Djema, ne e vendosim shpirtin tonë në sit. Faleminderit per ate
që po e zbuloni këtë bukuri. Faleminderit për frymëzimin dhe nxitjen.
Bashkohuni me ne Facebook Dhe Në kontakt me
Vjeshta është plot romancë dhe shpirtra të veçantë. Natyra shkëlqen me ar dhe të kuq, njerëzit bëhen më sentimentalë dhe artistët marrin furçat e tyre me frymëzim. Dhe krijimet e tyre, kaq të ndryshme në ekzekutim, pasqyrojnë të gjitha gjërat më të bukura: pyjet shumëngjyrëshe, shirat që përgjojnë metropolet, gjethet e rënë në liqene...
Ekipi faqe interneti e mbushur edhe me një humor lirik dhe ju fton të shijoni pikturat e artistëve të magjepsur nga vjeshta.
Melodi urbane nga Guy Dessat
Artistja e talentuar franceze ka vizituar vende të ndryshme të botës. Në pikturat e tij mund të shihni Japoninë dhe Amerikën. Por mbi të gjitha, veprat e Guy Dessat janë të paharrueshme, kushtuar qytetit më romantik në tokë - Parisit.
Akuarel magjik nga Abe Toshiyuki
Akuarelët e mrekullueshëm nga artisti japonez Abe Toshiyuki ju vendosin në një humor filozofik. Detajet më të vogla janë të rëndësishme: spërkatja e lumit, shushurima e gjetheve, butësia e petaleve të sakurës... Sipas piktorit, "arti është një pasqyrë e shpirtit të shikuesit", kështu që ju vetë mund të vendosni vetë. humor për çdo pikturë.
Realiteti i Bukur i Peter Mörk Mönsted
Peter Mørk Mønsted, një artist i famshëm realist nga Danimarka, më së shpeshti përshkruante zonat rurale, pyjet dhe lumenjtë në pikturat e tij. Pavarësisht thjeshtësisë së komplotit, është e pamundur të harrosh peizazhet e piktorit të talentuar. Ato janë ekzekutuar me mjeshtëri dhe na ftojnë të shijojmë soditjen e botës natyrore.
Bota me diell e Laurent Parselier
Nëse moti me re ju trishton, atëherë do t'ju pëlqejnë pikturat me diell të francezit të vërtetë Laurent Parselier. Në pikturat e artistit pozitiv impresionist, edhe në vjeshtë ka vetëm mot të bukur. Dhe rrezet e diellit të tij "nënshkrime" të ngrenë menjëherë humorin.
Misteri i John Atkinson Grimshaw
Ata thanë për këtë artist të mrekullueshëm se ai "pikturon me dritën e hënës, mjegullën dhe muzgun". Pikturat e tij mahnitëse duket se janë të mbushura me njëfarë kuptimi mistik. Sot, veprat e John Atkinson mund të shihen vetëm në katalogë, pasi të gjitha origjinalet janë në koleksione private. Por një herë e një kohë, prindërit e Gjonit të ri ishin kategorikisht kundër pasionit të tij për pikturën.
18-19 shekuj shënoi kulmin e artit evropian. Në Francë, Perandori Napoleon III urdhëroi rindërtimin e Parisit pas armiqësive gjatë Luftës Franko-Prusiane. Parisi u bë shpejt i njëjti "qytet i ndritshëm" që kishte qenë nën Perandorinë e Dytë dhe përsëri e shpalli veten qendra e artit evropian. Prandaj, shumë artistë impresionistë iu drejtuan temës së qytetit modern në veprat e tyre. Në veprat e tyre, qyteti modern nuk është një përbindësh, por një atdhe ku jetojnë njerëzit. Shumë prej veprave janë të mbushura me një ndjenjë të fortë patriotizmi.
Kjo mund të shihet veçanërisht në pikturat e Claude Monet. Ai krijoi më shumë se 30 piktura me pamje nga Katedralja Rouen në një larmi të gjerë ndriçimi dhe kushte atmosferike. Për shembull, në 1894 Monet pikturoi dy piktura - "Katedralja Rouen në mesditë" dhe "Katedralja Rouen në mbrëmje". Të dyja pikturat përshkruajnë të njëjtin fragment të katedrales, por me tone të ndryshme - në tonet e ngrohta të verdhë-rozë të mesditës dhe në nuancat e ftohta të kaltërosh të dritës së muzgut që po vdes. Në pikturat, pika shumëngjyrëshe shpërndan plotësisht vijën, artisti nuk përcjell peshën materiale të gurit, por, si të thuash, një perde shumëngjyrëshe.
