역사를 통틀어 음악은 전 세계 문명과 마찬가지로 단순한 것에서 복잡한 것으로 발전해 왔습니다. 그리고 갑자기 20세기 중반에 이 과정을 되돌리기로 결정한 음악가들이 등장했습니다. 오늘날 과거 음악의 사운드를 최대한 정확하게 재현하려고 노력하는 음악가에 대해 이야기하겠습니다.
스스로에게 질문을 던져 봅시다. 현대 음악가들은 왜 갑자기 점진적으로 진행되던 음악의 모든 발전에서 벗어나 바흐나 몬테베르디 시대처럼 연주하기로 결정했을까요? 고대와 현대의 게임 원리는 매우 다릅니다. 그리고 음악을 만드는 동안 음악가는 여전히 돈을 벌고 경력을 쌓기 위해 자신만의 일을 하려고 노력하고 있습니다. 그러나 일부 사람들은 마음 속으로 음악과 수입을 혼합하고 싶지 않아 겉보기에는 유행에 뒤떨어진 고대 음악 공연에 참여합니다. 그러나 시간이 지남에 따라 새로운 문제가 발생했습니다. 바이올리니스트가 값 비싼 골동품 바이올린을 가져다가 현대 음악을 연주하기 시작하여 "순수한"음악의 모든 원칙을 위반할 수 있다는 것입니다.
이 운동에 적극적으로 참여한 사람 중 한 명은 첼리스트 니콜라우스 아르농쿠르(Nikolaus Harnoncourt)입니다. 그는 아버지에게 백작 작위를, 어머니에게 고귀한 친척이라는 칭호를 갖고 있습니다. 뛰어난 첼로 연주 덕분에 그는 경쟁 없이 비엔나 심포니 오케스트라에 입단했고, 그 후 그곳에서 진정성이라는 주제를 발전시키기 시작했습니다. 음악에 대한 이러한 견해를 통해 그는 자신을 비엔나 오케스트라의 지휘자인 헤르베르트 카라얀과 대조했습니다. 반대로, 카라얀은 대중음악의 팬이었고, 음악을 대중을 위한 소비자 제품으로 만들려고 노력했으며 "두꺼운" 사운드와 넓은 홀을 선호했습니다.
진정성에 참여하려면 넓은 의미에서 창작하고, 공연하고, 예술가이자 음악가가 되려는 욕구뿐만 아니라 고대 사물을 찾기 위한 민족학자의 작업과 같은 과학적 작업도 필요합니다. . 실제로 보존된 악기가 거의 없고 연주 방법을 들어본 사람도 없기 때문에 이를 바탕으로 나중에 사본이 만들어질 것입니다.
그리고 지금 어떤 논문이 제기되더라도 더 이상 맥락이 없고 그러한 삶의 방식이 없다는 것을 잊어서는 안 됩니다. 따라서 진정성은 한편으로는 불가능한 과학이자 유토피아이며 이것은 단지 아이디어일 뿐입니다. 진정성. 고대 음악은 콘서트 연습에 전혀 적합하지 않습니다. 왜냐하면 그러한 행사를 위해 당시에 만들어지지 않았기 때문입니다. 음악 자체는 없습니다.
모든 노래는 그것이 등장한 시대의 삶의 연속입니다. 즉, 러시아 마을이 파괴되면 아무도 살아있는 마을의 느낌을 음악가에게 전달할 수 없으며 더 이상 이해하지 못할 것입니다.
또 다른 뉘앙스는 공연자입니다. 이제 진정한 연주가 이미 방송되고 있으며, 이 운동의 진정한 음악가는 음악뿐만 아니라 역사, 회화 및 기타 분야에 대한 뛰어난 지식을 가지고 있어야 합니다. 즉, 자신이 좋아하는 예술을 수년 동안 연구해야 합니다. 그러므로 진정으로 연주하는 진정한 음악가는 금만큼의 가치가 있습니다.
