재즈의 기본 장르. 재즈의 방향. 모던재즈의 스타일과 방향

재즈는 이전 세기의 미국 음악, 아프리카 리듬, 세속적, 작업 및 의식 노래를 결합한 특별한 유형의 음악입니다. 이런 종류의 음악을 좋아하는 팬들은 웹사이트 http://vkdj.org/를 사용하여 자신이 좋아하는 음악을 다운로드할 수 있습니다.

재즈의 특징

Jazz에는 다음과 같은 특정 기능이 있습니다.

  • 율;
  • 즉흥 연주;
  • 폴리리듬.

유럽의 영향으로 조화를 이루었습니다. 재즈는 아프리카 기원의 특별한 리듬을 기반으로 합니다. 이 스타일은 악기 및 보컬 스타일을 포함합니다. 재즈는 기존 음악에서 이차적으로 중요한 악기를 사용하여 존재합니다. 재즈 연주자는 솔로 및 오케스트라 환경에서 즉흥적으로 연주할 수 있는 능력이 있어야 합니다.

재즈음악의 특징

재즈의 주요 특징은 연주자에게 가벼움, 이완, 자유 및 지속적인 전진의 느낌을 일깨우는 리듬의 자유입니다. 클래식 작품과 이런 종류의 음악 모두 스윙이라고 불리는 고유한 박자와 리듬을 가지고 있습니다. 이 방향에서는 지속적인 맥동이 매우 중요합니다.

재즈에는 고유한 레퍼토리와 특이한 형식이 있습니다. 주요한 것에는 모든 종류의 음악 버전의 기초가 되는 블루스와 발라드가 포함됩니다.

이런 유형의 음악은 연주하는 사람의 창의성입니다. 그 기반을 형성하는 것은 음악가의 특이성과 독창성입니다. 노트만으로는 배울 수 없습니다. 이 장르는 연주하는 순간 자신의 감정과 영혼을 작품에 담는 연주자의 창의성과 영감에 전적으로 달려 있습니다.

이 음악의 주요 특징은 다음과 같습니다.

  • 조화;
  • 멜로디;
  • 율.

즉흥 연주 덕분에 매번 새로운 작품이 탄생합니다. 서로 다른 음악가가 연주한 두 작품이 서로 똑같이 들리는 일은 인생에서 결코 없을 것입니다. 그렇지 않으면 오케스트라는 서로를 모방하려고 할 것입니다.

이 현대적인 스타일은 아프리카 음악의 많은 특징을 가지고 있습니다. 그 중 하나는 각 악기가 타악기 역할을 할 수 있다는 것입니다. 재즈 작곡을 할 때 잘 알려진 대화 톤이 사용됩니다. 또 다른 차용된 특징은 악기 연주가 대화를 흉내낸다는 것입니다. 시간이 지남에 따라 크게 변화하는 이러한 유형의 전문 음악 예술에는 엄격한 경계가 없습니다. 그는 공연자의 영향에 완전히 열려 있습니다.

"재즈"라는 용어는 1910년대 중반에 처음 사용되었습니다. 당시 이 단어는 소규모 오케스트라와 그들이 연주하는 음악을 지칭하는 데 사용되었습니다.

재즈의 주요 특징은 사운드 생성 및 억양의 틀에 얽매이지 않는 방법, 멜로디 전달의 즉흥적 성격, 개발, 지속적인 리듬 맥동, 강렬한 감성입니다.

재즈에는 여러 가지 스타일이 있는데, 그 중 첫 번째 스타일은 1900년에서 1920년 사이에 형성되었습니다. 뉴올리언스라고 불리는 이 스타일은 리듬 그룹(드럼, 관악기 또는 현악기, 베이스, 밴조, 어떤 경우에는 피아노).

뉴올리언스 스타일은 클래식 또는 전통적이라고 불립니다. 이것은 또한 더 뜨겁고 더 활력이 넘치는 흑인 뉴 올리언스 음악을 모방하여 탄생 한 스타일 다양성 인 Dixieland이기도합니다. 점차적으로 Dixieland와 New Orleans 스타일의 이러한 차이는 사실상 사라졌습니다.

뉴올리언스 스타일은 주도적인 목소리를 분명히 강조하는 집단 즉흥 연주가 특징입니다. 즉흥 합창에는 멜로디-하모닉 블루스 구조가 사용되었습니다.

이 스타일로 전환한 많은 오케스트라 중에서 J. King Oliver의 크리올 재즈 밴드(Creole Jazz Band)를 강조할 수 있습니다. Oliver (코넷 연주자) 외에도 재능있는 클라리넷 연주자 Johnny Dodds와 나중에 자신의 오케스트라 창시자가 된 비교할 수없는 Louis Armstrong이 포함되었습니다. "Hot Five"및 "Hot Seven"은 클라리넷 대신 트럼펫을 연주했습니다. .

뉴올리언스 스타일은 다음 세대의 음악가들에게 큰 영향을 미친 수많은 실제 스타들을 세상에 가져왔습니다. 피아니스트 J. Roll Morton과 클라리넷 연주자 Jimmy Noone을 언급해야 합니다. 그러나 재즈는 주로 Louis Armstrong과 클라리넷 연주자 Sidney Bechet 덕분에 뉴올리언스의 국경을 넘어섰습니다. 그들은 재즈가 주로 솔리스트들의 예술이라는 것을 세상에 증명할 수 있었던 사람들이었습니다.

루이 암스트롱 오케스트라

1920년대에는 댄스곡 연주라는 특징을 지닌 시카고 스타일이 등장했다. 여기서 가장 중요한 것은 메인 테마의 집단적 발표에 이어 솔로 즉흥 연주였습니다. 전문적인 음악 교육을 받은 백인 음악가들이 이 스타일의 발전에 크게 기여했습니다. 덕분에 재즈 음악은 유럽의 하모니와 연주 기법의 요소로 풍성해졌습니다. 미국 남부에서 발전한 뜨거운 뉴올리언스 스타일과 대조적으로, 북부 시카고 스타일은 훨씬 더 시원해졌습니다.

