Имя веласкеса. Веласкес диего биография

Имя: Диего Веласкес (Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес)

Возраст: 61 год

Деятельность: художник

Семейное положение: был женат

Диего Веласкес: биография

Диего Веласкес – художник-индивидуалист испанской эпохи барокко, придворный живописец Филиппа IV, воссоздававший исторические сцены, писавший портреты монархов, известных персон и простолюдинов. Его работы стали образцом для импрессионистов и художников-реалистов и были воссозданы в творчестве и . Полотна Веласкеса хранятся в собраниях крупнейших музеев мира, в 1999 и 2014 годах на экраны вышли документальные фильмы, посвященные мастерству признанного гения.

Детство и юность

Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес родился в Севилье в семье Хуана Родригеса де Сильва и Иеронимы Веласкес, которые крестили сына в местной церкви Святого Петра 6 июня 1599 года, через несколько дней или недель после появления на свет.

В детстве мальчик получил хорошую подготовку в области языков и философии, параллельно увлекаясь изящными искусствами. Учиться рисованию Диего начал в студии Франсиско де Эрреры, прогрессивного художника, игнорировавшего влияние итальянской школы.

Когда Веласкесу исполнилось 12 лет, он перешел под начало Франсиско Пачеко. Учитель поверил в талант начинающего мастера и вывел его в свет. В 17-летнем возрасте Диего стал самостоятельным художником, присоединился к корпорации живописцев Севильи, мечтая о карьере при дворе короля.

Живопись

В начале творческой биографии Веласкес прославился изображением бытовых сцен из жизни простолюдинов. «Старуха, жарящая яйца», «Двое юношей у стола», «Завтрак» были написаны в жанре bodegones, что в переводе с испанского означало «харчевня, трактир».

Весной 1622 года Диего поехал в Мадрид с рекомендательным письмом к архиепископу Хуану Родригесу де Фонсеке, который представил молодого художника королевскому министру, герцогу Оливаресу. Придворный вельможа заказал Веласкесу собственный портрет, написав который Диего удостоился аудиенции у короля и получил похвалу монарха.

В 1623 году Диего приказали поселиться в Мадриде, пообещав, что другие художники никогда не будут писать Филиппа IV. Первый портрет испанского величества Веласкес создал в 1623-м. После этого он начал придворную карьеру, получая 20 дукатов в месяц, медицинское обслуживание, жилье и плату за картины, которые он будет рисовать.

В 1627 году Веласкес стал победителем в конкурсе испанских живописцев, устроенном королем, темой которого было изгнание мавров. Картина погибла при пожаре в Мадридском Алькасаре в 1734 году, по описанию современников, на ней был изображен Филипп III, показывающий дубинкой в сторону на толпы мужчин и женщин, гонимых солдатами. В качестве награды Диего получил должность камергера, а через год стал придворным художником его величества короля Испании, заменив умершего Джеймса Морана.

В 1629 году с разрешения монарха Веласкес уехал в Италию на полтора года. Хотя его первый визит на родину исследователи признали важной вехой в развитии индивидуального стиля, сохранилось мало информации о том, с кем встречался художник, что видел и какие инновации надеялся внести в свою живопись.

Вернувшись в Испанию, Веласкес начал создавать портреты королевской семьи и окружения Филиппа IV. Наиболее известными являются картины «Урок верховой езды принца Бальтазара Карлоса», где юный наследник изображен в одеянии фельдмаршала на гарцующем коне, изображения королевы Елизаветы Бурбонской и поэта Франсиско де Кеведо, а также несколько портретов герцога Оливареса, в которых художник выразил благодарность своему благодетелю.

Выполняя обязанности придворного живописца, Веласкес постоянно и внимательно следил за Филиппом IV, он написал более 40 его портретов. Часто следуя за монархом в путешествиях, он присутствовал при завоевании Лериды. Именно тогда художник нарисовал конный портрет, на котором король предстал в образе великого полководца, возглавлявшего войска, чего на самом деле никогда не было.

Веласкес также написал некоторое количество шутов и карликов при дворе Филиппа, к которым относился с уважением и сочувствием. На картине «Карлик дон Диего де Аседо по прозвищу Эль Примо» умное лицо и солидный фолиант с чернильной бутылкой и ручкой рядом с персонажем показывают, что королевский слуга мудрее и образованнее многих придворных вельмож. Другими работами художника на эту тему являются произведения «Пабло Де Вальядолид», «Франсиско Лескано», «Дон Хуан де Калабасас».

К 1630-м годам относится величайшая из картин Веласкеса религиозного направления «Христос на кресте», изображающая спасителя сразу после смерти. В конце 1640-х годов Филипп доверил придворному живописцу основание академии искусств в Мадриде. Богатая картинами Испания нуждалась в скульптуре, и Веласкесу поручили еще раз посетить Италию, чтобы сделать приобретения.

В 1649 году художник побывал в Генуе, Милане и Венеции, чтобы купить работы Тициана, Тинторетто и Веронезе. Прибыв в Ватикан, Веласкес получил заказ на портрет Папы Иннокентия X и выполнил его в новом смелом и резком стиле, получившем название manera abreviada (техника быстрого письма).

Картина показала такую беспощадность в выражении лица понтифика, что некоторые приближенные боялись гнева главы римской католической церкви. Вопреки ожиданиям, Иннокентию понравилась работа, он повесил ее комнате перед своим кабинетом.

