Essai sur l'examen d'État unifié basé sur le texte de K.G. Paoustovsky. Quel est le rapport d’un prosateur avec les domaines de l’art adjacents à l’écriture créative ?Doit-il s'intéresser à la peinture, à l'architecture, à la musique ? "Il existe des vérités indéniables, mais elles sont souvent vaines, sans aucune réponse à l’activité humaine, à cause de notre paresse ou de notre ignorance."
Quel est le rapport d’un prosateur avec les domaines de l’art adjacents à l’écriture créative ? Doit-il s'intéresser à la peinture, à l'architecture, à la musique ? Ce sont ces questions qui préoccupent K. Paustovsky, l'auteur du texte proposé à l'analyse.
Considérant ce problème, K. Paustovsky explique comment différents types d'art influencent la prose. Il écrit que la connaissance de domaines artistiques connexes « enrichit extraordinairement le monde intérieur d’un prosateur et donne une expressivité particulière à sa prose ». Si un écrivain néglige ces connaissances, ses œuvres ne laissent rien dans la mémoire du lecteur. Ils ne recréent pas la vie, ils n’ont pas d’images. Le raisonnement de l'auteur nous amène à l'idée qu'un bon style ne suffit pas pour créer une prose de qualité. Un écrivain doit avoir des connaissances dans différents types d’art. Pour confirmer son opinion, l'auteur passe de ses propres observations sur le sujet abordé à l'opinion d'une autre personne. K. Paustovsky parle d'un artiste qui a un jour conseillé à l'auteur de développer sa vision créative. «Essayez de tout regarder pendant un mois ou deux en pensant que vous devez absolument le peindre», tel est le conseil que l'artiste a donné à K. Paustovsky. L'auteur admet qu'il a suivi les conseils et a vite remarqué que les gens et les choses commençaient à paraître beaucoup plus intéressants qu'avant. Avec cette histoire, l'auteur prouve qu'un écrivain doit étudier différents types d'art et être capable de combiner en lui un artiste, un architecte et un musicien. Ce n’est qu’alors que le résultat de son travail sera digne d’attention et d’éloges.
Ces deux exemples sont interconnectés et importants pour comprendre le problème, car ils montrent les opinions de deux personnes sur la même question et prouvent que les domaines de l'art adjacents à l'écriture créative sont très importants pour un prosateur.
L'auteur estime qu'un écrivain ne doit négliger rien qui élargisse sa vision du monde, notamment s'intéresser à la poésie, à la peinture, à l'architecture, à la sculpture et à la musique. Cette connaissance ajoute de la couleur, de la fraîcheur et du caractère à l’œuvre du prosateur. Je suis d'accord avec l'opinion de l'auteur. Un écrivain doit être versé dans différents types d'art pour que ses œuvres soient pleines d'images de vie et d'émotions sincères.
Il existe de nombreux exemples dans le monde de l’art qui confirment ma pensée, l’un d’eux est Boris Pasternak. Le célèbre poète connaissait également d'autres types d'art : il aimait la peinture, la musique et la science philosophique. Un tel éventail de connaissances a certainement influencé son travail, qui compte aujourd'hui des milliers de fans.
Ainsi, un écrivain doit étudier différents types d'art pour que ses œuvres soient remplies de sens profond et d'images expressives.
Un artiste crée une œuvre d'art à la suite d'un développement esthétique et d'une refonte créative de la réalité. Les pensées, les humeurs et la vision du monde de l'auteur, incarnées en lui, s'adressent à la société et ne peuvent être comprises par d'autres personnes que dans le processus de perception esthétique. Perception esthétique les œuvres d'art (ou perception artistique) sont une forme particulière d'activité cognitive créatrice, caractérisée par la compréhension émotionnelle d'une œuvre d'art à travers la compréhension du langage figuratif spécifique de l'art et la formation d'une certaine attitude esthétique, exprimée dans l'évaluation.
Une œuvre d'art est le produit d'une activité spirituelle et pratique et porte certaines informations exprimées à travers ce type d'art. Au cours du processus de perception par une personne d'une œuvre d'art, un modèle unique d'un objet connaissable se forme dans sa conscience sur la base de ces informations - image "secondaire". En même temps surgit sentiment esthétique, un certain état émotionnel. Une œuvre d'art peut évoquer un sentiment de satisfaction et de plaisir chez une personne, même lorsque les événements qui y sont représentés sont tragiques ou qu'elle contient des personnages négatifs.
