L'amour, la guerre et l'allemand

"One Absolutely Happy Village" a été joué pour la 250ème fois à l'atelier Piotr Fomenko

– La pièce « One Absolutely Happy Village » est la deuxième tentative de Fomenko pour cette pièce. La première fois, c'était avec des étudiants du GITIS. Sur votre parcours ?

– Non, c’était le parcours devant nous. Je vais vous corriger : ce n'est pas une pièce de théâtre, mais une histoire. Je ne sais pas exactement comment ils ont travaillé là-dessus, pour la première fois. Piotr Naumovich a déclaré que les étudiants avaient réalisé quelques croquis. Par exemple, il a rappelé comment les scènes sur l'un des personnages, la vache, avaient été tournées. Elle a donné naissance à un veau ! Dans «l'Atelier», Piotr Naumovich s'est à nouveau tourné vers ce matériau et a cette fois mis tous les croquis sur scène.

– Comment a commencé cette représentation ?

– Comme d’habitude : si ma mémoire est bonne, nous avons pris l’histoire et avons commencé à la lire. Nous avons tout lu, puis réduit à une composition théâtrale, avec laquelle nous avons ensuite travaillé.

– Il semble qu'un grand nombre de représentations dans votre théâtre aient commencé comme des œuvres indépendantes.

– Oui, nous avons des projections internes où chacun peut tout montrer. On les appelle « soirées d’essais et d’erreurs ». Et plusieurs performances sont nées précisément de ces demandes et propositions. Mais il s’agissait davantage d’agir. Piotr Naumovich, lorsqu'il commençait une nouvelle œuvre, connaissait toujours déjà le contour sur lequel il tisserait le motif. Il savait à quoi ressemblerait sa performance et nous le suivions déjà. Lors des répétitions de « Le Village », j’ai appris une immense patience. Nous restons parfois longtemps allongés dans ces décors en bois, attendant nos scènes. Parfois, ils s'endormaient même.

- Pourquoi t'es-tu endormi ? Avez-vous travaillé la nuit ?

"Lors des répétitions de "Le Village", j'ai appris énormément de patience"

– Nous pourrions travailler sur une seule scène pendant très longtemps. Et tout le monde devrait être sur scène à ce moment-là. 30 minutes, ce n’est rien, mais quand c’est une heure, deux, trois, tu comprends déjà que tu ne peux pas entrer, tu ne peux pas sortir, tu ne peux rien faire, et tu commences à t’affaisser. Mais cela s'est passé inaperçu du réalisateur. "Le Village" est une production d'ensemble, ce n'est pas pour rien que la pièce s'appelle ainsi, et non, disons, par les noms des personnages principaux. Il s'agit d'une performance très subtile, car elle est liée à des petites choses, à des nuances, et si un artiste fait quelque chose de mal, alors toute l'action ne se déroule plus comme prévu. Il semble que cela puisse être dit de toutes les performances. Mais surtout à propos de celui-ci. Il a des intonations particulières et certaines. Lorsque nous présentions de nouvelles personnes, c'était difficile. Non pas parce qu’ils n’y arrivaient pas, mais parce que cela s’est avéré difficile à expliquer.

– Est-ce que tous les nouveaux arrivés s’en sont sortis ?

- Certainement. Et la performance a acquis un nouveau son et de nouvelles nuances. J'ai récemment eu la chance de regarder le spectacle de l'extérieur - je joue désormais aux côtés d'Irina Gorbacheva.

- Et pourquoi?

– Il y avait des raisons techniques, et Ira a accepté de nous aider - elle a été présentée à mon rôle. C'était juste de lui donner l'opportunité de continuer à jouer.

– Votre remplacement n'est pas lié à la fatigue – la production a-t-elle déjà 13 ans ?

"On ne peut pas se lasser de mon rôle." Il me semble que c'est plus difficile pour les personnages principaux. En général, il y a des spectacles où tout est fait de telle manière qu’on ne s’en rend même pas compte. Vous vivez, respirez, percevez, et tout cela est si naturel pour vous ! "Village" est pour moi l'une de ces performances.

