Kolejnym etapem rozwoju europejskiej tradycji muzycznej był renesans, czyli renesans, który trwał przez cały XIV-XVI wiek. Jest to okres znaczący dla rozwoju całej kultury europejskiej. W epoce renesansu muzyka stała się pełnoprawną formą sztuki, posiadającą własne nurty, prawa rozwoju i cechy narodowe.
Renesans rozpoczął się we Włoszech, zatem okres XIV wieku stanowił apogeum rozwoju muzyki włoskiej. W XV wieku renesans podbił Holandię, a następnie całą Europę: Francję, a po niej Anglię i Niemcy.
Organy i altówka
Od średniowiecza kultura renesansu odziedziczyła swój główny instrument muzyczny - organy. Stopniowo dodawanych jest do niego wiele innych instrumentów smyczkowych i dętych.
Organ
To właśnie w epoce renesansu pojawił się przedstawiciel rodziny smyczków z równą liczbą strun głównych i rezonansowych. Daje aksamitne brzmienie i najczęściej gra solo. Altówka praktycznie nie była używana w orkiestrze ze względu na trudności w strojeniu. To właśnie altówka jest najwyraźniej poprzedniczką skrzypiec, altówki, wiolonczeli i innych instrumentów skrzypcowych.
Altówka
Lutnia
Drugim typem instrumentu muzycznego powszechnym w okresie renesansu są instrumenty szarpane. Wśród nich na uwagę zasługuje lutnia, której nazwa pochodzi albo od polskiego słowa lutnia, albo od arabskiego alud, czyli drzewo. Lutnię charakteryzują niewielkie rozmiary, półkulisty kształt dolnej części i płaska górna część. Szyja jest dość szeroka, z głową pochyloną pod kątem prostym. Posiada dziesięć par strun i dwa sposoby wytwarzania dźwięku: za pomocą palców lub specjalnej płytki, mediatora.
Lutnia
Lutnia ma wschodnie korzenie i pojawiła się w Europie dopiero w XV wieku, szybko stając się jednym z najpopularniejszych instrumentów. Specjalnie dla niej stworzono odrębny repertuar, na który składały się nie tylko melodie instrumentalne, ale także pieśni.
Klawesyn i inne renesansowe instrumenty klawiszowe
Klawesyn
Trzecia rodzina instrumentów muzycznych, wywodząca się z okresu renesansu, opierała się na organach, których klawisze zastąpiły szerokie i niewygodne dźwignie. Po organach pojawiły się inne instrumenty, z których dźwięk wydobywa się za pomocą klawiszy. Są to klawesyn, talerz, virginel, klawikord, spinet, muzelard... Renesans dał im start w życiu, ale okres największego rozkwitu przypada na epokę baroku.
W XVI wieku Zaczęły się rozwijać różne gatunki muzyki instrumentalnej. Muzyczny akompaniament śpiewu czy tańca staje się coraz bardziej złożony i nabiera własnej melodii w przeciwieństwie do prostych akordów, które dotychczas jedynie spychały na bok akcję główną. Zaczęto dobierać instrumenty w zespole zgodnie z zasadą podziału części pomiędzy różne tempa głosów ludzkich (wysokość lub sopran, alt, tenor, bas). To wyjaśnia pojawienie się pod koniec XV wieku. całe rodziny muzyków, które potrafiły prowadzić całe „dialogi” pomiędzy głosami i instrumentami. Tym samym kwartet fletów, altówek czy piszczałek mógłby kontynuować partyturę wokalną, rozwijając i uzupełniając pierwotną melodię głosu.