В 1651 году по желанию Филиппа Веласкес вернулся в Испанию, организовал и каталогизировал картины и скульптуры, привезенные из Италии, и приступил к созданию своих самых знаменитых произведений. Почерпнув вдохновение в произведениях итальянских живописцев, Веласкес закончил картину «Венера с зеркалом», изображающую римскую богиню любви, красоты и плодородия, томно лежащую на кровати, спиной к зрителю. Она смотрит в зеркало, удерживаемое .

Складки простыней повторяют физическую форму богини и подчеркивают широкие изгибы ее тела. Художник использовал оттенки красного, белого и серого цветов в фигуре Венеры на переднем плане композиции. Эти краски контрастируют с темными шелками, на которых лежит богиня, и с коричневым цветом стены за ее отражением.

Интересен тот факт, что «Венера с зеркалом» подверглась нападению вандалов в 1914 году. Суфражистка Мэри Ричардсон вошла в Национальную галерею Лондона и атаковала полотно Веласкеса мясным тесаком, оставив порезы между плечами центральной фигуры.

К 1655 году искусствоведы относят другую знаменитую картину Веласкеса «Пряхи», где, по мнению некоторых исследователей, изображены женщины-работницы в гобеленовой мастерской. По другой версии, считающейся правильной трактовкой произведения, художник нарисовал сюжет из басни о смертной Арахне, которая осмелилась бросить вызов богине на конкурсе ткачества. В этой работе Веласкес использовал многослойную композицию жанра bodegones, характерную для его ранних работ.

«Пряхи» были созданы по заказу придворного охотника дона Педро де Арсе и вошли в королевскую коллекцию. Полотно выжило в пожаре 1734 года, но получило значительные повреждения по краям. В процессе реставрации недостающие элементы были добавлены и сохранились до настоящего времени. Однако в музее Прадо экспонируется только уцелевшая часть картины, а восстановленные элементы, не принадлежащие кисти Веласкеса, закрыты рамкой.

Последние портреты королевских отроков Веласкеса, нарисованные незадолго до смерти, входят в число лучших картин испанского мастера. В «Инфанте Маргарите Терезе в синем платье» индивидуальный стиль автора достиг апогея: мерцающие пятна цвета на широких живописных поверхностях производят почти импрессионистический эффект трехмерного пространства.

Личная жизнь

23 апреля 1618 года Диего Веласкес женился на дочери своего учителя Франсиско Пачеки - Хуане. У художника и его жены было двое детей. Младшая дочь, Игнасия, умерла в младенчестве, а старшая Франциска устроила свою личную жизнь, выйдя замуж за будущего придворного художника Хуана Батиста Мартинеса дель Мазо, который продолжил традиции своего великого тестя.

Смерть

В июне 1660 года Веласкесу выпала честь оформлять испанский павильон и всю живописную экспозицию церемонии бракосочетания принцессы с королем Франции , которая прошла на острове Фазанов, на реке Бидасоа.

Это мероприятие подорвало здоровье придворного живописца. После возвращения в Мадрид у него поднялась температура. Чувствуя приближение конца, Веласкес подписал завещание, назначив единоличными исполнителями последней воли и наследниками жену и своего друга, хранителя королевских записей.

6 августа 1660 года художник скончался. Причиной смерти стала лихорадка. Через 8 дней после того, как Веласкес был предан земле, умерла его жена Хуана. Их могилы находились в церкви Сан-Хуан Баутиста, которую разрушили французы в 1811 году. Где сейчас находится захоронение художника, неизвестно.

Картины

• 1618-1619 - «Завтрак»
• 1619 - «Поклонение волхвов»
• 1628 - «Триумф Вакха, или Пьяницы»
• 1631 - «Портрет принца Бальтазара Карлоса с карликом»
• 1632 - «Распятый Христос»
• 1638 - «Портрет графа Оливареса»
• 1637-1639 - «Дон Хуан де Калабасас»
• 1647-1651 - «Венера с зеркалом»
• 1650 - «Портрет папы Иннокентия X»
• 1653-1655 - «Портрет Филиппа IV»
• 1656 - «Менины»
• 1657 - «Пряхи, или Миф об Арахне»

Испанская живопись достигает вершины в творчестве Диего Родригес де Сильва Веласкеса (Diego Rodriguez de Silva Velazquez) (1599–1660), одного из величайших реалистов европейского искусства. Через долгие годы придворной службы Веласкес пронес идеи гуманизма, верность демократической традиции испанской культуры, любовь к простым людям. Более непосредственно и смело, чем его предшественники-живописцы, испанский художник обратился к реальной действительности, расширив тематику живописи, способствуя развитию в ней различных жанров. Испанский двор и аристократия ожили в его портретах со своей гордостью, грустью, своими пороками, напряженной жизнью страстей. В мифологических и жанровых картинах Веласкес показал национально-самобытные образы испанского народа.

Сила творчества Веласкеса – в глубине психологического анализа и чеканной отточенности характеристик. В своих портретах он не льстил моделям, но представлял каждого в индивидуальной неповторимости, национальной и социальной характерности. Своеобразие метода Веласкеса проявилось в эмоциональной сдержанности, с которой он стремился раскрыть в целостном единстве существенные черты характера, душевного и умственного склада человека в их сложности и противоречиях.

Диего Родригес де Сильва Веласкес – один из первых мастеров валерной живописи. Серые тона его картин переливаются множеством оттенков, черные легки и прозрачны. Яркие теплые тона, холодные голубые, темные почти всегда озарены ровным светом и образуют сдержанные тонкие гармонии. Виртуозный мазок разнообразен. Валеры не только обогащают цвета, которыми пользовался Веласкес, но и моделируют формы, окутывают их мерцающей световоздушной средой. Достоинства колорита сочетаются в картинах Веласкеса с ясностью и величественной простотой композиции, чувством меры.

