L'héritage littéraire d'Albrecht Dürer n'a jamais été publié en russe dans un volume tel qu'on puisse en avoir au moins une compréhension complète. Cette publication devrait, dans une certaine mesure, combler cette lacune. La collection proposée à l'attention du lecteur comprend des documents autobiographiques, des lettres, des journaux intimes de l'artiste et des extraits de ses travaux théoriques.

(1471-1528)

Albrecht Dürer né le 21 mai 1471 à Nuremberg, principal centre de l'humanisme allemand. Son talent artistique, ses qualités commerciales et sa vision du monde se sont formés sous l'influence de trois personnes qui ont joué le rôle le plus important dans sa vie : son père, un bijoutier hongrois ; le parrain Koberger, qui a abandonné la joaillerie et s'est lancé dans l'édition ; et l’ami le plus proche de Dürer, Wilibald Pirckheimer, un humaniste exceptionnel qui a initié le jeune artiste aux nouvelles idées de la Renaissance et aux œuvres des maîtres italiens.

Son père, Alberecht Dürer Sr., était orfèvre, il traduisit littéralement son nom de famille hongrois Aitoshi (hongrois Ajtósi, du nom du village d'Aitosh, du mot ajtó - « porte ») en allemand par Türer ; elle a ensuite commencé à enregistrer sous le nom de Dürer.

Plus tard dans son journal intitulé "Chronique de famille" Dürer laisse la note suivante :

"Nous sommes en 1524 après Noël à Nuremberg.

Moi, Albrecht Dürer le Jeune, j'ai écrit dans les papiers de mon père d'où il venait, comment il est venu ici et y est resté pour vivre et reposer en paix. Que Dieu soit miséricordieux envers nous et envers lui. Amen.

Albrecht Dürer l'Ancien est né dans le royaume de Hongrie, près d'une petite ville appelée Yula, à huit milles au-dessous de Vardein, dans un village voisin appelé Eitas, et sa famille subvenait à ses besoins en élevant des bœufs et des chevaux. Mais le père de mon père, qui s'appelait Anton Dürer, est venu, enfant, dans la ville susmentionnée chez un orfèvre et a appris son métier auprès de lui. Puis il épousa une fille nommée Elizabeth, avec qui il eut une fille, Katerina, et trois fils. Le premier fils, nommé Albrecht Dürer, était mon cher père, qui devint également orfèvre, un homme habile et au cœur pur."

L'enfance d'Albrecht Dürer Sr. s'est déroulée loin de Nuremberg, hors de l'Allemagne, dans une petite ville hongroise. Depuis des temps immémoriaux, ses grands-pères et arrière-grands-pères élevaient du bétail et des chevaux dans les plaines hongroises, et son père Anton Dürer devint orfèvre. L'orfèvre Anton Dürer a enseigné à son fils tout ce qu'il savait sur le maniement de l'argent et de l'or, puis l'a envoyé apprendre auprès de maîtres étrangers.

Portrait du père de l'artiste. 1490 Bois, huile
Galerie des Offices. Florence. Italie

C'est son premier tableau d'Albrecht Dürer qui nous soit parvenu. C'est la première œuvre que Dürer marque de son monogramme. Après avoir peint le portrait de son père, il se réalise enfin en tant qu'artiste. A cette époque, Dürer peint des portraits de sa mère et de son père. Il a conçu cette œuvre comme un cadeau à ses parents, notamment à son père. Ce travail était une gratitude pour le fait que le père n'empêchait pas son fils de devenir artiste. Elle était la preuve qu’en quittant le métier familial pour un autre, le fils ne tromperait pas les espoirs de son père : ce qu’il voulait faire, il apprenait à le faire pour de vrai.

Albrecht Dürer Sr. avait vingt-huit ans lorsqu'il traversa les limites de la ville de Nuremberg. Et pendant encore douze années entières, il servit comme apprenti chez l'orfèvre Jerome Holper. On l'appelait depuis longtemps le Vieil Homme, mais il n'était pas pressé de prendre sa retraite. Albrecht Dürer a passé de nombreuses années à maîtriser son métier. Ils apportaient la connaissance des techniques et des secrets, donnaient la vigilance à l'œil, la fermeté à la main, affinaient le goût, mais, hélas, il lui semblait souvent qu'il resterait un éternel apprenti. Ce n'est qu'après avoir atteint l'âge de quarante ans qu'il fut en mesure de présenter des biens d'une valeur de cent florins, nécessaires pour obtenir les droits de maître ; dont il paya dix pour un certificat de ces droits, épousa Barbara, la fille de Holper, âgée de quinze ans, et, avec l'aide de son beau-père, ouvrit finalement un atelier indépendant.

Portrait de Barbara Dürer, née Holper 1490-93
Dürer a écrit ce qui suit à propos de son père dans son journal :

"...Albrecht Dürer l'Ancien a passé sa vie dans une grande diligence et un travail acharné et n'avait pas d'autre nourriture que celle qu'il obtenait de ses propres mains pour lui-même, sa femme et ses enfants. Par conséquent, il avait peu. Il a également vécu beaucoup de chagrins, de conflits et de troubles. En outre, beaucoup de ceux qui le connaissaient le louaient grandement. Car il menait une vie honnête, digne d'un chrétien, était une personne patiente et gentille, amicale avec tout le monde, et il était rempli de gratitude envers Dieu. loin de la société et des joies du monde, et c'était aussi un homme de peu de mots et un homme craignant Dieu.

Albrecht Durer Sr. avait beaucoup de soucis. Des enfants naissaient presque chaque année : Barbara, Johann, Albrecht...

Albrecht Dürer a écrit un jour dans son livre commémoratif :
"...En 1471, après la naissance du Christ, à la sixième heure du jour de la Saint-Prudence, le mardi de la semaine de la Sainte Croix (21 mai), ma femme Barbara m'a donné naissance à mon deuxième fils, dont le parrain était Anton Koberger et je l'ai nommé en mon honneur Albrecht"

C'est ainsi que la date est entrée dans l'histoire 21 mai 1471, lorsque le grand artiste, peintre et graphiste allemand, théoricien de l'art, qui a acquis une renommée mondiale, est né à Nuremberg.

Puis Sebald, Jérôme, Anton et des jumeaux sont nés : Agnès et Marguerite. La mère a failli mourir en couches et ils ont à peine eu le temps de baptiser une fille avant qu'elle ne meure. Après les jumeaux, Ursula, Hans, une autre Agnès, Peter, Katharina, Endres, un autre Sebald, Christina, Hans, Karl sont nés. Dix-huit enfants ! Les Durer invitèrent de bonnes connaissances et amis à devenir les parrains et marraines de leurs enfants. Parmi eux se trouvent un commerçant et astronome amateur, un percepteur des impôts sur le vin et la bière et un juge. Et le parrain d’Albrecht Jr., Anton Koberger, était un célèbre imprimeur. Tous ceux que les Durer invitaient à devenir les parrains de leurs enfants étaient des personnes influentes qui pourraient à l'avenir protéger leurs filleuls, mais seuls ceux-là naissaient faibles, tombaient très malades et mouraient dans l'enfance ou la jeunesse. Seuls trois frères ont vécu jusqu'à l'âge adulte : Albrecht, Andrei et Hans. Mais la famille a toujours été grande. La femme était épuisée par les grossesses, les accouchements fréquents, la maladie des enfants, les nuits blanches et les tâches ménagères difficiles. Quel foyer pour nourrir une famille, des apprentis et des étudiants, quelle table pour y asseoir tout le monde ! Qu’a coûté l’habillement et les chaussures de tant d’enfants ! Et le père voulait non seulement les nourrir, mais aussi leur apprendre à lire et à écrire, donner à ses fils un métier fiable, leur ouvrir la voie pour qu'elle soit plus facile que la sienne.

Le père a essayé d'intéresser son fils à la fabrication de bijoux. En 1484, Albrecht Dürer le Jeune était encore un garçon. Il a arrêté d'aller à l'école, où il avait étudié pendant plusieurs années. Il est apprenti dans l'atelier de son père. S'y habituer. Même si au début c'était très difficile. Le matin, dans toute la ruelle Kuznetsov, on entend le bruit des marteaux, les soufflets soupirent d'une voix rauque, les limes grincent, les apprentis chantent doucement et tristement. Ça sent le charbon brûlé, l'oxyde métallique, l'acide.

"...Mais mon père a trouvé en moi une consolation particulière, car il a vu que j'étais assidu dans mes études. Par conséquent, mon père m'a envoyé à l'école, et quand j'ai appris à lire et à écrire, il m'a retiré de l'école et a commencé à apprends-moi un métier d'orfèvrerie.

