Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martyr Patricio Ruiz et Picasso (1881 -1973) - le grand artiste espagnol et le peintre le plus provocateur du XXe siècle Pablo Picasso a vécu environ 91 ans. Il a laissé sa marque indélébile dans presque tous les domaines de l’art moderne.

BIOGRAPHIE DE PABLO PICASSO

Il est né en 1881. Pablo a pris le nom de famille de sa mère, car le nom de famille de son père - Ruiz - était très courant et, de plus, le père du futur artiste était lui-même un artiste et Pablo avait quelqu'un auprès duquel apprendre.

Enfant, son père permettait à Pablo de terminer son travail pour lui, par exemple finir les pattes des pigeons. Un jour, alors que Pablo eut l'occasion de réaliser une œuvre de plus grande envergure, José Ruiz fut émerveillé par sa technique et, comme le dit l'une des légendes sur Picasso, il fut tellement émerveillé qu'à partir de ce jour il arrêta lui-même de peindre.

Déjà à l'âge de 16 ans, Pablo part à Madrid, dans la meilleure école d'art de l'époque. Il n'y étudia pas longtemps, même s'il réussit à surprendre à la fois ses camarades et ses enseignants par son talent. Il s'intéresse beaucoup plus à divers aspects de la vie d'une grande ville et se plonge également tête baissée dans le travail des artistes qui l'intéressent - Diego Velazquez, Francisco Goya et surtout El Greco.

Picasso a vécu une très longue vie, sans cesser de créer. Au cours de sa vie presque centenaire, il a connu de nombreux changements créatifs, des rencontres amoureuses avec des femmes, a changé une douzaine de maisons luxueuses et est mort multimillionnaire.

ŒUVRE DE PABLO PICASSO

« Un talent brillant », c'est ainsi que l'adolescent a été décrit à l'Académie des Beaux-Arts de Madrid. Cependant, Pablo annonça bientôt à ses parents qu'un conservatisme total y régnait et qu'il n'apprendrait rien de nouveau. À l'âge de 15 ans, le jeune artiste crée une œuvre au contenu profond: «Connaissance et miséricorde». Le tableau a reçu une médaille d’or et la première exposition personnelle de Pablo a eu lieu au café Four Cats.

En 1900, Picasso visite Paris et en tombe malade. Quatre ans plus tard, il s'y installe. "Arlequin courbé", "Buveur d'absinthe". L'artiste supprime tout ce qui est inutile des compositions, traduisant parfaitement l'état émotionnel des personnages.
Peu à peu, le multicolore disparaît des tableaux de Picasso, laissant place à une couleur bleue perçante. Les œuvres sont remplies d'un sentiment de mélancolie et de solitude, qui s'apparente à l'humeur du peintre lui-même.

Connaissance et miséricorde Beur d'absinthe Arlequin courbé

Des changements dans la vie du maître ont suivi après sa rencontre avec le philanthrope et collectionneur russe Piotr Chtchoukine. Il achète plusieurs tableaux du jeune artiste. Eh bien, la vie de Pablo a été illuminée par son amour pour la beauté rousse Fernanda Olivier, qui a inspiré l'artiste pour créer la célèbre image d'une guitare féminine. La jeune fille vivait dans la même maison que le maître. Le jaloux Picasso a mis une serrure sur la porte pour protéger son trésor. Des couleurs transparentes et claires apparaissent dans sa palette.

La période « rose » reflète la passion de Pablo pour le cirque. Les arlequins et les gymnastes de rue sont ses personnages préférés. Une gymnaste miniature veut maintenir son équilibre en se tenant debout sur un ballon qui tourne ; elle est impressionnée par son succès, montrant à l'homme assis à côté de elle son agilité et sa grâce ("Girl on a Ball"). L'image a une propriété vraiment magique : aucun détail ne peut en être exclu - sinon la composition entière s'effondrera.

Une combinaison d'objets géométriques et de figures humaines. En 1906, le style de l’artiste change radicalement. Dans "Les Demoiselles d'Avignon", le maître a créé une réalité totalement nouvelle en construisant des figures à partir de volumes géométriques brisés par des angles vifs. Le public et les amis de Picasso étaient choqués. Cependant, ce travail sera considéré comme une étape importante sur la voie du cubisme. Le bel espéranto, comme on appelle ce genre, s'est développé par étapes.

La scène « Cézanne » est caractérisée par des tons gris, marron et verts (« Femme à l'éventail »), et l'image est basée sur la juxtaposition de figures géométriques. Le cubisme « analytique » « divise » littéralement l’image en plusieurs parties. La toile ressemble à des éclats de verre brisé contenant le reflet d'une personne (« Portrait d'Ambroise Vollard »). Le cubisme « synthétique » (« Violon et Guitare ») se distingue par son caractère décoratif et son contraste. Malgré le rejet par le public de la plupart des idées de Picasso, ses tableaux se sont bien vendus.

Femme à l'éventail Portrait d'Ambroise Vollard violon et guitare

En 1917, l'artiste décide de s'essayer à un nouveau domaine en créant des décors et des costumes pour les représentations du Ballet Diaghilev à Paris. Olga Khokhlova dansait dans le corps de ballet, avait une posture fière, était aristocratiquement raffinée et inaccessible (« Portrait d'Olga sur une chaise »). Passionnément amoureux, Pablo épousa sa bien-aimée. Olga a cherché à rendre son mari bohème plus sophistiqué. Cependant, il s’est vite avéré qu’il s’agissait de personnes complètement différentes. Même la naissance d'un fils n'a pas sauvé la relation mourante.

