우리는 거의 매일 “구성”이라는 용어를 접합니다. 더 넓은 범위에서는 음악, 회화, 문학 등 다양한 예술 분야와 관련이 있습니다. 이제 우리는 다양한 형태의 구성이 무엇인지, 그것을 정의하는 측면이 무엇인지, 어떻게 생성되는지 자세히 알아 보겠습니다.

문학

이 아름다움 분야에서는 구성을 다음과 같이 정의합니다. 이는 하나의 작품 내에서 부분, 다양한 에피소드, 캐릭터, 행동 및 기타 예술적 표현 수단 간의 구성, 배포 및 관계입니다. 문학의 구성이 무엇인지 이야기할 때 모든 요소가 하나의 전체로 연결되어 있다는 점을 기억하는 것이 중요합니다. 문학 작품은 풍경, 정물, 초상화, 대화와 독백, 서정적 여담, 은유와 과장, 과장과 절제 등으로 구성될 수 있습니다. 이 모든 것이 전체적으로 합쳐지면 이야기, 소설, 시 또는 작은 시가 됩니다.

음악

예를 들어 음악에 어떤 구성이 있는지 말하면 절대적으로 모든 작업을 취할 수 있으며 그것이 3 학년 에뛰드인지 여러 부분으로 구성된 전체 교향곡인지는 중요하지 않습니다. 이 경우 구성은 소리의 특정 억양을 사용하여 객관적인 비교, 배포 및 표현입니다. 이러한 유형의 예술과 민속의 주요 차이점은 즉흥성이 부족하다는 것입니다. 음악 작곡(더 자주 "opuses"라고 함)은 악보에 작성됩니다. 또한 음표는 소리뿐만 아니라 음영, 스트로크, 강약, 리듬 및 템포도 나타냅니다.

역사와 현대성

위에서 언급했듯이 음악 작품은 매우 정확한 표기법으로 인해 안정성과 불변성이 특징입니다. 모든 작품의 두 번째 중요한 구성 요소는 저자입니다. 작곡가는 자신의 악기뿐만 아니라 솔페지오, 그리고 자신이 창작하는 스타일과 관련된 음악적 표준도 완벽하게 알아야 합니다. 예전에는 '작곡'이라는 용어가 단일한 리듬, 템포, 음조로 유지되는 작품만을 지칭하는 데 사용되었습니다. 수명이 짧았지만 매우 아름답고 선율적이었습니다. 보표에 녹음된 최초의 음악 작곡은 르네상스 시대에 나타났습니다. 그 당시에는 모드, 리듬 및 크기를 유지하는 등 모든 사람에게 음악 작성 표준이 의무적이었습니다. 낭만주의 시대의 도래와 함께 변조가 유행했습니다. 즉, 한 키에서 다른 키로의 전환입니다. 19세기와 20세기의 작곡가들은 곡의 선율뿐만 아니라 곡의 크기와 템포에도 변화를 주기 시작했다. 그래서 음악적 구성은 더욱 풍부하고 생동감 넘치게 되었습니다. 오늘날에는 음악 작가를 위한 명확한 프레임워크가 없습니다. 가장 중요한 것은 결과 작업이 귀에 즐거워야 한다는 것입니다.

그림

미술을 통해 우리는 구성이 무엇인지 가장 정확하게 이해할 수 있습니다. 그림에서 예술가는 항상 자신의 아이디어, 분위기 및 특정 분위기를 관객에게 전달합니다. 그림 구성의 유형은 모든 사람에게 알려져 있습니다. 풍경, 초상화, 정물입니다. 20세기 예술가와 동시대 예술가의 작품 중에는 표현주의 캔버스, 초현실주의 캔버스 등이 있습니다. 그림은 무엇이든 색, 빛과 그림자, 모양(각진 또는 둥근 모양)은 물론 주인공이나 인물을 통해 항상 우리에게 분위기를 전달합니다. 예를 들어, 기하학적 모양의 그래픽 구성은 빛과 그림자가 있고 항상 볼륨이 그려지는 다양한 원뿔, 피라미드, 공 및 입방체 세트입니다. 이 기하학을 기반으로 한 그림은 집, 기차, 교회 등 더 복잡할 수 있습니다. 한마디로, 관점에 들어가는 모든 것. 그림에서 비표준 구성을 묘사한 저명한 대표자로는 살바도르 달리(Salvador Dali), 파블로 피카소(Pablo Picasso), 에드바르 뭉크(Edvard Munch) 등이 있습니다.

