Période classique – Ve siècle. AVANT JC.

Le théâtre grec antique remonte génétiquement aux rituels cultes des temps anciens (chasse, agriculture, adieu à l’hiver, lamentations funéraires). Malgré tout le caractère primitif et la simplicité des anciens rituels de jeu, on peut déjà y remarquer les germes de l'action théâtrale future - une combinaison de musique, de danse, de chant et de mots. Le théâtre grec lui-même est né de festivités en l'honneur de Dionysos, qui duraient plusieurs jours et consistaient en processions solennelles, mystères, puis concours d'auteurs dramatiques, de poètes et de chœurs dans un bâtiment spécialement construit à cet effet. Le théâtre jouait un rôle majeur dans la vie sociale et culturelle de la cité grecque antique. Ces jours étaient déclarés jours chômés et toute la population de la ville était obligée de venir à la fête. Sous le règne de Périclès à Athènes, les pauvres recevaient même de l'argent pour aller au théâtre.

Le théâtre grec est né de fêtes cultes dédiées au dieu Denys.

3 fêtes de Dionysos :

Grande Dionysie

Dionysie rurale

Dionysia est progressivement passée d'une fête païenne à une représentation théâtrale. Ils ont commencé à introduire un interprète spécial dans le chœur des résidents - un acteur qui prononçait des textes préparés à l'avance, ce qui marquait déjà la transition d'un rituel païen au théâtre pour lequel les grands dramaturges grecs anciens créaient.

Tragédies

La tragédie (littéralement en grec ancien - « chant de chèvre ») est un genre de fiction basé sur le développement d'événements qui, en règle générale, sont inévitables et conduisent nécessairement à une issue catastrophique pour les personnages, souvent remplie de pathos ; un type de drame qui est à l’opposé de la comédie. Certains chercheurs pensent que dans l'Antiquité, les souffrances du dieu Dionysos étaient racontées par un prêtre qui sacrifiait une chèvre sur l'autel. D'où le « chant de la chèvre ».

Eschyle (environ 525-456 avant JC) - le « père » de la tragédie grecque antique. Auteur d'environ 90 ouvrages. Atteint à ce jour 7. Présenté le 2ème acteur.

Le motif principal de la tragédie d'Eschyle est l'idée de la toute-puissance du destin et de la fin de la lutte contre celui-ci. On pensait que l’ordre social était déterminé par des forces surhumaines, établies une fois pour toutes. Même les titans rebelles ne peuvent pas l’ébranler (la tragédie « Chained Prometheus »).

Pièces de théâtre : "Prometheus Bound", "Oresteia" - dans le cadre de trois tragédies : "Agamemnon", "Choephora" (porteurs de libations) et "Eumenides"

Sophocle (environ 496-406 avant JC) - environ 120 œuvres, 7 ont survécu à ce jour. Il a remporté 24 victoires dans des concours tragiques. Présentation du troisième acteur et du décor.

Au centre de ses tragédies se trouve le conflit entre la tradition tribale et l’autorité de l’État.

Pièces de théâtre : « Œdipe roi », « Antigone », « Électre », « Œdipe à Colone », « Les Trachiniennes »

Euripide (environ 480406 avant JC) - un réformateur exceptionnel du théâtre antique. Le psychologisme apparaît. Les personnages principaux sont pour la première fois des femmes. Le procès est une méthode pour résoudre une intrigue – deus ex machina. Le rôle du chœur se réduit progressivement à un simple accompagnement musical du spectacle. Environ 22 textes, 17 et de nombreux extraits sont parvenus.

Dans les œuvres d'Euripide, athée, les personnages du drame sont exclusivement des personnes. S'il introduit les dieux, c'est seulement dans les cas où il est nécessaire de résoudre une intrigue complexe. Son action dramatique est motivée par les propriétés réelles du psychisme humain. Sophocle parlait ainsi d'Euripide : « J'ai représenté les gens tels qu'ils devraient être ; Euripide les représente tels qu'ils sont réellement.

Pièces : « Médée », « Phèdre » (« Hippolyte »), « Les Bacchantes »

Comédie

La comédie est « le chant d’une foule ivre ». La base de la satire.

La comédie grecque antique est née aux mêmes fêtes de Dionysos que la tragédie, mais dans un cadre différent. Si la tragédie à ses débuts est un service de culte rituel, alors la comédie est le produit d'amusements qui ont commencé lorsque la partie liturgique des Dionysies, sombre et sérieuse, s'est terminée. Dans la Grèce antique, ils organisaient alors des processions (komos, d'où peut-être le nom lui-même - comédie) avec des chants et des danses déchaînés, enfilaient des costumes fantastiques, se livraient à des disputes, des bagarres, échangeaient des plaisanteries, des plaisanteries, souvent obscènes, qui, selon le point de vue des anciens Grecs, encouragé par Dionysos. Au cours de ces divertissements, les principaux éléments du genre comique surgissent : une scène dorique quotidienne et un chant choral accusateur.

Aristophane - Comédien grec ancien, « père de la comédie ». Sur une quarantaine de comédies, 11 sont sorties.

Dans ses comédies, il mène une lutte acharnée contre la démocratie, qui était au pouvoir pendant la guerre du Péloponnèse. Aristophane était partisan de la paix à tout prix, car la guerre avait un effet néfaste sur l'aristocratie terrienne, dont il exprimait l'idéologie. Cela a également déterminé le caractère réactionnaire de ses opinions philosophiques et morales. C’est ainsi qu’il caricature Socrate et n’épargne pas son contemporain Euripide, représentant des sentiments démocratiques. Il le parodie souvent. La plupart de ses comédies étaient des satires malveillantes contre les représentants de la démocratie, notamment Cléon et Périclès. Il a lui-même joué le rôle de Cléon dans la comédie «Babyloniens», car les acteurs n'osaient pas le faire, craignant la vengeance du souverain.

Pièces de théâtre : "Paix", "Lysistrata", "Grenouilles", "Les femmes à l'Assemblée nationale", "Nuages"

Cette liste peut inclure des auteurs anciens célèbres comme Eschyle, Sophocle, Euripide, Aristophane, Aristote. Ils ont tous écrit des pièces de théâtre pour des représentations dans des festivals. Il y avait bien sûr beaucoup plus d'auteurs d'œuvres dramatiques, mais soit leurs œuvres n'ont pas survécu jusqu'à ce jour, soit leurs noms ont été oubliés.

Dans le travail des dramaturges grecs antiques, malgré toutes les différences, il y avait beaucoup de points communs, par exemple le désir de montrer tous les problèmes sociaux, politiques et éthiques les plus importants qui préoccupaient l'esprit des Athéniens à cette époque. Aucune œuvre significative n'a été créée dans le genre de la tragédie dans la Grèce antique. Au fil du temps, la tragédie est devenue une œuvre purement littéraire destinée à la lecture. Mais de grandes perspectives s'ouvraient au drame quotidien, qui prospéra le plus au milieu du IVe siècle avant JC. e. On l’appellera plus tard « la comédie Novo-Attic ».

Eschyle

Eschyle (Fig. 3) est né en 525 avant JC. e. à Eleusis, près d'Athènes. Il venait d'une famille noble et a donc reçu une bonne éducation. Le début de son œuvre remonte à la guerre d'Athènes contre la Perse. D'après des documents historiques, on sait qu'Eschyle lui-même a participé aux batailles de Marathon et de Salamine.

Il a décrit la dernière des guerres en tant que témoin oculaire dans sa pièce « Les Perses ». Cette tragédie s'est déroulée en 472 avant JC. e. Au total, Eschyle a écrit environ 80 œuvres. Parmi eux se trouvaient non seulement des tragédies, mais aussi des drames satiriques. Seules 7 tragédies ont survécu jusqu'à ce jour, seuls de petits morceaux ont survécu du reste.