Веласкес родился в Севилье, учился у Эрреры Старшего – художника-реалиста, создателя драматических суровых образов, затем у романиста Франсиско Пачеко, гуманиста, поэта, автора трактата по живописи. В семнадцать лет Веласкес получил звание мастера искусств. В ранний период творчества (1617–1621) он был близок к караваджизму, обратился к распространенной в Испании жанровой живописи – «бодегонес», изображая незатейливые сцены жизни простых людей в повседневной обстановке бедных темных харчевен, в кухнях, среди скромной утвари и скудных завтраков, скупо характеризующих суровую красоту народного быта. Уже в ранних работах обнаруживаются уверенность рисунка, монументальность как бы приближенных к зрителю форм, строгость крупнофигурных композиций, придающих особую значительность изображениям («Завтрак», около 1617, Санкт-Петербург, Эрмитаж; «Водонос», около 1620, Англия, Лондон, собрание Уэллингтон). Появляется характерное для Караваджо освещение – луч света, прорывающийся из оконца в темный интерьер, выявляет пластическую выразительность форм. Отказавшись от развернутого повествования, художник сосредоточил внимание на национальной характерности народных образов – горделивой сдержанности, прорывающейся темпераментности, удали, добродушии. Герои «бодегонес» колоритны, но психологически они еще статичны.

В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид, где жил около 40 лет; он получил место придворного живописца короля Филиппа IV. Карьера придворного при самом чопорном и консервативном дворе Европы подчинила его жизнь жесткому церемониалу дворцового уклада. Вместе с тем здесь, при дворе, Веласкес освобождался от необходимости писать по заказам церкви, что ставило его в особое положение среди современников. Пребывание в мировой столице империи Габсбургов способствовало расширению жизненного и художественного кругозора. Веласкес приобщился к демократическим устремлениям общественной мысли того времени. Вместе с тем в королевской сокровищнице искусства, включающей множество шедевров, он знакомился с высшими достижениями европейской живописи. Hoвый период исканий Веласкеса в первую очередь сказался в портрете и бытовом жанре. Изображая короля и знать, он исходил из традиции испанского парадного портрета 16 века, но внутренняя характеристика портретируемых у Веласкеса многограннее. В портрете Филиппа IV (1628, Мадрид, Прадо) передано анемичное холодное лицо с бесстрастным взглядом и тяжелой челюстью; но данная в рост стройная фигура удлиненных пропорций с широким разворотом плеч и небольшой головой импозантна. Она занимает плоскость почти всего полотна, черный плащ придает обобщенность и величественность строгому силуэту, выделяющемуся темным пятном на сером фоне. Торжественность и статичность позы, сдержанность движений, замкнутость гордого лица выражают невозмутимость духа, внутреннюю собранность и высокомерную отчужденность. Веласкес воплотил в образе короля распространенный в испанском обществе идеал достойной личности, исполненной самообладания и чувства чести. Портрет почти суров по колориту и построен на контрасте бескровного лица, белого воротника и темного костюма. Красная скатерть стола мягко вписывается в серый фон, оживляя его.

Веласкес смело расширил границы бытового жанра, насыщая его содержательностью. В картине «Вакх» («Пьяницы», 1628–1629, Мадрид, Прадо) Веласкес обратился к мифологической теме, но интерпретировал ее в бытовом аспекте. Группа веселых бродяг, охмелевшие лица которых несут следы беспокойной жизни, изображена среди просторов полей и гор. С ними античный бог вина Вакх и фавны. Присутствие Вакха придало пирушке характер действа, как бы приобщающего простолюдинов к жизни вечных сил природы. В бродягах, овеянных вольным духом полей, с их удалью и широтой характеров подмечено что-то стихийное, природное, значительное – граница между возвышенным и низменным художником как бы стирается. Бытовой жанр приобретает новое звучание. Написанный в мастерской, пейзаж хранит следы условности, он не связан с фигурами, формы которых пролеплены контрастной светотенью. Но тонкость серебристо-перламутровых, сиреневатых тонов тела Вакха, оттененных розово-красным плащом, предвосхищает зрелую живописную манеру Веласкеса.

Для формирования Веласкеса-живописца большое значение имела поездка в Италию (1629–1631), знакомство с произведениями великих мастеров Возрождения. Вернувшись из Италии художник написал большую картину на современную историческую тему – «Сдача Бреды» (1634–1635, Мадрид, Прадо). Она посвящена взятию в 1625 году голландской крепости испанскими войсками. Художник отказался от распространенной в живописи 17 века парадно-аллегорической трактовки батальной темы, Веласкес положил начало реализму в исторической живописи. Драматические события истории раскрываются через тонкие психологические характеристики главных действующих лиц, изображенных с портретной достоверностью. Испанский адмирал Спинола принимает символические ключи от города из рук побежденного голландского полководца. За внешней светской сдержанностью Спинолы чувствуется и гордое сознание победы, и благородство его натуры: учтиво встречает он побежденного, отдавая должное отваге и несломленному духу голландцев. Их предводитель, прямодушный герцог Юстин Нассаусский – коренастый, в походной одежде, без светского лоска, в момент поражения не утрачивает человеческого достоинства, добивается почетных условий сдачи крепости. Оба лагеря – испанский и нидерландский – охарактеризованы объективно, с выявлением отличия национальных и социальных особенностей каждого из них. Гордые испанские гранды с утонченными лицами, строгой выправкой образуют компактную группу, над которой победоносно высится лес копий. Нидерландские солдаты – мужественные люди из народа. И хотя склонились перед неприятелем их копья и знамена, в свободных позах и открытых лицах доминирует выражение независимости духа.