예술의 일부로서의 기념품

새해의 구성은 독특하고 독특합니다. 다양한 꽃다발, 꽃다발, 화환, 미니 크리스마스 트리 등이 있습니다. 그러한 창조물은 솔직히 말해서 정말 멋져 보입니다. 그들은 가문비 나무 가지, 원뿔, 리본, 마가목 뭉치로 구성됩니다. 종종 촛대가 부착되고 양초 자체가 그 안에 배치됩니다. 또한 새해 구성은 가짜 선물 (선물 종이에 싸인 거품), 종, 공, 활 등으로 구성 될 수 있습니다. 이러한 창작물은 매장에서 구입하거나 직접 손으로 만들 수 있습니다. 구성의 주요 규칙을 고려하는 것이 중요합니다. 모든 요소는 서로 결합되어야합니다. 이는 모양, 색상 및 크기에 적용됩니다.

자신의 손으로 새해 작곡 만들기

가장 간단한 새해 공예품은 화환 촛불 스탠드입니다. 그것은 둥근 모양을 가지고 있으며 전나무 가지, 원뿔 등 이번 휴일의 주요 속성으로 구성됩니다. 따라서 다음 구성 요소가 필요합니다. 기본 - 두꺼운 판지 또는 플라스틱으로 만든 필요한 직경의 원입니다. 얇은 소나무 가지; 콘; 마가목 열매 다발 (선택 사항), 붉은 색의 소형 공 (또는 활이 달린 미니 선물). 구성에 마가목이 있기 때문에 빨간색에 중점을 둡니다. 양초를 베이스 중앙에 놓고 단단히 고정합니다. 그런 다음 모든 요소를 ​​혼란스러운 순서로 붙입니다. 가장 중요한 것은 그것이 아름답게 보인다는 것입니다. 짜잔! 새해 꽃다발이 준비되었습니다!

영감을 얻고 아름다운 것을 창조해 보세요

휴일이나 기분에 맞게 자신의 손으로 이러한 구성을 만들 수 있습니다. 예를 들어, 할로윈에는 새해와 비슷한 것이 작은 호박, 유령 인형, 마녀 모자, 거미줄로 만들어집니다. 가을 축제를 위해서만 단풍으로 멋진 구성을 만들고 둥근 화환뿐만 아니라 간단한 A4 용지도 기초로 삼아 흥미로운 응용 프로그램을 만들 수 있습니다. 여름 구성에는 과일, 열매, 잎, 빨간색 및 녹색 리본이 포함될 수 있습니다. 음, 청록색 색상, 조개 및 어망 덕분에 해양 테마 모티프를 쉽게 만들 수 있습니다.

언뜻 보면 음악을 만드는 것은 엄청나게 어려운 작업처럼 보일 수 있습니다. 그리고 자신만의 멜로디를 만들고 싶은 사람들에게 가장 먼저 떠오르는 질문은 “어디부터 시작해야 할까?”이다. 그러나 음악 작곡의 아름다움은 작업을 어디서 시작하고 어떻게 끝내야 하는지 알려주는 명확한 규칙이나 제한이 없다는 것입니다. 하지만 물론 창의적인 과정을 시작하는 데 도움이 되는 몇 가지 방법이 있습니다.

구성에는 여러 가지 접근 방식이 있지만 다음 세 가지 사항을 염두에 두어야 합니다.

• 조화
• 멜로디

이것이 세 가지 기본 음악이다. 원하는 순서대로 배치하거나, ​​일부를 혼합하거나, 일부를 완전히 무시할 수 있습니다. 많은 작곡가들은 화성이나 멜로디, 타이밍을 고려하지 않고 실험을 합니다.

스윙이라는 요소를 하나 더 추가할 수 있습니다. 그리고 스윙은 일반적으로 재즈와 즉흥음악으로 분류되지만, 다른 스타일의 음악을 만든다면 버리지 말아야 한다.

음악을 만들려면 몇 가지 기술이 있어야 한다는 점도 기억할 가치가 있습니다.

1. 음악을 읽는 능력.