Les œuvres d'Eschyle montrent non seulement des personnages, mais aussi des dieux et des titans qui personnifient des idées morales, politiques et sociales. Le dramaturge lui-même avait un credo religieux et mythologique. Il croyait fermement que les dieux dirigeaient la vie et le monde. Cependant, les personnages de ses pièces ne sont pas des créatures faibles qui sont aveuglément subordonnées aux dieux. Eschyle les a dotés de raison et de volonté, ils agissent guidés par leurs pensées.

Dans les tragédies d'Eschyle, le chœur joue un rôle important dans le développement du thème. Toutes les parties du chœur sont écrites dans un langage pathétique. Dans le même temps, l'auteur a progressivement commencé à introduire dans le schéma narratif des images de l'existence humaine assez réalistes. Un exemple est la description de la bataille entre les Grecs et les Perses dans la pièce « Les Perses » ou les paroles de sympathie exprimées par les Océanides à Prométhée.

Pour renforcer le conflit tragique et pour une action plus complète de la production théâtrale, Eschyle a introduit le rôle d'un second acteur. A cette époque, il s’agissait simplement d’un geste révolutionnaire. Maintenant, au lieu de l'ancienne tragédie, qui avait peu d'action, un seul acteur et un seul chœur, de nouveaux drames sont apparus. En eux, les visions du monde des héros se sont heurtées, motivant indépendamment leurs actions et leurs actions. Mais les tragédies d'Eschyle gardaient encore dans leur construction des traces du fait qu'elles provenaient d'un dithyrambe.

La structure de toutes les tragédies était la même. Ils ont commencé par un prologue qui a mis en place l’intrigue. Après le prologue, le chœur entra dans l'orchestre pour y rester jusqu'à la fin de la pièce. Viennent ensuite les épisodes, qui sont des dialogues entre les acteurs. Les épisodes étaient séparés les uns des autres par des stasims - des chants du chœur, interprétés après l'entrée du chœur dans l'orchestre. La dernière partie de la tragédie, lorsque le chœur quitta l'orchestre, fut appelée « l'exode ». En règle générale, une tragédie comprenait 3 à 4 épisodes et 3 à 4 stasims.

Les stasims, à leur tour, étaient divisés en parties distinctes, constituées de strophes et d'antistrophes, qui correspondaient strictement les unes aux autres. Le mot « strophe » traduit en russe signifie « tourner ». Lorsque le chœur chantait les strophes, il se déplaçait d'abord dans un sens puis dans l'autre. Le plus souvent, les chants du chœur étaient interprétés avec l’accompagnement d’une flûte et étaient toujours accompagnés de danses appelées « emmeleya ».

Dans la pièce « Les Perses », Eschyle a glorifié la victoire d’Athènes sur la Perse lors de la bataille navale de Salamine. Un fort sentiment patriotique traverse l'ensemble de l'ouvrage, c'est-à-dire que l'auteur montre que la victoire des Grecs sur les Perses est le résultat de l'existence d'ordres démocratiques dans le pays grec.

Dans l'œuvre d'Eschyle, une place particulière est accordée à la tragédie « Prométhée lié ». Dans cet ouvrage, l'auteur a montré Zeus non pas comme un porteur de vérité et de justice, mais comme un tyran cruel qui veut éliminer tous les peuples de la surface de la terre. Par conséquent, il a condamné Prométhée, qui a osé se rebeller contre lui et défendre le genre humain, au tourment éternel, ordonnant de l'enchaîner à un rocher.

L'auteur montre Prométhée comme un combattant pour la liberté et la raison des hommes, contre la tyrannie et la violence de Zeus. Au cours de tous les siècles suivants, l'image de Prométhée est restée un exemple de héros luttant contre des puissances supérieures, contre tous les oppresseurs d'une personnalité humaine libre. V. G. Belinsky a très bien dit à propos de ce héros de la tragédie antique : « Prométhée a fait savoir aux gens qu'en vérité et en connaissance, eux aussi sont des dieux, que le tonnerre et les éclairs ne sont pas une preuve de justesse, mais seulement une preuve de puissance erronée. »

Eschyle a écrit plusieurs trilogies. Mais la seule qui ait survécu jusqu'à nos jours dans son intégralité est l'Orestie. La tragédie était basée sur des récits de meurtres terribles commis par la même famille dont était issu le commandant grec Agamemnon. La première pièce de la trilogie s'appelle Agamemnon. Il raconte qu'Agamemnon revint victorieux du champ de bataille, mais fut tué chez lui par sa femme Clytemnestre. Non seulement l'épouse du commandant n'a pas peur d'être punie pour son crime, mais elle se vante également de ce qu'elle a fait.

La deuxième partie de la trilogie s'appelle "Les Hoephors". Voici l'histoire de la façon dont Oreste, le fils d'Agamemnon, devenu adulte, décida de venger la mort de son père. Electre, la sœur d'Oreste, l'aide dans cette terrible affaire. Oreste a d'abord tué l'amant de sa mère, puis elle.

L'intrigue de la troisième tragédie - "Eumenides" - est la suivante : Oreste est persécuté par Érinyes, la déesse de la vengeance, parce qu'il a commis deux meurtres. Mais il est acquitté par le tribunal des anciens athéniens.

Dans cette trilogie, dans un langage poétique, Eschyle a parlé de la lutte entre les droits paternels et maternels, qui se déroulait à cette époque en Grèce. En conséquence, le droit paternel, c’est-à-dire celui de l’État, s’est avéré gagnant.

Dans l'Orestie, l'habileté dramatique d'Eschyle atteint son apogée. Il a si bien transmis l'atmosphère oppressante et inquiétante dans laquelle le conflit se prépare que le spectateur ressent presque physiquement cette intensité des passions. Les parties chorales sont écrites clairement, elles contiennent un contenu religieux et philosophique et contiennent des métaphores et des comparaisons audacieuses. Il y a beaucoup plus de dynamique dans cette tragédie que dans les premières œuvres d'Eschyle. Les personnages sont écrits de manière plus précise, avec beaucoup moins de généralités et de raisonnements.

Les œuvres d'Eschyle montrent tout l'héroïsme des guerres gréco-persanes, qui ont joué un rôle important dans l'inculcation du patriotisme parmi le peuple. Aux yeux non seulement de ses contemporains, mais aussi de toutes les générations suivantes, Eschyle resta à jamais le tout premier poète tragique.

Il mourut en 456 avant JC. e. dans la ville de Gel, en Sicile. Sur sa tombe se trouve une inscription sur une pierre tombale qui, selon la légende, aurait été composée par lui.

Sophocle

Sophocle est né en 496 avant JC. e. dans une famille aisée. Son père possédait un atelier d'armes, qui générait d'importants revenus. Dès son plus jeune âge, Sophocle a montré son talent créatif. À l'âge de 16 ans, il dirigeait une chorale de jeunes hommes qui glorifiaient la victoire des Grecs à la bataille de Salamine.

Au début, Sophocle lui-même participa aux productions de ses tragédies en tant qu'acteur, mais ensuite, en raison de la faiblesse de sa voix, il dut renoncer à jouer, même s'il connut un grand succès. En 468 avant JC. e. Sophocle a remporté sa première victoire par contumace sur Eschyle, qui consistait dans le fait que la pièce de Sophocle était reconnue comme la meilleure. Dans ses activités dramatiques ultérieures, Sophocle a toujours eu de la chance : de toute sa vie, il n'a jamais reçu de troisième prix, mais a presque toujours pris la première place (et seulement occasionnellement la deuxième).

Le dramaturge a participé activement aux activités gouvernementales. En 443 av. e. Les Grecs ont élu le célèbre poète au poste de trésorier de la Ligue de Délos. Plus tard, il a été élu à un poste encore plus élevé : celui de stratège. À ce titre, il participa avec Périclès à une campagne militaire contre l'île de Samos, séparée d'Athènes.

On ne connaît que 7 tragédies de Sophocle, bien qu'il ait écrit plus de 120 pièces de théâtre. Par rapport à Eschyle, Sophocle a quelque peu modifié le contenu de ses tragédies. Si le premier a des titans dans ses pièces, alors le second a introduit des personnages dans ses œuvres, quoique un peu élevés au-dessus du quotidien. C'est pourquoi les chercheurs sur l'œuvre de Sophocle disent qu'il a fait descendre la tragédie du ciel sur la terre.