Построенная на равновесии групп композиция разворачивается на огромном, уходящем вглубь пространстве равнины, на фоне Бреды с ее могучими форпостами. Центр композиции – эпизод передачи ключей, он же психологическая завязка картины,– окружен полукольцом действующих лиц, которые как бы вовлекают зрителя в событие. Широта замысла подчеркнута пейзажем, в котором отблески пламени и дым пожара сливаются с серебристым туманом летнего утра. Точно переданы приметы местности, следы недавних битв. Богатство красочной палитры, построенной на прозрачных валерах, решение проблемы изображения человека в световоздушной среде характеризуют новый этап творчества Веласкеса. Исчезают глухие темные тени, резкие линии, серебристый свет и воздух окутывают фигуры.

1630-е и 1640-е годы – время расцвета портретного искусства Веласкеса. Живописец создал галерею образов представителей испанского общества – аристократов, сановников, полководцев, кардиналов, дворян. Традиционные рамки портретных композиций изменились. Веласкес писал портреты-картины с пейзажным фоном, воспроизводившим воздушную глубину, мягкий серебристый свет, окутывающий фигуру, придает позам портретируемых большую элегантность, естественность («Портрет инфанта Фердинанда», около 1632, Мадрид, Прадо). Наряду с охотничьими портретами художник исполнял традиционные конные, достигая в них порою непосредственности и обаяния образа («Конный портрет инфанта Валтасара Карлоса», около 1635, Мадрид, Прадо). Более зорким становится его глаз к внутреннему миру изображенных людей.

В поколенном парадном портрете Филиппа IV (1644, Нью-Йорк, Музей Фрик) он утверждает новые принципы реалистического портрета. С блеском воспроизведенный великолепный костюм лишь обостряет впечатление заурядности, душевной инертности и безволия постаревшего короля.

Во время второй поездки в Италию Веласкес написал портрет папы Иннокентия X (1650, Рим, галерея Дориа-Памфили). По беспощадности и многогранности характеристики, по блеску живописного воплощения это один из лучших реалистических портретов в мировом искусстве. Тяжелым взглядом исподлобья недоброжелательно смотрит Иннокентий на зрителя. Непривлекательный внешне образ многопланов – Иннокентий хитер, жесток, двоедушен, но вместе с тем умен, решителен, проницателен, то есть как личность монолитен, значителен. Колорит портрета построен на мощном аккорде переливчатых темно-красных, вишневых, пурпурных, пламенно-розовых оттенков накидки, скуфьи, кресла и фона. Холодные голубые глаза, белоснежный воротник и мерцающие складки кружевного белого стихаря контрастируют с красными тонами, создают напряженность, созвучную образу человека сильных, но жестоких страстей, изображенного в момент их концентрации. Солнечные лучи, смягчая контуры, объединяют краски, голубые прозрачные тени и рефлексы рождают богатство полутонов. Портрет Иннокентия X открывает поздний этап творчества Веласкеса, когда он написал и ряд великолепных детских портретов, хранящих всю непосредственность и свежесть впечатлений от живой натуры, преображенной игрой светотени («Инфанта Маргарита», около 1660, Мадрид, Прадо; Киев, Музей западного и восточного искусства). Художник часто оказывает предпочтение свободной от аксессуарности погрудной форме, где портретируемый окружен воздушным золотистым фоном. С особой проникновенностью он изображает людей творческого, интеллектуального склада со сложным многогранным внутренним миром («Неизвестный», 1630-е годы, Лондон, собрание герцога Уеллингтона). Портрет ученика и слуги мавра Хуана Парехи (1649, Солсбери, собрание Радиор) – воплощение благородства, человечности и силы независимого характера.

Особое внимание обращает на себя серия портретов шутов и карликов испанского двора – людей, стоящих внизу иерархической лестницы. В них ярко отразилось уважение художника к человеческому достоинству, внутреннему миру обездоленных. Правдиво передавая духовную и физическую неполноценность, Веласкес раскрыл в их образах человечность и поднялся до скорбного трагизма. С немощным телом Эль Примо (1644, Мадрид, Прадо) контрастирует его умное сосредоточенное лицо, сдержанно-печальное, полное душевной красоты и значительности. Растерянный Эль Бобо из Кории (около 1648, Мадрид, Прадо) забился в угол. Лихорадочно-беспомощно потирает он дрожащие руки, в глазах проскальзывает неясное душевное движение, но в страдальческой робкой улыбке много трогательно-детского, просветленного. Мягкие черты растворяются в потоке света, обостряя выражение взволнованности. Точка зрения сверху вниз, избранная художником, сжатое пространство, как бы теснящее юношу, усиливают чувство одиночества, подавленности.

В поздний период творчества Веласкес создает замечательные по силе обобщения и сложности композиции. В условиях наступления католической реакции в Испании он воскрешает античную тему, волновавшую мастеров итальянского Возрождения. В картине «Венера с зеркалом» (около 1657, Лондон, Национальная галерея), развивая традиции Тициана, Веласкес идет дальше в сближении образа богини с реальной женщиной. Полная обаяния молодая испанка запечатлена на ложе в случайной непринужденной позе. Неожиданная точка зрения со спины, избранная художником, подчеркивает острую красоту гибкого тела. Зеркальное отражение лица фиксирует самосозерцание, в которое погружена молодая женщина.

