En général, le drame fait référence à des œuvres destinées à être mises en scène. Ils diffèrent des récits en ce que la présence de l'auteur ne se fait pratiquement pas sentir et qu'ils sont construits sur le dialogue.
Genres de littérature par contenu
Any est un type historiquement établi et développé. C'est ce qu'on appelle un genre (du français genre- genre, espèce). Par rapport aux différents, on peut en citer quatre principaux : lyrique et lyroépique, ainsi qu'épique et dramatique.
- La première, en règle générale, comprend des œuvres poétiques des formes dites petites : poèmes, élégies, sonnets, chansons, etc.
- Le genre épique lyrique comprend les ballades et les poèmes, c'est-à-dire grandes formes.
- Les exemples narratifs (de l'essai au roman) sont des exemples d'œuvres épiques.
- Le genre dramatique est représenté par la tragédie, le drame et la comédie.
La comédie dans la littérature russe, et pas seulement dans la littérature russe, était déjà très activement développée au XVIIIe siècle. Certes, elle était considérée comme d'origine inférieure par rapport à l'épopée et à la tragédie.
La comédie comme genre littéraire
Une œuvre de ce type est un type de drame dans lequel certains personnages ou situations sont présentés sous une forme drôle ou grotesque. En règle générale, il expose quelque chose à l'aide du rire, de l'humour et souvent de la satire, qu'il s'agisse de vices humains ou de certains aspects inesthétiques de la vie.
La comédie en littérature est l'opposition à la tragédie, au centre de laquelle se trouve certainement un conflit insoluble. Et son noble et sublime héros doit faire un choix fatal, parfois au prix de sa vie. Dans une comédie, c'est l'inverse : le personnage est absurde et drôle, et les situations dans lesquelles il se trouve ne le sont pas moins. Cette distinction est apparue dans l'Antiquité.
Plus tard, à l’époque du classicisme, il fut conservé. Les héros étaient représentés selon des principes moraux comme des rois et des bourgeois. Mais néanmoins, la comédie littéraire s'est fixé un tel objectif: éduquer et ridiculiser les défauts. La définition de ses principales caractéristiques a été donnée par Aristote. Il partait du fait que les gens sont soit mauvais, soit bons, diffèrent les uns des autres soit par le vice, soit par la vertu, c'est pourquoi le pire devrait être représenté dans la comédie. Et la tragédie est conçue pour montrer ceux qui sont meilleurs que ceux qui existent dans la vraie vie.
Types de comédies dans la littérature
Le genre dramatique joyeux, quant à lui, comporte plusieurs types. La comédie dans la littérature est aussi un vaudeville et une farce. Et selon la nature de l'image, elle peut aussi être divisée en plusieurs types : comédie de situations et comédie de mœurs.
Le Vaudeville, étant une variété de genre de ce type dramatique, est un spectacle léger avec une intrigue divertissante. Une grande place y est consacrée au chant des distiques et à la danse.
La farce a aussi un caractère léger et ludique. Sa progression s'accompagne d'effets comiques extérieurs, souvent pour plaire à un goût grossier.
Une sitcom se distingue par sa construction sur une comédie extérieure, sur des effets, où la source du rire est des circonstances et des situations confuses ou ambiguës. Les exemples les plus frappants de telles œuvres sont « La Comédie des erreurs » de W. Shakespeare et « Les Noces de Figaro » de P. Beaumarchais.
Une œuvre dramatique dans laquelle la source de l'humour est des mœurs drôles ou des personnages exagérés, des défauts, des vices peut être classée comme une comédie de mœurs. Des exemples classiques d'une telle pièce sont « Tartuffe » de J.-B. Molière, « La Mégère apprivoisée » de W. Shakespeare.
Exemples de comédie dans la littérature
Ce genre est inhérent à tous les domaines de la belle littérature, de l'Antiquité à la modernité. La comédie russe a reçu un développement particulier. En littérature, ce sont des œuvres classiques créées par D.I. Fonvizin (« Mineur », « Brigadier »), A.S. Griboïedov (« Malheur de l'esprit »), N.V. Gogol (« Les joueurs », « L'Inspecteur général », « Mariage »). Il convient de noter que ses pièces, quelle que soit la quantité d'humour et même d'intrigue dramatique, et A.P. Tchekhov s'appelait une comédie.
Le siècle dernier a été marqué par les comédies classiques créées par V.V. Maïakovski, « La punaise de lit » et « Les bains publics ». Ils peuvent être qualifiés d’exemples de satire sociale.
V. Shkvarkin était un comédien très populaire dans les années 1920-1930. Ses pièces « The Harmful Element » et « Someone else's Child » ont été facilement mises en scène dans divers théâtres.
Conclusion
La classification des comédies basée sur la typologie de l'intrigue est également assez répandue. On peut dire que la comédie en littérature est un type de dramaturgie multivarié.
Ainsi, selon ce type, on peut distinguer les personnages de l'intrigue suivants :
- comédie domestique. A titre d'exemple, "Georges Dandin" de Molière, "Le Mariage" de N.V. Gogol ;
- romantique (P. Calderon « Dans ma propre garde », A. Arbuzov « Comédie à l'ancienne »);
- héroïque (E. Rostand « Cyrano de Bergerac », G. Gorin « Til ») ;
- symboliques de conte de fées, comme « La Douzième Nuit » de W. Shakespeare ou « L'Ombre » de E. Schwartz.
De tout temps, l’attention de la comédie a été attirée sur la vie quotidienne et certaines de ses manifestations négatives. Le rire était appelé à les combattre, selon les situations, joyeux ou impitoyable.