– Est-ce que quitter une représentation est toujours douloureux ?

– Lorsqu’un spectacle naît grâce aux efforts conjoints de nombreuses personnes, il est difficile qu’un élément tombe en panne.

– La performance a-t-elle changé au fil des années ?

- Modifié. Il me semble que cela peut être dit de n'importe quelle performance. Il y a beaucoup de choses personnelles dedans. Et avec le temps, non seulement l'âge change, mais aussi le sentiment du monde et de soi-même. Vous faites déjà certaines choses différemment. Mais le spectateur lit toujours ce qui a été prévu par le réalisateur. Avec Piotr Naumovich, nous avons tout travaillé jusqu'au fait de tourner la tête.

– Alors il a dirigé plus ici qu’il ne s’est appuyé sur les artistes ?

«Nous avons fait quelques scènes sans lui et nous les lui avons ensuite montrées. Par exemple, sur les femmes qui arrosent les pommes de terre. L'enseignante Vera Petrovna Kamyshnikova et moi avons travaillé et « représenté » quelque chose. En gros, ce qui restait dans la performance était ce que nous avions imaginé nous-mêmes à l’époque. Piotr Naumovich lui-même a très clairement montré quoi et comment les acteurs devaient jouer. C'était généralement sa façon de travailler : laisser tout d'abord passer par lui-même. L'auteur de l'histoire, Boris Vakhtin, était son ami et, bien sûr, Piotr Naumovich le comprenait et le ressentait mieux que nous. Il a inventé l'espace lui-même - tous ces bassins avec de l'eau, des cordes, du chanvre, des seaux. Il était très pointilleux sur ses costumes. Il semble : pensez-y, vous pouvez porter n'importe quel chiffon ! Non! Il y a beaucoup de conventions, beaucoup d’images théâtrales. Mais il exigeait en cela une résidence absolument inconditionnelle. Cela s'appliquait aux objets, aux vêtements et au maquillage. Piotr Naumovich a toujours exigé la vérité en disant : « Non, ne joue pas comme ça ! C'est tiré d'un mauvais film soviétique sur un village des années 30 et 40 !!

– Comment s'est déroulée la première partie du travail - analyse, lecture ? Les temps d’avant-guerre, de guerre et d’après-guerre sont encore très proches. Sur quoi vous êtes-vous appuyé ?

– Tout est né au sens associatif et figuré. Nous nous sommes appuyés sur les mots, car c’est sur eux que se noue le tissu de l’action. Celui qui raconte l’histoire se fie uniquement à ce qu’il dit. Et c'était le sujet du jeu. Nous avons étudié comment les mots étaient écrits, comment ils étaient disposés les uns avec les autres et, bien sûr, nous avons écouté la musique de cette époque.

– Et Fomenko lui-même, en raison de son âge, était également témoin.

– Oui, et il parlait beaucoup. Il avait un don intéressant : sans le savoir, il ressentait très bien la nature du village. Je doute que Piotr Naumovich ait visité le village très souvent. Mais je sentais dans mon instinct que c'était une sorte d'absurdité, mais c'était exactement ce dont nous avions besoin.

– « One Absolutely Happy Village » est joué sur votre plus petite scène. Y a-t-il eu une idée pour le déplacer vers un plus grand ?

– Nous avons emmené « Derevnya » en tournée à plusieurs reprises et avons joué dans un grand espace, par exemple sur la scène d'Alexandrinka. Mais il m'a semblé que ce n'était plus ce que je voulais - le détail avait disparu, le son s'éloignait, un bourdonnement est apparu. Il y avait cet effet étrange partout. Et une seule fois, en Allemagne, sur une petite scène, c'était mieux. Pourtant, cette performance est de chambre. Il y a une souche d’arbre à proximité, il y a de l’eau dans le bassin, il y a une passerelle. C'est plus intéressant quand il y a du monde.

