Późne odrodzenie. Obraz wenecki „Pokutująca Maria Magdalena”

Aby obejrzeć prezentację ze zdjęciami, projektami i slajdami, pobierz jego plik i otwórz go w programie PowerPoint w Twoim komputerze.
Treść tekstowa slajdów prezentacji: Wenecka Szkoła MalarstwaNauczyciel MKOU Bondarevskaya Liceum Ponomareva Natalya Nikolaevna Giovanni BelliniGiovanni Bellini (około 1430–1516), drugi syn Jacopo Belliniego, jest największym artystą szkoły weneckiej, który położył podwaliny pod sztukę wysokiego renesansu w Wenecji . Portret doży Leonarda Loredana ]Portret doży Leonarda Loredana został oficjalnie zamówiony przez Belliniego jako artystę Republiki Weneckiej. W tej pracy doża ukazany jest niemal frontalnie – wbrew dotychczasowej tradycji przedstawiania twarzy osób portretowanych z profilu, m.in. na medalach i monetach. Ołtarz św. Hioba U stóp wysokiego tronu, na którym uroczyście zasiada Madonna z Dzieciątkiem, błogosławiąc przybyłych, aby oddać jej pokłon, znajdują się aniołowie grający muzykę (za jednego z patronów muzyki uważano św. Hioba). Figury są wykonane w naturalnej wielkości. Bellini umieścił po bokach tronu Maryi dwóch nagich świętych, Giobbe i Sebastiana, obok nich święci Jan Chrzciciel, Dominik i Ludwik z Tuluzy. Architektura i wystrój absydy pokrytej złotą smaltą nawiązują do katedry San Marco. Na złotym tle wyraźnie czytelne są słowa: „Ave, czysty kwiecie dziewiczej czystości”. Giorgione. Giorgione „Autoportret” (1500-1510) Kolejny przedstawiciel szkoły malarstwa weneckiego; jeden z największych mistrzów wysokiego renesansu. Jego pełne imię i nazwisko to Giorgio Barbarelli da Castelfranco, od nazwy małego miasteczka niedaleko Wenecji. Był uczniem Giovanniego Belliniego. Był pierwszym z włoskich malarzy, który wprowadził do malarstwa religijnego, mitologicznego i historycznego pejzaż, piękną i poetycką Judytę”, żydowska wdowa, która uratowała swoje rodzinne miasto przed najazdem asyryjskim. Po oblężeniu jej rodzinnego miasta przez wojska asyryjskie przebrała się i poszła. do obozu wroga, gdzie zwróciła na siebie uwagę dowódcy. Kiedy się upił i zasnął, odcięła mu głowę i przyniosła ją do rodzinnego miasta, które w ten sposób ocaliła Śpiąca Wenus. W tym dziele z wielkim humanizmem objawił się ideał jedności fizycznego i duchowego piękna człowieka kompletność i niemal starożytna przejrzystość. Zaskakująco czysta, mimo swojej nagości, „Śpiąca Wenus” jest w pełnym tego słowa znaczeniu alegorią, symbolicznym obrazem Natury. Burza. Główną postacią na tym zdjęciu jest burza. Artysta poświęcił tło blaskowi strzały w kształcie błyskawicy, która błysnęła w powietrzu jak wąż. Zaraz po prawej i lewej stronie na pierwszym planie znajdują się postacie kobiece i męskie. Kobieta karmi dziecko. Ona prawie nie ma na sobie ubrania. Obraz jest pełen różnorodności. Dzika przyroda daje się we znaki wszędzie http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-dzhordzhone-g Tycjan Tycjan „Autoportret” (około 1567 r.) Tycjan Vecellio to włoski malarz renesansu. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat był znany jako najlepszy malarz Wenecji Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i przywódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego urodzin nie jest znana. W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie spotkał się z przedstawicielami szkoły weneckiej i uczył się u nich. Pierwszym dziełem Tycjana, zrealizowanym wspólnie z Giorgione, były freski w Fondaco dei Tedeschi, z których zachowały się jedynie fragmenty. Miłość ziemska i niebiańska Fabuła obrazu do dziś budzi kontrowersje wśród krytyków sztuki. Według XIX-wiecznego wiedeńskiego historyka sztuki Franza Wickhoffa scena przedstawia spotkanie Wenus z Medeą, którą bogini namawia, by pomogła Jazonowi. Według innej wersji fabuła zapożyczona jest z popularnej wówczas książki Francesco Colonny „Hypnerotomachia Poliphila”. Na tle krajobrazu zachodzącego słońca bogato ubrana Wenecjanka siedzi u źródła, trzymając lewą mandolinę. rękę i nagą Wenus trzymającą misę ognia. Według S. Zuffiego ubrana dziewczyna uosabia miłość w małżeństwie; Kolor jej sukni (biały), paska, rękawiczek na dłoniach, mirtowego wieńca na głowie, rozwianych włosów i róż wskazuje na małżeństwo. W tle para królików - życzenie dużego potomstwa. To nie jest portret Laury Bagarotto, ale alegoria szczęśliwego małżeństwa.