32. Caractéristiques d'une intrigue dramatique.
PARCELLE
La concentration des événements est inhabituellement concentrée
C'était le drame qui gravitait vers de telles intrigues, où il y avait une transition brutale d'un événement à un autre avec un résultat brillant et inattendu. Il s'agit d'un tracé circulaire.
La technique de la reconnaissance était souvent utilisée pour une fin inattendue (comédie grecque antique « Œdipe le roi »)
Le principe de reconnaissance a existé jusqu'à la fin du XIXe siècle, c'est-à-dire avant l'apparition du Nouveau Drame.
Nouveau drame :
- Le rôle des parcelles circulaires est affaibli, et parfois elles sont abandonnées
- L'intrigue est structurée de telle manière que même si le héros se suicide, cela n'aboutit à rien.
- « La Mouette » : Treplev se suicide, tandis que d'autres jouaient au loto
- « 3 Sœurs » : l'un des derniers événements : le meurtre de Tuzenbach en duel ; Irina a pleuré, mais la pièce se termine par une conversation sur le travail et un voyage à Moscou
Le drame est toujours un discours.
- "Hamlet" : le fantôme parle de la trahison de Claude.
- Tous les événements tournent autour de ce qui existe dans l'intrigue.
- Les conversations sont de nature purement intellectuelle sur la vie, sur la société en général
- Et le drame du XIXe siècle. gravite vers de tels débats intellectuels, gardant le public en haleine avec eux.
- Tous les événements tournent autour de ce qui existe dans l'intrigue.
Exposition (dans une œuvre narrative) présentation de ce qui s'est passé avant le début de l'action. Une œuvre dramatique est un prologue.
Dans le drame du XVIIe siècle l'exposition n'est plus utilisée. Mais le besoin de contribution demeure. Cela se produit au fur et à mesure que l'action progresse. Et cela s'appelle une exposition diffuse.
L'exposition diffuse se produit lorsque les circonstances qui existent pour comprendre l'action sont révélées dans les conversations et les pensées des personnages (peuvent être décrites par un personnage).
Certaines actions ne peuvent pas être réalisées sur scène (principalement à cause de moyens techniques). Il est difficile, et parfois impossible, de décrire des batailles de masse ; C'est également difficile à représenter lorsque les personnages flottent sur la rivière (mais East y parvient).
Au fond, dans les débuts du théâtre, il y a des choses qui ne peuvent pas être montrées sur scène parce qu'elles sont « dangereuses » pour le public, car elles peuvent avoir un effet néfaste sur lui.
Les théâtres indiens et grecs antiques ne représentaient ni la mort ni le meurtre. Les théâtres indiens antiques ne représentaient pas non plus la prononciation d’une malédiction.
« Médée » : la scène où le mari étrangle les enfants avant de quitter sa femme n'a pas été montrée sur scène.
Ainsi, ces actions sont incluses dans l’intrigue, mais pas dans l’action scénique.
Cornelius « Sid » : Sid se bat et gagne, mais il n'est pas sur scène. Mais Sid lui-même en parle, puisque cette victoire joue un rôle très important - sa persécution et le mariage sont annulés.
Un message court ou long est possible, par conséquent, un texte dramatique avec un discours dialogique peut inclure des éléments narratifs.
La première tragédie utilise des techniques spéciales que la tragédie ultérieure abandonne. Un personnage spécial a été utilisé : les messagers. Ils sont spécifiquement apparus sur scène pour rendre compte des événements en coulisses. Dans le théâtre tardif, ces messages sont répartis entre les personnages, même s'ils ne sont pas complètement abandonnés.
Bien que Shakespeare fasse de nombreux morts, tout cela est montré sur scène, ainsi que des combats.
Ainsi, ces tabous disparaissent progressivement. Au théâtre du XIXe et même du XXe siècle. Il y avait des tabous sur les scènes de sexe.
Le drame comporte des actions de personnages :
Ils ont un monde intérieur, des expériences, des réflexions
Et nous ne les voyons que de l’extérieur, contrairement au récit, où nous les voyons de l’intérieur et de l’extérieur.
Dans les premiers théâtres, la figure d'un ou plusieurs confidents apparaît dans les drames. Ils n’ont presque aucun rôle dans l’intrigue. Leur fonction principale est d'écouter les effusions des héros (leurs peurs, leurs inquiétudes). Souvent, au début du théâtre, il s'agit d'un serviteur ou d'une servante. Ces personnages disparaissent progressivement du drame, même si, par exemple, les amis restent.
Le drame, jusqu'à Tchekhov, est conservé sous la forme d'un monologue intérieur, prononcé en privé ; le discours du personnage, qui se présente comme une réflexion ou une expérience émotionnelle. Cela peut également prendre la forme d'un discours improprement direct (mais dans des pièces non écrites pour le théâtre). Le monologue intérieur est ambigu car il doit s'adresser à quelqu'un.
"Oncle Vanya" - monologue pendant un orage :
Tombe amoureux d'Elena, mais quelque chose n'a pas fonctionné, elle s'est mariée
Il raconte à quel point ce serait merveilleux d'être avec elle à ce moment-là, etc.
L'acteur peut regarder le public, comme s'il riait avec lui, ou il peut ne pas le regarder, comme si nous étions de simples observateurs ou que nous l'écoutions.
Le théâtre des débuts recourt souvent à l'utilisation de mots à côté (l'acteur se détourne pour exprimer une réaction interne).
ORGANISATION DE LA PAROLE DANS LE DRAME
Chaîne de texte dramatique de déclarations de personnages.