В картине «Менины», или «Фрейлины» (1656, Мадрид, Прадо), художник тонко улавливает внутреннюю подвижность и изменчивость жизни, ее контрастные аспекты. Перед зрителем как бы выхвачена из жизни сцена повседневного быта королевского двора. В левой части комнаты Веласкес изобразил себя во время работы над парадным портретом королевской четы. Но зритель видит ее только в зеркальном отражении позади художника. Присутствующие на сеансе инфанта Маргарита, менины и карлики в церемониальных позах готовятся приветствовать царственных особ.

Жанровые эпизоды – расшалившийся карлик со спящей собакой, беседующие придворные, фрейлина, подносящая бокал воды инфанте, гофмаршал, отодвигающий гардину с окна,– случайности обыденной жизни, нарушающие статичность церемониального дворцового уклада. Синтез двух пространств – прямого, уходящего вглубь к окну, через которое врывается солнечный свет, и воображаемого зеркального, расширяющего пространство,– разрушает замкнутость композиции, включает ее в поток реальной жизни. В этом окружении динамичного пространства доминирует образ самого художника, исполненного творческого самоуглубления, возвышающегося и над парадным и над случайным в жизни.

Картина «Менины» написана с удивительной смелостью, легкостью и свежестью. Веласкес применяет мазки чистых цветов, не смешивая их на палитре; для зрителя, находящегося на расстоянии от картины, они сливаются, создавая впечатление струящегося, пронизанного серебристым светом воздуха, смягчающего резкие очертания фигур, объединяющего в единое целое передний и удаленные планы. Общий серовато-зеленый и серо-коричневые тона картины смягчают яркие краски, доминируют черный, серебристо-белый, серо-жемчужный, коричнево-серый и зеленый цвета. В них мягко вписываются розовое платье инфанты, ее хорошенькое, с трепетно-нежными очертаниями надменное лицо с живыми глазами, в обрамлении золотистых волос, кораллово-красные и голубые цвета лент на платьях и в волосах инфанты и фрейлин, световые блики на потолке комнаты. «Это не картина, а сама жизнь»,– писал о «Менинах» французский писатель Теофиль Готье. Совершенна композиция картины, основанная на равновесии фигур и архитектурных форм. Композиционно картина делится на две части: верхнюю – свободную, нижнюю – занятую фигурами. В свою очередь каждая половина имеет свои внутренние деления. Ясность пропорций рождает у зрителя чувство гармонии.

Веласкес одним из первых среди художников Западной Европы воспел красоту повседневного человеческого труда, изобразив гобеленную мастерскую с ее рабочей обстановкой. В монументальной композиции «Пряхи» (1657, Мадрид, Прадо) одновременно изображены сцены труда (испанские пряхи за работой – на переднем плане), светской жизни (нарядные дамы, рассматривающие великолепный гобелен,– на дальнем плане) и миф (об Афине и ткачихе Арахне), вытканный на гобелене, повешенном на стене дальнего плана. По широте охвата мира в «Пряхах» Веласкес идет дальше, чем в «Менинах». Картина прекрасно скомпонована, сосредоточенные на своей работе пряхи полны энергии, объединенные единым размеренным ритмом движения, их позы грациозны и непринужденны, ловкие жесты уверенны. Среди них выделяется женственной прелестью девушка справа. Два источника солнечного света создают ощущение пространства и глубины интерьера гобеленной мастерской. Погруженная в полумрак прозрачных теней среда напоена мерцающим золотистым светом. В атмосфере дальнего плана растворяются контуры предметов, и вытканные на коврах мифологические фигуры сливаются в живописном единстве с изображенными реальными. Созвучие нежнейших серо-голубых, розовых, светло-синих, сиренево-розовых, блекло-желтых, светло-красных и серебристо-белых тонов преображает дальний план в мир чистой поэзии. Красота сцены переднего плана выражена сдержанными, но насыщенными красно-коричневыми, сине-зелены- ми, черно-коричневыми и густо-красными тонами. Композиционная находка Веласкеса – сопоставление двух различных по характеру сцен дало возможность правдиво выразить представление художника о многообразии реального мира, о красоте жизни, сочетающей обе реальности – поэтическую, сотворенную руками простых работниц, прославивших пряху Арахну, наделенную творческой силой, и материально осязаемую, конкретную, воплощенную в созидательницах прекрасных ковров. Картина «Пряхи» наглядно объясняет существо испанского реализма и, в частности, реализма Веласкеса – путь к красоте через обыденную действительность.

Открытия Веласкеса в области цвета и света, его могучий реализм оказали влияние на живопись 18–19 столетий. С середины 17 века испанское искусство утратило непосредственную связь с жизнью. В нем усилились черты идеализации, внешней эффектности, обнаружились мистические тенденции. Последним крупным живописцем севильской школы, где живопись дольше сохраняла верность реализму, был Бартоломео-Эстебан Мурильо (1617–1682), крупный живописец, произведения которого отличались гармоничностью колорита, тонко воспроизводили эффекты света, воздушность среды. К лучшим его работам относятся изображения уличных мальчишек, играющих в кости, лакомящихся и т. п. («Мальчик с собакой», 1650-е годы, Санкт-Петербург, Эрмитаж). Строгая простота в трактовке сцен из народной жизни и религиозных сюжетов позже вытеснилась бесхарактерностью, сентиментальностью, внешней красивостью и сухостью исполнения.

