Portret w sztuki piękne XX w. Prezentacja ucznia klasy 6A
szkoła nr 1
Topki
Malgiczowa Konstantina

Gatunek portretowy

Cechy portretów XX wieku

Portrety malowane w XX wieku przez znanych artystów

Rosyjski artysta Petrov-Vodkin Portret Anny Achmatowej

Francuski artysta Henri Matisse (portret Delectorskiej)

Hiszpański artysta Pablo Picasso (portret Olgi)

Auguste Renoir (francuski artysta) Portret Claude'a Moneta (artysta)

Włoski artysta Amadeo Modigliani (Joan Hebuterne)

Holenderski artysta Vincent van Gogh (Autoportret z fajką)

Największym malarzem w historii sztuki jest hiszpański artysta Salvador Dali. (po lewej AUTOPORTRET, po prawej jego zdjęcie

SALVADOR DALI (portret GALI z kłami nosorożca)

Cechy portretu w twórczości K.A. Korovin na przykładzie dwóch dzieł „Dama z lampą” i „Dwie panie na tarasie”

1.2 Cechy portretów rosyjskich z początku XX wieku. Artyści portretowi

W historii Rosji kultura artystyczna Początek XX wieku był jednym z najświetniejszych okresów – owocnego, różnorodnego i szybkiego rozwoju. Na początku XX wieku nadal pracowali malarze starszego pokolenia. Ale ważne jest nie tylko to, ile było genialnych talentów, ale ważna jest ich niesamowita różnorodność, która charakteryzuje ogólny obraz tamtych czasów.

Artyści poszukiwali innych sposobów rozumienia świata. Niektórzy wierzyli, że mogą uzyskać bezpośredni, nieskomplikowany obraz natury. Zaniedbanie analizy public relations i złożoność ludzkiej psychiki, odsłoniły cichą poezję codzienności. Inni, chcąc nadać coś w rodzaju „artystycznej formuły” nowoczesności, zintensyfikowali obraz, koncentrując w nim intensywność uczuć ludzi nowego stulecia.

Nowe czasy – czas wielkich nadziei i osiągnięć – zrodziły potrzebę monumentalny styl, w syntezie sztuk. Artyści marzyli o sztuce, która wkroczy w życie, w codzienność ludzi i będzie w stanie kształtować wyobrażenie o świecie i charakter człowieka.

Zainteresowanie syntezą, sztuką „chóralną” zostało żywo ucieleśnione scenografia teatralna, które na początku XX wieku przeżyło niespotykany dotąd dobrobyt. Upodobanie do monumentalizmu nie oznaczało odrzucenia sztalugowych form malarskich. Realizowano to przede wszystkim w prace sztalugowe, ponieważ możliwości rozwoju monumentalne malarstwo jako takie były zbyt ograniczone. Charakter malarstwa sztalugowego bardzo się zmienił, a to z kolei wpłynęło na charakter rozwoju malarstwa dekoracyjnego, użytkowego i sztuki monumentalne. Złożone, sprzeczne relacje różne formy kreatywność artystyczna stać się specyficzna cecha sztuka pierwszych dekad XX w.

Na przełomie wieków są trzy największy artysta V. Serow, M. Vrubel, K. Korovin.

Portret Michaiła Vrubela różni się od portretów Sierowa i Korovina, którzy malowali w stylu realizmu. Próbuje wypracować swój własny, oryginalny styl artystyczny.

Vrubel malując portret operuje symbolami.

Na początku XX wieku jako pierwszy zwrócił się w stronę symboliki.

Artysta znakomicie posiadał dar przekazywania chwilowej natury wieczności.

Vrubel nie myślał codziennymi kategoriami otaczającego go życia, w swoich portretach operuje koncepcjami „wiecznymi”, marzeniami o poszukiwaniu prawdy i piękna. W jego twórczości fantazja łączy się z rzeczywistością, natura jest obdarzona zdolnością odczuwania i myślenia oraz ludzkie uczucia wzmocniony.