클래식 악기에서 정통 악기로의 전환은 때때로 음악가들에게 충격을 줍니다. 왜냐하면 이 악기들은 구조와 사운드 모두에서 완전히 다른 악기이기 때문입니다. 많은 음악가들에게 이러한 전환은 처음부터 다시 배우기 시작하는 것을 의미한다고 말할 수 있습니다. 그러한 악기를 더 이상 연주하지 않으면 기본을 배우는 것이 중요합니다. 하지만 그 핵심에는 시대적 감성이 자리잡고 있다.
우리 문명은 항상 변화하고 있으며 변화는 불가피합니다. 이는 재앙적인 결과를 초래하는 급진적인 변화일 수도 있고 점진적인 변화일 수도 있지만 반드시 그래야 합니다. 진정성은 어디에 있나요? 진정성이란 무엇인가? 지금 우리가 이러한 진정성을 우리 자신에게서 발견한다면 진정한 음악의 진정성에 대한 의문은 사라지고 그것을 우리 자신으로 인식하게 될 것입니다.
안녕하세요, 블로그 사이트 독자 여러분. "진짜"라는 단어는 패션의 표현이 되었습니다.
그것은 텔레비전 화면에서 들리고 변호사, 미술 평론가, 심리학자의 연설에 나타나며 소셜 네트워크에서 발견됩니다.
이 단어는 다양한 상황에서 사용되므로 그 진정한 의미가 항상 명확하지는 않습니다. 문제에 빠지지 않으려면 “더 깊이 파고들어” 이 신비로운 용어에 대한 모든 것을 알아내야 합니다.
진정성 - 일반적인 이해에서 단어의 의미
약간의 미스터리와 미스터리를 전달하는 개념은 그리스어에서 유래되었습니다. 러시아어로 번역된 αὐθεντικός는 " 진본인", "진짜". 이 단어를 더 쉽게 이해할 수 있도록 추가 "초상화 터치"를 제공합니다.
- 진실;
- 진본인;
- 동등한;
- 유효한;
- 믿을 수 있는.
정품은이는 문제의 물건이 위조품이 아닌 진짜이고 진짜라는 것을 의미합니다.
개념 의미상 반대- 가짜, 진짜가 아님, 위조, 원본이 아닌 사본. 요컨대, 영어에서 "가짜"로 번역된 또 다른 유행 단어입니다.
값싼 가짜 제품이 널리 퍼져 있다는 점을 고려하면(브랜드 회사의 가장 진품 사본을 놓고 경쟁하는 것이 이미 보편화되었습니다), 진짜 정품을 구입하는 것은 큰 성공입니다.
따라서 현대적 해석에서 '진짜'는 '고품질'을 의미하기도 합니다.
때로는 "진짜" 또는 "진짜"라는 발음을 들을 수 있습니다. 이러한 지정은 동일합니다. 그러나 비슷하게 들리는 "자폐증"이라는 개념은 "또 다른 오페라"에서 따온 것입니다. 이는 발달 장애와 관련이 있습니다.
하지만 성급하게 결론을 내리지는 마세요. 그 진정성은 매우 간단하다. 실제로 이 용어는 심리학부터 법학까지 수십 분야에서 사용되며, 그때마다 그 의미가 다르게 해석될 것이다.
예를 들어, 사람 행동의 진정성은 그의 행동이 "공개적으로" 그리고 아무도 그를 보지 않을 때 얼마나 다른지에 달려 있습니다. 이 단어는 또한 제품의 진위 여부를 나타냅니다. 사이트에서의 인증은 귀하의 신원이 맞는지 확인하는 것을 의미합니다. 등등.
하지만 걱정하지 마세요. 우리는 곧 모든 것을 알아낼 것입니다.
진정성이 있을 수 있는 것
이것은 정품에 대해 그들이 말하는 것입니다. 오리지널 제품. 예를 들어 아프리카 부적, 로스토프 에나멜, 샤넬 No. 5 향수, 러시아 메밀, 우즈벡 카펫, 나이키 운동화 등이 진품일 수 있습니다.