Eh bien, depuis 1927, l’image d’une femme blonde (« Rêve ») a commencé à apparaître sur les toiles de l’artiste. La passion de Marie-Thérèse Walter coïncide avec ses tentatives de s'exprimer de manière surréaliste. Scandales familiaux et querelles avec Marie-Thérèse - Picasso a coupé ce nœud gordien d'un seul coup, laissant les deux femmes derrière lui.

La photographe d'avant-garde Dora Maar a fourni un exutoire intellectuel à l'artiste. Elle a filmé tout le processus de création du célèbre triptyque « Guernica », la réponse du maître aux événements de guerre. Dora est devenue le modèle principal de Picasso pendant de nombreuses années.
Pablo a appris la vraie joie de vivre auprès de la jeune artiste Françoise Gillot (« La joie de vivre »). Indépendante et épris de liberté, elle a donné à l'artiste un fils, Claude, et une fille, Paloma, mais n'a pas pu être avec lui.

La dernière compagne du maître et seconde épouse officielle, Jacqueline Rock, l’appela « Monseigneur » et lui baisa les mains. L’une des meilleures œuvres de l’œuvre tardive de Picasso est « Le Baiser ». Tout y est exagérément grand. La femme s'accrochait à son homme bien-aimé avec une dévotion confiante, scrutant les traits qui lui étaient chers.

Portrait d'Olga sur une chaise Rêve Joie de vivre Baiser

On peut se demander longtemps si Picasso aimait ses muses ou s'il confondait la passion avec l'amour. Une chose est claire : tous étaient nécessaires pour laisser l'héritage inestimable d'un génie dont l'importance pour l'art mondial est difficile à surestimer. Il s'agit de 50 000 peintures, sculptures, céramiques et dessins. Une telle énergie créatrice a complètement changé le paysage de la peinture mondiale : même de son vivant, Picasso était reconnu comme un génie du XXe siècle.

FAITS INTÉRESSANTS DE LA VIE DE PABLO PICASSO

À la naissance, Pablo était considéré comme mort - l'enfant était né si faible. La mère a eu un accouchement très difficile, et cela ne pouvait qu'affecter l'héritier. La sage-femme est même allée annoncer à la mère du bébé la triste nouvelle que le bébé était mort-né. Cependant, l'oncle Picasso aimait les cigares et entra même dans la pièce où gisait son neveu « mort », tenant un cigare fumant dans sa bouche. Sans y réfléchir à deux fois, l’oncle a soufflé un jet de fumée sur le visage du bébé, et celui-ci a réagi en pleurant. Naturellement, après cela, il n'était plus considéré comme mort.

Le premier mot prononcé par le garçon fut « PIZ », abréviation de « LAPIZ » (« crayon » en espagnol). Le père de Pablo, artiste de profession, a commencé à élever son fils pour qu'il devienne artiste dès l'âge de 7 ans. Cependant, le père de Picasso a juré d'abandonner sa vocation lorsque son fils a eu 13 ans - il avait déjà surpassé son père (d'ailleurs, professeur d'art).

L'artiste a peint son premier tableau à l'âge de neuf ans : il s'agissait d'un cavalier à cheval qui participait à une corrida. Déjà à l'âge de 15 ans, Picasso créait son premier chef-d'œuvre : un tableau représentant ses proches à l'autel.

L'artiste était très colérique depuis son enfance et il était constamment puni. Le tempérament de l'artiste est devenu de plus en plus excentrique avec l'âge, mais son talent n'a pas disparu, mais est devenu plus brillant.

Picasso a reçu sa première œuvre sérieuse en concluant un contrat avec le vendeur de peintures Père Menach de Paris. Cela lui a rapporté 150 francs (en monnaie moderne, environ 750 dollars américains - en termes bien sûr).

En 1909, le jeune Picasso et son ami inventent le cubisme - même si ce n'est pas eux qui ont trouvé le nom, mais un critique français qui a remarqué que les tableaux de Picasso étaient pleins de cubes.

Picasso était extrêmement riche et n'a laissé derrière lui que des biens immobiliers d'une valeur d'un milliard et demi de dollars. Ses peintures sont absolument inestimables. Aujourd'hui, certaines œuvres de Pablo Picasso sont évaluées à des centaines de millions de dollars.

BIBLIOGRAPHIE

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24/04/2017 à 18h43 · Pavlofox · 1 700

Les tableaux les plus célèbres de Picasso

Pablo Picasso est un génie reconnu du XXe siècle, ses toiles sont reconnaissables et son style est difficile à confondre avec celui des autres peintres. L’un des thèmes favoris de l’œuvre de l’artiste était le cirque et ses personnages. Le maître aimait répéter que les vrais peintres sont Rembrandt, Giotto, ce n’est qu’un clown. Les tableaux les plus célèbres de Picasso vendu pour d'énormes sommes d'argent, mais l'artiste lui-même considérait la peinture comme une sorte de journal personnel. Au cours de sa longue vie, presque centenaire, il n’a jamais cessé de créer.