Il y avait des travaux dans l'atelier qui le laissaient indifférent, alors que d'autres il les effectuait volontiers. Mais aucun d’entre eux n’évoquait même de loin le même sentiment que le contact d’un crayon sur du papier. Il ne pouvait pas expliquer ce sentiment avec des mots, mais il était également incapable d'échapper à sa captivité. Il savait que son père pourrait se mettre en colère, mais il ne revint pas à sa leçon. Il dessinait. Je me suis dessiné.

Dürer. Autoportrait à l'âge de treize ans.
...Sur une feuille rectangulaire de papier épais et rugueux, le garçon se représentait à moitié tourné. Quand on regarde cet autoportrait, on a l'impression qu'il a été dessiné par une main qui a pris plus d'une fois un crayon. Le dessin a été réalisé presque sans corrections, immédiatement et avec audace. Le visage du portrait est sérieux et concentré. Par la douceur de ses traits il ressemble à son père. L’apparence est très jeune, vous ne la donneriez peut-être pas à un garçon de treize ans. Il a des lèvres enfantinement charnues, des joues aux contours lisses, mais pas des yeux enfantins. Il y a une certaine étrangeté dans le regard : on dirait qu’il est tourné vers l’intérieur. Des cheveux soyeux et bouclés couvrent le front et les oreilles, tombant jusqu'aux épaules. Il y a une épaisse calotte sur la tête. Le garçon porte une simple veste. Une main dépasse d'une large manche - un poignet fragile, de longs doigts fins. Il n'est pas clair d'après eux que cette main soit déjà habituée à tenir une pince, une lime, un marteau ou un graveur.

Le garçon n'a pas pensé au fait qu'il avait entrepris de dessiner un autoportrait - une tâche inhabituelle pour l'époque. Il ne s'attendait pas à ce que ce soit facile, mais il n'avait pas non plus peur que ce soit difficile. Ce qu’il a fait était pour lui nécessaire et naturel. Comme respirer. Il a ressenti cela lorsqu'il a essayé de dessiner pour la première fois et a conservé ce sentiment tout au long de sa vie. Il travaillait avec un crayon d'argent. Un bâtonnet compressé de poudre d’argent est appliqué sur le papier d’un mouvement doux. Mais le trait ne peut être ni effacé ni corrigé : la main de l’artiste doit être ferme. Peut-être que le sérieux enfantin et la concentration de son visage sont dus à la difficulté d’une tâche presque impossible. Albrecht Durer Jr. l'a géré à merveille.

Plusieurs décennies plus tard, un dessin d’enfant attire l’attention du maître. Il n’en a pas ri comme d’une expérience immature, mais a écrit dans le coin supérieur droit : "C'est moi qui me suis dessiné dans le miroir en 1484, alors que j'étais encore enfant. Albrecht Dupép." Ces mots expriment la tendresse d'un adulte pour sa propre enfance disparue depuis longtemps, le respect d'un maître pour l'une de ses premières expériences.

"...Et quand j'avais déjà appris à travailler purement, j'avais plus envie de peindre que d'orfèvrerie. J'en ai parlé à mon père, mais il n'était pas du tout content, car il était désolé pour le temps perdu que j'ai passé sur l'apprentissage de l'orfèvrerie. Néanmoins, il céda à moi, et quand on compta l'année 1486 depuis la naissance du Christ, le jour de la Saint-André [Saint-André, 30 novembre], mon père accepta de me donner comme apprenti à Michael Wolgemuth, de sorte que j'ai servi avec lui pendant trois ans. À cette époque, Dieu m'a donné de la diligence, alors j'ai bien étudié.

Après trois années d'études, Dürer entreprend un voyage à travers les villes du Haut-Rhin (de 1490 à 1494), obligatoire pour l'obtention du titre de maître.
Avant de retourner à Nuremberg, son père lui a trouvé une épouse - Agnès Frei, issue d'une noble famille de banquiers - représentants financiers des Médicis en Allemagne. Agnès Frey est la fille de Hans Frey, chaudronnier, mécanicien et musicien.

"...et pendant quatre ans j'étais loin de chez moi, jusqu'à ce que mon père me réclame à nouveau. Et après mon départ en 1490 après Pâques, je suis revenu, quand on a compté l'année 1494, après la Trinité. Et quand je suis rentré chez moi, J'ai passé un accord avec mon père, Hans Frey m'a donné sa fille, une fille nommée Agnès, et m'a donné 200 florins pour elle, et ils se sont mariés lundi avant Marguerite en 1494.

Apparemment, le portrait d'Agnès - un rapide dessin à la plume - remonte à cette époque. La photo montre une fille vêtue d’une robe d’intérieur et d’un tablier. Elle s'est coiffée à la hâte - des mèches de cheveux tombent de sa tresse et son visage ne semble pas beau - cependant, chaque siècle a ses propres idées sur la beauté féminine. S'appuyant sur sa main, elle s'assoupit - elle devait être occupée : il y avait beaucoup à faire avant le mariage. Le marié se rendit dans la maison de son futur beau-père. Soigneusement peigné, élégamment habillé, avec un cadeau pour la mariée, Albrecht Dürer ouvrit la porte de la maison et prit par surprise Agnès, qui s'était assoupie. C'est ainsi qu'il l'a dessinée. Le croquis éphémère ne flattait pas la mariée. Après avoir hésité, comme pour vérifier ce que signifient ces mots courts, il écrit sous l'image : « Mon Agnès ». Dans toute l'histoire de leur long mariage, ce sont les seuls mots tendres écrits par Dürer à l'égard de sa femme.

Puis, la même année, il entreprend un voyage en Italie, où il découvre les œuvres de Mantegna, Polaiolo, Lorenzo di Credi et d'autres maîtres. En 1495, Dürer retourna dans sa ville natale et, au cours des dix années suivantes, réalisa une partie importante de ses gravures, devenues aujourd'hui célèbres.

L’an 1500 approchait.

Les rendez-vous ronds font toujours une impression particulière sur les gens, et celui-ci était fascinant. Il était impossible d’imaginer qu’une telle année ne serait pas différente des années précédentes et suivantes. Les gens étaient soulagés que la fin du monde ne soit pas arrivée. Mais ils continuaient à penser que l’an 1500 signifiait une sorte de jalon.

Autoportrait. 1500
Non, ce n'est pas un hasard si cette année-là, Dürer a créé un nouvel autoportrait - l'un des plus étonnants de son œuvre et, peut-être, de l'art de l'autoportrait européen en général.

Dürer attachait une importance particulière à ce portrait. Il l'a non seulement marqué de son monogramme, mais il l'a doté d'une inscription latine :

"Moi, Albrecht Dürer, un Nurembergois, je me suis peint avec des couleurs éternelles..."

Les lettres sont écrites à la peinture dorée, elles font écho aux éclats dorés des cheveux et soulignent la solennité du portrait.
Jusqu’à récemment, les artistes allemands ne signaient pas leurs œuvres : une modeste obscurité était leur lot. Dürer déroule sa signature en plusieurs lignes en lettres d'or solennelles. Place ces lignes à l’endroit le plus visible de l’image. Des peintures remplies de l'esprit de fière affirmation de soi, d'affirmation de soi en tant qu'individu et en tant qu'artiste, qui pour lui est indissociable l'une de l'autre. Ce n’est pas facile, pas facile, de communiquer avec un homme d’une si grande fierté et si convaincu de son droit, au regard aussi pénétrant.

En 1503-1504, Dürer créa de magnifiques aquarelles représentant des animaux et des plantes, dont la plus célèbre est « Un grand morceau de gazon » (1503, Vienne, Kunsthistorisches Museum). Peintes dans différentes nuances de vert, les plantes sont représentées avec un soin et une précision inégalés.

Un gros morceau de gazon. 1503

Jeune lièvre. 1502.

De retour à Nuremberg, Dürer continue de s'adonner à la gravure, mais la peinture occupe une place plus importante parmi ses œuvres de 1507-1511.

Adoration de la Sainte Trinité (autel de Landauer). 1511
Cet étonnant tableau scintillant, l’une des œuvres les plus solennelles et « pathétiques » de Dürer, a été peint sur ordre du marchand M. Landauer. La Sainte Trinité est représentée ici sur l'axe central (le Saint-Esprit sous la forme d'une colombe, Dieu le Père couronné et le Christ crucifié).
Autour sont placés des personnages adorant la Trinité, divisés en quatre groupes : en haut à gauche - les martyrs, menés par la Mère de Dieu ; en haut à droite - prophètes, prophétesses et sibylles dirigés par Jean-Baptiste ; en bas à gauche - les dirigeants de l'Église dirigés par deux papes ; en bas à droite - les laïcs, dirigés par l'empereur et le roi.
Au bas de l'image, nous voyons un paysage avec un lac. Le seul personnage présent sur ses rives est Dürer lui-même.

