예술의 일반적인 역사를 읽었습니다. 미술의 일반사

미술의 일반사

2권

1권

편집위원회에서

국립 출판사 ART Moscow 1960 VII 2권 1권, B.V. Weimarn 및 Yu.D. Kolpinsky Academy of Arts of the 소련 미술 이론 및 역사 연구소의 일반 편집

중세 예술을 다룬 『예술일반사』 제2권은 자료의 풍부함으로 인해 두 권으로 나누어져 있다. 이 첫 번째 책에는 비잔티움, 아르메니아, 조지아의 예술에 관한 장들이 포함되어 있습니다. 남부 슬라브, 고대 러시아의 예술, 우크라이나와 벨로루시의 예술, 서양의 예술과 중부 유럽민족 이주 시대, 프랑스, 독일, 오스트리아, 네덜란드, 영국, 스페인, 포르투갈, 이탈리아, 체코 슬로바키아, 폴란드, 헝가리, 루마니아의 로마네스크 및 고딕 예술, 스칸디나비아 국가핀란드, 라트비아, 에스토니아, 리투아니아.

제2권의 두 번째 책에서는 아랍 동부, 아제르바이잔, 이란, 중앙아시아, 아프가니스탄, 터키, 인도, 실론, 인도네시아, 캄보디아, 버마, 라오스, 베트남, 태국, 네팔, 중국, 한국, 몽골, 일본을 비롯한 중부미술과 남아프리카, 호주, 오세아니아 및 고대 아메리카.

일반 예술사 제2권의 각 책에는 색상 재현, 중세 예술 기념물의 400-450톤 재현, 지도, 계획 및 그림이 텍스트와 함께 제공됩니다.

중세 미술 소개-Yu.D. Kolpinsky 및 B.V.Weimarn.

비잔티움의 예술 - V. M. Polevoy.

아르메니아와 조지아의 예술 - V. V. Shleev.

South Slavs의 예술 - A.V. Bank.

고대 러시아의 예술 - O. I. Sopotsinsky.

우크라이나 미술 14-17세기-L. P. Kalinichenko 및 F. S. Umantsev.

벨로루시 14-17세기 예술 - M. S. Katser 및 V. M. Makarevich.

민족 이주와 "야만인"왕국 형성 시대의 서부 및 중부 유럽의 예술 - A. A. Guber, M. V. Dobroklonsky, L. Ya. Reinhardt.

발전된 봉건주의 시대의 서부 및 중부 유럽 사람들의 예술 소개-A. A. Guber, Yu. D. Kolpinsky.

프랑스 예술 - A. A. Guber, M. V. Dobroklonsky, Yu. D. Kolpinsky.

독일 예술 - A. A. Guber, M. V. Dobroklonsky, L. Ya. Reinhardt.

네덜란드 예술 - L. J. 라인하르트.

영국 예술 - M. V. Dobroklonsky, E. V. Norina, E. I. Rotenberg.

스페인의 예술 - T. P. Kaptereva, K. M. Malitskaya.

포르투갈의 예술 - T. P. Kaptereva, K. M. Malitskaya.

이탈리아 예술-A. A. Guber, V. A. Lebedev.

체코슬로바키아의 예술 - Yu. D. Kolpinsky.

폴란드의 예술 - V. M. Polevoy.

헝가리 예술 - A. N. Tikhomirov.

루마니아의 예술 - G. Oprescu(루마니아 인민 공화국).

스칸디나비아 국가와 핀란드의 예술 - E. I. Rotenberg.

라트비아의 예술 - M. L. Ivanov.

에스토니아의 예술 - I. P. Solomykova.

리투아니아의 예술 - J. M. Jurgenis.

T. P. Kaptereva, L. Ya. Reingardt, E. I. Rotenberg, O. I. Sopotsinsky, A. D. Chegodaev는 개별 장 편집에 참여했습니다. 일러스트레이션 선택은 E. I. Rotenberg가 수행했으며 레이아웃은 R. B. Klimov 및 해당 권의 편집자가 수행했습니다. 색인은 N. P. Kiselev가 편집했으며 E. I. Rotenberg의 삽화에 대한 설명입니다.

이 책의 준비에 도움(상담, 검토, 사진 자료 제공 등)에 대해 편집위원회는 다음 분들께 감사의 말씀을 전하고 싶습니다. 불가리아 과학 아카데미 미술 연구소, 헝가리 국립 미술 박물관 인민공화국, 미술 아카이브독일 예술 아카데미, 폴란드 인민공화국 국립 예술 연구소, 루마니아 인민 공화국 과학 아카데미 미술사 연구소, 체코슬로바키아 과학 아카데미 미술사 이론 연구소, 미술사 연구소 소련 과학 아카데미, 소련 과학 아카데미 동양학 연구소, 아제르바이잔 SSR 과학 아카데미 건축 및 예술 연구소, 아르메니아 SSR 과학 아카데미 미술사 연구소, 예술 연구소 벨로루시 SSR 과학 아카데미, 그루지야 SSR 과학 아카데미 그루지야 예술사 연구소, 리투아니아 SSR 과학 아카데미 역사 연구소, 우크라이나 SSR 과학 아카데미 예술 연구소 , 우크라이나 SSR 건설 및 건축 아카데미 건축사 연구소, 에스토니아 SSR 과학 아카데미 역사 연구소, State Tretyakov 갤러리, State Hermitage, 주립 미술관. A. S. 푸쉬킨, 국립 러시아 박물관, 주립 동양 문화 박물관, 조지아 주립 박물관, 조지아 SSR 주립 미술관, 키예프 우크라이나 미술관, 회화, 조각 및 건축 연구소 미술사학과. I. E. 레핀.

개인적으로 편집위원회는 제2권의 첫 번째 책 작업에 도움을 준 소련 예술 아카데미 M. V. Alpatov의 정회원, 소련 과학 아카데미 Sh. Ya. Amiranashvili의 해당 회원, J. Boshkovich 박사에게 감사를 표합니다. (유고슬라비아) As 교수. Vasiliev (불가리아), 미술사 후보 I. Vrona, E. A. Zinger, 미술사 후보. T. A. Izmailov, 소련 예술 아카데미 정회원 V. I. Kasiyan, 미술 비평 후보 V. V. Kuriltsev, 소련 과학 아카데미 V. N. Lazarev 해당 회원, 우크라이나 미술관 P. I. Govdya 직원, L. S. Milyaev 및 L. Sak 후보 미술사 N. E. Mnev, 미술사 후보자 G. A. Nedoshivin, M. A. Orlov, 머리. 늙은 러시아 국무부. 러시아 박물관 N. G. Porfiridov, 조지아 SSR G. N. Chubinashvili 과학 아카데미 정회원, 건축 P. G. Yurchenko 후보.

소개

유 콜핀스키(Yu. Kolpinsky), B. 바이마른(B. Weymarn)

인류사회가 봉건적 생산양식으로 전환됨에 따라 새로운 단계가 시작되었다. 역사적인 발전세계 예술. 발전된 노예 관계를 몰랐던 많은 사람들은 봉건 시대에 예술 문화의 첫 개화를 경험했습니다. 봉건 시대는 또한 이전에 노예를 소유했던 세계의 여러 국가들에게 상당한 미학적 이득을 얻은 시기이기도 했습니다. 문화와 예술의 봉건 시대에 다양한 민족처음으로 등장한 요소 국가 정체성, 이는 이후 독특한 국립 예술 학교 형성의 기초가되었습니다.

중세 예술은 서부 및 중부 유럽(14세기까지), 비잔틴 및 유럽 국가의 초기 및 성숙한 봉건주의 예술을 의미합니다. 고대 러시아 예술(17세기까지). 중세 유형의 예술이 훨씬 더 오랫동안 존재했던 동양 국가와 관련하여이 정의는 일반적으로 후기 봉건 시대를 포함하여 전체 봉건 시대의 예술에 적용됩니다.

평가할 때 역사적 역할중세 미술 중요한 중요성이 시대 민족의 예술이 세계 예술 문화 발전에 기여한 독특한 공헌의 미적 가치에 대해 질문을 던집니다. 이 문제와 밀접하게 관련된 문제는 중세 미술이 고전 고대 미술의 성취에 비해 어느 정도 더 상승하거나 부분적인 쇠퇴를 나타냈는가 하는 문제이다.

일반적으로 계급 기반 착취 사회의 특징인 예술적 진보의 불균일성, 복잡성 및 모순적 성격이 노예 시대보다 봉건 시대에 훨씬 더 심각하게 영향을 미쳤기 때문에 이러한 질문에 대한 답은 어느 정도 어려움을 안겨줍니다.

아래에서 고려할 중세 예술의 주요 특징은 잠시 제쳐두고 중세 예술과 이전 예술 문화의 몇 가지 중요한 차이점을 지적하겠습니다. 고대에 비해 예술문화 창조에 참여하는 민족의 수가 늘어나고, 예술 자체도 더욱 다양하고 복잡해졌으며, 민족 간의 예술적 유대도 더욱 넓어졌습니다. 그러나 더욱 중요한 것은 중세 시대에 세계 여러 지역에서 봉건 제도가 강화되고 발전했다는 점입니다. 섭외문화와 예술의 강력한 중심지는 서로 독립적으로 형성되었습니다. 노예 제도 시대에 고대 지중해 사람들은 당시 예술에서 사실주의와 인본주의 발전의 가장 높은 단계에 도달했습니다. 중세에는 특성이 매우 다르지만 미학적으로 똑같이 가치가 있는 예술 창작자들은 중국과 인도, 비잔티움과 고대 러시아, 중앙 아시아와 이란, 서유럽 및 기타 여러 민족이었습니다.

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미술의 일반사

편집위원회에서

원시 미술

예술의 유래

원시 예술 발전의 주요 단계

서아시아 미술 (I. Loseva)

소개

고대 문화메소포타미아의 부족과 민족 (기원전 4~3천년 초반)

수메르 미술(기원전 27~25세기)

아카드 미술(기원전 24~23세기)

수메르 미술(기원전 23~21세기)

바빌론 미술(기원전 19~12세기)

히타이트와 미탄니의 미술(기원전 18~8세기)

아시리아 미술(기원전 9~7세기)

신바빌로니아 왕국 미술(기원전 7~6세기)

미술 고대 이집트(M. 마티유)

소개

덧셈 고대 이집트 예술(기원전 4천년)

미술 고대 왕국(기원전 3200~2400년)

중왕국 미술(기원전 21세기~기원전 19세기 초)

신왕국 전반기 미술(기원전 16~15세기)

Akhenaten 시대의 예술과 그의 후계자(기원전 15세기 말~14세기 초)

신왕국 후반기 미술(기원전 14~2세기)

후기 미술 (11세기 – 기원전 332년)

고대 그리스 미술 (Yu. Kolpinsky)

일반적 특성고대 그리스의 문화와 예술

호메릭 그리스의 예술

그리스 고대 미술

그리스 고전 미술(기원전 5세기 초~4세기 중반)

초기 고전 예술(소위 "엄격한 평온"(기원전 490~450년))

고급 고전 예술(기원전 450~410년)

미술 늦은 클래식(펠로폰네소스 전쟁 말기부터 마케도니아 제국 탄생까지)

헬레니즘 예술(E. Rotenberg)

헬레니즘 예술

고대 로마의 예술 (N. Britova)

고대 로마의 예술

에트루리아 예술

로마 공화국의 예술

1세기 로마제국 미술. N. 이자형.

2세기 로마제국 미술. 기원 후

2~3세기 로마 속주 예술. 기원 후

로마제국 미술 3~4세기

북부 흑해 연안의 예술

고대 Transcaucasia의 예술

고대 이란 예술 (I. Loseva, M. Dyakonov)

중앙아시아의 예술

고대 인도의 예술

고대 중국의 예술

미술의 일반사

1권

편집위원회에서

B.V. Weymarn, B.R. Vipper, A.A. Guber, M.V. Dobroklonsky, Yu.D. Kolpinsky, V.F. Levenson-Lessing, K.A. Sitnik, A.N. Tikhomirov, A.D. Chegodaev

"일반 미술사"는 소련 예술 아카데미의 이론 및 미술사 연구소에서 과학자들(다른 과학 기관 및 박물관의 미술사학자: State Hermitage, State Museum of Fine Arts)의 참여로 준비했습니다. A. S. Pushkin 이후

『미술일반사』는 회화, 소묘, 조각, 건축, 미술의 역사이다. 응용 예술원시 예술부터 우리 시대의 예술에 이르기까지 모든 세기와 민족의 작품입니다. 이 자료는 6권(7권)으로 구성되어 있습니다. 다음과 같은 방법으로:

1권. 고대 세계 예술: 원시 예술, 서아시아 예술, 고대 이집트, 에게 해 예술, 고대 그리스 예술, 헬레니즘 예술, 고대 로마 예술, 북부 흑해 지역, 트랜스코카시아, 이란, 고대 중앙아시아, 인도와 중국의 고대 예술.

2권. 중세 미술. 1권: 비잔티움 미술, 중세 발칸 반도 미술, 고대 러시아 미술(17세기까지), 아르메니아 미술, 조지아 미술, 아랍 국가, 터키, 서유럽의 메로빙거 미술과 카롤링거 미술, 로마네스크 양식과 고딕 예술프랑스, 영국, 네덜란드, 독일, 체코, 폴란드, 에스토니아, 라트비아, 이탈리아, 스페인. 2권: 6~18세기 중앙아시아 미술, 아제르바이잔, 이란, 아프가니스탄; 7~18세기 인도, 실론, 버마, 태국, 캄보디아, 라오스, 베트남, 인도네시아. 3~18세기 중국, 한국, 일본. 같은 책에는 고대 아메리카와 고대 아프리카 사람들의 예술이 포함되어 있습니다.