W swoich portretach artysta ukazywał światło i ciemny początek ludzka dusza, możliwość ich jednoczesnego istnienia i przenikania się. Temat ten jest dobrze rozwinięty w pracy „Dziewczyna na tle perskiego dywanu” i innych obrazach z późniejszego okresu (il. 1). Staram się przekazać jak najdokładniej stan wewnętrzny modelu Vrubel dokonał prawdziwych odkryć w tej dziedzinie formę artystyczną. „Fasetował” postacie i twarze ich płaszczyznami, konstruując ich kształt. Rozumiał wewnętrzną wartość kolorowej plamy i starał się, aby kolory na jego płótnach lśniły wewnętrznym światłem.

Vrubel wyprowadził obraz osoby z mocy codziennej konkretności, uogólniając go na rzecz stworzenia symbolu, który pochłonąłby duże ludzkie namiętności, cierpienie i nadzieja. Trudne przejście Vrubela do sztuki nastąpiło szybko i nieodwołalnie.

Kolejnym znaczącym malarzem przełomu wieków jest Walentin Sierow. Począwszy od lat 80. XIX wieku aż do końca życia Sierow szedł naprzód i przewodził innym rosyjskim mistrzom.

Pracując nad portretem, Sierow zobaczył najwyższy cel artysta. Swoje obrazy przełożył na szeroką uniwersalną płaszczyznę ludzką, wyrażając w nich koncepcje młodości, piękna i szczęścia.

Jego malarstwo zdawało się uśmiechać, zachwycać słońcem i powietrzem, mienić się czystymi kolorami. Sierow nauczył się wyrażać coś wielkiego w małych rzeczach.

Najwięcej posiada Walentin Sierow słynne portrety ten czas. Jednym z nich jest „Dziewczyna z brzoskwiniami” (il. 2). „W miarę jak widz stopniowo wgłębia się w treść obrazu, zaczyna rozumieć, że to nie tylko portret, ale chwila wyrwana z życia. Obraz stworzony przez artystę jest pełen życia, ciszy i spokoju” Sarabyanov D. Rosyjscy malarze początku XX wieku. - L.: Aurora, 1973, s. 17..

Innym przykładem jest „Dziewczyna oświetlona przez słońce” (il. 3.). Artysta prezentuje w nim mistrzostwo światła. Za pomocą pędzli i farb potrafił ukazać piękno i harmonię świata w społecznym toku życia codziennego. Sierow bardzo poważnie podchodzi do pracy nad portretem, nie dbał o zewnętrzne podobieństwo, ale o wewnętrzny świat modela. Z biegiem czasu spojrzenie artysty na modelkę stało się silniejsze i ostrzejsze. Sierow daje ostrą, niemal groteskową charakterystykę modela. Jednocześnie tworzy formy heroizmu i piękna. Artysta bardzo często maluje portrety artystów, pisarzy i aktorów. Sam akt patrzenia wyrazi ideę piękna osoby, będąc świadkiem jej zdolności twórczych, wskazujących na mistrza.

Później prace Sierowa wprowadzają nas w problem „ duży styl" Według Serowa jest to jedyny styl, w którym należy się czuć szkic ołówkiem i w portrecie. To jest nowy trend rozwój sztuki XX wieku znalazł odzwierciedlenie w malarstwo portretowe Walentyna Serowa.

Trzecim artystą był Konstantin Korovin. Swoją twórczością szybko wpłynął na rozwój malarstwa rosyjskiego.

Jego droga twórcza była spójna. Artysta od samego początku podążał w stronę impresjonizmu. Osiągnięcie, podobnie jak Serow, bezpośredniości reprodukcji natury i czystości koloru. Przez cały czas ścieżka twórcza artysta opracował swoje zasady wczesna twórczość. Korowin malował pejzaże i portrety. Ale częściej zwracał się do gatunku portretu tematycznego. Przykładem jest płótno Korovina „U Otwórz okno. Portret córek F.I. Chaliapina” (il. 4.).

Pracując nad portretem, Korovin preferował szkic jako formę malarstwa sztalugowego, co zbiegło się z jego impresjonistycznym naciskiem na naturę. Francuzi, którzy zostali nauczycielami Korovina, pomagają mu zrozumieć wszystkie bogate możliwości koloru.

Natura obdarzyła artystę rzadkim darem kolorystycznym, który artysta wysoko rozwinął. Nienagannie opanowując sztukę malarską, zawsze podporządkowując harmonię i wielobarwną paletę świata, tworzył obrazy afirmujące życie, sławiące życie i jego kolory. Już w szkole ugruntowała się reputacja Korovina jako kolorysty.