L'homme, avec son monde spirituel, son esprit, ses expériences et son libre arbitre, est devenu le personnage principal des tragédies. Bien entendu, dans les pièces de Sophocle, les héros ressentent l'influence de la Divine Providence sur leur destin. Ses dieux sont les mêmes

puissants, comme Eschyle, ils peuvent aussi abattre une personne. Mais les héros de Sophocle ne s’appuient généralement pas docilement sur la volonté du destin, mais se battent pour atteindre leurs objectifs. Cette lutte se termine parfois par la souffrance et la mort du héros, mais il ne peut la refuser, car il voit en cela son devoir moral et civique envers la société.

A cette époque, Périclès était à la tête de la démocratie athénienne. Sous son règne, la Grèce esclavagiste a connu une énorme prospérité intérieure. Athènes est devenue un centre culturel majeur où affluaient écrivains, artistes, sculpteurs et philosophes de toute la Grèce. Périclès commença la construction de l'Acropole, mais celle-ci ne fut achevée qu'après sa mort. Des architectes exceptionnels de cette période ont été impliqués dans ces travaux. Toutes les sculptures ont été réalisées par Phidias et ses élèves.

En outre, un développement rapide s'est produit dans le domaine des sciences naturelles et de l'enseignement philosophique. Il y avait un besoin d'enseignement général et spécial. À Athènes, apparurent des enseignants appelés sophistes, c'est-à-dire sages. Contre rémunération, ils enseignaient à ceux qui s'intéressaient à diverses sciences - philosophie, rhétorique, histoire, littérature, politique - et enseignaient l'art de parler devant le peuple.

Certains sophistes étaient partisans de la démocratie esclavagiste, d'autres de l'aristocratie. Le plus célèbre parmi les sophistes de cette époque était Protagoras. C'est lui qui a dit que ce n'est pas Dieu, mais l'homme, qui est la mesure de toutes choses.

De telles contradictions dans le choc des idéaux humanistes et démocratiques aux motivations égoïstes et égoïstes se reflétaient dans le travail de Sophocle, qui ne pouvait pas accepter les déclarations de Protagoras parce qu'il était très religieux. Dans ses œuvres, il a répété à plusieurs reprises que la connaissance humaine est très limitée, que par ignorance, une personne peut commettre une erreur ou une autre et en être punie, c'est-à-dire subir des tourments. Mais c'est précisément dans la souffrance que se révèlent les meilleures qualités humaines décrites par Sophocle dans ses pièces. Même dans les cas où le héros meurt sous les coups du sort, une ambiance optimiste se fait sentir dans les tragédies. Comme le disait Sophocle, « le destin pouvait priver un héros du bonheur et de la vie, mais pas humilier son esprit, il pouvait le vaincre, mais pas le vaincre ».

Sophocle introduisit dans la tragédie un troisième acteur qui égaya grandement l'action. Il y avait désormais trois personnages sur scène capables de mener des dialogues et des monologues, ainsi que de se produire simultanément. Étant donné que le dramaturge a privilégié les expériences d'un individu, il n'a pas écrit de trilogies dans lesquelles, en règle générale, le destin de toute une famille était retracé. Trois tragédies ont été mises en compétition, mais chacune d'elles était désormais une œuvre indépendante. Sous Sophocle, les décorations peintes furent également introduites.

Les tragédies les plus célèbres du dramaturge du cycle thébain sont considérées comme « Œdipe le Roi », « Œdipe à Colone » et « Antigone ». L'intrigue de toutes ces œuvres est basée sur le mythe du roi thébain Œdipe et sur les nombreux malheurs qui sont arrivés à sa famille.

Sophocle a essayé dans toutes ses tragédies de faire ressortir des héros au caractère fort et à la volonté inflexible. Mais en même temps, ces personnes se caractérisaient par la gentillesse et la compassion. C'était notamment Antigone.

Les tragédies de Sophocle montrent clairement que le destin peut subjuguer la vie d’une personne. Dans ce cas, le héros devient un jouet entre les mains de puissances supérieures, que les anciens Grecs personnifiaient avec Moira, se tenant même au-dessus des dieux. Ces œuvres sont devenues un reflet artistique des idéaux civils et moraux de la démocratie esclavagiste. Parmi ces idéaux figuraient l'égalité politique et la liberté de tous les citoyens à part entière, le patriotisme, le service à la patrie, la noblesse des sentiments et des motivations, ainsi que la gentillesse et la simplicité.

Sophocle est mort en 406 avant JC. e.

16. Tragédie grecque antique. Sophocle et Euripide.

La tragédie. La tragédie vient des actions rituelles en l'honneur de Dionysos. Les participants à ces actions portaient des masques avec des barbes et des cornes de chèvre, représentant les compagnons de Dionysos - les satyres. Des représentations rituelles ont eu lieu pendant les Grandes et Petites Dionysias. Les chants en l’honneur de Dionysos étaient appelés dithyrambes en Grèce. Le dithyrambe, comme le souligne Aristote, est à la base de la tragédie grecque, qui conserva d'abord tous les traits du mythe de Dionysos. Les premières tragédies exposent des mythes sur Dionysos : sur sa souffrance, sa mort, sa résurrection, sa lutte et sa victoire sur ses ennemis. Mais ensuite, les poètes ont commencé à puiser le contenu de leurs œuvres dans d’autres légendes. À cet égard, le chœur a commencé à représenter non pas des satyres, mais d'autres créatures ou personnages mythiques, selon le contenu de la pièce.

Origine et essence. La tragédie est née de chants solennels. Elle a conservé leur majesté et leur sérieux ; ses héros sont devenus des personnalités fortes, dotées d'un caractère volontaire et de grandes passions. La tragédie grecque a toujours représenté des moments particulièrement difficiles dans la vie d'un État tout entier ou d'un individu, des crimes terribles, des malheurs et de profondes souffrances morales. Il n’y avait pas de place pour les plaisanteries ou les rires.

Système. La tragédie commence par un prologue (déclamatoire), suivi de l'entrée du chœur avec un chant (parode), puis des épisodes (épisodes), qui sont interrompus par les chants du chœur (stasims), la dernière partie est le stasim final (généralement résolu dans le genre des commos) et départ des acteurs et du chœur - exode. Les chants choraux divisaient ainsi la tragédie en parties qui, dans le drame moderne, sont appelées actes. Le nombre de parties variait même chez un même auteur. Les trois unités de la tragédie grecque : lieu, action et temps (l'action ne pouvait se dérouler que du lever au coucher du soleil), censées renforcer l'illusion de la réalité de l'action. L'unité de temps et de lieu limite considérablement le développement des éléments dramatiques au détriment des éléments épiques, caractéristiques de l'évolution du genre. Un certain nombre d'événements nécessaires au drame, dont la représentation violerait l'unité, ne pouvaient être rapportés qu'au spectateur. Les soi-disant « messagers » racontaient ce qui se passait en dehors de la scène.

La tragédie grecque a été fortement influencée par l’épopée homérique. Les tragédiens lui ont emprunté de nombreuses légendes. Les personnages utilisaient souvent des expressions empruntées à l'Iliade. Pour les dialogues et les chants du chœur, les dramaturges (ils sont aussi mélurgistes, puisque les poèmes et la musique ont été écrits par la même personne - l'auteur de la tragédie) ont utilisé le trimètre iambique comme forme proche du discours vivant (pour les différences de dialectes dans certaines parties de la tragédie, voir la langue grecque ancienne). La tragédie atteint son apogée au Ve siècle. avant JC e. dans les œuvres de trois poètes athéniens : Sophocle et Euripide.