뛰어난 백인 연주자들 중에서 1920년대 후반에 흑인 동료들에 비해 실력이 열등하지 않았던 음악가들을 주목할 필요가 있습니다. 이들은 클라리넷 연주자 Pee Wee Russell, Frank Teschemacher, Benny Goodman, 트롬본 연주자 Jack Teagarden, 그리고 물론 미국 재즈의 가장 빛나는 스타인 코네티스트 Bix Beiderbeck입니다.

재즈 - 19세기 말부터 20세기 초 미국 뉴올리언스에서 아프리카와 유럽 문화의 통합으로 생겨난 음악 예술의 한 형태로 이후 널리 퍼졌습니다. 재즈의 기원은 블루스와 기타 아프리카계 미국인의 민속음악이었습니다. 재즈 음악 언어의 특징은 처음에는 즉흥 연주, 당김음에 기반한 폴리리듬, 리듬 질감을 연주하는 독특한 기술 세트인 스윙이었습니다. 재즈 음악가와 작곡가의 새로운 리듬 및 하모닉 모델 개발로 인해 재즈가 더욱 발전했습니다. 재즈 장르에는 아방가르드 재즈, 비밥, 클래식 재즈, 쿨, 모달 재즈, 스윙, 스무드 재즈, 소울 재즈, 프리 재즈, 퓨전, 하드 밥 등이 있습니다.

재즈 발전의 역사


Vilex College 재즈 밴드, 텍사스

재즈는 여러 음악 문화와 국가 전통의 결합으로 탄생했습니다. 그것은 원래 아프리카에서 왔습니다. 모든 아프리카 음악은 매우 복잡한 리듬이 특징입니다. 음악에는 항상 빠른 구타와 박수로 구성된 춤이 동반됩니다. 이를 바탕으로 19세기 말에 또 다른 음악 장르인 래그타임이 등장했습니다. 그 후 래그타임 리듬과 블루스 요소가 결합되어 재즈라는 새로운 음악 방향이 탄생했습니다.

블루스는 19세기 말 아프리카의 리듬과 유럽의 하모니가 융합되면서 탄생했지만, 그 기원은 아프리카에서 신세계의 영토로 노예가 유입된 순간부터 찾아야 한다. 데려온 노예들은 같은 가족 출신이 아니었고 대개 서로를 이해하지도 못했습니다. 통합의 필요성으로 인해 많은 문화가 통합되었고 결과적으로 아프리카 계 미국인의 단일 문화 (음악 포함)가 탄생했습니다. 아프리카 음악 문화와 유럽 음악 문화(신세계에서도 심각한 변화를 겪었음)를 혼합하는 과정은 18세기부터 시작되어 19세기에 "프로토 재즈"의 출현으로 이어졌고, 이후 일반적으로 받아들여지는 의미의 재즈가 탄생했습니다. . 재즈의 요람은 미국 남부, 특히 뉴올리언스였습니다.
재즈의 영원한 젊음의 열쇠는 즉흥 연주입니다
스타일의 특징은 재즈 거장의 독특한 개별 연주입니다. 재즈에서 영원한 젊음의 열쇠는 즉흥 연주입니다. 평생을 재즈의 리듬 속에서 살았으며 여전히 전설로 남아 있는 뛰어난 연주자 루이 암스트롱(Louis Armstrong)의 등장 이후 재즈 연주 예술은 새롭고 특이한 지평을 열었습니다. 보컬 또는 악기 솔로 연주가 전체 연주의 중심이 되었습니다. 재즈에 대한 생각을 완전히 바꾸었습니다. 재즈는 특정 형태의 음악 연주일 뿐만 아니라 독특하고 경쾌한 시대이기도 합니다.

뉴올리언스 재즈

뉴올리언스라는 용어는 일반적으로 1900년에서 1917년 사이에 뉴올리언스에서 재즈를 연주한 재즈 뮤지션의 스타일과 1917년부터 1920년대까지 시카고에서 연주하고 녹음한 뉴올리언스 뮤지션의 스타일을 나타냅니다. 재즈 역사의 이 시기는 재즈 시대라고도 알려져 있습니다. 그리고 이 개념은 뉴올리언스 학교의 음악가들과 같은 스타일로 재즈를 연주하고자 했던 뉴올리언스 부흥의 대표자들이 다양한 역사적 시기에 연주한 음악을 설명하는데도 사용됩니다.

유흥가로 유명한 뉴올리언스의 홍등가 스토리빌이 개장한 이후 아프리카계 미국인 포크와 재즈는 서로 다른 길을 걸어왔습니다. 재미 있고 즐거운 시간을 보내고 싶은 사람들에게는 댄스 플로어, 카바레, 버라이어티 쇼, 서커스, 바, 스낵바 등 많은 유혹적인 기회가 제공되었습니다. 그리고 이러한 시설의 모든 곳에서 음악이 들리고 새로운 당김음 음악을 마스터한 음악가가 일자리를 찾을 수 있었습니다. 점차적으로 Storyville의 엔터테인먼트 시설에서 전문적으로 일하는 음악가의 수가 증가함에 따라 행진 및 거리 브라스 밴드의 수가 감소하고 대신 소위 Storyville 앙상블이 등장하여 음악적 표현이 더욱 개별화되었습니다. 브라스 밴드 연주와 비교. 종종 "콤보 오케스트라"라고 불리는 이러한 작곡은 클래식 뉴올리언스 재즈 스타일의 창시자가 되었습니다. 1910년부터 1917년까지 Storyville의 나이트클럽은 재즈를 위한 이상적인 환경을 제공했습니다.
1910년부터 1917년까지 Storyville의 나이트클럽은 재즈를 위한 이상적인 환경을 제공했습니다.
20세기 1분기 미국 재즈의 발전

스토리빌이 폐쇄된 후 지역 포크 장르의 재즈는 전국적인 음악 트렌드로 변모하기 시작하여 미국 북부와 북동부 지방으로 퍼졌습니다. 그러나 유흥업소 하나를 폐쇄한다고 해서 그 확산이 촉진될 수는 없었다. 뉴올리언스와 함께 세인트루이스, 캔자스시티, 멤피스는 처음부터 재즈 발전에 중요한 역할을 했습니다. 래그타임은 19세기 멤피스에서 시작되어 1890년부터 1903년까지 북미 대륙 전역으로 퍼졌습니다.

