимус Свертс.

В творчестве Ханса Боллонгиера (около 1600 - после 1670) широко использовались приемы утрехтского караваджизма. С помощью светотени художник выделял цветы на фоне полумрака.

Дальнейшее развитие цветочного натюрморта наблюдалось в творчестве мидделбургских мастеров: Кристоффела ван ден Берге (около 1590 - после 1642), изображавшего в цветочных натюрмортах и элементы «суеты сует»: бутыль с вином, табакерку, курительную трубку, игральные карты и череп; и Йоханнеса Гударта, широко использовавшего в качестве антуража насекомых и птиц.

К школе дордрехтских мастеров цветочного натюрморта относятся Бартоломеус Абрахамс Асстейн (1607(?) - 1667 или позднее), Абрахам ван Калрат (1642-1722), отец знаменитого пейзажиста и анималиста Алберта Кёйпа Якоб Герритс Кёйп (1594 - 1651/1652). Для их творчества характерно широкое использование светотени.

«Сервированные столы» («Завтраки», «Десерты», «Банкеты»)

Родиной и центром «сервированных столов» был Харлем . Предпосылкой создания этого типа натюрморта было широкое распространение ещё в XVI веке портретов участников стрелковых гильдий во время банкета. Постепенно изображение накрытого стола стало самостоятельным жанром.

Набор предметов, образующих натюрморт, первоначально включал традиционные для голландцев продукты: сыр, ветчина, булочки, фрукты, пиво. Однако потом в натюрмортах все больше стало появляться характерных для торжественных случаев или столов зажиточных горожан яств: дичь, вино, пироги (самым дорогим был пирог с ежевикой). Помимо традиционной селёдки появились омары, креветки, устрицы.

Стала использоваться и дорогая посуда из серебра и китайского фарфора, кувшины, таццы. Особым вниманием художников пользовались бокалы: рёмер, беркемайер, пас-бокал, флёйт-бокал, венецианский бокал, акелей-бокал. Наиболее изысканным был кубок-«наутилус».

Частыми атрибутами натюрмортов были солонка и столовый нож. В качестве колоритного пятна нередко использовался наполовину очищенный лимон.

Одним из самых ранних натюрмортов, демонстрирующих сервировку голландского стола, является «Накрытый стол» Николаса Гиллиса (около 1580 - после 1632). Художник в своих картинах использовал повышенную точку зрения.

Для натюрмортов Флориса Герритса ван Схотена (около 1590 - после 1655) характерна многосложность, он использовал большое количество предметов, причем основным предметом часто была горка сыров. В ряде случаев он использовал приём перемещения акцента натюрмортной группы в сторону от геометрического центра картины.

Значительной фигурой этого вида натюрмортной живописи был Флорис ван Дейк (1575-1651). Центром его картин была пирамида из сыров, задний план растворялся в дымке.

В этом же виде натюрморта специализировалась Клара Петерс (1594-1657). Она часто изображала дорогую изысканную посуду, омаров и устриц. В некоторых своих натюрмортах она использовала пониженную точку зрения, чуть ли не на уровне стола.

Близкие Петерс композиции создавал Ханс ван Эссен (1587/1589 - после 1648).

Рулоф Кутс (1592/1593 - 1655) применял прием нарочитой небрежности, тарелка или нож на его картинах наполовину свисали с края стола. Одним из первых он стал создавать полотна, изображающие не накрытый стол, а стол со следами закончившегося завтрака, внося в картины мотивы «суеты сует»: часы, книги, упавшие виноградины.

На раннем этапе своего творчества создавал картины данного жанра и Питер Клас.

Тональный натюрморт

Во главе тонального голландского натюрморта стояли проживавшие в Харлеме Питер Клас и Виллем Клас Хеда.

Сохранилась традиция изображения хозяйки дома, кухарки или слуг, хотя они всё чаще передвигались на второй план. На первом плане были кухонная посуда и принесённые на кухню мясо, рыба и множество овощей: тыква, репа, брюква, капуста, морковь, горох, фасоль, лук и огурцы. У более состоятельных людей на столе появлялись цветная капуста, дыни, артишоки и спаржа.

Питер Корнелис ван Рейк (1568-1628) писал картины в традициях XVI века, порой с библейскими сценами на втором плане.

Корнелис Якобс Делфф (1571-1643) использовал повышенную точку зрения и на первый план любил размещать кухонную посуду.

Писал кухонные сцены и известный мастер «накрытых столов» Флорис Герритс ван Схотен, иногда в свои натюрморты он включал и жанровые мотивы.

Корнелис Питерс Беги (1631/1632 - 1664) пошёл ещё дальше, включив в натюрморт пришедшего в гости к крестьянам сатира .

Жанрист и портретист Готфрид Схалкен (1643-1706) изображал кладовку с бочками вина и припасами.

Группа мастеров бытового жанра братья Корнелис и Герман Сафтлевены (1607/1608 - 1681 и 1609-1685), Питер де Блот (1601-1658), Хендрик Мартенс Сорг (1611-1670) и Экберт ван дер Пул (1621-1664) также писали «кухонные» натюрморты с жанровыми мотивами, но доминировали в их картинах всё же предметы быта.

Близки к работам роттердамских жанристов и натюрморты известного мастера «крестьянских завтраков» Филипса Ангела.