- Seul le discours direct est utilisé, interrompu par un petit nombre de remarques.
- Boîte de dialogue du formulaire principal.
Le dialogue se construit à partir d'une série de remarques relativement courtes.
- Les monologues sont également importants, qui se déclinent en deux types :
- Monologues prolongés qui fournissent des réflexions de personnages et impliquent souvent des décisions.
- Des monologues convertis par exemple, il y en a beaucoup dans « Woe from Wit »
Mais le discours s'adresse réellement au public. Les monologues dépassent souvent le cadre de la conversation en cours.
L’époque révolutionnaire est la grande époque, la plus porteuse en termes de quêtes.
Le Théâtre d'art de Moscou, le Théâtre d'avant-garde Mierhold et le Théâtre Tair sont apparus. La scénographie évolue. En France au XVIIIe siècle. le théâtre acquit une importance extraordinaire à la veille et pendant la révolution bourgeoise française.
Changements:
La séparation entre la scène et la salle s'effondre
Des mesures sont prises à l'auditorium
Des pièces révolutionnaires apparaissent
Le théâtre aspire au journalisme (le public est agité)
Par exemple, les pièces de Voltaire véhiculent des messages pédagogiques auprès du public. Au théâtre, il y a toujours une conscience de publicité, la possibilité de s'adresser directement au public.
Mais il n'y a pas d'image narrative-descriptive détaillée dans le drame. Le discours de l'auteur lui-même est ici auxiliaire et épisodique. Il s'agit de listes de personnages, parfois accompagnées de brèves caractéristiques, indiquant l'heure et le lieu de l'action ; des descriptions de la situation scénique au début des actes et des épisodes, ainsi que des commentaires sur les remarques individuelles des personnages et des indications sur leurs mouvements, gestes, expressions faciales, intonations (remarques). Tout cela revient à côté texte d'une œuvre dramatique. Basique son texte est une chaîne de déclarations de personnages, de leurs remarques et de monologues.
D’où certaines limites des possibilités artistiques du théâtre. Un écrivain-dramaturge n'utilise qu'une partie des moyens visuels dont dispose le créateur d'un roman ou d'une épopée, d'une nouvelle ou d'un récit. Et les caractères des personnages se révèlent dans le drame avec moins de liberté et d'exhaustivité que dans l'épopée. "Je suis un drame<...>"Je perçois", a noté T. Mann, "comme l'art de la silhouette et je ressens uniquement la personne racontée comme une image tridimensionnelle, intégrale, réelle et plastique". Dans le même temps, les dramaturges, contrairement aux auteurs d'œuvres épiques, sont contraints de se limiter au volume de texte verbal répondant aux besoins de l'art théâtral. Le moment de l’action représentée dans le drame doit s’inscrire dans le cadre temporel strict de la scène. Et la représentation sous les formes familières au théâtre européen moderne ne dure, comme on le sait, pas plus de trois à quatre heures. Et cela nécessite une taille appropriée du texte dramatique.
Dans le même temps, l'auteur de la pièce présente des avantages significatifs sur les créateurs d'histoires et de romans. Un moment représenté dans le drame est étroitement adjacent à un autre, voisin. Le temps des événements reproduits par le dramaturge au cours de « l'épisode scénique n'est ni compressé ni étiré ; les personnages du drame échangent des remarques sans intervalles de temps notables, et leurs déclarations, comme l'a noté K. S. Stanislavsky, forment une ligne solide et ininterrompue. , à l'aide de la narration, l'action est capturée comme quelque chose de passé, puis l'enchaînement des dialogues et des monologues du drame crée l'illusion du temps présent. La vie parle ici comme de son propre visage : entre ce qui est représenté et le lecteur. il n’y a pas de médiateur-narrateur. L’action est recréée dans le drame avec un maximum d’immédiateté comme sous les yeux du lecteur.- écrivait F. Schiller, - ils transfèrent le présent dans le passé ; tout ce qui est dramatique rend le passé présent.
Le théâtre est orienté vers les exigences de la scène. Et le théâtre est un art public et de masse. Le spectacle affecte directement de nombreuses personnes, qui semblent fusionner en réponse à ce qui se passe devant eux. Le but du théâtre, selon Pouchkine, est d’agir sur la multitude, d’éveiller sa curiosité » et pour cela de capter la « vérité des passions » : « Le théâtre est né sur la place et était un divertissement populaire. Les gens, comme les enfants, exigent du divertissement et de l’action. Le drame lui présente des incidents inhabituels et étranges. Les gens réclament des sensations fortes<..>Le rire, la pitié et l'horreur sont les trois cordes de notre imaginaire, ébranlé par l'art dramatique." Le genre dramatique de la littérature est particulièrement étroitement lié au domaine du rire, car le théâtre s'est renforcé et développé en lien inextricable avec les célébrations de masse, dans une atmosphère de jeu et d'amusement. "Le genre comique est universel pour l'Antiquité", a noté O. M. Freidenberg. La même chose peut être dite du théâtre et de l’art dramatique d’autres pays et d’autres époques. T. Mann avait raison lorsqu’il qualifiait « l’instinct du comédien » de « base fondamentale de toute compétence dramatique ».