La perception d'une personne, par exemple, de l'injustice ou du mal représenté par un artiste, ne peut bien sûr pas provoquer d'émotions positives, mais la méthode même d'expression artistique des traits de caractère négatifs des personnes ou de la réalité peut générer un sentiment de satisfaction et même d'admiration. Cela s'explique par le fait qu'en percevant une œuvre d'art, nous sommes capables d'évaluer non seulement son contenu, mais aussi la manière même d'organiser ce contenu, la dignité de la forme artistique.
La perception artistique implique différentes manières d'interpréter les œuvres d'art, leurs différentes interprétations. La perception individuelle d'une œuvre particulière se produit différemment pour tous : même la même personne, lisant plusieurs fois, par exemple, une œuvre littéraire, reçoit de nouvelles impressions de ce qui est déjà connu. Lorsqu'il existe une distance historique entre une œuvre d'art et le public qui la perçoit, qui, en règle générale, se combine avec une distance esthétique, c'est-à-dire un changement dans le système d'exigences esthétiques, de critères d'évaluation de l'art, la question se pose sur la nécessité d'une interprétation correcte de l'œuvre d'art. Nous parlons ici de l’attitude de toute une génération à l’égard d’un monument culturel du passé. Son interprétation dépend ici en grande partie de la manière dont il est interprété et lu par un artiste contemporain (notamment dans les arts du spectacle : musique, chorégraphie, théâtre, etc.).
En percevant des œuvres d'art, une personne, comme déjà noté, commet un certain activité mentale. La structure du travail contribue à l'orientation de cette activité, à son ordre, à la concentration de l'attention sur les aspects les plus essentiels et significatifs du contenu et a ainsi un impact significatif sur l'organisation du processus de perception.
La création de tout artiste reflète les caractéristiques et les contradictions de la vie réelle, les sentiments sociaux et les tendances caractéristiques de son époque contemporaine. Le reflet figuratif d'événements et de personnages typiques de l'art fait d'une œuvre d'art un moyen privilégié de compréhension de la réalité. Une œuvre d'art est le résultat non seulement de l'activité de l'artiste, mais aussi de l'influence de l'environnement social, de l'époque, des personnes - un produit du développement historique de la société. La nature sociale de l’art s’exprime non seulement dans le conditionnement social du processus créatif de l’artiste et de sa vision du monde, mais aussi dans l’influence déterminante de la vie sociale sur la nature de la perception et de l’évaluation des œuvres par le public. L’art en tant que produit du développement social joue un rôle important dans la formation de la capacité d’une personne à maîtriser activement et de manière créative les valeurs artistiques. Néanmoins, une œuvre d'art en tant qu'objet de perception est loin d'être le seul facteur influençant la capacité à maîtriser et à comprendre l'art.
La perception esthétique se forme sous l'influence de diverses conditions, notamment : les caractéristiques individuelles de la psyché humaine, une attitude envers la communication active avec l'art, le niveau culturel général et la vision du monde, l'expérience émotionnelle et esthétique, les caractéristiques nationales et de classe. Examinons de plus près certains de ces facteurs.
Les besoins spirituels qui surviennent objectivement à ce stade du développement historique de la société trouvent leur expression dans les intérêts publics, qui se manifestent dans les attitudes sociales. Installation - c'est la volonté de percevoir les phénomènes d'une certaine manière, une humeur psychologique créée chez une personne à la suite d'une expérience antérieure, en l'occurrence esthétique. Le cadre est la base sur laquelle se produit l’interprétation et la compréhension d’une œuvre d’art. La disposition interne d’une personne envers un certain type ou genre d’art, les spécificités inhérentes à l’œuvre avec laquelle elle est sur le point de se familiariser, contribueront de manière significative à l’exactitude et à l’utilité de sa perception. À son tour, la perception elle-même forme une nouvelle attitude envers l'art chez une personne, modifie l'attitude précédemment établie et il existe ainsi une influence mutuelle de l'attitude et de la perception.