В отличие от художников, изображавших кухни зажиточного бюргера с его чистотой и порядком, Франсуа Рейкхалс (после 1600 - 1647) писал бедные крестьянские кухни.

Более 60 своих работ посвятил теме кухонного натюрморта известный мастер «роскошных» натюрмортов Виллем Калф.

«Рыбный» натюрморт

Колыбелью натюрморта с рыбами стала Гаага . Близость Схевенингена располагала художников не только к написанию марин , но и к созданию особого вида натюрмортной живописи - картин с изображением рыб и морских животных.

Основоположниками этого вида натюрморта были: Питер де Пюттер, Питер ван Схайенборг и Питер ван Норт.

Питер де Пюттер (1600-1659) избирал высокую точку зрения, с которой хорошо видно стол с рыбой, иногда в натюрморт добавлялась сеть.

Питер ван Схайенборг (? - после 1657) писал рыб на сером или жёлто-коричневом фоне.

Особым колоритом обладали картины Питера ван Норта (около 1600 - ?), красочно передававшего блеск чешуи.

Главным представителем этого направления живописи стал Абрахам ван Бейерен (1620/1621 - 1690), который работал и во многих других жанрах натюрморта, писал и марины. Он изображал рыб и на столе, и на морском берегу.

Возможно, учеником ван Бейерена был Исаак ван Дюйнен (1628 - 1677/1681).

К числу мастеров «рыбного» натюрморта можно причислить и пейзажиста Алберта Кёйпа (1620-1691).

«Рыбным» натюрмортом увлекались утрехтские мастера Виллем Ормеа (1611-1673) и его ученик Якоб Гиллиг (около 1630 - 1701).

«Суета сует» (Vanitas, Memento mori, «учёный» натюрморт)

Важное место в нидерландской живописи занял философски-нравоучительный натюрморт, получивший латинское название «vanitas » («суета сует»).

«В идейных основах этого направления своеобразно переплелись средневековые представления о бренности всего земного, морализующие тенденции кальвинизма и гуманистический идеал мудрого человека, стремящегося к истине и красоте».

Наиболее часто встречающимися символами бренности в натюрмортах «суета сует» были: череп, погасшая свеча, часы, книги, музыкальные инструменты, увядшие цветы, опрокинутая или разбитая посуда, игральные карты и кости, курительные трубки, мыльные пузыри, печати, глобус, и т.д. Порой художник включал в произведение лист пергамента с латинским изречением на тему «суета сует».

Первый дошедший до нас натюрморт XVII века, относящийся к жанру «суета сует», был написан Якобом де Гейном Младшим.

«В верхней части ниши, на капителях фланкирующих ее пилонов, помещены скульптурные изображения женской и мужской фигур, а на замковом камне свода ниши выбита латинская надпись: «HUMANA VANА», которую можно перевести как «человеческая суета - напрасна». Этот девиз позволяет понять символику фигур, из которых первая, словно предупреждая об эфемерности мыльной сферы, указывает на нее пальцем, а вторая, как бы размышляя о тщете человеческих деяний, в раздумье оперлась головой о согнутую в локте руку. Справедливость латинского изречения подтверждается изображением черепа - символа смерти, пресекающей и добрые и злые человеческие деяния, и мыльного пузыря, выражающего трагическую судьбу природной материи, обреченной исчезнуть в водовороте бытия».

Якоб де Гейн Младший проживал в Лейдене, городе, в котором был открыт первый голландский университет и который являлся центром книгопечатанья. Именно Лейден стал центром «учёного» натюрморта.

Большое влияние на развитие натюрморта типа «суета сует» оказала деятельность лейденца Давида Байли и группировавшихся вокруг него мастеров.

Пионером нового вида натюрмортного жанра явился Ян Давидс де Хем (1606-1684). Он пробовал себя в различных жанрах: цветочный, учёный, кухонный натюрморты. В 1636 году художник переехал в Антверпен и попал под влияние фламандской живописи. Он стал создавать роскошные натюрморты, перегруженные яркими и красочными фруктами, омарами, попугаями… Цветочные натюрморты тоже имели явный фламандский след, отличаясь барочной симфонией красок.

Ян Давидс де Хем имел мастерскую с большим количеством учеников и помощников. Помимо сына мастера - Корнелиса де Хема, его прямыми учениками были Питер де Ринг, Николас ван Гелдер, Йоханнес Борман, Мартинус Неллиус, Маттейс Найвё, Ян Мортел, Симон Люттихёйс, Корнелис Кик. В свою очередь Кик воспитал одарённых учеников - Элиаса ван ден Брука и Якоба ван Валскапелле.

Приёмы Яна Давидса де Хема хорошо усвоил его сын Корнелис де Хем (1631-1695). В то же время в его картинах больше воздуха.

Самым даровитым учеником Яна Давидса де Хема был Питер де Ринг (1615-1660). Отличительной особенностью его натюрмортов было непременное присутствие кольца с печаткой, намекавшего на фамилию художника (кольцо по-голландски - ring).

Ещё одним выдающимся учеником Яна Давидса де Хема был Николас ван Гелдер (1623/1636 - около 1676), создававший свои натюрморты под влиянием творчества Виллема Калфа.

Более просты и интимны натюрморты последователей Яна Давидса де Хема - Йоханнеса Бормана и Мартинуса Неллиуса (? - после 1706).