10. Fille sur le ballon

"Fille sur le ballon", peint en 1905, l’un des tableaux les plus légendaires de Picasso remonte au début de la période rose de l’artiste, coïncidant avec son installation à Paris. De nouvelles nuances entrent dans les œuvres du maître : rose clair, rouge, gris-perle, aéré, qui distingue la nouvelle période de la précédente (bleu). L'ambiance change également : si auparavant les sujets choisis étaient tristes et problématiques, de simples motifs de joie et de joie de vivre apparaissent désormais. Le tableau « Girl on a Ball » est construit sur les contrastes : la légèreté, la féminité, la souplesse et la grâce d’une acrobate sur un ballon versus la stabilité, la dureté et la masculinité d’un athlète sur un cube. Les deux artistes contrastent avec l'arrière-plan : la jeune fille descendra du ballon à tout moment ou avancera plus loin, tandis que le paysage triste avec un cheval solitaire ne changera pas avant très longtemps, et peut-être jamais du tout.

9. Buveur d'absinthe

« Amateur d'absinthe" - L'un des tableaux les plus sensationnels de Picasso a été peint en 1901 ; son thème était la boisson préférée de la bohème à la mode : l'absinthe. Bien que l’impression de cette création soit très douloureuse, on ne peut s’empêcher de noter la palette de couleurs superbement sélectionnée : les couleurs contrastées expriment la lutte intérieure de l’héroïne, sa lutte avec le monde extérieur, les contradictions et les difficultés qui surgissent en cours de route. L'image sur la photo sent la solitude et l'abandon, elle est anguleuse, comme brisée, la pose est contrainte et la main droite trop grande semble isoler la femme du monde, en quête de solitude et de protection. Et seul un léger sourire sarcastique sur les lèvres du personnage nous apprend que cette dame est toujours en vie.

8. Les filles d'Avignon

"Les jeunes filles d'Avignon" Le tableau, peint en 1907, est l'un des exemples les plus typiques du cubisme. Il semblerait que le cubisme soit totalement inapproprié lorsqu'il est nécessaire de représenter des corps féminins flexibles, mais Picasso parvient à le faire de telle manière qu'aucune dissonance ne se fasse sentir en regardant la toile. Malgré le fait que les genoux, les visages et les seins des filles soient représentés comme anguleux, nous comprenons que devant nous se trouvent des prêtresses de l'amour. Le prototype pour eux était de vraies filles d'un bordel du quartier d'Avignon à Barcelone. Initialement, le tableau était censé contenir d'autres images personnifiant la mort, mais plus tard, l'artiste n'a laissé que des images de femmes et de fruits comme symbole de fertilité. Ici, le défi ne réside pas dans le sujet, ni dans ce qui est représenté, mais dans la forme, dans la manière dont cela est représenté.

7. Trois musiciens

Tableau célèbre de Picasso "Trois musiciens"écrit dans le style du cubisme. Il n’y a pas que les musiciens qui sont représentés dans des robes clownesques : l’artiste a symboliquement représenté Guillaume Apollinaire avec une clarinette, Max Jacob avec un accordéon et lui-même avec un violon. Les personnages semblent collés sur la toile séparément les uns des autres, et les contours de leurs corps semblent bouger dans l'espace, donnant à l'image volume et dynamisme. Malgré son apparente simplicité, sa similitude avec des appliques et sa petite palette de couleurs, le tableau est sans aucun doute une œuvre d'art exceptionnelle.

6. Nu bleu

"Nu bleu" - Ce tableau peut être considéré comme l'une des toiles les plus connues de Picasso, même s'il s'agit de l'une de ses premières peintures (1902). « Blue Nude », comme on peut facilement le deviner d’après le titre et un simple coup d’œil, appartient à la période bleue de l’œuvre du maître. Il est difficile de dire ce que l'auteur a voulu transmettre avec cette œuvre, s'il l'a voulu ou non : la figure d'une femme en position fœtale est assise dos au spectateur. Ce n'est que par la couleur et la pose que l'on peut percevoir une nuance de désespoir, de désespoir, de solitude, de nudité, non seulement au sens propre mais aussi au sens figuré.

5. Dora Maar avec un chat

"Dora Maar avec un chat." L'artiste a entretenu une relation vibrante et passionnée avec Dora Maar qui a duré dix ans ; elle a été plus d'une fois sa muse. Dora ne peut pas être qualifiée de tendre et de fragile ; sa féminité réside dans le mystère, la force et l'énergie extraordinaire. L’artiste a déployé cette énergie sur ce tableau, peut-être le plus reconnaissable de Picasso. La dame au chapeau et aux ongles bleus pointus évoque involontairement des associations avec des représentants de la famille des chats, elle respire l'indépendance et un caractère rebelle. Un visage représenté à la fois de profil et de face avec un nez, une bouche et des yeux déformés ne peut pas être qualifié de beau, mais il est difficile de l'oublier. L’image d’un petit chat noir sur l’épaule d’une femme ne fait que souligner l’éclat du personnage de Dora Maar, une certaine agressivité.