반면에 지그부터 래그타임까지 아프리카계 미국인 민속의 모든 종류의 음악적 움직임을 잡색으로 모자이크 처리한 민스트럴 쇼는 빠르게 모든 곳으로 퍼져 재즈가 도래하는 길을 열었습니다. 미래의 많은 재즈 유명 인사들은 민스트럴 쇼에서 경력을 시작했습니다. 스토리빌이 폐쇄되기 오래 전에 뉴올리언스 음악가들은 소위 "보드빌" 극단과 함께 투어를 떠났습니다. Jelly Roll Morton은 1904년부터 앨라배마, 플로리다, 텍사스를 정기적으로 순회했습니다. 1914년부터 그는 시카고에서 공연하기로 계약을 맺었습니다. 1915년에 Thom Browne의 백인 Dixieland 오케스트라가 시카고로 이전했습니다. 뉴올리언스 코네티스트 프레디 케퍼드(Freddie Keppard)가 이끄는 유명한 "크리올 밴드(Creole Band)"도 시카고에서 주요 보드빌 투어를 진행했습니다. Olympia Band에서 분리된 Freddie Keppard의 예술가들은 이미 1914년에 시카고 최고의 극장에서 성공적으로 공연했으며 Original Dixieland Jazz Band 이전에도 그들의 공연을 녹음하겠다는 제안을 받았지만 Freddie Keppard는 근시안적으로 거부되었습니다. 재즈의 영향을 받은 지역은 미시시피 강을 항해하는 유람선에서 연주하는 오케스트라에 의해 크게 확장되었습니다.

19세기 말부터 뉴올리언스에서 세인트폴까지 강을 따라 여행하는 것이 처음에는 주말로, 나중에는 일주일 내내 인기를 끌었습니다. 1900년부터 뉴올리언스 오케스트라가 이 유람선에서 공연해 왔으며, 이들의 음악은 강 여행 중 승객들에게 가장 매력적인 엔터테인먼트가 되었습니다. 최초의 재즈 피아니스트인 Lil Hardin인 Louis Armstrong의 미래 아내는 이러한 "Suger Johnny" 오케스트라 중 하나에서 시작했습니다. 또 다른 피아니스트인 Fates Marable의 리버보트 오케스트라는 미래의 뉴올리언스 재즈 스타를 많이 선보였습니다.

강을 따라 여행하는 증기선은 종종 지나가는 역에 멈춰 오케스트라가 지역 대중을 위한 콘서트를 열었습니다. Bix Beiderbeck, Jess Stacy 및 기타 많은 사람들의 창의적인 데뷔가 된 것은 바로 이러한 콘서트였습니다. 또 다른 유명한 경로는 미주리를 거쳐 캔자스 시티까지 이어졌습니다. 아프리카계 미국인 민속의 강한 뿌리 덕분에 블루스가 발전하고 마침내 형태를 갖추게 된 이 도시에서 뉴올리언스 재즈 맨들의 거장 연주는 유난히 비옥한 환경을 찾았습니다. 1920년대 초 시카고는 재즈 음악 발전의 주요 중심지가 되었으며, 미국 각지에서 모인 많은 음악가들의 노력을 통해 시카고 재즈라는 별명을 가진 스타일이 탄생했습니다.

빅 밴드

클래식하고 확립된 형태의 빅 밴드는 1920년대 초부터 재즈에서 알려졌습니다. 이 형식은 1940년대 말까지 유효하게 유지되었습니다. 일반적으로 거의 청소년기에 대부분의 빅 밴드에 합류한 음악가들은 리허설이나 음표에서 암기한 매우 특정한 부분을 연주했습니다. 세심한 오케스트레이션과 대규모 금관 및 목관 악기 섹션이 결합되어 풍부한 재즈 하모니를 이끌어냈고, '빅 밴드 사운드'로 알려진 감각적으로 큰 사운드를 만들어 냈습니다.

빅밴드는 당대의 대중음악이 되었으며, 1930년대 중반에 명성이 절정에 이르렀습니다. 이 음악은 스윙댄스 열풍의 원천이 됐다. 유명한 재즈 오케스트라 Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett의 리더들이 작곡, 편곡 및 녹음한 진정한 히트 곡 퍼레이드를 선보였습니다. 라디오뿐만 아니라 댄스홀의 모든 곳에서도 마찬가지입니다. 많은 빅 밴드는 즉흥적으로 솔리스트를 선보였으며, 잘 홍보된 "밴드의 전투" 동안 청중을 거의 히스테리 상태에 빠뜨렸습니다.
많은 빅 밴드가 즉흥 연주를 선보이며 청중을 히스테리에 가까운 상태로 만들었습니다.
제2차 세계 대전 이후 빅 밴드의 인기가 크게 감소했지만 Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James 등이 이끄는 오케스트라는 향후 수십 년 동안 자주 순회 공연을 하고 녹음을 했습니다. 그들의 음악은 새로운 트렌드의 영향으로 점차 변화해 나갔습니다. Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus 및 Tad Jones-Mal Lewis가 이끄는 앙상블과 같은 그룹은 조화, 악기 연주 및 즉흥 연주의 자유에 대한 새로운 개념을 탐구했습니다. 오늘날 빅 밴드는 재즈 교육의 표준입니다. 링컨 센터 재즈 오케스트라, 카네기 홀 재즈 오케스트라, 스미소니언 재즈 마스터피스 오케스트라, 시카고 재즈 앙상블과 같은 레퍼토리 오케스트라는 정기적으로 빅 밴드 작곡의 독창적인 편곡을 연주합니다.