// Bachus i Ariadna Ariadna, porzucona przez Tezeusza na wyspie Naxos, przybyła pocieszyć Bachusa. Tycjan przedstawia moment pierwszego spotkania bohaterów. Bachus wraz ze swą liczną świtą wyłania się z leśnej gęstwiny i rzuca się w stronę przestraszonej go Ariadny. W tej złożonej kompozycyjnie scenie wszystkie postacie i ich działania są wyjaśnione przez starożytne teksty. Orszak Bachusa odprawia swoje rytuały: jeden satyr demonstruje, jak oplatają go węże, inny macha nogą cielęcą, a mały satyr ciągnie za sobą głowę zwierzęcia. Pokutująca Maria MagdalenaTiziano Vecellio swoje dzieło „Pokutująca Maria Magdalena” napisał na zamówienie w latach 60. XVI wieku. Modelką obrazu była Julia Festina, która zadziwiła artystę burzą złocistych włosów. Gotowe płótno zrobiło na księciu Gonzagi ogromne wrażenie, dlatego zdecydował się zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozę kobiety, napisał jeszcze kilka podobnych prac. Święty Sebastian „Święty Sebastian” to jedno z najlepszych dzieł malarza. Sebastian Tycjana to dumny chrześcijański męczennik, który według legendy został zastrzelony z łuku na rozkaz cesarza Dioklecjana za odmowę oddawania czci pogańskim bożkom. Potężne ciało Sebastiana jest ucieleśnieniem siły i buntu; jego spojrzenie nie wyraża fizycznej udręki, ale dumne wyzwanie rzucone jego dręczycielom. Tycjan uzyskał niepowtarzalny efekt połyskującego koloru nie tylko za pomocą palety barw, ale także faktury farb, reliefu pociągnięć „Oto człowiek”. Obraz ten uznawany jest za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na ewangelicznej fabule, jednak artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia w rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „oto człowiek” zdradza Chrystusa, aby został rozszarpany przez tłum, do którego zaliczają się wojownicy i młodzi mężczyźni ze szlacheckiego rodu, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi. I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje – młody mężczyzna w lewym dolnym rogu zdjęcia. Ale jest on niczym w obliczu tych, którzy w tej chwili mają władzę nad Chrystusem...1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum, Wiedeń Tintoretto (1518/19-1594) Tintoretto „Autoportret” Jego prawdziwe imię to Jacopo Robusti. Był malarzem szkoły weneckiej późnego renesansu. Urodził się w Wenecji i z zawodu otrzymał przydomek Tintoretto (mały farbiarz) od swojego ojca, który był farbiarzem (tintore). Wcześnie odkrył swoje zdolności do malowania. Przez pewien czas był uczniem Tycjana. Cechami charakterystycznymi jego twórczości była żywa dramaturgia kompozycji, śmiałość rysunku, osobliwa malowniczość w rozkładzie światła i cienia, ciepło i siła kolorów. Ostatnia wieczerza Obraz został namalowany specjalnie dla weneckiego kościoła San Giorgio Maggiore, gdzie znajduje się do dziś. Odważna kompozycja obrazu pozwoliła umiejętnie oddać szczegóły ziemskie i boskie. Tematem płótna jest ewangeliczny moment, w którym Chrystus łamie chleb i wypowiada słowa: „To jest Ciało Moje”. Akcja rozgrywa się w biednej tawernie, jej przestrzeń tonie w półmroku i wydaje się nieograniczona dzięki długiemu stołowi. Paolo Veronese Aolo Veronese urodził się w 1528 roku w Weronie. Był piątym synem w rodzinie. Studiował u wujka, weneckiego artysty Badile’a, pracował w Weronie i Mantui. W 1553 roku Veronese zajmował się dekoracją Pałacu Dożów. W wieku 27 lat został wezwany do Wenecji, aby ozdobić zakrystię kościoła Stasenko. W 1560 roku Veronese odwiedził Rzym, gdzie namalował świętą Weronikę we wsi Maser niedaleko Vicenzy. W 1566 roku poślubił córkę swojego nauczyciela Antonio Badile. W 1573 r. Veronese został oskarżony przez Inkwizycję, ale udało mu się uniewinnić i zmuszony był jedynie poprawić i wykluczyć niektóre postacie z jednego ze swoich obrazów „Opłakiwanie Chrystusa”. Uczynił kompozycję lakoniczną i prostą, co wzmocniło wyrazistość całej trójki tworzące go postacie: zmarły Chrystus, pochylająca się nad nim Dziewica Maryja i anioł. Subtelne, stonowane kolory łączą się w piękną gamę zielonkawych, liliowo-wiśniowych, szaro-białych odcieni, delikatnie mieniących się w świetle i zdających się blaknąć w cieniu, pomiędzy którymi Veronese namalował Opłakiwanie dla kościoła San Giovanni e Paolo w Wenecji 1576 i 1582. W pierwszej połowie XVII wieku kupił go król angielski Karol I. Następnie znajdujący się w kościele obraz zastąpiono kopią dzieła Alessandro Varotari (Padovanino).