3권. 르네상스 미술: 13~16세기 이탈리아 미술, 15~16세기 네덜란드, 독일, 프랑스, 영국, 스페인, 체코, 폴란드 미술.

4권. 유럽과 미국의 17~18세기 미술: 이탈리아 미술 17~18세기, 스페인, 플랑드르, 네덜란드 17세기, 프랑스 17~18세기, 러시아 18세기, 영국 17~18세기, 미국 18세기, 라틴 아메리카 17~18세기 및 기타 국가.

5권. 19세기 예술: 러시아, 프랑스, 영국, 스페인, 미국, 독일, 이탈리아, 스웨덴, 노르웨이, 덴마크, 핀란드, 벨기에, 네덜란드, 오스트리아, 체코, 폴란드, 루마니아, 헝가리, 불가리아, 세르비아, 크로아티아, 라틴 아메리카, 인도, 중국 및 기타 국가.

6권. 19세기 후반~20세기 미술: 1890~1917년 러시아 미술, 19세기 후반~20세기 초반 프랑스, 영국, 미국, 독일, 기타 서유럽 및 미국 미술, 소련 미술, 서유럽 현대 미술 미국, 인민 민주주의, 중국, 인도 및 기타 동부 국가.

여섯 번째 권에는 전 세계 미술사에 대한 상세한 통합 참고문헌이 포함될 것입니다.

각 장의 본문에 있는 표와 그림에 대한 삽화 외에도 고고학적 발견 장소, 예술 중심지, 건축 구조물의 위치를 나타내는 지도가 제공됩니다.

일반 예술사(General History of Art)는 세계 예술사에 기여한 지구상 모든 민족의 예술을 특징짓고 평가하고자 합니다. 따라서이 책에서는 유럽 민족 및 국가의 예술과 함께 아시아, 아프리카 및 미국 민족의 예술에 큰 자리가 주어집니다. "일반 예술사" 작업에서 주된 관심은 사실주의 예술의 개화가 특히 높은 예술사 시대, 즉 고대 그리스 예술, 10~13세기 중국 예술, 르네상스 예술, 17~19세기 유럽의 현실적인 거장 등.

『미술 일반사』는 세계 미술 과학의 현재 상태를 요약하는 것을 목표로 합니다. 또한 다양한 미술사 분야의 소련 미술사가들이 독창적인 연구를 다수 포함하고 있습니다.

예술의 기원 - N. A. Dmitrieva.

원시 예술 개발의 주요 단계 - V. V. Shleev.

서아시아 미술 - I. M. Loseva.

고대 이집트의 예술 – M.E-Mathieu.

에게 해 예술 - N. N. Britova.

고대 그리스의 예술 - Yu. D. Kolpinsky.

헬레니즘 시대의 예술 - E. I. Rotenberg.

고대 로마의 예술 - N. N. Britova.

북부 흑해 연안의 예술 - N. N. Britova.

고대 Transcaucasia의 예술-V.V.Shleev.

고대 이란의 예술 - I. M. Loseva(Achaemenid Iran) 및 M. M. Dyakonov(Sassanian Iran).

고대 중앙아시아 예술 - M. M. Dyakonov.

고대 인도의 예술 - N. A. Vinogradova 및 O. S. Prokofiev.

고대 중국의 예술 - N. A. Vinogradova.

B.V.Weimarn(서아시아, 이란, 중앙아시아, 중국 미술)과 E.I. Rotenberg(로마 미술)가 제1권의 일부 장 편집에 참여했습니다.

삽화 선택 및 볼륨 레이아웃은 A. D. Chegodaev 및 R. B. Klimov가 T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky 및 E. I. Rotenberg의 참여로 제작했습니다.

지도는 예술가 G. G. Fedorov가 만들었고 텍스트의 그림은 예술가 Yu. A. Vasilyev 및 M. N. Mashkovtsev가 만들었습니다.

색인은 N. I. Bespalova와 A. G. Podolsky가 편집했으며 E. I. Rotenberg의 삽화에 대한 설명입니다.

상담 및 검토는 소련 과학 아카데미 미술사 연구소, 소련 과학 아카데미 물질 문화사 연구소, 소련 과학 아카데미 동양 연구 연구소의 고대 동양 부문에서 수행되었습니다. , 역사 연구소 그루지야 미술그루지야 SSR 과학 아카데미, 아제르바이잔 SSR 과학 아카데미 건축 예술 연구소, 아르메니아 SSR 과학 아카데미 미술사 부문, 건축 아카데미 건축 이론 및 역사 연구소 소련 모스크바 주립대학교 미술사학과. M. V. Lomonosov, 모스크바 주립 미술 연구소. V.I. Surikov와 이름을 딴 회화, 조각 및 건축 연구소. I. E. 레피나, 국립 에르미타주 박물관, 주립 미술관. A. S. 푸쉬킨, 동양문화박물관, 주립 박물관조지아의 예술.

편집위원회는 첫 번째 책을 준비하는 과정에서 조언과 비판으로 큰 도움을 준 과학자들에게 감사를 표합니다: M. V. Alpatov, Sh. Ya. Amiranashvili, B. N. Arakelyan, M. I. Artamonov, A. V. Bank, V. D. Blavatsky, A. Ya. Bryusov, Wang Xun, A. I. Voshchinina, O. N. Glukhareva, Guo Bao-jun, I. M. Dyakonov, A. A. Jessen, R. V. Kinzhalov, T. N. Knipovich, M. M. Kobylina, M. N. Krechetova, V. N. Lazarev, M. I. Maksimova, V. K. Nikolsky, A. P. Okladnikov, V. V. Pavlov, A. A. Peredolskaya, B. B. Piotrovsky, V. V. Struve, Xia Nai, Tang Lan, S. P. Tolstov, K. V. Trever, S. I. Tyulyaev, N.D. Flittner, Han Shou-xuan, Chen Meng-chia.

원시 미술

예술의 유래

N. 드미트리예프

특수 분야로서의 예술 인간 활동, 자체적인 작업을 통해 전문 예술가가 제공하는 특별한 자질은 노동 분업을 통해서만 가능해졌습니다. Engels는 이에 대해 다음과 같이 말합니다. “... 예술과 과학의 창조 – 이 모든 것은 단순한 육체 노동에 종사하는 대중과 일반 대중 사이의 대규모 분업을 기반으로 한 향상된 분업의 도움을 통해서만 가능했습니다. 일을 관리하고 무역에 종사하는 소수의 특권층, 국정, 그리고 나중에는 과학과 예술도 있습니다. 이러한 노동 분업의 가장 단순하고 완전히 자발적으로 형성된 형태는 바로 노예 제도였습니다."( F. Engels, Anti-Dühring, 1951, 170페이지).

그러나 예술 활동은 독특한 형태의 지식과 창의적 작업이기 때문에 사람들이 일하고이 작업 과정에서 배웠기 때문에 그 기원은 훨씬 더 오래되었습니다. 세계사회가 계급으로 나뉘기 오래 전에. 지난 100년 동안의 고고학적 발견을 통해 원시인의 시각적 창의성이 담긴 수많은 작품이 드러났는데, 그 나이는 수만 년으로 추정됩니다. 이것은 암벽화입니다. 돌과 뼈로 만든 인형; 이미지와 장식적인 패턴, 사슴뿔 조각이나 석판에 새겨져 있습니다. 유럽, 아시아, 아프리카에서 발견됩니다. 예술적 창의성에 대한 의식적인 아이디어가 생기기 오래 전에 등장한 작품입니다. 사슴, 들소, 야생마, 매머드 등 주로 동물의 형상을 재현한 이들 중 다수는 매우 중요하고 표현력이 풍부하며 자연에 충실하여 귀중한 역사적 기념물일 뿐만 아니라 오늘날까지도 예술적 힘을 유지하고 있습니다.

미술 작품의 물질적이고 객관적인 성격은 다른 유형의 예술의 기원을 연구하는 역사가와 비교할 때 미술의 기원 연구자들에게 특히 유리한 조건을 결정합니다. 서사시, 음악, 춤의 초기 단계를 주로 간접적인 데이터와 사회 발전 초기 단계의 현대 부족의 창의성과의 유비로 판단해야 한다면(유비는 매우 상대적이므로 매우 주의해야 합니다.) ), 그림과 조각, 그래픽의 어린 시절이 우리 눈으로 우리와 마주합니다.

이는 인간사회의 유년기와 일치하지 않는다. 고대 시대그의 형성. 에 따르면 현대 과학, 유인원과 같은 인간 조상의 인간화 과정은 제4기의 첫 번째 빙하기 이전부터 시작되었으므로 인류의 "나이"는 약 백만년입니다. 원시 예술의 첫 번째 흔적은 기원전 약 수만 년에 시작된 후기 구석기 시대로 거슬러 올라갑니다. 소위 오리냐크 시대( 구석기 시대(구석기 시대)의 Chellesian, Acheulian, Mousterian, Aurignacian, Solutrean, Magdalenian 단계는 처음 발견된 장소의 이름을 따서 명명되었습니다.) 이것은 원시 공동체 시스템이 비교적 성숙한 시기였습니다. 이 시대의 인간은 체질상 현대인과 다르지 않았으며 이미 말을 하고 돌, 뼈 및 뿔로 매우 복잡한 도구를 만들 수 있었습니다. 그는 창과 다트를 사용하여 대형 동물의 집단 사냥을 이끌었고, 씨족이 부족으로 연합하여 모계제가 탄생했습니다.

최초의 인류와 인간 사이에는 90만년 이상이 흘렀음에 틀림없다 현대적인 유형, 예술 창작을 위한 손과 두뇌가 무르익기 전이었습니다.

한편, 원시 석기 도구의 제조는 훨씬 더 오래된 구석기 시대와 중기 구석기 시대로 거슬러 올라갑니다. 이미 Sinanthropus (베이징 근처에서 발견 된 유적)는 석기 제조 분야에서 상당히 높은 수준에 도달했으며 불을 사용하는 방법을 알고있었습니다. 후대 네안데르탈인들은 도구를 더 세심하게 처리하여 상황에 맞게 조정했습니다. 특별한 목적. 수천년 동안 지속된 이러한 "학교"덕분에 그들은 손의 필요한 유연성, 눈의 충실도 및 눈에 보이는 것을 일반화하여 가장 본질적이고 특징적인 특징을 강조하는 능력을 개발했습니다. 에 나타난 모든 특성 멋진 그림알타미라 동굴. 사람이 돌과 같이 가공하기 어려운 재료를 음식을 얻기 위해 손을 운동하고 다듬지 않았다면 그림 그리는 법을 배울 수 없었을 것입니다. 실용적인 형태의 창조를 마스터하지 않으면 그는 예술적 형태를 창조하지 못했습니다. 만약 많은 세대가 원시인의 주요 생명의 원천인 짐승을 잡는 데 사고력을 집중하지 않았다면 이 짐승을 묘사하는 일은 그들에게 일어나지 않았을 것입니다.

따라서 첫째, "노동은 예술보다 오래되었습니다"(이 아이디어는 G. Plekhanov가 "주소 없는 편지"에서 훌륭하게 주장함)이고, 둘째, 예술의 출현은 노동에 기인합니다. 그러나 독점적으로 유용하고 실질적으로 필요한 도구의 생산에서 "쓸모없는" 이미지의 생산으로 전환하게 된 원인은 무엇입니까? 세계에 대한 미적 태도의 "무목적성", "무관심성", "내재적 가치"에 관한 임마누엘 칸트의 논제를 원시 예술에 적용하기 위해 어떤 대가를 치르더라도 부르주아 과학자들이 가장 많이 논쟁하고 가장 혼란스럽게 했던 것은 바로 이 질문이었습니다. K. Bucher, K. Gross, E. Grosse, Luke, Vreul, V. Gausenstein 등 원시 미술에 관해 글을 쓴 사람들은 원시인들이 "예술을 위한 예술"에 참여하고 있다고 주장했습니다. 예술적 창의성은 놀고자 하는 인간의 타고난 욕구였습니다.

다양한 종류의 "놀이"이론은 칸트와 쉴러의 미학에 기반을 두고 있으며, 그에 따르면 미적, 예술적 경험의 주요 특징은 정확하게 "외모를 통한 자유로운 놀이"에 대한 욕구입니다. 그리고 도덕적 평가.

프리드리히 쉴러(Friedrich Schiller)는 “미학적 창조적 충동은 끔찍한 힘의 왕국과 신성한 법의 왕국 한가운데에 세 번째의 유쾌한 놀이와 외모의 왕국을 눈에 띄지 않게 건설합니다. 인간은 모든 관계의 족쇄이며 육체적으로나 도덕적으로 강압이라고 불리는 모든 것에서 그를 해방시킵니다."( F. 쉴러, 미학에 관한 기사, 291페이지.).

쉴러는 자신의 미학의 기본 신조를 예술의 출현 문제(구석기 시대 창의성의 진정한 기념물이 발견되기 오래 전)에 적용했으며, "즐거운 놀이 왕국"이 이미 인간 사회의 여명기에 세워지고 있다고 믿었습니다. ...지금 고대 독일인더 빛나는 동물 가죽, 더 멋진 뿔, 더 우아한 그릇을 찾고, 칼레도니아 주민들은 축제를 위해 가장 아름다운 조개 껍질을 찾습니다. 필요한 것에 과잉의 미학을 도입하는 데 만족하지 않고 놀이하려는 자유로운 충동은 마침내 필요의 족쇄를 완전히 깨뜨리고 아름다움 자체가 인간 열망의 대상이 됩니다. 그는 자신을 장식합니다. 자유로운 즐거움은 그의 욕구 중 하나이며 쓸모없는 즐거움은 곧 그의 기쁨의 가장 좋은 부분이 됩니다." F. 쉴러, 미학에 관한 기사, pp. 289, 290.). 그러나 이러한 관점은 사실에 의해 반박됩니다.