Renesansowe instrumenty muzyczne
W okresie renesansu skład instrumentów muzycznych znacznie się rozszerzył; do istniejących strun i instrumentów dętych dodano nowe odmiany. Wśród nich szczególne miejsce zajmują altówki – rodzina smyczków, które zachwycają pięknem i szlachetnością brzmienia. Kształtem przypominają instrumenty współczesnej rodziny skrzypiec (skrzypce, altówkę, wiolonczelę), a nawet uważane są za ich bezpośrednich poprzedników (współistniały w praktyce muzycznej do połowy XVIII wieku). Jednak nadal istnieje różnica i to znacząca. Skrzypce posiadają system rezonujących strun; z reguły jest ich tyle samo, co głównych (sześć do siedmiu). Wibracje rezonujących strun sprawiają, że dźwięk altówki jest miękki i aksamitny, ale instrument ten jest trudny do wykorzystania w orkiestrze, ponieważ ze względu na dużą liczbę strun szybko się rozstroja. Przez długi czas brzmienie skrzypiec uważane było za wzór wyrafinowania w muzyce. Rodzina altówek dzieli się na trzy główne typy. Viola da gamba to duży instrument, który wykonawca ustawia pionowo i dociska stopami z boków (włoskie słowo gamba oznacza „kolano”). Dwie inne odmiany – viola da braccio (od włoskiego braccio – „przedramię”) i viole d'amour (francuskie viole d'amour) – „viola miłości”) ustawione były poziomo, a podczas grania były dociskane do ramienia. Viola da gamba jest zbliżona dźwiękiem do wiolonczeli, viola da braccio jest blisko skrzypiec, a viol d'amore jest blisko altówki. Wśród instrumentów szarpanych renesansu główne miejsce zajmuje lutnia (pol. lutnia, od arabskiego „alud” – „drzewo”). Do Europy przybył z Bliskiego Wschodu pod koniec XVI wieku, gdyż instrument ten miał ogromny repertuar; Przede wszystkim śpiewano pieśni przy akompaniamencie lutni. Lutnia ma krótki korpus; górna część jest płaska, a dolna przypomina półkulę. Gryf połączony jest z szeroką szyjką, rozdzieloną progami, a główka instrumentu jest wygięta do tyłu niemal pod kątem prostym. Jeśli chcesz, możesz zobaczyć podobieństwo do misy w wyglądzie lutni. Dwanaście strun pogrupowano parami, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – mediatorem. W XV-XVI wieku pojawiły się różne typy klawiatur. Główne typy takich instrumentów - klawesyn, klawikord, talerz, virginel - były aktywnie wykorzystywane w muzyce renesansu, ale ich prawdziwy rozkwit nastąpił później.
W okresie renesansu głównymi instrumentami smyczkowymi były altówki. Kształtem przypominają współczesne skrzypce, altówkę i wiolonczelę i uważane są za swoich poprzedników.
Najpopularniejszym instrumentem szarpanym w okresie renesansu była lutnia. Lutnia posiada dwanaście strun zgrupowanych parami, a dźwięk wydobywany jest zarówno palcami, jak i specjalną płytką – kostką. Lutnia służyła zarówno jako instrument solowy, jak i do akompaniamentu. Miała dla niej ogromny repertuar.
Nawet dwór papieski miał osobistego lutnistę Francesco da Milano. To on skomponował utwór na lutnię „Canzona”, który przetrwał do dziś i jest znany niemal każdemu. Canzona to pieśń bez słów. /PRZYKŁAD/
Jedną z ulubionych i popularnych melodii tamtych czasów była staroangielska piosenka „Greensleeves”. Odnotowano to w roku 1580. Tańczyła do niego królowa Anglii Elżbieta I. Wielki angielski dramaturg Szekspir wspomina o tym dwukrotnie w swojej komedii Wesołe kumoszki z Windsoru. Później skomponowano wiele wersji tekstów do tej wiecznej melodii. Obecnie ta melodia jest często wykorzystywana przy projektowaniu przedstawień opartych na sztukach Szekspira jako wizytówka ówczesnej Anglii.
Na lutnię komponowano całe cykle różnego rodzaju tańców i innych zabaw, zwane SUITES. Liczba części w pakiecie waha się od dwóch do siedmiu lub ośmiu. Te starożytne suity miały pierwotnie towarzyszyć tańcom, ale później stały się muzyką dla ucha, a nie dla stóp.
W XV-XVI wieku powstały różne typy instrumentów klawiszowych - klawesyn, klawikord, talerz, virginel.