SZKOŁA MALARSTWA W WENECJI

Nauczyciel: Kaygorodova Natalya Evgenievna

Co oznacza „Szkoła Wenecka”?

Wenecja była jednym z czołowych ośrodków kultury włoskiej. Uważana jest za jedną z głównych włoskich szkół malarskich. Okres rozkwitu szkoły weneckiej przypada na XV-XVI wiek. „Perła Adriatyku” – niezwykle malownicze miasto z kanałami i marmurowymi pałacami, rozłożone na 119 wyspach wśród wód Zatoki Weneckiej – było stolicą potężnej republiki handlowej. Stało się to podstawą dobrobytu i wpływów politycznych Wenecji, która obejmowała w swoich posiadłościach część północnych Włoch, wybrzeże Adriatyku na Półwyspie Bałkańskim i terytoria zamorskie. Był to jeden z wiodących ośrodków kultury włoskiej, drukarstwa książek i edukacji humanistycznej.

Zasady artystyczne

W Wenecji pracowało wielu włoskich artystów, których łączyły wspólne zasady artystyczne.

Te zasady: jasne techniki kolorystyczne

mistrzostwo plastycznego malarstwa olejnego

umiejętność dostrzegania afirmującego życie znaczenia natury i samego życia w jego najwspanialszych przejawach.

Wenecjan charakteryzowało zamiłowanie do wszystkiego, co niepowtarzalne, emocjonalne bogactwo percepcji i podziw dla fizycznej, materialnej różnorodności świata. W czasach, gdy podzielone Włochy były rozdzierane konfliktami, Wenecja rozkwitała i spokojnie płynęła po gładkiej powierzchni wód i przestrzeni życiowej, jakby nie zauważając złożoności istnienia lub nie myśląc o niej zbytnio, w przeciwieństwie do Wysokiego Renesansu, którego twórczość był karmiony myślami i złożonymi zadaniami.

Wenecja dała światu tak wspaniałych mistrzów jak Giovanni Bellini i Carpaccio, Giorgione i Tycjan, Veronese i Tintoretto... Ich twórczość wzbogaciła sztukę europejską o tak znaczące odkrycia artystyczne, że późniejsi artyści od Rubensa i Velazqueza po Surikowa nieustannie zwracali się ku weneckiemu malarstwu renesansu .

Giovanniego Belliniego. „Święta Alegoria”. Olej. 1490.

Wenecja kojarzy się z największym rozkwitem we Włoszech takich czysto świeckich gatunków jak portret, malarstwo historyczne i mitologiczne, pejzaż, scena wiejska .

Portret młodego rycerza na tle krajobrazu. 1510. Madryt, Muzeum Thyssen-Bornemisza

Paolo Veronese

Najważniejszym odkryciem Wenecjan były opracowane przez nich zasady kolorystyczne i obrazowe. Wśród innych artystów włoskich było wielu znakomitych kolorystów, obdarzonych wyczuciem piękna koloru i harmonijnej harmonii barw.

Podstawą języka wizualnego pozostał jednak rysunek i światłocień, które wyraźnie i całkowicie modelowały formę. Kolor rozumiany był raczej jako zewnętrzna powłoka formy, nie bez powodu artyści, stosując kolorowe kreski, stopili je w idealnie płaską, emaliowaną powierzchnię. Styl ten pokochali także artyści holenderscy, którzy jako pierwsi opanowali technikę malarstwa olejnego.

Jacoba Belliniego

Cechy malarstwa weneckiego ewoluowały na długiej, niemal półtorawiecznej drodze rozwoju. Założycielem renesansowej szkoły malarstwa w Wenecji był Jacoba Belliniego, pierwszy z Wenecjan, który sięgnął po osiągnięcia najbardziej zaawansowanej wówczas szkoły florenckiej, studia starożytność i zasady perspektywy linearnej .

Zasadniczą część jego spuścizny stanowią dwa albumy rysunków z opracowaniami kompozycji złożonych scen wielopostaciowych o tematyce religijnej. Na tych rysunkach, przeznaczonych do pracowni artysty, widoczne są już charakterystyczne cechy szkoły weneckiej. Przepojone są duchem felietonów plotkarskich, zainteresowane nie tylko legendarnym wydarzeniem, ale także realnym środowiskiem.

Horoskop

Gentle Belliniego

Następcą dzieła Jacopo był jego najstarszy syn Gentile Bellini, największy mistrz malarstwa historycznego w Wenecji XV wieku. Na jego monumentalnych płótnach Wenecja ukazuje się nam w całej okazałości swego przedziwnie malowniczego wyglądu, w momentach festiwali i uroczystych ceremonii, z zatłoczonymi wspaniałymi procesjami i pstrokatą rzeszą widzów stłoczonych na wąskich nasypach kanałów i garbatych mostach.

Portret sułtana Mehmeda II. (1480, olej na płótnie).

Historyczne kompozycje Gentile'a Belliniego wywarły wpływ na twórczość jego młodszego brata Vittore Carpaccio, który stworzył kilka cykli monumentalnych obrazów dla bractw weneckich - Scuol. Najbardziej niezwykłe z nich to „Historia św. Urszuli” oraz „Scena z życia świętych Hieronima, Jerzego i Tyfona”.

Gentile Bellini – Procesja w kościele św. Plac Marka (Galleria del...

Sen o Św. Urszula. 1495.

Galerii Akademii. Wenecja

Tycjan (1488/1490-1576)

Tycjan Vecellio to włoski malarz renesansowy. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat był znany jako najlepszy malarz w Wenecji. Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i przywódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego urodzin nie jest znana.