여행을 좋아하는 사람들은 "라는 표현을 잘 알고 있습니다. 정통 요리" 이는 해당 국가 주민의 요리 선호도를 구현하는 국가 요리(스페인 빠에야, 이스라엘 팔라펠, 멕시코 토르티야)를 의미합니다.
진정성이라는 단어가 자주 사용된다. 서류에 관해서라면. 이 용어는 둘 이상의 언어로 된 계약과 관련하여 국제법에서 일반적입니다.
텍스트는 처음에는 그 중 하나로 구성될 수 있지만 다른 모든 버전은 동일한 타당성을 갖는 정품, 즉 정품으로 간주됩니다.
음악가들의 입에서 “라는 말을 들을 수 있습니다. 진정한 성능" 바흐나 베토벤이 창작한 형태의 음악을 우리에게 전달하기 위해 고대 작품을 해당 시대의 악기에 특별한 방식으로 재현하는 경우를 말합니다.
이 방향의 선구자는 고대 악기를 재구성하고 고대 음악 연주 원리에 대한 작품을 만든 영국인 Arnold Dolmech였습니다.
문헌에서는 용어를편집되지 않은 원본 텍스트에는 진정성이 적용됩니다. 대부분 우리는 개인 서신, 일기 및 원고에 대해 이야기하고 있습니다.
진정성이 진정성과 동일하지 않은 경우가 있습니다. 예를 들어, 현대 미술에서. 여기서 이러한 품질은 저자의 스타일과 아이디어를 완전히 전달하는 사본에 기인할 수 있습니다. 모든 것이 원본 소스와 같습니다.
인증은 진위 여부를 테스트하는 것입니다.
개인적 특성으로는 진정성은삶에 대한 자신의 생각에 따라 다양한 상황에서 자신이 될 수 있는 능력과 이 선택에 대한 책임을 집니다. 이것은 의 반의어입니다.
혼자 있을 때, 감동을 주고 정복할 사람이 없을 때 사람들은 진실되게 행동하는 경향이 있습니다. 다른 사람들 앞에서 행동은 크게 바뀔 수 있습니다. 어른들이 아이들에게 다르게 행동하도록 가르칠 때까지, 진정성은 어린 아이들의 특징입니다.
혼자 하는 행동과 "공개적으로" 하는 행동의 차이가 작을수록 그 사람은 더 진정성 있는 사람입니다.
진짜 사람의 징후:
- 자신과 타인에 대한 현실적인 인식;
- 자신의 감정과 의견을 공개적으로 표현하며, 심지어 다수와 다르다고도 합니다.
- 생활 지침에 위배되는 진술과 행동이 없습니다.
- 자급자족, 혼자 있을 때 불편함이 없음 ();
- 험담과 근거 없는 소문에 대한 무관심, 다른 사람의 비판에 대한 분노 부족, 다른 사람의 행동을 비난하는 경향.
심리적 관점에서 볼 때 "진짜"라는 단어와 의미가 가까운 단어는 개념입니다. "진실한", "열린", "정직한". 이러한 특성은 다른 사람과의 관계뿐만 아니라 자신과의 관계에서도 나타납니다.
간단한 요약
카피(브랜드 의류, 신발, 스마트폰의 위조품, 얼굴에 마스크를 쓴 관계, 가짜 계정)가 넘쳐나는 세상에서, 진정성은 특별한 가치를 획득했습니다. 그리고 그 뒤에 쾌락, 부, 명성 등 외부 혜택이 없는 경우가 많다는 것은 중요하지 않습니다.
행운을 빕니다! 블로그 사이트 페이지에서 곧 뵙겠습니다.