우선, 낯설고 이해할 수 없는 존재로 맞서는 자연의 힘 앞에 무기력하고, 끊임없이 식량부족에 시달리며 치열한 생존투쟁 속에서 나날을 보내던 동굴인들이 헌신할 수 있었다는 것은 정말 믿을 수 없는 일이다. “자유로운 즐거움”에 대한 관심과 에너지가 너무 많습니다. 더욱이 이러한 "즐거움"은 매우 노동 집약적이었습니다. Le Roc de Cerre(프랑스 앙굴렘 근처) 바위 아래 보호소에 있는 조각 프리즈와 같이 돌에 큰 구호 이미지를 조각하는 데 많은 작업이 필요했습니다. 마지막으로 민족지학적 데이터를 포함한 수많은 데이터는 이미지(춤과 다양한 유형의 춤뿐만 아니라)를 직접적으로 나타냅니다. 극적인 행동)에는 매우 중요하고 순전히 실용적인 의미가 부여되었습니다. 사냥의 성공을 보장하기 위해 의식 의식이 그들과 관련되었습니다. 그들이 토템 숭배, 즉 부족의 수호 성인 인 짐승과 관련된 희생을했을 가능성이 있습니다. 사냥의 재현, 동물 가면을 쓴 사람들의 이미지, 화살에 찔려 피를 흘리는 동물의 이미지를 재현한 그림이 보존되었습니다.

문신과 모든 종류의 보석을 착용하는 관습조차도 "외모를 자유롭게 플레이"하려는 욕구에서 비롯된 것이 아닙니다. 적을 위협하거나 벌레 물림으로부터 피부를 보호해야 할 필요성에 의해 결정되었거나 다시 역할을 수행했습니다. 예를 들어, 곰 이빨로 만든 목걸이는 착용자가 곰 사냥에 참여했음을 나타낼 수 있습니다. 또한, 작은 타일 위의 녹용 조각 이미지에서는 그림문자의 시작을 볼 수 있습니다( 픽토그래피(Pictography)는 개별 사물의 이미지 형태로 글을 쓰는 주요 형태입니다.), 즉 의사소통 수단이다. "주소 없는 편지"에서 플레하노프는 한 여행자의 이야기를 인용합니다. "브라질 강 중 하나의 해안 모래에서 원주민이 그린 현지 품종 중 하나에 속하는 물고기의 이미지를 발견했습니다. 그는 동행하는 인디언들에게 그물을 던지라고 명령했고 그들은 모래 위에 묘사된 같은 종의 물고기 몇 마리를 꺼냈습니다. 이 이미지를 만들어 원주민이 동료들의 관심을 끌기를 원했다는 것이 분명합니다. 여기이런 저런 물고기가 있어요"( G. V. Plekhanov. 예술과 문학, 1948년, 148페이지.). 구석기 시대 사람들이 문자와 그림을 같은 방식으로 사용했음은 분명합니다.

호주, 아프리카 및 기타 부족의 사냥 춤과 동물의 그려진 이미지를 "죽이는" 의식에 대한 많은 목격자 기록이 있으며, 이러한 춤과 의식은 마술적 의식의 요소와 해당 동작의 운동을 결합합니다. 일종의 리허설, 사냥을 위한 실질적인 준비 . 많은 사실은 구석기 시대의 이미지가 비슷한 목적으로 사용되었음을 나타냅니다. 북부 피레네 산맥 지역의 프랑스 몬테스판(Montespan) 동굴에서는 사자, 곰, 말 등 동물의 수많은 점토 조각품이 발견되었으며, 이는 일종의 마법 의식 중에 가해진 것으로 보이는 창 타격의 흔적으로 덮여 있습니다. A. S. Gushchin의 저서 "The Origin of Art", L.-M., 1937, p. 88에서 Beguin의 설명을 참조하세요.).

그러한 사실의 논쟁의 여지가 없고 그 수가 많기 때문에 나중에 부르주아 연구자들은 "게임 이론"을 재고하고 이에 추가로 "마법 이론"을 제시하게 되었습니다. 동시에, 놀이 이론은 폐기되지 않았습니다. 대부분의 부르주아 과학자들은 비록 예술 작품이 마법적 행위의 대상으로 사용되기는 하지만, 그 창조의 충동은 놀이하고, 모방하고, 놀고자 하는 타고난 경향에 있다고 계속해서 주장했습니다. 장식하다.

인간뿐만 아니라 동물의 특징으로 추정되는 미감의 생물학적 타고난성을 주장하는 이 이론의 또 다른 버전을 지적할 필요가 있습니다. 쉴러의 이상주의가 '자유로운 놀이'를 신성한 재산으로 해석했다면 인간 정신- 특히 인간 - 저속한 실증주의 경향이 있는 과학자들은 동물 세계에서 동일한 속성을 보았고 그에 따라 예술의 기원을 자기 장식의 생물학적 본능과 연결했습니다. 이 진술의 기초는 동물의 성적 선택 현상에 대한 다윈의 관찰과 진술이었습니다. Darwin은 일부 새 품종에서 수컷은 깃털의 밝기로 암컷을 유혹한다고 지적했습니다. 예를 들어 벌새는 다색의 반짝이는 물체 등으로 둥지를 장식하며 미적 감정이 동물에게 이질적이지 않다고 제안했습니다.

다윈과 다른 박물학자들이 확립한 사실 자체에는 의심의 여지가 없습니다. 그러나 이것으로부터 인간 사회 예술의 기원을 추론하는 것은 예를 들어 새들이 계절에 따라 이동하는 본능을 통해 사람들이 여행과 지리적 발견을 하는 이유를 설명하는 것만큼이나 불법적이라는 것은 의심의 여지가 없습니다. 마이그레이션. 의식적인 활동인간의 활동은 동물의 본능적이고 무의식적인 활동과 반대입니다. 알려진 색상, 소리 및 기타 자극은 실제로 동물의 생물학적 영역에 일정한 영향을 미치며 진화 과정에서 고정되어 무조건 반사의 중요성을 얻습니다. 드문 경우지만이러한 자극의 성격은 다음과 일치합니다. 인간의 개념아름다운 것에 대해, 조화로운 것에 대해).

색상, 선, 소리 및 냄새가 인체에 영향을 미친다는 사실은 부인할 수 없습니다. 일부는 짜증나고 혐오스러운 방식으로, 다른 일부는 반대로 정확하고 활동적인 기능을 강화하고 촉진합니다. 이것은 예술 활동에서 사람이 어떤 식 으로든 고려하지만 그 기초는 결코 아닙니다. 물론 구석기인이 동굴 벽에 동물 형상을 그리고 조각하도록 강요한 동기는 본능적 충동과는 아무런 관련이 없습니다. 이것은 오래 전에 맹인의 사슬을 끊은 생물의 의식적이고 목적이 있는 창조적 행위입니다. 본능을 갖고 자연의 힘을 마스터하고 따라서 이러한 힘을 이해하는 길을 시작했습니다.

마르크스는 이렇게 썼습니다. “거미는 직공의 작업을 연상시키는 작업을 수행하며, 벌은 밀랍 세포를 구성하여 일부 인간 건축가를 수치스럽게 만듭니다. 그러나 최악의 건축가라도 왁스 셀을 만들기 전에 이미 머리 속에 그것을 만들었다는 점에서 최고의 벌과 처음부터 다릅니다. 노동 과정이 끝나면 이 과정 초기에 작업자가 이미 마음 속에 품고 있었던 결과, 즉 이상적인 결과가 얻어집니다. 일꾼은 자연이 부여한 것의 형태를 바꾼다는 점에서 벌과 다릅니다. 자연이 부여한 것에서 그는 동시에 법칙처럼 벌의 방법과 성격을 결정하는 의식적 목표를 실현합니다. 그의 행동과 그가 그의 의지에 종속되어야 하는 것"( ).

의식적인 목표를 실현하려면 사람이 알아야 할 사항 자연물그가 다루는 는 자연적 특성을 이해해야 합니다. 아는 능력도 즉각적으로 나타나지는 않습니다. 그것은 사람이 자연에 영향을 미치는 과정에서 발달하는 "휴면 세력"에 속합니다. 이 능력의 표현으로 예술도 발생합니다. 그것은 노동 자체가 이미 "최초의 동물과 같은 본능적 노동 형태", "원시적이고 본능적 형태에서 해방"된 순간에 발생합니다. K. Marx, Capital, 1권, 1951, 185페이지.). 예술, 특히 미술그 기원에서 그것은 특정 수준의 의식으로 발전한 노동의 측면 중 하나였습니다.

사람은 동물을 그린다. 이로써 그는 동물에 대한 자신의 관찰을 종합한다. 그는 자신의 모습, 습관, 동작 및 다양한 상태를 점점 더 자신있게 재현합니다. 그는 이 그림에서 자신의 지식을 공식화하고 이를 통합합니다. 동시에 그는 일반화하는 방법을 배웁니다. 사슴의 한 이미지는 여러 사슴에서 관찰된 특징을 전달합니다. 이것은 그 자체로 사고의 발전에 큰 자극을 줍니다. 인간의 의식과 자연과의 관계를 변화시키는 데 있어서 예술적 창의성의 진보적인 역할을 과대평가하는 것은 어렵습니다. 후자는 이제 그에게 그렇게 어둡지도 않고 암호화되지도 않습니다. 조금씩, 여전히 손을 대면서 그는 그것을 연구합니다.

따라서 원시 미술은 동시에 과학의 배아, 더 정확하게는 원시 지식의 산물이다. 사회 발전의 유아기 원시 단계에서는 이러한 형태의 지식이 아직 해부될 수 없었음이 분명합니다. 나중에; 처음에는 함께 공연했습니다. 아직 이 개념의 전체 범위를 다루는 예술은 아니었고 그에 대한 지식도 없었습니다. 그 자체의 의미에서그러나 두 가지의 기본 요소가 분리할 수 없게 결합된 것입니다.

이런 점에서 구석기 미술이 왜 짐승에게 그토록 많은 관심을 기울이고 인간에게는 상대적으로 덜 관심을 기울이는지 이해할 수 있게 됩니다. 주로 외부 자연을 이해하는 것을 목표로합니다. 놀랍도록 현실적이고 생생한 방식으로 동물을 묘사하는 방법을 이미 배웠음에도 불구하고 인간의 모습은 거의 항상 매우 원시적이고 단순히 무능한 방식으로 묘사됩니다. 로셀의 부조와 같은 일부 드문 예외를 제외하고는 말입니다.

1 6. 경적을 가진 여자. 사냥꾼. Loselle(프랑스, 도르도뉴 지역)의 구호품. 석회암. 높이 약. 0.5m 상부 구석기 시대, 오리냐크 시대.

구석기 시대 예술에는 예술의 영역을 과학 영역과 구분하는 인간 관계의 세계에 대한 주요 관심이 아직 없습니다. 원시 예술의 기념물에 따르면 (에 따르면 적어도– 비유적) 사냥과 관련된 주술 의식 외에는 부족 공동체의 삶에 대해 아무것도 알아내기가 어렵습니다. 가장 중요한 장소는 사냥의 대상인 동물이 차지합니다. 그것이 존재의 주요 원천이었고 회화와 조각에 대한 실용주의-인지적 접근 방식이 주로 동물과 그러한 종을 묘사했다는 사실에 반영되었기 때문에 실질적인 관심이 있었던 것은 연구였습니다. 특히 중요하면서도 동시에 어렵고 위험하기 때문에 특히 주의 깊은 연구가 필요했습니다. 새와 식물은 거의 묘사되지 않았습니다.

물론 구석기 시대 사람들은 주변 환경의 패턴을 아직 정확하게 이해하지 못했습니다. 자연 세계, 그리고 자신의 행동 패턴에 따라. 현실과 겉보기의 차이에 대한 명확한 인식은 아직 없었습니다. 꿈에서 본 것은 아마도 현실에서 본 것과 동일한 현실인 것처럼 보였습니다. 이 모든 혼란스러운 동화 아이디어에서 비롯되었습니다. 원시 마법, 이는 물질과 영적인 것을 혼합하고 무지로 인해 물질적 존재를 의식의 비물질적 사실에 돌린 원시인의 의식의 극도의 저개발, 극도의 순진함 및 불일치의 직접적인 결과였습니다.

사람은 동물의 모습을 그려서 어떤 의미에서 동물을 실제로 "숙달"한 것입니다. 왜냐하면 그는 동물을 알고 있었고 지식은 자연을 지배하는 원천이기 때문입니다. 비 유적 지식의 필수적인 필요성이 예술 출현의 이유였습니다. 그러나 우리 조상은 이 '숙달'을 문자 그대로 이해하고 사냥의 성공을 보장하기 위해 자신이 만든 그림을 중심으로 마법의 의식을 수행했습니다. 그는 자신의 행동의 진실되고 합리적인 동기를 환상적으로 다시 생각했습니다. 사실, 시각적 창의성이 항상 의식적인 목적을 갖고 있었던 것은 아닐 가능성이 매우 높습니다. 여기에는 분명히 위에서 이미 언급 한 다른 동기, 즉 정보 교환의 필요성도 포함되었습니다. 그러나 어쨌든 대다수의 그림 같고 조각 작품또한 마법의 목적으로도 사용되었습니다.