Impresionistët kërkuan të bënin një pikturë si një dritare e hapur përmes së cilës bota reale ishte e dukshme. Shpesh ata zgjidhnin një pamje nga dritarja në rrugë. Një shembull i shkëlqyer i kësaj teknike është “Boulevard des Capucines” i famshëm i C. Monet, i pikturuar në 1873 dhe i paraqitur në ekspozitën e parë impresioniste në 1874. Këtu ka shumë risi - pamja e një rruge të madhe të qytetit u zgjodh si motiv për peizazhin, por artisti është i interesuar për pamjen e tij në tërësi, dhe jo për tërheqjet e tij. E gjithë masa e njerëzve përshkruhet me goditje rrëshqitëse, në një mënyrë të përgjithësuar, në të cilën është e vështirë të dallohen figura individuale.
Monet përcjell në këtë vepër një përshtypje të menjëhershme, thjesht vizuale të ajrit vibrues mezi të dukshëm, të rrugëve, njerëzve dhe karrocave që nisen që shkojnë më thellë në thellësi. Shkatërron idenë e një kanavacë të sheshtë, duke krijuar iluzionin e hapësirës dhe duke e mbushur atë me dritë, ajër dhe lëvizje. Syri i njeriut nxiton në pafundësi dhe nuk ka asnjë pikë kufizuese ku mund të ndalet.
Pikëpamja e lartë i lejon artistit të braktisë planin e parë dhe ai përcjell dritën e shkëlqyer të diellit në kontrast me hijet kaltërosh-vjollcë të shtëpive të shtrira në trotuarin e rrugës. Monet i jep anës së diellit portokalli, të artë-të ngrohtë, anën e hijes vjollce, por një mjegull e vetme e ajrit të lehtë i jep të gjithë peizazhit harmoninë tone, dhe konturet e shtëpive dhe pemëve dalin në ajër, të përshkuara nga rrezet e diellit.
Në 1872, në Le Havre, Monet pikturoi "Përshtypja. Sunrise" - një pamje e portit të Le Havre, e paraqitur më vonë në ekspozitën e parë të impresionistëve. Këtu artisti, me sa duket, është çliruar përfundimisht nga ideja e pranuar përgjithësisht e objektit të imazhit si një vëllim i caktuar dhe iu përkushtua plotësisht përcjelljes së gjendjes momentale të atmosferës në tonet blu dhe rozë-portokalli. Në fakt, gjithçka duket se bëhet e paprekshme: skela e Le Havre dhe anijet bashkohen me vijat në qiell dhe reflektimin në ujë, dhe siluetat e peshkatarëve dhe varkave në plan të parë janë vetëm pika të errëta të bëra me disa goditje intensive. . Refuzimi i teknikave akademike, piktura në ajër të hapur dhe zgjedhja e lëndëve të pazakonta u pritën me armiqësi nga kritika e kohës. Louis Leroy, autori i një artikulli të furishëm që doli në revistën "Charivari", për herë të parë, në lidhje me këtë pikturë të veçantë, përdori termin "impresionizëm" si përkufizim të një lëvizjeje të re në pikturë.
Një tjetër vepër e jashtëzakonshme kushtuar qytetit ishte piktura e Claude Monet "Gare Saint-Lazare". Monet pikturoi mbi dhjetë piktura të bazuara në stacionin e trenit Saint-Lazare, shtatë prej të cilave u ekspozuan në ekspozitën e tretë impresioniste në 1877.
Monet mori me qira një apartament të vogël në rrugën Monsey, që ndodhet afër stacionit. Artistit iu dha liri e plotë veprimi. Lëvizja e trenave ndaloi për një kohë dhe ai mund të shihte qartë platformat, furrat e lokomotivave që tymosnin, të cilat ishin të mbushura me qymyr - që avulli të dilte nga oxhaqet. Monet "u vendos" fort në stacion, pasagjerët e panë atë me respekt dhe frikë.