Tycjan „Autoportret” (ok. 1567 r.)

W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie spotkał się z przedstawicielami szkoły weneckiej i uczył się u nich.

Styl Tycjana z tamtych czasów był bardzo podobny do stylu Giorgione; wykonywał dla niego nawet niedokończone obrazy (Giorgione zmarł młodo z powodu szalejącej wówczas w Wenecji zarazy).

Słynne obrazy tamtych czasów: „Madonna cygańska” (około 1511 r.), „Miłość ziemska i miłość niebiańska” (1514), „Kobieta z lustrem”

„Cygańska Madonna”

Tycjan namalował wiele portretów kobiecych i wizerunków Madonn. Są pełne witalności, jasności uczuć i spokojnej radości. Farby są czyste i pełne kolorów.

Tycjanowski. „Portret córki Lavinii”. Olej. Późne lata pięćdziesiąte XVI w.

Tycjan „Miłość ziemska i niebiańska”. Olej na płótnie, 118x279 cm, Galeria Boghese, Rzym

Obraz ten został zamówiony przez Niccolò Aurelio, Sekretarza Rady Dziesięciu Republiki Weneckiej, jako prezent ślubny dla jego narzeczonej. Nowoczesna nazwa obrazu zaczęła być używana 200 lat później, a wcześniej miała inne nazwy. Krytycy sztuki nie mają jednomyślnej opinii na temat fabuły. Na tle zachodzącego słońca u źródła siedzą bogato ubrana Wenecjanka, trzymająca w lewej ręce mandolinę, oraz naga Wenus trzymająca misę ognia. Skrzydlaty amorek bawi się wodą. Wszystko na tym obrazie podporządkowane jest poczuciu zwycięskiej miłości i piękna.

Styl Tycjana rozwijał się stopniowo w miarę studiowania dzieł wielkich mistrzów renesansu Rafaela i Michała Anioła. Jego sztuka portretowa osiągnęła swój szczyt: był bardzo przenikliwy, potrafił dostrzec i przedstawić sprzeczne cechy ludzkich charakterów: pewność siebie, dumę i godność, połączone z podejrzliwością, hipokryzją i oszustwem. Wiedział jak znaleźć odpowiednie rozwiązanie kompozycyjne, pozę, wyraz twarzy, ruch, gest. Stworzył wiele obrazów o tematyce biblijnej.

Penitent Maria Magdalena .

Tycjan „Oto człowiek” (1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Obraz ten uważany jest za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na ewangelicznej fabule, jednak artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia w rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „oto człowiek” zdradza Chrystusa, aby został rozszarpany przez tłum, do którego zaliczają się wojownicy i młodzi mężczyźni ze szlacheckiego rodu, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi. I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje – młody mężczyzna w lewym dolnym rogu zdjęcia. Ale jest on niczym w oczach tych, którzy w danej chwili mają władzę nad Chrystusem...

W 1575 roku w Wenecji wybuchła epidemia dżumy. Tycjan, zarażony przez syna, umiera 27 sierpnia 1576 r. Znaleziono go martwego na podłodze ze szczotką w dłoni.

Prawo przewidywało spalenie ciał zmarłych na zarazę, ale Tycjana pochowano w weneckiej katedrze Santa Maria Gloriosa dei Frari.

Na jego grobie wyryte są słowa: „Tu leży wielki Tycjan Vecelli - rywal Zeusa i Apellesa”

Tycjan „Pieta” (1575-1576). Płótno, olej. 389x351 cm Galeria Akademii, Wenecja

Giorgione da Castelfranco

Giorgione da Castelfranco żył krótko. Zmarł w wieku trzydziestu trzech lat podczas jednej z częstych wówczas epidemii dżumy. Jego dziedzictwo jest niewielkie: niektóre obrazy Giorgione, które pozostały niedokończone, zostały ukończone przez jego młodszego towarzysza i asystenta w warsztacie, Tycjana. Jednak nieliczne obrazy Giorgione stały się objawieniem dla współczesnych. To pierwszy artysta we Włoszech, dla którego tematyka świecka zdecydowanie dominowała nad religijną i determinowała całą strukturę jego twórczości. Stworzył nowy, głęboko poetycki obraz świata, niezwykły dla ówczesnej sztuki włoskiej, z jej skłonnością do wielkości, monumentalności i heroicznej intonacji. Na obrazach Giorgione widzimy świat idyllicznie piękny i prosty, pełen zamyślonej ciszy.

Giorgione (1476/1477-1510) Giorgione „Autoportret” (1500-1510)

Sztuka Giorgione była prawdziwą rewolucją w malarstwie weneckim i wywarła ogromny wpływ na jego współczesnych, w tym na Tycjana

Obraz ten jest nietypowy dla portretu renesansowego: spojrzenie modelki na portretach z tej epoki jest zwykle skierowane bezpośrednio, tworząc poczucie kontaktu z widzem. Młody człowiek odwraca wzrok, tworzy to szczególną, melancholijną atmosferę i interakcję nie na poziomie racjonalnym, ale emocjonalnym. Dzieło to z powodzeniem łączy cechy indywidualne z wizerunkiem idealnego człowieka renesansu.