– Treize ans est un âge très respectable pour un spectacle. Pourquoi a-t-il été conservé ainsi ?

– La réponse peut paraître pathétique : il y a un fort esprit dans le spectacle. C’est la chose la plus importante : les artistes peuvent changer, mais rien ne peut briser l’esprit. Et dans "Le Village", il y a des thèmes humainement compréhensibles : la guerre, les périodes d'avant-guerre et d'après-guerre - vous jouerez involontairement très honnêtement.

Dates d'exécution à venir

Le désir de faire découvrir au spectateur l’univers poétique de la prose de Vakhtine, de retrouver une atmosphère proche de celle de l’auteur, a conduit les créateurs du spectacle sous la forme de croquis, de croquis de scène, extrêmement conventionnels et ouverts à la perception du public. La recherche de l'intonation, de la frontière ténue entre convention et authenticité de l'expérience était au cœur de ce travail. Dans l'espace de jeu insolite de l'Atelier, il était important de recréer la structure figurative particulière de l'histoire, qui combine la vie réelle, la fantaisie et le rêve, où jouent une vache, un puits avec une grue et un épouvantail de jardin, et les personnages principaux sont la Rivière, la Terre et le Village. "...Et à propos d'un village absolument heureux - ce n'est pas une histoire ou un poème, c'est juste une chanson... Et la guerre a fait irruption dans cette chanson..."

• Prix
• lauréat du prix « Golden Mask » dans la catégorie « Drama - Small Form Performance », 2001
• Piotr Fomenko a été nominé pour le prix Masque d'or dans la catégorie Drame - Meilleur réalisateur, 2001.
• Polina Agureeva a été nominée pour le Golden Mask Award dans la catégorie Drame - Meilleure actrice, 2001.
• Sergei Taramaev a été nominé pour le prix Golden Mask dans la catégorie Drame - Meilleur acteur, 2001.
• Lauréat du Prix International du nom. K. S. Stanislavsky 2000 dans la catégorie « Meilleure performance de la saison »
• Polina Agureeva est lauréate du prix « Idole » 2001 dans la nomination « Espoir de l'année » pour le rôle de Polina.

Les critiques des spectateurs du spectacle sur le forum peuvent être lues en utilisant le hashtag #oneabsolutelyhappyvillage

ATTENTION! Pendant la représentation, accomplissant les tâches créatives fixées par le réalisateur et les remarques de l'auteur, les acteurs fument sur scène. Veuillez prendre en compte ces informations lors de la planification de votre visite au spectacle.

Fomenko est l'un des rares metteurs en scène à savoir extraire la théâtralité magique des objets et des phénomènes les plus ordinaires. L'histoire de Vakhtin raconte la guerre, mais ce n'est pas une chronique de batailles et de victoires, mais une tentative de comprendre le sens de cet événement tragique dans la vie des gens ordinaires. La guerre ne fait que compliquer le flux de la vie, mais elle ne peut pas l'interrompre. Elle est perçue comme une énorme pierre bloquant la rivière. Mais le moment venu, la rivière gagne en force, déborde de pierre et coule calmement le long de son lit précédent. Olga Romantsova, Century ayant franchi un certain seuil spirituel et le regardant un peu de l'extérieur...
En fait, il s'agit d'une confession lyrique du merveilleux réalisateur Piotr Fomenko, qui a mis en scène dans son atelier des sketchs basés sur l'histoire de Boris Vakhtin « Un village absolument heureux » : la performance est touchante et simple, remplie d'un sentiment perçant de charme et de malheur. d'exister...
Alexeï Filippov, Izvestia... Fomenko a glorifié le réalisme épuré du village soviétique dans la langue d'un poète païen. Maya Odin, « Aujourd'hui » Au cours de la représentation, les « Fomenki » et leurs héros font un voyage progressif depuis l'animation des choses, des mécanismes, des animaux, des rivières jusqu'à l'animation des humains, l'animation de la vie. Du pur jeu à la pure vie. De la vie terrestre et horizontale à la vie spirituelle et verticale. Précisément spirituel – pas spirituel. Laissons le spirituel aux idéologues et aux éthiciens. Et ici, sans aucun commandement ni canon, ils comprennent la simple vérité qu'ils partent en guerre pour en revenir. Pour que nos morts ne disparaissent pas de nous, qu'ils soient à proximité, et que l'amour ne s'arrête pas avec leur mort. C’est juste que depuis qu’on nous a donné la possibilité de vivre, nous devons, nous sommes obligés d’aimer les vivants. L'amour est la seule justification de notre vie. Olga Fuks, « Soirée Moscou » C’est tout ce qu’a fait Piotr Fomenko. Il a placé ses proches et ses personnes aimantes sous la douce lanterne de sa mémoire. La vie quotidienne était esthétisée. Il a habilement exécuté une performance naïve. Il a traduit la prose dans le langage de la poésie théâtrale, l'une des pages les plus terribles de l'histoire russe (guerre) dans le langage de l'amour, une histoire de mort dans le langage de la religion, qui dit que l'âme est immortelle, et après la crucifixion vient la résurrection...
Piotr Fomenko a peut-être mis en scène le seul spectacle de la Russie moderne dans lequel il n'y a pas un mot sur la foi et Dieu, mais que l'on aimerait qualifier de chrétien, car l'Amour y est déversé. Marina Timasheva, « Premier septembre »