사람들은 예술 개념이 생기기 훨씬 전부터 예술에 참여하기 시작했고, 예술의 진정한 의미와 혜택을 이해하기 훨씬 일찍부터 예술에 참여하기 시작했습니다.

묘사하는 능력을 익히는 것 보이는 세계, 사람들도 실제 상황을 알지 못했습니다. 대중의 중요성이 스킬. 나중에 과학의 발전과 비슷한 일이 일어났고, 이는 또한 순진하고 환상적인 아이디어의 포로에서 점차 해방되었습니다. 중세 연금술사는 "철학자의 돌"을 찾으려고 노력했고 이에 대해 수년간의 노력을 기울였습니다. 그들은 철학자의 돌을 찾지 못했지만 금속, 산, 염 등의 특성을 연구하면서 귀중한 경험을 얻었으며 이후 화학 발전의 길을 마련했습니다.

원시 미술이 다음 중 하나였다는 사실을 말하면서 원본 형식지식, 주변 세계에 대한 연구, 그러므로 미적이라는 단어의 적절한 의미에서 아무것도 없다고 가정해서는 안됩니다. 미학은 유용성과 완전히 반대되는 것이 아닙니다.

이미 도구 제조와 관련된 노동 과정과 우리가 알고 있듯이 그림과 모델링 작업보다 수천년 전에 시작된 노동 과정은 어느 정도 사람의 미적 판단 능력을 준비하여 편의성과 대응의 원칙을 가르쳤습니다. 내용에 맞게 형식을 지정합니다. 가장 오래된 도구는 형태가 거의 없습니다. 돌 조각으로 한쪽이 깎여지고 나중에는 양쪽이 깎여져 있습니다. 굴착, 절단 등 다양한 목적으로 사용되었습니다. 도구가 기능에 따라 더욱 전문화됨에 따라(뾰족한 지점) 스크레이퍼, 커터, 바늘), 그들은 더 정의되고 일관되며 더 우아한 형태를 얻습니다. 이 과정에서 대칭과 비율의 중요성이 실현되고 예술에서 매우 중요한 적절한 비율 감각이 개발됩니다. . 그리고 업무의 효율성을 높이려고 노력하고 감사하고 느끼는 법을 배운 사람들이 중요한 의미적절한 양식, 전송에 접근 복잡한 모양살아있는 세계에서 그들은 이미 미학적으로 매우 중요하고 효과적인 작품을 만들 수 있었습니다.

경제적이고 대담한 획과 빨간색, 노란색, 검은색 페인트의 큰 반점은 들소의 획일적이고 강력한 시체를 전달했습니다. 이미지는 생동감이 넘쳤습니다. 긴장되는 근육의 떨림, 짧고 강한 다리의 탄력성, 거대한 머리를 숙이고 뿔을 내밀고 눈썹 아래에서 바라보며 앞으로 돌진하려는 짐승의 준비를 느낄 수 있었습니다. 충혈된 눈으로. 화가는 아마도 덤불 속을 힘차게 달리는 모습, 맹렬한 포효, 그를 쫓는 사냥꾼 무리의 호전적인 외침을 상상 속에서 생생하게 재현했을 것입니다.

수많은 사슴과 휴경사슴의 이미지에서 원시 예술가이 동물들의 날씬한 모습, 실루엣의 신경질적인 우아함, 그리고 그들이 안에 있는지 확인하기 위해 귀를 기울일 때 머리를 돌리는 것, 꼿꼿이 뻗은 귀, 몸의 굴곡에 반영되는 민감한 기민함을 아주 잘 전달했습니다. 위험. 강력하고 강력한 들소와 우아한 암사슴을 놀라운 정확도로 묘사하면서 사람들은 힘과 우아함, 거칠음과 우아함과 같은 바로 이러한 개념을 동화할 수밖에 없었습니다. 그리고 조금 뒤늦게 나온 어미 코끼리의 모습은 호랑이의 공격을 받아 아기 코끼리를 코로 덮고 있는 모습인데, 이는 작가가 짐승의 모습 이상의 것에 관심을 가지기 시작했음을 암시하는 것이 아닐까? 동물의 삶 자체를 자세히 관찰하고 다양한 발현그에게는 흥미롭고 유익한 것 같았습니다. 그는 동물계에서 감동적이고 표현적인 순간을 발견했습니다. 모성본능. 한마디로, 사람의 감정적 경험은 이미 이러한 발전 단계에 있는 예술적 활동의 도움으로 의심할 여지 없이 세련되고 풍부해졌습니다.

“예술 일반사”는 원시 예술부터 오늘날의 예술까지 모든 시대와 민족의 회화, 그래픽, 조각, 건축 및 응용 예술의 역사입니다. 이 자료는 다음과 같이 6권(7권)으로 구성되어 있습니다.
1권. 고대 세계 예술: 원시 예술, 서아시아 예술, 고대 이집트, 에게 해 예술, 고대 그리스 예술, 헬레니즘 예술, 고대 로마 예술, 북부 흑해 지역, 트랜스코카시아, 이란, 고대 중앙아시아, 인도와 중국의 고대 예술.

전문 예술가가 제공하는 독립적인 작업, 특별한 자질을 갖춘 인간 활동의 특별한 영역으로서의 예술은 노동 분업을 통해서만 가능해졌습니다. Engels는 이에 대해 다음과 같이 말합니다. “... 예술과 과학의 창조 – 이 모든 것은 단순한 육체 노동에 종사하는 대중과 일반 대중 사이의 대규모 분업을 기반으로 한 향상된 분업의 도움을 통해서만 가능했습니다. 작업을 관리하고, 무역, 국정, 그리고 나중에는 과학과 예술에도 참여하는 소수의 특권층입니다. 이러한 노동 분업의 가장 단순하고 완전히 자발적으로 형성된 형태는 바로 노예 제도였습니다."(F. Engels, Anti-Dühring, 1951, p. 170).

그러나 예술 활동은 지식과 창조적 작업의 독특한 형태이기 때문에 그 기원은 훨씬 더 오래되었습니다. 왜냐하면 사람들이 일했고 이 작업 과정에서 사회가 계급으로 분할되기 오래 전에 주변 세계에 대해 배웠기 때문입니다. 지난 100년 동안의 고고학적 발견을 통해 원시인의 시각적 창의성이 담긴 수많은 작품이 드러났는데, 그 나이는 수만 년으로 추정됩니다. 이것은 암벽화입니다. 돌과 뼈로 만든 인형; 사슴뿔 조각이나 석판에 새겨진 형상과 장식 문양. 유럽, 아시아, 아프리카에서 발견됩니다. 예술적 창의성에 대한 의식적인 아이디어가 생기기 오래 전에 등장한 작품입니다. 사슴, 들소, 야생마, 매머드 등 주로 동물의 형상을 재현한 이들 중 다수는 매우 중요하고 표현력이 풍부하며 자연에 충실하여 귀중한 역사적 기념물일 뿐만 아니라 오늘날까지도 예술적 힘을 유지하고 있습니다.

목차
책 소개
편집위원회에서
원시 미술
예술의 유래
원시 예술 발전의 주요 단계
서아시아 미술 (I. Loseva)
소개
메소포타미아 부족과 민족의 가장 오래된 문화(기원전 4~3천년 초반)
수메르 미술(기원전 27~25세기)
아카드 미술(기원전 24~23세기)
수메르 미술(기원전 23~21세기)
바빌론 미술(기원전 19~12세기)
히타이트와 미탄니의 예술(기원전 18~8세기)
아시리아 미술(기원전 9~7세기)
신바빌로니아 왕국 미술(기원전 7~6세기)
고대 이집트의 예술 (M. Mathieu)
소개
고대 이집트 예술의 형성(기원전 4000년)
고대왕국 미술(기원전 3200~2400년)
중왕국 미술(기원전 21세기~기원전 19세기 초)
신왕국 전반기 미술(기원전 16~15세기)
Akhenaten 시대의 예술과 그의 후계자(기원전 15세기 말~14세기 초)
신왕국 후반기 미술(기원전 14~2세기)
후기 미술 (11세기 - 기원전 332년)
에게해 예술
고대 그리스 미술 (Yu. Kolpinsky)
고대 그리스 문화와 예술의 일반적인 특성
호메릭 그리스의 예술
그리스 고대 미술
그리스 고전 미술(기원전 5세기 초~4세기 중반)
초기 고전 미술(소위 "엄격한 평온"(기원전 490~450년))
고급 고전 예술(기원전 450~410년)
후기 고전 미술(펠로폰네소스 전쟁 말기부터 마케도니아 제국 건국까지)
헬레니즘 예술(E. Rotenberg)
헬레니즘 예술
고대 로마의 예술 (N. Britova)
고대 로마의 예술
에트루리아 예술
로마 공화국의 예술
1세기 로마제국 미술. N. 이자형.
2세기 로마제국 미술. 기원 후
2~3세기 로마 속주 예술. 기원 후
3~4세기 로마 제국의 미술
북부 흑해 연안의 예술
고대 Transcaucasia의 예술
고대 이란 예술 (I. Loseva, M. Dyakonov)
중앙아시아의 예술
고대 인도의 예술
고대 중국의 예술.

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General History of Art, Volume 1, Chegodaev A.D., 1956 - fileskachat.com 책을 빠르고 무료로 다운로드하세요.

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책 소개

6권으로 구성된 『예술 일반사』

편집팀

소련 미술 이론 및 역사 연구소 예술 아카데미

『미술 일반사』 제1권

A.D. Chegodaev의 일반 편집하에 있는 고대 세계의 예술

국영 출판사 "예술"모스크바 1956

7권 1

"예술의 일반사" 제1권

편집자 R. B. Klimov

아티스트 I. F. Rerberg의 디자인

아트 에디터 V. D. Karandashov

기술 편집자 A. A. Sidorova

교정자 N. Ya. Korneeva 및 A. A. Pozin

1955년 11월 15일에 전달되었습니다. 난로에 25/IX 1956 양식, 종이 84x108 1/16

페치. 엘. 58 (조건부 95.12). 학술 에디션. 엘. 77.848. 유통량 75000. III 11453.

"예술", 모스크바, I-51,

Tsvetnoy Boulevard, 25. 출판사. 번호 13524. Zak. 유형. 4번.

소련 문화부. 인쇄 산업의 본부.

21번째 인쇄소의 이름을 따서 명명되었습니다. Ivan Fedorov, 레닌그라드, Zvenigorodskaya st., 11

가격 70 문지름.

"예술 일반사"는 소련 예술 아카데미의 이론 및 미술사 연구소에서 다른 과학 기관 및 박물관의 미술사 학자인 State Hermitage, State Museum of Fine Arts의 참여로 준비했습니다. A. S. Pushkin 등의 이름을 따서 명명되었습니다. "예술의 일반사"는 원시 예술부터 우리 시대의 예술에 이르기까지 모든 세기와 민족의 회화, 그래픽, 조각, 건축 및 응용 예술의 역사입니다. 1권. 고대 세계 예술: 원시 예술, 서아시아 예술, 고대 이집트, 에게 해 예술, 고대 그리스 예술, 헬레니즘 예술, 고대 로마 예술, 북부 흑해 지역, 트랜스코카시아, 이란, 고대 중앙아시아, 인도와 중국의 고대 예술.

편집위원회에서

B.V. Weymarn, B.R. Vipper, A.A. Guber, M.V. Dobroklonsky, Yu.D. Kolpinsky, V.F. Levenson-Lessing, K.A. Sitnik, A.N. Tikhomirov, A.D. Chegodaev

“예술 일반사”는 원시 예술부터 오늘날의 예술까지 모든 시대와 민족의 회화, 그래픽, 조각, 건축 및 응용 예술의 역사입니다. 이 자료는 다음과 같이 6권(7권)으로 구성되어 있습니다.

2권. 중세 미술. 1권: 비잔티움 미술, 중세 발칸반도 미술, 고대 러시아 미술(17세기까지), 아르메니아 미술, 조지아, 아랍 국가, 터키 미술, 서유럽 메로빙거 미술과 카롤링거 미술, 프랑스 로마네스크 미술과 고딕 미술 , 영국, 네덜란드, 독일, 체코, 폴란드, 에스토니아, 라트비아, 이탈리아 및 스페인. 2권: 6~18세기 중앙아시아 미술, 아제르바이잔, 이란, 아프가니스탄; 7~18세기 인도, 실론, 버마, 태국, 캄보디아, 라오스, 베트남, 인도네시아. 3~18세기 중국, 한국, 일본. 같은 책에는 고대 아메리카와 고대 아프리카 사람들의 예술이 포함되어 있습니다.

3권. 르네상스 미술: 13~16세기 이탈리아 미술, 15~16세기 네덜란드, 독일, 프랑스, 영국, 스페인, 체코, 폴란드 미술.

여섯 번째 권에는 전 세계 미술사에 대한 상세한 통합 참고문헌이 포함될 것입니다.

각 장의 본문에 있는 표와 그림에 대한 삽화 외에도 고고학적 발견 장소, 예술 중심지, 건축 구조물의 위치를 나타내는 지도가 제공됩니다.

예술의 기원 - N. A. Dmitrieva.

원시 예술 개발의 주요 단계 - V. V. Shleev.

서아시아 미술 - I. M. Loseva.

고대 이집트의 예술 - M.E-Mathieu.

에게 해 예술 - N. N. Britova.

고대 그리스의 예술 - Yu. D. Kolpinsky.

헬레니즘 시대의 예술 - E. I. Rotenberg.

고대 로마의 예술 - N. N. Britova.

북부 흑해 연안의 예술 - N. N. Britova.