Motywy, które wybrał Korovin, dały mu powód do dekoracyjnych decyzji dla wielu jego partnerów.

Prawie każde płótno artysty ma swoje własne, choć niewielkie, kolorowe „znalezisko”, własne odkrycie. Pisał szybko i realistycznie, łatwo i swobodnie. W jego portretach można wyczuć odwagę, inspirację, uwielbienie natury, dokładny „hit”, który jeszcze za życia artysty sprawił, że krytycy mówili o „absolutnym oku Konstantina Korovina”.

Twórczość Korovina była najlepszy przykład narodowy wyraz impresjonistycznego portretu, który stał się własnością malarstwa na początku XX wieku.

To właśnie ci trzej artyści W. Serow, M. Vrubel, K. Korovin najsilniej wpłynęli na rozwój portretu jako gatunku. Żyjąc na przełomie wieków, każdy z tych malarzy stworzył własne portrety nowy styl. Ich następcy stali się naśladowcami.

Tak więc Michaił Vrubel był pierwszym artystą, który malował w stylu symboliki. Metoda twórcza Vrubela była inna – pociął figury na płaszczyzny i uzyskał nowe brzmienie plamy barwnej.

Valentin Serov w swoich portretach podaje jasny opis wewnętrzny świat osoba. Na płótnie, ale uchwyci moment w życiu.

Konstantin Korovin wprowadził impresjonizm i szkicowanie do rosyjskiego portretu, w pracach artysty kolor jest szczególnie dokładnie i wyraźnie wyrażony.

Zapewnili wszyscy trzej artyści ogromny wpływ dla formacji metoda twórcza nawzajem. Tak więc, dzięki przyjaźni z Korovinem, we wczesnych portretach Sierowa widać lekką nutę impresjonizmu, a Vrubel zajmuje się rzeźbieniem postaci za pomocą pociągnięć pędzla i poszukiwaniem rozwiązania kolorystycznego.

Tak więc, dzięki twórczej symbiozie M. Vrubela, V. Serova, K. Korovina, pojawia się nowy portret, odmienny od wcześniejszego, charakterystyczny dla początku sztuki XX wieku. Triumwirat tych artystów powstały na przełomie wieków zadecydował o najważniejszych sukcesach w sztuce Sarabyanova D. malarzy rosyjskich początku XX wieku. - L.: Aurora, 1973, s. 17..

"wiek srebrny" kultura rosyjska

1.1 Poezja Początek XX wieku to okres rozkwitu poezji rosyjskiej, czas pojawienia się jasnych kreatywne osoby tacy jak K. Balmont, A. Blok, S. Jesienin, I. Siewierianin, N. Gumilew, A. Achmatowa, M. Wołoszyn, A. Bieły i inni poeci...

Wkład kultury i sztuki XX wieku w cywilizacja światowa

Kultura Rusi X wieku

Pierwszym wydarzeniem narodowym, przewyższającym skalą wszystkie wewnątrzplemienne sprawy lokalnych książąt, było poliudye. Nic dziwnego Rosyjskie słowo wszedł zarówno do języka greckiego Cezara, jak i do języka sag skandynawskich...

Życie kulturalne i duchowe społeczeństwa rosyjskiego w XIX wieku

Początek XIX w. to czas rozkwitu kulturalnego i duchowego w Rosji, któremu (szczególnie na początku) sprzyjała polityka Aleksandra I – polityka „oświeconego absolutyzmu”. Główny wydarzenia historyczne jego epoka...

Kulturowy aspekt rozwoju Zachodnia Europa początek XIX wiek

W XIX wieku nastąpiła formacja społeczeństwo przemysłowe. Powstał w XVIII wieku i istniał do połowy XX wieku. Kultura europejska nie mogła powstrzymać się od reakcji na zmiany gospodarcze i społeczne w społeczeństwie...

Niezwykły wzrost Kultura narodowa w pierwszej połowie XIX wieku. pozwoliło nam nazwać ten czas „złotym wiekiem”. Jeśli w rozwoju gospodarczym i społeczno-politycznym Rosja pozostawała w tyle za zaawansowanymi państwami europejskimi...