4. Femme assise. Maria Teresa Walter

« Femme assise. Marie-Thérèse Walter" - L'un des tableaux les plus célèbres de Picasso est inspiré par une autre muse : Maria Theresa Walter. La figure féminine occupe presque toute la toile ; ses contours sont lourds, rugueux et anguleux. Le visage de la femme nue exprime une profonde réflexion. Picasso s'efforce de montrer la polyvalence de la nature féminine, tout en oubliant délibérément l'anatomie et la représentation réaliste du corps humain.

3. Guernica

"Guernica" est pratiquement le tableau le plus reconnaissable de Picasso, principalement en raison de sa signification politique. Avec ce tableau, le maître non seulement s'exprime contre le bombardement nazi de Guernica (Espagne) pendant la guerre civile, mais dépeint également une image de la guerre en général, avec toutes ses tragédies et ses souffrances. La toile empeste la douleur physique, un sentiment de perte, de destruction, de mort. Malgré tout le caractère sommaire des images des gens, chacun d'eux est doté d'une forte émotivité.

2. Fille devant le miroir

"Fille devant le miroir"- une autre œuvre très populaire de Picasso s'inspire de la déjà familière Maria Theresa Walter. L'idée principale de l'image est que la fille ne voit pas exactement son propre reflet dans le miroir, mais quelque chose d'un autre monde, différent. Les couleurs vives et contrastées soulignent l'ambiguïté de la nature. Maria Teresa semble voir sa vraie nature dans le miroir, déformée, déformée, peinte de nuances vives, à la recherche de nouvelles facettes d'elle-même.

1. Vieux guitariste

"Vieux guitariste". Les œuvres les plus reconnaissables de Picasso sont, pour la plupart, celles écrites pendant la période bleue de la créativité. Cette image en est l’exemple le plus clair. Elle s'inspire du suicide de l'ami de l'artiste, Carlos Casagemas. La couleur bleu froid exprime la mélancolie, la frustration, le repli sur soi ; la silhouette du guitariste est voûtée et comprimée, agrippant une grande guitare brune. La taille de l'instrument et sa couleur indiquent symboliquement que la musique est un moyen d'échapper aux problèmes d'un monde cruel et d'oublier la pauvreté et même la cécité.

Que voir d'autre :

Il n’y a pratiquement personne sur la planète qui ne connaisse pas le nom de Pablo Picasso. Le fondateur du cubisme et artiste aux styles multiples a influencé les beaux-arts non seulement de l’Europe, mais du monde entier au XXe siècle.

Artiste Pablo Picasso: enfance et années d'études

L'un des plus brillants est né à Malaga, dans une maison de la place de la Merced, en 1881, le 25 octobre. Aujourd'hui, il existe un musée et une fondation nommés en l'honneur de P. Picasso. Suivant la tradition espagnole lors du baptême, les parents ont donné au garçon un nom assez long, qui est une alternance des noms des saints et des parents les plus proches et les plus vénérés de la famille. En fin de compte, il est connu du tout premier et du dernier. Pablo a décidé de prendre le nom de sa mère, estimant que celui de son père était trop simple. Le talent et la passion du garçon pour le dessin se sont manifestés dès la petite enfance. Les premières et très précieuses leçons lui furent enseignées par son père, qui était également artiste. Son nom était José Ruiz. Il peint son premier tableau sérieux à l'âge de huit ans : « Picador ». On peut affirmer avec certitude que c'est avec elle que l'œuvre de Pablo Picasso a commencé. Le père du futur artiste reçut une offre de travail comme enseignant à La Corogne en 1891 et la famille déménagea bientôt dans le nord de l'Espagne. Là, Pablo a étudié pendant un an dans une école d'art locale. Ensuite, la famille a déménagé dans l'une des plus belles villes : Barcelone. Le jeune Picasso avait alors 14 ans, et trop jeune pour étudier à La Lonja (l'école des beaux-arts). Cependant, son père a pu faire en sorte qu'il soit autorisé à passer les examens d'entrée sur concours, ce qu'il a fait avec brio. Après quatre années supplémentaires, ses parents décident de l'inscrire dans la meilleure école d'art avancée de l'époque, « San Fernando » à Madrid. Étudier à l'académie ennuyait rapidement le jeune talent ; dans ses canons et règles classiques, il se sentait à l'étroit et même s'ennuyait. Il consacre donc plus de temps au musée du Prado et à l'étude de ses collections, et un an plus tard, il retourne à Barcelone. La première période de son œuvre comprend des tableaux peints en 1986 : « Autoportrait » de Picasso, « Première communion » (il représente la sœur de l'artiste Lola), « Portrait d'une mère » (photo ci-dessous).

Lors de son séjour à Madrid, il effectue son premier voyage où il étudie tous les musées et les peintures des plus grands maîtres. Par la suite, il reviendra à plusieurs reprises dans ce centre de l’art mondial et, en 1904, il s’y installera définitivement.