"Un village absolument heureux"

"Le Village", basé sur l'histoire de Boris Vakhtin, comme beaucoup d'autres, je ne figure pas seulement parmi les meilleures des meilleures performances de Piotr Fomenko. Il occupe une place importante dans mon trésor de mes propres chocs théâtraux, dont j'ai accumulé pas mal au cours de ma vie, mais pas beaucoup non plus. "Village" y est adjacent au Spartacus de Vladimir Vasiliev, au Til de Nikolai Karachentsov, à "Mary Stuart" d'Evgeniy Kolobov, à la "Pièce sans titre" de Lev Dodin, au "Tartuffe" d'Anatoly Efros et au "Camarade, crois !" Youri Lyubimov, d'après « Boléro » de Maurice Béjart.

L'étonnante découverte de ce spectacle réside dans le fait même de sa vie - sur scène, dans la vie de l'acteur, dans la poésie paradoxale du langage de l'auteur. Le genre de monde que le réalisateur a créé ici – inexistant et à la fois chaleureux, vivant, authentique. «Village» était sa dette envers la mémoire de son ami, l'écrivain pétersbourgeois décédé Boris Vakhtine. Leur relation a traversé une période dramatique de ruptures, mais finalement le brillant axiome d’Iris Murdoch a fonctionné : « Une œuvre d’art a le dernier mot. » La vengeance des ennemis et la calomnie des amis se sont révélées impuissantes face à ce qui unissait deux véritables artistes - l'écrivain et le metteur en scène, et la pièce est née malgré la censure, la calomnie et les difformités non éradiquées de l'idéologie.

La pièce parle d'amour et de gens. Qu’il n’y a probablement rien de plus précieux au monde qu’une personne. Et il n’y a rien de plus précieux que l’amour.

Voir l'éternité en un instant,

Un monde immense dans un grain de sable.

Dans une seule poignée - l'infini

Et le ciel est dans la coupe d'une fleur.