ORGAN
Jednym z najbardziej majestatycznych instrumentów muzycznych są organy. Jest jak cała orkiestra. W średniowieczu używano go głównie w kościele. Do końca XIV w. organy posiadały już dwie lub trzy klawiatury manualne oraz specjalną klawiaturę dla stóp – klawiaturę pedałową. Organy składają się z piszczałek różnej wielkości, mechanizmu sterującego, miecha oraz wentylatora i silnika pompującego powietrze niezbędne do wytworzenia dźwięku. Liczba piszczałek w organach sięga kilku tysięcy. Każda rura wytwarza tylko jeden dźwięk o określonej wysokości, barwie i głośności. Grupę piszczałek o tej samej barwie, ale o różnych wysokościach nazywa się rejestrem.
MUZYKA ANGLII
W XVI wieku w Kościele zachodnim doszło do schizmy. Narodził się protestantyzm, wywołując wojny i powstania. Życie kulturalne Anglii w okresie renesansu było ściśle związane z reformacją. W XVI wieku w kraju rozprzestrzenił się protestantyzm. Kościół katolicki utracił pozycję dominującą, a Kościół anglikański stał się kościołem państwowym. Otwarto wydziały muzyczne na uniwersytetach w Oksfordzie i Cambridge. W szlacheckich salonach grano na instrumentach klawiszowych: przenośnym dziewicy i małych organach. Popularnością cieszyły się niewielkie kompozycje przeznaczone do odtwarzania muzyki w domu.
Czołowym kompozytorem tamtych czasów był Williama Ptaka(1543 lub 1544-1623) – twórca madrygału angielskiego. Ptak tworzył także dzieła duchowe (msze, psalmy) i muzykę instrumentalną.
Z twórczością kompozytora Henryka Purcella i (1659-1695) wiąże się z krótkim rozwojem muzyki angielskiej, która zajmowała wówczas czołową pozycję w sztuce europejskiej. Jego opera Dydona i Eneasz do dziś pozostaje arcydziełem muzyki teatralnej. Aria Dydony „Powinienem położyć się do ziemi” jest niedoścignionym przykładem arii lamentacyjnej.
PRZYKŁAD MUZYCZNY
Wybrałem ścieżkę: powinienem położyć się w ziemi i zasnąć na zawsze.
Zapomnij o mojej śmierci i losie.
Ale złóż przysięgę: zachowaj moją miłość na dnie swojej duszy,
Kochanie, kochanie, nie zapomnij o mojej miłości.
Wielki kompozytor zmarł w wieku 36 lat na nieznaną chorobę.
W ten sposób zakończył się okres narodzin i przelotnego rozkwitu opery narodowej w Anglii, a później rozpoczął się okres jej długiego kryzysu, który trwał do końca XIX wieku.
Purcell nie miał zwolenników. Jego twórczość to piękny i samotny szczyt angielskiego renesansu muzycznego.
Po śmierci Purcella w muzyce narodowej Anglii zapanowała dwustuletnia „era ciszy”. Życie muzyczne Anglii w coraz większym stopniu podlega duchowi kapitalistycznej przedsiębiorczości. Dla organizatorów koncertów i przedstawień operowych muzyka z elementu kultury duchowej stała się źródłem dochodu. Pierwsze komercyjne koncerty odbyły się w Anglii. Odbywały się one w specjalnych, dużych pomieszczeniach zwanych „Stacjami Dworcowymi”.
MUZYKA NIEMIEC
Wiek XVI to w Niemczech czas reformacji, która znacząco zmieniła życie religijne i kulturalne kraju. Założycielem ruchu reformacyjnego był Marcin Luter (1483-1546). W 1522 r. Luter przetłumaczył Nowy Testament na język niemiecki i stało się możliwe odprawianie kultu w jego ojczystym języku. Zreformował także śpiew kościelny. Melodie chorału gregoriańskiego zostały odrzucone. Ich miejsce zajął protestancki chorał. Jego źródłem są ludowe pieśni duchowe i świeckie, proste i jasne w melodii, nawet w rytmie i łatwe do zapamiętania dla większości wierzących. Luter sam skomponował melodie do niektórych chorałów. Jeden z nich: „Pan jest naszą podporą” stał się symbolem Reformacji podczas wojen religijnych XVI wieku.