Zmiękczone kontury wskazują, że Giorgione znał technikę sfumato opracowaną przez Leonarda da Vinci.

Badanie rentgenowskie obrazu wykazało, że młody człowiek początkowo patrzył na pejzaż będący tłem obrazu.

Portret młodego mężczyzny. OK. 1510

Judyta

Kult pasterzy

Twórczość Veronese i Tintoretto kojarzona jest z ostatnim, schyłkowym okresem renesansu weneckiego.

P. Veronese. „Malowidła na suficie Sali Olimpu”. Fresk. Około 1565 r

Wenus i Adonis

Paolo Veronese był obdarzony podwyższonym poczuciem piękna i prawdziwą miłością do życia. Na ogromnych płótnach, lśniących szlachetnymi kolorami, zaprojektowanymi w wykwintnej srebrzystej tonacji, na tle wspaniałej architektury, pojawia się przed nami kolorowy tłum, uderzający żywą jasnością - patrycjusze i szlachetne damy we wspaniałych strojach, żołnierze i plebs, muzycy, służba , krasnale.

Obraz powstał w latach 1562-1563. dla refektarza klasztoru San Giorgio Maggiore.

Jacoba Tintoretto

Ostatni wielki mistrz XVI-wiecznej Wenecji, Jacopo Tintoretto. Złożona i buntownicza natura, poszukiwaczka nowych dróg w sztuce, dotkliwie i boleśnie świadoma dramatycznych konfliktów współczesnej rzeczywistości. Tintoretto wprowadza do swojej interpretacji osobistą, często subiektywnie arbitralną zasadę, podporządkowując postacie ludzkie pewnym nieznanym siłom, które je rozpraszają i wirują. Przyspieszając redukcję perspektywy, tworzy iluzję szybkiego ruchu przestrzeni, wybierając niezwykłe punkty widzenia i fantazyjnie zmieniając kontury postaci. Proste, codzienne sceny ulegają przemianie pod wpływem inwazji surrealistycznego, fantastycznego światła. Jednocześnie jego świat zachowuje swą wielkość, pełen ech wielkich ludzkich dramatów, zderzeń namiętności i charakterów.

Największym osiągnięciem twórczym Tintoretta było stworzenie w Scuola di San Rocco obszernego cyklu malarskiego, składającego się z ponad dwudziestu dużych paneli ściennych i wielu kompozycji plafonowych, nad którymi artysta pracował przez niemal ćwierć wieku – od 1564 do 1587 roku.

Przez niewyczerpane bogactwo wyobraźni artystycznej, przez ogrom świata, w którym kryje się tragedia o skali powszechnej („Kalwaria”), cud przemieniający biedną chatę pasterską („Narodziny Chrystusa”) i tajemniczą wielkość natury („Maria Magdalena na pustyni”) i wielkich wyczynów ludzkiego ducha („Chrystus przed Piłatem”), cykl ten nie ma sobie równych w sztuce włoskiej. Niczym majestatyczna i tragiczna symfonia dopełnia wraz z innymi dziełami Tintoretta historię weneckiej szkoły malarstwa renesansu.

Praca domowa.

Dokonaj analizy obrazu Tycjana, Tintoretta czy Veronese. (opcjonalnie)

Dziedzictwo weneckiej szkoły malarstwa stanowi najjaśniejszą kartę w historii włoskiego renesansu.

Wenecja była jednym z czołowych ośrodków kultury włoskiej. Uważana jest za jedną z głównych włoskich szkół malarskich. Okres rozkwitu szkoły weneckiej przypada na XV-XVI wiek.
Co oznacza nazwa „Szkoła Wenecka”?
W tym czasie w Wenecji pracowało wielu włoskich artystów, których łączyły wspólne zasady artystyczne. Zasady te to jasne techniki kolorystyczne, mistrzostwo plastyczności malarstwa olejnego, umiejętność dostrzegania podtrzymującego życie znaczenia natury i samego życia w jego najwspanialszych przejawach. Wenecjan charakteryzowało zamiłowanie do wszystkiego, co niepowtarzalne, emocjonalne bogactwo percepcji i podziw dla fizycznej, materialnej różnorodności świata. W czasach, gdy podzielone Włochy były rozdzierane konfliktami, Wenecja rozkwitała i spokojnie płynęła po gładkiej powierzchni wód i przestrzeni życiowej, jakby nie zauważając złożoności istnienia lub nie myśląc o niej zbytnio, w przeciwieństwie do Wysokiego Renesansu, którego twórczość był karmiony myślami i złożonymi zadaniami.
Jest całkiem sporo wybitnych przedstawicieli weneckiej szkoły malarstwa: Paolo Veneziano, Lorenzo Veneziano, Donato Veneziano, Catarino Veneziano, Niccolò Semitecolo, Iacobello Albereño, Nicolo di Pietro, Iacobello del Fiore, Jacopo Bellini, Antonio Vivarini, Bartolomeo Vivarini, Gentile Bellini, Giovanni Bellini, Giacometto Veneziano, Carlo Crivelli, Vittorio Crivelli, Alvise Vivarini, Lazzaro Bastiani, Carpaccio, Cima da Conegliano, Francesco di Simone da Santacroce, Tycjan, Giorgione, Palma Vecchio, Lorenzo Lotto, Sebastiano del Piombo, Jacopo Bassano, Tintoretto , Paolo Veronese.
Porozmawiajmy tylko o kilku z nich.