Période "bleue"

Cette période peut être considérée comme étant précisément à cette époque où son individualité, encore soumise à des influences extérieures, commence à se manifester dans l’œuvre de Picasso. C’est un fait bien connu : le talent des créatifs se manifeste plus clairement dans les situations de vie difficiles. C'est exactement ce qui s'est passé avec Pablo Picasso, dont les œuvres sont désormais connues dans le monde entier. Le décollage a été provoqué et s'est produit après une longue dépression provoquée par la mort d'un ami proche, Carlos Casagemas. En 1901, lors d'une exposition organisée par Vollard, 64 œuvres de l'artiste sont présentées, mais à cette époque elles sont encore pleines de sensualité et d'éclat, l'influence des impressionnistes se fait clairement sentir. La période « bleue » de son œuvre entre progressivement dans ses droits, se manifestant par des contours rigides des figures et une perte de la tridimensionnalité de l'image, en rupture avec les lois classiques de la perspective artistique. La palette de couleurs de ses toiles devient de plus en plus monotone, l'accent étant mis sur le bleu. Le début de la période peut être considéré comme le « Portrait de Jaime Sabartes » et l’autoportrait de Picasso, peint en 1901.

Peintures de la période « bleue »

Les mots clés pour le maître durant cette période étaient solitude, peur, culpabilité, douleur. En 1902, il retourna à Barcelone, mais ne put y rester. La situation tendue dans la capitale catalane, la pauvreté de tous bords et l'injustice sociale entraînent des troubles populaires qui ont progressivement englouti non seulement toute l'Espagne, mais aussi l'Europe. Probablement, cet état de fait a également influencé l'artiste, qui travaille de manière fructueuse et extrêmement dure cette année. Dans la patrie, des chefs-d'œuvre de la période « bleue » ont été créés : « Deux sœurs (Date) », « Vieux juif avec un garçon », « Tragédie » (photo de la toile ci-dessus), « Vie », où l'image du le défunt Casagemas apparaît à nouveau. En 1901, le tableau « Le buveur d’absinthe » est également peint. Il retrace l’influence de la fascination alors populaire pour les personnages « vicieux », caractéristique de l’art français. Le thème de l'absinthe apparaît dans de nombreux tableaux. L'œuvre de Picasso, entre autres, est pleine de drames. La main hypertrophiée de la femme, avec laquelle elle semble tenter de se défendre, est particulièrement frappante. Actuellement, « L'Amant de l'absinthe » est conservé à l'Ermitage, provenant d'une collection privée et très impressionnante d'œuvres de Picasso (51 œuvres) de S. I. Chtchoukine après la révolution.

Dès que l'occasion se présente de retourner en Espagne, il décide d'en profiter et quitte l'Espagne au printemps 1904. C'est là qu'il rencontrera de nouveaux intérêts, sensations et impressions, qui donneront naissance à une nouvelle étape dans sa créativité.

Période « rose »

Chez Picasso, cette étape durait relativement longtemps - de 1904 (automne) jusqu'à la fin de 1906 - et n'était pas tout à fait homogène. La plupart des peintures de l'époque sont marquées par une gamme de couleurs claires, l'apparition de tons ocre, gris perle, rouge-rose. Ce qui est caractéristique est l’émergence et la domination ultérieure de nouveaux thèmes pour le travail de l’artiste – acteurs, artistes de cirque et acrobates, athlètes. Bien entendu, l'écrasante majorité du matériel lui a été fournie par le cirque Medrano, qui se trouvait à l'époque au pied de Montmartre. Le décor théâtral lumineux, les costumes, le comportement, la variété des types semblaient ramener P. Picasso au monde des formes et des volumes réels, certes transformés, mais réels, de l'espace naturel. Les images de ses peintures redeviennent sensuelles et remplies de vie et de luminosité, contrairement aux personnages du stade « bleu » de la créativité.

Pablo Picasso : œuvres de la période « rose »

Les tableaux qui marquent le début d'une nouvelle période sont exposés pour la première fois à la fin de l'hiver 1905 à la galerie Serurrier : il s'agit de « Nu assis » et « Acteur ». L'un des chefs-d'œuvre reconnus de la période « rose » est « Une famille de comédiens » (photo ci-dessus). La toile a des dimensions impressionnantes - plus de deux mètres de hauteur et de largeur. Les figures d'artistes de cirque sont représentées sur fond de ciel bleu, il est généralement admis que l'arlequin sur le côté droit est Picasso lui-même. Tous les personnages sont statiques et il n'y a pas de proximité interne entre eux, chacun est enchaîné par la solitude intérieure - le thème de toute la période « rose ». Par ailleurs, il convient de noter les œuvres suivantes de Pablo Picasso : « Femme en chemise », « Toilettes », « Garçon conduisant un cheval », « Acrobates ». Mère et Fils", "Fille avec une chèvre". Tous démontrent au spectateur une beauté et une sérénité rares pour les peintures de l’artiste. Un nouvel élan pour la créativité se produit à la fin de 1906, lorsque Picasso voyage à travers l'Espagne et se retrouve dans un petit village des Pyrénées.

Période créative africaine

P. Picasso a découvert l'art africain archaïque lors d'une exposition thématique au musée du Trocadéro. Il était impressionné par les idoles païennes de forme primitive, les masques exotiques et les figurines qui incarnaient la grande puissance de la nature et étaient éloignées des moindres détails. L’idéologie de l’artiste coïncidait avec ce message puissant et, par conséquent, il commença à simplifier ses héros, les rendant comme des idoles de pierre, monumentales et pointues. Cependant, la première œuvre dans le sens de ce style est apparue en 1906 - il s'agit d'un portrait de l'écrivain par Pablo Picasso. Il a réécrit le tableau 80 fois et avait déjà complètement perdu confiance en la possibilité d'incarner son image dans le style classique. . Ce moment peut à juste titre être qualifié de transition entre le suivi de la nature et la déformation de la forme. Il suffit de regarder des peintures telles que « Femme nue », « Danse avec des voiles », « Dryade », « Amitié », « Buste de marin », « Autoportrait ».