Kultura rosyjska końca XX wieku. Architektura postmodernistyczna

Kultura poradzieckiej Rosji(od lat 90. XX w. – początków XXI w.) jest złożona i sprzeczna. Z częściowym osłabieniem wpływu aparat państwowy, z politycznym i ideologicznym systemem wielopartyjnym...

Rosyjskie malarstwo portretowe XIX wieku

Portret rosyjski z XVIII wieku

Od połowy 17 do połowy XVIII wieku przez wieki portret był własnością głównie kręgów dworskich - czy to pomnik królewski „parsuna”, ceremonialny portret cesarski, czy też wizerunki osób w ten czy inny sposób bliskich najwyższej władzy...

Kreatywność A.K. Savrasowa

Kreatywność I.I. Szyszkina

Sztuka zawsze z wyczuciem reaguje na wszystkie kwestie nurtujące społeczeństwo. Dokładnie oddaje wzrost ducha ludu, świadomości narodowej, walki rewolucyjnej...

Twórczość impresjonistów jako przejaw niespójności epoki historycznej

Najstarsze malowane portrety

W Starożytny Egipt, Starożytna Grecja I Starożytny Rzym zgodnie z kaprysami Muzy rzeźba była bardziej popularne niż malarstwo. DO prace malarskie obejmują portrety Fajum znalezione w środkowym Egipcie - obrazy najpiękniejszych mieszkańców Egipt rzymski I-IV wieki naszej ery: Egipcjanie, Grecy, Nubijczycy, Żydzi, Syryjczycy, Rzymianie.

Oblicza średniowiecza

W średniowieczu portret zaczął przenikać do malarstwa sztalugowego małymi, sugestywnymi krokami. Pierwszym (a więc najsłynniejszym) zachowanym dziełem tego typu jest Portret Jana Dobrego (ok. 1349 r.).

Poza Europą

Średniowieczny portret chiński (zwłaszcza okres Song, X-XIII w.) wyróżnia się uderzającą specyfiką. Mimo podporządkowania się ścisłemu kanonowi typologicznemu, luminarze średniowieczne malarstwo z Cesarstwa Niebieskiego stworzyli wielu jasnych, zindywidualizowanych portrety psychologiczne. Ponadto wysokie przykłady miniatur portretowych (choć trochę nietypowe dla europejskiego oka) zostały stworzone przez mistrzów Azja centralna, Azerbejdżan, Afganistan, Iran, Indie.

Portret renesansowy

W okresie renesansu nastąpił punkt zwrotny sztuka portretowa, który ponownie zajął eksponowaną pozycję, nadrabiając czas stracony w czasach neurastenicznego średniowiecznego obskurantyzmu. Człowiek renesansu rozluźnił kajdany religii i uwierzył w siłę jednostki, zaczął uważać się za miarę wszystkiego, zapominając o gorzkiej lekcji Wieży Babel.

Nowa ideologia wymagała nowej konstrukcji portretu. Portreciści renesansowi w dużej mierze idealizowali model, ale jednocześnie z pewnością starali się zrozumieć istotę przedstawianej osoby - i to był krok naprzód. Artysta, przedstawiając swojego bohatera w określonym środowisku, lepiej odnalazł miejsce dla swojego modelu w przestrzeni. Zmiana reżysera pociąga za sobą zmianę scenerii: konwencjonalne, surrealistyczne tło średniowiecza zostaje zastąpione wnętrzem lub pejzażem. Komunikacja między przedstawioną osobą a bohaterowie fikcyjni(mitologiczne i ewangeliczne) staje się normą. W monumentalne obrazy Wśród innych postaci obrazu artysta często przedstawia także siebie, po dawnej średniowiecznej skromności nie pozostał ślad. Wreszcie, ostatni dotyk było pojawienie się technologii obraz olejny, co uczyniło pisanie bardziej subtelnym i psychologicznym.

Człowiek - Centralna figura V sztuka portretowa mistrzowie Wysoki renesans. Leonardo da Vinci, Raphael, Giorgione, Tycjan, Tintoretto dodatkowo pogłębiają treść obrazy portretowe i znacząco zaktualizować obiekty ekspresja artystyczna. Pomiędzy nimi - perspektywa powietrzna Leonardo da Vinci, odkrycia kolorystyczne Tycjana.