북동 재즈

재즈의 역사는 20세기에 들어서면서 뉴올리언스에서 시작되었지만, 음악은 트럼펫 연주자 루이 암스트롱(Louis Armstrong)이 뉴올리언스를 떠나 시카고에서 혁명적인 새로운 음악을 창조한 1920년대 초에 본격적으로 시작되었습니다. 그 직후부터 시작된 뉴올리언스 재즈 마스터들의 뉴욕 이주는 재즈 뮤지션들이 남부에서 북부로 끊임없이 이동하는 추세를 나타냈습니다.


루이 암스트롱

시카고는 뉴올리언스의 음악을 가져와 뜨겁게 만들었으며 암스트롱의 유명한 Hot Five 및 Hot Seven 앙상블뿐만 아니라 Austin High School의 크루인 Eddie Condon 및 Jimmy McPartland와 같은 대가를 포함한 다른 앙상블의 노력으로 강렬함을 높였습니다. 뉴올리언스 학교를 부활시키는 데 도움을 주었습니다. 클래식 뉴올리언스 재즈 스타일의 경계를 넓힌 다른 유명한 시카고 사람들로는 피아니스트 Art Hodes, 드러머 Barrett Deems, 클라리넷 연주자 Benny Goodman이 있습니다. 결국 뉴욕으로 이주한 암스트롱과 굿맨은 그곳에서 일종의 임계 질량을 만들어 도시가 진정한 세계 재즈 수도로 변하는 데 도움을 주었습니다. 그리고 시카고가 20세기 1분기에 주로 녹음 센터로 남아 있었던 반면, 뉴욕은 또한 Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy 및 Village Vanguard와 같은 전설적인 클럽과 같은 경기장이 있는 주요 재즈 공연장이 되었습니다. 카네기 홀처럼.

캔자스시티 스타일

대공황과 금지령 시대에 캔자스시티 재즈 현장은 1920년대 후반과 1930년대의 새로운 사운드의 메카가 되었습니다. 캔자스시티에서 번성한 스타일은 빅밴드와 소규모 스윙 앙상블이 연주하는 진심 어린 블루스풍 곡이 특징이며, 술을 파는 주류밀매점 고객을 위해 연주하는 에너지 넘치는 솔로가 특징입니다. 월터 페이지의 오케스트라와 캔자스 시티에서 시작하여 이후 베니 마우스언(Benny Mouthen)과 함께한 위대한 백작 베이시(Basie Basie)의 스타일이 결정화된 것은 이 호박에서였습니다. 이 두 오케스트라는 모두 캔자스 시티 스타일의 전형적인 대표자였으며, 그 기반은 "도시 블루스"라고 불리는 독특한 형태의 블루스였으며 위에서 언급한 오케스트라의 연주에서 형성되었습니다. 캔자스 시티 재즈 현장은 또한 보컬 블루스의 뛰어난 대가들로 이루어진 은하계 전체로 구별되었으며, 그 중 유명한 블루스 가수 Jimmy Rushing인 Count Basie 오케스트라의 오랜 솔리스트인 "왕"이 인정받았습니다. 캔자스 시티에서 태어난 유명한 알토 색소폰 연주자 찰리 파커(Charlie Parker)는 뉴욕에 도착하자마자 그가 캔자스 시티 오케스트라에서 배웠고 나중에 보퍼 실험의 출발점 중 하나가 된 특징적인 블루스 "트릭"을 널리 사용했습니다. 1940년대.

웨스트 코스트 재즈

1950년대 쿨 재즈 운동에 푹 빠진 아티스트들은 로스앤젤레스 녹음 스튜디오에서 광범위하게 활동했습니다. 마일스 데이비스(Miles Davis)의 노넷(nonet)에 큰 영향을 받은 로스앤젤레스에 기반을 둔 이 연주자들은 현재 "웨스트 코스트 재즈(West Coast Jazz)"로 알려진 것을 발전시켰습니다. 웨스트 코스트 재즈는 이전의 격렬한 비밥보다 훨씬 부드러웠습니다. 대부분의 웨스트 코스트 재즈는 매우 자세하게 작성되었습니다. 이러한 작곡에 자주 사용되는 대위법 선은 재즈에 스며든 유럽 영향의 일부인 것처럼 보였습니다. 그러나 이 음악은 긴 선형 솔로 즉흥 연주를 위한 많은 공간을 남겨두었습니다. West Coast Jazz는 주로 녹음 스튜디오에서 공연되었지만 Hermosa Beach의 Lighthouse 및 Los Angeles의 Haig와 같은 클럽에는 종종 트럼펫 연주자 Shorty Rogers, 색소폰 연주자 Art Pepper 및 Bud Schenk, 드러머 Shelley Mann 및 클라리넷 연주자 Jimmy Giuffre를 포함한 주요 마스터가 출연했습니다. .

재즈의 확산

재즈는 국적에 관계없이 항상 전 세계 음악가와 청취자들의 관심을 불러일으켰습니다. 트럼펫 연주자 Dizzy Gillespie의 초기 작업과 1940년대 흑인 쿠바인의 음악과 재즈 전통의 합성 또는 이후 피아니스트의 작품으로 유명한 일본, 유럽-아시아 및 중동 음악과 재즈의 결합을 추적하는 것으로 충분합니다. Dave Brubeck과 재즈의 뛰어난 작곡가이자 리더인 Duke Ellington Orchestra는 아프리카, 라틴 아메리카 및 극동의 음악적 유산을 결합했습니다.