Роскошные натюрморты создавал и Симон Люттихёйс (1610 - ?), добавляя в них мотивы «суеты сует».

Еще один ученик Яна Давидса де Хема Корнелис Кик (1631/1632 - 1681) использовал в картинах зарисовки на открытом воздухе. Свои пленэрные приёмы он передал своим ученикам Элиасу ван ден Бруку (1650-1708) и Якобу ван Валскапелле (1644-1727), чьим натюрмортам свойственна тонкая передача световоздушной среды.

Из мастерской Яна Давидса де Хема также вышли и мастер натюрмортов «суета сует» Мария ван Остервейк, и два мастера позднего цветочного натюрморта, Якоб Ротиус (1644 - 1681/1682) и Абрахам Миньон.

Во время первых «роскошных» натюрмортов Яна Давидса де Хема были написаны и немногочисленные работы на эту тему Франсуа Рейкхалса.

Стремление к красочности характерно для роскошных натюрмортов Абрахама ван Бейерена. Непременным атрибутом этих картин были карманные часы.

Один из немногочисленных последователей Бейерена - Абрахам Сусенир любил изображать серебряную посуду.

Большое влияние на художников оказали «роскошные» натюрморты Виллема Калфа (1619-1693). В них Калф часто использовал сосуды из золота, серебра и китайского фарфора. При этом картины снабжались символами «суеты сует»: подсвечником и карманными часами. Калф часто избирал вертикальный формат. Его творчество распадается на периоды пребывания во Франции и возвращения в Амстердам. Для позднего периода характерно уменьшение числа изображаемых на картине предметов и мрачный фон.

Последователями Калфа были Юриан ван Стрек, его сын - Хендрик ван Стрек (1659 - ?) , Кристиан Янс Стрип (1634-1673) и Барент ван дер Мер (1659 - до 1702).

Путём приближения «роскошных» натюрмортов к «обманным» пошел другой последователь Калфа - Питер Герритс Рустратен (1627-1698).

Наряду с Алстом к числу пионеров натюрморта с охотничьими трофеями относится Маттеус Блум.

Ряд картин на данную тему исполнил Николас ван Гелдер (1623/1636 - около 1676).

Охотничьи трофеи изображал и Мелхиор де Хондекутер .

Тему охотничьего натюрморта затронул известный мастер пейзажа Ян Баптист Веникс (1621-1660), изображавший убитых косуль и лебедей. Его сын Ян Веникс создал не менее сотни картин с изображениями битых зайцев на фоне каменной ниши или паркового пейзажа.

Еще одним учеником Яна Баптиста Веникса был Виллем Фредерик ван Ройен (1645/1654 - 1742), который тоже встраивал изображения животных в пейзаж.

Приверженцем парадного охотничьего натюрморта, как Алст и Ройен, был и Дирк де Брай. Он представлял трофеи соколиной охоты, развлечения аристократов и богатого бюргерства.

Наряду с декоративными полотнами «охотничьих трофеев» получил широкое распространение и «камерный» охотничий натюрморт. В этом стиле создавали свои произведения Ян Вонк (около 1630 - 1660?), Корнелис Лелиенберг (1626 - после 1676), ученик Алста Виллем Гау Фергюсон (около 1633 - после 1695), Хендрик де Фромантью (1633/1634 - после 1694) и Питер Харменс Верелст (1618-1678), а также его сын Симон Питерс Верелст (1644-1721).

«Камерные» охотничьи натюрморты создавали живописцы, работавшие в иных жанрах натюрморта: Абрахам Миньон, Абрахам ван Бейерен, Якоб Билтиус. Отдали дань охотничьему натюрморту знаменитый пейзажист Саломон ван Рёйсдал (1600/1603 - 1670), написавший «Натюрморт с битой дичью» (1661) и «Охотничьи трофеи» (1662) и жанрист, ученик Адриана ван Остаде, Корнелис Дюсарт (1660-1704).

Натюрморт с животными

Основоположниками жанра были Отто Марсеус ван Скрик (1619/1620 - 1678) и Маттиас Витхос (1627-1703).

Скрик завел в своем имении террариум с насекомыми, пауками, змеями и другими животными, которых изображал на своих картинах. Он любил создавать сложные композиции с экзотическими растениями и животными, внося в них философский подтекст. Например, в дрезденской картине «Змея у птичьего гнезда» бабочки собирают нектар с цветов, дрозд ловит бабочек и кормит ими своего птенца, другого птенца заглатывает змея, на которую охотится горностай.

Витхос предпочитал изображать на переднем плане картин чертополох и другие растения, среди которых ползают змеи, ящерицы, пауки и насекомые. В качестве фона он изображал итальянский пейзаж, память о поездке в Италию.

Кристиан Янс Стрип писал чертополох и кротов в манере Скрика.

Абрахам де Хёс очень тщательно и близко к натуре изображал разнообразные виды кротов, ящериц, змей и бабочек.

Несколько полотен, посвящённых изображению животных, есть у Виллема ван Алста. Его ученица Рахел Рёйсх свою творческую карьеру начинала с подражаний Скрику, но затем выработала собственный стиль, для которого характерно изображение мелкой живности на фоне золотистого пейзажа.