이것이 첫 번째이자 가장 중요한 포인트입니다. 악보를 작성해 주는 일부 프로그램을 사용하더라도 즉시 읽을 수 있어야 합니다. 그리고 물론 음악 활용 능력도 알아야 합니다. 이는 음악가가 할 수 있는 가장 기본적인 일이다. 일시 중지 기호가 어떻게 생겼는지, 어떤 기호가 다양한 효과(스타카토, 트레몰로, 피아노, 포르테 등)를 나타내는지 알아야 합니다.

2. 다양한 음악 스타일을 알아야 합니다.

자신이 좋아하는 음악이 아닌 다른 스타일의 음악을 공부하는 것이 무의미하다고 생각할 수도 있는데, 그것은 큰 착각입니다. 거친 메탈 헤드가 클래식 음악을 듣는 것이 적절하지 않다고 생각해서는 안됩니다. 많은 록 스타가 클래식 음악을 좋아하고 듣는다고 반복해서 말했습니다. 재즈 애호가는 단순한 음악 스타일을 무시해서는 안 되며, 세련된 클래식 청취자는 랩과 힙합에 코를 대서는 안 됩니다. 그리고 모든 음악이 주목할 가치가 있기 때문은 아닙니다. 다양한 스타일을 들으면서 시야가 넓어지고 음악의 새로운 기술을 배울 수 있습니다. 또한 즐거움을 위해 음악을 듣는 것뿐만 아니라 말 그대로 마음 속에서 개별 악기로 음악을 "분해"해보십시오. 당신이 듣는 것을 분석하십시오. 특정 소리를 만드는 방법을 이해하려고 노력하십시오.

3. 악기 소리가 어떤지 알아보세요

기존의 모든 악기가 어떤 소리를 내는지(적어도 가장 일반적인 것) 알아내려고 노력하세요. 특정 효과, "가젯" 등이 어떻게 들리는지 알아야 합니다. 물론 복잡한 음악을 창작하지는 않을 것이라고 말할 수도 있지만, 악기의 소리를 아는 것은 최소한 귀를 발달시키고 시야를 넓히는 데 도움이 될 것입니다. 글쎄요, 아마도 미래에는 여러분의 악기 중 하나에 다른 악기를 추가하고 싶을 수도 있습니다.

준비

좋아하는 노래를 모두 듣고 패턴, 즉 공통점이 있는지 확인해보세요. 대조되는 구절이 있나요? 몇 개나 있나요? 얼마나 오래 걸리나요? 어떤 기술이 반복됩니까? 멜로디의 리듬이 반복되나요? 이러한 구성은 어떤 분위기를 조성합니까? 그들은 그걸 어떻게 햇어? 그들은 같은 톤을 따르나요?

나중에 아이디어의 원천이 될 분석하고 메모해 보세요.

1단계: 스타일

어떤 스타일로 음악을 만들고 싶은지 결정하세요. 이 스타일의 작곡을 듣고 어떤 기술이 사용되었는지, 전체 작곡이 동일한 미터(예: 4/4)를 얼마나 자주 준수하는지 분석하십시오. 비슷한 일을 할 것인지 실험을 할 것인지 고려하십시오.

2단계: 모양

구성의 모양을 결정하십시오. 대부분의 음악 작품은 동일한 부분(반복 부분)으로 구성되거나 서로 다른 부분(대조 부분)으로 구성됩니다. 컴포지션의 길이와 포함할 섹션 수를 결정합니다. 각 스타일에는 재즈나 블루스 시대의 32마디 AABA 형식과 같이 각각 4마디를 포함하는 3개의 프레이즈로 구성된 고유한 공통 형식 세트가 있다는 점을 기억하세요. 기존 것 중 하나를 사용하거나 직접 생각해 낼 수 있습니다. 너무 복잡하게 만들지 마십시오.

3단계: 아이디어 만들기

장치를 사용하여 아이디어를 기록하세요. 마음에 떠오르는 몇 곡을 연주해 보세요. 아니면 노래를 부르세요. 이 멜로디는 완벽할 필요는 없습니다. 당신 외에는 누구도 들을 수 없습니다.

4단계: 첫 번째 음악적 동기

이제 녹음한 내용을 들어보세요. 완전한 멜로디로 발전할 수 있는 좋아하는 것이 있나요? 정말로 좋아하는 것을 선택할 수 없다면 언제든지 기존의 리듬과 음표를 활용하면 됩니다. 이 단계에서 만드는 스케치는 복잡할 필요가 없습니다. 당신의 임무는 당신이 구축할 수 있는 기반을 만드는 것입니다.