고대 Transcaucasia의 예술-V.V.Shleev.

고대 이란의 예술 - I. M. Loseva(Achaemenid Iran) 및 M. M. Dyakonov(Sassanian Iran).

고대 중앙아시아 예술 - M. M. Dyakonov.

고대 인도의 예술 - N. A. Vinogradova 및 O. S. Prokofiev.

고대 중국의 예술 - N. A. Vinogradova.

B.V.Weimarn(서아시아, 이란, 중앙아시아, 중국 미술)과 E.I. Rotenberg(로마 미술)가 제1권의 일부 장 편집에 참여했습니다.

삽화 선택 및 볼륨 레이아웃은 A. D. Chegodaev 및 R. B. Klimov가 T. P. Kaptereva, A. G. Podolsky 및 E. I. Rotenberg의 참여로 제작했습니다.

지도는 예술가 G. G. Fedorov가 만들었고 텍스트의 그림은 예술가 Yu. A. Vasilyev 및 M. N. Mashkovtsev가 만들었습니다.

색인은 N. I. Bespalova와 A. G. Podolsky가 편집했으며 E. I. Rotenberg의 삽화에 대한 설명입니다.

상담 및 검토는 소련 과학 아카데미 미술사 연구소, 소련 과학 아카데미 물질 문화사 연구소, 동양 연구 연구소의 고대 동양 부문에서 수행되었습니다. 소련 과학 아카데미, 그루지야 SSR 과학 아카데미 그루지야 미술사 연구소, 아제르바이잔 SSR 과학 아카데미 건축 및 예술 연구소, 예술사 부문 아르메니아 SSR 과학 아카데미, 소련 건축 아카데미 건축 이론 및 역사 연구소, 모스크바 주립 대학 미술사학과. M. V. Lomonosov, 모스크바 주립 미술 연구소. V.I. Surikov와 이름을 딴 회화, 조각 및 건축 연구소. I. E. Repin, 국립 에르미타주 박물관, 주립 미술관. A. S. 푸시킨, 동양 문화 박물관, 조지아 주립 미술관.

예술의 일반적인 역사. 1권

고대 세계 예술: 원시 예술, 서아시아 예술, 고대 이집트, 에게 해 예술, 고대 그리스 예술, 헬레니즘 예술, 고대 로마 예술, 북부 흑해 지역, 트랜스코카시아, 이란, 고대 중앙아시아, 인도와 중국의 고대 예술.

*편집위원회에서

*원시미술

o 예술의 유래

o 원시 예술 발전의 주요 단계

* 서아시아 미술 (I. Loseva)

o 소개

o 메소포타미아 부족과 민족의 가장 오래된 문화(기원전 4~3천년 초반)

o 수메르 예술(기원전 27~25세기)

o 아카드 예술(기원전 24~23세기)

o 수메르 미술(기원전 23~21세기)

o 바빌론 미술(기원전 19~12세기)

o 히타이트와 미탄니의 예술(기원전 18~8세기)

o 아시리아 미술(기원전 9~7세기)

o 신바빌로니아 왕국의 예술(기원전 7~6세기)

* 고대 이집트의 미술 (M. Mathieu)

o 소개

o 고대 이집트 예술의 형성(기원전 4000년)

o 고대 왕국의 예술(기원전 3200년 - 2400년)

o 중왕국 미술(기원전 21세기~기원전 19세기 초)

o 신왕국 전반기 미술(기원전 16~15세기)

o Akhenaten 시대와 그의 후계자들(기원전 15세기 후반~14세기 초반)의 예술

o 신왕국 후반기 미술(기원전 14~2세기)

o 후기 예술 (11세기 - 332 BC)

* 에게해 예술

* 고대 그리스 미술 (Yu. Kolpinsky)

o 고대 그리스 문화와 예술의 일반적인 특성

o 호머 그리스의 예술

o 그리스 고대 예술

o 그리스 고전 미술(기원전 5세기 초 - 4세기 중반)

o 초기 고전 예술(소위 "엄격한 평온", 기원전 490~450년)

o 고급 고전 예술(기원전 450~410년)

o 후기 고전 예술(펠로폰네소스 전쟁 말기부터 마케도니아 제국 건국까지)

* 헬레니즘 미술(E. Rotenberg)

o 헬레니즘 미술

* 고대 로마의 예술 (N. Britova)

o 고대 로마의 예술

o 에트루리아 예술

o 로마 공화국의 예술

o 1세기 로마 제국의 예술. N. 이자형.

o 2세기 로마 제국의 예술. 기원 후

o 2~3세기 로마 지방의 예술. 기원 후

o 3~4세기 로마 제국의 예술

* 북부 흑해 연안의 예술

* 고대 Transcaucasia의 예술

* 고대 이란 미술 (I. Loseva, M. Dyakonov)

* 중앙아시아 미술

* 고대 인도의 예술

* 고대 중국의 예술

원시 미술

예술의 유래

N. 드미트리예프

전문 예술가가 제공하는 독립적인 작업, 특별한 자질을 갖춘 인간 활동의 특별한 영역으로서의 예술은 노동 분업을 통해서만 가능해졌습니다. Engels는 이에 대해 다음과 같이 말합니다. “... 예술과 과학의 창조 – 이 모든 것은 단순한 육체 노동에 종사하는 대중과 일반 대중 사이의 대규모 분업을 기반으로 한 향상된 분업의 도움을 통해서만 가능했습니다. 작업을 관리하고, 무역, 국정, 나중에는 과학 및 예술에도 참여하는 소수의 특권층입니다. 이러한 노동 분업의 가장 단순하고 완전히 자발적으로 형성된 형태는 바로 노예 제도였습니다."( F. Engels, Anti-Dühring, 1951, 170페이지).

그것은 인간 사회의 어린 시절, 즉 형성의 가장 오래된 시대와 일치하지 않습니다. 현대 과학에 따르면, 유인원과 같은 인간 조상의 인간화 과정은 제4기 첫 빙하기 이전부터 시작되었으므로 인류의 '나이'는 약 100만 년이다. 원시 예술의 첫 번째 흔적은 기원전 약 수만 년에 시작된 후기 구석기 시대로 거슬러 올라갑니다. 소위 오리냐크 시대( 구석기 시대(구석기 시대)의 Chellesian, Acheulian, Mousterian, Aurignacian, Solutrean, Magdalenian 단계는 처음 발견된 장소의 이름을 따서 명명되었습니다.) 이것은 원시 공동체 시스템이 비교적 성숙한 시기였습니다. 이 시대의 인간은 체질상 현대인과 다르지 않았으며 이미 말을 하고 돌, 뼈 및 뿔로 매우 복잡한 도구를 만들 수 있었습니다. 그는 창과 다트를 사용하여 대형 동물의 집단 사냥을 이끌었고, 씨족이 부족으로 연합하여 모계제가 탄생했습니다.

손과 두뇌가 예술적 창의성을 발휘할 수 있을 만큼 성숙되기까지는 고대인과 현대인을 분리하는 데 90만년 이상이 소요되었습니다.

한편, 원시 석기 도구의 제조는 훨씬 더 오래된 구석기 시대와 중기 구석기 시대로 거슬러 올라갑니다. 이미 Sinanthropus (베이징 근처에서 발견 된 유적)는 석기 제조 분야에서 상당히 높은 수준에 도달했으며 불을 사용하는 방법을 알고있었습니다. 네안데르탈인은 도구를 더 세심하게 가공하여 특별한 목적에 맞게 조정했습니다. 수천년 동안 지속된 그러한 "학교"덕분에 그들은 손의 필요한 유연성, 눈의 충실도 및 눈에 보이는 것을 일반화하여 가장 중요하고 특징적인 특징, 즉 모든 것을 강조하는 능력을 개발했습니다. 알타미라 동굴의 멋진 그림에 나타난 특성. 사람이 돌과 같이 가공하기 어려운 재료를 음식을 얻기 위해 손을 운동하고 다듬지 않았다면 그림 그리는 법을 배울 수 없었을 것입니다. 실용적인 형태의 창조를 마스터하지 않으면 그는 예술적 형태를 창조하지 못했습니다. 만약 많은 세대가 원시인의 주요 생명의 원천인 짐승을 잡는 데 사고력을 집중하지 않았다면 이 짐승을 묘사하는 일은 그들에게 일어나지 않았을 것입니다.

쉴러는 자신의 미학의 기본 신조를 예술의 출현 문제(구석기 시대 창의성의 진정한 기념물이 발견되기 오래 전)에 적용했으며, "즐거운 놀이 왕국"이 이미 인류 사회의 여명기에 세워지고 있다고 믿었습니다. ...이제 고대 독일인은 더 반짝이는 동물 가죽, 더 멋진 뿔, 더 우아한 그릇을 찾고 있으며, 칼레도니아인은 축제를 위해 가장 아름다운 조개껍질을 찾습니다. 필요한 것에 과잉의 미학을 도입하는 데 만족하지 않고 놀이하려는 자유로운 충동은 마침내 필요의 족쇄를 완전히 깨뜨리고 아름다움 자체가 인간 열망의 대상이 됩니다. 그는 자신을 장식합니다. 자유로운 즐거움은 그의 욕구 중 하나이며 쓸모없는 즐거움은 곧 그의 기쁨의 가장 좋은 부분이 됩니다." F. 쉴러, 미학에 관한 기사, pp. 289, 290.). 그러나 이러한 관점은 사실에 의해 반박됩니다.

우선, 낯설고 이해할 수 없는 존재로 맞서는 자연의 힘 앞에 무기력하고, 끊임없이 식량부족에 시달리며 치열한 생존투쟁 속에서 나날을 보내던 동굴인들이 헌신할 수 있었다는 것은 정말 믿을 수 없는 일이다. “자유로운 즐거움”에 대한 관심과 에너지가 너무 많습니다. 더욱이 이러한 "즐거움"은 매우 노동 집약적이었습니다. Le Roc de Cerre(프랑스 앙굴렘 근처) 바위 아래 보호소에 있는 조각 프리즈와 같이 돌에 큰 구호 이미지를 조각하는 데 많은 작업이 필요했습니다. 마지막으로, 민족지학적 데이터를 포함한 수많은 데이터는 이미지(춤과 다양한 종류의 극적인 동작은 물론)에 매우 중요하고 순전히 실용적인 의미가 부여되었음을 직접적으로 나타냅니다. 사냥의 성공을 보장하기 위해 의식 의식이 그들과 관련되었습니다. 그들이 토템 숭배, 즉 부족의 수호 성인 인 짐승과 관련된 희생을했을 가능성이 있습니다. 사냥의 재현, 동물 가면을 쓴 사람들의 이미지, 화살에 찔려 피를 흘리는 동물의 이미지를 재현한 그림이 보존되었습니다.

문신과 모든 종류의 보석을 착용하는 관습조차도 "외모를 자유롭게 플레이"하려는 욕구에서 비롯된 것이 아닙니다. 적을 위협하거나 벌레 물림으로부터 피부를 보호해야 할 필요성에 의해 결정되었거나 다시 역할을 수행했습니다. 예를 들어, 곰 이빨로 만든 목걸이는 착용자가 곰 사냥에 참여했음을 나타낼 수 있습니다. 또한, 작은 타일 위의 녹용 조각 이미지에서는 그림문자의 시작을 볼 수 있습니다( 픽토그래피(Pictography)는 개별 사물의 이미지 형태로 글을 쓰는 주요 형태입니다.), 즉 의사소통 수단이다. "주소 없는 편지"에서 플레하노프는 한 여행자의 이야기를 인용합니다. "브라질 강 중 하나의 해안 모래에서 원주민이 그린 현지 품종 중 하나에 속하는 물고기의 이미지를 발견했습니다. 그는 동행하는 인디언들에게 그물을 던지라고 명령했고 그들은 모래 위에 묘사된 같은 종의 물고기 몇 마리를 꺼냈습니다. 이 이미지를 만들어 원주민이 이곳에서 그런 물고기가 발견되었다는 사실을 동료들에게 알리고 싶었던 것이 분명합니다."( G. V. Plekhanov. 예술과 문학, 1948년, 148페이지.). 구석기 시대 사람들이 문자와 그림을 같은 방식으로 사용했음은 분명합니다.

인간뿐만 아니라 동물의 특징으로 추정되는 미감의 생물학적 타고난성을 주장하는 이 이론의 또 다른 버전을 지적할 필요가 있습니다. 실러의 이상주의가 '자유 놀이'를 인간 정신, 즉 인간의 신성한 속성으로 해석했다면, 저속한 실증주의에 기울어진 과학자들은 동물 세계에서도 동일한 속성을 보았고, 따라서 예술의 기원을 자아의 생물학적 본능과 연결했습니다. 장식. 이 진술의 기초는 동물의 성적 선택 현상에 대한 다윈의 관찰과 진술이었습니다. Darwin은 일부 새 품종에서 수컷은 깃털의 밝기로 암컷을 유혹한다고 지적했습니다. 예를 들어 벌새는 다색의 반짝이는 물체 등으로 둥지를 장식하며 미적 감정이 동물에게 이질적이지 않다고 제안했습니다.

다윈과 다른 박물학자들이 확립한 사실 자체에는 의심의 여지가 없습니다. 그러나 이것으로부터 인간 사회 예술의 기원을 추론하는 것은 예를 들어 새들이 계절에 따라 이동하는 본능을 통해 사람들이 여행과 지리적 발견을 하는 이유를 설명하는 것만큼이나 불법적이라는 것은 의심의 여지가 없습니다. 마이그레이션. 의식적인 인간 활동은 동물의 본능적이고 무의식적인 활동과 반대입니다. 잘 알려진 색상, 소리 및 기타 자극은 실제로 동물의 생물학적 영역에 일정한 영향을 미치며 진화 과정에서 통합되어 무조건 반사의 의미를 얻습니다. 자극은 아름다움, 조화로움에 대한 인간의 개념과 일치합니다.