Голландский натюрморт XVI–XVII веков - своеобразная интеллектуальная игра, в которой зрителю предлагалось разгадать определенные знаки. То, что с легкостью считывали современники, сегодня понятно не всем и не всегда.

Что означают изображенные художниками предметы?

Жан Кальвин(1509- 1564,французский богослов, реформатор церкви, основатель кальвинизма) учил, что повседневные вещи обладают скрытым значением, а за всяким изображением должен стоять моральный урок. Предметы, изо­браженные в натюрморте, многозначны: их наделяли назидательным, рели­гиозным или иным подтекстом. Например, устрицы считались эротическим символом, и современникам это было очевидно: устрицы якобы стимулиро­вали сексуальную потенцию, да и Венера, богиня любви, родилась из рако­вины. С одной стороны, устрицы намекали на мирские соблазны, с другой - раскрытая раковина обозначала душу, готовую покинуть тело, то есть сулила спасение. Строгих правил, как читать натюрморт, конечно, не суще­ствовало, и зритель угадывал на холсте именно те символы, которые хотел видеть. К тому же нельзя забывать, что каждый предмет был частью композиции и его можно было прочитать по-разному - в зависимости от контек­ста и от общего послания натюрморта.Цветочный натюрморт

Вплоть до XVIII века букет цветов, как правило, символизировал бренность, ведь земные радости так же преходящи, как красота цветка. Символика расте­ний особенно сложна и неоднозначна, и уловить смысл помогали популярные в Европе XVI–XVII веков книги эмблем, где аллегорические иллюстрации и девизы сопровождались пояснительными текстами. Цветочные композиции было непросто интерпретировать: один и тот же цветок имел множество зна­чений, иногда прямо противоположных. Например, нарцисс указывал на само­влюбленность и одновременно считался символом Богоматери. В натюрмор­тах, как правило, сохранялись оба значения образа, и зритель был волен вы­брать один из двух смыслов или совместить их.

Цветочные композиции часто дополнялись плодами, мелкими предметами, изображениями животных. Эти образы выражали основную мысль произве­дения, подчеркивая мотив быстротечности, увядания, греховности всего земного и нетленности добродетели.

Ян Давидс де Хем.
Цветы в вазе.

На картине Яна Давидса де Хема у основания вазы худож­ник изобразил сим­волы бренности: увядшие и сломанные цветы, осыпавшиеся лепестки и засох­шие стручки гороха. Вот улитка - она ассоциируется с душой грешника. В центре букета мы видим сим­волы скромности и чистоты: полевые цветы, фиалки и незабудки. Их окру­жают тюльпаны, символизирующие увядающую красоту и бессмысленное расточительство (разведение тюльпанов считалось в Голландии одним из самых суетных занятий и к тому же недешевым); пыш­ные розы и маки, напоминающие о недолговечности жизни. Венчают компо-зицию два крупных цветка, имеющие положительное значение. Синий ирис олицетворяет отпу­щение грехов и указывает на возможность спасения через добродетель. Крас­ный мак, который традиционно ассоциировался со сном и смертью, из-за своего местоположения в букете сменил трак­товку: здесь он обозначает искупительную жертву Христа.

Другие символы спасе­ния - это хлебные колоски, а бабочка, сидящая на стебле, олицетворяет бес­смертную душу.

Ян Бауман.
Цветы, фрукты и обезьяна. Первая половина XVII века.

Картина Яна Баумана «Цветы, фрукты и обезьяна» - хороший пример смы­словой многослойности и неоднозначности натюрморта и предметов на нем. На первый взгляд, сочетание растений и животных кажется случайным. На самом деле этот натюрморт тоже напоминает о быстротечности жизни и греховности земного существования. Каждый изображенный предмет транслирует определенную идею: улитка и ящерица в данном случае указы­вают на смертность всего земного; тюльпан, лежащий возле миски с плодами, символизирует быстрое увядание; раковины, разбросанные на столе, намекают на неразумную трату денег; а обезьяна с персиком указывает на первородный грех и порочность. С другой стороны, порхающая бабочка и плоды: гроздья винограда, яблоки, персики и груши - говорят о бессмертии души и искупи­тельной жертве Христа. На другом, иносказательном уровне представленные на картине фрукты, плоды, цветы и животные обозначают четыре стихии: раковины и улитки - воду; бабочка - воздух; плоды и цветы - землю; обезьяна - огонь.

Натюрморт в мясной лавке

Питер Артсен.
Мясная лавка, или Кухня со сценой бегства в Египет. 1551 год

Изображение мясной лавки традиционно связывалось с идеей физической жизни, персонификацией стихии земли, а также с чревоугодием. На картине Питера Артсена