Si en 1507-1511, Dürer s'occupait principalement de la peinture, les années 1511-1514 étaient principalement consacrées à la gravure.
En 1513-1514, il crée ses trois feuilles les plus célèbres : « Le Chevalier, la Mort et le Diable » ; "Saint Jérôme dans la cellule" et "Melancholia I".

Chevalier, la mort et le diable. 1513
Dans le premier, un chevalier chrétien traverse un terrain montagneux, accompagné de la Mort avec un sablier et du diable. L’image du chevalier est peut-être née sous l’influence du traité d’Érasme de Rotterdam « Manuel du guerrier chrétien » (1504). Le chevalier est une allégorie de la vie active ; il accomplit ses exploits dans la lutte contre la mort.

Saint Jérôme dans sa cellule. 1514
La feuille « Saint Jérôme dans la cellule », au contraire, est une représentation allégorique du style de vie contemplatif. Le vieil homme est assis devant le pupitre au fond de la cellule ; un lion s'étend au premier plan. La lumière pénètre par les fenêtres dans cette maison paisible et douillette, mais des symboles rappelant la mort envahissent également ici : un crâne et un sablier.

Mélancolie I. 1514
La gravure « Mélancolie I » représente une figure féminine ailée assise parmi des instruments et ustensiles désorganisés.

Quatre apôtres. 1526
« Les Quatre Apôtres » est le dernier tableau de Dürer, son témoignage spirituel envers ses contemporains et ses descendants. L'artiste de cinquante-cinq ans sentit que ses forces s'épuisaient et décida de faire un cadeau d'adieu à sa ville natale de Nuremberg.
Cette œuvre a été créée en 1526, peu après que Nuremberg ait officiellement accepté la Réforme.

En représentant les trois apôtres et l'évangéliste, Dürer a voulu donner à ses concitoyens une nouvelle ligne directrice morale et un exemple à suivre. L'artiste a tenté d'exprimer ses idées sur ce monument avec toute la clarté possible.
Dans une lettre au Conseil municipal, le maître a écrit que dans ce travail il "J'y ai mis plus d'efforts que dans n'importe quel autre tableau."
Par efforts, Dürer entendait non seulement l’œuvre de l’artiste elle-même, mais aussi la diligence avec laquelle il cherchait à transmettre au public la signification religieuse et philosophique de l’œuvre. Il a semblé à Dürer que la peinture seule ne suffisait pas pour cela, et il l'a complété par les mots : il y a des inscriptions au bas des deux planches.
L'artiste lui-même a formulé ainsi ses mots d'adieu à ses concitoyens :
« En ces temps dangereux, que les dirigeants terrestres prennent garde à ne pas confondre les erreurs humaines avec la parole divine. »
Dürer a soutenu ses propres pensées avec des citations soigneusement sélectionnées du Nouveau Testament - des déclarations des disciples et disciples du Christ qu'il a représentés : ce sont les avertissements des apôtres Jean et Pierre contre les faux prophètes et les faux enseignants ; les paroles de Paul, qui prédisait une époque où viendrait la domination de gens orgueilleux et arrogants, et, enfin, la célèbre déclaration de l'évangéliste Marc « Méfiez-vous des scribes ».
Il est significatif que les textes évangéliques soient cités dans la Bible, traduite par Luther en 1522 en allemand. Les inscriptions dans une magnifique police gothique ont été réalisées à la demande de Dürer par son ami, le célèbre calligraphe Johann Neudörfer.

Au cours des dernières années de sa vie, Dürer publie ses ouvrages théoriques : « Guide pour mesurer avec des compas et des règles » (1525), « Instructions pour renforcer les villes, les châteaux et les forteresses » (1527), « Quatre livres sur les proportions humaines » (1528). ). Dürer a eu une énorme influence sur le développement de l’art allemand dans la première moitié du XVIe siècle. En Italie, les gravures de Dürer connurent un tel succès qu'elles produisirent même des contrefaçons ; De nombreux artistes italiens, dont Pontormo et Pordenone, ont été directement influencés par ses gravures.

Albrecht Dürer est décédé subitement à l'âge de cinquante-sept ans - le 6 avril 1528 - et a été enterré au cimetière municipal de Saint-Jean à Nuremberg. Après sa mort, il laisse plusieurs centaines de gravures et plus de soixante tableaux.

L'œuvre de ce maître fut d'une grande importance pour le développement de l'art allemand dans la première moitié du XVIe siècle. Malgré toute la contribution très étendue et significative de Dürer au développement de l’art de son pays, son principal mérite est l’établissement de principes réalistes dans la peinture et la gravure allemandes du XVIe siècle.

Des matériaux ont été utilisés du merveilleux livre de Sergei Lvovich Lvov -

10/04/2017 à 17h26 · Pavlofox · 17 380

Les peintures les plus célèbres d'Albrecht Dürer

Albrecht Dürer est né dans une grande famille de bijoutier ; il avait dix-sept frères et sœurs. Au XVe siècle, le métier d'orfèvre étant considéré comme très respectueux, le père essayait d'enseigner à ses enfants le métier qu'il exerçait. Mais le talent d'Albrecht pour l'art s'est manifesté assez tôt et son père ne l'a pas dissuadé, au contraire, à l'âge de 15 ans, il a envoyé son fils chez le célèbre maître de Nuremberg Michael Wolgemut. Après 4 ans d'études auprès du maître, Dürer part en voyage et peint en même temps son premier tableau indépendant, « Portrait du Père ». Au cours de ses voyages, il perfectionne ses compétences auprès de différents maîtres dans différentes villes. Considérons les peintures les plus célèbres d'Albrecht Dürer, reconnu par la communauté internationale.

10.

Ce tableau de Dürer a suscité de nombreuses condamnations, tant de la part des contemporains de l’artiste que de la part des critiques d’art moderne. Tout dépend de la pose dans laquelle l'auteur s'est dessiné et du message caché véhiculé à travers les détails. A l'époque de l'artiste, seuls les saints pouvaient être peints de face ou à proximité. Le houx dans la main de l’artiste fait référence à la couronne d’épines placée sur la tête du Christ lors de la crucifixion. L’inscription en haut de la toile dit « Mes affaires sont déterminées d’en haut », c’est une référence à la dévotion de l’auteur envers Dieu et au fait que toutes ses réalisations à cette étape de la vie sont avec la bénédiction de Dieu. Ce tableau, conservé au Louvre, est considéré comme ayant apporté certains changements dans la vision humaine du monde.

9.

Avec l'âge, Dürer est allé encore plus loin en reflétant ses expériences sur toile. Pour cette impudence, ses contemporains critiquent durement l'artiste. Sur cette toile, il peint son autoportrait de face. Alors que des contemporains encore plus reconnus ne pouvaient se permettre une telle audace. Dans le portrait, l'auteur regarde strictement devant lui et tient sa main au milieu de sa poitrine, ce qui est typique des reflets du Christ. Les méchants ont trouvé toutes les similitudes dans la peinture de Dürer et lui ont reproché de se comparer au Christ. En regardant le tableau, certains seront peut-être d’accord avec les critiques, tandis que d’autres y verront peut-être quelque chose de plus. Il n'y a aucun objet qui attire l'attention dans l'image, ce qui oblige le spectateur à se concentrer sur l'image d'une personne. Ceux qui ont vu la photo considèrent la gamme de sentiments exprimés sur le visage et l'image de la personne représentée.

8.

Le portrait, peint en 1505, est considéré comme une œuvre d'inspiration vénitienne de Dürer. C'est durant cette période qu'il séjourne pour la deuxième fois à Venise et se perfectionne auprès de Giovanni Bellini, avec qui il finit par se lier d'amitié. On ne sait pas qui est représenté sur le portrait ; certains suggèrent qu'il s'agit d'une courtisane vénitienne. Puisqu’il n’y a aucune information sur le mariage de l’artiste, il n’existe pas d’autres versions sur la personne qui a posé. Le tableau est conservé au Kunsthistorisches Museum de Vienne.

7.