Un autre point important qui détermine la nature de la perception esthétique de l'art est niveau culturel une personne qui se caractérise par la capacité d'évaluer objectivement la réalité et l'art, la capacité d'expliquer un phénomène artistique, la capacité d'exprimer sa compréhension de ces phénomènes sous la forme de jugements esthétiques et une large éducation artistique. L'élévation du niveau culturel du peuple est l'une des conditions les plus importantes de l'éducation esthétique. Une communication constante avec l’art développe la capacité d’une personne à exprimer certains jugements à son sujet, à évaluer, à comparer des œuvres de différentes époques et peuples et à justifier ses opinions. En percevant les valeurs artistiques, une personne acquiert une expérience émotionnelle, s'enrichit et améliore sa culture spirituelle. Par conséquent, la perception et le niveau de préparation à celle-ci s'influencent mutuellement, se stimulent et s'activent mutuellement.
La prise en compte des facteurs ci-dessus permet d'influencer d'une certaine manière le processus de perception des œuvres d'art et de développer chez une personne la capacité de comprendre l'art de manière créative et active. Voyons ce qui caractérise cette étape de perception et comment elle est atteinte.
À la suite de l'interaction d'une personne avec une œuvre d'art, une image artistique « secondaire » se forme dans sa conscience, comme déjà noté, plus ou moins adéquate à celle qui est née dans l'imagination de l'artiste lors de la création de cette œuvre et qui dépend de le degré et la profondeur de pénétration du sujet percevant dans le concept créatif de cet artiste. Un rôle important ici est joué par la capacité de pensée associative - fantaisie, imagination. Mais une perception holistique de l’œuvre en tant qu’objet particulier ne surgit pas immédiatement. Dans la première phase, il y a une sorte de « reconnaissance » de son genre, du style créatif de l'auteur. Ici, la perception est encore dans une certaine mesure passive, l'attention se concentre sur l'un des traits, certains fragments et ne couvrent pas l'œuvre dans son ensemble. Ensuite, il y a une pénétration plus profonde dans la structure de l'œuvre d'art perçue, dans l'intention de l'auteur qui y est exprimée, la compréhension du système d'images, la compréhension de l'idée principale que l'artiste cherchait à transmettre aux gens, ainsi que celles les modèles de la vie réelle et les contradictions qui se reflètent dans l'œuvre. Sur cette base, la perception devient active et s'accompagne d'un état émotionnel correspondant. Cette étape peut être appelée « co-création ».
Le processus de perception esthétique est nature évaluative. En d’autres termes, la conscience de l’œuvre d’art perçue et des sentiments qu’elle évoque donne lieu à son appréciation. Lors de l'évaluation d'une œuvre d'art, une personne non seulement réalise, mais exprime également par des mots son attitude envers son contenu et sa forme artistique ; il y a ici une synthèse de moments émotionnels et rationnels. L'évaluation d'une œuvre d'art est une comparaison de ce qui y est représenté et exprimé selon certains critères, avec l'idéal esthétique qui s'est développé dans la conscience d'une personne et l'environnement social auquel elle appartient.
L'idéal esthétique social trouve sa manifestation dans l'idéal individuel. Toute personne ayant une formation artistique développe un certain système de normes, d'évaluations et de critères qu'elle utilise pour exprimer un jugement esthétique. La nature de ce jugement est largement déterminée par les goûts individuels. I. Kant a défini le goût comme la capacité de juger la beauté. Cette capacité n'est pas innée, mais est acquise par une personne au cours d'une activité pratique et spirituelle, dans le processus d'exploration esthétique de la réalité et de communication avec le monde de l'art.
Jugements esthétiques les opinions des individus concernant la même œuvre d'art peuvent être variées et se manifester sous la forme d'évaluations - « j'aime » ou « je n'aime pas ». En exprimant ainsi leur attitude envers l'art, les gens limitent leur attitude uniquement à la sphère de la perception sensorielle, sans se donner pour tâche de comprendre les raisons qui ont donné naissance à ces émotions. Les jugements de ce type sont unilatéraux et ne constituent pas un indicateur d’un goût artistique développé. Lors de l'évaluation d'une œuvre d'art, ainsi que de tout phénomène de la réalité, il est important non seulement de déterminer si notre attitude à son égard est positive ou négative, mais aussi de comprendre pourquoi cette œuvre suscite exactement une telle réaction.