데이브 브루벡

재즈는 서양 음악 전통뿐만 아니라 지속적으로 흡수되었습니다. 예를 들어, 다양한 예술가들이 인도의 음악적 요소를 활용한 작업을 시도하기 시작했을 때입니다. 이러한 노력의 예는 타지마할의 플루트 연주자 Paul Horne의 녹음이나 Oregon 그룹의 작업이나 John McLaughlin의 Shakti 프로젝트 등으로 대표되는 "세계 음악"의 흐름에서 들을 수 있습니다. 이전에 주로 재즈를 기반으로 한 McLaughlin의 음악은 Shakti와 함께하는 동안 Khatam 또는 Tabla와 같은 인도 출신의 새로운 악기, 복잡한 리듬, 인도 라가 형식의 광범위한 사용을 사용하기 시작했습니다.
세계화가 계속되면서 재즈는 계속해서 다른 음악 전통의 영향을 받고 있습니다.
시카고 아트 앙상블은 아프리카와 재즈 형식을 융합한 초기 선구자였습니다. 나중에 세계는 색소폰 연주자 겸 작곡가인 존 존(John Zorn)과 마사다 오케스트라 안팎에서 그가 유대 음악 문화를 탐구한 사실을 알게 되었습니다. 이 작품들은 아프리카 음악가 Salif Keita, 기타리스트 Marc Ribot 및 베이시스트 Anthony Coleman과 함께 녹음한 키보드 연주자 John Medeski와 같은 다른 재즈 음악가들의 전체 그룹에 영감을 주었습니다. 트럼펫 연주자 데이브 더글러스(Dave Douglas)는 발칸 반도의 영향을 자신의 음악에 열정적으로 통합했으며, 아시아계 미국인 재즈 오케스트라는 재즈와 아시아 음악 형식의 융합을 주도하는 지지자로 부상했습니다. 세계의 세계화가 계속됨에 따라 재즈는 계속해서 다른 음악 전통의 영향을 받아 향후 연구를 위한 좋은 자료를 제공하고 재즈가 진정한 월드 뮤직임을 입증합니다.

소련과 러시아의 재즈


RSFSR의 Valentin Parnakh 최초의 재즈 밴드

재즈 씬은 미국의 전성기와 동시에 1920년대 소련에서 등장했습니다. 소련 최초의 재즈 오케스트라는 시인, 번역가, 무용수, 연극인인 Valentin Parnakh에 의해 1922년 모스크바에서 창설되었으며 "RSFSR에서 발렌틴 파르나크 재즈 밴드의 최초의 괴상한 오케스트라"라고 불렸습니다. 러시아 재즈의 생일은 전통적으로 이 그룹의 첫 번째 콘서트가 열린 1922년 10월 1일로 간주됩니다. 라디오에서 연주하고 음반을 녹음한 최초의 전문 재즈 앙상블은 피아니스트이자 작곡가인 Alexander Tsfasman(모스크바)의 오케스트라로 간주됩니다.

세련된 댄스 공연을 전문으로 하는 초기 소련 재즈 밴드(폭스트롯, 찰스턴). 대중 의식에서 재즈는 배우이자 가수인 Leonid Utesov와 트럼펫 연주자 B. Skomorovsky가 이끄는 레닌그라드 앙상블 덕분에 30년대에 널리 인기를 얻기 시작했습니다. 그가 참여한 인기 코미디 영화 "Jolly Guys"(1934)는 재즈 음악가의 역사를 다루고 있으며 해당 사운드 트랙(Isaak Dunaevsky 작사)이 있었습니다. Utesov와 Skomorovsky는 음악과 연극, 오페레타, 보컬 번호 및 공연 요소의 혼합을 기반으로 "thea-jazz"(연극 재즈)의 독창적 인 스타일을 형성했으며 그에서 큰 역할을했습니다. 작곡가, 음악가 및 오케스트라 리더인 Eddie Rosner는 소련 재즈 발전에 주목할만한 공헌을 했습니다. 독일, 폴란드 및 기타 유럽 국가에서 경력을 시작한 Rosner는 소련으로 이주하여 소련 스윙의 선구자이자 벨로루시 재즈의 창시자가되었습니다.
대중의식 속에서 재즈는 1930년대 소련에서 폭넓은 인기를 얻기 시작했습니다.
재즈에 대한 소련 당국의 태도는 모호했습니다. 국내 재즈 연주자는 원칙적으로 금지되지 않았지만 서구 문화 전체에 대한 비판의 맥락에서 재즈에 대한 가혹한 비판이 널리 퍼졌습니다. 40년대 말, 세계주의에 맞서 싸우는 동안 소련의 재즈는 "서구" 음악을 연주하는 그룹이 박해를 받는 특히 어려운 시기를 겪고 있었습니다. 해빙이 시작되면서 음악가에 대한 탄압은 중단되었지만 비판은 계속되었습니다. 역사 및 미국 문화 연구 교수인 페니 반 에셴(Penny Van Eschen)에 따르면, 미국 국무부는 소련에 대항하고 소련의 영향력이 제3세계 국가로 확장되는 것을 반대하는 이념적 무기로 재즈를 사용하려고 했습니다. 50년대와 60년대. 모스크바에서는 Eddie Rosner와 Oleg Lundstrem의 오케스트라가 활동을 재개했으며 새로운 작곡이 등장했으며 그중에는 Joseph Weinstein (Leningrad)과 Vadim Ludvikovsky (모스크바)의 오케스트라와 Riga Variety Orchestra (REO)가 눈에 띄었습니다.

빅 밴드는 재능있는 편곡가와 솔리스트-즉흥 연주자로 구성된 은하계 전체를 키워냈으며, 이들의 작업은 소련 재즈를 질적으로 새로운 수준으로 끌어올리고 세계 표준에 더 가깝게 만들었습니다. 그중에는 Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin이 있습니다. 실내악 및 클럽 재즈의 발전은 스타일의 모든 다양성에서 시작됩니다(Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik 등)


재즈 클럽 "블루 버드"

위에서 언급한 소련 재즈의 거장 중 다수는 1964년부터 2009년까지 존재했던 전설적인 모스크바 재즈 클럽 "Blue Bird" 무대에서 창의적인 경력을 시작하여 현대 러시아 재즈 스타 대표자의 새로운 이름을 발견했습니다(형제). Alexander와 Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko 등). 70년대에는 피아니스트 뱌체슬라프 가넬린, 드러머 블라디미르 타라소프, 색소폰 연주자 블라디미르 체카신으로 구성된 재즈 트리오 '가넬린-타라소프-체카신'(GTC)이 널리 알려졌는데, 이는 1986년까지 존재했다. 70~80년대에는 아제르바이잔의 재즈 4중주 '가야'와 조지아의 성악·기악 앙상블 '오레라', '재즈 코랄'도 유명했다.

