Sekrety słynnych obrazów. Sekrety słynnych obrazów - czy to fałsz czy prawda?

/Kwiaty kwitną wszędzie i każdy, kto chce je zobaczyć./

– W 1961 roku obraz Henriego Matisse’a „Łódź” (Le Bateau), wystawiony w nowojorskim Museum of Modern Art, wisiał do góry nogami przez czterdzieści siedem dni. Obraz wisiał w galerii 17 października i dopiero 3 grudnia ktoś zauważył pomyłkę. W tym czasie obok obrazu przeszło około 116 000 osób.

– Henri Matisse cierpiał na depresję i bezsenność, czasami łkał przez sen i budził się z krzykiem. Któregoś dnia bez powodu nagle przestraszył się, że oślepnie. Nauczył się nawet grać na skrzypcach, żeby po utracie wzroku móc zarabiać na życie jako muzyk uliczny.

– Matisse przez wiele lat żył w biedzie. Miał około czterdziestu lat, kiedy w końcu był w stanie samodzielnie utrzymać rodzinę.

– Henri Matisse nigdy nie malował skał, domów z przezroczystego kryształu, pól uprawnych.

„Łódź” (Le Bateau) Matisse’a jeden z najbardziej intrygujących obrazów, jakie kiedykolwiek widziano na świecie.

19 lipca obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony na aukcję w domu aukcyjnym Christie’s i został zakupiony za 30 milionów dolarów, dziś kwota ta wzrośnie kilkukrotnie i wyniesie 150 milionów dolarów, stając się najdroższym obrazem artysty Artyści francuscy.

Obraz przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody. Aby nie pomylić się w sposobie zawieszenia obrazu, należy zachować mały sekret: większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg obrazu.

Nie dla każdego ten rodzaj sztuki jest zrozumiały, jednak większość zwiedzających nie zauważyła, że obraz Henriego Matisse’a („Łódź”) wisiał do góry nogami i jeśli coś podejrzewali, skromnie milczeli, prawdopodobnie w obawie, że wyjdą na ignoranta .

Tak naprawdę, jeśli przyjrzysz się uważnie obrazowi, możesz znaleźć dowody na to, że był on odwrócony do góry nogami, wystarczy się dokładnie przyjrzeć. To są znaki.

1) Chmury na zdjęciu po lewej stronie mają wyraźniejsze kontury niż na zdjęciu po prawej stronie.

2) Linia horyzontu na zdjęciu po lewej stronie wygląda bardziej naturalnie.

3) Żaglówka na zdjęciu po lewej stronie jest większa i wyraźniejsza, jej żagiel jest ustawiony prawidłowo, a na zdjęciu po prawej odbicie żaglówki ma mniejszą objętość i niewyraźne kontury. Również jego położenie jest nienaturalne.

21 czerwca 2017, 08:06

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawać by się mogło, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

Obraz Henriego Matisse’a „Łódź” został wystawiony w nowojorskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1961 roku. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystyczne dla Szyszkina.

Niewinna historia „Gothica”

Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealni jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny i tajemniczy. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Plac Czarnej Suprematyzmu”, 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych barw, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który miał kształt całkowicie czarnego prostokąta.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans Adele ze słynną artystką. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypową metodę: postanowił zamówić Klimtowi portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejszy obraz Gauguina ma jedną cechę charakterystyczną: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a gdy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, „Bretońska wioska w śniegu”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i ożywił go. Nie miał jednak możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwą przyczynę tego stanu rzeczy.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Któregoś dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję – wybrania się w twórczą podróż mającą na celu przedstawienie nagich postaci orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić nagich, orientalnych kobiet w zamknięciu.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Portret ten uznawany jest za najlepszy wizerunek ostatniego cesarza.

Kolejny dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił po sobie pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Pośrodku obrazu stoi kelner z długimi włosami i białą tuniką przypominającą szaty Chrystusa, a wokół niego znajduje się dokładnie 12 osób odwiedzających kawiarnię. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem z dwoma przyjaciółmi ścieżką – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot – patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego obrazu. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafael Santi, „Szkoła ateńska”, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje na fresku chrześcijański obraz: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

Nawet te arcydzieła malarstwa, które wydają nam się znajome, mają swoje tajemnice. Wierzymy, że niemal każde znaczące dzieło sztuki kryje w sobie tajemnicę, „podwójne dno” lub tajemniczą historię.

Muzyka na pośladkach

Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”. Powstały utwór stał się jedną z internetowych sensacji ostatnich czasów.

Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.

Naga Mona Lisa

Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Niewinna historia „Gotyku”

Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem byliby idealni jako mieszkańcy. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Przewrócona łódź

Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody. Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Henri Matisse, „Łódź”, 1937 .

Oszustwo w autoportrecie

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Prawie każde znaczące dzieło sztuki ma tajemnicę, „podwójne dno” lub sekretną historię, którą chcesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Stary rybak

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.