почти все пространство занимает ломящийся от яств стол. Мы видим множество видов мяса: убитую птицу и разделанные туши, ливер и ветчину, окорока и колбасы. Эти образы символизируют неумерен­ность, обжорство и привязанность к плотским удовольствиям. Теперь обратим внимание на задний план. С левой стороны картины в оконном проеме поме­щена евангельская сцена бегства в Египет, которая резко контрастирует с натюрмортом на переднем плане. Дева Мария протягивает последний ломоть хлеба нищей девочке. Заметим, что окно расположено над блюдом, где крест-накрест (символ распятия) лежат две рыбы - символ христианства и Христа. Справа в глубине изображена таверна. За столом у огня сидит веселая компа­ния, выпивает и ест устриц, которые, как мы помним, ассоциируются с похо­тью. Рядом со столом висит разделанная туша, указывающая на неотврати­мость смерти и мимолетность земных радостей. Мясник в красной рубахе разбавляет вино водой. Эта сценка вторит основной идее натюрморта и отсы­лает к Притче о блудном сыне. Сцена в таверне, равно как и мясная лавка, полная яств, говорит о праздной, распутной жизни, привязанности к зем­ным наслаждениям, приятным для тела, но губительным для души. В сцене бегства в Египет герои практически повернуты к зрителю спиной: они уда­ляются вглубь картины, подальше от мясной лавки. Это метафора бегства от распут­ной жизни, полной чувственных радостей. Отказ от них - один из способов спасти душу.

Натюрморт в рыбной лавке

Рыбный натюрморт - это аллегория водной стихии. Такого рода произведе­ния, как и мясные лавки, часто были частью так называемого цикла перво­стихий и, как правило, создавались для украшения дворцовых столовых. На первом плане картины Франса Снейдерса «Рыбная лавка» изображено множество рыбы. Здесь есть окуни и осетры, караси, сомы, семга и другие дары моря. Часть уже разделана, часть ожидает своей очереди. Эти изображения рыб не несут никакого подтекста - они воспевают богатство Фландрии.

Франс Снейдерс.
Рыбная лавка. 1616 год

Рядом с мальчиком мы видим корзину с подарками, которые он получил ко Дню святого Николая. На это указывают привязанные к корзине дере­вян­ные красные башмачки. Помимо сладостей, фруктов и орехов, в корзине лежат розги - как намек на воспитание «кнутом и пряником». Содержание корзины говорит о радостях и горестях человеческой жизни, которые посто­янно сме­няют друг друга. Женщина объясняет ребенку, что послушные дети получают подарки, а дурные - наказание. Мальчик отпрянул в ужасе: он поду­мал о том, что вместо сладостей получит удары розгами. Справа мы видим оконный проем, в котором можно разглядеть городскую площадь. Группа детей стоит под окнами и радостно приветствует кукольного шута на балконе. Шут - неотъемлемый атрибут народных праздничных гуляний.

Натюрморт с накрытым столом

В многочисленных вариациях сервировки столов на полотнах голландских ма­стеров мы видим хлеб и пироги, орехи и лимоны, колбасы и окорока, омаров и раков, блюда с устрицами, рыбой или пустыми раковинами. Понять эти натюрморты можно в зависимости от набора предметов.

Геррит Виллемс Хеда.
Ветчина и серебряная посуда. 1649 год

На картине Геррита Виллемса Хеды мы видим блюдо, кувшин, высокий стеклянный бокал и опрокинутую вазу, горчичницу, окорок, смятую салфетку и лимон. Это традиционный и излюбленный набор Хеды. Расположение пред­метов и их выбор неслучайны. Серебряная посуда символизирует земные богатства и их тщетность, ветчина - плотские удовольствия, привлекательный с виду и кислый внутри лимон олицетворяет предательство. Погасшая свеча указывает на бренность и мимолетность человеческого существования, беспорядок на столе - на разрушение. Высокий стеклянный бокал-«флейта» (в XVII веке такие бокалы использовались как мерная емкость с метками) хрупок, как человеческая жизнь, и в то же время символизирует умеренность и умение человека контролировать свои порывы. В целом в этом натюрморте, как и во многих других «завтраках», с помощью предметов обыгрывается тема суеты сует и бессмысленности земных наслаждений.

Питер Клас.
Натюрморт с жаровней, сельдью, устрицами и курительной трубкой. 1624 год

Большая часть изображенных предметов на натюрморте Питера Класа явля­ются эротическими символами. Устрицы, трубка, вино отсылают к кратким и сомнительным плот­ским удовольствиям. Но это всего лишь один вариант прочтения натюрморта. Посмотрим на эти образы под другим ракурсом. Так, раковины - это символы бренности плоти; трубка, с помощью которой не только курили, но и выдували мыльные пузыри, - символ внезапности смерти. Современник Класа, голланд­ский поэт Виллем Годсхалк ван Фоккен­борх, в стихотворении «Моя надежда - это дым» писал:

Как видно, бытие сродни куренью трубки,
И в чем различие - мне, право, невдомек:
Одно - лишь ветерок, другое - лишь дымок.

Теме быстротечности человеческого существования противопоставляется бессмертие души, и знаки бренности внезапно оказываются символами спа­сения. Хлеб и стеклянный бокал с вином на заднем плане ассоциируются с телом и кровью Иисуса и указывают на таинство причастия. Сельдь - еще один символ Христа - напоминает о посте и постной пище. А раскрытые раковины с устрицами могут сменить свое негативное значение на прямо противоположное, обозначая человеческую душу, отделившуюся от тела и готовую вступить в вечную жизнь.

Разные уровни трактовки предметов ненавязчиво говорят зрителю о том, что человек всегда волен выбирать между духовным и вечным и земным прехо­дящим.