90년대 재즈에 대한 관심이 쇠퇴한 뒤 청소년 문화에서 다시 인기를 끌기 시작했다. 모스크바에서는 매년 "Usadba Jazz", "Jazz in the Hermitage Garden"과 같은 재즈 음악 축제가 개최됩니다. 모스크바에서 가장 인기 있는 재즈 클럽 장소는 세계적으로 유명한 재즈와 블루스 연주자들을 초대하는 재즈 클럽 "Union of Composers"입니다.

현대 사회의 재즈

현대 음악의 세계는 우리가 여행을 통해 경험하는 기후와 지리만큼이나 다양합니다. 그럼에도 불구하고 오늘날 우리는 점점 더 많은 세계 문화가 혼합되는 것을 목격하고 있으며, 본질적으로 이미 "월드 뮤직"(월드 뮤직)이 되고 있는 것에 지속적으로 더 가까워지고 있습니다. 오늘날의 재즈는 더 이상 전 세계 거의 모든 곳에서 침투하는 소리의 영향을 받지 않을 수 없습니다. 고전적인 배음을 지닌 유럽의 실험주의는 색소폰 연주자 Mats Gustafsson, Evan Parker 및 Peter Brotzmann과 같은 주목할만한 동시대 사람들과 함께 작업한 것으로 알려진 프리 재즈 아방가르드 색소폰 연주자인 Ken Vandermark와 같은 젊은 선구자들의 음악에 계속해서 영향을 미치고 있습니다. 자신의 정체성을 계속해서 찾고 있는 젊고 보다 전통적인 음악가로는 피아니스트 Jackie Terrasson, Benny Green 및 Braid Meldoa, 색소폰 연주자 Joshua Redman 및 David Sanchez, 드러머 Jeff Watts 및 Billy Stewart가 있습니다.

사운드의 오래된 전통은 트럼펫 연주자 Wynton Marsalis와 같은 예술가들에 의해 빠르게 전승되고 있습니다. Wynton Marsalis는 자신의 소그룹과 그가 이끄는 링컨 센터 재즈 오케스트라에서 조수 팀과 함께 작업하고 있습니다. 그의 후원으로 피아니스트 Marcus Roberts와 Eric Reed, 색소폰 연주자 Wes "Warmdaddy" Anderson, 트럼펫 연주자 Marcus Printup, 비브라폰 연주자 Stefan Harris가 훌륭한 음악가로 성장했습니다. 베이시스트 Dave Holland는 젊은 재능을 발견한 훌륭한 사람이기도 합니다. 그의 많은 발견에는 색소폰 연주자/M 베이스 연주자 Steve Coleman, 색소폰 연주자 Steve Wilson, 비브라폰 연주자 Steve Nelson 및 드러머 Billy Kilson과 같은 아티스트가 포함됩니다. 젊은 인재들의 또 다른 위대한 멘토로는 피아니스트 칙 코리아(Chick Corea), 고 드러머 엘빈 존스(Elvin Jones), 가수 베티 카터(Betty Carter)가 있습니다. 재능을 개발하는 방법과 그 표현 수단이 예측할 수 없고 오늘날 장려되는 다양한 재즈 장르의 결합된 노력이 배가되기 때문에 재즈의 추가 발전을 위한 잠재적인 기회는 현재 상당히 큽니다.

소울, 스윙?

아마도 모든 사람들은 이 스타일의 작곡이 어떻게 들리는지 알고 있을 것입니다. 이 장르는 20세기 초 미국에서 발생했으며 아프리카와 유럽 문화의 특정 조합을 나타냅니다. 놀라운 음악은 거의 즉시 관심을 끌었고 팬을 찾았으며 빠르게 전 세계로 퍼졌습니다.

다음을 결합하여 재즈 뮤지컬 칵테일을 전달하는 것은 매우 어렵습니다.

  • 밝고 활기찬 음악;
  • 아프리카 드럼의 독특한 리듬;
  • 침례교나 개신교의 교회 찬송가.

음악에서 재즈란 무엇인가? 이 개념은 서로 상호 작용하여 세상에 독특한 음악을 제공하는 겉보기에 양립할 수 없는 동기를 포함하고 있기 때문에 정의하기가 매우 어렵습니다.

특징

재즈의 특징은 무엇인가요? 재즈리듬이란? 그리고 이 음악의 특징은 무엇인가요? 스타일의 특징은 다음과 같습니다.

  • 특정 폴리리듬;
  • 비트의 지속적인 맥동;
  • 일련의 리듬;
  • 즉흥 연주.

이 스타일의 음악적 범위는 다채롭고 밝고 조화롭습니다. 함께 합쳐지는 여러 개의 개별 음색을 명확하게 보여줍니다. 이 스타일은 즉흥 연주와 미리 생각해 놓은 멜로디의 독특한 조합을 기반으로 합니다. 즉흥 연주는 한 명의 솔리스트 또는 여러 명의 연주자가 합주하여 연습할 수 있습니다. 가장 중요한 것은 전체적인 사운드가 명확하고 리드미컬하다는 것입니다.

재즈의 역사

이 음악적 방향은 한 세기에 걸쳐 발전하고 형성되었습니다. 재즈는 서로를 이해하기 위해 아프리카에서 미국으로 끌려온 흑인 노예들이 하나가 되는 법을 배우면서 아프리카 문화의 가장 깊은 곳에서 탄생했습니다. 그리고 그 결과 하나의 통일된 음악예술을 탄생시켰다.

아프리카 멜로디 연주는 춤 동작과 복잡한 리듬을 사용하는 것이 특징입니다. 이들 모두는 일반적인 블루스 멜로디와 함께 완전히 새로운 음악 예술 창조의 기초를 형성했습니다.