Le tableau a été commandé par le mécène de Dürer pour l'église de Tous les Saints de Wittenberg. En raison de la présence dans l'église des reliques de certains des dix mille martyrs. L'histoire religieuse familière à de nombreux croyants, à propos des coups portés contre les soldats chrétiens sur le mont Ararat, se reflète dans chaque détail. Au centre de la composition, l'auteur s'est dessiné avec un drapeau sur lequel il a écrit l'heure de l'écriture et l'auteur du tableau. À côté de lui est peint l’ami de Dürer, l’humaniste Konrad Celtis, décédé avant la fin du tableau.

6.

Le tableau le plus reconnaissable de Dürer a été peint pour l'église de San Bartolomeo en Italie. L'artiste a peint ce tableau pendant plusieurs années. L’image est pleine de couleurs vives, car cette tendance devenait populaire à cette époque. Le tableau doit son nom au sujet qui y est reflété, celui des moines dominicains qui utilisaient des chapelets dans leurs prières. Au centre de l'image se trouve la Vierge Marie avec l'enfant Christ dans ses bras. Entouré de fidèles, dont le pape Julien II et l'empereur Maximilien Ier. Enfant - Jésus distribue à chacun des couronnes de roses. Les moines dominicains utilisaient des chapelets de couleurs strictement blanches et rouges. Le blanc symbolise la joie de la Vierge Marie, le rouge le sang du Christ lors de la crucifixion.

5.

Un autre tableau très célèbre de Dürer a été copié à plusieurs reprises, imprimé sur des cartes postales, des timbres et même des pièces de monnaie. L'histoire du tableau frappe par sa symbolique. La toile représente non seulement la main d’un homme pieux, mais aussi celle du frère de Dürer. Même dans l'enfance, les frères ont accepté de peindre à tour de rôle, puisque la renommée et la richesse de ce métier ne viennent pas immédiatement et pas à tout le monde, l'un des frères devait assurer l'existence de l'autre. Albrecht fut le premier à se mettre à la peinture, et quand ce fut le tour de son frère, ses mains n'étaient déjà plus habituées à peindre, il ne savait pas peindre. Mais le frère d'Albrecht était un homme pieux et humble, il n'était pas en colère contre son frère. Ces mains se reflètent sur la photo.

4.

Dürer a représenté son mécène à plusieurs reprises dans différents tableaux, mais le portrait de Maximilien Ier est devenu l'un des tableaux de renommée mondiale. L'empereur est représenté, comme il sied aux monarques, avec des robes riches, un regard arrogant et l'image pue l'arrogance. Comme dans d’autres tableaux de l’artiste, il y a un symbole particulier. L’Empereur tient dans sa main une grenade, symbole d’abondance et d’immortalité. Un indice que c'est lui qui assure au peuple prospérité et fertilité. Les grains visibles sur un morceau de grenade pelé sont un symbole de la polyvalence de la personnalité de l’empereur.

3.

Cette gravure de Dürer symbolise le chemin de vie d'une personne. Un chevalier vêtu d'une armure est un homme protégé par sa foi de la tentation. La mort marchant à proximité est représentée avec un sablier à la main, indiquant l'issue à la fin du temps imparti. Le diable marche derrière le chevalier, représenté comme une sorte de créature pitoyable, mais prête à l'attaquer à la moindre occasion. Tout se résume à la lutte éternelle entre le bien et le mal, à la force de l'esprit face à la tentation.

2.

Gravure la plus célèbre de Dürer parmi ses 15 œuvres sur le thème de l'apocalypse biblique. Les quatre cavaliers sont la Victoire, la Guerre, la Famine et la Mort. L'enfer qui les suit est représenté dans la gravure sous la forme d'une bête à la gueule ouverte. Comme dans la légende, les cavaliers se précipitent, emportant tout sur leur passage, pauvres et riches, rois et gens ordinaires. Une référence au fait que chacun recevra ce qu’il mérite et que chacun répondra de ses péchés.

1.

Le tableau a été peint lors du retour d'Italie de Dürer. La peinture mêle l’attention allemande aux détails et la vivacité et l’éclat des couleurs caractéristiques de la Renaissance italienne. L'attention portée aux lignes, aux subtilités mécaniques et aux détails fait référence aux croquis de Léonard de Vinci. Dans ce tableau de renommée mondiale, la scène décrite en détail dans les contes bibliques, transférée en peinture sur toile, laisse l'impression que c'est exactement ainsi que cela s'est passé.

Que voir d'autre :

Le futur père de l'artiste est arrivé en Allemagne du petit village hongrois d'Eitas en 1455. Il a décidé de s'installer dans la ville progressiste, commerçante et riche de l'Allemagne de l'époque - Nuremberg, qui faisait partie de la Bavière.

Vue de Nuremberg. Chronique mondiale de Schedel, 1493

En 1467, alors qu'il avait déjà environ 40 ans, il épousa la jeune fille de l'orfèvre Hieronymus Holper. A cette époque, Barbara n’avait que 15 ans.

Portraits de son père - Albrecht Dürer l'Ancien, 1490 et 1497.

Leur brillant fils est né à Nuremberg le 21 mai 1471 et était le troisième enfant de la famille. Au total, Barbara Dürer a donné naissance à 18 enfants durant son mariage. Albrecht a eu de la chance : il faisait partie de ces trois garçons qui ont vécu jusqu'à l'âge adulte. Il n'a pas eu d'enfants, comme ses deux frères Endres et Hans.

Le père du futur artiste travaillait comme bijoutier. Son nom était également Albrecht Dürer (1427-1502). La mère prenait soin de la maison, allait assidûment à l'église, accouchait souvent et était souvent malade. Quelque temps après la mort de son père, Barbara Dürer a déménagé chez Albrecht le Jeune. Elle a contribué à la mise en œuvre du travail de son fils. Elle décède dans sa maison le 17 mai 1514 à l'âge de 63 ans. Dürer parlait avec respect de ses parents comme de grands travailleurs et de personnes pieuses.

Portraits de mère - Barbara Durer (née Holper), 1490 et 1514.

Le parcours créatif et de vie d'Albrecht Dürer

Albrecht Dürer est le plus grand peintre et graveur inégalé non seulement en Allemagne, mais aussi dans tout l'art d'Europe occidentale de la Renaissance en Europe du Nord. Il possédait une technique unique de gravure sur cuivre sculpté.

Quel a été le chemin qui a conduit Dürer à une telle reconnaissance ?

Le père souhaitait que son fils poursuive son activité et devienne bijoutier. Dès l’âge de onze ans, Dürer le Jeune étudie dans l’atelier de son père, mais le garçon est attiré par la peinture. Adolescent de treize ans, il réalise son premier autoportrait au crayon d'argent. La technique de travail avec un tel crayon est très difficile. Les lignes tracées par lui ne peuvent pas être corrigées. Dürer était fier de cette œuvre et écrivit plus tard : « Je me suis peint dans un miroir en 1484, alors que j'étais encore enfant. Albrecht Dürer." De plus, il a fait l’inscription dans une image miroir.

Autoportrait d'Albrecht Dürer, 1484

Dürer l'Ancien dut céder aux intérêts de son fils. A l'âge de quinze ans, le jeune homme, en vertu d'un accord entre son père et l'artiste héréditaire de Nuremberg Mikael Wolgemut, entre dans son atelier pour étudier. De Wolgemut, il a étudié la peinture et la gravure sur bois et a contribué à la création de vitraux et d'images d'autel. Après avoir terminé ses études, Dürer part en voyage d'apprentissage pour se familiariser avec l'expérience de maîtres d'autres régions, améliorer ses compétences et élargir ses horizons. Le voyage dura de 1490 à 1494 - pendant ses soi-disant « années merveilleuses » de formation de jeune artiste. Durant cette période, il visite des villes comme Strasbourg, Colmar et Bâle.

Il recherche son propre style artistique. Depuis le milieu des années 1490, Albrecht Dürer désigne ses œuvres par les initiales « AD ».

Il perfectionne la technique de la gravure sur cuivre à Colmar auprès des trois frères du célèbre maître Martin Schongauer. Lui-même n'était plus en vie. Ensuite, Dürer a déménagé chez le quatrième frère Schongauer à Bâle, l'un des centres d'impression de livres de l'époque.

En 1493, au cours de son voyage d'étudiant, Dürer le Jeune réalise un autre autoportrait, peint cette fois à l'huile, et l'envoie à Nuremberg. Il s'est représenté avec un chardon à la main. Selon une version, cette plante symbolisait la fidélité au Christ, selon une autre, la fidélité masculine. Peut-être qu'avec ce portrait, il s'est présenté à sa future épouse et lui a fait comprendre qu'il serait un mari fidèle. Certains historiens de l'art pensent que ce portrait était un cadeau offert à la mariée.