Vanitas, или «Ученый» натюрморт

Жанр так называемого «ученого» натюрморта получил название vanitas - в переводе с латыни это означает «суета сует», другими словами - «memento mori» («помни о смерти»). Это самый интеллектуальный вид натюрморта, аллегория вечности искусства, бренности земной славы и человеческой жизни

Юриан ван Стрек.
Суета сует. 1670 год

Меч и шлем с роскошным плюмажем на картине Юриана ван Стрека ука­зывают на мимолетность земной славы. Охотничий рог символизирует богат­ства, которые невозможно взять с собой в иную жизнь. В «ученых» натюрмор­тах часто встречаются изображения раскрытых книг или небрежно лежащих бумаг с надписями. Они не только предлагают задуматься об изображенных предметах, но и позволяют использовать их по назначению: прочесть открытые страницы или исполнить записанную в нотной тетради музыку. Ван Стрек изо­бразил набросок головы мальчика и раскрытую книгу: это трагедия Софокла «Электра», переведенная на голландский. Эти образы указывают на то, что ис­кусство вечно. Но страницы книги загнуты, а рисунок помят. Это признаки начавшейся порчи, намекающие на то, что после смерти даже искусство не пригодится. О неизбежности смерти говорит и череп, а вот обвивающий его хлебный колос символизирует надежду на воскресение и вечную жизнь. К середине XVII века череп, обвитый хлебным колосом или вечнозеленым плющом, станет обязательным предметом для изображения в натюрмортах в стиле vanitas.

Жан Кальвин Жан Кальвин (1509-1564) — реформатор церкви и основатель одного из течений про-тестантизма. Основу кальвинистской церкви составляют так называемые конгрегации — автономные сообщества, управляемые пасто-ром, диаконом и старейшинами, выбранными из мирян. Кальвинизм был очень популярен в Нидерландах в XVI веке. учил, что повседневные вещи обладают скрытым значением, а за всяким изображением должен стоять моральный урок. Предметы, изо-браженные в натюрморте, многозначны: их наделяли назидательным, рели-гиозным или иным подтекстом. Например, устрицы считались эротическим символом, и современникам это было очевидно: устрицы якобы стимулиро-вали сексуальную потенцию, да и Венера, богиня любви, родилась из рако-вины. С одной стороны, устрицы намекали на мирские соблазны, с другой — раскрытая раковина обозначала душу, готовую покинуть тело, то есть сулила спасение. Строгих правил, как читать натюрморт, конечно, не суще-ствовало, и зритель угадывал на холсте именно те символы, которые хотел видеть. К тому же нельзя забывать, что каждый предмет был частью композиции и его можно было прочитать по-разному — в зависимости от контек-ста и от общего послания натюрморта.

Цветочный натюрморт

Вплоть до XVIII века букет цветов, как правило, символизировал бренность, ведь земные радости так же преходящи, как красота цветка. Символика расте-ний особенно сложна и неоднозначна, и уловить смысл помогали популярные в Европе XVI-XVII веков книги эмблем, где аллегорические иллюстрации и девизы сопровождались пояснительными текстами. Цветочные композиции было непросто интерпретировать: один и тот же цветок имел множество зна-чений, иногда прямо противоположных. Например, нарцисс указывал на само-влюбленность и одновременно считался символом Богоматери. В натюрмор-тах, как правило, сохранялись оба значения образа, и зритель был волен вы-брать один из двух смыслов или совместить их.

Цветочные композиции часто дополнялись плодами, мелкими предметами, изображениями животных. Эти образы выражали основную мысль произве-дения, подчеркивая мотив быстротечности, увядания, греховности всего земного и нетленности добродетели.

Ян Давидс де Хем. Цветы в вазе. Между 1606 и 1684 годом Государственный Эрмитаж

На картине Яна Давидса де Хема Ян Давидс де Хем (1606-1684) — голландский художник, известный своими цветочными натюрмортами. у основания вазы худож-ник изобразил сим-волы бренности: увядшие и сломанные цветы, осыпавшиеся лепестки и засох-шие стручки гороха. Вот улитка — она ассоциируется с душой грешника Среди других таких отри-ца-тель-ных обра-зов — рептилии и земноводные (ящерицы, лягушки), а также гусеницы, мыши, мухи и другая живность, ползающая по земле или живущая в грязи. . В центре букета мы видим сим-волы скромности и чистоты: полевые цветы, фиалки и незабудки. Их окру-жают тюльпаны, символизирующие увядающую красоту и бессмысленное расточительство (разведение тюльпанов считалось в Голландии одним из самых суетных занятий и к тому же недешевым); пыш-ные розы и маки, напоминающие о недолговечности жизни. Венчают компо-зицию два крупных цветка, имеющие положительное значение. Синий ирис олицетворяет отпу-щение грехов и указывает на возможность спасения через добродетель. Крас-ный мак, который традиционно ассоциировался со сном и смертью, из-за своего местоположения в букете сменил трак-товку: здесь он обозначает искупительную жертву Христа Еще в Средневековье считалось, что цветы мака выросли на земле, орошенной кровью Христа. . Другие символы спасе-ния — это хлебные колоски, а бабочка, сидящая на стебле, олицетворяет бес-смертную душу.