Holendrzy wyprzedzili słynni Włosi: Jan van Eyck, Hans Memling, Robert Campin swoją wrodzoną duchową ostrością i niezwykłą dokładnością przedstawienia. O ile twórcy „buta” często zdawali się wywyższać swojego bohatera ponad świat, to tutaj portretowana osoba jest raczej integralną częścią wszechświata. Aby osiągnąć taki efekt, twórcy bardziej szczegółowo przepisał środowisko wokół człowieka. Poza tym żadna zmarszczka na twarzy modelki nie umknęła ich bystremu spojrzeniu.

Portret manieryzmu

W sztuce manieryzmu (XVI w.) klarowność obrazów renesansowych traci na znaczeniu. Postrzeganie przez artystę swojej epoki staje się coraz bardziej niepokojące i dramatyczne, a jego struktura kompozycyjna staje się ostrzejsza i bogatsza duchowo. Dobry przykład Obejmuje to portrety Włochów Pontormo i Bronzino oraz Hiszpana El Greco.

W tej epoce różne kraje powstają nowe formy portretów grupowych - teraz postacie są żywsze, ściślej ze sobą powiązane. Zamrożone grupy portretów średniowiecza powoli, ale skutecznie, zastępowane są kompozycjami wielofigurowymi.

Portret z XVII w

Jak zawsze wszystko wypływa z głębi zbiorowej psychologii epoki. Osobowość przeżyła kryzys, spojrzenie na rzeczywistość nie było już harmonijne, wewnętrzny świat człowieka stał się bardziej skomplikowany. Pojawiły się bardziej złożone powiązania ze światem zewnętrznym, a pragnienie głębszego poznania siebie nabrało mocy. Stąd zmiany w tradycji malarstwa portretowego: twórcy starają się oddać charakter modela w sposób bardziej „wielowarstwowy”, obszerny i złożony.

W XVII wieku główne wyżyny w tym gatunku osiągnęła Holandia, która w tym czasie podzieliła się na dwa obozy – flamandzki i szkoła holenderska. U szczytu mody, grupowej i portret rodzinny a poza tym na płótnach w końcu pojawiają się jeden po drugim prości ludzie od ludzi. Ta „demokratyzacja” malarstwa wykracza poza granice Holandii (Hals), Hiszpan Diego Velazquez nie zaniedbuje wizerunków biednych.

Nie przeszkadza to jednak nikomu w dalszym malowaniu twarzy arystokratycznych zadowolonych z życia, godnych, jak na ówczesne standardy, ukazanych na płótnie. Uderzający przykład– Petera Paula Rubensa.

Nowe życie nabywa autoportret - wszystko dzięki pragnieniu zrozumienia siebie: Rembrandt, jego uczeń Carel Fabritius, Anthony van Dyck, Nicolas Poussin - to główni miłośnicy selfie w realiach XVII wieku.

Portret XVIII wiek

Z końcem XVII wieku gatunek ten uległ degradacji i bez najmniejszego żalu został zepchnięty na dalszy plan. Dorobek portretu realistycznego odchodzi w zapomnienie, a standardem stają się portrety oficjalne i pompatyczne – ceremonialne czy mitologizowane. Poza elegancją i pięknem modelki artystom nie zależy na niczym, dlatego twarze stają się „lalkowe”.

Ale Oświecenie ze swoimi ideami humanizmu dyktuje swoje własne zasady, dlatego tworzy się nowy realistyczny portret – gatunek zostaje uratowany. Podczas gdy w Hiszpanii tworzy słynny Francisco Goya, zza kulis wyłania się z pompą Rosja w osobach Dmitrija Lewickiego i Władimira Borovikovskiego, którzy skupiają się na trafności cech społecznych, subtelności analiza psychologiczna, odkrycie wewnętrznego świata i bogactwo emocji.

Portret 1 połowa XIX wieku wiek

Europę nawiedza duch, duch klasycyzmu, głównego gatunku Wielkiego rewolucja Francuska. Portret traci przepych i słodycz XVIII wieku, staje się bardziej surowy i zimny, co widać chociażby w pracach Jacques'a Louisa Davida.

Kolejnym „izmem” jest romantyzm i nie sposób nie wspomnieć tutaj o nazwiskach Theodore’a Gericaulta i Eugene’a Delacroix (Francja), Oresta Kiprensky’ego i Karla Bryullova, częściowo Tropinina (Rosja), Philipa Otto Runge (Niemcy).