Meqenëse pamja e stacionit ndryshonte vazhdimisht, Monet bënte vetëm skica në vendndodhje dhe bazuar në to në studio ai pikturoi vetë pikturat. Në telajo shohim një stacion të madh hekurudhor, të mbuluar me një tendë të montuar në shtylla hekuri. Ka platforma në të majtë dhe në të djathtë: njëra binar është menduar për trenat e udhëtarëve, tjetra për trenat në distanca të gjata. Atmosfera e veçantë përcillet përmes kontrastit të ndriçimit të zbehtë brenda stacionit dhe dritës së ndritshme, verbuese të rrugës. Shtyllat e tymit dhe avullit të shpërndara në të gjithë kanavacën balancojnë vijat e kundërta të ndriçimit. Tymi depërton kudo, retë e ndezura rrotullohen kundër siluetave të zbehta të ndërtesave. Avulli i trashë duket se u jep formë kullave masive, duke i mbuluar ato me një vello të lehtë, si rrjeta më e hollë e kobures. Fotografia është pikturuar me tone të buta të heshtura me tranzicione delikate të hijeve. Goditjet e shpejta dhe të sakta në formën e presjeve, karakteristike për atë kohë, perceptohen si mozaik, shikuesit i krijohet përshtypja se avulli ose shpërndahet ose kondensohet.
Një tjetër përfaqësues i impresionistëve, C. Pissarro, si të gjithë impresionistët, i pëlqente të pikturonte qytetin, i cili e mahniti me lëvizjen e tij të pafundme, rrjedhën e rrjedhave të ajrit dhe lojën e dritës. Ai e perceptoi atë si një organizëm të gjallë, të shqetësuar, të aftë për të ndryshuar në varësi të kohës së vitit dhe shkallës së ndriçimit.
Në dimrin dhe pranverën e vitit 1897, Pissarro punoi në një seri pikturash të quajtura "Bulevardet e Parisit". Këto vepra i sollën famë artistit dhe tërhoqën vëmendjen e kritikëve që e lidhën emrin e tij me lëvizjen divizioniste. Artisti bëri skica për serialin nga dritarja e një dhome hoteli në Paris dhe përfundoi punën mbi pikturat në studion e tij në Eragny në fund të prillit. Kjo seri është e vetmja në veprën e Pissarros, në të cilën artisti u përpoq të kapte me saktësi maksimale kushte të ndryshme të motit dhe rrezet e diellit. Për shembull, artisti pikturoi 30 piktura që përshkruanin Bulevardin Montmartre, duke e parë atë nga e njëjta dritare.
Në pikturat "Boulevard Montmartre në Paris", mjeshtri C. Pissarro përcolli me mjeshtëri pasurinë e efekteve atmosferike, kompleksitetin plot ngjyra dhe hollësinë e një dite me re. Dinamika e jetës së qytetit, e mishëruar në mënyrë kaq bindëse nga peneli i shpejtë i piktorit, krijon një imazh të një qyteti modern - jo ceremonial, jo zyrtar, por të emocionuar dhe të gjallë. Peizazhi i qytetit u bë zhanri kryesor në punën e këtij impresionisti të shquar - "këngëtarja e Parisit".
Kryeqyteti i Francës zë një vend të veçantë në veprën e Pissarros. Artisti jetonte vazhdimisht jashtë qytetit, por Parisi e tërhoqi me këmbëngulje. Parisi e mahnit atë me lëvizjen e tij të pandërprerë dhe universale - ecjen e këmbësorëve dhe vrapimin e karrocave, rrjedhën e rrymave ajrore dhe lojën e dritës. Qyteti i Pissarros nuk është një listë e shtëpive të rëndësishme që hynë në fushën e shikimit të artistit, por një organizëm i gjallë dhe i shqetësuar. Të mahnitur nga kjo jetë, ne nuk e kuptojmë banalitetin e ndërtesave që përbëjnë Bulevardin Montmartre. Artisti gjen një bukuri unike në shqetësimin e Bulevardeve të Madhe. Pissarro kapi Bulevardin Montmartre si mëngjes dhe ditë, mbrëmje dhe natë, të ndriçuar nga dielli dhe gri, duke e parë atë nga e njëjta dritare. Një motiv i qartë dhe i thjeshtë i një rruge që shtrihet në distancë krijon një bazë të qartë kompozicionale që nuk ndryshon nga kanavacë në kanavacë. Cikli i kanavacave të pikturuara vitin e ardhshëm nga dritarja e hotelit të Luvrit u ndërtua krejtësisht ndryshe. Në një letër drejtuar djalit të tij teksa punonte në ciklin, Pissarro theksoi karakterin e ndryshëm të këtij vendi nga Bulevardet, pra sheshi i Teatrit Francez dhe zona përreth. Në të vërtetë, gjithçka atje nxiton përgjatë aksit të rrugës. Këtu, sheshi, i cili shërbeu si ndalesa përfundimtare e disa rrugëve omnibus, kryqëzohet në drejtime të ndryshme dhe në vend të një panorame të gjerë me një bollëk ajri, sytë tanë paraqiten me një hapësirë të mbyllur në plan të parë.