Экономический и политический упадок Испании во второй половине 17 века тяжело отразился на всех областях жизни. Настроение разочарованности заставило искать ухода от действительности. К концу 17 – началу 18 столетий в испанском искусстве утвердился стиль барокко со свойственными ему пышной декоративностью и театральностью.

Диего Родригес де Сильва Веласкес родился 6 июня в 1599 году, в городе Севилья (Испаня). Семья его была не богата, по происхождению были португальские евреи, которые потом приняли христианство. Как и положено, Диего проявил способности к изобразительному искусству уже в детстве. Учился он у мастеров этого дела Ф. Эрреры и Ф. Пачеко. Благодаря этому, талант Диего Веласкеса быстро развивался, и будучи еще совсем молодым, он уже стал достаточно известным мастером в городе. Звание мастера он получил в 1617 году. В это период на творчество Диего оказывает влияние работы Рубенса и Тициана. Он начинает писать работы жанре бодегонов (от исп. bodegon - трактир, харчевня). В этом угадывается и влияние творчества Караваджо: реалистичность образов, затемненный фон и освщенные передние фигуры.

В 1618 году Диего Веласкес женится на дочери Ф.Пачеко Хуане Миранде.

В 1922 году Веласкес перезжает работать в Мадрид. Там в 1623 году король Филипп IV приглашает его работать во дворец. При Диего удалось поработать с Рубенсом в течение нескольких месяцев, пока тот находился в Мадриде. Вообще отношения между королем и Веласкесом складывались очень дружеские. Филипп хотел, чтоб его портреты писал только Диего. Отсюда появилось большое количество завистников. Они утвержали, что Веласкес не обладает талантом. В это период появляются такие работы как "Шут Калаба-Сильяс", "Граф Оливарес", "Вакх ", "Кузница Вулкана ". В последних двух Диего Веласкес объединяет мифологических богов с грубым образом людей. Картины пропитаны большим психологическим смыслом.

После отъезда Рубенса Веласкес попросил разрешения у короля посетить Италию. В 1629 году он отправился в путешествие, которе закончиось в январе 1931 года. После возвращения появляется очень сильная работа "Сдача Бреды ". Потом он пишет пейзажи виллы Медичи и Прадо, причем работает он в стиле плэнер, пишет портреты семьи короля.

Особенностью в портретах Веласкеса можно выделить отсутствие излишних аксессуаров, жестов. Картины наполнены какой-то воздушностью и бархатистостью.
1630-1640-е года отмечены как плодотворный портретный период художника изображением шутов, карликов. В их портретах он не высмеивает ни их профессию, ни их самих. Картины отмечены даже некой тенью трагизма, так как отображает характер шутов, образ жизни и внутренний мир переживаний. Примеры работ: "Эль Примо", "Менипп ", "Барбаросса". Картина "Венера с зеркалом " стала одним из величайших произведениий испанской живописи.
В 1649 году состоялась вторая поездка Веласкеса в Италию. Она была очень успешна. Там его избрали членом римской Академии св. Луки и общества виртуозов Пантеона. В Риме он создает шедевр - портрет римского папы Иннокентия X . Даже сам папа с удивлением отметил его реалистичность.
1650-е годы можно считать самым плодотворным периодом творчества Веласкеса. Рисует он опять же портреты. Это и члены королевской семьи (королева Марианна Австрийская, инфанта Маргарита , инфант Филипп Просперо). Особо отмечают портрет уже стареющего Филиппа IV.

В 1657 году появляются одни из самых главных творений Веласкеса - картины "Менины " и "Пряхи ". В "Мениных" отображен эпизод придворной жизни. Это достаточно многоплановая по смысловому значению работа. Обе картины написаны без эскизов, Веласкес работал сразу непоседственно на холсте. Богатство изображено во всех проявлениях.

В 1652 году произошло назначение Веласкеса королевским обер-гофмаршалом. Работа была достаточно трудозатратной: приходилось организовывать все празднования при дворце. Во время одного из таких праздников (бракосочетание инфанты Марии-Терезии с французским королём Людовиком XIV) Веласкес тяжело заболел. А 6 августа 1660 года, вернувшись в Мадрид, Диего Веласкес скончался.

Веласкес считался представителем барочной живописи . Он внес огромный вклад не только в ипанскую, но и в мировую историю живописи.

Великий испанский художник Диего де Сильва-и-Веласкес родился в 1599 году в Севилье. Его творчество пришлось на период, который сейчас в искусствоведении известен как «золотой век испанской живописи».

Родители его матери были родом из Португалии. Всего в семье было 8 детей, старшим из которых был Диего. Став взрослыми, Диего и его брат Хуан взяли материнскую фамилию, так как этот обычай был очень популярен у художников тогдашней провинции Андалусия.

Маленький Диего был отдан на обучение в мастерскую Франсиско Эрреры в возрасте 10 лет, так как он очень рано продемонстрировал свой талант. Но учеба его здесь была недолгой - у мастера был отвратительный характер, а мальчик не хотел с ним мириться. Вскоре отец Диего отдает его на обучение другому художнику - Франсиско Пачеко. Время обучения составляло шесть лет. Сам Пачеко был весьма неординарным человеком - при том, что он занимал пост цензора и эксперта по церковной живописи при святейшей инквизиции, он был неплохим рисовальщиком, придерживавшимся школы и .