Ale klasycyzm nie poddaje się pod naporem nowego kierunku, a wręcz przeciwnie, przechodzi na niego nowa runda jego rozwój - za to szczególne podziękowania dla Dominique Ingres.

2. połowa 19 wiek

Teraz czas na realizm. Artystka skupia się na cechach społecznych modelki i jej psychologii.

W ostatnia trzecia Wszystko z XIX wieku więcej artystów Odchodzą od wskazań swoich mentorów, tworząc własne prawa malarstwa. Nowy ruch „wolnomyślący”, a nawet wówczas „arogancki”, nazywa się impresjonizmem. W nim chwila jest wszystkim. Artysta rezygnuje z pragnienia fotograficznej prawdziwości i zamiast tego skupia się na zmienności ludzkiego wyglądu i jego zachowaniach w zmieniającym się otoczeniu.

Cele i obrazy impresjonistycznego portretu były całkowicie przeciwne twórczości ich współczesnego Paula Cézanne’a. Choć na pierwszy rzut oka mogą się wydawać pokrewnymi duszami, Cézanne, w przeciwieństwie do impresjonistów, starał się wyrazić w monumentalnym obrazie pewne trwałe właściwości modelu.

Vincent van Gogh, pochłonięty palącymi problemami życia moralnego i duchowego swoich współczesnych, zwraca uwagę na inny aspekt.

W koniec XIX- na początku XX wieku do głosu doszła nowoczesność ze swą lakoniczną ostrością, czasem o cechach groteski. Wszystko to można zaobserwować w twórczości Toulouse-Lautreca, Alphonse'a Muchy, Gustava Klimta.

Portret w XX wieku

W XX wieku, po zawrotnym wzroście, portret ponownie doświadczył upadku. Odbić się od ziemi z nową siłą i wzbić się w górę niespotykane dotąd wysokości. Na gruncie modernizmu inne kierunki artystyczne(ekspresjonizm, kubizm, fowizm, suprematyzm itp.), a wraz z nimi - dzieła nominalnie zwane portretem, ale całkowicie pozbawione swojej specyfiki - z demonstracyjnym i buntowniczym odejściem od prawdziwego wyglądu osoby, która zamienia się w swego rodzaju o abstrakcyjnym, konwencjonalnym schemacie - od narożników. kształtów, krawędzi lub plam barwnych. Portret staje się bardziej odzwierciedleniem stanu ducha artysty niż modela.

W połowie XX wieku rysy kryzysowe wypełniły portret po brzegi, zamieniając go w jednolity czarny kwadrat. Celowe deformowanie i zniekształcanie człowieka staje się coraz bardziej oczywiste, a zainteresowanie sztuką abstrakcyjną i niefiguratywną rośnie w szalonym tempie nowego stulecia.

Zmiany wnoszą Andy Warhol, Alex Katz, Chuck Close, którzy ponownie skupiają swoje prace na osobie. Teraz ikoną stulecia jest Marilyn Monroe Warhola. Nawiasem mówiąc, pop-art jest jednym z niewielu ruchów artystycznych XX wieku, który wykorzystuje ludzka twarz bez dużych zniekształceń proporcjonalnych.

Jak zawsze wszystko wypływa z głębi zbiorowej psychologii epoki. Osobowość przeżyła kryzys, spojrzenie na rzeczywistość nie było już harmonijne, wewnętrzny świat człowieka stał się bardziej skomplikowany. Pojawiły się bardziej złożone powiązania ze światem zewnętrznym, a pragnienie głębszego poznania siebie nabrało mocy. Stąd zmiany w tradycji malarstwa portretowego: twórcy starają się oddać charakter modela w sposób bardziej „wielowarstwowy”, obszerny i złożony.

W XVII wieku główne wyżyny w tym gatunku osiągnęła Holandia, która w tym czasie podzieliła się na dwa obozy - szkołę flamandzką i holenderską. Portrety grupowe i rodzinne są u szczytu mody, a w dodatku na płótnach wreszcie pojawiają się zwykli ludzie z ludu, jeden po drugim. Ta „demokratyzacja” malarstwa wykracza poza granice Holandii (Hals), Hiszpan Diego Velazquez nie zaniedbuje wizerunków biednych.