Kolejna jasna karta niemieckiej muzyki renesansowej związana jest z twórczością Meistersingera (niemieckiego Meistersingera - „mistrza śpiewaka”) - poetów-śpiewaków spośród rzemieślników.
Wybitny mistrz śpiewaka XVI wieku. Hansa Sachsa(1494-1576) w młodości opuścił dom rodzinny i udał się w podróż po Niemczech. Podczas swoich podróży młody człowiek uczył się rzemiosła szewskiego, ale co najważniejsze, zetknął się ze sztuką ludową. Sax był dobrze wykształcony i bardzo dobrze znał literaturę starożytną i średniowieczną. Komponował pieśni zarówno duchowe, jak i świeckie (w sumie około sześciu tysięcy pieśni).
W kulturze muzycznej renesansu można wyróżnić kilka charakterystycznych cech innowacyjnych.
Po pierwsze, szybki rozwój sztuki świeckiej, wyrażający się w powszechnym upowszechnieniu wielu świeckich gatunków pieśni i tańca. To są Włosifrottola („pieśni ludowe, z słowa frottola - tłum), Villanelles („pieśni wiejskie”),Caccia , canzone (dosłownie - pieśni) i madrygały, hiszpańskieVillancico (z willi - wsi), pieśni francuskie, pieśni niemieckieKłamał , Język angielski ballady i inni. Wszystkie te gatunki, sławiące radość istnienia, zainteresowane wewnętrznym światem człowieka, dążące do prawdy życia, bezpośrednio odzwierciedlały światopogląd czysto renesansowy. Ich środki wyrazu charakteryzują się zazwyczaj szerokim wykorzystaniem intonacji i rytmów muzyki ludowej.
Kulminacja linii świeckiej w sztuce renesansu -madrygał . Nazwa gatunku oznacza „piosenkę w języku ojczystym (czyli włoskim)”. Podkreśla różnicę pomiędzy madrygałem a muzyką sakralną wykonywaną w języku łacińskim. Rozwój gatunku przeszedł od prostej jednogłosowej pieśni pasterskiej do 5-6-głosowego utworu wokalno-instrumentalnego z wyrafinowanym tekstem lirycznym. Do poetów, którzy zwrócili się w stronę gatunku madrygałowego, zaliczają się Petrarka, Boccaccio, Tasso. Wybitnymi mistrzami madrygału byli kompozytorzy A. Willart, J. Arkadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, C. Monteverdi. Pochodzący z Włoch madrygał szybko rozprzestrzenił się na inne kraje Europy Zachodniej.
Francuska odmiana pieśni polifonicznej nazywa siępieśń . Od madrygału odróżnia go większa bliskość realnego, codziennego życia, czyli gatunkowy charakter. Wśród twórców chanson -Klemens Jeannequin , jeden z najsłynniejszych francuskich kompozytorów renesansu.
Po drugie, najwyższy rozkwit polifonii chóralnej, która stała się wiodącym stylem muzycznym epoki. Majestatyczny i donośny, doskonale wpisywał się w powagę nabożeństwa kościelnego. Jednocześnie polifonia polifoniczna była dominującą formą wyrazu nie tylko w gatunkach duchowych, ale także świeckich.
Rozwój polifonii chóralnej wiązał się przede wszystkim z twórczością kompozytorów szkoły holenderskiej (francusko-flamandzkiej): Guillaume Dufaya, Johannesa Ockeghema, Jacoba Obrechta, Josquina Despresa, Orlando Lasso.
Orlando Lasso (ok. 1532-1594) działał w wielu krajach Europy. Jego talent, naprawdę fenomenalny, urzekał i zachwycał wszystkich. W ogromnej twórczości Orlando Lasso (z przewagą muzyki świeckiej nad sakralną) reprezentowane są wszystkie gatunki muzyczne renesansu. Do jego najpopularniejszych utworów należy „Echo” napisane w gatunku włoskiej piosenki codziennej. Utwór opiera się na barwnym zestawieniu dwóch chórów, tworząc efekt echa. Jej tekst należy do samego kompozytora.