Zhvillimi i mëtejshëm i pikturës evropiane është i lidhur me impresionizmin. Ky term ka lindur rastësisht. Arsyeja ishte titulli i peizazhit nga C. Monet “Përshtypje. Sunrise" (shih Shtojcën nr. 1, Fig. 3) (nga përshtypja franceze - përshtypje), e cila u shfaq në ekspozitën impresioniste në 1874. Kjo shfaqje e parë publike nga një grup artistësh, ku përfshiheshin C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro dhe të tjerë, u prit nga kritika zyrtare borgjeze me tallje dhe persekutim të vrazhdë. Vërtetë, tashmë nga fundi i viteve 1880, teknikat formale të pikturës së tyre u morën nga përfaqësuesit e artit akademik, gjë që i dha Degas një arsye për të vërejtur me hidhërim: "Ne u qëlluam, por në të njëjtën kohë u kontrolluan xhepat tanë".
Tani që debatet e nxehta rreth impresionizmit janë një gjë e së kaluarës, vështirë se dikush do të guxojë të kundërshtojë se lëvizja impresioniste ishte një hap i mëtejshëm në zhvillimin e pikturës realiste evropiane. "Impresionizmi është, para së gjithash, arti i vëzhgimit të realitetit që ka arritur një sofistikim të paparë" (V.N. Prokofiev). Duke u përpjekur për spontanitet dhe saktësi maksimale në përcjelljen e botës së dukshme, ata filluan të pikturojnë kryesisht në ajër të hapur dhe ngritën rëndësinë e skicave nga natyra, të cilat pothuajse zëvendësuan llojin tradicional të pikturës, të krijuar me kujdes dhe ngadalë në studio.
Duke sqaruar vazhdimisht paletën e tyre, impresionistët e çliruan pikturën nga llaqet dhe bojërat prej dheu dhe kafe. E zeza konvencionale, "muzeale" në kanavacat e tyre i hap rrugën një loje pafundësisht të larmishme refleksesh dhe hijesh me ngjyra. Ata zgjeruan pa masë mundësitë e artit të bukur, duke zbuluar jo vetëm botën e diellit, dritës dhe ajrit, por edhe bukurinë e mjegullave, atmosferën e shqetësuar të jetës së qytetit të madh, shpërndarjen e dritave të natës dhe ritmin e lëvizjes së vazhdueshme.
Për shkak të vetë metodës së punës në ajër të hapur, peizazhi, duke përfshirë peizazhin e qytetit që ata zbuluan, zinte një vend shumë të rëndësishëm në artin e impresionistëve. Shkalla në të cilën tradita dhe inovacioni u bashkuan organikisht në artin e impresionistëve dëshmohet, para së gjithash, nga vepra e piktorit të shquar të shekullit të 19-të Edouard Manet (1832-1883). Vërtetë, ai vetë nuk e konsideronte veten përfaqësues të impresionizmit dhe gjithmonë ekspozonte veçmas, por në aspektin ideologjik dhe ideologjik, ai ishte padyshim edhe pararendësi dhe udhëheqësi ideologjik i kësaj lëvizjeje.