Telle est la sagesse... C'est ce que je pensais quand j'allais emmener Tonino Guerra au « Village ». Il est venu à Moscou, comme d'habitude, pendant longtemps et, étant une personne immensément ouverte aux nouvelles choses et passionnément curieux de la vie qui l'entourait, il voulait voir « Le Village », qu'il n'avait pas eu le temps de voir auparavant. Mais le Théâtre Fomenko connaissait, a vu "Guerre et Paix", admirait et considérait Piotr Naumovich (qu'il appelait, en déformant légèrement les mots russes, "Flamenco") l'un de nos meilleurs metteurs en scène avec Yu. P. Lyubimov et Anatoly Vasiliev. (Tonino Guerra, bien sûr, était un véritable fragment de la Renaissance italienne, miraculeusement introduit dans les temps modernes. Ils - Tonino et Petr Naumovich - sont entrés dans ma vie presque simultanément en août 2006. Et ils sont partis l'un après l'autre en 2012... C'est ainsi qu'ils se tiennent côte à côte dans ma mémoire sont deux titans, deux personnes très chères...) Pendant que Tonino, Laura et moi conduisions de leur maison de Krasnye Vorota au théâtre Fomenko sur la perspective Kutuzovsky, moi, du mieux que je pouvais , mêlant des mots russes et italiens, a décrit et presque « « perdu » la performance. J'étais sûr que l'esthétique du « Village » était précisément ce théâtre en apparence naïf, poétique, métaphorique et sincère, dont l'expressivité est telle que les mots sont parfois inutiles. Bien sûr, le langage de Boris Vakhtine est unique, mais ma confiance dans le fait que « Le Village » peut être compris sans mots et est capable de toucher au cœur même était inébranlable. Tonino, que j'ai osé appeler mon ami, a toujours dit qu'il « éprouvait de la tendresse pour les erreurs » - il aimait les défauts d'apparence, de mots, de langage - cela mettait l'accent sur l'individualité. Et il a également déclaré qu’« il faut s’efforcer de créer plus qu’une banale perfection ». Ma conviction que « The Village » était définitivement une performance pour lui n’a fait que se renforcer. J'ai vu comment le spectacle commençait, comment Tonino, assis sur une chaise au premier rang, se penchait en avant, une sorte d'énergie interne surgissait entre lui et la scène et... je l'ai oublié. Parce que le « Village » est apparu devant moi dans toute sa nature étonnante et apparemment simple. Et peu importe combien de fois j'ai regardé le spectacle avant et après, je n'ai jamais réussi à me souvenir une minute de moi pendant ces deux heures et quelques heures - qui suis-je, pourquoi, d'où, quel est mon nom ? L'hypnose de Piotr Fomenko est telle que vous n'en ressentez rien. Et vous êtes tous là, où des femmes en galoches et bas grossiers, en chemises blanches et robes d'été marchent le long des allées, se cassant brusquement la taille, travaillant dans les champs. Et puis Polina Agureeva, avec un joug et des seaux pleins (comment une femme aussi fragile fait-elle cela ?), avec un flirt et une grâce indescriptible, « s'éloignant » de son prétendant, passe devant Mikheev (Evgeny Tsyganov). Et lui, dans un bavardage inimitable et courageux, récite un monologue sur le joug, qui éveille des désirs si irrésistibles chez un homme lorsqu'il exerce une pression sur les épaules de telles femmes : « Rien ne me fait perdre l'équilibre comme le joug, m'excite insupportablement. » Toute la première partie de la pièce est une histoire d'amour, qui ne connaît ni interdits ni conventions, surmonte les obstacles et entraîne les héros, comme les transporte la rivière, dans laquelle Polina et Mikheev s'unissent pour la première fois. Pour Piotr Fomenko, cette performance est la plus sensuelle, pleine de passions bouillonnantes et d'ivresse de la nature humaine. Et surtout, une femme dotée des intonations uniques de Polina Agureeva, d'une féminité conquérante et d'une chaleur corporelle séduisante. Vous pouvez aller jusqu'au bout du monde pour cette femme. Pour transmettre la révélation de l'amour, il lui faut très peu : la toile bleue et humide de la rivière, les bras nus de l'héroïne, ses chevilles et ses poignets fins, sa voix brisée de passion et la sensation de fuite, sur la vague de l'amour. la passion et le débit de la rivière, les héros s'envolent et tombent...