Il n’est pas surprenant que le drame s’oriente vers une présentation extérieurement spectaculaire de ce qui est représenté. Ses images se révèlent hyperboliques, accrocheuses, théâtralement lumineuses. "Le théâtre nécessite<...>des lignes larges exagérées à la fois dans la voix, la récitation et dans les gestes, "- écrit N. Boileau. Et cette propriété de l'art scénique laisse invariablement sa marque sur le comportement des héros d'œuvres dramatiques. "Comme s'il jouait au théâtre", commente Boubnov ("Dans les profondeurs inférieures" de Gorki) à propos de la tirade endiablée du désespéré Kleshch, qui, en s'immisçant de manière inattendue dans la conversation générale, lui a donné un effet théâtral. Les reproches de Tolstoï à W. Shakespeare pour l'abondance d'hyperboles, qui prétendument « violeraient la possibilité d'une impression artistique », sont significatifs (en tant que caractéristique du type dramatique de la littérature). "Dès les premiers mots,- il a écrit sur la tragédie du « Roi Lear »,- l’exagération est visible : exagération des événements, exagération des sentiments et exagération des expressions. Dans son évaluation de l'œuvre de Shakespeare, L. Tolstoï avait tort, mais l'idée selon laquelle le grand dramaturge anglais s'est engagé dans l'hyperbole théâtrale est tout à fait juste. Ce qui a été dit à propos du « Roi Lear » peut s'appliquer sans moins de justification aux comédies et tragédies anciennes, aux œuvres dramatiques du classicisme, aux pièces de F. Schiller et V. Hugo, etc.
Au XIX – XX Au cours des siècles où prédominait dans la littérature le désir d’authenticité quotidienne, les conventions inhérentes au théâtre devenaient moins évidentes et étaient souvent réduites au minimum. Les origines de ce phénomène sont ce qu’on appelle le « drame philistin ». XVIII siècle, dont les créateurs et théoriciens étaient D. Diderot et G.E. Moins. Œuvres de grands dramaturges russes XIXème siècle et début XX siècle - A.N. Ostrovsky, A.P. Tchekhov et M. Gorky - se distinguent par l'authenticité des formes de vie recréées. Mais même lorsque les dramaturges se sont concentrés sur la vraisemblance, les hyperboles de l’intrigue, de la psychologie et du discours réel ont été préservées. Les conventions théâtrales se faisaient sentir même dans la dramaturgie de Tchekhov, qui montrait la limite maximale de la « ressemblance avec la réalité ». Regardons de plus près la scène finale de Three Sisters. Une jeune femme a rompu il y a dix ou quinze minutes avec son proche, probablement pour toujours. Il y a cinq minutes, elle a appris le décès de son fiancé. Ainsi, avec la troisième sœur aînée, ils résument les résultats moraux et philosophiques du passé, réfléchissant au son d'une marche militaire sur le sort de leur génération, sur l'avenir de l'humanité. Il est difficilement possible d’imaginer que cela se produise dans la réalité. Mais nous ne remarquons pas l’invraisemblance de la fin des « Trois Sœurs », car nous sommes habitués au fait que le drame change considérablement les formes de vie des gens.
Ce qui précède nous convainc de la validité du jugement de A. S. Pouchkine (tiré de son article déjà cité) selon lequel « l’essence même de l’art dramatique exclut la vraisemblance » ; « En lisant un poème ou un roman, nous pouvons souvent nous oublier et croire que l'incident décrit n'est pas une fiction, mais la vérité. Dans une ode, dans une élégie, on peut penser que le poète a décrit ses sentiments réels, dans des circonstances réelles. Mais où est la crédibilité dans un bâtiment divisé en deux parties dont l'une est remplie de spectateurs qui étaient d'accord etc."
Le rôle le plus important dans les œuvres dramatiques appartient aux conventions de révélation verbale des héros, dont les dialogues et les monologues, souvent remplis d'aphorismes et de maximes, s'avèrent beaucoup plus étendus et efficaces que les remarques qui pourraient être prononcées de manière similaire. situation dans la vie. Les propos conventionnels sont les « à côté », qui ne semblent pas exister pour les autres personnages sur scène, mais sont clairement audibles par le public, ainsi que les monologues prononcés par les personnages seuls, seuls avec eux-mêmes, qui sont une technique purement scénique pour faire ressortir le discours intérieur (il existe de nombreux monologues comme dans les tragédies anciennes et dans la dramaturgie moderne). Le dramaturge, mettant en place une sorte d'expérience, montre comment une personne parlerait si, dans les mots parlés, elle exprimait ses humeurs avec un maximum d'exhaustivité et d'éclat. Et la parole dans une œuvre dramatique présente souvent des similitudes avec la parole artistique, lyrique ou oratoire : les personnages ont ici tendance à s'exprimer comme des poètes-improvisateurs ou des maîtres de la parole en public. Hegel avait donc en partie raison lorsqu’il considérait le drame comme une synthèse du principe épique (l’événementiel) et du principe lyrique (l’expression du discours).
Le théâtre a pour ainsi dire deux vies dans l’art : théâtrale et littéraire. Constituant la base dramatique des spectacles, existant dans leur composition, une œuvre dramatique est également perçue par le public lecteur.
Mais cela n’a pas toujours été le cas. L'émancipation du théâtre de la scène s'est faite progressivement - sur plusieurs siècles et s'est achevée relativement récemment : en XVIII – XIX des siècles Exemples de drames d'importance mondiale (de l'Antiquité à XVIIIe c.) au moment de leur création, elles n'étaient pratiquement pas reconnues comme œuvres littéraires : elles n'existaient que dans le cadre des arts du spectacle. Ni W. Shakespeare ni J.B. Molière n'étaient perçus par leurs contemporains comme des écrivains. Le rôle décisif dans le renforcement de l'idée du drame en tant qu'œuvre destinée non seulement à la mise en scène, mais aussi à la lecture, a été joué par la « découverte » dans la seconde moitié XVIII siècles de Shakespeare en tant que grand poète dramatique. Désormais, les drames commencent à être lus de manière intensive. Grâce à de nombreuses publications dans XIX-XX des siècles les œuvres dramatiques se sont révélées être un type important de fiction.