Sophocle Dans les tragédies de Sophocle, l'essentiel n'est pas le cours extérieur des événements, mais le tourment intérieur des héros. Sophocle explique généralement tout de suite le sens général de l’intrigue. L’issue extérieure de son complot est presque toujours facile à prédire. Sophocle évite soigneusement les complications et les surprises compliquées. Sa principale caractéristique est sa tendance à dépeindre les gens avec toutes leurs faiblesses, hésitations, erreurs et parfois crimes. Les personnages de Sophocle ne sont pas des incarnations abstraites générales de certains vices, vertus ou idées. Chacun d’eux a une personnalité brillante. Sophocle prive presque les héros légendaires de leur surhumanité mythique. Les catastrophes qui frappent les héros de Sophocle sont préparées par les propriétés de leur caractère et des circonstances, mais elles sont toujours un châtiment de la culpabilité du héros lui-même, comme dans Ajax, ou de ses ancêtres, comme dans Œdipe le roi et Antigone. Conformément au penchant athénien pour la dialectique, les tragédies de Sophocle se développent dans une compétition verbale entre deux adversaires. Cela aide le spectateur à mieux comprendre s’il a raison ou tort. Chez Sophocle, les discussions verbales ne sont pas au centre des drames. Des scènes remplies d'un pathétique profond et en même temps dépourvues de pomposité et de rhétorique euripidiennes se retrouvent dans toutes les tragédies de Sophocle qui nous sont parvenues. Les héros de Sophocle éprouvent une grave angoisse mentale, mais les personnages positifs, même en eux, conservent la pleine conscience de leur justesse.

« Antigone » (vers 442). L'intrigue d'« Antigone » appartient au cycle thébain et est une continuation directe du récit de la guerre des « Sept contre Thèbes » et du duel entre Étéocle et Polynice. Après la mort des deux frères, le nouveau souverain de Thèbes, Créon, enterra Étéocle avec les honneurs qui lui sont dus et interdit d'enterrer le corps de Polynice, parti en guerre contre Thèbes, menaçant de mort les désobéissants. La sœur des victimes, Antigone, a violé l'interdiction et a enterré l'homme politique. Sophocle a développé cette intrigue sous l’angle du conflit entre les lois humaines et les « lois non écrites » de la religion et de la morale. La question était pertinente : les défenseurs des traditions de la polis considéraient les « lois non écrites » comme « divinement établies » et inviolables, contrairement aux lois changeantes des gens. Conservatrice en matière religieuse, la démocratie athénienne exigeait également le respect des « lois non écrites ». Le prologue d'Antigone contient également un autre trait très courant chez Sophocle : l'opposition de personnages durs et doux : l'inflexible Antigone contraste avec la timide Ismène, qui sympathise avec sa sœur, mais n'ose pas agir avec elle. Antigone met son plan à exécution ; elle recouvre le corps de Polynice d'une fine couche de terre, c'est-à-dire qu'elle effectue un enterrement symbolique, qui, selon les idées grecques, suffisait à calmer l'âme du défunt. L'interprétation de l'Antigone de Sophocle est restée pendant de nombreuses années dans la direction tracée par Hegel ; de nombreux chercheurs réputés y adhèrent encore3. Comme on le sait, Hegel voyait en Antigone un conflit irréconciliable entre l'idée d'État et l'exigence que les liens du sang imposent à une personne : Antigone, qui ose enterrer son frère au mépris du décret royal, meurt dans un état d'inégalité. lutte avec le principe de l'État, mais le roi Créon, qui le personnifie, perd également dans cet affrontement son fils et sa femme uniques, arrivant à la fin de la tragédie brisé et dévasté. Si Antigone est physiquement morte, alors Créon est moralement écrasé et attend la mort comme une bénédiction (1306-1311). Les sacrifices consentis par le roi thébain sur l'autel de l'État sont si importants (n'oublions pas qu'Antigone est sa nièce) qu'il est parfois considéré comme le héros principal de la tragédie, censé défendre les intérêts de l'État avec une détermination si imprudente. Il vaut cependant la peine de lire attentivement le texte de « Antigone » de Sophocle et d’imaginer comment il sonnait dans le contexte historique spécifique de l’Athènes antique à la fin des années 40 du 5ème siècle avant JC. e., de sorte que l’interprétation de Hegel perd tout pouvoir de preuve.

Analyse de "Antigone" en lien avec la situation historique spécifique d'Athènes dans les années 40 du Ve siècle avant JC. e. montre l’inapplicabilité totale des concepts modernes d’État et de moralité individuelle à cette tragédie. Chez Antigone, il n’y a pas de conflit entre la loi étatique et la loi divine, car pour Sophocle la véritable loi étatique a été construite sur la base du divin. Chez Antigone, il n'y a pas de conflit entre l'État et la famille, car pour Sophocle le devoir de l'État était de protéger les droits naturels de la famille, et aucun État grec n'interdisait aux citoyens d'enterrer leurs proches. Antigone révèle le conflit entre la loi naturelle, divine et donc véritablement étatique, et un individu qui prend sur lui le courage de représenter l'État contrairement à la loi naturelle et divine. Qui a le dessus dans cet affrontement ? En tout cas, pas Créon, malgré la volonté de nombre de chercheurs d'en faire le véritable héros de la tragédie ; L'effondrement moral final de Créon témoigne de son échec complet. Mais peut-on considérer Antigone comme la gagnante, seule dans un héroïsme non partagé et finissant sans gloire ses jours dans un sombre cachot ? Il nous faut ici examiner de plus près quelle place son image occupe dans la tragédie et par quels moyens elle a été créée. En termes quantitatifs, le rôle d'Antigone est très petit - seulement environ deux cents vers, presque deux fois moins que celui de Créon. De plus, tout le dernier tiers de la tragédie, menant l'action au dénouement, se déroule sans sa participation. Avec tout cela, Sophocle convainc non seulement le spectateur qu'Antigone a raison, mais lui inculque également une profonde sympathie pour la jeune fille et une admiration pour son dévouement, son inflexibilité et son intrépidité face à la mort. Les plaintes inhabituellement sincères et profondément touchantes d'Antigone occupent une place très importante dans la structure de la tragédie. Tout d’abord, ils privent son image de toute touche d’ascèse sacrificielle qui pourrait naître des premières scènes où elle confirme si souvent sa volonté de mourir. Antigone apparaît devant le spectateur comme une personne vivante et de sang pur, à qui rien d'humain n'est étranger ni dans les pensées ni dans les sentiments. Plus l'image d'Antigone est saturée de telles sensations, plus sa fidélité inébranlable à son devoir moral est impressionnante. Sophocle crée consciemment et délibérément une atmosphère de solitude imaginaire autour de son héroïne, car dans un tel environnement, sa nature héroïque se manifeste pleinement. Bien sûr, ce n'est pas en vain que Sophocle a forcé son héroïne à mourir, malgré sa justesse morale évidente - il a vu quelle menace pour la démocratie athénienne, qui stimulait le développement global de l'individu, était en même temps lourde de soi hypertrophiée. -détermination de cet individu dans sa volonté de subjuguer les droits naturels de l'homme. Cependant, tout dans ces lois ne semblait pas complètement explicable à Sophocle, et la meilleure preuve en est la nature problématique de la connaissance humaine, déjà apparue chez Antigone. Sophocle, dans son célèbre « hymne à l’homme », a classé « la pensée aussi rapide que le vent » (phronema) parmi les plus grandes réalisations de la race humaine (353-355), rejoignant son prédécesseur Eschyle dans l’évaluation des capacités de l’esprit. Si la chute de Créon n’est pas enracinée dans l’inconnaissabilité du monde (son attitude envers Polynice assassiné est en contradiction flagrante avec les normes morales généralement connues), alors avec Antigone la situation est plus compliquée. Comme Yéména au début de la tragédie, Créon et le chœur considèrent ensuite son acte comme un signe d'imprudence22, et Antigone est consciente que son comportement peut être considéré exactement de cette manière (95, cf. 557). L’essence du problème est formulée dans le couplet qui termine le premier monologue d’Antigone : bien que son acte semble stupide à Créon, il semble que l’accusation de stupidité vienne d’un imbécile (469 ss.). La fin de la tragédie montre qu’Antigone ne s’était pas trompée : Créon paie pour sa bêtise, et il faut donner à l’exploit de la jeune fille toute la mesure du « raisonnable » héroïque, puisque son comportement coïncide avec la loi divine éternelle et objectivement existante. Mais comme Antigone ne reçoit pas la gloire mais la mort pour sa fidélité à cette loi, elle doit s'interroger sur le caractère raisonnable d'une telle issue. « Quelle loi des dieux ai-je enfreint ? - Antigone demande donc : "Pourquoi, malheureuse, devrais-je encore me tourner vers les dieux, à quels alliés devrais-je faire appel si, en agissant pieusement, j'ai mérité l'accusation d'impiété ?" (921-924). « Regardez, anciens de Thèbes... ce que j'endure - et de la part d'une telle personne ! - même si j'ai vénéré pieusement le ciel. Pour le héros d'Eschyle, la piété garantissait le triomphe final, pour Antigone elle conduit à une mort honteuse ; le « caractère raisonnable » subjectif du comportement humain conduit à un résultat objectivement tragique - une contradiction surgit entre la raison humaine et divine, dont la résolution est obtenue au prix du sacrifice de soi de l'individualité héroïque Euripide. (480 avant JC – 406 avant JC). Presque toutes les pièces survivantes d'Euripide ont été créées pendant la guerre du Péloponnèse (431-404 avant JC) entre Athènes et Sparte, qui a eu une énorme influence sur tous les aspects de la vie dans l'ancienne Hellas. Et le premier trait des tragédies d'Euripide est la modernité brûlante : motivations héroïques-patriotiques, attitude hostile envers Sparte, crise de l'ancienne démocratie esclavagiste, première crise de la conscience religieuse associée au développement rapide de la philosophie matérialiste, etc. À cet égard, l'attitude d'Euripide à l'égard de la mythologie est particulièrement révélatrice : le mythe devient pour le dramaturge uniquement un matériau permettant de refléter les événements modernes ; il se permet de modifier non seulement des détails mineurs de la mythologie classique, mais aussi de donner des interprétations rationnelles inattendues d'intrigues bien connues (par exemple, dans Iphigénie en Tauris, les sacrifices humains s'expliquent par les coutumes cruelles des barbares). Les dieux dans les œuvres d'Euripide apparaissent souvent plus cruels, insidieux et vengeurs que les hommes (Hippolyte, Hercule, etc.). C’est précisément pour cette raison que la technique du « due ex machina » (« Dieu sorti de la machine ») s’est si répandue dans la dramaturgie d’Euripide, lorsqu’à la fin de l’œuvre, Dieu surgit soudainement et rend justice en toute hâte. Dans l'interprétation d'Euripide, la providence divine ne pouvait guère se soucier consciemment du rétablissement de la justice. Cependant, la principale innovation d'Euripide, qui provoqua le rejet de la plupart de ses contemporains, fut la représentation de personnages humains. Euripide, comme le notait Aristote dans sa Poétique, a amené les gens sur scène tels qu'ils sont dans la vie. Les héros et surtout les héroïnes d'Euripide n'ont pas du tout d'intégrité, leurs personnages sont complexes et contradictoires, et les sentiments élevés, les passions, les pensées sont étroitement liés aux sentiments vils. Cela a donné aux personnages tragiques d'Euripide une polyvalence, évoquant une gamme complexe de sentiments chez le public - de l'empathie à l'horreur. Élargissant la palette des moyens théâtraux et visuels, il utilise largement le vocabulaire quotidien ; avec le chœur, le volume de ce qu'on appelle a augmenté. monodie (chant solo d'un acteur dans une tragédie). Les monodies ont été introduites dans l'usage théâtral par Sophocle, mais l'utilisation généralisée de cette technique est associée au nom d'Euripide. Le choc des positions opposées des personnages dans ce qu'on appelle. Euripide a aggravé les agons (compétitions verbales de caractères) grâce à l'utilisation de stichomythie, c'est-à-dire échange de poèmes entre les participants au dialogue.