색상, 선, 소리 및 냄새가 인체에 영향을 미친다는 사실은 부인할 수 없습니다. 일부는 짜증나고 혐오스러운 방식으로, 다른 일부는 반대로 정확하고 활동적인 기능을 강화하고 촉진합니다. 이것은 예술 활동에서 사람이 어떤 식 으로든 고려하지만 그 기초는 결코 아닙니다. 물론 구석기인이 동굴 벽에 동물 형상을 그리고 조각하도록 강요한 동기는 본능적 충동과는 아무런 관련이 없습니다. 이것은 오래 전에 맹인의 사슬을 끊은 생물의 의식적이고 목적이 있는 창조적 행위입니다. 본능을 갖고 자연의 힘을 마스터하고 결과적으로 이러한 힘을 이해하는 길을 시작했습니다.

의식적인 목표를 실현하려면, 사람은 자신이 다루고 있는 자연 대상을 알아야 하고, 그 자연적 특성을 이해해야 합니다. 아는 능력도 즉각적으로 나타나지는 않습니다. 그것은 사람이 자연에 영향을 미치는 과정에서 발달하는 "휴면 세력"에 속합니다. 이 능력의 표현으로 예술도 발생합니다. 그것은 노동 자체가 이미 "최초의 동물과 같은 본능적 노동 형태", "원시적이고 본능적 형태에서 해방"된 순간에 발생합니다. K. Marx, Capital, 1권, 1951, 185페이지.). 예술, 특히 미술은 그 기원에서 특정 수준의 의식으로 발전한 노동의 측면 중 하나였습니다.

따라서 원시 미술은 동시에 과학의 배아, 더 정확하게는 원시 지식의 산물이다. 사회 발전의 유아기 원시 단계에서는 이러한 형태의 지식이 후대에 해체되었던 것처럼 아직 해체될 수 없다는 것이 분명합니다. 처음에는 함께 공연했습니다. 그것은 아직 이 개념의 전체 범위에 있는 예술이 아니었고, 올바른 의미의 지식도 아니었지만, 두 가지의 기본 요소가 불가분하게 결합된 것이었습니다.

이런 점에서 구석기 미술이 왜 짐승에게 그토록 많은 관심을 기울이고 인간에게는 상대적으로 덜 관심을 기울이는지 이해할 수 있게 됩니다. 주로 외부 자연을 이해하는 것을 목표로합니다. 동물이 이미 놀랍도록 사실적이고 생생하게 묘사하는 법을 배웠던 바로 그 순간, 인간의 모습은 로셀의 부조와 같은 몇 가지 드문 예외를 제외하고는 거의 항상 매우 원시적이고 단순히 부적절하게 묘사됩니다.

1 6. 뿔을 가진 여자. 사냥꾼. Loselle(프랑스, 도르도뉴 지역)의 구호품. 석회암. 높이 약. 0.5m 상부 구석기 시대, 오리냐크 시대.

구석기 시대 예술에는 예술의 영역을 과학 영역과 구분하는 인간 관계의 세계에 대한 주요 관심이 아직 없습니다. 원시 예술 기념물(적어도 순수 예술)에서 사냥 및 관련 마법 의식 외에 부족 공동체의 삶에 대해 배우는 것은 어렵습니다. 가장 중요한 장소는 사냥의 대상인 짐승이 차지합니다. 그것이 존재의 주요 원천이었고 회화와 조각에 대한 실용주의-인지적 접근 방식이 주로 동물과 그러한 종을 묘사했다는 사실에 반영되었기 때문에 실질적인 관심이 있었던 것은 연구였습니다. 특히 중요하면서도 동시에 어렵고 위험하기 때문에 특히 주의 깊은 연구가 필요했습니다. 새와 식물은 거의 묘사되지 않았습니다.

물론 구석기 시대 사람들은 주변 자연계의 패턴과 자신의 행동 패턴을 아직 정확하게 이해하지 못했습니다. 현실과 겉보기의 차이에 대한 명확한 인식은 아직 없었습니다. 꿈에서 본 것은 아마도 현실에서 본 것과 동일한 현실인 것처럼 보였습니다. 이 모든 동화 아이디어의 혼란에서 원시 마법이 나타났습니다. 이는 극도의 저개발, 극도의 순진함 및 원시인 의식의 불일치의 직접적인 결과였습니다. 원시인 의식의 불일치는 무지에서 물질적 존재를 귀속시킨 영적인 것과 물질을 혼합했습니다. 의식의 비물질적 사실에.

사람은 동물의 모습을 그려서 어떤 의미에서 동물을 실제로 "숙달"한 것입니다. 왜냐하면 그는 동물을 알고 있었고 지식은 자연을 지배하는 원천이기 때문입니다. 비 유적 지식의 필수적인 필요성이 예술 출현의 이유였습니다. 그러나 우리 조상은 이 '숙달'을 문자 그대로 이해하고 사냥의 성공을 보장하기 위해 자신이 만든 그림을 중심으로 마법의 의식을 수행했습니다. 그는 자신의 행동의 진실되고 합리적인 동기를 환상적으로 다시 생각했습니다. 사실, 시각적 창의성이 항상 의식적인 목적을 갖고 있었던 것은 아닐 가능성이 매우 높습니다. 여기에는 분명히 위에서 이미 언급한 정보 교환의 필요성 등 다른 동기도 포함되었습니다. 그러나 어쨌든 대부분의 그림과 조각품도 마법의 목적으로 사용되었다는 사실을 부인할 수는 없습니다.

눈에 보이는 세계를 묘사하는 능력을 습득하면서도 사람들은 이 기술의 진정한 사회적 의미를 깨닫지 못했습니다. 나중에 과학의 발전과 비슷한 일이 일어났고, 이는 또한 순진하고 환상적인 아이디어의 포로에서 점차 해방되었습니다. 중세 연금술사는 "철학자의 돌"을 찾으려고 노력했고 이에 대해 수년간의 노력을 기울였습니다. 그들은 철학자의 돌을 찾지 못했지만 금속, 산, 염 등의 특성을 연구하면서 귀중한 경험을 얻었으며 이후 화학 발전의 길을 마련했습니다.

원시 예술이 지식의 원래 형태 중 하나, 주변 세계에 대한 연구라고 말하면서 올바른 의미에서 미학적인 것이 없다고 가정해서는 안됩니다. 미학은 유용성과 완전히 반대되는 것이 아닙니다.

이미 도구 제조와 관련된 노동 과정과 우리가 알고 있듯이 그림과 모델링 작업보다 수천년 전에 시작된 노동 과정은 어느 정도 사람의 미적 판단 능력을 준비하여 편의성과 대응의 원칙을 가르쳤습니다. 내용에 맞게 형식을 지정합니다. 가장 오래된 도구는 형태가 거의 없습니다. 돌 조각으로 한쪽이 깎여지고 나중에는 양쪽이 깎여져 있습니다. 굴착, 절단 등 다양한 목적으로 사용되었습니다. 도구가 기능에 따라 더욱 전문화됨에 따라(뾰족한 지점) 스크레이퍼, 커터, 바늘), 그들은 더 정의되고 일관되며 더 우아한 형태를 얻습니다. 이 과정에서 대칭과 비율의 중요성이 실현되고 예술에서 매우 중요한 적절한 비율 감각이 개발됩니다. . 그리고 작업의 효율성을 높이려고 노력하고 목적이 있는 형태의 중요한 의미를 인식하고 느끼는 법을 배운 사람들이 살아있는 세계의 복잡한 형태의 이전에 접근했을 때 그들은 이미 미학적으로 매우 중요한 작품을 만들 수 있었습니다. 그리고 효과적이다.

사슴과 휴경사슴의 수많은 이미지에서 원시 예술가들은 이 동물들의 날씬한 모습, 실루엣의 긴장된 우아함, 머리 회전, 쳐진 귀, 구부러진 귀에 반영되는 민감한 기민함을 매우 잘 전달했습니다. 몸이 위험에 처해 있는지 알아보기 위해 듣는 것입니다. 강력하고 강력한 들소와 우아한 암사슴을 놀라운 정확도로 묘사하면서 사람들은 힘과 우아함, 거칠음과 우아함과 같은 바로 이러한 개념을 동화할 수밖에 없었습니다. 그리고 조금 뒤늦게 나온 어미 코끼리의 모습은 호랑이의 공격을 받아 아기 코끼리를 코로 덮고 있는 모습인데, 이는 작가가 동물의 외모 이상의 것에 관심을 갖기 시작했다는 것을 암시하는 것이 아닐까? 동물의 삶 자체와 그 다양한 표현을 면밀히 관찰하는 것은 그에게 흥미롭고 유익한 것처럼 보였습니다. 그는 동물계에서 모성 본능이 드러나는 감동적이고 표현적인 순간을 발견했습니다. 한마디로, 사람의 감정적 경험은 이미 이러한 발전 단계에 있는 예술적 활동의 도움으로 의심할 여지 없이 세련되고 풍부해졌습니다.

4. 경치 좋은 이미지알타미라 동굴(스페인, 산탄데르 지방)의 천장에 있습니다. 일반 형태. 후기 구석기 시대, 막달레나 시대.

우리는 구석기 시대 시각 예술의 초기 구성 능력을 부정할 수 없습니다. 사실, 동굴 벽의 이미지는 대부분 무작위로 배열되어 있으며, 서로 적절한 상관 관계도 없고 배경이나 주변 환경을 전달하려는 시도도 없습니다(예: 알타미라 동굴 천장의 그림). 그림은 일종의 자연스러운 프레임(예: 사슴뿔, 뼈 도구, 소위 "지도자의 지팡이" 등)에 배치되었으며 이 프레임에 매우 능숙하게 들어맞습니다. 직사각형 모양이지만 상당히 넓으며 말이나 사슴이 차례로 연속으로 조각되는 경우가 가장 많습니다. 좁은 것에는 물고기 또는 뱀이 있습니다. 종종 동물의 조각 이미지가 칼 손잡이에 배치됩니다. 또는 일부 도구, 그리고 이러한 경우 주어진 동물의 특징을 나타내는 동시에 손잡이의 목적에 맞게 모양이 조정되는 포즈가 제공됩니다. 따라서 여기에서 미래의 "응용 예술"의 요소는 다음과 같이 탄생합니다. 대상의 실제 목적에 대한 시각적 원리의 필연적 종속(ill. 2 a).

2 6. 사슴 떼. Tayges(프랑스, 도르도뉴 주) 시청 동굴의 독수리 뼈 조각. 상부 구석기 시대.

예술의 일반적인 역사. 6권 2권. 20세기 예술

20세기에 사회주의의 길에 들어선 국가들의 19세기 후반~20세기 중반 미술사 전반을 다룬다.

소련 예술 아카데미

미술이론사연구소 총 6권 편집위원

B.V. Weymarn, B.R. Vipper, A.A. Guber, M.V. Dobroklonsky, Yu.D. Kolpinsky, V.F. Levinson-Lessing, A.A. Sidorov, A.N. Tikhomirov, A.D. Chegodaev

국영 출판사 "예술" 모스크바 1966 제목 페이지 소련 예술 아카데미 제2

미술 이론 및 역사 연구소 제6권 20세기 미술 제2권

B.B. Weimarn 및 Yu.D. Kolpinsky State Publishing House "Art" Moscow 1966의 일반 편집하에 책 끝 부분에 정보가 있습니다.

일반 미술사 볼륨 VI, Book Two M., "Art", 1966, 848 pp., 편집자 I. A. Shkirich 예술가 I. F. Rerberg 및 E. A. Gannushkin의 디자인

아트 편집자 A. A. Sidorova 교정자 N. G. Antokolskaya 및 N. Ya. Korneeva Subp. 30/VI 1966을 인쇄하려면

용지 크기 84 X 1081/16인쇄. 엘. 55 (조건부 92.4). 학술 에디션. 엘. 71.47. 순환 60200. A 16219.

"Art", Moscow, K-51, Tsvetnoy Boulevard, 25. 출판사. 번호 20303. 주문 유형. 1564년

Ivan Fedorov의 이름을 딴 레닌그라드 인쇄소 제3호

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편집위원회에서

VI권의 두 번째 책은 19세기 후반부터 20세기 중반까지의 예술을 다루고 있습니다. 20세기에 사회주의의 길을 택한 나라들.

러시아 미술과 소련 미술을 포함하는 해당 섹션의 과학판은 B.V. Weimarn의 작품입니다. 섹션의 과학 판, 예술에 전념하다 외국사회주의, - Yu.D. Kolpinsky 및 B. V. Weimarn.

소개 - B.V. Weymarn.

러시아 예술 19세기~20세기 초. - N. I. Sokolova (소개, V. A. Serov 섹션, 조각, 건축), M. B. Milotvorskaya (그림).

19세기 후반부터 20세기 초반까지의 우크라이나, 벨로루시, 라트비아, 에스토니아, 리투아니아, 조지아, 아르메니아, 아제르바이잔의 예술. - E.M. 코스티나.

소련 예술 - O. I. Sopotsinsky(소개 및 그림); E. M. Kostina(연극 및 풍경화); R.Ya.Abolina(조각); A. Yu.Nurok(그래픽); 장식 및 응용 예술 - I. M. Bibikova (1917 - 1945), I. M. Ryazantsev (1945 - 1965); V. P. Tolstoy (건축).

독일 미술 민주 공화국-I.P.고린.