5단계: 모티브 변형

이제 동기가 생겼으므로 다음을 수행할 수 있습니다. 확장, 축소, 뒤로 재생, 반복할 수 있습니다. 조금 변경할 수도 있고 인식할 수 없을 정도로 변경할 수도 있습니다. 이렇게 하면 보다 완전한 생각이나 아이디어인 음악적 프레이즈를 만들 수 있습니다.

6단계: 대비 섹션

거의 모든 스타일의 음악에는 작품에 풍미를 더하는 대조되는 부분이 있습니다. 이 기능은 팝이나 록 노래의 브리지, 재즈의 B 섹션, 클래식 소나타의 전개에서 수행됩니다. 대조 부분을 작성하려면 주요 모티프를 연주하지 않도록 4단계와 5단계를 반복하십시오. 다른 리듬으로 할 수도 있고, 다른 분위기를 줄 수도 있습니다.

7단계: 모든 것을 하나로 합치기

이제 두 개의 대조되는 섹션이 있으므로 이제 이를 결합해야 합니다. 멜로디를 만들고 싶은 형태를 생각해 보세요. 최종적으로 완성되는 것이 이에 맞을까요? 상황을 바꾸는 것을 두려워하지 마십시오. 멜로디가 완성되었는지, 아니면 다른 것을 추가해야 하는지 확인하세요. 다른 것을 추가해야 한다고 생각하시나요?

8단계: 배열

예를 들어 (피아노를 연주하는 경우) 장식을 추가하고 왼손 멜로디로 지원하여 멜로디를 본격적인 음악 작곡으로 바꾸세요. 다른 악기나 보컬을 추가해야 하는지 생각해 보세요. 전반적으로 작곡이 원하는 대로 들리도록 모든 작업을 수행하세요. 당신의 작곡에 흥미로운 것을 추가할 수 있도록 친숙한 음악가에게 도움을 요청할 수 있습니다.

음악은 작곡가의 창의적인 행위의 결과물이다.

완전한 예술적 전체로서의 작곡 개념은 즉시 발전하지 않았습니다. 그 형성은 음악 예술에서 즉흥 연주의 역할 감소 및 악보 표기법의 개선과 밀접하게 관련되어 있으며, 이는 특정 개발 단계에서 음악 작품의 본질적인 특징을 작문으로 정확하게 기록하는 것을 가능하게 했습니다. 결과적으로 이 곡은 기보법이 높이뿐만 아니라 소리의 지속 시간도 기록하는 수단을 개발한 13세기에야 현대적인 의미를 갖게 되었습니다. 모든 작곡은 해당 시대 음악 예술의 일반 및 개별 특징을 모두 반영합니다.

음악의 역사는 크게 주요 음악가들의 뛰어난 작품을 작곡한 역사이다. 구성은 결코 절대적으로 완전하지 않습니다. 하나의 예술 작품의 경계 내에서나 예술적 움직임, 움직임 또는 스타일의 규모에서나 마찬가지입니다. 구성은 상태가 아니라 과정이다. S. Daniel의 정의에 따르면 구성은 "나무의 뿌리와 면류관, 가지, 싹을 유기적으로 연결하는 나무 줄기와 같은 구성의 시작인 아이디어의 발전을 실현하는 과정"으로 생각되고 구현되고 인식됩니다. 그림 같은 형태다.”

각 예술 작품은 하나 이상의 역사적 순간을 반영하지만 보편적인 것과 현재의 것, 전통과 혁신, 알려진 것과 알려지지 않은 것, 쉽게 알아볼 수 있는 것의 기쁨과 특이한 것의 놀라움이 융합된 것입니다. 새로운.

음악

무대 예술의 표현 수단을 마스터하는 능력인 진정한 숙달은 다른 요소와 함께 음악 문화 수준에 따라 달라집니다. 결국 음악은 거의 모든 장르의 연극 공연에서 가장 중요한 요소 중 하나입니다. 음악은 예술을 표현하는 수단이다.