Në fillim të karrierës së tij krijuese, E. Manet u përjashtua (tallja e shoqërisë). Në sytë e publikut borgjez dhe kritikës, arti i tij bëhet sinonim i të shëmtuarës dhe vetë artisti quhet "një i çmendur që pikturon një pikturë, duke u dridhur në delirium tremens" (M. de Montifaud) (shih Shtojcën nr. 1, Fig. 4). Vetëm mendjet më të mprehta të asaj kohe ishin në gjendje të vlerësonin talentin e Manet. Midis tyre ishin Charles Baudelaire dhe i riu E. Zola, i cili deklaroi se “Z. Manet është i destinuar për një vend në Luvër”.
Impresionizmi mori shprehjen e tij më të qëndrueshme, por edhe më të gjerë në veprën e Claude Monet (1840-1926). Emri i tij shpesh shoqërohet me arritje të tilla të kësaj metode të pikturës si transferimi i gjendjeve kalimtare të pakapshme të ndriçimit, dridhja e dritës dhe ajrit, ndërlidhja e tyre në procesin e ndryshimeve dhe transformimeve të vazhdueshme. "Kjo, pa dyshim, ishte një fitore e madhe për artin e kohëve moderne," shkruan V.N. Prokofiev dhe shton: "Por edhe fitorja e tij përfundimtare". Nuk është rastësi që Cezanne, megjithëse e mprehte disi polemikisht pozicionin e tij, më vonë argumentoi se arti i Monet është "vetëm syri".
Punimet e hershme të Monet janë mjaft tradicionale. Ato përmbajnë ende figura njerëzore, të cilat më vonë kthehen gjithnjë e më shumë në staf dhe gradualisht zhduken nga pikturat e tij. Në vitet 1870, stili impresionist i artistit më në fund mori formë, dhe tani e tutje ai iu përkushtua tërësisht peizazhit. Që nga ajo kohë ai ka punuar pothuajse ekskluzivisht en plein air. Pikërisht në veprën e tij vendoset përfundimisht lloji i pikturës së madhe - skica.
Monet ishte një nga të parët që krijoi një seri pikturash në të cilat i njëjti motiv përsëritet në periudha të ndryshme të vitit dhe ditës, në kushte të ndryshme ndriçimi dhe moti (shih Shtojcën nr. 1, Fig. 5, 6). Jo të gjitha janë të barabarta, por pikturat më të mira në këto seri mahniten me freskinë e ngjyrave, intensitetin e ngjyrave dhe mjeshtërinë e efekteve të tyre ndriçuese.
Në periudhën e vonë të krijimtarisë në pikturën e Monetit, prirjet e dekorativizmit dhe rrafshimit u intensifikuan. Shkëlqimi dhe pastërtia e ngjyrave kthehen në të kundërtën e tyre, shfaqet një lloj bardhësie. Duke folur për abuzimin e impresionistëve të ndjerë të "tonit të lehtë, duke i kthyer disa vepra në një kanavacë të zbardhur", E. Zola shkroi: "Dhe sot nuk ka asgjë tjetër veçse plein air... vetëm njolla kanë mbetur: portreti është vetëm një pikë, figurat janë vetëm njolla, vetëm njolla.
Artistë të tjerë impresionistë ishin gjithashtu kryesisht piktorë të peizazhit. Puna e tyre shpesh në mënyrë të pamerituar mbeti në hije pranë figurës vërtet shumëngjyrëshe dhe mbresëlënëse të Monet, megjithëse ata nuk ishin inferiorë ndaj tij në vigjilencën e vizionit të natyrës dhe në aftësitë e tyre të pikturës. Midis tyre, së pari duhen përmendur emrat e Alfred Sisley (1839-1899) dhe Camille Pissarro (1831-1903). Veprat e Sisley, një angleze nga lindja, karakterizohen nga një elegancë e veçantë piktoreske. Një mjeshtër i shkëlqyer i ajrit të plotë, ai dinte të transmetonte ajrin transparent të një mëngjesi të kthjellët dimri, mjegullën e lehtë të mjegullës së ngrohur nga dielli dhe retë që vraponin nëpër qiell në një ditë me erë. Gama e saj dallohet për pasurinë e nuancave dhe besnikërinë e toneve. Peizazhet e artistit janë gjithmonë të mbushura me një humor të thellë, duke reflektuar perceptimin e tij në thelb lirik të natyrës (shih Shtojcën nr. 1, Fig. 7, 8, 9).