Mais l’exemple le plus frappant de la scène africaine de l’œuvre de Picasso est peut-être le tableau « Les Demoiselles d’Avignon » (photo ci-dessus), sur lequel le maître a travaillé pendant environ un an. Elle couronne cette étape du parcours créatif de l’artiste et détermine en grande partie le sort de l’art dans son ensemble. Le tableau a été publié pour la première fois trente ans seulement après avoir été peint et est devenu une porte ouverte sur le monde de l’avant-garde. Le cercle bohème de Paris s'est littéralement divisé en deux camps : les « pour » et les « contre ». Le tableau est actuellement conservé au Museum of Modern Art de New York.

Le cubisme dans les œuvres de Picasso

Le problème de l'unicité et de l'exactitude de l'image est resté au premier plan dans les beaux-arts européens jusqu'au moment où le cubisme y a fait irruption. Beaucoup considèrent que l'impulsion de son développement est une question qui s'est posée parmi les artistes : « Pourquoi dessiner ? Au début du XXe siècle, une image fiable de ce que l'on voit pouvait être enseignée à presque tout le monde, et la photographie était littéralement sur les talons de la photographie, qui menaçait de supplanter complètement tout le reste. Les images visuelles deviennent non seulement crédibles, mais également accessibles et facilement reproductibles. Le cubisme de Pablo Picasso reflète dans ce cas l'individualité du créateur, abandonnant une image plausible du monde extérieur et ouvrant des possibilités et des limites de perception complètement nouvelles.

Les premières œuvres comprennent : « Pot, verre et livre », « Le bain », « Bouquet de fleurs dans une cruche grise », « Du pain et une coupe de fruits sur la table », etc. Les toiles montrent clairement comment le style de l'artiste change et acquiert des traits de plus en plus abstraits vers la fin de la période (1918-1919). Par exemple, « Arlequin », « Trois musiciens », « Nature morte à la guitare » (photo ci-dessus). L’association par le public de l’œuvre du maître avec l’abstraction ne convenait pas du tout à Picasso ; le message très émotionnel des peintures, leur signification cachée, était important pour lui. En fin de compte, le style du cubisme qu'il a lui-même créé a progressivement cessé d'inspirer et d'intéresser l'artiste, ouvrant la voie à de nouvelles tendances créatives.

Période classique

La deuxième décennie du XXe siècle fut assez difficile pour Picasso. Ainsi, l'année 1911 est marquée par l'histoire des figurines volées au Louvre, qui ne montrent pas l'artiste sous son meilleur jour. En 1914, il devient évident que, même après avoir vécu tant d’années à la campagne, Picasso n’est pas prêt à se battre pour la France pendant la Première Guerre mondiale, qui le sépare de nombre de ses amis. Et l'année suivante, sa bien-aimée Marcelle Humbert décède.

Le retour d'un Pablo Picasso plus réaliste dans son œuvre, dont les œuvres étaient à nouveau remplies de lisibilité, de figuration et de logique artistique, a également été influencé par de nombreux facteurs externes. Y compris un voyage à Rome, où il s'imprègne de l'art ancien, ainsi que des communications avec la troupe de ballet de Diaghilev et une rencontre avec la ballerine Olga Khokhlova, qui deviendra bientôt la seconde épouse de l'artiste. Son portrait de 1917, en quelque sorte expérimental, peut être considéré comme le début d’une nouvelle période. Le ballet russe Pablo Picasso a non seulement inspiré la création de nouveaux chefs-d'œuvre, mais a également donné naissance à son fils bien-aimé et tant attendu. Les œuvres les plus célèbres de l'époque : « Olga Khokhlova » (photo ci-dessus), « Pierrot », « Nature morte avec une cruche et des pommes », « Paysans endormis », « Mère et enfant », « Femmes courant sur la plage », "Les Trois Grâces".

Surréalisme

La division de la créativité n'est rien d'autre que le désir de la trier sur des étagères et de la serrer dans un certain cadre (stylistique, temporel). Cependant, cette approche de l'œuvre de Pablo Picasso, qui orne les meilleurs musées et galeries du monde, peut être qualifiée de très conditionnelle. Si l'on suit la chronologie, alors la période où l'artiste était proche du surréalisme tombe dans les années 1925-1932. Il n’est pas du tout surprenant qu’à chaque étape du travail du maître, une muse rende visite au maître du pinceau, et quand O. Khokhlova a voulu se reconnaître dans ses toiles, il s’est tourné vers le néoclassicisme. Cependant, les créateurs sont inconstants et bientôt la jeune et très belle Maria Teresa Walter, qui n’avait que 17 ans au moment de leur connaissance, entra dans la vie de Picasso. Elle se destinait au rôle de maîtresse et, en 1930, l'artiste achète un château en Normandie, qui devient pour elle une demeure et un atelier pour lui. Maria Teresa était une compagne fidèle, supportant fermement les élans créatifs et amoureux du créateur, entretenant une correspondance amicale jusqu'à la mort de Pablo Picasso. Œuvres de la période du surréalisme : « Danse », « Femme sur une chaise » (sur la photo ci-dessous), « Baigneuse », « Nu sur la plage », « Rêve », etc.