어떤 책도 음악 자체를 대신할 수는 없습니다. 주의를 집중시키고, 음악 형식의 특징을 이해하는 데 도움을 주며, 작곡가의 의도를 소개할 수 있을 뿐입니다. 그러나 음악을 듣지 않으면 책에서 얻은 모든 지식은 죽은 지식과 학문적 지식으로 남게 됩니다. 사람이 음악을 더 정기적으로 주의 깊게 들을수록 더 많은 것을 듣기 시작합니다. 그러나 듣는 것과 듣는 것은 같은 것이 아닙니다. 처음에는 음악이 복잡해 보이고 인식하기 어려운 것처럼 보입니다. 성급하게 결론을 내리면 안 됩니다. 반복해서 듣는다면 분명 그 비유적인 내용이 드러나고 미적 즐거움의 원천이 될 것입니다.

하지만 음악을 감성적으로 경험하려면 소리 자체를 인식해야 합니다. 사람이 음악에 감정적으로 반응하지만 동시에 구별하고, 구별하고, "듣는" 능력이 거의 없다면 표현 내용의 일부만이 그에게 도달하게 됩니다.

음악은 액션에서 사용되는 방식에 따라 플롯과 관습이라는 두 가지 주요 범주로 나뉩니다.

연극의 플롯 음악은 다양한 기능을 가지고 있습니다. 어떤 경우에는 극작법을 직접 침해하지 않고 별도의 장면의 감정적 또는 의미적 특성만 제공합니다. 다른 경우에는 스토리 음악이 주요 극적인 요소가 될 수 있습니다.

스토리 음악은 다음을 수행할 수 있습니다.

· 캐릭터를 특성화합니다.

· 행동의 장소와 시간을 나타냅니다.

· 무대 액션의 분위기와 분위기를 조성합니다.

· 보는 사람에게 보이지 않는 행동에 대해 이야기해 보세요.

나열된 기능은 당연히 극적인 공연에서 줄거리 음악을 사용하는 다양한 기술을 소진시키지 않습니다.

줄거리 음악보다 전통적인 음악을 공연에 도입하는 것이 훨씬 더 어렵습니다. 그 관습은 무대에서 보여지는 삶의 현실과 충돌할 수 있다. 그러므로 전통적인 음악에는 항상 설득력 있는 내부 정당화가 필요합니다. 동시에, 그러한 음악의 표현 가능성은 매우 넓습니다. 다양한 오케스트라뿐만 아니라 보컬 및 합창 수단도 사용할 수 있습니다.

조건부 음악은 다음을 수행할 수 있습니다.

· 대화와 독백을 감정적으로 강화하고,

· 캐릭터를 특성화

· 공연의 구성적, 구성적 구조를 강조하고,

· 갈등을 악화시킵니다.

공연에서 음악의 일반적인 기능 중 하나는 예시입니다. 예시를 통해 우리는 음악과 무대 액션의 직접적인 연관성을 이해합니다. 캐릭터는 좋은 소식을 받았습니다. 그는 쾌활한 노래를 흥얼거리거나 라디오 소리에 맞춰 춤을 춥니다. 무대 뒤의 음악은 폭풍의 그림을 묘사합니다. 드라마틱하게 들리는 음악은 무대 등의 드라마틱한 상황을 표현합니다. 이러한 음악 사용의 예는 거의 모든 공연에서 찾을 수 있습니다. 뚜렷한 감성으로 인해 음악은 극적인 기능을 수행할 때 공연의 정서적 분위기에 적극적으로 영향을 미칩니다.

음악은 점점 더 활동적인 감정 원리가 되어가고 있습니다. 음악은 실제로 액션, 공연 분위기와 연결되어 있으며 드라마의 본질을 드러내고 보완하도록 설계되었습니다. 따라서 뮤지컬 작품의 정서적, 리듬적 구조를 느끼는 배우와 감독의 능력, 음악과 함께 미장센을 구축하고 연기하고 움직이는 능력과 능력이 매우 중요해진다.

멜로디는 음악 예술의 가장 중요한 요소입니다. 가수가 반주 없이 노래할 때 우리는 멜로디, 즉 "표현된 단선적인 음악적 생각"을 듣습니다. 이 멜로디는 독립적인 예술 작품이 될 수 있습니다. 공연을 위한 음악은 주로 관례적으로 선택되는데, 그 이유는 극작가가 극의 무대 방향에 따라 줄거리를 미리 결정하기 때문입니다.