재즈 예술에서 아프리카와 유럽 문화를 결합하는 전체 과정은 18세기 말에 시작되어 19세기 내내 계속되었으며, 20세기 말에야 음악에 완전히 새로운 방향이 등장하게 되었습니다.

재즈는 언제 등장했나요? 웨스트 코스트 재즈란 무엇인가요? 질문은 매우 모호합니다. 이러한 경향은 대략 19세기 말에 미국 남부 뉴올리언스에서 나타났습니다.

재즈 음악 출현의 초기 단계는 일종의 즉흥 연주와 동일한 음악 구성에 대한 작업이 특징입니다. 행진곡을 배경으로 메인 트럼펫 솔리스트, 트롬본, 클라리넷 연주자들이 타악기와 함께 연주했습니다.

기본 스타일

재즈의 역사는 꽤 오래 전부터 시작되었고, 이러한 음악적 방향의 발전으로 인해 다양한 스타일이 등장하게 되었다. 예를 들어:

  • 고대 재즈;
  • 블루스;
  • 영혼;
  • 소울 재즈;
  • 스캣;
  • 뉴올리언스 스타일의 재즈;
  • 소리;
  • 그네.

재즈의 발상지는 이 음악 운동의 스타일에 큰 흔적을 남겼습니다. 소규모 앙상블이 만들어낸 최초이자 전통적인 유형은 고풍스러운 재즈였습니다. 음악은 블루스를 주제로 한 즉흥 연주는 물론 유럽 노래와 춤의 형태로 만들어집니다.

블루스는 상당히 특징적인 방향으로 간주될 수 있으며, 그 멜로디는 명확한 비트를 기반으로 합니다. 이러한 유형의 장르는 잃어버린 사랑에 대한 불쌍한 태도와 미화를 특징으로 합니다. 동시에 텍스트에서는 가벼운 유머를 찾을 수 있습니다. 재즈 음악은 일종의 기악 댄스 작품을 의미합니다.

전통적인 흑인 음악은 블루스 전통과 직접적으로 관련된 소울 운동으로 간주됩니다. 뉴올리언스 재즈는 매우 흥미로운 소리로 들립니다. 이는 매우 정확한 2비트 리듬과 여러 개별 멜로디의 존재로 구별됩니다. 이 방향은 주요 주제가 다양한 변형으로 여러 번 반복된다는 사실이 특징입니다.

러시아에서는

30년대에는 우리나라에서 재즈가 큰 인기를 끌었습니다. 소련 음악가들은 30년대에 블루스와 소울이 무엇인지 배웠습니다. 이 방향에 대한 당국의 태도는 매우 부정적이었습니다. 처음에는 재즈 연주자가 금지되지 않았습니다. 그러나 이러한 음악적 방향이 서구문화 전체의 한 구성요소라는 점에 대해서는 상당히 신랄한 비판이 있었다.

40년대 후반에는 재즈 그룹이 박해를 받았습니다. 시간이 지남에 따라 음악가에 대한 탄압은 중단되었지만 비판은 계속되었습니다.

재즈에 관한 흥미롭고 매혹적인 사실

재즈의 발상지는 다양한 음악 스타일이 결합된 미국이다. 이 음악은 고국에서 강제로 끌려간 아프리카 민족의 억압받고 권리를 박탈당한 대표자들 사이에서 처음 나타났습니다. 드물게 쉬는 시간에 노예들은 악기가 없었기 때문에 손뼉을 치며 전통 노래를 불렀습니다.

처음에는 진짜 아프리카 음악이었습니다. 그러나 시간이 지나면서 변화가 생겼고, 그 안에 종교적인 기독교 찬송가의 모티프가 등장하게 되었다. 19세기 말에는 자신의 삶에 대한 항의와 불평을 담은 노래도 등장했다. 그러한 노래는 블루스라고 불리기 시작했습니다.

재즈의 주요 특징은 자유로운 리듬과 멜로디 스타일의 완전한 자유로 간주됩니다. 재즈 뮤지션은 개별적으로나 집단적으로 즉흥 연주를 할 수 있어야 했습니다.

뉴올리언스에서 시작된 재즈는 다소 어려운 길을 걸어왔습니다. 처음에는 미국에서, 그 다음에는 전 세계로 퍼졌습니다.

최고의 재즈 연주자들

재즈는 남다른 창의성과 열정으로 가득 찬 특별한 음악이다. 그녀는 경계나 한계를 모릅니다. 유명한 재즈 연주자들은 문자 그대로 음악에 생명을 불어넣고 에너지로 채울 수 있습니다.

가장 유명한 재즈 연주자는 루이 암스트롱(Louis Armstrong)으로, 생동감 넘치는 스타일, 기교, 독창성으로 존경받습니다. 암스트롱은 역사상 가장 위대한 음악가이기 때문에 재즈 음악에 대한 암스트롱의 영향력은 매우 중요합니다.

Duke Ellington은 자신의 음악 그룹을 실험 수행을 위한 음악 실험실로 사용하면서 이러한 방향에 큰 공헌을 했습니다. 수년간의 창작 활동을 통해 그는 독창적이고 독특한 작곡을 많이 썼습니다.

80년대 초, Wynton Marsalis는 진정한 센세이션을 일으키고 이 음악에 대한 새로운 관심을 불러일으킨 어쿠스틱 재즈 연주를 선택하면서 진정한 발견이 되었습니다.

크리스토퍼 콜럼버스가 신대륙을 발견하고 유럽인들이 그곳에 정착한 후, 인간 물품을 거래하는 선박들은 점점 더 미국 해안으로 향했습니다.

힘든 노동에 지치고 향수병에 시달리고 경비원의 잔인한 처우로 고통받는 노예들은 음악에서 위안을 찾았습니다. 점차적으로 미국인과 유럽인들은 특이한 멜로디와 리듬에 관심을 갖게 되었습니다. 재즈는 이렇게 탄생했다. 재즈 란 무엇이며 그 특징은 무엇입니까? 이 기사에서는 고려할 것입니다.