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정통 연주(라틴어 정통, 그리스어 αυθεντικ?ς - 진짜, 신뢰할 수 있음), 특정 기능을 고려하여 과거 음악을 연주하는 관행입니다. 이미 19세기 말부터 음악 이론 논문, 삶과 일에 관한 문서를 적극적으로 연구하고 출판한 서유럽 과학자(H. Riemann, J. Wolf, F. Ludwig, P. Aubry 등)의 업적 작곡가, 미술 기념물 등을 모아 "historically informal practice"(영어로 역사적으로 알려진 공연 관행, 약어로 HIPP(진정한 공연의 자칭))를 위한 기반을 마련했습니다. 출처에서 수집한 정보의 실제 적용은 무엇보다도 고대 악기(자연 관악기 포함)의 재구성 및 복원, 대체 조율(다양한 순수 및 조율 조율, 음악 조율 기사 참조)에서 표현되었습니다. 고대 연주 기술(핑거링, 스트로크, 역동적인 뉘앙스 등)을 재구성했습니다. 성악 분야에서 정통주의자들의 실험은 일반적으로 받아들여지는 여성 목소리 대신 남성 가성(카운터테너)과 어린이 목소리를 널리 사용하면서 "로맨틱한" 비브라토를 거부하는 것과 관련이 있습니다. 학술 합창단은 소규모 앙상블에게 자리를 내주었고 대규모 심포니 오케스트라는 본질적으로 악기 솔리스트의 앙상블 형태를 취했습니다. 단일 원형 원고가 없는 음악 작품(특히 중세와 르네상스의 세속 음악)의 연주는 창의적인 "재구성"으로 이해되므로 진정한 연주에서는 스타일적으로 일관된 즉흥 연주에 독점적인 역할이 부여됩니다. , 주로 멜로디와 질감의 변화를 기반으로 합니다. 정통 콘서트에는 종종 연극 공연이 수반됩니다. 정통 음악가들의 활동 덕분에 과거에는 잘 알려지지 않은 많은 음악 작품(예: 익명의 중세 추리극, 르네상스 댄스 음악, W. Bird, G. I. F. Biber, J. D. Zelenka, M. Marais, M. A. Charnantier의 작품)이 많이 들어왔습니다. 콘서트 레퍼토리와 바로크 및 비엔나 고전주의의 유명한 작품 (예 : J. S. Bach의 칸타타, W. A. Mozart의 교향곡)은 다른 사운드를 얻었습니다.
영국 음악가 A. Dolmech는 정통 연주 운동의 창시자로 간주됩니다. 정통 연주의 가장 큰 대표자: N. Harnoncourt, T. Binkley, F. Bruggen, A. Wenzinger, J. E. Gardiner, R. Goebel, N. Greenberg, A. Deller, K. Döbereiner, R. Klemencic, W. Christie, Kuiken 형제, W. Landowska, G. Leonhardt, D. Munrow, J. Saval, K. Hogwood, R. Jacobs. 음악 그룹 중 인기가 있는 곳은 "고대 음악 아카데미", "Hilliard Ensemble", "Gothic Voices"(모두 - 영국)입니다. "Arts Florissants"(프랑스); “일본 바흐 콜레기엄”(“바흐 콜레기움 재팬”); "겐트 보컬 대학"(벨기에 "Collegium vocale Gent"); "Concentus musicus Wien"(오스트리아); "에스페리온"(스페인); “고대 음악 스튜디오”(“Studio der frühen Musik”), “Musica antiqua Köln”(둘 다 독일); “18세기 오케스트라”, 네덜란드. 소련의 정통 연주 운동의 기원에는 A. M. Volkonsky (Madrigal 앙상블 창립자)와 A. Mustonen (에스토니아 앙상블 Hortus rnusicus 감독)이 있었으며 국내 앙상블 중 고대 음악 아카데미 (감독 T. T. Grindenko)가 있었습니다. 고음악 연구와 진정한 연주 교육을 위한 세계적인 중심지는 스콜라 칸토룸(바젤)입니다.
Lit.: Dolmetsch A. 현대 증거에 의해 밝혀진 XVII 및 XVIII 세기 음악의 해석. L., 1946; Eggebrecht N. N. Die Orgelbewegung. Stuttg., 1967; Haskell N. 초기 음악 부흥: 역사. 뉴욕, 1988; Taruskin R. 가사와 연극: 음악과 연주에 관한 에세이. 뉴욕, 1995.