Contrairement aux jugements et évaluations du public critique d'art professionnelle fournit un jugement esthétique scientifiquement fondé. Il est basé sur la connaissance des lois du développement de la culture artistique, analyse le lien de l'art avec les phénomènes de la vie réelle et les problèmes fondamentaux du développement social qui s'y reflètent. Avec son évaluation de l'art, la critique influence les gens et le public, attirant son attention sur les œuvres les plus dignes, intéressantes et significatives, l'orientant et l'éduquant, formant un goût esthétique développé. Les commentaires critiques adressés aux artistes les aident à choisir la bonne direction pour leurs activités, à développer leur propre méthode et leur propre style de travail, affectant ainsi le développement de l'art.
Quelle proportion de temps libre les gens consacrent-ils à l’auto-éducation ? Centième, millième ? L’esprit humain devient obsolète au fil des années et devient moins réceptif aux nouvelles connaissances. Pourquoi cela se produit-il, où l'ancienne activité disparaît-elle ? Le bagage interne est quelque chose que nous reconstituons tout au long de notre vie, nous « sortons certaines choses » du coffre de connaissances et les emportons avec nous, et certaines choses restent là « jusqu'à des temps meilleurs », restent assises et sont oubliées. Mais pourquoi les gens reportent-ils toujours la visite d’un musée, d’une galerie, d’un théâtre ? Art. A-t-il vraiment perdu de son influence ? Aux XVIIIe et XIXe siècles, il était de bon ton dans la société noble de parler français. Beaucoup disent que c’est l’une des tendances les plus stupides. Attendez. Mais c’est merveilleux d’être sur la même longueur d’onde avec ceux qui aspirent au développement personnel. N'est-ce pas ? Examinons donc les problèmes de l'art dans les arguments confirmant leur existence.
Qu’est-ce que le véritable art ?
Qu’est-ce que l’art ? S'agit-il de peintures majestueusement exposées dans la galerie ou des immortelles « Saisons » d'Antonio Vivaldi ? Pour certains, l'art est un bouquet de fleurs sauvages récoltées avec amour ; c'est un maître modeste qui donne son chef-d'œuvre non pas aux enchères, mais à celui dont le battement de cœur a éveillé un génie, a permis au sentiment de devenir la source de quelque chose d'éternel. Les gens s’imaginent que tout ce qui est spirituel est soumis à la connaissance, ils lisent un nombre incalculable de livres qui peuvent faire d’eux des experts dans une société particulière, dans une société où ne pas comprendre la profondeur du carré de Malevitch est un véritable crime, un signe d’ignorance.
Souvenons-nous de la célèbre histoire de Mozart et Salieri. Salieri, «... il a détruit la musique comme un cadavre», mais l'étoile directrice a éclairé le chemin de Mozart. L’art n’est soumis qu’au cœur, vivant de rêves, d’amour et d’espoir. Tombez amoureux, alors vous ferez sans aucun doute partie de l’art appelé amour. Le problème est la sincérité. Les arguments ci-dessous le confirment.
Qu'est-ce que c'est, la crise de l'art ? Le problème de l'art. Arguments
Certains pensent que l’art d’aujourd’hui n’est plus ce qu’il était à l’époque de Buonarroti et de Léonard de Vinci. Qu'est ce qui a changé? Temps. Mais les gens sont les mêmes. Et à la Renaissance, les créateurs n'étaient pas toujours compris, non même parce que la population n'avait pas un niveau élevé d'alphabétisation, mais parce que le ventre de la vie quotidienne absorbe avidement les sentiments, la fraîcheur de la jeunesse et les bons débuts. Et la littérature ? Pouchkine. Son talent ne valait-il vraiment que l'intrigue, la calomnie et 37 ans de vie ? Le problème avec l'art est qu'il n'est apprécié que lorsque le créateur, qui est l'incarnation du don du ciel, cesse de respirer. Nous avons laissé le destin juger l’art. Eh bien, voici ce que nous avons. Les noms des compositeurs sont étrangers à l'audition, les livres prennent la poussière sur les étagères. Ce fait représente le plus clairement le problème de l’art dans les arguments de la littérature.
"Comme c'est difficile d'être heureux de nos jours,
Riez fort, hors de propos ;
Ne cédez pas à de faux sentiments
Et vivre sans projet, c’est le hasard.