Paolo Veneziano (przed 1333-po 1358)

Paolo Veneziano „Madonna z Dzieciątkiem” (1354), Luwr
Uważany jest za jednego z założycieli weneckiej szkoły artystycznej. Wszyscy w rodzinie Paolo Veneziano byli artystami: jego ojciec i synowie: Marco, Luca i Giovanni.

W twórczości Paolo Veneziano nadal widoczne są cechy malarstwa bizantyjskiego: złote tło i jaskrawe kolory, a później – cechy stylu gotyckiego.
Artysta stworzył własną pracownię plastyczną, w której zajmował się głównie mozaikami, zdobieniem katedr. Ostatnim sygnowanym dziełem artysty jest ołtarz koronacyjny.

Tycjan (1488/1490-1576)

Tycjan „Autoportret” (ok. 1567 r.)
Tycjan Vecellio to włoski malarz renesansowy. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat był znany jako najlepszy malarz w Wenecji.
Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i przywódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego urodzin nie jest znana.
W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie spotkał się z przedstawicielami szkoły weneckiej i uczył się u nich. Pierwszym dziełem Tycjana, zrealizowanym wspólnie z Giorgione, były freski w Fondaco dei Tedeschi, z których zachowały się jedynie fragmenty.
Styl Tycjana z tamtych czasów był bardzo podobny do stylu Giorgione; wykonywał dla niego nawet niedokończone obrazy (Giorgione zmarł młodo z powodu szalejącej wówczas w Wenecji zarazy).
Tycjan namalował wiele portretów kobiecych i wizerunków Madonn. Są pełne witalności, jasności uczuć i spokojnej radości. Farby są czyste i pełne kolorów. Słynne obrazy tamtych czasów: „Madonna cygańska” (ok. 1511 r.), „Miłość ziemska i miłość niebiańska” (1514 r.), „Kobieta z lustrem” (ok. 1514 r.).

Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska”. Olej na płótnie, 118x279 cm, Galeria Boghese, Rzym
Obraz ten został zamówiony przez Niccolò Aurelio, Sekretarza Rady Dziesięciu Republiki Weneckiej, jako prezent ślubny dla jego narzeczonej. Nowoczesna nazwa obrazu zaczęła być używana 200 lat później, a wcześniej miała inne nazwy. Krytycy sztuki nie mają jednomyślnej opinii na temat fabuły. Na tle zachodzącego słońca u źródła siedzą bogato ubrana Wenecjanka, trzymająca w lewej ręce mandolinę, oraz naga Wenus trzymająca misę ognia. Skrzydlaty amorek bawi się wodą. Wszystko na tym obrazie podporządkowane jest poczuciu zwycięskiej miłości i piękna.
Styl Tycjana rozwijał się stopniowo w miarę studiowania dzieł wielkich mistrzów renesansu Rafaela i Michała Anioła. Jego sztuka portretowa osiągnęła swój szczyt: był bardzo przenikliwy, potrafił dostrzec i przedstawić sprzeczne cechy ludzkich charakterów: pewność siebie, dumę i godność, połączone z podejrzliwością, hipokryzją i oszustwem. Wiedział jak znaleźć odpowiednie rozwiązanie kompozycyjne, pozę, wyraz twarzy, ruch, gest. Stworzył wiele obrazów o tematyce biblijnej.

Tycjan „Oto człowiek” (1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum w Wiedniu
Obraz ten uważany jest za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na ewangelicznej fabule, jednak artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia w rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „oto człowiek” zdradza Chrystusa, aby został rozszarpany przez tłum, do którego zaliczają się wojownicy i młodzi mężczyźni ze szlacheckiego rodu, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi. I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje – młody mężczyzna w lewym dolnym rogu zdjęcia. Ale jest on niczym w oczach tych, którzy w danej chwili mają władzę nad Chrystusem...
Pod koniec życia Tycjan opracował nową technikę malarską. Nakładał farby na płótno za pomocą pędzla, szpatułki i palców. Do najnowszych dzieł artysty należą obrazy „Złożenie do grobu” (1559), „Zwiastowanie” (ok. 1564-1566), „Wenus z zawiązanymi oczami Amor” (ok. 1560-1565), „Niesienie krzyża” (1560 r.), „Tarquin i Lukrecja ” (1569-1571), „Św. Sebastiana” (ok. 1570 r.), „Korony cierniowej” (ok. 1572-1576), „Piety” (poł. lat 70. XVI w.).
Obraz „Pieta” przedstawia Matkę Boską podtrzymującą ciało Chrystusa za pomocą klęczącego Nikodema. Po ich lewej stronie stoi Maria Magdalena. Liczby te tworzą idealny trójkąt. Obraz „Pieta” uważany jest za ostatnie dzieło artysty. Dokończył go Giacomo Palma Jr. Uważa się, że Tycjan przedstawił się na obrazie Nikodema.