Au XIXème V. (surtout dans sa première moitié) les mérites littéraires du drame étaient souvent placés au-dessus de ceux de la scène. Ainsi, Goethe croyait que «les œuvres de Shakespeare ne sont pas pour les yeux du corps», et Griboïedov a qualifié de «puéril» son désir d'entendre les vers de «Woe from Wit» sur scène. La diteLesédrame(lire un drame), créé en mettant l’accent principalement sur la perception en lecture. Tels sont le Faust de Goethe, les œuvres dramatiques de Byron, les petites tragédies de Pouchkine, les drames de Tourgueniev, à propos desquels l'auteur disait : « Mes pièces, insatisfaisantes sur scène, peuvent présenter un certain intérêt en lecture. »
Différences fondamentales entre Lesédrame et une pièce orientée par l'auteur vers la mise en scène n'existe pas. Les drames créés pour la lecture sont souvent potentiellement des pièces de théâtre. Et le théâtre (y compris moderne) les recherche constamment et en trouve parfois les clés, comme en témoignent les productions réussies de « Un mois à la campagne » de Tourgueniev (principalement la célèbre représentation pré-révolutionnaire du Théâtre d'art) et de nombreuses (bien que pas toujours réussi) des lectures scéniques des petites tragédies de Pouchkine dans XXe siècle
La vieille vérité demeure d’actualité : le but principal et le plus important du théâtre est la scène. "Ce n'est que lors de la représentation sur scène", a noté A. N. Ostrovsky, "que l'invention dramatique de l'auteur prend une forme complètement achevée et produit exactement cette action morale dont l'auteur s'est fixé comme objectif la réalisation."
La création d'un spectacle basé sur une œuvre dramatique est associée à son achèvement créatif : les comédiens créent des dessins intonatifs et plastiques des rôles qu'ils jouent, l'artiste conçoit l'espace scénique, le metteur en scène développe la mise en scène. À cet égard, le concept de la pièce change quelque peu (plus d'attention est accordée à certains de ses aspects, moins d'attention à d'autres), et est souvent précisé et enrichi : la mise en scène introduit de nouvelles idées dans le drame. sémantique nuances. En même temps, le principe primordial pour le théâtre est lecture correcte littérature. Le metteur en scène et les acteurs sont appelés à transmettre le plus complètement possible l'œuvre mise en scène au public. La fidélité de la lecture scénique se produit lorsque le metteur en scène et les acteurs comprennent profondément l'œuvre dramatique dans son principal contenu, genre, caractéristiques de style. Les productions scéniques (ainsi que les adaptations cinématographiques) ne sont légitimes que dans les cas où il existe un accord (même relatif) du metteur en scène et des acteurs avec l'éventail des idées de l'écrivain-dramaturge, lorsque les acteurs de la scène sont soigneusement attentifs au sens de l'œuvre. mise en scène, aux particularités de son genre, aux particularités de son style et au texte lui-même.
En esthétique classique XVIII – XIX Pendant des siècles, en particulier chez Hegel et Belinsky, le drame (principalement le genre de la tragédie) était considéré comme la forme la plus élevée de la créativité littéraire : comme la « couronne de la poésie ». Toute une série d’époques artistiques se sont en fait manifestées principalement dans l’art dramatique. Eschyle et Sophocle à l'apogée de la culture antique, Molière, Racine et Corneille à l'époque du classicisme n'avaient pas d'égal parmi les auteurs d'œuvres épiques. L’œuvre de Goethe est à cet égard significative. Tous les genres littéraires étaient accessibles au grand écrivain allemand, et il a couronné sa vie artistique avec la création d'une œuvre dramatique - l'immortel Faust.
Au cours des siècles passés (jusqu'à XVIII siècles), le drame a non seulement rivalisé avec succès avec l'épopée, mais est aussi souvent devenu la principale forme de reproduction artistique de la vie dans l'espace et le temps. Cela est dû à un certain nombre de raisons. Premièrement, l'art théâtral a joué un rôle énorme, accessible (contrairement aux livres manuscrits et imprimés) aux couches les plus larges de la société. Deuxièmement, les propriétés des œuvres dramatiques (représentation de personnages aux traits clairement définis, reproduction des passions humaines, attirance pour le pathétique et le grotesque) des époques « préréalistes » correspondaient pleinement aux tendances littéraires et artistiques générales. Citation de : Lecteur sur l'histoire du théâtre d'Europe occidentale / Comp. et éd. S. Mokulsky : En 2 volumes, 2e éd. M. ; L., 1953. T. 1. P. 679.
Tolstoï L.N. Complet collection cit. : En 90 tomes M., 1950. T. 35. P. 252.
Pouchkine A.S. Complet collection cit. : En 10 volumes T. 7. P. 212.
Goethe I.V.À propos de l'art. pp. 410-411.
Tourgueniev I.S. Collection cit. : V. 12 t. M., 1956. T. 9. P. 542.
Ostrovski A.N. Complet collection cit. : En 12 tomes M., 1978. T. 10. P. 63.