Être avec quelqu'un dont les pleurs peuvent être entendus à des kilomètres,
Essayez d'éviter les ennemis ;
Ne répétez pas que je suis offensé par la vie,
Pour ceux qui en sont dignes, ouvrez grand votre cœur. »
La littérature est la seule forme d'art qui parle des problèmes de telle manière qu'on a immédiatement envie de tout régler.
Le problème de l'art, arguments issus de la littérature... Pourquoi les auteurs l'abordent-ils si souvent dans leurs ouvrages ? Seule une nature créatrice est capable de tracer le chemin de la chute spirituelle de l'humanité. Prenons comme argument le célèbre roman de Hugo « Notre Dame de Paris ». L'histoire a été générée par un seul mot « ANA » GKN (du grec « rock »). Il symbolise non seulement la ruine des destinées des héros, mais aussi la destruction cyclique de l'inviolable : « C'est exactement ce qu'on fait depuis deux cents ans aux merveilleuses églises du Moyen Âge... Le curé les repeint. , l'architecte les gratte ; alors les gens viennent et les détruisent. Dans la même œuvre, le jeune dramaturge Pierre Gringoire apparaît devant nous. Quelle chute basse lui était destinée au tout début de son voyage ! Manque de reconnaissance, vagabondage. Et la mort semblait pour lui comme une issue, mais en fin de compte, il était l'un des rares à s'attendre à une fin heureuse. Il a beaucoup réfléchi, beaucoup rêvé. La tragédie mentale a conduit au triomphe public. Son objectif est la reconnaissance. Cela s’est avéré plus réaliste que le désir de Quasimodo d’être avec Esmeralda, que le rêve d’Esmeralda de devenir la seule pour Phoebus.
L’emballage est-il important dans l’art ?
Tout le monde a probablement entendu la combinaison « forme d’art ». Quelle est votre idée de sa signification ? La question de l’art elle-même est ambiguë et nécessite une approche particulière. La forme est un état particulier dans lequel réside un objet, sa manifestation matérielle dans l'environnement. L'art - comment le vivons-nous ? L'art est musique et littérature, architecture et peinture. C’est quelque chose que nous percevons à un niveau spirituel particulier. Musique - le son des touches, des cordes ; la littérature est un livre dont l'odeur n'est comparable qu'à l'arôme du pain fraîchement sorti du four ; architecture - surface rugueuse des murs, esprit du temps séculaire ; la peinture, ce sont des rides, des plis, des veines, tous les beaux traits imparfaits d’un être vivant. Ce sont toutes des formes d’art. Certains d'entre eux sont visuels (matériels), tandis que d'autres sont perçus d'une manière particulière, et pour les ressentir, il n'est pas du tout nécessaire de les toucher. Être sensible est un talent. Et peu importe dans quel cadre se trouve la « Joconde » et à partir de quel appareil la « Sonate au clair de lune » de Beethoven est jouée : le problème de la forme d’art et les arguments sont complexes et nécessitent une attention particulière.
Le problème de l'influence de l'art sur une personne. Arguments
Je me demande quelle est l'essence du problème ? L'art... Il semblerait, quel impact, autre que positif, peut-il avoir ?! Et si le problème était qu’il avait irrévocablement perdu le contrôle de l’esprit humain et n’était plus capable de faire forte impression ?
Considérons toutes les options possibles. Quant à l'impact négatif, rappelons-nous des tableaux tels que "Le Cri", "Portrait de Maria Lopukhina" et bien d'autres. On ne sait pas pourquoi de telles histoires mystiques leur sont attachées, mais on pense qu'elles peuvent avoir un impact négatif sur les personnes qui regardent les peintures. Les blessures causées aux personnes qui ont offensé le tableau d'E. Munch, le sort paralysé des filles stériles qui ont regardé la malheureuse beauté avec une histoire tragique, décrite par Borovikovsky peu avant sa mort. Ce qui est bien pire, c’est que l’art d’aujourd’hui est sans âme. Cela ne peut même pas éveiller une émotion négative. On s'émerveille, on admire, mais au bout d'une minute, voire avant, on oublie ce que l'on a vu. L'indifférence et le manque d'intérêt sont un véritable malheur. Nous, les humains, sommes créés pour quelque chose de grand. Tout le monde, sans exception. Le choix n’appartient qu’à nous : être le même ou ne pas être le même. Le problème de l'art et les arguments sont désormais compris, et désormais chacun se promettra de vivre avec son cœur.