Devant mes yeux se trouvait le duo de Polina Agureeva et Evgeny Tsyganov, et quelque part dans les profondeurs de la mémoire émotionnelle, un autre duo a pris vie - Polina Agureeva et Sergei Taramaev, le premier interprète du rôle de Mikheev. Je suis très impressionné par la nature courageuse de Tsyganov, sa forte personnalité d’acteur, ces manifestations de masculinité auxquelles une femme ne peut s’empêcher de réagir. Il est charmant, imprudent et il y a en lui une race humaine particulière qui ne permet pas à un homme de rester à la maison lorsque la guerre éclate. Mais en même temps, Mikheev Taramaeva est comme un « premier amour ». Malgré toute son apparence lyrique subtile, il était l’expression de l’essence du flot de sentiments de Fomenkov : une personne incontrôlable, espiègle, simple d’esprit, belle et obsédée. Bien entendu, il n’aurait pu apparaître dans aucun village, ni dans aucune ville, ni nulle part ailleurs, sauf dans le théâtre fantastique. Et même alors, grâce au désir passionné du réalisateur de créer un tel héros.

Avec quoi Piotr Fomenko a-t-il construit son « Village » ? Des passerelles en bois, des éclaboussures d'eau, des bassins et des seaux qui claquent, des chiffons, un cadre de fenêtre et des décombres, la couronne de mariage de Polina. Ici, le puits avec la grue est joué par l'ironique Karen Badalov dans un chapeau hirsute. Il garde sacrément tous les secrets qui lui sont confiés, même en ce qui concerne le collier de perles en bas - un cadeau du père aimant de Mikheev (il suffisait pour tout le monde) non pas à sa femme, mais à sa sœur. Le puits apparaît alors dans ce collier, puis apparaît à l'image d'un ancien grand-père sage, écoutant la terre gronder suite à l'invasion à venir. Et il l'a aussi tissé à partir d'un étrange mélange de scènes de genre et de symboles poétiques - comme l'histoire de la Vache (quelle actrice n'a pas joué ce rôle !) ou le passage des femmes aux vendanges, chantant : « Femmes, retournez ! » , "Avant!" Et dans le « Village » de Fomenko, il y a de la musique continue – des airs folkloriques « Je croyais, je croyais, je savais », « Le printemps ne viendra pas pour moi » ou une chanson du gramophone préféré de Piotr Naumovich « Chelita » : « Ay-ya-ya -oui ! Ne cherchez pas en vain, dans notre village, vraiment, il n’y a pas d’autre Chelita comme celle-là.

Pour la guerre, sur la même parcelle de la Salle Verte de l'ancienne scène du théâtre, d'autres images ont été trouvées - des plaques de fer cliquetantes dans lesquelles sont enveloppés des soldats en imperméables, la fumée âcre du Belomor, un coin étroit d'une tranchée et un brin d'herbe qu'un soldat mâche dans l'abri. Et puis le fantastique paradis des nuages ​​où se retrouve le défunt Mikheev, puis son compagnon d'armes, le pauvre Kuropatkin (Tomas Mockus), Fomenko, avec l'artiste Vladimir Maximov, ont eu une idée simple et oubliable - un trampoline-hamac en osier, où il est si confortable de s'allonger et d'observer ceux qui sont restés sur terre. Le fait qu'il soit naturel pour l'héroïne de la pièce de parler avec son mari décédé, de se disputer avec lui, de jurer (que faire si les jumeaux sont incontrôlables ?) est étonnamment exact. Les personnes préférées, où qu'elles soient, sont toujours avec nous. Et l’image du paradis, si simple et laconique, caractérise de manière expressive le style du théâtre de Piotr Fomenko : ni psychologique ni réaliste, surnaturel, fantastique, conventionnel et beau. Le théâtre du poète et parolier - ouvert, exposant sans crainte son cœur et permettant au public de jouer sur les cordes de sa propre âme « avec un jeu enfantin ». Que vaut ce degré de franchise ? Quel effort sincère, quels tourments et quels doutes ? Mais, sans doute, on peut dire du créateur de « Le Village » : « Il veut vivre au prix de tourments, au prix de soucis douloureux. Il achète les sons du ciel, il ne prend pas la gloire pour rien. »