В школе Пачеко будущий мастер выучил основы своего ремесла и познакомился с такими же талантливыми, как и он, молодыми людьми - будущим скульптором и художником Алонсо Кано и еще одним титаном испанской живописи - Франсиско де Сурбараном.

Диего быстро стал не только учеником, но и членом семьи Пачеко, так как женился на его дочери. В браке родились две дочери, одна из которых, Игнасия, умерла еще крошкой.

После сдачи экзамена на звание мастера при протекции своего тестя, Веласкес стал членом гильдии живописцев Севильи. Ранний период творчества Веласкеса в основном представлен работами в стиле, который называется бодегонес, то есть изображения обычной жизни и посетителей испанских питейных заведений под названием бодега. Уже эти работы говорят о великом живописном даре молодого художника, а его полотна неоднократно копировались и тиражировались как образцы высокого искусства. Особенно известной картиной этого периода является «Водонос» с необыкновенно точным и эффектным изображением воды в каплях.

В этот период на картинах мастера можно заметить сильное влияние полотен с характерным очень темным, почти черным фоном и выступающими из него освещенными частями картины.

Карьерному продвижению Веласкеса способствовали его родственники и знакомые, родом из Севильи. Первая попытка сделать его придворным художником не удалась, но всего пару месяцев спустя они все-таки им стал из-за смерти предыдущего придворного живописца. На пути к новому месту назначения Веласкес написал портрет капеллана Луиса де Гонгора-и-Агорте, благодаря которому стремительно став популярным как портретист среди мадридской знати и богачей.

Умный, молодой король Филипп IV высоко оценил художественный талан Веласкеса. Он принял его на должность, но ему предписывалось работать исключительно для высокопоставленной знати. К тому же головокружительный взлет Веласкеса заставлял других претендентов постоянно строить против него козни.

В 1629 году Веласкес сумел совершить поездку в , где познакомился со множеством знаменитых произведений искусства. Это существенно повлияло на качество его живописи. Ее стиль стал свободнее, естественнее, избавился от чрезмерной черноты и контрастности.

Зрелый период творчества художника характеризуется исполнением многочисленных работ для короля и придворных, призванных украшать покои и дворцы знати. Наиболее известным полотном является «Сдача Бреды» - многофигурная, сложная композиция на историческую тематику.

В 1648 году Веласкесу довелось вторично посетить Италию. Он прибыл туда не только как известный художник, но и как тайный дипломат, посланный к папе римскому. Он выполнил портрет понтифика, потрясший и всю Италию своим реализмом и талантливым изображением.

Еще одна картина этого периода - «Венера перед зеркалом» - совершенно необычна как для самого Веласкеса, так и для испанской живописи в частности. Она полна чувственности и неги, имеет выраженный эротический подтекст, что совершенно противоречит несколько чопорной и сдержанной испанской «католической» живописи.

В 1651 году художник вернулся в . В этот период его жизни были созданы всемирно известные «Менины» и «Пряхи».

Как представитель двора Веласкес принимал непосредственное участие в организации брака дочери испанского короля и короля Франции Людовика XIV.

Скончался художник на 62 году жизни, был похоронен рядом с женой в . Могилы не сохранились, но великие творения мастера пережили столетия.

Мадрид

Диего Веласкес (1599-1660 гг.) – один из величайших художников всех времён.

Самое удивительное, как ему вообще удалось это доказать потомкам.

Он был придворным художником испанского короля. Написав бесчисленное количество его портретов, а также портретов его семейства и придворных.

Как правило, талант в таких условиях чахнет. Ведь нужно писать то, что понравится узкому кругу людей.

Шедевры же создаются по-другому. Гораздо чаще вопреки вкусам окружающих.

Но Веласкесу удалось невозможное. И яркое тому подтверждение – его главный шедевр «Менины».

«Менины» – портал в другой мир

Сюжет «Менин» Веласкеса сложный. Но он поддаётся расшифровке.

5-летняя инфанта (испанская принцесса) пришла в мастерскую художника в сопровождении своей свиты. Она захотела посмотреть, как создаётся портрет её родителей, королевской четы.

Сложность сюжета в том, что Веласкес изобразил эту сцену очень неординарно.

Половина персонажей смотрят на нас. Но на самом деле они смотрят на короля с королевой, которых рисует Веласкес. Поэтому он и стоит рядом с холстом.

О том, что это именно так, мы понимаем благодаря зеркалу за спиной художника.

В зеркале отражается пара. Это Король Филипп IV и его жена Марианна Австрийская.

Для меня эта задумка художника очевидна по одной простой причине.

В верхнем правом углу зеркала отражается красный занавес. Такой же оттенок красной краски мы видим и на палитре художника.

Несмотря на размытость изображения, нам нетрудно определить, что изображены именно Филипп IV и Марианна Австрийская. Слишком уж у них характерные черты. Достаточно посмотреть на другие их портреты.

Портреты Диего Веласкеса. Слева: Марианна Австрийская, Королева Испании. 1655-1657 гг. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид. Справа: Филипп IV, Король Испании. 1644 г. Коллекция Фрика, Нью-Йорк

Веласкес сделал невообразимое. Он показал не тех, кого рисуют. А то, что видят те, кого рисуют. А видят они это нашими глазами. Ведь мы стоим на их месте.

Тем самым художник максимально вовлекает зрителя в пространство картины. И значительно это пространство расширяя. За счёт того, что мир картины виртуозно соединен с нашим миром.

Можно даже выразиться в фантастическом ключе. Два мира: тот, что за дверью и наш мир, соединены происходящим в картине. «Менины» – это портал между двумя мирами.