Les œuvres dramatiques sont organisées par les déclarations des personnages. Selon Gorki, « la pièce exige que chaque unité d'acteur soit caractérisée en paroles et en actes indépendamment, sans incitation de l'auteur » (50, 596). Il n’y a pas d’image narrative-descriptive détaillée ici. Le discours de l'auteur lui-même, à l'aide duquel ce qui est représenté est caractérisé de l'extérieur, est auxiliaire et épisodique dans le drame. Il s'agit du nom de la pièce, de son sous-titre de genre, d'une indication du lieu et de l'heure de l'action, d'une liste de personnages, parfois
accompagnés de leurs brèves caractéristiques sommatives, des actes et épisodes précédents, des descriptions de la situation scénique, ainsi que des indications scéniques données sous forme de commentaire des remarques individuelles des personnages. Tout cela constitue le texte secondaire d'une œuvre dramatique. Au fond, son texte est une chaîne de remarques dialogiques et de monologues des personnages eux-mêmes.
D'où certaines limites des possibilités artistiques du théâtre. Un écrivain-dramaturge n'utilise qu'une partie des moyens visuels dont dispose le créateur d'un roman ou d'une épopée, d'une nouvelle ou d'un récit. Et les caractères des personnages se révèlent dans le drame avec moins de liberté et d'exhaustivité que dans l'épopée. "Je... perçois le drame", a noté T. Mann, "comme l'art de la silhouette et je ressens uniquement la personne racontée comme une image tridimensionnelle, intégrale, réelle et plastique." (69, 386). Dans le même temps, les dramaturges, contrairement aux auteurs d'œuvres épiques, sont contraints de se limiter au volume de texte verbal répondant aux besoins de l'art théâtral. Le temps de l’intrigue dans un drame doit s’inscrire dans le cadre strict du temps de scène. Et la représentation sous des formes familières au théâtre européen ne dure, comme on le sait, pas plus de trois à quatre heures. Et cela nécessite une taille appropriée du texte dramatique.
Dans le même temps, l'auteur de la pièce présente également des avantages significatifs par rapport aux créateurs d'histoires et de romans. Un moment représenté dans le drame est étroitement adjacent à un autre, voisin. Le temps des événements reproduits par le dramaturge lors de l'épisode scénique (voir chapitre X) n'est ni compressé ni étiré ; les personnages du drame échangent des remarques sans intervalle de temps notable et leurs déclarations, comme le notait Stanislavski, forment une ligne solide et ininterrompue. Si, à l'aide de la narration, l'action est capturée comme quelque chose du passé, alors la chaîne de dialogues et de monologues du drame crée l'illusion du temps présent. La vie parle ici comme pour elle-même : entre ce qui est représenté et le lecteur, il n'y a pas d'intermédiaire : le narrateur. L'action du drame se déroule comme sous les yeux du lecteur. « Toutes les formes narratives, écrit F. Schiller, transfèrent le présent dans le passé ; tout ce qui est dramatique rend le passé présent. (106, 58).
Le genre dramatique de la littérature recrée l'action avec
spontanéité maximale. Le théâtre ne permet pas de présenter des caractéristiques sommaires des événements et des actions qui remplaceraient leur détail. Et c'est, comme l'a noté Yu. Olesha, "un test de rigueur et en même temps l'envolée du talent, le sens de la forme et tout ce qui est spécial et étonnant qui fait le talent". (71, 252). Bounine a exprimé une pensée similaire à propos du théâtre : « Nous devons compresser les pensées sous des formes précises. Mais c’est tellement excitant.
Caractéristiques de l'étude des œuvres dramatiques
1. Le drame comme sorte de littérature. Signes et caractéristiques de type dramatique.
Le théâtre est l'un des trois types de littérature, avec la poésie épique et lyrique, et appartient simultanément à deux types d'art : la littérature et le théâtre.
Le drame désigne l'un des genres dramatiques. Le théâtre est destiné à la scène. Les moyens de créer des images sont des moyens scéniques. Principales caractéristiques du drame : 1 Reproduit des événements extérieurs à l'auteur (proximité avec l'épopée).
2 dialogique.
3 objectivité.
4 maîtrise l'action
L’action dramatique est la réaction émotionnelle volontaire d’une personne. Le théâtre imite l'action par l'action plutôt que par l'histoire (Aristote).
5 Le drame se caractérise par des situations conflictuelles aiguës dans lesquelles les personnages révèlent leurs personnages. Le drame s'est formé dans la Grèce antique, à Athènes, dans les œuvres de Sophocle, Aristophane, Eschyle et d'autres. Il y a eu un effondrement des relations sociales et de la conscience publique. Il fallait une forme qui maîtriserait rapidement les conflits sociaux. Les œuvres dramatiques, comme les œuvres épiques, recréent des séquences d'événements, les actions des personnes et leurs relations. L'auteur dramatique est soumis à la loi de l'action évolutive. Mais il n'y a pas d'image narrative-descriptive détaillée dans le drame. En conséquence, le discours de l’auteur ici est auxiliaire et épisodique. Il s'agit de listes de personnages (parfois accompagnées d'une brève description), d'une indication de l'heure et du lieu de l'action et de indications scéniques. Tout cela n’est qu’un texte parallèle au projet dramatique. Le texte principal est une chaîne de déclarations de personnages, de leurs remarques et de monologues. D’où des possibilités dramatiques limitées. Un écrivain-dramaturge n'utilise qu'une partie des moyens visuels disponibles pour créer un roman, une épopée, une histoire, une histoire. => le caractère des personnages se révèle dans le drame avec moins de liberté et d'exhaustivité que dans l'épopée. Mais l'auteur d'une pièce de théâtre présente des avantages significatifs sur les créateurs d'histoires et de romans. Un moment représenté dans le drame est étroitement adjacent au suivant. Le temps des événements reproduits tout au long de l’épisode scénique n’est ni compressé ni étiré. La vie parle ici comme d'elle-même : entre ce qui est représenté et le lecteur, il n'y a pas de narrateur intermédiaire. Le théâtre est orienté vers les exigences de la scène. Et le théâtre est un art de masse. Il n’est pas surprenant que le drame s’oriente vers une présentation extérieurement efficace de ce qui est représenté. Ses images sont hyperboliques et accrocheuses. Et cette propriété de l'art scénique laisse invariablement son empreinte sur le comportement des personnages.