Wraz z Orlando Lasso największym przedstawicielem wysokiego renesansu w muzyce był WłochPalestrina (pełne imię i nazwisko Giovanni Pierluigi da Palestrina, ok. 1525-1594). Większą część życia Palestriny spędził w Rzymie, gdzie był stale związany z pracą w kościele, w szczególności kierował kaplicą katedry św. Petra. Większość jego muzyki to dzieła sakralne, przede wszystkim msze (jest ich ponad setka, wśród których wyróżnia się słynna „Msza papieża Marcella”) i motety. Jednak Palestrina chętnie komponował także muzykę świecką – madrygały, canzonetty. Utwory Palestriny na chór a sarrelastał się klasycznym przykładem renesansowej polifonii.
Twórczość kompozytorów polifonicznych odegrała wiodącą rolę w rozwoju głównego gatunku muzyki renesansu -szerokie rzesze . Pochodzący ze średniowiecza gatunek mszy wXIV- XVIwieków ulega szybkim przekształceniom, odchodząc od próbek prezentowanych w oddzielnych, odmiennych częściach do dzieł o harmonijnej formie cyklicznej.
W zależności od kalendarza kościelnego niektóre fragmenty muzyki mszalnej zostały pominięte, a inne dodane. Istnieje pięć obowiązkowych części, które są stale obecne w nabożeństwach. WI I V - « Kyrieeleison» („Panie, zmiłuj się”) i« AgnusaDei» (« Baranku Boży”) – wyrażono prośbę o przebaczenie i ułaskawienie. WII I IV - « Gloria„(„Chwała”) i „ Sanktuarium» (« Święty") - uwielbienie i wdzięczność. W centralnej części „Kredo» (« Wierzę”), przedstawiają podstawowe założenia doktryny chrześcijańskiej.
Po trzecie, rosnąca rola muzyki instrumentalnej (z wyraźną przewagą gatunków wokalnych). Jeśli europejskie średniowiecze nie znało prawie żadnego profesjonalnego instrumentalizmu, to w okresie renesansu powstało wiele dzieł na lutnię (najpopularniejszy instrument muzyczny tamtych czasów), organy, wiolę, wihuelę, flety dziewicze i podłużne. Nadal kierują się wzorcami wokalnymi, jednak ich zainteresowanie grą na instrumentach zostało już określone.
Po czwarte, w okresie renesansu aktywnie formowały się narodowe szkoły muzyczne (holenderscy polifoniści, angielscy wirginiści, hiszpańscy wihueliści i inni), których twórczość opierała się na folklorze swojego kraju.
Wreszcie teoria muzyki poczyniła ogromne postępy, wysuwając szereg niezwykłych teoretyków. To jest francuskiPhilippe’a de Vitry’ego , autor traktatu „ Arsnowa» (« Nowa sztuka”, gdzie podane jest teoretyczne uzasadnienie nowego stylu polifonicznego); WłoskiJózeffo Zarlino , jeden z twórców nauki o harmonii; szwajcarskiGlareana , twórca doktryny melodii.
Historyk Jules Michelet po raz pierwszy użył pojęcia „renesans” w XIX wieku. Omawiani w artykule muzycy i kompozytorzy należeli do okresu, który rozpoczął się w XIV wieku, kiedy średniowieczna dominacja kościoła została zastąpiona przez kulturę świecką, skupiającą się na osobie ludzkiej.
Muzyka renesansowa
Kraje europejskie w różnym czasie wkroczyły w nową erę. Powstały nieco wcześniej we Włoszech, jednak w kulturze muzycznej dominowała szkoła holenderska, gdzie po raz pierwszy przy katedrach utworzono specjalne metryzy (schroniska), kształcące przyszłych kompozytorów. Główne gatunki tamtych czasów przedstawiono w tabeli:
Najważniejszymi artystami renesansu w Holandii są Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.
Wielcy Holendrzy
Johannesa Ockeghema Kształcił się w klasztorze Notre-Dame (Antwerpia), a w latach 40. XV w. został śpiewakiem kaplicznym na dworze księcia Karola I (Francja). Następnie kierował kaplicą dworu królewskiego. Dożywając sędziwego wieku, pozostawił po sobie wielką spuściznę we wszystkich gatunkach, ugruntowując swoją pozycję wybitnego polifonisty. Dotarły do nas rękopisy jego 13 mszy zwane kodeksem Chigi, z których jedna jest napisana 8 głosami. Używał nie tylko melodii innych ludzi, ale także własnych.