Médée. L'image d'une personne souffrante est le trait le plus caractéristique de l'œuvre d'Euripide. L'homme lui-même contient des forces qui peuvent le plonger dans l'abîme de la souffrance. Une telle personne est notamment Médée - l'héroïne de la tragédie du même nom, mise en scène en 431. La sorcière Médée, fille du roi de Colchide, tomba amoureuse de Jason, arrivé en Colchide, et lui fournit une aide précieuse, lui apprenant à surmonter tous les obstacles et à obtenir la Toison d'Or. Elle a sacrifié sa patrie, son honneur de jeune fille et sa réputation à Jason ; la plus difficile, Médée éprouve maintenant le désir de Jason de la laisser avec deux fils après plusieurs années de vie de famille heureuse et d'épouser la fille du roi corinthien, qui ordonne également à Médée et aux enfants de quitter son pays. Une femme insultée et abandonnée concocte un plan terrible : non seulement détruire sa rivale, mais aussi tuer ses propres enfants ; de cette façon, elle pourra se venger complètement de Jason. La première moitié de ce plan se déroule sans trop de difficultés : soi-disant résignée à sa situation, Médée, par l’intermédiaire de ses enfants, envoie à l’épouse de Jason une tenue coûteuse imbibée de poison. Le cadeau a été favorablement accepté et Médée est maintenant confrontée à l'épreuve la plus difficile : elle doit tuer les enfants. La soif de vengeance se bat en elle avec ses sentiments maternels, et elle change de décision quatre fois jusqu'à ce qu'un messager apparaisse avec un message menaçant : la princesse et son père sont morts dans de terribles souffrances à cause du poison, et une foule de Corinthiens en colère se précipitent vers Médée. maison pour s'occuper d'elle et de ses enfants. Alors que les garçons sont confrontés à une mort imminente, Médée décide finalement de commettre un crime terrible. Avant que Jason ne revienne en colère et désespéré, Médée apparaît sur un char magique flottant dans les airs ; sur les genoux de la mère se trouvent les cadavres des enfants qu'elle a tués. L'atmosphère magique qui entoure la fin de la tragédie et, dans une certaine mesure, l'apparition de Médée elle-même, ne peuvent cacher le contenu profondément humain de son image. Contrairement aux héros de Sophocle, qui ne s'écartent jamais du chemin une fois choisi, Médée est représentée dans des transitions répétées de la colère furieuse aux supplications, de l'indignation à l'humilité imaginaire, dans la lutte de sentiments et de pensées contradictoires. La tragédie la plus profonde de l'image de Médée est aussi donnée par de tristes réflexions sur le sort d'une femme, dont la position dans la famille athénienne était en effet peu enviable : étant sous la surveillance vigilante d'abord de ses parents puis de son mari, elle était vouée à rester une recluse dans la moitié féminine de la maison toute sa vie. De plus, lors du mariage, personne n'interrogeait la fille sur ses sentiments : les mariages étaient conclus par des parents qui s'efforçaient de conclure un accord bénéfique pour les deux parties. Médée voit la profonde injustice de cet état de choses, qui met une femme à la merci d'un étranger, d'une personne qui ne lui est pas familière, qui n'est souvent pas encline à trop s'encombrer des liens du mariage.

Oui, entre ceux qui respirent et ceux qui pensent, Nous, les femmes, ne sommes pas plus malheureuses. Nous payons pour nos maris, et pas à moindre coût. Et si vous l'achetez, alors il est votre maître, pas un esclave... Après tout, un mari, quand il est fatigué du foyer, Du côté de l'amour son cœur est apaisé, Ils ont des amis et des pairs, mais nous devons nous regarder dans les yeux haineux. L'atmosphère quotidienne de l'Athènes contemporaine d'Euripide a également affecté l'image de Jason, qui était loin de toute idéalisation. Carriériste égoïste, étudiant des sophistes, qui sait retourner n'importe quel argument en sa faveur, soit il justifie sa trahison par des références au bien-être des enfants, auxquels son mariage devrait assurer des droits civils à Corinthe, soit il explique l'aide qu'il reçut autrefois de Médée par la toute-puissance de Cypris. L'interprétation inhabituelle de la légende mythologique et l'image intérieurement contradictoire de Médée ont été évaluées par les contemporains d'Euripide d'une manière complètement différente que par les générations suivantes de spectateurs et de lecteurs. L'esthétique ancienne de la période classique supposait que dans la lutte pour le lit conjugal, une femme offensée avait le droit de prendre les mesures les plus extrêmes contre son mari qui l'avait trompée ainsi que sa rivale. Mais la vengeance dont sont victimes ses propres enfants ne correspondait pas aux normes esthétiques qui exigeaient l’intégrité intérieure du héros tragique. Par conséquent, la célèbre « Médée » n’a fini qu’à la troisième place lors de sa première production, c’est-à-dire qu’en fait, ce fut un échec.