음악 자료를 선택하는 것은 복잡한 과정입니다. 감독은 한 작가 또는 다른 작가의 음악 작품 조각을 사용하여 무대 공연의 성격과 전체 구조에 해당하는 질적으로 새롭고 전체적인 작품을 "재창조"합니다. 이러한 멜로디가 동일한 장르와 스타일에 속한다면 프레젠테이션은 더욱 전체적이고 완전해질 것입니다. 따라서 창작적 성격이 유사한 한 명 이상의 작곡가의 작품 중에서 음악을 선택하는 것이 바람직하다.

음악은 공연의 표현 수단 중 하나라는 점을 기억하고, 예술은 자연의 놀라움의 논리로 삶을 이해한다는 점을 기억해야 합니다. 따라서 감독은 빛, 소리, “공연의 리듬, 모든 구성 요소”를 구성하는 데 있어 대위법주의자여야 합니다. , 그래야만 연극이 교향곡처럼 들리고 "진주색"으로 반짝 일 것입니다.

이 노래는 성악의 가장 일반적인 장르 중 하나이며, 시적인 텍스트와 기억하기 쉬운 멜로디를 결합합니다. 노래는 한 명의 연주자가 연주할 수도 있고, 그룹이나 합창단이 악기 반주와 아카펠라와 함께 연주할 수도 있습니다.

가장 인기있는 것은 노래입니다. 기본 및 구성. 주요 차이점은 작곡가의 예술에는 적어도 한 명의 작가가 있지만 민속 예술에는 창작자가 없다는 것입니다.

민요는 노년층에서 젊은 세대로 전해집니다. 그들은 레퍼토리에 추가하고 도시에서 도시로 이동하여 다른 청취자들에게 전달한 여행하는 음악가 덕분에 전국에 퍼졌습니다. 서민들은 읽고 쓰는 법을 배우지 못했고, 악보와 가사를 쓰는 법도 몰랐기 때문에 노래를 암기했습니다. 당연히, 다른 도시에서는 같은 곡을 다른 가사나 멜로디로 부를 수 있었습니다. 게다가 연주자마다 가사나 모티브를 마음대로 바꿀 수 있어서 요즘에는 한 곡에 대해 여러 버전이 있는 것을 볼 수 있습니다. 처음에 사람들은 결혼식, 장례식, 아이의 탄생을 축하하는 행사, 의식 중에 노래를 불렀습니다. 그러다가 사람들은 일할 때 노래를 부르기 시작했고, 슬플 때나 기쁠 때는 쉬었습니다.

작곡가의 노래는 대략 16~17세기 세속문화의 발전과 함께 등장했다. 특정 작가가 한 명 이상 있고 창작자의 의도대로 공연되어야 하는 작품입니다. 작곡가의 노래 작업은 창작된 지 몇 세기가 지났음에도 불구하고 원래의 형태로 청취자에게 전달됩니다.

노래의 종류

다음과 같은 노래 장르가 있습니다.

• 작가(또는 음유시인);
• 나폴리;
• 찬송가;
• 사람들;
• 역사적인;
• 록 발라드;
• 다양성;
• 국가;
• 로맨스;
• 샹송;
• ditties;
• 자장가;
• 어린이;
• 송곳.

여기에는 고대 및 현대 노래 장르가 모두 나열되어 있습니다. 그 중 일부 예: O. Mityaev(Bardovskaya)의 "오늘 우리 모두가 여기에 모이게 되어 기쁩니다." “오, 서리, 서리”(민속); A. Pushkin의 말에 대한 M. Glinka의 "나는 멋진 순간을 기억합니다"(로맨스); E. de Curtis와 J. de Curtis(나폴리)의 “Return to Sorrento”; “군인, 용감한 소년”(전투원) 등.

러시아 민요

민요는 의식용과 비의식으로 나누어진다. 의식은 결혼식, 장례식, 아이의 탄생, 수확 등 모든 의식에 수반됩니다. 비의식 - 특정 행사가 아닌 모임, 대화 및 파티에서 분위기에 맞춰 노래를 부르며 사람들의 감정과 경험을 표현합니다. 민요의 주제는 사랑, 농민이나 징집병의 힘든 삶, 역사적 사건, 실제 역사적 인물 등 무엇이든 될 수 있습니다.