Rruga krijuese e Pissarros, artistit të vetëm që mori pjesë në të tetë ekspozitat impresioniste, ishte më komplekse - J. Rewald e quajti atë "patriarkun" e kësaj lëvizjeje. Duke filluar me peizazhe të ngjashme në pikturë me Barbizons, ai, nën ndikimin e Manet dhe miqve të tij të rinj, filloi të punojë në ajër të hapur, duke lehtësuar gradualisht paletën. Gradualisht ai zhvillon metodën e tij impresioniste. Ai ishte një nga të parët që braktisi përdorimin e bojës së zezë. Pissarro ishte gjithmonë i prirur për një qasje analitike ndaj pikturës, prandaj eksperimentet e tij në dekompozimin e ngjyrave - "divizionizmi" dhe "pointellizmi". Megjithatë, ai shpejt iu kthye mënyrës impresioniste në të cilën u krijuan veprat e tij më të mira - seritë e mrekullueshme të peizazheve të qytetit të Parisit (shih Shtojcën nr. 1, Fig. 10, 11, 12, 13). Përbërja e tyre është gjithmonë e menduar dhe e ekuilibruar, piktura e tyre është e rafinuar në ngjyra dhe mjeshtërore në teknikë.
Në Rusi, peizazhi urban në impresionizëm u ndriçua nga Konstantin Korovin. “Parisi erdhi si një tronditje për mua... impresionistët... në to pashë atë për të cilën më qortuan në Moskë”. Korovin (1861-1939), së bashku me mikun e tij Valentin Serov, ishin figurat qendrore të impresionizmit rus. Nën ndikimin e madh të lëvizjes franceze, ai krijoi stilin e tij, i cili përziente elementet kryesore të impresionizmit francez me ngjyrat e pasura të artit rus të asaj periudhe (shih Shtojcën nr. 1, Fig. 15).
Një nga lëvizjet më të mëdha në art të dekadave të fundit të shekullit të nëntëmbëdhjetë dhe fillimit të shekullit të njëzetë është impresionizmi, i cili u përhap në të gjithë botën nga Franca. Përfaqësuesit e saj u angazhuan në zhvillimin e metodave dhe teknikave të tilla të pikturës që do të bënin të mundur pasqyrimin më të gjallë dhe të natyrshëm të botës reale në dinamikë, për të përcjellë përshtypjet kalimtare të saj.
Shumë artistë krijuan kanavacat e tyre në stilin e impresionizmit, por themeluesit e lëvizjes ishin Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Është e pamundur të përmendim veprat e tyre më të mira, pasi janë të gjitha të bukura, por ka nga ato më të famshmet dhe për to do të diskutohet më tej.
Claude Monet: “Përshtypje. dielli në lindje"
Kanavacë me të cilën duhet të filloni një bisedë për pikturat më të mira të impresionistëve. Claude Monet e pikturoi atë në 1872 nga jeta në portin e vjetër të Le Havre, Francë. Dy vjet më vonë, piktura u shfaq për herë të parë për publikun në ish studion e artistit dhe karikaturistit francez Nadar. Kjo ekspozitë u bë fatale për botën e artit. I impresionuar (jo në kuptimin më të mirë) nga vepra e Monet, titulli i së cilës në gjuhën origjinale tingëllon si "Impression, soleil levant", gazetari Louis Leroy shpiku fillimisht termin "impresionizëm", duke treguar një drejtim të ri në pikturë.
Piktura u vodh në vitin 1985 së bashku me veprat e O. Renoir dhe B. Morisot. Ajo u zbulua pesë vjet më vonë. Aktualisht “Përshtypja. Dielli në rritje" i përket Muzeut Marmottan-Monet në Paris.
Edouard Monet: "Olympia"
Piktura "Olympia", e krijuar nga impresionisti francez Edouard Manet në 1863, është një nga kryeveprat e pikturës moderne. Ajo u prezantua për herë të parë në Sallonin e Parisit në 1865. Artistët impresionistë dhe pikturat e tyre shpesh e gjendën veten në qendër të skandaleve të profilit të lartë. Sidoqoftë, Olimpia shkaktoi më të madhin prej tyre në historinë e artit.