폴란드 예술 - L. M. Urazova(미술); S. O. Khan-Magomedov, O. A. Shvidkovsky (건축).

체코슬로바키아 예술 - Yu.D. Kolpinsky(미술); S. O. KhanMagomedov, O. A. Shvidkovsky (건축).

헝가리 미술 - L.S. Aleshina(미술); S.O. Khan-Magomedov, O. A. Shvidkovsky (건축).

루마니아 예술 - M. T. Kuzmina(미술); S. O. KhanMagomedov, O. A. Shvidkovsky (건축).

불가리아 예술 - E.P.Lvova(미술); S.O. Khan-Magomedov, O. A. Shvidkovsky (건축).

유고슬라비아 예술 - N. Ya. Yavorskaya(미술); S. O. KhanMagomedov, O. A. Shvidkovsky (건축).

알바니아의 예술 - A. N. Tikhomirov.

몽골의 예술 - O. S. 프로코피예프.

중국의 예술 - N. A. Vinogradova.

조선민주주의인민공화국 예술 - N. A. Vinogradova.

베트남민주공화국 미술 - O.S. 프로코피예프.

쿠바의 예술 - V. M. Polevoy.

설명 자료의 선택은 L. S. Aleshina, N. A. Vinogradova, V. M. Makarevich, O. S. Prokofiev 및 해당 권의 편집자가 수행했습니다. 삽화 앨범의 레이아웃은 해당 권의 과학 편집자들이 만들었습니다. 삽화 목록은 L. S. Aleshina, V. M. Makarevich가 준비했습니다. 이 지수는 N. N. Bankovsky와 M. I. Bezrukova가 편집했습니다. VI권의 두 권의 참고문헌은 해당 장의 저자인 N. A. Vinogradova가 제시한 자료를 기반으로 작성되었습니다. L. S. Aleshina, N. N. Bankovsky, M. B. Milotvorskaya는 출판용 텍스트 준비에 참여했습니다. 텍스트의 그림은 아티스트 V. A. Lapin이 제작했습니다. 이 책은 A. V. Shchusev의 이름을 딴 건축 과학 연구 박물관의 사진 자료, A. A. Alexandrov, S. G. Belyakov, N. A. Belyaev, E. A. Nikitin, N. A. Kratskin의 사진을 사용합니다. 또한 O. A. Shvidkovsky의 사진 자료가 사용되었습니다.

이 책의 준비에 도움(상담, 사진 제공 등)을 주신 편집위원회는 Tretyakov 갤러리, 러시아 박물관, 에르미타주 박물관, 동양 미술관, 푸쉬킨 미술관, 연구소에 감사드립니다. 소련 문화부 미술사, 국가 건설위원회 산하 토목 건축 및 건축 국가위원회의 건축 이론, 역사 및 관점 문제 연구소

소련 및 개인적으로 V. N. Belousov, R. A. Katsnelson, B. B. Keller, N. L. Krasheninnikova, N. A. Samoilova, A. A. Strigalev, I. V. Ern 및 브라티슬라바에 있는 슬로바키아 국립 미술관 관장인 I. Vaculik 교수, I. Shetlik 박사, B 박사. Sheglikova, 부다페스트 국립 미술관 관장 G. E. Pogan 교수, K. Weidner 박사, 루마니아 사회주의 공화국 과학 아카데미 미술사 연구소 직원, 베오그라드 인민 박물관 관장 L. Trifunovic 및 연구원 같은 박물관 N. Kusova, 유고슬라비아 과학 예술 아카데미 미술부 부국장 J. Grum.

# 편집위원회에서

#소개

# 소련 민족의 예술

* 러시아의 예술

o 19세기 말~20세기 초 러시아 미술

영형 19세기 후반~20세기 초 우크라이나, 벨로루시, 라트비아, 에스토니아, 리투아니아, 조지아, 아르메니아, 아제르바이잔의 예술

* 소련 예술

o 소개

o 회화 o 조각 o 그래픽

o 예술과 공예

o 건축

# 유럽 사회주의 국가의 예술

* 독일민주공화국의 예술

* 폴란드의 예술

* 체코슬로바키아의 예술

* 헝가리의 예술

* 루마니아의 예술

* 불가리아의 예술

* 유고슬라비아의 예술

* 알바니아의 예술

# 아시아 및 라틴 아메리카 사회주의 국가의 예술

* 몽골의 예술

* 중국의 예술

* 한국 미술인민민주공화국

* 베트남민주공화국 예술

* 쿠바의 예술

# 참고문헌

* 일반업무

* 책 1권

* 두 번째 책

소개

B. 바이만

20세기 예술에서. 서로 다른 목표와 목적을 위해 싸우는 세력은 세계 예술 문화 발전을 위한 길을 날카롭고 화해할 수 없게 충돌합니다. 제국주의에 의해 생성된 반동적 부르주아 이데올로기는 과거의 위대한 전통, 궁극적으로 예술의 원리 자체에 대한 거부, 쇠퇴, 주관주의 및 병리학으로의 철수와 관련된 현실주의에 적대적인 길로 예술을 지시합니다.

자본의 본거지를 습격하고 계급 없는 공산주의 사회를 건설하는 프롤레타리아트의 사회주의 이념은 진보적인 예술력을 단결시키고 세계 예술을 그 길로 이끈다 추가 개발그리고 번성. 이 길에서 사회주의적이고 진정한 보편적 인본주의가 물씬 풍기는 예술 문화는 세계 현실주의의 전통을 이어가며 이를 질적으로 새로운 수준의 발전으로 끌어올립니다. 사회주의 리얼리즘 예술은 점점 더 현재를 장악하고 있으며, 미래는 여기에 속합니다.

사회주의 리얼리즘 예술의 이념적 기초는 억압받는 계급의 혁명적 해방 투쟁의 프롤레타리아 단계에서 발전한 마르크스-레닌주의 세계관이었습니다. 새로운 트베리 방법은 노동계급의 이데올로기를 예술적 표현으로, 새로운 원칙에 따라 사회를 재건하기 위한 투쟁에서 영적 무기로 문학과 예술에서 자연스럽게 나타났습니다.

마르크스주의 이론가들은 사회주의 예술의 형성에 큰 관심을 기울였으며 그 속에서 이념적, 미적 교육의 강력한 수단을 보았습니다. 광범위한 대중노동자. 80년대쯤. 지난 세기에 칼 마르크스와 프리드리히 엥겔스는 이미 시스템을 개발했습니다. 미학적 견해, 유물론적 철학을 바탕으로 세계 혁명적 노동 운동의 경험을 통해 조명되었습니다. 예술에 현실에 대한 깊은 비유적 반영을 요구하면서 마르크스와 엥겔스는 진정한 사실주의의 표시는 "전형적인 인물을 전형적인 형태로 재현하는 진실성"이라고 강조했습니다.

상황" ("에게. 예술에 관한 마르크스와 F. 엥겔스,” vol. I, M., 1957, p. 11.)

마르크스주의의 고전은 노동계급의 삶으로 눈을 돌리는 진보적인 작가와 예술가들에게 사회 발전의 가장 깊은 원동력, 즉 프롤레타리아트의 혁명적 힘, 그 권리 및 역사적 힘을 그들의 작품에서 드러내도록 촉구했습니다.

역할. 이 요구 사항은 1888년 Engels가 M. Harkness에게 보낸 편지에서 매우 명확하게 표현되었습니다. 엥겔스는 자신의 작품에서 "노동계급이 수동적인 대중으로 나타난다"는 사실에 대해 작가를 비난하면서 "노동계급을 억압하는 환경에 대한 노동계급의 혁명적 저항"과 프롤레타리아트의 "인간적 성취를 달성하려는 시도"라고 썼습니다. 권리는 역사에 새겨져 있으므로 현실주의 분야에서 그 자리를 차지해야 합니다.”(Ibid.) 안에 예술적 표현마르크스와 엥겔스는 노동계급의 투쟁을 새로운 사실주의 예술의 가장 중요한 과제 중 하나로 여겼습니다.

V.I. 20세기 초의 역사적 상황에서의 레닌. 미래의 예술인 프롤레타리아 예술에 대한 마르크스와 엥겔스의 견해를 발전시켰습니다. 1차 러시아 혁명이 한창이던 1905년에 출판된 그의 유명한 글 “당 조직과 당 문학”에서 레닌은 부르주아 예술로부터 상상의 자유라는 가면을 벗겨냈다. 레닌은 "위선적으로 자유로운 문학이지만 실제로는 부르주아지와 연결되어 있으며 프롤레타리아트와 공개적으로 연결된 진정한 자유 문학에 반대해야 한다"고 촉구했습니다. V. I. 레닌, 완전한 컬렉션작품, 12권, 104페이지.). "그렇겠지,-

레닌은 이렇게 썼습니다. “자유 문학은 이기심이나 직업이 아니라 사회주의 사상과 노동계급에 대한 동정심이 점점 더 많은 세력을 끌어들이기 때문입니다.” 이것은 무료 문학이 될 것입니다. 왜냐하면 그것은 지친 여주인공이나 지루하고 비만인 "상위 1만 명"이 아니라 국가의 색깔, 국가의 힘, 미래를 구성하는 수백만, 수천만 명의 노동자에게 봉사할 것이기 때문입니다."( 동일합니다. ). 레닌은 자신의 글에서 예술 문화 분야에서 혁명적 프롤레타리아트 당이 제시한 요구를 공식화했을 뿐만 아니라 새로운 사실주의 예술의 원칙을 철저히 실증했습니다.

레닌은 당파성과 민족성의 현실주의 발전에서 새로운 단계의 근본적인 특징을 보았습니다. 문학과 예술, 작가와 예술가가 노동 계급의 대의와 긴밀히 연결되어 있고, 사회주의 혁명과 공산주의를위한 투쟁 정신으로 독자와 시청자를 교육하는 의식적이고 공개적으로 설정된 임무에서.

프롤레타리아트의 관점에서 현실을 평가하고 작가와 예술가가 진보된 유물론적 세계관을 숙달함으로써 기준이 헤아릴 수 없을 정도로 풍부해졌습니다. 인생의 진실예술에서. 마르크스-레닌주의 성찰 이론에 기초한 사회주의 현실주의 방법은 예술가들에게 혁명적 발전 과정에서 가장 깊고 참으로 객관적인 내용의 삶에 대한 비유적인 지식의 가능성을 열어주었습니다.

부르주아 이데올로기의 지배 하에서 사회주의 현실주의 방법의 출현 문제는 아직 완전히 연구되지 않았습니다. 그러나 문학과 시각예술 모두에서 새로운 세계관과 새로운 예술적 방법노동계급의 영웅적 투쟁에 대한 예술의 미학적 성찰과 이해로서 사회주의 혁명의 승리 이전에도 일어났다.

사회주의 리얼리즘 미술사에서 이 첫 번째 단계는 19세기 말 러시아에서 가장 명확하게 볼 수 있습니다. 세계혁명운동의 중심이 옮겨졌습니다. 여기서 자본주의에 가장 먼저 파괴적인 타격을 가해야 한다는 큰 사명을 맡은 노동계급의 수장에서 새로운 유형의 당이 지도자가 되어 프롤레타리아트의 근본적인 이해관계를 표현했습니다. 이미 프롤레타리아트의 헤게모니 하에서 수행된 1905년 러시아 혁명은 러시아뿐만 아니라 러시아 예술 문화의 역사에 깊은 흔적을 남겼습니다. 1906년에 창작된 M. Gorky의 이야기 "어머니"는 문학에서 사회주의 리얼리즘의 첫 번째 작품이라는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 시각 예술에서도 같은 일이 일어났습니다. 이 러시아 예술 문화 분야에서는 아래에서 볼 수 있듯이 많은 예술가의 이름을 지을 수 있습니다.

예술로 받아들인 사람 적극적인 참여인민의 편, 프롤레타리아 편에서 의식적으로 행동 한 혁명에서.

러시아 사실주의 예술의 새로운 단계는 주로 예술 작품의 이념적 지향, 러시아 예술의 주요 거장들의 날카로운 혁명적 주제에 대한 호소, 자신의 권리를 위해 싸우기 위해 일어선 프롤레타리아의 이미지에 반영되었습니다. 그러나 신흥 창작방식의 혁신은 당시에도 줄거리와 주제에만 국한되지 않았다. 20세기 초부터 러시아 사실주의 미술은 혁명 사상의 영향을 받았습니다. 사람의 이미지, 그의 개성과 사회적 역할에 대한 질적으로 새로운 접근 방식이 나타나고 새로운 삶을 확인하는 미적 이상이 구체화되기 시작했으며 예술적 형태의 언어가 풍부해졌습니다.

러시아 예술 문화 발전의 중요한 특징은 1870년대와 1880년대 러시아 미술에서 최고조에 달했던 비판적 사실주의가 새 세기가 바뀌어도 민주주의 경향의 힘을 유지했다는 점입니다. 따라서 신흥 사회주의 리얼리즘과 관련된 러시아의 비판적 리얼리즘은 예술적 전통에 귀중한 전신일 뿐만 아니라 반동적인 부르주아 경향에 적극적으로 맞서 싸우고 길을 닦은 살아 있는 강력한 동맹자임이 밝혀졌습니다. 사실주의 예술의 새로운 단계.

20세기 초 세계 미술의 가장 위대한 거장 중 한 명인 러시아의 주요 예술가. -Valentin Serov는 종종 깨닫지 못한 채 예술 문화의 새로운 사회주의 단계의 토대를 마련했습니다. 바로 지금, 사회주의 혁명의 전야에 레닌이 다음과 같이 말한 것을 기억하는 것이 적절할 것이다.