진정성
진정성, 진정한 성능(후기 라틴어 정통에서 - 진실한, 신뢰할 수 있는)은 과거 음악의 사운드를 최대한 정확하게 재현하고 현대 연주와 독창적인 "역사적" 아이디어를 조화시키려는 음악 연주의 움직임입니다. 진정성은 바로크 음악 연주와 가장 자주 연관됩니다. 그러나 그것은 중세, 르네상스, 고전주의, 낭만주의 등 현대의 음악 전통과 다른 모든 시대의 음악 연주에 적용됩니다.
구체적인 내용에 대한 에세이
진정한("역사적 정보를 바탕으로 한") 연주는 연주자가 (가능한 경우) 음악적 실천의 모든 측면과 음악이 작곡된 시대와 국가에 대한 이론을 알고 있음을 의미합니다. 진정성은 원곡의 악보를 해석하는 능력에서 시작됩니다. 그렇기 때문에 고대 악보의 복사본을 출판하고 배포하는 것과 이 분야의 교육이 매우 중요합니다.
점수 해석(디지털 베이스를 연주하고 해독하는 능력, 구성 및 연주자 수 선택), 게임 규칙 및 기술에 대한 지식(스트로크, "좋음" 및 "나쁨" 해석에 대한 중요한(현대와는 심각하게 다름) 접근 방식 ” 음표, 아고직, 템포, 다이나믹스, 아티큘레이션 등), 악기 선택, 장비 및 튜닝(피치, 기질), 즉흥 연주 능력, 장식을 올바르게 연주하는 능력.
진정성의 가장 눈에 띄는 표현은 이러한 악기가 더 이상 사용되지 않거나 크게 변경된 경우(예: 비올라 다 감바, 바로크) 과거의 악기(현대에 만들어진 원본 또는 사본)를 현대적으로 해석하는 것입니다. 바이올린, 세로 플루트, 하프시코드, 클라비코드, 해머 피아노 및 19세기 악기(페달 피아노, 아르페지오네, 하모늄 등). 이상적으로는 고대 음악을 원래의 고대 악기로 연주하는 것이 가장 좋습니다. 정통주의에는 초기 오페라에서 여성 가수 대신 남성 목소리(카운터테너)가 고음부(카스트라토 가수들을 위해 작곡한 “여성”) 성부를 연주하는 것과 18세기 교회 음악에서 소년들이 고음부 독주부를 연주하는 것도 포함됩니다. 작곡가가 의도한 것처럼 가수가 아닙니다. 바로크 음악의 해석에서 실내악 작곡(실내 합창단 및 실내 오케스트라, 실제로는 앙상블, 현재 종종 "바로크 오케스트라"라고 함)에 의한 합창 및 관현악 음악의 구현은 대규모 심포니 오케스트라뿐만 아니라 대규모 합창단은 바로크 시대의 성악이나 관현악에 내재된 것이 아닌 것으로 여겨진다.
역사적 스케치
고음악의 진정한 사운드에 대한 관심은 19세기와 20세기 초에 나타났습니다. 이 운동의 창시자는 전통적으로 고대 악기를 복사하여 17~18세기 음악을 연주한 Arnold Dolmech(1858~1940)로 간주됩니다. Dolmech는 "17-18세기 음악 연주"(eng. 17세기와 18세기 음악의 해석 ; London, 1915) 이는 진정주의의 근본적인 이론적 기초가 되었다. 동시에 프랑스에서는 고대 악기 연주회 협회가 설립되었습니다(프랑스어. Société de Concerts des Instruments Anciens ) - 머리는 Camille Saint-Saens이고 주 엔진은 Henri Casadesus였습니다. 20세기 초 독일에서는 비올라 다 감바의 부흥을 촉진한 첼리스트 크리스티안 되베라이너(Christian Döbereiner)가 유사한 협회를 설립했습니다. 동시에 알베르트 슈바이처와 그의 지지자들은 J. S. 바흐의 "오르간" 음악의 진정한 사운드를 복원하기 위한 반낭만주의 운동(Orgelbewegung)을 시작했습니다("Back to Silberman!"이라는 슬로건 아래 진행됨). "진정한" 경향은 독일 과학에서도 관찰되었습니다. 따라서 1931년 음악학자인 Arnold Schering은 12명으로 구성된 실내악 앙상블이 바흐의 합창 작품을 연주해야 한다고 주장했습니다(그러나 그의 주장은 당시에는 들리지 않았습니다). 콘서트 악기로서 하프시코드의 부활은 Wanda Landowska의 여러 나라에서의 콘서트 및 교육 활동을 통해 촉진되었습니다.