17. Espace géoculturel antique. Phases de développement de la civilisation antique L'élevage bovin, l'agriculture, l'extraction de métaux dans les mines, l'artisanat et le commerce se sont développés de manière intensive. L’organisation tribale patriarcale de la société se désintégrait. Les inégalités de richesse entre les familles se sont creusées. La noblesse clanique, qui avait accru sa richesse grâce au recours généralisé au travail servile, se battait pour le pouvoir. La vie publique s'est déroulée rapidement - dans des conflits sociaux, des guerres, des troubles, des bouleversements politiques. La culture ancienne, tout au long de son existence, est restée dans les bras de la mythologie. Cependant, la dynamique de la vie sociale, la complication des relations sociales et la croissance des connaissances ont miné les formes archaïques de la pensée mythologique. Ayant appris des Phéniciens l'art de l'écriture alphabétique et l'ayant amélioré en introduisant des lettres désignant les voyelles, les Grecs étaient capables d'enregistrer et d'accumuler des informations historiques, géographiques et astronomiques, de recueillir des observations sur les phénomènes naturels, les inventions techniques, les mœurs et les coutumes des gens. La nécessité de maintenir l'ordre public dans l'État exigeait le remplacement des normes de comportement tribales non écrites, inscrites dans les mythes, par des codes de lois logiquement clairs et ordonnés. La vie politique publique a stimulé le développement des compétences oratoires, la capacité de persuader les gens, contribuant ainsi à la croissance d'une culture de pensée et de parole. L’amélioration de la production et du travail artisanal, la construction urbaine et l’art militaire dépassent de plus en plus le cadre des modèles rituels et cérémoniaux consacrés par le mythe. Signes de civilisation : *séparation du travail physique et mental ; *en écrivant; *l'émergence des villes comme centres de vie culturelle et économique. Caractéristiques de la civilisation : -la présence d'un centre avec la concentration de toutes les sphères de la vie et leur affaiblissement à la périphérie (quand les citadins des petites villes sont appelés « villages ») ; -noyau ethnique (peuple) - dans la Rome antique - les Romains, dans la Grèce antique - les Hellènes (Grecs) ; -système idéologique formé (religion); -tendance à l'expansion (géographique, culturelle) des villes ; -un champ d'information unique avec langue et écriture ; -formation de relations commerciales extérieures et de zones d'influence ; -étapes de développement (croissance - pic de prospérité - déclin, mort ou transformation). Caractéristiques de la civilisation ancienne : 1) Base agricole. Triade méditerranéenne - culture de céréales, de raisins et d'olives sans irrigation artificielle. 2) Des relations de propriété privée ont émergé, la domination de la production marchande privée, orientée principalement vers le marché. 3) « polis » - « cité-état », couvrant la ville elle-même et le territoire qui lui est adjacent. Les Polis furent les premières républiques de l'histoire de l'humanité. L'ancienne forme de propriété foncière dominait dans la communauté polis, elle était utilisée par ceux qui étaient membres de la communauté civile. Dans le cadre du système politique, la thésaurisation était condamnée. Dans la plupart des politiques, l’organe suprême du pouvoir était l’Assemblée populaire. Il avait le droit de prendre les décisions finales sur les questions politiques les plus importantes. La polis représentait une coïncidence presque complète de structure politique, d’organisation militaire et de société civile. 4) Dans le domaine du développement de la culture matérielle, l'émergence de nouvelles technologies et de valeurs matérielles a été notée, l'artisanat s'est développé, des ports maritimes ont été construits et de nouvelles villes sont apparues et le transport maritime a été construit. Périodisation de la culture antique : 1) Ère homérique (XI-IX siècles avant JC) La principale forme de contrôle public est la « culture de la honte » - la réaction de condamnation immédiate du peuple à la déviation du comportement du héros par rapport à la norme. Les dieux sont considérés comme faisant partie de la nature ; l’homme, tout en adorant les dieux, peut et doit établir des relations rationnelles avec eux. L'ère homérique démontre la compétition (agon) comme norme de la créativité culturelle et pose les bases agonistiques de toute la culture européenne 2) ère archaïque (VIII-VI siècles avant JC) Le résultat d'un nouveau type de relations sociales est la loi « nomos » comme une norme juridique impersonnelle, également contraignante pour tous. Une société se forme dans laquelle chaque citoyen à part entière est propriétaire et homme politique, exprimant ses intérêts privés à travers le maintien des intérêts publics, et dans laquelle les vertus pacifiques sont mises en avant. Les dieux protègent et soutiennent un nouvel ordre social et naturel (cosmos), dans lequel les relations sont régies par les principes de compensation et de mesures cosmiques et sont soumises à une compréhension rationnelle dans divers systèmes philosophiques naturels. 3) L'époque classique (Ve siècle avant JC) – l'essor du génie grec dans tous les domaines de la culture – art, littérature, philosophie et science. A l'initiative de Périclès, le Parthénon, célèbre temple en l'honneur d'Athéna la Vierge, a été érigé au centre d'Athènes sur l'acropole. Des tragédies, des comédies et des drames satyriques étaient mis en scène dans le théâtre athénien. La victoire des Grecs sur les Perses, la conscience des avantages du droit sur l'arbitraire et le despotisme ont contribué à la formation de l'idée de​​l'homme en tant que personnalité indépendante (autarcique). Le droit acquiert le caractère d'une idée juridique rationnelle, sujette à discussion. A l'époque de Périclès, la vie sociale sert le développement personnel de l'homme. Dans le même temps, les problèmes de l'individualisme humain ont commencé à être pris en compte et le problème de l'inconscient a été révélé aux Grecs. 4) Des exemples de culture grecque de l'époque hellénistique (IVe siècle avant JC) se sont répandus dans le monde entier à la suite des campagnes agressives d'Alexandre le Grand. Mais en même temps, les anciennes politiques urbaines ont perdu leur ancienne indépendance. La Rome antique a pris le relais culturel. Les principales réalisations culturelles de Rome remontent à l'époque de l'empire, lorsque dominait le culte de la praticité, de l'État et du droit. Les principales vertus étaient la politique, la guerre, la gouvernance.

Le premier grand dramaturge grec fut Eschyle (vers 525-456 av. J.-C.). Participant à la bataille entre les Grecs et les Perses à Marathon, il a montré la défaite tragique des Grecs dans cette guerre dans le drame « Perstus ».

Eschyle se produit pour la première fois au concours des poètes tragiques en 500 avant JC. e., a remporté sa première victoire en 484 avant JC. e. Par la suite, il prit encore 12 fois la première place, et après la mort d'Eschyle (en Sicile), il fut autorisé à reprendre ses tragédies comme de nouveaux drames. En introduisant un deuxième acteur et en réduisant le rôle du chœur, Eschyle a transformé la tragédie-cantate, comme le disait Phrynichus, en une tragédie - une action dramatique basée sur un choc vital de personnalités et de leur vision du monde. L'introduction d'Eschyle dans l'Orestie, à l'instar de Sophocle, contribua à un approfondissement encore plus grand du conflit. Au total, Eschyle a écrit plus de 80 œuvres (tragédies et drames satiriques), la plupart regroupées en tétralogies cohérentes. 7 tragédies et un nombre important de fragments nous sont parvenus dans leur intégralité. Les tragédies "Perses" (472 avant JC), "Sept contre Thèbes" (467 avant JC) et la trilogie Orestie (458 avant JC), composée des tragédies "Agamemnon", sont datées de manière fiable ", " Choephori " (" Pleureurs ", " Victime au tombeau") et "Eumenides". La tragédie. Les « Suppliants » (« Suppliants ») étaient généralement attribués à la première période de l’œuvre d’Eschyle.