인터 개발 국가 문화민주주의와 세계 노동 운동”에서 우리는 각 민족 문화에서 “민주주의적 요소와 사회주의적 요소를 취하고, 부르주아 문화, 각 나라의 부르주아 민족주의에 반대하는 요소만을 무조건적으로 취한다”고 지적했습니다(V.I.

레닌, 전집, 24권, 121페이지. ). 제국주의시대 모든 민족문화의 특징적인 경향들이 복잡하고 모순적으로 투쟁하는 과정에서 레닌은 진보와 반동을 구별하는 명확한 노선을 밝혔으며 무조건 사회주의적 요소뿐만 아니라 문화의 민주적 요소도 진보적 요소로 분류하였다.

그러나 러시아 예술 문화에서 특히 두드러지는 민주적 비판적 현실주의와 사회주의 예술 사이의 연속적인 연결은 러시아 민족 예술에만 내재된 특징이 아닙니다. 예술적 과정. 서유럽, 특히 프랑스에서 프롤레타리아트의 투쟁을 반영한 예술의 출현은 19세기 중반으로 거슬러 올라갑니다. 가장 큰 대표자비판적 현실주의 - 오노레 도미에 19세기 후반. 공명서유럽의 사실주의 예술은 벨기에 조각가 콘스탄틴 뫼니에(Constantin Meunier)의 작품이었습니다. 그의 작품에서 우리 시대의 주요 영웅은 산업 노동자, 즉 프롤레타리아였습니다. 뫼니에의 작품은 내용과 이데올로기적, 예술적 지향 면에서 이미 비판적 현실주의의 틀을 넘어섰습니다.

현대 프랑스 예술 문화의 사회주의 리얼리즘 대표자들은 새로운 사실주의 예술과 그 위대한 전임자들 사이의 연관성을 분명히 알고 있습니다. Louis Aragon은 이에 대해 Gustave Courbet의 작업을 분석하고 "자신을 다음과 같이 확립하려는 모든 사람을 요구합니다.

진정한 현실주의자는 단어를 새롭게 이해하는 것입니다.” 다른 곳에서 아라곤은 비판적 현실주의가 “사회주의적 현실주의를 향한 필요하고 매우 가치 있는 단계를 구성하며, 그것은 그것 없이는 불가능할 것”이라고 직접적으로 지적합니다.

그러나 서유럽 미술의 사실주의 발전을 위한 역사적 조건이 러시아와는 다르게 발전했다는 사실을 잊어서는 안됩니다. 이 책의 첫 번째 책에서 이미 알고 있듯이, 한편으로는 19세기 후반 현실주의의 위기와 지배적인 부르주아 문화의 일관된 반현실주의적 경향의 강화가 만들어졌습니다. , 시각 예술에서 사회주의 리얼리즘의 출현에 대한 러시아보다 더 복잡한 상황이며 과거의 비판적 리얼리즘과의 연결을 덜 직접적으로 만들었습니다.

사회주의 예술의 요소는 자본주의 사회의 깊은 곳에서 유래했지만 사회주의 리얼리즘 예술의 최종 형성과 발전은 사회주의 혁명의 승리와 새로운 사회 체제의 창조에 의해서만 가능해졌습니다. 인류 역사상 사회주의 시대를 연 러시아의 10월 대혁명은 미술사의 전환점이었다. 사회 생활에서 처음으로 프롤레타리아트의 이익, 국민의 이익을 공개적으로 봉사하면서 예술의 자유로운 발전을 위한 기회가 창출되었습니다. V.I.Lenin은 “예술은 국민의 것입니다. 그것은 광범위한 노동 대중의 가장 깊은 곳에 가장 깊은 뿌리를 두어야 합니다. 대중이 이해할 수 있고 사랑받을 수 있어야 합니다.

이 대중의 감정, 생각, 의지를 단결시키고 그들을 고양시켜야 합니다. 그 안에 있는 예술가들을 일깨우고 발전시켜야 한다." ( "문화와 예술에 관한 레닌", M., 1956, p. 520.). 수년 동안 소련 예술 발전을 위한 주목할만한 프로그램은 1918년 레닌이 창안한 기념비적인 선전 계획이었습니다. 공산당변함없이 사회주의 이념의 형성을 돕습니다. 소련 예술가, 그들의 이념적, 창의적 성장에 기여합니다.

새로운 사회주의 예술은 민속 예술과 당 예술로 탄생하고 성장했다. 물론 인민의 삶에 대한 호소와 그들의 투쟁 과제에 대한 이해도 혁명 이전의 민주적 사실주의 예술에 내재되어 있습니다. 비판적 사실주의 예술가, 특히 러시아 Peredvizhniki의 작품은 현대 민속 생활의 많은 중요한 측면을 반영했습니다. 그러나 사회주의 리얼리즘 예술은 비교할 수 없을 정도로 높은 수준의 민족 예술 창의성을 대표합니다. 사회주의 예술의 민족성은 인민이 역사의 창조자라는 마르크스-레닌주의 교리에 기초한다.

발전에서 노동계급의 혁명적 투쟁의 결정적인 역할을 보여준 M. Gorky의 작품에서 현대 사회, 러시아 문학의 국적은 처음으로 명확하게 정의된 사회주의적 성격을 획득했습니다. 프롤레타리아 혁명이 승리한 후 사회주의 건설의 조건 하에서 인민예술은 유례없이 폭넓은 기반을 획득하였다. 이전에 예술가와 대중을 분리했던 장벽은 영원히 사라졌습니다. 예술은 사람들의 관심과 미적 취향, 이상을 표현하기 시작했습니다. 예술은 사람들의 삶에서 나온 것처럼 사람들과 밀접하게 연결되어 있는 동시에 사람들에게 다가가는 강력한 수단이 됩니다. 예술교육공산주의 정신을 지닌 광범위한 노동자 대중. 이러한 상황에서 예술가는 자신이 자신의 관심이 그의 영혼과 마음의 지시가 된 사람들의 일부임을 완전히 깨닫습니다.

사회주의 리얼리즘 예술은 우리 시대의 진정한 영웅들을 다루고 그들의 높은 도덕적, 정신적 특성을 예술적 이미지로 구현합니다.

사회주의 리얼리즘 예술의 깊은 민족성은 당파성과 분리될 수 없습니다. 왜냐하면 공산당은 계급 없는 사회를 건설하는 노동자들의 근본적인 이익을 표현하기 때문입니다. 사회주의 예술의 당파성은 예술 역사상 유례가 없는 이념적 내용을 특징으로 하며, 예술가가 의식적으로 봉사하는 진정한 인본주의적 공산주의 이상을 확증합니다. 그렇기 때문에 사회주의 리얼리즘 예술은 레닌의 말을 빌리자면 그 시작부터 공동 프롤레타리아 대의의 행복, 즉 “당 대의”의 일부였습니다. 소련 사회주의 건설 과정에서

소련 미술에서 정당 소속과 국적 간의 연관성은 더욱 강화되어 뗄래야 뗄 수 없게 되었습니다. 착취계급의 잔재를 완전히 청산하고 사회주의사회의 사상도덕적, 정치적 통일성을 강화한다.

소련 예술의 당파적 성격을 지닌 소련은 원래 엄격하게 프롤레타리아 계급으로 남아 있으면서도 공산주의 건설이라는 위대한 목표로 뭉친 전체 소련 국민의 진보된 이데올로기적, 미적 열망을 표현하기 시작했습니다.

소련 예술은 19세기와 20세기 초 사실주의 전통을 기반으로 성장했습니다. 그리고 부르주아 이데올로기와 그 잔재의 표현, 즉 예술가들을 현실에서 멀어지게하고 삶을 긍정하는 인본주의 적 이상이 결여되고 사람들에게 이질적이고 이해할 수없는 형식주의와 자연주의에 맞서 결정적인 투쟁을 벌였습니다. 이러한 추세와는 대조적으로 소련 미술은 개발 첫해부터 혁명과 밀접하게 연결되어 있으며 "존재를 행위, 창의성으로 확인합니다"(Gorky). 소련 예술은 사회주의를 위한 적극적인 투사가 되었습니다. 가장 중요한 현상새로운 삶과 깊은 문화 혁명을 건설합니다.

이미 20대, 특히 30대에요. 소비에트 작가, 예술가, 극작가 및 음악가들은 사회주의 현실주의 방법의 성숙한 특징을 특징으로 하는 높은 비유적 내용과 삶을 긍정하는 미학적 이상을 담고 있는 상당수의 작품을 만들었습니다.

소련 예술문화가 축적한 경험은 30년대 중반에 허용됐다. 문학과 예술의 새로운 창의적 방법에 대해 자세히 정의합니다. 1934년 제1차 소련 작가 연합 회의에서 채택된 소련 작가 연합 헌장은 이렇게 말합니다. “사회주의 리얼리즘은 예술가에게 혁명적 작품 속에서 현실을 진실하고 역사적으로 구체적으로 묘사할 것을 요구합니다! 개발. 동시에 진실성과 역사적 특수성 예술적 이미지현실은 사회주의 정신에 따라 근로자들을 교육하고 이념적으로 개조하는 과업과 결합되어야 합니다.” “사회주의 리얼리즘은 예술적 창의성창조적 독창성을 발현하고 다양한 형태, 스타일, 장르를 선택할 수 있는 예외적인 기회”이며, 결론적으로 사회주의의 승리는 “창조력의 질적, 양적 성장과 모든 사람의 번영을 위한 무한한 기회를 창출한다”고 말합니다. 예술과 문학의 종류.”

소련 미술과 문화 전반의 중요한 특징은 다국적 성격인데, 이는 이미 20~30년대에 분명하게 드러났습니다. 새로운 이데올로기를 기반으로 발생하는 이전에 억압받은 민족의 예술 번영과 국가 및 세계의 발전 예술적 전통, 수세기에 걸친 억압의 사슬을 끊을뿐만 아니라 민족을 되살릴 수있는 사회주의 세력의 생생한 시위가되었습니다.

새로운 삶으로. 사회주의 국가의 예술은 그 부흥과 발전의 경로와 민족적 형태가 매우 다양하며 공통된 내용과 창조적 방법으로 통합됩니다. 다국적 소련 예술은 소련 국민의 도덕적, 정치적 결속에 기여합니다.

소련 미술의 높은 이념적, 예술적 수준은 대왕의 어려운 시련 기간 동안 그를 도왔습니다. 애국전쟁파시즘에 맞서 싸우는 강력한 무기가되고, 날카로운 예술적 이미지로 적을 물리 치고, 조국에 대한 사심없는 사랑의 정신으로 노동자를 교육하고 해외 친구와 동맹국의 감탄을 불러 일으키십시오.

20년대~40년대 초반 소련 예술의 사회주의 리얼리즘 강화 및 발전. 이는 소련의 국경을 훨씬 넘어서는 의미를 지닌 현상이었습니다. 이 책의 첫 번째 책에서 이미 언급했듯이, 서유럽, 아시아 및 미국의 여러 국가의 예술에서 제1차 세계 대전과 10월 사회주의 대혁명으로 인한 자본주의의 전반적인 위기의 맥락에서 러시아, 민주주의 현실적인 방향. 진보적인 미술에 특히 중요한 공헌은 프롤레타리아 계급 투쟁의 부상을 반영하고 소련 사회주의 건설의 성공에 영감을 받은 작품에 선진적인 혁명적 사상이 물씬 풍기는 자본주의 국가 출신의 예술가들에 의해 이루어졌습니다. 모든 복잡성과 종종 모순되는 성격에도 불구하고, 이 예술가들의 작품은 사회주의 세계관의 특징과 사회주의 현실주의 요소를 담고 있습니다. 자본주의 국가의 진보적인 예술가들은 소련, 소련 예술과의 관계를 구축하려고 노력했으며 젊은 사회주의 문화의 영향을 받았습니다. 그러나 일반적으로 20대~40대 초반입니다. 소련 예술은 자본주의 포위와 서유럽의 파시즘 발흥이라는 어려운 상황 속에서 다소 고립되어 발전했던 시기였습니다.

사회주의 예술사의 새로운 단계는 새로운 유형의 경제적, 정치적, 경제적 사회주의 세계 체제가 형성된 이후 40년대 후반에 시작되었습니다. 문화적 관계국가 간. 예술문화사에서 새시기의 특징은 사회주의예술의 영향력권이 확대되고 사회주의건설의 길을 걷는 나라들에서 그 원칙이 확립되며 투쟁에서 그 역할이 높아지는것이 특징이다. 반동적 부르주아 이데올로기에 반대하는 진보세력.

와 함께 가장 중요한 기능새로운 단계는 투쟁으로 인해 사회주의 리얼리즘 예술의 질적 성장이었습니다. 소련 사회공산주의 사회 건설을 위해. 사회주의 예술 발전의 새로운 단계는 인본주의적 기초가 심화되고, 다방면적인 창작 활동에서 사회주의 사회의 인물을 포괄적으로 포용하고 정신적으로 미적 이상의 형성에 적극적으로 영향을 미치려는 열망이 특징입니다. 공산주의를 위한 투쟁의. 이를 위해서는 예술이 매우 이념적이고 밝고 강해야 합니다. 예술적 기술, 모든 다양성 속에서 현실을 현실적으로 반영하는 수단을 풍부하게 합니다.

공산주의 건설에서 예술의 거대하고 계속 증가하는 역할은 CPSU 제22차 대회에서 채택된 당 강령에 의해 입증됩니다. 우리 당의 가장 높은 포럼, 즉 당 대회에서 예술과 그 예술에 관해 그렇게 많은 이야기가 나온 것은 우연이 아닙니다.