Nie przeszkadza to jednak nikomu w dalszym malowaniu twarzy arystokratycznych zadowolonych z życia, godnych, jak na ówczesne standardy, ukazanych na płótnie. Uderzającym przykładem jest Peter Paul Rubens.

Autoportret nabiera nowego życia – wszystko dzięki pragnieniu zrozumienia siebie: Rembrandt, jego uczeń Carel Fabritius, Anthony van Dyck, Nicolas Poussin – to główni miłośnicy selfie w realiach XVII wieku.

Portret z XVIII w

Z końcem XVII wieku gatunek ten uległ degradacji i bez najmniejszego żalu został zepchnięty na dalszy plan. Dorobek portretu realistycznego odchodzi w zapomnienie, a standardem stają się portrety oficjalne i pompatyczne – ceremonialne czy mitologizowane. Poza elegancją i pięknem modelki artystom nie zależy na niczym, dlatego twarze stają się „lalkowe”.

Ale Wiek Oświecenia ze swoimi ideami humanizmu dyktuje własne zasady, dlatego zostaje zatwierdzony nowy realistyczny portret - gatunek zostaje zapisany. Podczas gdy w Hiszpanii tworzy słynny Francisco Goya, Rosja z pompą wyłania się zza kulis w osobie Dmitrija Lewickiego i Władimira Borovikovskiego, którzy skupiają się na trafności cech społecznych, subtelności analizy psychologicznej, ujawnieniu świata wewnętrznego i bogactwo emocji.

Portret z 1. połowy XIX wieku

Po Europie krąży duch, duch klasycyzmu, głównego gatunku Wielkiej Rewolucji Francuskiej. Portret traci przepych i słodycz XVIII wieku, staje się bardziej surowy i zimny, co widać chociażby w pracach Jacques'a Louisa Davida.

Kolejnym „izmem” jest romantyzm i nie sposób nie wspomnieć tutaj o nazwiskach Theodore’a Gericaulta i Eugene’a Delacroix (Francja), Oresta Kiprensky’ego i Karla Bryullova, częściowo Tropinina (Rosja), Philipa Otto Runge (Niemcy).

Ale klasycyzm nie poddaje się pod presją nowego kierunku, a wręcz przeciwnie, przechodzi na nowy etap swojego rozwoju – za co szczególne podziękowania należą się Dominique’owi Ingresowi.

Portret z 2. połowy XIX wieku

Teraz czas na realizm. Artystka skupia się na cechach społecznych modelki i jej psychologii.

W ostatniej tercji XIX wieku coraz więcej artystów odeszło od nakazów swoich mentorów, tworząc własne prawa malarskie. Nowy ruch „wolnomyślący”, a nawet wówczas „arogancki”, nazywa się impresjonizmem. W nim chwila jest wszystkim. Artysta rezygnuje z pragnienia fotograficznej prawdziwości i zamiast tego skupia się na zmienności ludzkiego wyglądu i jego zachowaniach w zmieniającym się otoczeniu.

Cele i obrazy impresjonistycznego portretu były całkowicie przeciwne twórczości ich współczesnego Paula Cézanne’a. Choć na pierwszy rzut oka mogą się wydawać pokrewnymi duszami, Cézanne, w przeciwieństwie do impresjonistów, starał się wyrazić w monumentalnym obrazie pewne trwałe właściwości modelu.

Vincent van Gogh, pochłonięty palącymi problemami życia moralnego i duchowego swoich współczesnych, zwraca uwagę na inny aspekt.

Na przełomie XIX i XX w. do głosu doszła lakoniczna ostrość i momentami groteskowy charakter. Wszystko to można zaobserwować w twórczości Toulouse-Lautreca, Alphonse'a Muchy, Gustava Klimta.

Portret w XX wieku

W XX wieku, po zawrotnym wzroście, portret ponownie doświadczył upadku. Odbić się od ziemi z nową siłą i wznieść się na niespotykane wcześniej wysokości. Na gruncie modernizmu powstają inne ruchy artystyczne (ekspresjonizm, kubizm, fowizm, suprematyzm itp.), a wraz z nimi - dzieła nominalnie zwane portretami, ale całkowicie pozbawione swojej specyfiki - z demonstracyjnym i buntowniczym odejściem od rzeczywistego wyglądu osoby, która zamienia się w jakiś abstrakcyjny, konwencjonalny schemat - z kątów. kształtów, krawędzi lub plam barwnych. Portret staje się bardziej odzwierciedleniem stanu ducha artysty niż modela.