Après la découverte en 1952 d'un fragment de papyrus du didascalium de la trilogie « Les Danaïdes » (qui comprenait « Ceux qui prient »), la plupart des chercheurs ont tendance à le dater de 463 av. e., cependant, les caractéristiques artistiques de « Les Prières » sont plus cohérentes avec notre compréhension de l'œuvre d'Eschyle au milieu. années 70, et didascalia pourrait faire référence à une production posthume. Il n’y a pas non plus d’unanimité pour déterminer la date de « Prometheus Bound » ; Ses traits stylistiques plaident plutôt en faveur d’une datation ultérieure.

Dans ses drames, Eschyle développe le thème de la responsabilité de l'homme devant les dieux. Qu'une personne viole les plans et la volonté des dieux, ou que l'orgueil l'empêche de s'humilier devant eux, dans tous les cas, un châtiment inévitable l'attend. Les dieux immortels ne pardonnent pas les pulsions de l’homme épris de liberté. Il vous suffit de vous résigner au destin. Et l'homme a accepté le verdict inévitable du destin. Il ne s’agissait pas d’un appel à la soumission et à la passivité. C'était un appel à réaliser courageusement son destin inévitable. Les drames et tragédies d'Eschyle sont empreints d'héroïsme, et nullement d'humilité. Dans Prométhée, le dramaturge a montré une rébellion audacieuse contre Dieu : Prométhée a volé le feu aux dieux pour l'apporter aux mortels ; Zeus enchaîna Prométhée à un rocher, où un aigle lui picorait le foie chaque jour. Mais ni Zeus ni l'aigle ne peuvent vaincre la résistance de Prométhée : après tout, les hommes maîtrisaient le feu dans leur vie terrestre. L'Orestie occupe une place particulière dans l'œuvre d'Eschyle. Il s'agit d'une trilogie sur la vengeance et la rédemption : le héros homérique Agamemnon est tué par sa femme et son amant ; le fils et la fille se vengent des meurtriers. Le crime doit être puni ; les meurtriers ne peuvent échapper à leur sort inévitable.

Sophocle (496 - 406 avant JC) - dramaturge grec ancien, auteur de tragédies. Il venait de la famille d'un riche propriétaire d'un atelier d'armes à Kolone, dans la banlieue d'Athènes. A reçu une excellente formation générale et artistique. Il était proche de Périclès et de personnes de son entourage, dont Hérodote et Phidias. Il fut élu à des postes importants - gardien du trésor de la Ligue maritime athénienne (vers 444 av. J.-C.), l'un des stratèges (442). Sophocle n'avait pas de talent particulier pour le gouvernement, mais en raison de son honnêteté et de sa décence, il jouit toute sa vie d'un profond respect de la part de ses compatriotes. Sophocle a participé pour la première fois au concours des poètes tragiques en 470 avant JC. e.; a écrit plus de 120 drames, c'est-à-dire qu'il a joué plus de 30 fois avec ses tétralogies, remportant un total de 24 victoires et ne tombant jamais en dessous de la 2e place. 7 tragédies nous sont parvenues dans leur intégralité, soit environ la moitié du drame satyrique « Les Éclaireurs » et un nombre important de fragments, dont ceux sur papyrus.

Les tragédies survivantes sont classées grossièrement par ordre chronologique : « Ajax » (milieu des années 450), « Antigone » (442 avant JC), « Les Trachiniennes » (2e moitié des années 30), « Rex Œdipe » (429 - 425 avant JC). , "Electre" (420 -- 410 avant JC), "Philoctète" (409 avant JC), "Œdipe à Colone" (à titre posthume en 401 avant JC).

Sophocle pose des problèmes éternels dans ses tragédies : l'attitude envers la religion (« Électre »), le libre arbitre de l'homme et la volonté des dieux (« Œdipe le roi »), les intérêts de l'individu et de l'État (« Philoctète »). . Si pour Eschyle le ressort de l'action était le choc des forces divines qui déterminent le destin humain, Sophocle le cherche à l'intérieur d'une personne - dans les motifs de ses actions, dans le mouvement de l'esprit humain. Il accorde une attention particulière au développement psychologique des personnages de ses personnages. Sophocle ne remet pas en question l’institution divine et sa signification pour l’homme. Comme Eschyle, il souligne que tout arrive selon la volonté de Zeus, ou le destin. Mais la participation humaine à la mise en œuvre de la volonté s'exprime ici plus activement. Une personne elle-même cherche des moyens de l'accomplir. Dans les tragédies d'Euripide (vers 480-406 avant JC), apparaît une vision critique de la mythologie comme base de la religion grecque. Ils sont pleins de philippins contre les dieux, et les dieux se voient pour la plupart attribuer un rôle inconvenant : ils sont sans cœur, vengeurs, envieux, trompeurs, ils volent, commettent des parjures, ils permettent la souffrance et la mort d'innocents. Euripide ne s'intéresse pas à la structure de l'univers, mais au sort de l'homme, à sa voie morale. Parmi les œuvres d'Euripide, se distinguent particulièrement les célèbres tragédies à orientation psychologique prononcée, dues à l'intérêt du dramaturge pour la personnalité humaine avec toutes ses contradictions et ses passions (« Médée », « Electre »).

Euripide (vers 484 - 406 avant JC) - Dramaturge grec ancien. Né et a souvent vécu sur l'île de Salamine. Il se produit pour la première fois au théâtre athénien en 455 av. e., a remporté sa première victoire au concours des poètes tragiques en 441 av. e.. Plus tard, il n'a pas bénéficié de la reconnaissance de ses contemporains : de son vivant il n'a remporté la 1ère place que 4 fois, la dernière, 5ème victoire lui a été décernée à titre posthume. Après 408, Euripide s'installe en Macédoine, à la cour du roi Archelaus, où il meurt.

Euripide a écrit 92 drames ; 17 tragédies nous sont parvenues, le drame satyrique « Cyclope » et de nombreux fragments, y compris ceux sur papyrus, témoignant de l'énorme popularité d'Euripide à l'époque hellénistique. 8 des tragédies d'Euripide peuvent être datées de manière assez fiable : Alceste (438 avant JC), Médée (431 avant JC), Hippolyte (428 avant JC), les Troyennes " (415 avant JC), " Hélène " (412 avant JC), " Oreste " (408 J.-C.), "Les Bacchantes" et "Iphigénie à Aulis", livrées en 405 avant JC. e. à titre posthume. Le reste est basé sur des preuves indirectes (indices historiques, caractéristiques du style et des vers) : « Héraclide » (430 avant JC), « Andromaque » (425 - 423 avant JC), « Hécube » . (424 avant JC), « Pétitionnaires » (422 – 420 avant JC), « Hercule » (vers 420 avant JC), « Iphigénie en Tauris » « (414 avant JC), « Électre » (413 avant JC, Phéniciens » (411 - 409 avant JC) .

Dans les tragédies d'Euripide, apparaît une vision critique de la mythologie comme base de la religion grecque. Ils sont pleins de philippins contre les dieux, et les dieux se voient pour la plupart attribuer un rôle inconvenant : ils sont sans cœur, vengeurs, envieux, trompeurs, ils volent, commettent des parjures, ils permettent la souffrance et la mort des innocents. Euripide ne s'intéresse pas à la structure de l'univers, mais au sort de l'homme, à sa voie morale. Parmi les œuvres d'Euripide, se distinguent particulièrement les célèbres tragédies à orientation psychologique prononcée, dues à l'intérêt du dramaturge pour la personnalité humaine avec toutes ses contradictions et ses passions (« Médée », « Electre »).