Autoportrait au chardon, 1493. Dürer a 22 ans.

Après cela, Albrecht retourna à Nuremberg pour se marier. Le père a arrangé un mariage avec la fille d'un riche commerçant local. Le 7 juillet 1494 eut lieu le mariage d'Albrecht Dürer et d'Agnès Frey.

Portrait de l'épouse de Dürer, "Mon Agnès", 1494

Quelque temps après le mariage, un autre voyage suivit, sur un itinéraire plus long. Cette fois à travers les Alpes jusqu'à Venise et Padoue. Là, il se familiarise avec le travail d'artistes italiens exceptionnels. Réalise des copies de gravures d'Andrea Mantegna et d'Antonio Pollaiuolo. Albrecht est également impressionné par le fait qu'en Italie, les artistes ne sont plus considérés comme de simples artisans, mais jouissent d'un statut plus élevé dans la société.

En 1495, Dürer entreprit son voyage de retour. Chemin faisant, il peint des paysages à l'aquarelle.

De retour d'Italie, il peut enfin se permettre d'avoir son propre atelier.

Au cours des années suivantes, son style de peinture reflète l'influence des peintres italiens. En 1504, il peint la toile « L'Adoration des Mages ». Ce tableau est aujourd'hui considéré comme l'un des tableaux les plus remarquables d'Albrecht Dürer de 1494 à 1505.

De 1505 au milieu de 1507, il visita de nouveau l'Italie. Visité Bologne, Rome et Venise.

En 1509, Albrecht Dürer acheta une grande maison à Nuremberg et y passa près de vingt ans de sa vie.

En juillet 1520, l'artiste se rend aux Pays-Bas, emmenant avec lui sa femme Agnès. Il visite les anciens centres de la peinture hollandaise - Bruges, Bruxelles, Gand. Partout, il réalise des croquis d'architecture, ainsi que des croquis de personnes et d'animaux. Rencontre d'autres artistes, rencontre le plus grand scientifique Erasmus de Rotterdam. Dürer est célèbre depuis longtemps et est reçu partout avec respect et honneur.

À Aix-la-Chapelle, il assiste au couronnement de l'empereur Charles Quint. Plus tard, il le rencontre pour étendre les privilèges précédemment reçus du précédent empereur Maximilien Ier, dont il exécutait les ordres.

Malheureusement, lors de son voyage aux Pays-Bas, Dürer a contracté une « maladie étonnante », vraisemblablement le paludisme. Il est tourmenté par des crises et un jour il envoie au médecin un dessin à son image, où il montre du doigt l'endroit douloureux. Le dessin est accompagné d'une explication.

Gravures d'Albrecht Dürer

Parmi ses contemporains, Albrecht Dürer s'est fait connaître principalement en créant des gravures. Ses œuvres magistrales se distinguent par leur grand format, leur dessin subtil et précis, leur maîtrise des personnages et leur composition complexe. Dürer maîtrisait parfaitement la technique de la gravure aussi bien sur bois que sur cuivre. Du début à la fin, l'artiste effectue lui-même tous les travaux de création de gravures, incl. des sculptures avec des détails et des lignes fines sans précédent. Parallèlement, il utilise des outils réalisés d'après ses propres dessins. Il réalise de nombreuses estampes dont les tirages sont largement diffusés dans toute l'Europe. Il devient alors éditeur de ses ouvrages. Ses estampes étaient largement connues, très populaires et se vendaient bien. Son prestige fut considérablement renforcé par la série de gravures « Apocalypse » publiée en 1498.

Les chefs-d'œuvre de Dürer sont reconnus comme « Maîtres gravures » : en 1513, il sculpta une gravure sur cuivre « Le Chevalier, la Mort et le Diable », et en 1514 jusqu'à deux : « Saint Jérôme dans la cellule » et « Mélancolie ».

L’image la plus célèbre d’un rhinocéros est peut-être ce qu’on appelle le « rhinocéros de Dürer », créé en 1515. Lui-même n'a pas vu cet animal étrange pour l'Allemagne. L'artiste a imaginé son apparence à partir de descriptions et de dessins d'autres personnes.

"Le rhinocéros de Dürer", 1515

Le carré magique d'Albrecht Dürer

En 1514, comme indiqué ci-dessus, le maître créa la gravure "Mélancolie" - l'une de ses œuvres les plus mystérieuses. L’image est remplie de nombreux détails symboliques qui laissent encore place à l’interprétation.

Dans le coin supérieur droit, Dürer a sculpté un carré avec des chiffres. Sa particularité est que si vous additionnez des nombres dans n'importe quelle direction, les montants obtenus seront toujours égaux à 34. Le même chiffre s'obtient en comptant les nombres dans chacun des quatre trimestres ; dans le quadrilatère du milieu et lors de l'ajout de nombres à partir de cellules situées dans les coins d'un grand carré. Et dans les deux cellules centrales de la rangée du bas, l'artiste a inscrit l'année de création de la gravure - 1514.

Gravure "Mélancolie" et carré magique de Dürer,1514

Dessins et aquarelles de Dürer

Dans l'une de ses premières aquarelles de paysages, Dürer a représenté un moulin et un atelier de dessin sur les rives de la rivière Pegnitz, dans lesquels était fabriqué du fil de cuivre. De l'autre côté de la rivière se trouvent des villages à proximité de Nuremberg, avec les montagnes bleues au loin.

Moulin à dessin sur la rivière Pegnitz, 1498

L'un des dessins les plus célèbres, « Le jeune lièvre », a été réalisé en 1502. L'artiste a indiqué la date de sa création et a apposé ses initiales « AD » directement sous l'image de l'animal.

En 1508, il peint ses propres mains jointes en prière en blanc sur du papier bleu. Cette image est encore le plus souvent reproduite et même traduite en version sculpturale.

Mains en prière, 1508

Selon les experts, plus de 900 dessins d'Albrecht Dürer ont été conservés à ce jour.

Dürer, proportions et nudité

Dürer était captivé par le désir de retrouver les proportions idéales de la figure humaine. Il examine attentivement les corps nus des gens. En 1504, il créa la remarquable gravure sur cuivre « Adam et Ève ». Pour représenter Adam, l'artiste prend comme modèle la pose et les proportions de la statue en marbre d'Apollon du Belvédère. Cette statue antique a été retrouvée à la fin du XVe siècle à Rome. L'idéalisation des proportions distingue l'œuvre de Dürer des canons médiévaux alors acceptés. À l’avenir, il préfère encore représenter les formes réelles dans leur diversité.

En 1507, il écrit un diptyque pictural sur le même thème.

Il devient le premier artiste allemand à représenter des personnages nus. Au château de Weimar se trouve un portrait de Dürer, dans lequel il se représente le plus ouvertement possible, complètement nu.

Autoportrait de Dürer nu, 1509

Autoportraits

Albrecht Dürer a peint des autoportraits depuis son enfance jusqu'à sa vieillesse. Chacun d’eux a son propre zeste, et souvent son innovation. L'autoportrait, qui a choqué le public de l'artiste contemporain, a été peint en 1500. Albrecht, 28 ans, y apparaît sous une forme audacieuse, car il ressemble à une image du Christ lui-même.

Autoportrait, 1500. Dürer a 28 ans.

De plus, le portrait est peint de face. A cette époque, cette pose était utilisée pour peindre des images de saints, et des portraits profanes en Europe du Nord étaient réalisés en trois quarts de tour du modèle. Ce portrait révèle également la recherche permanente de l’artiste des proportions idéales.

La mort d'Albrecht Dürer et sa mémoire

L'artiste décède dans sa maison de Nuremberg le 6 avril 1528, un mois et demi avant son 57e anniversaire. Son décès a été une perte énorme non seulement pour l'Allemagne, mais Albrecht Dürer a été pleuré par tous les grands esprits européens de l'époque.

Il a été enterré au cimetière Saint-Jean de Nuremberg. Son ami de toujours, l’humaniste allemand Willibald Pirkheimer, a écrit pour la pierre tombale : « Sous cette colline se trouve ce qui était mortel en Albrecht Dürer. »

La pierre tombale d'Albrecht Dürer

Le musée Albrecht-Dürer-Haus est ouvert dans la maison de Dürer depuis 1828.

Vidéo sur le sujet

Sources:

• ^ Dürer. S. Zarnitski. 1984.
• "Gravure allemande"

Albrecht Dürer (1471 - 1528) était un grand artiste et graphiste allemand. Il a laissé derrière lui un riche héritage : peintures, gravures, traités. Dürer a amélioré l'art de la gravure sur bois et a écrit des ouvrages sur la théorie de la peinture. Pas étonnant qu’on l’appelle le « Léonard de Vinci du Nord ». Les œuvres de Dürer ont une grande valeur universelle, comparable à celle des génies de la Renaissance italienne.