La base du drame est l’action. Contrairement à l'épopée, où l'action est décrite comme s'étant produite dans le passé, l'action du drame se déroule dans le temps présent, se déroule directement sous les yeux du spectateur, caractérisé par l'activité, la continuité, la détermination et la compacité. En d'autres termes, le drame reproduit l'action elle-même réalisée par les héros, et ne raconte pas cette action. L'action se montre à travers le conflit qui est au centre de l'œuvre dramatique, qui détermine tous les éléments structurels de l'action dramatique (en particulier, la composition de la pièce est soumise à la révélation du conflit). Inextricablement liés l’un à l’autre, l’action dramatique et le conflit constituent les principales caractéristiques du drame en tant que genre littéraire. Le développement de l'action et du conflit se manifeste dans l'organisation intrigue de l'œuvre. Dans un drame classique, il n'y a pas d'ampleur et de diversité d'intrigue, comme dans une œuvre épique. Dans une intrigue dramatique, seuls les événements clés et marquants du développement de l'action et du conflit sont concentrés. Dans les œuvres dramatiques, l'intrigue se caractérise par une tension et un développement rapide, ainsi qu'une plus grande nudité du conflit. Un conflit dramatique, reflétant des contradictions historiques et universelles spécifiques, révélant l'essence du temps, les relations sociales, s'incarne dans le comportement et les actions des personnages et, surtout, dans les dialogues, les monologues et les remarques. Le dialogue dans le drame est le principal moyen de développer l'action et le conflit et la principale manière de représenter les personnages (les fonctions les plus importantes du dialogue dramatique). (En prose, le dialogue est combiné avec le discours de l'auteur.) Il révèle la vie externe et interne des personnages : leurs points de vue, leurs intérêts, leur position et leurs sentiments dans la vie, leurs expériences, leurs humeurs. En d'autres termes, le mot dans le drame, étant vaste, précis, expressif, riche en émotions, un mot-action, est capable de transmettre toutes les caractéristiques des personnages. Une forme de caractérisation du discours des personnages d'un drame est également un monologue - le discours du personnage adressé à lui-même ou à d'autres, mais, contrairement au dialogue, ne dépend pas de remarques de réponse. En prose, le monologue ne joue pas le rôle le plus important, mais il prédomine dans les paroles. Dans un drame, un monologue révèle les idéaux, les croyances des personnages, leur vie spirituelle et la complexité de leur caractère.
2. Méthodes et techniques pour travailler sur une œuvre dramatique
Au stade initial de l'étude d'une œuvre dramatique, simultanément à la clarification du conflit principal, les étudiants se familiarisent d'abord avec les personnages, avec le rôle qu'ils jouent dans la lutte. On peut se poser la question de leurs regroupements. Le chemin vers la clarification du conflit principal est également ouvert en établissant les limites de la pièce - où elle a commencé et comment elle s'est terminée, ce qui contribue à clarifier la vision globale de la pièce.
Une grande attention est portée à l'attractivité de la classe sur le temps couvert par la pièce. Le temps du spectateur et le temps de l'action de la pièce semblent se confondre, mais des jours, des semaines, voire des années s'écoulent entre les phénomènes.
Par exemple, l'action de "Woe from Wit" couvre la période du matin au soir, bien qu'au théâtre elle soit compressée à plusieurs heures. Deux semaines s'écoulent entre les actions III et 1U de « L'Orage ». Les élèves devraient apprendre que dans le théâtre, ce n’est pas seulement ce qui se passe dans l’action elle-même qui est important entre les actions.
Pour l'analyse en classe, l'enseignant doit sélectionner des phénomènes supports qui déterminent le développement de l'action. Il ne faut pas oublier l'explication des mots peu clairs ; et des commentaires historiques et théâtraux, présélectionnez ce que vous voulez lire par vous-même et quand allumer le lecteur.
Les méthodes et techniques de travail sur le théâtre sont variées.
1. « Point de vue du public », focus sur la perception visuelle. Les écoliers doivent s'imaginer mentalement en train de voir la pièce ; à cet effet, il est utile d'utiliser des fragments de souvenirs de représentations.
2. Il est important d'inciter les élèves à IMAGINER ce qui se passe sur scène pour cela afin de suggérer la situation : « Imaginez, vous êtes assis sur scène » (avant le début de l'acte 1 de « L'Orage »).
Réponse : les vastes étendues de la région Trans-Volga, les étendues de la Volga, qui font s'exclamer Kuligin : la vue est extraordinaire, la beauté - l'âme se réjouit ! ou "Comment imaginez-vous le maire au moment où il entre dans la chambre de Khlestakov ?"
Une autre technique qui encourage les élèves à pénétrer le texte de la pièce est la création de mises en scène imaginaires, c'est-à-dire Les écoliers sont invités à réfléchir à la manière dont ils positionneraient les personnages à un moment donné de l'action, à imaginer leurs positions, leurs gestes et leurs mouvements.