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Miguel de Cervantes a dit un jour que « la beauté a le pouvoir et le don d’apporter la paix aux cœurs ». Il semble que l’auteur de Don Quichotte ait absolument raison dans cette affirmation. Le cœur humain réagit avec une sensibilité inhabituelle à toutes les manifestations de la beauté - dans la nature, dans la peinture, dans la musique, dans l'architecture. Mais comment peut-on comprendre tout cela non pas avec l'esprit, mais avec l'âme elle-même ? C'est exactement ce sur quoi V. Soloukhin réfléchit dans son texte. Le principal problème posé par l’écrivain est celui de la compréhension de la beauté par une personne.
Ce problème est très pertinent pour notre vie moderne avec son rythme irrépressible, son agitation et ses soucis quotidiens. Parfois, nous n’avons tout simplement pas le temps d’admirer un magnifique coucher de soleil ou les étoiles nocturnes, ou de ressentir la joie des premières neiges tombées.
V. Soloukhin réfléchit dans son texte sur la perception de l’art par l’homme. Il écrit que lorsque l’on parcourt une galerie d’art, on ne peut voir que les sujets extérieurs des peintures. Mais pour découvrir l’âme d’un artiste et s’immerger complètement dans cette atmosphère, il faut du temps, du calme et de la contemplation. Seulement dans ce cas, les œuvres d'art - peintures, cathédrales et églises anciennes - deviennent une partie de notre âme, nous aidant à porter un nouveau regard sur le monde.
Ce texte est très lumineux, imaginatif et émotionnel. L'écrivain utilise une variété de moyens d'expression artistique : des questions rhétoriques (« Que voyez-vous, que pouvez-vous comprendre ? Les noms des tableaux ? Les cadres ? L'intrigue extérieure ? »), des rangées de membres homogènes (« Au final , j'ai ressenti une vague montante d'anxiété, d'amour, de mélancolie, de préparation inexplicable à tout accomplissement »), unité phraséologique (« coché une case dans l'esprit »).
Je partage entièrement le point de vue de l'écrivain. La perception de la beauté par une personne est un processus spécial, subtil, spirituel, nécessitant une concentration particulière de la part d'une personne. C’est seulement dans ce cas que nous pouvons expérimenter l’illumination morale, la purification, la catharsis. Et puis nous changeons, devenons plus gentils, plus tolérants envers les autres et regardons parfois notre propre vie d'une manière nouvelle. Notre brillant poète a écrit un jour : « Le service des muses ne tolère pas la vanité ; Le beau doit être majestueux..." Je pense que c'est ainsi que devrait être notre compréhension du monde de la beauté : tranquille et paisible.
S. Lvov y réfléchit dans son recueil journalistique « Être ou paraître ? Il parle d'une exposition de chefs-d'œuvre du célèbre musée du Prado à Madrid. Et il constate avec amertume que beaucoup sont venus à cette exposition parce qu'elle était prestigieuse et à la mode, pour le spectacle. Cependant, l'auteur espère qu'un jour l'habitude de visiter des expositions prestigieuses se transformera en un véritable intérêt pour l'art parmi les gens. Et cela ne peut surgir qu’avec une compréhension particulière de ce monde, avec le détachement de l’homme de la vanité.
B.Sh. écrit sur la perception de la musique. Okudjava dans le poème « Musicien ». «Le chant du violon» met le héros sur le chemin, lui donne de l'espoir et lui procure la plus grande joie. Le brillant musicien d’Okudjava est heureux parce qu’il a réussi à pénétrer l’âme humaine :
Heureux celui dont le chemin est court, dont les doigts sont en colère, dont l'arc est aiguisé,
Le musicien qui a allumé un feu de mon âme.
Et l'âme, c'est sûr, si elle est brûlée,
Elle est plus juste, plus miséricordieuse et plus juste.
Ainsi, le processus de notre compréhension de la beauté est un mystère, un acte sacré, un sacrement. C'est toujours une nouvelle découverte de vous-même et du monde qui vous entoure.