Në telajo shohim një grua të zhveshur, me fytyrën dhe trupin e saj përballë publikut. Personazhi i dytë është një shërbëtore me lëkurë të errët që mban një buqetë luksoze të mbështjellë me letër. Në këmbët e shtratit ka një kotele të zezë në një pozë karakteristike me një shpinë të harkuar. Nuk dihet shumë për historinë e pikturës vetëm dy skica. Modelja ka shumë të ngjarë të ishte modeli i preferuar i Manet, Quiz Meunard. Ekziston një mendim se artisti përdori imazhin e Marguerite Bellanger, zonja e Napoleonit.
Gjatë periudhës së krijimtarisë kur u krijua Olimpia, Manet ishte i magjepsur nga arti japonez, dhe për këtë arsye qëllimisht refuzoi të përpunonte nuancat e errësirës dhe dritës. Për shkak të kësaj, bashkëkohësit e tij nuk e panë vëllimin e figurës së përshkruar dhe e konsideruan atë të sheshtë dhe të përafërt. Artisti u akuzua për imoralitet dhe vulgaritet. Asnjëherë më parë pikturat impresioniste nuk kanë shkaktuar një eksitim dhe tallje të tillë nga turma. Administrata u detyrua të vendoste roje rreth saj. Degas e krahasoi famën e Manet-it të fituar nga Olimpia dhe guximin me të cilin ai pranoi kritikat me historinë e jetës së Garibaldit.
Për gati një çerek shekulli pas ekspozitës, kanavacë u mbajt jashtë mundësive të syve kureshtarë nga studioja e artistit. Më pas u ekspozua sërish në Paris në vitin 1889. Thuajse u ble, por miqtë e artistit mblodhën shumën e kërkuar dhe blenë "Olympia" nga e veja e Manet, dhe më pas ia dhuruan shtetit. Tani piktura i përket Muzeut Orsay në Paris.
Auguste Renoir: "Bathët e mëdhenj"
Piktura është pikturuar nga një artist francez në vitet 1884-1887. Duke marrë parasysh të gjitha pikturat e njohura aktualisht impresioniste midis 1863 dhe fillimit të shekullit të njëzetë, "Great Bathers" quhet kanavacë më e madhe me figura nudo femra. Renoir punoi në të për më shumë se tre vjet, dhe gjatë kësaj periudhe u krijuan shumë skica dhe skica. Nuk kishte asnjë pikturë tjetër në punën e tij që ai t'i kushtonte kaq shumë kohë.
Në plan të parë, shikuesi sheh tre gra të zhveshura, dy prej të cilave janë në breg, dhe e treta qëndron në ujë. Figurat janë pikturuar shumë realisht dhe qartë, gjë që është karakteristikë e stilit të artistit. Modelet e Renoir ishin Alina Charigo (gruaja e tij e ardhshme) dhe Suzanne Valadon, e cila në të ardhmen u bë vetë një artiste e famshme.
Edgar Degas: "Kërcimtarët blu"
Jo të gjitha pikturat e famshme impresioniste të listuara në artikull u pikturuan me vaj në kanavacë. Fotografia e mësipërme ju lejon të kuptoni se çfarë përfaqëson piktura "Vallëruesit Blu". Është punuar në pastel në një fletë letre me përmasa 65x65 cm dhe i përket periudhës së vonë të punës së artistit (1897). Ai e pikturoi atë me shikim tashmë të dëmtuar, kështu që një rëndësi e madhe i kushtohet organizimit dekorativ: imazhi perceptohet si pika të mëdha ngjyrash, veçanërisht kur shikohet nga afër. Tema e kërcimtarëve ishte afër Degas. Ajo u përsërit shumë herë në veprën e tij. Shumë kritikë besojnë se për shkak të harmonisë së ngjyrës dhe përbërjes, "Kërcimtarët Blu" mund të konsiderohen vepra më e mirë e artistit për këtë temë. Aktualisht, piktura ruhet në Muzeun e Artit. A. S. Pushkin në Moskë.