Biographie

Jeunesse

Albrecht Dürer, le père de l’artiste, est arrivé de Hongrie à Nuremberg. Il était bijoutier. À l'âge de 40 ans, il épouse Barbara Holper, 15 ans. Le couple a eu 18 enfants, mais seuls 4 ont survécu jusqu'à l'âge adulte. Parmi eux se trouvait Albrecht le Jeune, le futur grand artiste, né le 21 mai 1471.

Le petit Albrecht est allé dans une école latine où il a appris à lire et à écrire. Au début, il a appris l'art de la joaillerie auprès de son père. Cependant, le garçon montra un talent pour le dessin et son père, à contrecœur, l'envoya étudier auprès du célèbre artiste allemand Michael Wolgemut. Là, le jeune homme apprend non seulement à peindre, mais aussi à réaliser des gravures.

Après avoir terminé ses études, en 1490, Dürer partit pour acquérir l'expérience d'autres maîtres. Pendant 4 ans il visite Strasbourg, Bâle, Colmar. Pendant le voyage, Albrecht étudia avec les fils du célèbre graveur Martin Schongauer.

En 1493, Dürer épousa Agnès Frey. Il s’agit d’un mariage de convenance : l’épouse d’Albrecht a été récupérée par son père alors que son fils était en visite à Strasbourg. Le mariage s'est avéré sans enfants et pas entièrement heureux, mais le couple a vécu ensemble jusqu'à la fin. Après son mariage, Albrecht Dürer a pu ouvrir son propre atelier.

Italie

L'artiste allemand se rend pour la première fois en Italie en 1494. Il vécut environ un an à Venise et visita également Padoue. C'est là qu'il découvre pour la première fois le travail d'artistes italiens. De retour chez lui, Albrecht Dürer est devenu un maître célèbre. Ses gravures lui valent particulièrement une grande renommée. Après la mort de son père en 1502, Albrecht prit soin de sa mère et de ses frères.

En 1505, l'artiste se rend à nouveau en Italie pour s'occuper des plagiaires locaux qui copient ses gravures. Il a vécu à Venise, qu'Albrecht aimait, pendant deux ans, étudiant l'école de peinture vénitienne. Dürer était particulièrement fier de son amitié avec Giovanni Bellini. Il a également visité des villes comme Rome, Bologne, Padoue.

Patronage de Maximilien Ier

À son retour d'Italie, Dürer a acheté une grande maison qui a survécu jusqu'à ce jour. Il y a maintenant un musée de l'artiste.

Parallèlement, il est membre du Grand Conseil de Nuremberg. Le maître travaille beaucoup sur des commandes d'art et des gravures.

En 1512, l'empereur Maximilien Ier prit l'artiste sous son patronage et Dürer lui passa plusieurs commandes. Au lieu de payer le travail, l'empereur accordait à l'artiste une pension annuelle. La ville de Nuremberg a dû la payer avec l’argent transféré au Trésor public. Cependant, après la mort de Maximilien Ier en 1519, la ville refusa de payer la pension de Dürer.

Voyage aux Pays-Bas

Le journal d'Albrecht Dürer décrit en détail le voyage aux Pays-Bas qu'il effectua avec sa femme en 1520-1521. Au cours de ce voyage, Dürer fait la connaissance du travail d'artistes locaux. Il était déjà très célèbre et il était chaleureusement accueilli et honoré partout. A Anvers, on lui propose même de rester, en lui promettant un salaire et une maison. Aux Pays-Bas, le maître rencontre Erasmus de Rotterdam. Les aristocrates locaux, les scientifiques et la riche bourgeoisie l'accueillent volontiers.

Dürer entreprit un si long voyage afin de confirmer ses droits à une pension de Charles V, devenu le nouvel empereur du Saint Empire romain germanique. L'artiste a assisté à son couronnement à Aix-la-Chapelle. Charles V accéda à la demande de Dürer. En 1521, le maître rentra chez lui, dans sa ville natale de Nuremberg.

Aux Pays-Bas, Dürer a contracté le paludisme. La maladie l'a tourmenté pendant 7 longues années. Le grand artiste décède le 6 avril 1528. Il avait 56 ans.

L'héritage d'Albrecht Dürer

Peinture

En peinture, Dürer était aussi polyvalent que dans ses autres activités. Il a peint des images d'autel, des scènes bibliques et des portraits traditionnels de l'époque. La connaissance des maîtres italiens a eu une grande influence sur l'artiste. Ceci est particulièrement visible dans les peintures réalisées directement à Venise. Pour autant, Dürer ne perd pas son originalité. Son œuvre est une fusion de la tradition allemande et des idéaux humanistes de la Renaissance italienne.

Images d'autel et peintures basées sur des scènes bibliques

L'œuvre de l'artiste des XVe et XVIe siècles était impensable sans sujets chrétiens. Et Albrecht Dürer ne fait pas exception. Il a peint de nombreuses Madones (« Vierge à la poire », « Madone allaitante », « Vierge à l'œillet », « Vierge à l'Enfant avec sainte Anne », etc.) ; plusieurs images d'autel (« Fête du Rosaire », « Adoration de la Sainte Trinité », « Autel de Dresde », « Sept Douleurs de la Vierge Marie », « Autel de Jabach », « Autel de Paumgartner », etc.), des peintures sur des motifs bibliques thèmes (« Quatre Apôtres », « Saint Jérôme », « Adam et Ève », « Adoration des Mages », « Jésus parmi les scribes », etc.).

Les œuvres du maître de la « période italienne » se distinguent par l’éclat et la transparence des couleurs et la douceur des lignes. Leur ambiance est lyrique et lumineuse. Il s'agit d'œuvres telles que « La Fête du Rosaire », le diptyque « Adam et Ève », « L'Adoration des Mages », « L'Autel Paumgartner », « La Vierge au Tarin », « Jésus parmi les scribes ».

Premier en Allemagne, Dürer tente de créer des proportions harmonieuses basées sur la connaissance de l'Antiquité. Ces tentatives s'incarnent principalement dans le diptyque « Adam et Eve ».

Dans des œuvres plus matures, le drame est déjà évident, des compositions à plusieurs figures apparaissent (« Martyre des dix mille chrétiens », « Adoration de la Sainte Trinité », « Vierge à l'Enfant et sainte Anne »).

Dürer a toujours été un homme qui craignait Dieu. Au cours de la propagation de la Réforme, il sympathisa avec les idées de Martin Luther et d'Érasme de Rotterdam, qui affectèrent dans une certaine mesure ses œuvres.

Dürer a fait don à sa ville natale de sa dernière œuvre de grande envergure, le diptyque « Les Quatre Apôtres ». Des images monumentales des apôtres sont présentées comme l'idéal de la Raison et de l'Esprit.

Autoportraits

Dans la peinture allemande, Dürer fut un pionnier du genre de l'autoportrait. Dans cet art, il surpassa ses contemporains. L'autoportrait était pour Dürer un moyen de perfectionner ses compétences et de laisser un souvenir de lui-même à la postérité. Dürer n’est plus un simple artisan, comme l’étaient les artistes de l’époque. C'est un intellectuel, un maître, un penseur, en quête constante de perfection. C'est ce qu'il tente de montrer dans ses images.

Albrecht Dürer a peint son premier autoportrait alors qu'il était enfant, à l'âge de 13 ans. Il était très fier de ce dessin, réalisé avec un crayon argenté italien qui ne s'efface pas. Ce portrait a été réalisé avant ses études auprès de Michael Wolgemut et montre l'étendue du talent du petit Albrecht.

À l'âge de 22 ans, l'artiste peint à l'huile un autoportrait avec un chardon. Ce fut le premier autoportrait indépendant de la peinture européenne. Peut-être qu'Albrecht a peint le tableau pour le donner à sa future épouse Agnès. Dürer se représentait vêtu de vêtements élégants, le regard tourné vers le spectateur. Sur la toile se trouve l'inscription « Mes actes sont déterminés d'en haut » ; dans les mains d'un jeune homme tient une plante dont le nom en allemand sonne comme « fidélité masculine ». En revanche, le chardon était considéré comme un symbole de la souffrance du Christ. C’est peut-être ainsi que l’artiste a voulu montrer qu’il suivait la volonté de son père.