Et maintenant, ce n’est plus l’amour, le fleuve, la terre, la chair, des disputes acharnées dans la lutte pour la primauté entre Polina et Mikheev, amoureux avides et passionnés. Pas de passages pleins d'esprit dans les remarques des autres villageois, pas de détails amusants dans le comportement des habitants du village, à travers chacun desquels apparaît le sourire de Fomenkov. À quoi ressemble la guerre dans la pièce de Piotr Fomenko ? Polina affalée avec des cernes sous les yeux, des funérailles, le harcèlement du contremaître et l'arrivée de l'Allemand Franz (Ilya Lyubimov) capturé pour l'aider aux travaux ménagers. Et soudain, dans cette douleur, cette mélancolie persistante et la présence presque physique du mari assassiné, naît un autre amour – tout simplement, comme une coïncidence, un destin d'en haut et la bénédiction du défunt. L'incroyable courage du réalisateur réside dans le fait que dans sa performance poétique et, malgré l'abondance des touches quotidiennes, translucide, il a introduit, à la suite avec sensibilité de l'auteur du récit Boris Vakhtin, le thème de cet amour interdit. Une histoire « impopulaire » et pour beaucoup inacceptable sur l’amour d’une femme russe, qui a perdu son mari dans cette terrible guerre, pour un homme qui a combattu aux côtés de l’ennemi. Mais pour Piotr Fomenko, l’amour ne peut pas être une erreur, il ne peut pas être une trahison. L'amour a toujours raison. Il y croyait – et pas seulement au théâtre. Rien n’est donc expliqué dans la performance, rien n’est montré ou commenté.

L'imaginaire du spectateur se connecte à la réalité théâtrale, et personne ne pense à se demander pourquoi Polina a changé sa veste matelassée pour un châle blanc à pompons de soie, pourquoi les femmes chantent en polyphonie la chanson « Mon petit chéri est au front, il ne se bat pas seul ». » et pourquoi le beau et nerveux Franz apporte un gramophone et commence un disque avec la chanson « Lili Marlene » chantée d'une voix rauque par Marlene Dietrich. Et d'une voix brisée, supportant difficilement sa respiration interrompue, il traduit les paroles de la chanson - un peu incorrectement, mais en fait d'une précision étonnante : « Devant la caserne, devant les grandes portes, il y avait une lanterne et il est toujours debout... D'un endroit calme, des profondeurs de la Terre, comme dans un rêve, je me lèverai, amoureux de toi, comme un chien... Quand le brouillard du soir commencera à tourbillonner, qui le fera ? rester avec toi sous la lanterne ? Avec toi, Lili Marlène… » Je ne connais pas de mots plus précis sur l’amour, qui est plus fort que la mort. Et la meilleure finale théâtrale de ma vie. Et je ne sais pas s’il existe un autre spectacle dans le monde qui puisse évoquer de tels sentiments. Pas même des sentiments, mais des passions, car il a été créé par une personne passionnée, propriétaire d'un cœur courageux capable d'accueillir à la fois la douleur et le bonheur.

Et bien sûr, tout cela peut être raconté sans mots – dans le langage des images et des émotions. Simple et complet, sage et important. Comme j'étais heureux que Tonino Guerra, poète et conteur, néoréaliste et rêveur, oscarisé et paysan de Sant'Arcangelo, qui était lui-même en captivité allemande pendant la Seconde Guerre mondiale, ait confirmé ma supposition : « Natasha, j'ai tout compris. Ce mon théâtre..." Ils en parlèrent après la représentation avec les comédiens et l'auteur de la pièce, lorsqu'ils se retrouvèrent tous dans la salle vide...

...Les vêtements blancs - chemises et caleçons - des morts, les papillons de nuit flottant sur les fils entre les mains des artistes (le théâtre "pour enfants" - naïf et touchant) et le miroitement du sifflement artistique "Tango du Rossignol" - c'est comment les morts reviennent aux vivants à la fin de la représentation. Parce que dans « One Absolutely Happy Village », tout le monde est ensemble. Et cela n'arrive pas. Bien que…

2007