비판
정통주의 비평가들은 "역사적" 연주가 현대 청취자가 고대 음악을 동시대인들이 들었던 것처럼 듣는 데 도움이 되는지 의심합니다. 왜냐하면 20~21세기 청취자는 어떤 상황에서도 고대 음악을 들을 수 없기 때문입니다. 적절하게먼 시대의 문화적 전통을 인식합니다.
진위주의에 대한 또 다른 비판은 골동품 악기에 관한 것입니다. 후기 시대에 발생한 악기 변화의 본질은 연주 기술을 단순화하고 (이전에 연주자가 해결했던 작업 중 일부가 악기로 이전됨) 사운드의 강도와 균일성을 높이기 위한 현대화였습니다. 이러한 혁신에는 또한 음색의 빈곤, "좋은"음과 "나쁜"음의 균등화, 사운드의 개성 박탈, 악기와 관련된 기계성이라는 단점도 있었습니다.
현대화된 악기에 익숙한 연주자들이 기존의 방법을 사용하여 고대 또는 재구성된 악기에 원하는 효과를 얻는 것은 어렵습니다. 게다가 효과 자체도 다소 다릅니다. 따라서 진품주의 비평가들 사이에는 고대 악기가 “약하고” “가짜”라는 견해가 퍼졌습니다. 이에 대한 응답으로 정통 악기의 옹호자들은 음악 자체에 적합한 고대 악기의 올바른 사용이 필요하다고 지적합니다. 이 경우 단점은 장점으로 변합니다(예: 실내악에서 "약한" 악기 사용). 대형 콘서트 홀이 아닌 이 악기를 위해 작곡된 음악만 악기에서 특별히 단련된 "조율이 맞지 않는" 연주로, 소위 "초기 음악"을 제외하고는 모든 경우에 해당되지 않습니다. ).
공연 스타일은 그들이 무엇이라고 부르든 필연적으로 그 시대의 흔적을 담고 있습니다. 따라서 30년이 넘은 "진짜" 녹음(예: René Klemencic, Studio der frühen Musik, David Munrow의 "Early Music Consort", Arnold Dolmetsch, Wanda Landowska, August Wenzinger, Paul Esswood 등의 한때 유명한 앙상블) 및 개인 연주자)은 "학술적" 공연 스타일처럼 쓸모없게 될 수 있습니다.
노트
문학
- 초기 음악을 노래합니다. 중세 후기와 르네상스 시대 유럽 언어의 발음. 에드. 작성자: Timothy J. McGee, A.G. 리그와 데이비드 N. 클라우스너. Bloomington: Indiana University Press, 1996("authentic" 발음의 CD 포함)
- 맥기 T.J.중세 노래의 사운드: 이론가들이 말하는 보컬 스타일과 장식. 옥스포드 : Clarendon Press, 1998
연결
위키미디어 재단. 2010.
다른 사전에 "진정성"이 무엇인지 확인하십시오.
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수많은 고대 그림을 잠깐 살펴보면 주제의 주요 요소가 다양한 파이프와 파이프라는 것을 알 수 있습니다. 이것은 우리의 전임자들이 즐겨 연주했던 것들입니다. 그들은 다양한 소리를내는 드럼 및 기타 타악기보다 훨씬 우수한 목 관악기를 가장 자주 선택했다는 점에 유의해야합니다.