Ян Бауман. Цветы, фрукты и обезьяна. Первая половина XVII века Серпуховский историко-художественный музей

Картина Яна Баумана Ян (Жан-Жак) Бауман (1601-1653) — живо-писец, мастер натюрморта. Жил и работал в Германии и Нидерландах. «Цветы, фрукты и обезьяна» — хороший пример смы-словой многослойности и неоднозначности натюрморта и предметов на нем. На первый взгляд, сочетание растений и животных кажется случайным. На самом деле этот натюрморт тоже напоминает о быстротечности жизни и греховности земного существования. Каждый изображенный предмет транслирует определенную идею: улитка и ящерица в данном случае указы-вают на смертность всего земного; тюльпан, лежащий возле миски с плодами, символизирует быстрое увядание; раковины, разбросанные на столе, намекают на неразумную трату денег В Голландии XVII века было очень популярно коллекционирование разного рода «дикови-нок», в том числе раковин. ; а обезьяна с персиком указывает на первородный грех и порочность. С другой стороны, порхающая бабочка и плоды: гроздья винограда, яблоки, персики и груши — говорят о бессмертии души и искупи-тельной жертве Христа. На другом, иносказательном уровне представленные на картине фрукты, плоды, цветы и животные обозначают четыре стихии: раковины и улитки — воду; бабочка — воздух; плоды и цветы — землю; обезьяна — огонь.

Натюрморт в мясной лавке


Питер Артсен. Мясная лавка, или Кухня со сценой бегства в Египет. 1551 год North Carolina Museum of Art

Изображение мясной лавки традиционно связывалось с идеей физической жизни, персонификацией стихии земли, а также с чревоугодием. На картине Питера Артсена Питер Артсен ( 1508-1575) — голландский ху-дожник, также известный как Питер Длин-ный. Среди его работ — жанровые сцены на евангельские сюжеты, а также изображе-ния рынков и лавок. почти все пространство занимает ломящийся от яств стол. Мы видим множество видов мяса: убитую птицу и разделанные туши, ливер и ветчину, окорока и колбасы. Эти образы символизируют неумерен-ность, обжорство и привязанность к плотским удовольствиям. Теперь обратим внимание на задний план. С левой стороны картины в оконном проеме поме-щена евангельская сцена бегства в Египет, которая резко контрастирует с натюрмортом на переднем плане. Дева Мария протягивает последний ломоть хлеба нищей девочке. Заметим, что окно расположено над блюдом, где крест-накрест (символ распятия) лежат две рыбы — символ христианства и Христа. Справа в глубине изображена таверна. За столом у огня сидит веселая компа-ния, выпивает и ест устриц, которые, как мы помним, ассоциируются с похо-тью. Рядом со столом висит разделанная туша, указывающая на неотврати-мость смерти и мимолетность земных радостей. Мясник в красной рубахе разбавляет вино водой. Эта сценка вторит основной идее натюрморта и отсы-лает к Притче о блудном сыне Вспомним, что в Притче о блудном сыне есть несколько сюжетов. Один из них повествует о младшем сыне, который, получив от отца имение, продал всё и спустил деньги на рас-путную жизнь. . Сцена в таверне, равно как и мясная лавка, полная яств, говорит о праздной, распутной жизни, привязанности к зем-ным наслаждениям, приятным для тела, но губительным для души. В сцене​ бегства в Египет герои практически повернуты к зрителю спиной: они уда-ляются вглубь картины, подальше от мясной лавки. Это метафора бегства от распут-ной жизни, полной чувственных радостей. Отказ от них — один из способов спасти душу.

Натюрморт в рыбной лавке

Рыбный натюрморт — это аллегория водной стихии. Такого рода произведе-ния, как и мясные лавки, часто были частью так называемого цикла перво-стихий В Западной Европе были распространены большие живописные циклы, состоявшие из нескольких картин и, как правило, висев-шие в одной комнате. Например, цикл времен года (где с помощью аллегорий изобража-лись лето, осень, зима и весна) или цикл первостихий (огонь, вода, земля и воздух). и, как правило, создавались для украшения дворцовых столовых. На первом плане картины Франса Снейдерса Франс Снейдерс (1579-1657) — фламандский живописец, автор натюрмортов и барочных анималистических композиций. «Рыбная лавка» изображено множество рыбы. Здесь есть окуни и осетры, караси, сомы, семга и другие дары моря. Часть уже разделана, часть ожидает своей очереди. Эти изображения рыб не несут никакого подтекста — они воспевают богатство Фландрии.


Франс Снейдерс. Рыбная лавка. 1616 год

Рядом с мальчиком мы видим корзину с подарками, которые он получил ко Дню святого Николая В католичестве День святого Николая при-нято отмечать 6 декабря. В этот праздник, как и на Рождество, детям дарят подарки. . На это указывают привязанные к корзине дере-вян-ные красные башмачки. Помимо сладостей, фруктов и орехов, в корзине лежат розги — как намек на воспитание «кнутом и пряником». Содержание корзины говорит о радостях и горестях человеческой жизни, которые посто-янно сме-няют друг друга. Женщина объясняет ребенку, что послушные дети получают подарки, а дурные — наказание. Мальчик отпрянул в ужасе: он поду-мал о том, что вместо сладостей получит удары розгами. Справа мы видим оконный проем, в котором можно разглядеть городскую площадь. Группа детей стоит под окнами и радостно приветствует кукольного шута на балконе. Шут — неотъемлемый атрибут народных праздничных гуляний.