Le poète Eschyle, qui vécut pendant les guerres gréco-perses, inventa surtout de nombreuses nouveautés pour le théâtre. Les représentations ont commencé à dépeindre non seulement des mythes, mais aussi des événements récents. Eschyle, lui-même participant à la bataille de Salamine, a présenté dans la tragédie « Les Perses » la fuite des barbares et l'humiliation du « grand roi ».

Pour relancer le théâtre, Eschyle a eu l'idée d'introduire un deuxième acteur. Même si un seul acteur a quitté la scène, il ne pouvait raconter qu'avec des mots ce qui était arrivé au dieu ou au héros qu'il incarnait. Deux acteurs, surtout s'ils représentaient des adversaires, pouvaient reproduire l'incident lui-même, présenter l'action (drame en grec). Pour que les acteurs puissent se déplacer plus librement tout en étant plus hauts que le chœur, Eschyle a cessé de les emmener sur la plate-forme ou sur un chariot et leur a fourni de hauts talons en bois ou des tabourets attachés. Eschyle a également réalisé la première décoration. Ses acteurs durent jouer plus près de la tente : ils commencèrent à peindre sa façade, lui donnant, selon la pièce, l'apparence d'un autel, d'un rocher, de la façade d'une maison avec une porte au milieu, etc. Si dans la pièce il était nécessaire de présenter à la fois des hommes et des dieux, alors les dieux entraient dans le toit plat de la tente pour paraître plus grands que les hommes.

Dans les tragédies d'Eschyle, l'intrigue était sublime ou triste. Les spectateurs ont regardé avec impatience les déesses des fantômes sanglants poursuivre le malheureux Oreste, qui a tué sa mère parce qu'elle avait traîtreusement poignardé à mort son mari Agamemnon, le père d'Orestov, alors qu'il rentrait chez lui après la prise de Troie. Ils étaient profondément inquiets en regardant le héros Prométhée, enchaîné à un rocher, un noble ami des hommes, puni par Zeus pour avoir volé le feu du ciel pour les hommes, leur apprenant à travailler et les élevant au-dessus de la dure vie des animaux.

De nombreux citoyens ont participé à des représentations théâtrales. Ce n'étaient pas des acteurs professionnels qui jouaient sur scène, mais des amateurs en constante évolution. Encore plus d'équipes étaient nécessaires pour exécuter des chorales et des danses. La pièce n'était généralement jouée qu'une seule fois. Le public a exigé quatre nouveaux drames pour chaque grande fête : trois tragédies et une pièce au contenu moqueur en conclusion. Les poètes athéniens furent donc très prolifiques. Le contemporain de Périclès, Sophocle, a écrit plus de 120 pièces de théâtre. Parmi les rares qui nous sont parvenues, il y a trois tragédies liées les unes aux autres dans leur contenu. Ils représentent les souffrances du roi Œdipe et les malheurs de ses enfants.

Le fils royal Œdipe, qui, selon ses parents, est mort, tue son père, qu'il ne connaissait pas du tout, au cours d'une querelle aléatoire. Il règne alors heureux pour toujours, jusqu'à ce qu'une grave peste s'installe parmi le peuple. Alors le diseur de bonne aventure annonce qu’il s’agit d’une punition pour le grand péché du roi. Œdipe, horrifié par ce qu'il a appris, renonce au pouvoir et s'arrache les yeux, mais des troubles hanteront sa maison : ses deux fils s'entretuent dans une dispute pour le pouvoir ; sa fille meurt parce qu'elle voulait enterrer son frère exilé assassiné. Il n’y a aucune culpabilité chez tous ces gens ; ils recherchent une meilleure manière d'agir ; ils périssent parce que leur condamnation est déjà décidée et prévue d'avance. L'idée de ce drame est qu'une personne, peu importe la façon dont elle construit sa vie, peu importe le nombre d'impulsions élevées qu'elle a, est toujours impuissante face au destin.

Dans les drames de Sophocle, l'action était diversifiée avec des scènes animées. Sa pièce « Ajax » présente le héros de la guerre de Troie, tombé dans une folie sauvage lorsque l'armure d'Achille assassiné ne lui fut pas attribuée, mais à Ulysse ; La femme d'Ajax raconte au chœur de ses camarades qu'Ajax, dans la rage et la cécité, tua un troupeau de béliers, les prenant pour Ulysse et ses guerriers ; Pendant ces paroles, les portes de la tente de scène s'ouvrent en grand : d'elles sort une plate-forme sur roues et sur elle le malheureux Ajax perdu parmi les figures des animaux qu'il a tués ; après quelques minutes, cette étape en mouvement est annulée et l'action continue.

Durant la guerre du Péloponnèse, Euripide* était répandu parmi les écrivains dramatiques. Comme d'habitude, il a choisi le contenu des mythes, mais sous l'apparence de héros, il a représenté les gens de son temps. Dans les drames d'Euripide, les malheurs et la mort d'une personne sont présentés comme des conséquences de son caractère et des erreurs qu'il a commises. Dans les conversations des personnages, diverses questions sont soulevées : le pouvoir ou la vérité triomphe dans le monde, est-il possible de croire aux dieux, etc. Ces conversations ressemblent parfois à des disputes et à des preuves dans un tribunal athénien.

*Euripide.

Euripide a proposé beaucoup de nouveautés pour le théâtre. Sa pièce commençait généralement par une grande peinture vivante. Afin de ne pas le préparer devant le public et de ne pas gâcher l'impression, ils ont commencé à disposer un rideau devant la scène, entre ses parois latérales allongées : c'est ainsi qu'il s'est avéré un espace quadrangulaire entre l'arrière-scène, le côté les murs (scènes) et le rideau. Cette place, qu'on appelle depuis la scène, était élevée au-dessus de l'orchestre ; les acteurs sortaient par la porte arrière et le chœur par les côtés de la tente ; Après avoir fait le tour de l'orchestre, le chœur entra sur les larges marches de la scène.

Dans les pièces d'Euripide, de nouveaux effets étaient préparés pour la fin : le héros s'envole dans les airs sur un cheval ailé ; la sorcière est emmenée dans les nuages ​​par des dragons, etc. Le public a l'habitude de lever les yeux à la fin de l'action. Le dénouement était généralement apporté par un dieu ou un héros éclairé surgissant du ciel. À cet effet, une machine spéciale a été inventée (notre mot machine vient du grec mehane, qui signifie soulever pour voler) : les ailes étaient déployées vers le haut, bien plus haut que la tente ; entre ces ailes, il y avait des cordes le long desquelles il était possible de déplacer le panier, où étaient assis les acteurs représentant les dieux dans les airs ; derrière les cordes, un large mur était peint du bleu du ciel ; ou bien des crochets étaient attachés aux piliers sur les bords, qui retenaient le panier avec les acteurs et se tournaient vers le milieu.

Les représentations différaient des nôtres en ce que les acteurs se couvraient le visage d'un masque, qui changeait en fonction du caractère du personnage représenté. Les rôles des femmes étaient joués par les hommes. La tragédie grecque ressemblait un peu à notre opéra : le chœur chantait plusieurs chansons ; Les personnages, en plus de la conversation ordinaire, chantaient également de la poésie.

Dans le théâtre grec, seule la scène était couverte. Le public se pressait ou s'asseyait autour de l'orchestre ouvert. Pour leur donner plus d'espace, des rebords en pierre ont été construits autour de l'orchestre, s'élevant en cercles de plus en plus larges. En bas, plus près de la scène, étaient placés les principaux personnages de la ville, les patrons, les membres du conseil et les invités d'honneur d'autres villes.

Le théâtre grec pouvait accueillir incomparablement plus de spectateurs que le nôtre : plus de 20 à 30 000 personnes. Il ne servait pas seulement aux représentations ; les gens se rassemblaient dans sa grande salle pour écouter de la musique, écouter la lecture de poésie et de discours. L'orateur (rhéteur) a choisi un sujet qui pourrait inspirer les personnes présentes, par exemple sur la lutte contre les Perses. Les auditeurs l'observèrent avec autant d'attention que dans une assemblée nationale, apprécièrent ses belles tournures de discours et le récompensèrent par une chaleureuse approbation.