Tycjan „Pieta” (1575-1576). Płótno, olej. 389x351 cm Galeria Akademii, Wenecja
W 1575 roku w Wenecji wybuchła epidemia dżumy. Tycjan, zarażony przez syna, umiera 27 sierpnia 1576 r. Znaleziono go martwego na podłodze ze szczotką w dłoni.
Prawo przewidywało spalenie ciał zmarłych na zarazę, ale Tycjana pochowano w weneckiej katedrze Santa Maria Gloriosa dei Frari.
Na jego grobie wyryto słowa: „Tu leży wielki Tycjan Vecelli –
rywal Zeusa i Apellesa”

Giorgione (1476/1477-1510)

Giorgione „Autoportret” (1500-1510)
Kolejny przedstawiciel weneckiej szkoły malarstwa; jeden z największych mistrzów wysokiego renesansu.
Jego pełne imię i nazwisko to Giorgio Barbarelli da Castelfranco, od nazwy małego miasteczka niedaleko Wenecji. Był uczniem Giovanniego Belliniego. Jako pierwszy z włoskich malarzy wprowadził pejzaż, piękny i poetycki, do malarstwa religijnego, mitologicznego i historycznego. Działał głównie w Wenecji: malował tu obrazy ołtarzowe, realizował liczne zamówienia portretowe, a także dekorował swoimi obrazami skrzynie, trumny i fasady domów, zgodnie z ówczesnym zwyczajem. Zmarł na zarazę.
Jego prace charakteryzują się umiejętnym opanowaniem światła i koloru, umiejętnością płynnego przejścia kolorów i tworzenia miękkich konturów obiektów. Pomimo tego, że zmarł bardzo młodo, za jego uczniów uważa się wielu znanych weneckich artystów, w tym Tycjana.
„Judith” uważana jest za jeden z najsłynniejszych obrazów Giorgione. Nawiasem mówiąc, jest to jedyny obraz artysty znajdujący się w Rosji.

Giorgione „Judyta” (ok. 1504 r.). Płótno (w tłumaczeniu z deski), olej. 144x68 cm. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu
Jedno z wielu dzieł sztuki opartych na fabule biblijnej na temat historii Judyty i Holofernesa. Generał Holofernes, dowódca armii Nabuchodonozora, wykonał swój rozkaz, aby „dokonać... zemsty na całej ziemi”. W Mezopotamii zniszczył wszystkie miasta, spalił wszystkie plony i zabił mężczyzn, a następnie oblegał małe miasto Betulia, w którym mieszkała młoda wdowa Judith. Wkradła się do obozu asyryjskiego i uwiodła Holofernesa, a gdy wódz zapadł w sen, odcięła mu głowę. Armia bez dowódcy nie mogła stawić czoła mieszkańcom Vetilui i została rozproszona. Judyta otrzymała jako trofeum namiot Holofernesa i wszystkie jego sprzęty i jako triumfatorka wkroczyła do Betulii.
Giorgione stworzył nie krwawy, ale spokojny obraz: Judith trzyma miecz w prawej ręce, lewą opiera się o niski parapet. Jej lewa stopa spoczywa na głowie Holofernesa. W oddali otwiera się spokojny krajobraz, symbolizujący harmonię natury.

Tintoretto (1518/19-1594)

Tintoretto „Autoportret”

Jego prawdziwe imię to Jacopo Robusti. Był malarzem szkoły weneckiej późnego renesansu.
Urodził się w Wenecji i z zawodu otrzymał przydomek Tintoretto (mały farbiarz) od swojego ojca, który był farbiarzem (tintore). Wcześnie odkrył swoje zdolności do malowania. Przez pewien czas był uczniem Tycjana.
Charakterystycznymi cechami jego twórczości były żywy dramat kompozycji, śmiałość rysunku, szczególna malowniczość w rozkładzie światła i cienia, ciepło i siła kolorów. Był hojny i nie chciwy, mógł pracować za darmo dla swoich towarzyszy i zwracać sobie jedynie koszty farby.
Czasem jednak jego pracę cechował pośpiech, co można wytłumaczyć ogromną liczbą zleceń.
Tintoretto znane jest przede wszystkim z malarstwa historycznego, a także portretów, z których wiele zadziwia kompozycją postaci, wyrazistością i siłą barw.
Tintoretto przekazał swój talent artystyczny swoim dzieciom: jego córka Marietta Robusti (1560-1590) z powodzeniem uprawiała portret. Syn Domenico Robusti (1562-1637) był także artystą, utalentowanym portrecistą.

Tintoretto „Ostatnia wieczerza” (1592-1594). Płótno, olej. 365x568 cm Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji
Obraz został namalowany specjalnie dla weneckiego kościoła San Giorgio Maggiore, gdzie znajduje się do dziś. Odważna kompozycja obrazu pozwoliła umiejętnie oddać szczegóły ziemskie i boskie. Tematem płótna jest ewangeliczny moment, w którym Chrystus łamie chleb i wypowiada słowa: „To jest Ciało Moje”. Akcja rozgrywa się w biednej tawernie, jej przestrzeń tonie w półmroku i wydaje się nieograniczona dzięki długiemu stołowi. Artysta sięga po technikę kontrastu: na pierwszym planie po prawej stronie znajduje się kilka obiektów i postaci niezwiązanych z fabułą, a górna część płótna przesiąknięta jest głęboką duchowością i mistycznym podnieceniem.
Widok uczty nie przyćmiewa poczucia zadziwienia. Pomieszczenie wypełnia nadprzyrodzone światło, głowy Chrystusa i apostołów otoczone są świecącymi aureolami. Przekątna stołu oddziela świat boski od świata ludzkiego.
Obraz ten uważany jest za ostatnie dzieło Tintoretta. Taka umiejętność jest dostępna tylko dojrzałemu artyście.