Par exemple, avant le début de l'acte IV « Aux Bas-Fonds », Gorki indique où et dans quelle position se trouve chacun des personnages au moment où le rideau s'ouvre. Mais au fur et à mesure que l'action se déroule, la localisation des personnages sur scène change ; dans quels cas, pourquoi et comment cela se produit-il ? Cartographiez ces scènes.
Le cœur du travail sur chaque acte est l'observation cohérente du développement de l'action, la logique interne de ce développement dans un acte donné. L'observation par les élèves du développement de l'action doit être indissociable de la compréhension des caractères des personnages. Ceci est facilité par les questions suivantes : « Tikhon et Varvara s'adressent à Kabanikha comme « vous » et Katerina comme « vous ». Pourquoi?
Lors de l'analyse du drame, le sujet d'une attention constante est discours le personnage, son originalité, puisque le caractère du personnage, son visage social et son état d’esprit se révèlent par la parole. En écoutant, par exemple, comment Katerina parle de sa vie à sa mère, on pourra la juger. "J'ai vécu... comme un oiseau dans la nature... tout ici semble provenir de la captivité." Nous comprenons à quel point elle s'est sentie bien, comment elle a arrosé les fleurs, avec quel tendre souvenir elle se souvient de tout cela. Dans son discours, il y a beaucoup de mots et d'expressions associés aux idées religieuses et à la vie quotidienne : temples, prières, anges, elle sent le cyprès, car elle a grandi dans une famille patriarcale, elle ne peut être autre chose.
La façon dont la parole est prononcée joue un rôle important dans la façon dont elle s’adresse. Le discours du gouverneur sonne différemment lorsqu'il s'adresse à Lyapkin-Tyapkin, Strawberry ou Khlopov.
Nous devons nous rappeler que le choix des mots et leur son - intonation sont directement liés au SOUS-TEXTE. Révéler le sous-texte signifie révéler l'essence de la pièce, la relation entre les raisons des actions du personnage et leur manifestation extérieure. Si les étudiants apprennent à comprendre le sous-texte, nous élevons alors un bon lecteur et spectateur.
Il ne faut pas oublier que lors de l'analyse d'une pièce, le discours des personnages, ainsi que les remarques des auteurs, l'affiche et la remarque qui y est associée sont d'une grande importance (les étudiants le manquent souvent en lisant à cet effet ce qui suit). les tâches sont importantes : faire une remarque pour les acteurs à l'instar de Gogol le fait dans « L'Inspecteur général » ou « Que dit la mise en scène dans le deuxième acte de « L'Orage » dans la scène des adieux de Katerina à son mari. »
La lecture expressive est d'une grande importance lorsque l'on travaille sur une pièce de théâtre. Dans ce cas, l'élève passe de la position de spectateur à la position d'interprète.
L'auteur et son attitude face à ce qui se passe est la principale question à laquelle est confrontée l'étude de toute œuvre. Dans une œuvre dramatique, la position de l'auteur est plus cachée que dans des œuvres d'un autre genre. Pour cela, l'enseignant doit : attirer l'attention des élèves sur les commentaires faits par l'auteur à l'intention des comédiens et les inviter à réfléchir sur le rapport de l'écrivain à ses personnages ? Ou il propose de répondre à la question : « Comment Ostrovsky force-t-il le spectateur qui regarde l'acte 3 à justifier Katerina ?
Dans le processus d'analyse des observations obtenues, l'enseignant doit généraliser à cet effet des questions sommatives importantes, telles que : « Qu'avons-nous appris sur la vie du chef-lieu ? Comment les fonctionnaires de la ville se sont-ils présentés devant nous ? Quelle est la nature des mesures prises à Gorodnichy ? ou "Qu'est-ce que les personnages de Dikoy et Kabanikha ont en commun et quelles sont leurs différences ? Pourquoi un conflit entre Katerina et le monde de Kabanova est-il inévitable ?"
Lors des leçons finales, les questions auxquelles les élèves cherchaient des réponses dans le processus d'analyse du drame se présentent sous une forme généralisée.
La leçon finale, en effet, commence par un travail sur la dernière action de la pièce, lorsque le conflit est résolu et que l'auteur-dramaturge, pour ainsi dire, résume. A cet effet, la lecture expressive par les élèves revêt une importance particulière : il s'agit d'un test de la profondeur de leur compréhension des caractères des personnages.
La lecture par rôle montre également le degré de compréhension des élèves d'une œuvre dramatique. Un enseignant peut aborder la répartition des rôles de différentes manières. Les devoirs pour une telle leçon peuvent être une description écrite ou orale du personnage dont l'élève jouera le rôle.
Lors des cours finaux, il y a des concours pour les récitateurs de scènes individuelles, l'histoire scénique du drame, le visionnage de l'adaptation cinématographique et la discussion de celle-ci.
Questions de théorie littéraire
Dans le cadre de l'étude du théâtre, l'étudiant doit maîtriser un certain nombre de concepts théoriques et littéraires. Plusieurs d'entre eux devraient être inclus dans le vocabulaire actif des écoliers : acte, action, phénomène, monologue, dialogue, liste de personnages, remarques. Au fur et à mesure que les élèves pénètrent dans le théâtre, le vocabulaire des écoliers se reconstitue : conflit, intrigue, exposition, intrigue, point culminant, dénouement, genres : comédie, drame, tragédie. jeu, performance. Une représentation n’est pas une illustration d’une pièce de théâtre, mais une nouvelle œuvre d’art créée par le théâtre, interprétant à sa manière les pièces du dramaturge.