Période de la Seconde Guerre mondiale

La sympathie de Picasso pendant la guerre d'Espagne en 1937 appartenait aux Républicains. Lorsque, la même année, des avions italiens et allemands détruisirent Guernica, le centre politique et culturel des Basques, Pablo Picasso représenta la ville en ruines sur une immense toile du même nom en seulement deux mois. Il était littéralement saisi d'horreur face à la menace qui pesait sur toute l'Europe, ce qui ne pouvait qu'affecter sa créativité. Les émotions ne s'exprimaient pas directement, mais s'incarnaient dans le ton, sa tristesse, son amertume et son sarcasme.

Après la fin des guerres et après que le monde ait retrouvé un équilibre relatif, rétablissant tout ce qui avait été détruit, l’œuvre de Picasso a également acquis des couleurs plus joyeuses et plus lumineuses. Ses toiles, peintes en 1945-1955, ont une saveur méditerranéenne, sont très atmosphériques et en partie idéalistes. Parallèlement, il commence à travailler la céramique, créant de nombreux pichets, plats, assiettes et figurines décoratifs (photo ci-dessus). Les œuvres créées au cours des 15 dernières années de sa vie sont très inégales en termes de style et de qualité.

L'un des plus grands artistes du XXe siècle, Pablo Picasso, est décédé à l'âge de 91 ans dans sa villa en France. Il fut enterré près du château Vovenart qui lui appartenait.

), nom complet Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (espagnol. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Ruíz et Picasso écouter)) - Artiste, sculpteur, graphiste, céramiste et designer espagnol.

Les experts ont qualifié Picasso d'artiste le plus « cher » - en un an, le volume n'est que de officiel les ventes de ses œuvres se sont élevées à 262 millions.

Premiers travaux

Picasso a commencé à dessiner dès son enfance, Picasso a reçu ses premières leçons de talent artistique auprès de son père, le professeur d'art J. Ruiz, et l'a rapidement maîtrisé parfaitement. À l'âge de 8 ans, il peint sa première peinture à l'huile sérieuse, Picador, dont il ne s'est pas séparé tout au long de sa vie.

Picasso a étudié à l'école d'art de La Corogne (-). En 2006, il entre à l'École des Beaux-Arts de Barcelone. Il signe d'abord le nom de son père Ruiz Blasco, mais choisit ensuite le nom de famille de sa mère Picasso. En septembre, il part pour Madrid, où a lieu en octobre un concours pour l'Académie San Fernando.

Une œuvre de la période de transition - du « bleu » au « rose » - « Fille au bal » (1905, Musée des Beaux-Arts de Moscou).

Lors des préparatifs romains du défilé, Picasso rencontre la ballerine Olga Khokhlova, qui devient sa première épouse. Le 12 février de l'année, ils se marient dans une église russe à Paris ; Jean Cocteau, Max Jacob et Guillaume Apollinaire étaient témoins de leur mariage. Leur fils Paul est né (4 février).

L'atmosphère euphorique et conservatrice du Paris d'après-guerre, le mariage de Picasso avec Olga Khokhlova, la réussite sociale de l'artiste, tout cela explique en partie ce retour à la figuration, temporaire et surtout relatif, puisque Picasso continue à peindre des natures mortes cubistes prononcées. temps (« Mandoline et Guitare », 1924). Outre le cycle des géantes et des baigneuses, des peintures inspirées du style « pompéien » (« Femme en blanc », 1923), de nombreux portraits de sa femme (« Portrait d'Olga », pastel, 1923) et de son fils (« Paul au costume de Pierrot") sont l'une des œuvres les plus captivantes jamais écrites par l'artiste, même si, par leur orientation un peu classique et parodique, elles ont quelque peu intrigué l'avant-garde de l'époque.

Surréalisme

Picasso a eu une énorme influence sur les artistes de tous les pays, devenant l'un des maîtres de l'art les plus célèbres du XXe siècle.

Galerie

Tout le monde a entendu parler de Pablo Picasso. Il est non seulement un célèbre artiste espagnol, mais aussi sculpteur, graphiste, céramiste, artiste de théâtre, poète et dramaturge. Son nom de baptême se compose de 23 mots - Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz Clito Picasso. On dit qu'il porte le nom de plusieurs saints et proches. Pablo a montré son talent rare dès l'âge de 10 ans lorsqu'il a réalisé son premier tableau intitulé « Le Picador jaune », qui représente un homme chevauchant un cheval pendant une corrida. Au cours de sa vie, Pablo Picasso a écrit de nombreux chefs-d’œuvre qui impressionnent encore aujourd’hui le monde. Dans notre liste, nous avons répertorié les plus célèbres.

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Vieux guitariste

Le tableau a été peint en 1903 après le suicide de Carlos Casagemas, un ami de Picasso. A cette époque, l'artiste traite avec compréhension ceux qui ont trébuché, humiliés par le destin et la pauvreté. Ce tableau a été réalisé à Madrid et le style déformé utilisé rappelle celui du Greco. Il montre un aveugle tordu tenant une grande guitare brune. La couleur marron va au-delà de la palette de couleurs globale de l’image. Non seulement en fait, mais aussi symboliquement, la guitare remplit tout l'espace autour du vieil homme qui, semble-t-il, malgré la cécité et la pauvreté, s'est entièrement livré à la musique.