Cinq ans plus tard, Dürer réalise son prochain autoportrait. Durant cette période, l'artiste devient un maître recherché, il est connu bien au-delà des frontières de son pays natal. Il a son propre atelier. Il a déjà réussi à voyager en Italie. Cela peut être vu sur la photo. Albrecht se représente sur fond de paysage, dans une tenue italienne à la mode, avec des gants de cuir coûteux sur les mains. Il est habillé comme un noble. Avec confiance et estime de soi, il regarde le spectateur.

Puis, en 1500, Albrecht Dürer a peint à l'huile l'autoportrait suivant portant des vêtements en fourrure. Traditionnellement, les modèles étaient représentés dans une perspective de trois quarts. Les saints ou la royauté étaient généralement peints de face. Ici aussi, Dürer a été un innovateur en se représentant complètement face au spectateur. Des cheveux longs, un regard expressif, le geste presque bénissant d'une main élégante doigtant la fourrure de vêtements riches. Dürer s'identifie consciemment à Jésus. En même temps, nous savons que l’artiste était un chrétien craignant Dieu. L'inscription sur la toile dit : « Moi, Albrecht Dürer de Nuremberg, je me suis créé dans des couleurs éternelles à l'âge de 28 ans ». "Il s'est créé avec des couleurs éternelles" - ces mots indiquent que l'artiste se compare au Créateur, mettant l'homme au même niveau que Dieu. Devenir comme Christ n’est pas un orgueil, mais le devoir du croyant. La vie doit être vécue avec dignité, en supportant les épreuves et les difficultés. C’est le credo de vie du maître.

Dürer se représente souvent dans ses peintures. A cette époque, de nombreux artistes utilisaient cette technique. Ses images sont connues dans les œuvres : « Fête du Rosaire », « Adoration de la Trinité », « Autel de Yabach », « Le Tourment des dix mille chrétiens », « Autel de Geller ».

Albrecht Dürer a laissé de nombreux autoportraits. Tous ne nous sont pas parvenus, mais suffisamment d'entre eux ont survécu pour se faire une opinion sur l'image du maître à différents moments de sa vie.

Portraits

Albrecht Dürer était un portraitiste célèbre de son époque. Les rois et les patriciens lui commandaient leurs images. Il aimait aussi peindre ses contemporains – amis, clients et simplement étrangers.

Les premiers portraits qu'il a réalisés étaient ceux de ses parents. Ils datent de 1490. Dürer parlait de ses parents comme de gens travailleurs et craignant Dieu, et c’est ainsi qu’il les a peints.

Pour l'artiste, les portraits n'étaient pas seulement une opportunité de gagner de l'argent, mais aussi une chance de s'exprimer dans la société. Les modèles d'Albrecht Dürer étaient l'empereur Maximilien Ier, Frédéric III de Saxe et Christian II du Danemark. Outre les grands de ce monde, Dürer peint des marchands, des représentants du clergé, des scientifiques humanistes, etc.

Le plus souvent, l'artiste représente ses modèles à partir de la taille, aux trois quarts. Le regard est dirigé vers le spectateur ou sur le côté. L’arrière-plan est choisi de manière à ne pas détourner l’attention du visage de la personne ; il s’agit très souvent d’un paysage discret.

Dans ses portraits, Dürer combine les détails de la peinture traditionnelle allemande et l'accent mis sur le monde intérieur d'une personne, adopté par les Italiens.

Au cours de son seul voyage aux Pays-Bas, l'artiste a peint une centaine de portraits, ce qui témoigne de son intérêt pour la représentation de personnes.

Les plus célèbres de ses portraits sont : une jeune Vénitienne, Maximilien Ier, Érasme de Rotterdam, les empereurs Charlemagne et Sigismond.

Dessins et gravures

Gravures

Dürer a acquis la plus grande renommée en tant que graveur inégalé. L'artiste a réalisé des gravures aussi bien sur cuivre que sur bois. Les gravures sur bois de Dürer se distinguaient de celles de ses prédécesseurs par leur savoir-faire et leur souci du détail. En 1498, l'artiste réalise une série de gravures « Apocalypse », composée de 15 feuilles. Ce sujet était très actuel à la fin du XVe siècle. Les guerres, les épidémies et la famine créèrent parmi les peuples le pressentiment de la fin des temps. «Apocalypse» a valu à Dürer une popularité sans précédent, tant au pays qu'à l'étranger.

Viennent ensuite une série de gravures « Grandes Passions » et « Vie de Marie ». Le maître place les événements bibliques dans l'espace contemporain. Les gens voient des paysages familiers, des personnages habillés comme eux et comparent tout ce qui se passe avec eux-mêmes et avec leur vie. Dürer s'est efforcé de rendre l'art compréhensible pour le commun des mortels, tout en élevant le niveau de compétence artistique à des sommets sans précédent.

Ses gravures étaient très populaires, elles commencèrent même à être contrefaites et Dürer fit donc son deuxième voyage à Venise.

Outre les séries, l'artiste travaille également sur des dessins individuels. En 1513 - 1514, trois des gravures les plus célèbres sont publiées : « Le Chevalier, la Mort et le Diable », « Saint Jérôme dans la cellule » et « Mélancolie ». Ces œuvres sont à juste titre considérées comme le couronnement du parcours de l’artiste en tant que graveur.

En tant que graveur, Dürer a travaillé dans différentes techniques et genres. Après lui, il reste environ 300 gravures. Après la mort du maître, ses œuvres furent largement reproduites jusqu'au XVIIIe siècle.

Dessin

Albrecht Dürer est également connu comme un dessinateur talentueux. L'héritage graphique du maître est impressionnant. Avec le scrupule allemand, il a conservé tous ses dessins, grâce auxquels environ 1000 d'entre eux nous sont parvenus. L'artiste se forme constamment, réalisant des croquis et des dessins. Beaucoup d’entre eux sont devenus des chefs-d’œuvre indépendants. Par exemple, les dessins « Mains en prière », « Portrait d'une mère », « Rhinocéros », etc. sont largement connus.

Dürer fut le premier artiste européen à utiliser largement les techniques de l'aquarelle. L'aquarelle est connue depuis le XVe siècle en Europe. Il s’agissait de peintures sèches réduites en poudre. Il servait principalement à décorer les livres.

Il existe une série bien connue de paysages réalisés par Dürer à l'aquarelle : « Vue d'Arco », « Château dans les Alpes », « Château de Trente », « Vue d'Innsbruck », « Cour du vieux château d'Innsbruck », etc.

Les dessins naturalistes de Dürer sont étonnamment détaillés : « Jeune lièvre », « Morceau de gazon », « Iris », « Violettes », etc.

Traités scientifiques et autres sources écrites

En tant qu'homme de la Renaissance, Dürer ne nous a pas seulement laissé un immense héritage artistique. Possédant un esprit scientifique, il s'intéressait aux mathématiques, à la géométrie et à l'architecture. Nous savons qu'il connaissait les œuvres d'Euclide, de Vitruve et d'Archimède.

En 1515, l'artiste réalise des gravures représentant le ciel étoilé et une carte géographique.

En 1507, Dürer commença ses travaux sur la théorie de la peinture. Ce furent les premiers traités écrits sur ce sujet. On connaît le « Guide pour mesurer avec compas et règle », « Quatre livres sur les proportions ». Malheureusement, le maître n'a pas pu achever le travail de création d'un guide complet pour les artistes débutants.

Toujours en 1527, il crée le « Guide pour la fortification des villes, des châteaux et des gorges ». Selon l'artiste, le développement des armes à feu a nécessité la construction de nouvelles fortifications.

En plus des travaux scientifiques, Dürer a laissé des journaux et des lettres, grâce auxquels nous en savons beaucoup sur sa vie et ses contemporains.

La Renaissance a donné à l'humanité plusieurs titans de l'esprit - Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël. En Europe du Nord, Albrecht Dürer peut sans aucun doute être considéré comme une personnalité de cette envergure. L’héritage qu’il a laissé est incroyable. Il est devenu un innovateur dans de nombreux domaines de son activité. Il a réussi à combiner dans son œuvre l'humanisme de la Renaissance italienne avec la puissance et la force spirituelle du gothique allemand.

Albrecht Dürer est un artiste allemand dont les réalisations ont marqué la science et l'art. Il a peint des tableaux, créé des dessins, des gravures. Le maître aimait étudier la géométrie et l'astronomie, la philosophie et l'urbanisme. La mémoire du talentueux artiste se retrouve dans un grand nombre d'œuvres. Le volume du patrimoine laissé par Albrecht Dürer est comparable aux collections et.