Натюрморт с накрытым столом

В многочисленных вариациях сервировки столов на полотнах голландских ма-стеров мы видим хлеб и пироги, орехи и лимоны, колбасы и окорока, омаров и раков, блюда с устрицами, рыбой или пустыми раковинами. Понять эти натюрморты можно в зависимости от набора предметов.

Геррит Виллемс Хеда. Ветчина и серебряная посуда. 1649 год Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

На картине Геррита Виллемса Хеды Геррит Виллемс Хеда (1620-1702) — автор натюрмортов и сын художника Виллема Класа Хеды. мы видим блюдо, кувшин, высокий стеклянный бокал и опрокинутую вазу, горчичницу, окорок, смятую салфетку и лимон. Это традиционный и излюбленный набор Хеды. Расположение пред-метов и их выбор неслучайны. Серебряная посуда символизирует земные богатства и их тщетность, ветчина — плотские удовольствия, привлекательный с виду и кислый внутри лимон олицетворяет предательство. Погасшая свеча указывает на бренность и мимолетность человеческого существования, беспорядок на столе — на разрушение. Высокий стеклянный бокал-«флейта» (в XVII веке такие бокалы использовались как мерная емкость с метками) хрупок, как человеческая жизнь, и в то же время символизирует умеренность и умение человека контролировать свои порывы. В целом в этом натюрморте, как и во многих других «завтраках», с помощью предметов обыгрывается тема суеты сует и бессмысленности земных наслаждений.


Питер Клас. Натюрморт с жаровней, сельдью, устрицами и курительной трубкой. 1624 год Sotheby’s / Частное собрание

Большая часть изображенных предметов на натюрморте Питера Класа Питер Клас (1596-1661) — голландский художник, автор множества натюрмортов. Наряду с Хедой считается основателем хар-лемской школы натюрморта с ее геометриче-скими монохромными картинами. явля-ются эротическими символами. Устрицы, трубка, вино отсылают к кратким и сомнительным плот-ским удовольствиям. Но это всего лишь один вариант прочтения натюрморта. Посмотрим на эти образы под другим ракурсом. Так, раковины — это символы бренности плоти; трубка, с помощью которой не только курили, но и выдували мыльные пузыри, — символ внезапности смерти. Современник Класа, голланд-ский поэт Виллем Годсхалк ван Фоккен-борх, в стихотворении «Моя надежда — это дым» писал:

Как видно, бытие сродни куренью трубки,
И в чем различие — мне, право, невдомек:
Одно — лишь ветерок, другое — лишь дымок. Пер. Евгения Витковского

Теме быстротечности человеческого существования противопоставляется бессмертие души, и знаки бренности внезапно оказываются символами спа-сения. Хлеб и стеклянный бокал с вином на заднем плане ассоциируются с телом и кровью Иисуса и указывают на таинство причастия. Сельдь — еще один символ Христа — напоминает о посте и постной пище. А раскрытые раковины с устрицами могут сменить свое негативное значение на прямо противоположное, обозначая человеческую душу, отделившуюся от тела и готовую вступить в вечную жизнь.

Разные уровни трактовки предметов ненавязчиво говорят зрителю о том, что человек всегда волен выбирать между духовным и вечным и земным прехо-дящим.

Vanitas, или «Ученый» натюрморт

Жанр так называемого «ученого» натюрморта получил название vanitas — в переводе с латыни это означает «суета сует», другими словами — «memento mori» («помни о смерти»). Это самый интеллектуальный вид натюрморта, аллегория вечности искусства, бренности земной славы и человеческой жизни.

Юриан ван Стрек. Суета сует. 1670 год Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Меч и шлем с роскошным плюмажем на картине Юриана ван Стрека Юриан ван Стрек (1632-1687) — амстердам-ский художник, известный своими натюрмор-тами и портретами. ука-зывают на мимолетность земной славы. Охотничий рог символизирует богат-ства, которые невозможно взять с собой в иную жизнь. В «ученых» натюрмор-тах часто встречаются изображения раскрытых книг или небрежно лежащих бумаг с надписями. Они не только предлагают задуматься об изображенных предметах, но и позволяют использовать их по назначению: прочесть открытые страницы или исполнить записанную в нотной тетради музыку. Ван Стрек изо-бразил набросок головы мальчика и раскрытую книгу: это трагедия Софокла «Электра», переведенная на голландский. Эти образы указывают на то, что ис-кусство вечно. Но страницы книги загнуты, а рисунок помят. Это признаки начавшейся порчи, намекающие на то, что после смерти даже искусство не пригодится. О неизбежности смерти говорит и череп, а вот обвивающий его хлебный колос символизирует надежду на воскресение и вечную жизнь. К середине XVII века череп, обвитый хлебным колосом или вечнозеленым плющом, станет обязательным предметом для изображения в натюрмортах в стиле vanitas.

Источники

  • Виппер Б. Р. Проблема и развитие натюрморта.
  • Звездина Ю. Н. Эмблематика в мире старинного натюрморта. К проблеме прочтения символа.
  • Тарасов Ю. А. Голландский натюрморт XVII века.
  • Щербачева М. И. Натюрморт в голландской живописи.
  • Зримый образ и скрытый смысл. Аллегории и эмблематика в живописи Фландрии и Голландии второй половины XVI - XVII века. Каталог выставки. ГМИИ им. А. С. Пушкина.