목관악기 제작에 대해
목관 악기 제조에는 항상 즉석 재료가 사용되었습니다. 우리 조상들은 미래의 파이프가 만들어지는 갈대, 대나무 및 기타 나뭇 가지를 기반으로 그것을 만들었습니다. 지금까지 누가 그들에게 구멍을 뚫을 것이라고 추측했는지는 확인되지 않았습니다.
그러나 나무 악기는 이 예술을 사랑하는 많은 사람들의 마음 속에 영원히 정당한 자리를 차지할 수 있었습니다.
얼마 후 사람들은 배럴의 점진적인 증가가 소리의 피치를 크게 변화시킨다는 것을 깨닫고 악기 개선을 위해 온갖 노력과 경험을 쌓기 시작했습니다. 점진적인 변화와 함께 목관악기의 보다 현대적인 버전으로 진화하기 시작했습니다.
오늘날 우리는 이 악기를 사랑스럽게 언급하는 음악가들이 그것을 “나무”라고 부르는 것을 볼 수 있습니다. 하지만 이 이름은 더 이상 그러한 소리를 내는 물체를 만드는 데 사용되는 재료와 비교할 수 없습니다. 초기에는 천연관이었지만 지금은 플루트, 색소폰, 클라리넷 및 리코더가 만들어지는 금속, 에보나이트, 플라스틱 형태로 나타납니다.
정통 목관악기
물론, 정통 관악기는 목재로 만들어지며, 목재는 영구 재료로 간주됩니다. 과거와 마찬가지로 이제는 더 높은 인기를 누리고 있으며, 이것이 전 세계 수많은 무대에서 들려오는 이유입니다. 그들은 인간 영혼에서 조상의 부름을 일깨울 수 있기 때문에 특별한 떨림 특성을 가지고 있습니다.
이러한 목관 악기에는 다음이 포함됩니다.
- 두두카,
- 주르누,
- 죄송합니다,
- 가로 피리
그리고 세계 사람들의 다른 소리 대상.
이들 모두는 기구 배럴의 길이를 늘리거나 줄일 목적으로 생성된 구멍인 공통 구멍 시스템으로 통합됩니다.
목악기와 금관악기의 관계
목관악기는 구리로 만든 관악기와 독특한 관계를 가지고 있습니다. 그 본질은 폐에서 방출되는 공기가 필요한 소리 추출의 특성에 있으며 그 외에는 아무것도 없습니다.
따라서 목악기와 금관악기의 적극적인 참여로 독특한 브라스밴드를 만드는 것이 가능하다.
음순 및 리드 관악기
소리 생성의 특성으로 인해 이러한 물체는 순측일 수 있습니다. 그 중에서도 플루트가 강조되어야합니다.
또한, 음악용 목관 악기는 바순, 클라리넷, 색소폰, 오보에를 포함하는 리드 악기가 될 수 있습니다.
음악가가 첫 번째 옵션을 사용한 경우 주기적으로 갈대를 바꾸느라 바쁠 것이므로 갈대에 돈을 낭비해서는 안됩니다. 그러나 그 대가로 그는 그러한 악기의 아름다운 소리와 즐거운 음색을 받게 될 것입니다.
우리 아이에게 어떤 악기를 선택해야 할까요?
부모가 자녀의 음악적 능력을 키우고 싶다면 목관 악기를 구입하는 것이 가장 좋습니다. 일반적으로 아이가 충분한 힘과 강화된 근육 코르셋을 갖고 있을 때 금관 악기 연주의 복잡한 과정을 가르칠 수 있습니다.
따라서 먼저 아기에게 녹음기를 사야합니다. 호흡 장치에 의해 가해질 수 있는 특별한 노력이 필요하지 않기 때문에 연주가 간단하고 쉽습니다.
목관악기 덕분에 관심 있는 사람이라면 누구나 큰 기회와 엄청난 전망을 얻을 수 있으며, 그 중요성은 이미 유명한 사람들의 생생한 역사적 사례를 통해 입증되었습니다.
비디오: 레코더 재생