Orlando Lasso urodzony na terenie współczesnej Belgii (Mons) w 1532 r. Jego zdolności muzyczne ujawniły się już we wczesnym dzieciństwie. Chłopiec był trzykrotnie porywany z domu, aby zostać wielkim muzykiem. Całe dorosłe życie spędził w Bawarii, gdzie występował jako tenor na dworze księcia Albrechta V, a następnie kierował kaplicą. Jego wysoce profesjonalny zespół przyczynił się do przekształcenia Monachium w muzyczne centrum Europy, które odwiedzało wielu znanych kompozytorów renesansu.
Na studia u niego przyjeżdżały takie talenty jak Johann Eckard, Leonard Lechner, Włoch D. Gabrieli . Ostatnie schronienie znalazł w 1594 r. na terenie kościoła monachijskiego, pozostawiając po sobie ogromne dziedzictwo: ponad 750 motetów, 60 mszy i setki pieśni, wśród których najpopularniejszą była Susanne un jour. Jego motety („Przepowiednie Sybilli”) wyróżniały się innowacyjnością, ale znany jest także z muzyki świeckiej, w której było sporo humoru (villanella O bella fusa).
Szkoła włoska
Wybitni kompozytorzy renesansu z Włoch, oprócz tradycyjnych stylów, aktywnie rozwijali muzykę instrumentalną (organy, instrumenty smyczkowe, clavier). Najpopularniejszym instrumentem była lutnia, a pod koniec XV wieku pojawił się klawesyn, poprzednik fortepianu. W oparciu o elementy muzyki ludowej rozwinęły się dwie wpływowe szkoły kompozytorskie: rzymska (Giovanni Palestrina) i wenecka (Andrea Gabrieli).
Giovanniego Pierluigiego przyjął imię Palestrina od nazwy miasta pod Rzymem, w którym się urodził i służył w kościele głównym jako chórmistrz i organista. Data jego urodzin jest bardzo przybliżona, ale zmarł w 1594 roku. W ciągu swojego długiego życia napisał około 100 mszy i 200 motetów. Jego „Msza papieża Marcellusa” wzbudziła podziw papieża Piusa IV i stała się przykładem katolickiej muzyki sakralnej. Giovanni to najwybitniejszy przedstawiciel śpiewu wokalnego bez akompaniamentu muzycznego.
Andrei Gabrieli Wraz ze swoim uczniem i siostrzeńcem Giovannim pracował w kaplicy św. Marka (XVI w.), „barwiąc” śpiew chóru dźwiękiem organów i innych instrumentów. Szkoła wenecka skłaniała się bardziej w stronę muzyki świeckiej, a podczas inscenizacji Edypa Sofoklesa na scenie teatralnej przez Andreę Gabrieliego powstała muzyka chóralna, będąca przykładem polifonii chóralnej i zwiastunem przyszłej sztuki operowej.
Cechy szkoły niemieckiej
Państwo niemieckie zaproponowało Ludwig Senfl, najlepszego polifonisty XVI wieku, który jednak nie dorósł do poziomu mistrzów holenderskich. Szczególną muzyką renesansu są także pieśni poetów-śpiewaków wywodzących się z rzemieślników (Meistersingers). Niemieccy kompozytorzy reprezentowali śpiewające korporacje: blacharzy, szewców, tkaczy. Zjednoczyli się terytorialnie. Wybitnym przedstawicielem szkoły śpiewu norymberskiego był Hansa Sachsa(lata życia: 1494-1576).
Urodzony w rodzinie krawieckiej, przez całe życie pracował jako szewc, imponując swoją erudycją oraz zainteresowaniami muzyczno-literackimi. Czytał Biblię w interpretacji wielkiego reformatora Lutra, znał starożytnych poetów i cenił Boccaccia. Będąc muzykiem ludowym, Sax nie opanował form polifonicznych, lecz tworzył melodie o charakterze pieśniowym. Były bliskie tańcu, łatwe do zapamiętania i miały określony rytm. Najbardziej znanym dziełem był „Srebrny śpiew”.