Enfance et jeunesse

Le personnage de la Renaissance est né à Nuremberg le 21 mai 1471 dans une famille de Hongrois émigrés en Allemagne. Le peintre allemand est le 3ème enfant sur 18 enfants du joaillier. En 1542, seuls trois frères Dürer restaient en vie : Albrecht, Endres et Hans.

En 1477, Albrecht était déjà élève à l'école latine et, à la maison, il aidait souvent son père. Le parent espérait que le garçon poursuivrait l’entreprise familiale, mais la biographie de son fils s’est révélée différente. Le talent du futur peintre se fait remarquer très tôt. Ayant reçu ses premières connaissances de son père, le garçon entreprit d'étudier auprès du graveur et peintre Michael Wolgemut. Dürer Sr. ne s'est pas indigné longtemps et a envoyé Albrecht sous la tutelle de son idole.

L'atelier de Wolgemut jouissait d'une réputation et d'une popularité irréprochables. Le garçon de 15 ans a adopté les compétences de la peinture, du dessin et de la gravure sur bois et sur cuivre. Le premier était "Portrait d'un père".

De 1490 à 1494, Albrecht voyage à travers l'Europe, enrichissant ses connaissances et acquérant de l'expérience. A Colmar, Dürer travaille avec les fils de Martin Schongauer, qu'il ne parvient pas à retrouver vivant. Albrecht faisait partie du cercle des humanistes et des imprimeurs de livres.

Lors d'un voyage, le jeune homme reçoit une lettre de son père l'informant d'un accord avec la famille Frey. Les parents nobles ont accepté de marier leur fille Agnès à Albrecht. Il acquiert un nouveau statut et démarre sa propre entreprise.

Peinture

La créativité de Dürer est illimitée, tout comme l'éventail d'idées et d'intérêts. La peinture, la gravure et le dessin deviennent les principaux domaines d'activité. L'artiste a laissé en héritage 900 feuilles d'images. Par le volume et la diversité de ses œuvres, les critiques d'art le comparent à Léonard de Vinci.

Dürer a travaillé avec du fusain, du crayon, du roseau, de l'aquarelle et de la pointe d'argent, se concentrant sur le dessin comme étape dans la création d'une composition. Les thèmes religieux jouent un rôle majeur dans l’œuvre de Dürer, qui correspond aux tendances de l’art de cette époque.

Une pensée non standard, un penchant pour la recherche et l'expérimentation ont permis au maître de se développer constamment. L'une des premières commandes fut la peinture de la maison du citadin Sebald Schreyer. Ayant pris connaissance du travail réussi de l'artiste, l'électeur de Saxe Frédéric le Sage lui commanda son portrait, et les patriciens de Nuremberg suivirent cet exemple. Dürer a suivi la tradition européenne, représentant le modèle sur fond de paysage aux trois quarts et travaillant en détail sur les moindres nuances de l'image.

Les gravures occupent une place centrale dans l’activité du créateur. Une série d'œuvres est apparue dans son atelier en Allemagne. Les premiers exemplaires ont été créés avec l'aide d'Anton Koberger. Nuremberg étant propice à l'expérimentation et à la recherche, le maître appliqua de nouvelles techniques dans son pays natal.

Les œuvres se sont bien vendues. Le peintre a collaboré avec les publications de la ville, créant des images sur mesure. En 1498, il réalise des gravures sur bois pour la publication « Apocalypse », qui font la renommée de l'auteur en Europe. Dürer fut accepté dans la société par les humanistes, dont le chef était Kondrat Celtis.

En 1505, l'artiste crée une image d'autel appelée « Fête du Rosaire » pour l'église de San Bartolomeo à Venise. L'intrigue décrit des frères dominicains priant avec des chapelets. Au centre de l'image se trouve un bébé.

L'école italienne influence le style du peintre. Il a perfectionné la technique de description du corps humain en mouvement et sous des angles complexes. L'artiste a compris l'importance de la flexibilité des lignes et s'est débarrassé de l'angularité gothique inhérente à son style. Il reçut de nombreuses commandes d'images d'autel. Le Conseil vénitien offrit à Dürer une grosse récompense pour que le créateur reste en Italie, mais il resta fidèle à sa patrie. La renommée de Dürer grandit rapidement et lui permet bientôt d'acheter une maison dans la Zisselgasse.

"L'Adoration des Mages" a été écrite à son retour d'Italie et présente des caractéristiques inhérentes à la Renaissance italienne. L'image décrit une histoire biblique. Les œuvres de Dürer, créées entre 1507 et 1511, se distinguent par leur symétrie, leur pragmatisme et leur représentation stricte. Dürer suit les souhaits de ses clients et adhère à une tradition conservatrice qui ne limite pas le cycle de ses œuvres vénitiennes.

La rencontre avec l'empereur Maximillien Ier est devenue significative pour la figure créatrice. Ayant pris connaissance des œuvres de l’artiste, le souverain ordonna la réalisation de son propre portrait. Mais il n’a pas pu payer tout de suite, alors il a accordé à l’artiste une prime annuelle. Elle permet à Dürer de s'éloigner de la peinture et de se lancer dans la gravure et la recherche scientifique. Le « Portrait de Maximillien » est connu dans le monde entier : la dame couronnée est représentée tenant une grenade jaune dans ses mains.

L'artiste allemand a influencé les arts visuels de l'Europe du Nord au XVIe siècle. Il exalte le genre de l’autoportrait, préservant l’image pour la postérité. Fait intéressant : Dürer a satisfait sa vanité avec ses propres portraits. Il percevait ces images comme un moyen de mettre en valeur son statut et de se capturer à une étape spécifique de la vie. Cela reproduit les capacités photo modernes. Ses autoportraits avec du houx et dans des vêtements garnis de fourrure sont intéressants.

Dürer a conservé les dessins réalisés au cours de ses études, de sorte que les œuvres graphiques du maître constituent aujourd'hui l'une des plus grandes collections au monde. En travaillant sur l'image, Albrecht Dürer ne s'est pas limité aux souhaits du client et s'est révélé au maximum. Il ressentait la même liberté lors de la création d’estampes.

« Le Chevalier, la Mort et le Diable » est la gravure la plus célèbre de l’artiste, symbolisant le chemin de la vie d’une personne. La foi le protège de la tentation, le diable attend le moment de l'asservir et la mort compte les heures jusqu'à sa mort. « Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse » est une œuvre du cycle biblique. Le vainqueur, Guerre, Faim et Mort, balaie tout le monde et tout sur son passage, donnant à chacun ce qu'il mérite.

Vie privée

En 1494, Albrecht Dürer, sur l'insistance de son père, épousa Agnès Frey, représentante d'une vieille famille. Comme c'était souvent le cas à cette époque, les jeunes ne se voyaient qu'au mariage. La seule nouvelle du marié était un autoportrait. Dürer n'était pas fan de l'institution familiale et se consacrait à la créativité. L'épouse est restée froide envers l'art. C’est peut-être la raison pour laquelle la vie personnelle du maître est exclusivement liée à ses œuvres.

Immédiatement après le mariage, Albrecht quitte sa jeune épouse et part en Italie. Il est resté impassible envers sa femme tout au long de leur vie commune. Dürer a été reconnu, a acquis un statut et une position dans la société, mais n'est jamais parvenu à un accord avec Agnès. L'union n'a pas produit de progéniture.

La mort

Après la mort de Maximilien Ier en 1520, le versement de la prime Dürer cessa. Il entreprit un voyage pour clarifier les circonstances et, alors qu'il se trouvait aux Pays-Bas, tomba malade.

Les biographes suggèrent que l'artiste a été frappé par la malaria. Des crises de maladie tourmentèrent le peintre jusqu'à ses derniers jours. 8 ans plus tard, le 6 avril 1528, le peintre décède dans sa ville natale de Nuremberg.

Travaux

• 1490 - « Portrait d'un père »
• 1490-1493 - « Le sauvetage miraculeux d'un garçon noyé de Bregenza »
• 1493 - "Voici, homme"
• 1496 - « Portrait de Frédéric III le Sage »
• 1496 - « Saint Jérôme au désert »
• 1497 - "Quatre sorcières"
• 1498 - "Apocalypse"
• 1500 - « Autoportrait en vêtements garnis de fourrure »
• 1504 - "Adoration des Mages"
• 1507 - "Adam et Ève"
• 1506 - « Fête des couronnes de roses »
• 1510 - « Assomption de la Vierge Marie »
• 1511 - « Adoration de la Sainte Trinité »
• 1514 - "Mélancolie"
• 1528 - "Lièvre"