Невообразимый эксперимент Веласкеса

Сразу возникает вопрос, как Веласкесу удалось осуществить такой эксперимент?

На картине он изобразил испанскую принцессу. Это, конечно, одобрялось.

Но ещё и её свиту. В том числе карликов. Никому до Веласкеса не позволялась такая дерзость.

Задача придворного художника – прославлять короля и его подданных. Изображать доблесть, отвагу и иные качества его Величества. Которых вовсе могло не быть.

Настоящему мастеру это было скучно. К коим Веласкес и относился. И он пытался самовыражаться по мере возможности. А так как Филипп IV ему очень доверял, то художнику это позволялось.

Поэтому Веласкесу удалось создать серию портретов карликов, служивших шутами при дворе. На этих портретах – это не шуты, а обычные люди. Художник не делал различий между ними и людьми из высших сословий.

Другому художнику это бы не сошло с рук. Ведь карлики были по сути рабы, люди без прав. Часто их покупали за деньги, чтобы они служили в господском доме.

Проверьте себя: пройдите онлайн-тест

Автопортрет Веласкеса, «вшитый» в «Менины»

Ещё одну дерзость себе позволил Веласкес. Рядом с семьей короля он изобразил себя.

Известно, что Веласкес был честолюбив. Он выходец из небогатой еврейской семьи, мог позволить себе написать самого себя рядом с принцессой. Для того времени это было величайшим достижением.

Такого себе не мог позволить ни один придворный художник. До Веласкеса.

А после него это сделал лишь . Ему тоже было можно. Вот он стоит у холста позади семьи Карла IV. 150 лет спустя.

О том, что Веласкес честолюбив, нам говорит ещё пару деталей. На момент написания картины мастеру было 57 лет. Но он явно написал себя моложе, лет на 15. Конечно, чтобы соответствовать окружению.

А ещё мы видим на его груди красный крест – это орден Сант-Яго, высшая награда в Испании в 17 веке. Но Веласкес получил его после написания картины.

Считается, что дорисовал орден другой художник по приказу короля уже после смерти Веласкеса. Но я больше склоняюсь к версии о том, что художник сделал это сам.

Слишком уж оттенок креста гармонирует с другими красными оттенками на картине. Особенно сочетается с украшениями на платьях инфанты и фрейлин.

Кто же главный герой картины

Кто главный герой картины, сразу понятно. Инфанта Маргарита.

Именно ее Веласкес выделяет светом. Вернее более светлыми красками, создающими у нас иллюзию того, что девочка больше всех освещена.

Видно, что Веласкес рисует ее с особой нежностью. Розовые щечки, губки. Белокурые, по-детски жиденькие волосы.

Мы знаем, что художник искренне любил девочку. Она не могла не нравится. Несмотря на близкородственный брак ее родителей (ее мать была племянницей ее отцу), каким-то чудом девочка родилась здоровой и миловидной. К тому же имела необременительный для окружающих характер.

Также освещены светом фрейлины инфанты (по испански – менины). Они тоже миловидны. Картина называется в их честь. Но я не думаю, что так Веласкес назвал картину.

Долгое время она числилась в каталогах под названием «Семья Филлипа IV”. Видимо, название «Менины» закрепилось позднее, с лёгкой руки одного из хранителей картины.

В более приглушенном свете мы видим карлицу, няню инфанты. К ней относились при дворе благосклонно. Ведь она ухаживала за Маргаритой с рождения. Которая была на тот момент единственным выжившим ребёнком королевской четы.

Возможно, карлице ставили это в заслугу. Поэтому и наградили орденом. На картине она трогает его рукой и как бы демонстрирует нам.

А рядом с ней ещё один карлик-ребёнок. Он играюче поставил ногу на придворного пса. Дело в том, что лишь карлики могли вести себя раскованно при дворе. Обычный придворный себе такого позволить не мог, обижать пса инфанты.

Интересный факт. Того портрета Филиппа IV и королевы Марианны, который якобы Веласкес пишет в «Менинах», в реальности не существовало. Веласкес его выдумал.

А вот отдельный портрет инфанты Маргариты в этом же платье есть. На фоне того самого красного занавеса.Вопрос, почему? И вот мы приблизились к главной загадке картины…

Главная загадка «Менин»

Почему главные люди, влияющие на жизнь Веласкеса, на картине играют явно второстепенные роли?

Король с королевой лишь отражаются в дальнем зеркале. Маршал стоит в самой дали на лестнице, его черты еле различимы. Ещё один придворный и вовсе в тени.

На этот счёт мне очень импонирует гипотеза замечательного искусствоведа Паолы Волковой.

Все дело в положении Веласкеса при дворе. Со стороны может показаться, что оно было завидным.

Король назначил художника главным постельничим. Его мастерская примыкала к покоям короля. И он не только писал портреты, но и следил за порядком вещей и чистотой ночных горшков.

Для нас это кажется унизительным. Но тогда – нет. Ведь люди искренне верили, что Король – посланник божий. И мытьё за ним горшка – это привилегия, а не унижение.

Может Веласкес в это тоже хотел верить, но подсознательно догадывался о своём унизительном положении.

Да и другие придворные его не жаловали. Как раз за его приближенность к королю. Против него плели интриги.

«Менины» – это скрытый протест. И стремление задвинуть на второй план тех, кто его унижает.

А вот девочка-инфанта была ему близка и мила. Она в силу возраста и характера не желала ему зла. Более искренними были и карлики. И фрейлины. Поэтому они на первом плане.