W połowie XX wieku rysy kryzysowe wypełniły portret po brzegi, zamieniając go w jednolity czarny kwadrat. Celowe deformowanie i zniekształcanie człowieka staje się coraz bardziej oczywiste, a zainteresowanie sztuką abstrakcyjną i niefiguratywną rośnie w szalonym tempie nowego stulecia.

Zmiany wnoszą Andy Warhol, Alex Katz, Chuck Close, którzy ponownie skupiają swoje prace na osobie. Teraz ikoną stulecia jest Marilyn Monroe Warhola. Nawiasem mówiąc, pop-art jest jednym z niewielu ruchów artystycznych XX wieku, który wykorzystuje ludzką twarz bez dużych proporcjonalnych zniekształceń.

Tych, którzy chcą poznać wielkich ludzi swoich epok w przedstawieniach wielkich artystów, z pewnością zainteresuje najlepszy tego typu przewodnik. najlepsze prace ten gatunek.

„Portret Fajum” – Egipcjanie zwykli konserwować swoich zmarłych, umieszczając mumie w drewnianych lub gipsowych trumnach, z których większość kończyła się wyrzeźbioną maską portretową. Obrazy są portretami mieszkańców rzymskiego Egiptu z I-IV w. n.e. - Egipcjan, Greków, Nubijczyków, Żydów, Syryjczyków, Rzymian. Portret Fajum.

„Portret strasznego” - Portret cara. Rozdział 1. Święto Iwana Groźnego. K. Lebiediew „Portret Iwana Groźnego”. N.V. Nevrev „Opriczniki”. Portret Aleny Dmitrievny. główny problem„Pieśni…” to problem obowiązku i honoru. Iwan Groźny i Maluta Skuratow. Parsun z XVII w. z wizerunkiem Iwana Groźnego. V.M. Wasnetsow „Car Iwan Groźny”. Rozdział 2. Alena Dmitrievna opowiada mężowi o molestowaniu Kiribeevicha.

„Portret w malarstwie” - „Portret wieśniaczki w stroju rosyjskim”. Rozwijanie umiejętności odczuwania współbrzmienia nastrojów wyrażanych w muzyce i malarstwie. F. Hals Śmiejący się chłopiec. „Portret Mikiego Morozowa”. Dlaczego nie na przykład „Motyl”? Posłuszna i nieśmiała dziewczyna? Zwróć uwagę dzieci na piękno portretów dzieci.

„Rosyjski portret XVIII wieku” - Jeden z pierwszych rosyjskich artystów Nikitin został wysłany na studia do Włoch. Lewicki Dmitrij Grigoriewicz. Portret E.G. Temkina. 1798. Nauczyciel sztuk pięknych, Moskiewska Kultura Artystyczna. Portret A. P. Struyskaya 1772. Lewicki Dmitrij Grigoriewicz (1735-1822). W XVIII wieku pojawiły się nowe gatunki: codzienne, historyczne, pejzażowe. Urodzony we wsi Woroncowo (obecnie w granicach Moskwy) w rodzinie chłopów pańszczyźnianych.

„Portrety Czechowa” – A. Stiepanow (1858–1923). Portret wykonany przez brata pisarza, Mikołaja Czechowa. Portret autorstwa I.E. Braza, przechowywany w Galeria Trietiakowska w Moskwie. Zdjęcie portretowe wykonane przez S. Lindena. O. Knippera (1868-1959). A.P. Czechow. I. Lewitan (1860-1900). Olga Knipper jest żoną pisarza. A.P. Czechow (1860-1904). Autoportret.

„Portret autora” - K. Somow A. Blok 1907 I. Repin Tołstoj przy pracy. Tołstoj na gruntach ornych Tołstoj podczas koszenia. I. Kramskoy I. Repin. Portret jako jeden ze sposobów zapoznania się z biografią i twórczością autora. 1849 1851 1856 Ermontow w dzieciństwie. B.M. Kustodiew Yu.P. Annenkowa Portret E. Zamiatina Portret E. Zamiatina.

W sumie dostępnych jest 14 prezentacji na ten temat