러시아 노래 장르:

• 혼례;
• 모병;
• 자장가;
• 동요;
• 유봉;
• 달력 의식;
• 울다;
• 마부;
• ditties;
• 장례식;
• 강도;
• Burlatskie;
• 서정적;
• 라운드 댄스;
• 댄스;
• 별명.

그런데 Chatushki는 아주 오래된 장르가 아닙니다. 그들은 약 100년 전에 등장했고 사랑에 대해 노래했습니다. 처음에는 남자아이들만 공연했습니다.

민요에는 부르는 사람의 감정과 기분을 표현한 작품이 포함됩니다. 이러한 노래는 가족 노래와 사랑 노래로 구분됩니다. 그들은 성격이 다를 수 있으며 심지어 무모하고 통제할 수 없을 정도로 쾌활할 수도 있습니다. 그러나 대부분의 러시아 민요 가사는 슬픔과 우울함을 표현합니다. 종종 가사에서는 사람의 기분을 자연 현상에 비유합니다.

민요는 독주자, 그룹, 합창단이 악기와 아카펠라를 반주하여 연주할 수 있습니다.

로맨스

반주가 가사와 멜로디만큼 중요한 노래 장르가 있습니다. 로맨스는 이 유형에 속합니다. 이 장르는 중세 스페인에서 시작되었습니다. "로맨스"라는 단어는 스페인 스타일로 공연된 작품을 설명하는 데 사용되었습니다. 나중에 모든 세속 노래가 이런 식으로 불리기 시작했습니다. 러시아 작곡가들은 Alexander Pushkin, Afonasy Fet, Mikhail Lermontov 및 기타 시인들의 시를 바탕으로 로맨스를 썼습니다. 우리나라에서는 이 장르가 19세기에 최고조에 달했습니다. 이러한 유형의 노래 창의성 중 가장 유명한 작품은 M.I. Glinka, P.I. 차이콥스키, N.A. 림스키-코르사코프, S.S. 프로코피예프, S.V. 라흐마니노프,

바드의 노래

20세기에 등장한 노래의 장르는 팝, 샹송, 음유시인 등이다. 우리나라에서는 이러한 유형의 음악적 창의성이 20세기 후반에 나타났습니다. 음유시인 노래는 대부분의 경우 텍스트 작성자, 작곡가 및 연주자가 동일한 사람이라는 점에서 다릅니다. 즉, 작가 자신이 자신의 기타 반주에 맞춰 작품을 연주하는 것이다. 이 장르에서 지배적인 역할은 텍스트에 속합니다. 처음에는 이 노래들이 학생 노래와 관광 노래로 나뉘었고 나중에는 주제가 확대되었습니다. 이 장르의 저명한 대표자: V. Vysotsky, Yu. Vizbor, B. Okudzhava, S. Nikitin, O. Mityaev, V. Dolina. 그러한 노래를 부르는 사람들은 종종 “노래하는 시인”으로 불렸습니다. 20세기 50~60년대에는 음유시인이 전문 작곡가, 시인, 가수가 아닌 경우가 많았기 때문에 이 장르를 "아마추어 노래"라고 불렀습니다.

(고대, 동양, 민속, 재즈 음악, 20세기 일부 음악 유형).

작곡은 개인 작가(작곡가), 그의 의도적인 창작 활동, 창작자와 분리되고 더욱 독립적인 기존 작품, 정확하게 확립된 객관화된 사운드 구조의 콘텐츠 구현, 음악 이론으로 체계화된 기술적 수단의 복잡한 장치를 전제로 합니다. 특별한 지식 분야(작문 과정)에서 발표됩니다. 작곡을 적는 데는 완벽한 기보법이 필요합니다. 작곡 범주와 작곡가의 지위 통합은 르네상스 시대의 자유로운 인간 성격 개념의 발전과 관련이 있습니다. 즉 창조자, 창조자(작곡가의 이름을 나타내는 것은 14세기부터 표준이 되었습니다. 구성의 개인적이고 저자적인 원칙의 정점 - 19세기).