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Fille devant un miroir

Dans le tableau, peint en mars 1932, on voit l’image de la maîtresse française de Picasso, Marie Thérèse Walter. Le style de ce tableau s’appelle le cubisme. L'idée du cubisme est de prendre un objet, de le décomposer en parties plus simples, puis, sous plusieurs perspectives, de recréer ces mêmes parties sur toile. Dans « La Fille devant le miroir », on peut considérer l'image de la vanité. L'image à première vue semble assez simple, mais si vous regardez attentivement, vous pouvez trouver divers symboles profonds dans toutes les parties de l'image.

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Guernica

C'est peut-être l'un des tableaux les plus célèbres de Picasso. Il ne s’agit pas seulement d’une image ordinaire, mais aussi d’une déclaration politique forte. L'artiste critique ici le bombardement nazi de la ville basque de Guernica pendant la guerre civile espagnole. Mesurant 3,5 m de haut et 7,8 m de long, le tableau est un puissant réquisitoire contre la guerre. Le style de peinture utilisé est une combinaison de pastoral et d’épopée en noir et blanc. Guernica est un portrait minutieux des tragédies de la guerre et des souffrances des civils.

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Trois musiciens

Le titre du tableau résume le titre d'une série achevée par Picasso en 1921 à Fontainebleau près de Paris. Il s'agit d'un tableau assez grand - sa largeur et sa hauteur sont supérieures à 2 mètres. Il utilise le style synthétique du cubisme, qui transforme l’œuvre d’art en une séquence de plans, de lignes et d’arcs. Chaque tableau sous ce titre représente Arlequin, Pierrot et un moine. Ces trois héros symboliques seraient respectivement Picasso lui-même, Guillaume Apollinaire et Max Jacob. Apollinaire et Jacob étaient de très bons amis de Picasso dans les années 1910. Certains historiens estiment cependant que Les Trois Musiciens sont la réponse tardive de Picasso à Matisse et à sa Leçon de piano.

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Femme assise. Maria Teresa Walter

Comme Guernica, cette œuvre d'art a également été créée en 1937. La muse de Picasso était Maria Teresa Walter et il a créé de nombreuses images calmes d'elle. Beaucoup de gens pensent que cette peinture ressemble à une reine d’un jeu de cartes à jouer, une imagerie souvent conçue à l’aide de rayures. Le travail est également réalisé dans un style cubiste avec la polarisation des couleurs rouge et verte.

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Dora Maar avec un chat

Le tableau, peint par Picasso en 1941, montre sa maîtresse croate assise sur une chaise avec un petit chat sur son épaule. Au cours de sa relation de dix ans avec Dora Maar, Picasso a peint ses portraits à plusieurs reprises. Dora elle-même était une photographe surréaliste. Ce tableau est considéré comme l’une des images les moins agressives de Dora Maar, ainsi que l’une des peintures les plus chères au monde. Dans cette composition, Picasso a fait preuve d'une attention exceptionnelle aux détails, dont beaucoup sont symboliques.

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Nu bleu

"Le Nu Bleu" est l'un des premiers chefs-d'œuvre de Picasso. Il a été peint en 1902. Ce tableau appartient à la période bleue de Picasso. À cette époque, Picasso utilisait un bleu pâle et froid comme couleur dominante dans ses peintures et croquis. La plupart de ses peintures de la Période Bleue reflétaient des émotions fortes en utilisant une seule couleur. Le « nu bleu » nous tourne le dos en position fœtale. Le tableau n'offre aucun sous-texte et ses émotions ne sont pas claires.

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Les filles d'Avignon

Ce chef-d'œuvre a été peint en 1907 et constitue l'un des exemples les plus typiques du cubisme en peinture. La peinture va au-delà de la composition et de la présentation traditionnelles. Picasso utilise de manière innovante des corps féminins déformés et des formes géométriques. Aucune des figures n'est représentée avec la féminité traditionnelle et les femmes semblent légèrement menaçantes. Il a fallu neuf mois à Picasso pour achever ce tableau. Cette peinture reflète également l'influence de l'art africain.

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Nu, feuilles vertes et buste

Peint en 1932, le tableau représente à nouveau la maîtresse de Picasso, Maria Therese Walter. La toile, mesurant environ un mètre et demi de longueur et de hauteur, a été achevée en une journée. Ce tableau est considéré comme l’une des plus grandes réalisations de Picasso durant l’entre-deux-guerres. Cela crée des illusions et est considéré comme très sexy.

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Femme qui pleure

L'huile sur toile «La Femme qui pleure» a été créée par Picasso en 1937. On pense que cette peinture s'inscrit dans la continuité du thème de la tragédie représenté dans Guernica. En peignant la femme qui pleure, Picasso se concentre directement sur l’aspect humain de la souffrance et crée une image unique et universelle. Ce tableau complète la série que Picasso a peinte en signe de protestation. Le modèle du tableau (ainsi que de toute la série) était Dora Maar, qui travaillait comme photographe professionnelle.

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Ce sont les tableaux les plus célèbres de Pablo Picasso. Merci pour votre attention.