음악 방향의 특징

재즈에는 즉흥 연주(스윙)와 특별한 리듬 구조(싱코페이션)를 기반으로 하는 아프리카계 미국인 음악이 포함됩니다. 한 사람이 곡을 쓰고 다른 사람이 연주하는 다른 장르와 달리 재즈 연주자는 작곡가이기도 합니다.

멜로디는 저절로 만들어지며, 작곡과 연주의 기간은 최소한의 기간으로 구분됩니다. 재즈는 이렇게 탄생합니다. 오케스트라? 이것이 바로 음악가들이 서로 적응하는 능력이다. 동시에 모든 사람은 즉흥적으로 자신의 것을 만듭니다.

자발적인 작곡의 결과는 악보(T. Cowler, G. Arlen "Happy All Day", D. Ellington "Don't You Know What I Love?" 등)에 저장됩니다.

시간이 지나면서 아프리카 음악은 유럽 음악과 합성되었습니다. 가소성, 리듬, 멜로디, 소리의 하모니를 결합한 멜로디가 등장했습니다(CEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece 등).

지도

재즈에는 30가지가 넘는 스타일이 있습니다. 그 중 일부를 살펴보겠습니다.

1. 블루스. 영어로 번역된 이 단어는 "슬픔", "우울함"을 의미합니다. 처음에 블루스는 아프리카계 미국인의 서정적인 솔로 노래에 붙여진 이름이었습니다. 재즈 블루스는 세 줄의 시 형식에 해당하는 12마디 기간입니다. 블루스 작곡은 느린 템포로 연주되며 가사에는 절제된 표현이 있습니다. 블루스 - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith 등.

2. 래그타임. 스타일 이름을 문자 그대로 번역하면 찢어진 시간입니다. 음악 용어에서 "래그(rag)"는 소절 박자 사이에 추가되는 소리를 의미합니다. 이 운동은 해외 사람들이 F. 슈베르트, F. 쇼팽, F. 리스트의 작품에 관심을 갖게 된 이후 미국에서 나타났습니다. 유럽 ​​작곡가들의 음악은 재즈 스타일로 연주되었습니다. 나중에 독창적인 작곡이 등장했습니다. Ragtime은 S. Joplin, D. Scott, D. Lamb 등의 작품에서 전형적입니다.

3. 부기우기. 이 스타일은 지난 세기 초에 나타났습니다. 값싼 카페의 주인은 재즈를 연주할 음악가가 필요했습니다. 이런 반주를 하려면 오케스트라가 있어야 하는 것은 당연하지만, 많은 연주자를 초대하는 데는 비용이 많이 든다. 피아니스트들은 다양한 악기의 사운드를 보완하여 수많은 리듬 구성을 만들어냈습니다. 부기 기능:

  • 즉흥 연주;
  • 기교적 기술;
  • 특별 반주: 왼손은 모터 오스틴 구성을 수행하고 베이스와 멜로디 사이의 간격은 2~3옥타브입니다.
  • 지속적인 리듬;
  • 페달 제외.

부기우기는 로미오 넬슨(Romeo Nelson), 아서 몬타나 테일러(Arthur Montana Taylor), 찰스 에이버리(Charles Avery) 등이 연기했습니다.

스타일 범례

재즈는 전 세계 여러 나라에서 인기가 있습니다. 어디에나 자신만의 스타가 있고 수많은 팬들로 둘러싸여 있지만 일부 이름은 진정한 전설이 되었습니다. 특히 루이 암스트롱(Louis Armstrong)이 그러한 음악가로 알려져 있습니다.

루이가 교정 수용소에 갇히지 않았다면 가난한 흑인 동네 소년의 운명이 어땠을지는 알려지지 않았습니다. 밴드가 재즈를 연주하지는 않았지만 미래의 스타는 브라스 밴드에 등록되었습니다. 그리고 그것이 어떻게 수행되었는지, 청년은 훨씬 나중에 스스로 발견했습니다. 암스트롱은 근면과 인내 덕분에 세계적인 명성을 얻었습니다.

Billie Holiday(본명 Eleanor Fagan)는 재즈 노래의 창시자로 간주됩니다. 가수는 지난 세기 50년대 나이트클럽의 장면을 연극 무대로 바꾸면서 인기의 정점에 도달했습니다.

3옥타브 범위의 소유자인 Ella Fitzgerald의 삶은 쉽지 않았습니다. 어머니가 돌아가신 후 그 소녀는 집을 떠나 그다지 품위없는 생활 방식을 살았습니다. 가수 경력의 시작은 아마추어 나이트 음악 대회에서의 공연이었습니다.

조지 거슈윈(George Gershwin)은 세계적으로 유명합니다. 작곡가는 클래식 음악을 기반으로 재즈 작품을 만들었습니다. 예상치 못한 연주 방식은 청취자와 동료를 사로잡았습니다. 콘서트에는 변함없이 박수가 수반되었습니다. D. Gershwin의 가장 유명한 작품은 "Rhapsody in Blue"(Fred Grof와 공동 집필), 오페라 "Porgy and Bess", "An American in Paris"입니다.

또한 인기 있는 재즈 연주자는 Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis 등이었습니다.

소련의 재즈

소련에서 이 음악 운동의 출현은 시인이자 번역가이자 연극인인 발렌틴 파르나크(Valentin Parnakh)의 이름과 관련이 있습니다. 거장이 이끄는 재즈 밴드의 첫 번째 콘서트는 1922년에 열렸습니다. 나중에 A. Tsfasman, L. Utesov, Y. Skomorovsky는 악기 연주와 오페레타를 결합하여 연극 재즈의 방향을 형성했습니다. E. Rosner와 O. Lundstrem은 재즈 음악을 대중화하는 데 많은 노력을 기울였습니다.

1940년대 재즈는 부르주아 문화의 현상으로 널리 비판받았다. 50년대와 60년대에는 공연자에 대한 공격이 중단되었습니다. 재즈 앙상블은 RSFSR과 다른 연합 공화국에서 만들어졌습니다.

오늘날 재즈는 콘서트장과 클럽에서 자유롭게 연주됩니다.