Renesans: muzycy i kompozytorzy Francji
Kultura muzyczna Francji przeżyła prawdziwy renesans dopiero w XVI wieku, kiedy w kraju przygotowano grunt społeczny.
Jednym z najlepszych przedstawicieli jest Klemens Janequin. Wiadomo, że urodził się w Chatellerault (koniec XV w.) i od chłopięcego śpiewaka stał się osobistym kompozytorem króla. Z jego twórczego dziedzictwa przetrwały jedynie pieśni świeckie opublikowane przez Attenian. Jest ich 260, ale prawdziwą sławę zdobywają te, które przetrwały próbę czasu: „Ptasi śpiew”, „Polowanie”, „Skowronek”, „Wojna”, „Krzyki Paryża”. Były one stale ponownie publikowane i wykorzystywane przez innych autorów do rewizji.
Jego pieśni były polifoniczne i przypominały sceny chóralne, w których oprócz onomatopei i wokalu kantylenowego pojawiały się okrzyki odpowiedzialne za dynamikę dzieła. Była to odważna próba znalezienia nowych technik obrazowania.
Do znanych kompozytorów francuskich należą Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , nadanie muzyce harmonijnej struktury, co przyczyniło się do asymilacji muzyki przez ogół społeczeństwa.
Kompozytorzy renesansu: Anglia
Wpływ na XV wiek w Anglii miały dzieła: Johna Dubstyle’a i XVI - Williama Ptaka. Obaj mistrzowie skłaniali się ku muzyce sakralnej. Bird zaczynał jako organista w katedrze w Lincoln, a zakończył karierę w Chapel Royal w Londynie. Po raz pierwszy udało mu się połączyć muzykę i przedsiębiorczość. W 1575 roku kompozytor we współpracy z Tallisem stał się monopolistą w wydawaniu dzieł muzycznych, co nie przynosiło mu żadnych zysków. Ale obrona mojego prawa do własności w sądach zajęła dużo czasu. Po jego śmierci (1623) w oficjalnych dokumentach kaplicy nazywany był „twórcą muzyki”.
Co pozostawił po sobie renesans? Ptak, oprócz opublikowanych zbiorów (Cantiones Sacrae, Gradualia), zachował wiele rękopisów, uznając je za nadające się jedynie do kultu domowego. Opublikowane później madrygały (Musica Transalpina) ukazały wielki wpływ autorów włoskich, ale kilka mszy i motetów znalazło się w złotym funduszu muzyki sakralnej.
Hiszpania: Cristobal de Morales
Przez Watykan przejeżdżali najlepsi przedstawiciele hiszpańskiej szkoły muzycznej, występując w kaplicy papieskiej. Czuli wpływ autorów holenderskich i włoskich, dlatego tylko nielicznym udało się zasłynąć poza granicami swojego kraju. Kompozytorzy renesansu z Hiszpanii byli polifonistami, którzy tworzyli dzieła chóralne. Najwybitniejszym przedstawicielem jest Cristobala de Moralesa(XVI wiek), który stał na czele metrizy w Toledo i kształcił więcej niż jednego ucznia. Naśladowca Josquina Despresa, Cristobal wprowadził do szeregu dzieł specjalną technikę, zwaną homofonią.
Największą sławę zdobyły dwa requiem autora (ostatnie pięciogłosowe) oraz msza „Uzbrojony”. Pisał także dzieła świeckie (kantata na cześć zawarcia traktatu pokojowego w 1538 r.), ale odnosi się to do jego wcześniejszych dzieł. Kierując do końca życia kaplicą w Maladze, pozostał twórcą muzyki sakralnej.
Zamiast wniosków
Kompozytorzy renesansu swoimi dziełami przygotowali rozkwit muzyki instrumentalnej XVII wieku i pojawienie się nowego gatunku – opery, w której zawiłość wielu głosów zostaje zastąpiona prymatem jednego prowadzącego główną melodię. Dokonali prawdziwego przełomu w rozwoju kultury muzycznej i położyli podwaliny pod sztukę współczesną.