음악적, 예술적 전체로서의 구성은 안정적입니다. 이는 시간의 연속적인 유동성을 극복하고 음악의 주요 구성 요소(음높이, 리듬, 재료의 배열 등)의 동일하게 재현 가능한 고유성을 항상 확립합니다. 작곡의 안정성 덕분에 음악의 사운드를 생성 후 임의의 긴 시간 간격. 동시에 음악 생활의 특정 성능 및 기능 조건을 위해 항상 설계된 작곡은 필연적으로 음악 예술과 현실, 이미지의 역사적, 사회적으로 결정된 미적 관계의 각인으로 밝혀졌습니다. 생활 과정에 직접적으로 포함되는 응용 민속 형식(노래, 춤) 및 행위(의식, 종교, 일상)와 비교할 때 작곡은 현실을 예술적으로 반영하는 정도가 더 큽니다.

고대부터 구성적으로 통일된 음악적 전체에 대한 아이디어는 텍스트(또는 댄스 미터법) 기반과 연관되어 왔습니다. 라틴어의 작곡 개념은 역사적으로 그리스의 멜로페아 개념보다 앞선다. 중세 시대에 "componere"라는 용어는 "Micrologist"(c.)에서 Guido d'Arezzo에 의해 소개되었습니다. 작곡은 합창(cantus Firmus)의 깊고 비유적이며 능숙한 편곡으로 이해되었습니다. Johannes de Grogeo(“On Music”, ca.)는 이 개념을 다성 음악(“musica composita”)에 귀속시키고 “합성기”라는 용어를 사용했습니다. 르네상스 시대에 John Tinctoris(“음악 용어 정의”)”는 “대위법에 관한 책”()에서 마지막 학기의 창의적인 순간(작곡가 – “새로운 칸투스를 쓴 사람”)을 선정했습니다. 명확하게 구별되는 이오타이즈 대위법 - " resfacta"(결정자의 "cantus compositus"와 동일) 및 즉석("super librim cantare").

러시아에서 작곡에 대한 첫 번째 교육은 Nikolai Diletsky (M., 1679, 기타 판 - 1681)의 "Music Grammar"였습니다. 매뉴얼의 다른 저자들 중: I. L. Fuks (러시아어 번역 - "음악 작곡에 대한 실용 가이드", 상트페테르부르크, 1830), I. K. Gunke ("음악 작곡 가이드", 부서 I-3, 상트페테르부르크, 1859-63) , M. F. Gnesin (“실용 작곡의 초기 과정”, M.-L., 1941).

위키미디어 재단. 2010.

다른 사전에 "음악 작곡"이 무엇인지 확인하십시오.

-... 위키피디아

현대 백과사전

구성- (라틴어 합성어 추가, 구성에서 유래), 1) 내용, 성격, 목적에 따라 결정되고 주로 인식을 결정하는 예술 작품(문학, 음악, 회화 등)의 구성.… 그림 백과사전

-(라틴어 구성, 바인딩에서), 1) 내용, 성격, 목적에 따라 결정되고 주로 인식을 결정하는 예술 작품의 구성. 구성은 예술의 가장 중요하고 조직적인 요소입니다. 큰 백과사전

그리고; 그리고. [위도부터. 구성 구성] 1. 문학 및 예술 작품의 구성 요소의 구조, 배열 및 관계. K. 소설. K. 오페라. K. 그림. 작곡의 숙달. 2. 다음과 같은 작품(음악, 그림 등)... ... 백과사전

구성-그리고 f. 1) (무엇) 문학과 예술 작품의 구조, 부분의 위치와 관계. 구성: Igor의 캠페인에 관한 단어. 그림의 구성. 동의어: 건축가, 건설, 구조 2) 작업(음악, 그림 등.... 인기 있는 러시아어 사전

이 용어에는 다른 의미가 있습니다. 구성을 참조하세요. 작곡(lat. composito 작곡, 작곡)은 음악학 및 음악 미학의 범주로, 발전된 형태로 음악의 객관적인 구현을 특징으로 합니다.... ... Wikipedia

작곡(라틴어 compositio ≒ 편집, 쓰기), = 1) 내용, 성격 및 목적에 따라 결정되고 주로 인식을 결정하는 예술 작품의 구성. K는 가장 중요한 조직 구성 요소입니다. 위대한 소련 백과사전

-(이탈리아어 improvisazione, 라틴어 improvisus 예상치 못한 갑작스러운 뜻) 역사적으로 가장 오래된 유형의 음악 제작으로, 연주 중에 직접 음악을 작곡하는 과정이 발생합니다. 원래는... ... 위키피디아