Frédéric Bazille: "Fustani rozë"
Një nga themeluesit e impresionizmit francez, Frédéric Bazille, lindi në një familje borgjeze të një prodhuesi të pasur të verës. Ndërsa studionte ende në Lice, filloi të interesohej për pikturën. Pasi u transferua në Paris, ai u njoh me C. Monet dhe O. Renoir. Fatkeqësisht, fati e paracaktoi artistin që të ketë një rrugë të shkurtër jete. Vdiq në moshën 28 vjeçare në front gjatë Luftës Franko-Prusiane. Sidoqoftë, pikturat e tij, megjithëse të pakta në numër, me të drejtë përfshihen në listën e "Pikturave më të mira impresioniste". Një prej tyre është "Fustani rozë", pikturuar në vitin 1864. Sipas të gjitha indikacioneve, kanavacë mund t'i atribuohet impresionizmit të hershëm: kontrastet e ngjyrave, vëmendja ndaj ngjyrës, rrezet e diellit dhe një moment i ngrirë, pikërisht ajo që quhej "përshtypje". Një nga kushërirat e artistit, Teresa de Hors, veproi si modele. Piktura aktualisht i përket Musée d'Orsay në Paris.
Camille Pissarro: “Bulevardi Montmartre. Pasdite me diell"
Camille Pissarro u bë i famshëm për peizazhet e tij, një tipar karakteristik i të cilave është përshkrimi i dritës dhe objekteve të ndriçuara. Veprat e tij patën një ndikim të rëndësishëm në zhanrin e impresionizmit. Artisti zhvilloi në mënyrë të pavarur shumë nga parimet e tij të qenësishme, të cilat formuan bazën për krijimtarinë e tij të ardhshme.
Pissarros i pëlqente të pikturonte të njëjtin vend në periudha të ndryshme të ditës. Ai ka një seri të tërë pikturash me bulevardet dhe rrugët pariziane. Më i famshmi prej tyre është "Bulevardi Montmartre" (1897). Ajo pasqyron të gjithë sharmin që artisti sheh në jetën e zjarrtë dhe të shqetësuar të këtij cepi të Parisit. Duke parë bulevardin nga i njëjti vend, ai ia tregon shikuesit në një ditë me diell dhe vranësira, në mëngjes, pasdite dhe në mbrëmje vonë. Fotografia më poshtë tregon pikturën "Bulevardi Montmartre gjatë natës".
Ky stil u adoptua më pas nga shumë artistë. Do të përmendim vetëm se cilat piktura impresioniste janë shkruar nën ndikimin e Pissarros. Kjo prirje është qartë e dukshme në punën e Monet (seria e pikturave "Haystacks").
Alfred Sisley: "Lëndinat në pranverë"
"Lëndinat në pranverë" është një nga pikturat më të fundit të piktorit të peizazhit Alfred Sisley, pikturuar në vitet 1880-1881. Në të, shikuesi sheh një shteg pyjor përgjatë brigjeve të Seine me një fshat në bregun përballë. Në plan të parë është një vajzë - vajza e artistit Jeanne Sisley.
Peizazhet e artistit përcjellin atmosferën autentike të rajonit historik të Ile-de-France dhe ruajnë butësinë dhe transparencën e veçantë të fenomeneve natyrore karakteristike për stinët e veçanta. Artisti nuk ishte kurrë një mbështetës i efekteve të pazakonta dhe i përmbahej një kompozimi të thjeshtë dhe një gamë të kufizuar ngjyrash. Piktura tani ruhet në Galerinë Kombëtare në Londër.
Ne kemi renditur pikturat më të famshme impresioniste (me emra dhe përshkrime). Këto janë kryevepra të pikturës botërore. Stili unik i pikturës, i cili filloi në Francë, fillimisht u perceptua me tallje dhe ironi, kritikët theksuan pakujdesinë e plotë të artistëve në pikturimin e pikturave të tyre. Tani vështirë se dikush do të guxonte të sfidonte gjenialitetin e tyre. Pikturat impresioniste janë ekspozuar në muzetë më prestigjioze në botë dhe janë një ekspozitë e lakmuar për çdo koleksion privat.
Stili nuk është zhytur në harresë dhe ka shumë ndjekës. Bashkatdhetari ynë Andrei Koch, piktori francez Laurent Parselier, amerikanët Diana Leonard dhe Karen Tarleton janë impresioniste të famshme moderne. Pikturat e tyre janë bërë në traditat më të mira të zhanrit, të mbushura me ngjyra të ndezura, goditje të guximshme dhe jetë. Në foton e mësipërme është vepra e Laurent Parselier "Në rrezet e diellit".