Aby obejrzeć prezentację ze zdjęciami, projektami i slajdami, pobierz jego plik i otwórz go w programie PowerPoint w Twoim komputerze.
Treść tekstowa slajdów prezentacji: Wenecka Szkoła MalarstwaNauczyciel MKOU Bondarevskaya Liceum Ponomareva Natalya Nikolaevna Giovanni BelliniGiovanni Bellini (około 1430–1516), drugi syn Jacopo Belliniego, jest największym artystą szkoły weneckiej, który położył podwaliny pod sztukę wysokiego renesansu w Wenecji . Portret doży Leonarda Loredana ]Portret doży Leonarda Loredana został oficjalnie zamówiony przez Belliniego jako artystę Republiki Weneckiej. W tej pracy doża ukazany jest niemal frontalnie – wbrew dotychczasowej tradycji przedstawiania twarzy osób portretowanych z profilu, m.in. na medalach i monetach. Ołtarz św. Hioba U stóp wysokiego tronu, na którym uroczyście zasiada Madonna z Dzieciątkiem, błogosławiąc przybyłych, aby oddać jej pokłon, znajdują się aniołowie grający muzykę (za jednego z patronów muzyki uważano św. Hioba). Figury są wykonane w naturalnej wielkości. Bellini umieścił po bokach tronu Maryi dwóch nagich świętych, Giobbe i Sebastiana, obok nich święci Jan Chrzciciel, Dominik i Ludwik z Tuluzy. Architektura i wystrój absydy pokrytej złotą smaltą nawiązują do katedry San Marco. Na złotym tle wyraźnie czytelne są słowa: „Ave, czysty kwiecie dziewiczej czystości”. Giorgione. Giorgione „Autoportret” (1500-1510) Kolejny przedstawiciel szkoły malarstwa weneckiego; jeden z największych mistrzów wysokiego renesansu. Jego pełne imię i nazwisko to Giorgio Barbarelli da Castelfranco, od nazwy małego miasteczka niedaleko Wenecji. Był uczniem Giovanniego Belliniego. Był pierwszym z włoskich malarzy, który wprowadził do malarstwa religijnego, mitologicznego i historycznego pejzaż, piękną i poetycką Judytę”, żydowska wdowa, która uratowała swoje rodzinne miasto przed najazdem asyryjskim. Po oblężeniu jej rodzinnego miasta przez wojska asyryjskie przebrała się i poszła. do obozu wroga, gdzie zwróciła na siebie uwagę dowódcy. Kiedy się upił i zasnął, odcięła mu głowę i przyniosła ją do rodzinnego miasta, które w ten sposób ocaliła Śpiąca Wenus. W tym dziele z wielkim humanizmem objawił się ideał jedności fizycznego i duchowego piękna człowieka kompletność i niemal starożytna przejrzystość. Zaskakująco czysta, mimo swojej nagości, „Śpiąca Wenus” jest w pełnym tego słowa znaczeniu alegorią, symbolicznym obrazem Natury. Burza. Główną postacią na tym zdjęciu jest burza. Artysta poświęcił tło blaskowi strzały w kształcie błyskawicy, która błysnęła w powietrzu jak wąż. Zaraz po prawej i lewej stronie na pierwszym planie znajdują się postacie kobiece i męskie. Kobieta karmi dziecko. Ona prawie nie ma na sobie ubrania. Obraz jest pełen różnorodności. Dzika przyroda daje się we znaki wszędzie http://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-dzhordzhone-g Tycjan Tycjan „Autoportret” (około 1567 r.) Tycjan Vecellio to włoski malarz renesansu. Malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, a także portrety. Już w wieku 30 lat był znany jako najlepszy malarz Wenecji Tycjan urodził się w rodzinie męża stanu i przywódcy wojskowego Gregorio Vecellio. Dokładna data jego urodzin nie jest znana. W wieku 10 lub 12 lat Tycjan przybył do Wenecji, gdzie spotkał się z przedstawicielami szkoły weneckiej i uczył się u nich. Pierwszym dziełem Tycjana, zrealizowanym wspólnie z Giorgione, były freski w Fondaco dei Tedeschi, z których zachowały się jedynie fragmenty. Miłość ziemska i niebiańska Fabuła obrazu do dziś budzi kontrowersje wśród krytyków sztuki. Według XIX-wiecznego wiedeńskiego historyka sztuki Franza Wickhoffa scena przedstawia spotkanie Wenus z Medeą, którą bogini namawia, by pomogła Jazonowi. Według innej wersji fabuła zapożyczona jest z popularnej wówczas książki Francesco Colonny „Hypnerotomachia Poliphila”. Na tle krajobrazu zachodzącego słońca bogato ubrana Wenecjanka siedzi u źródła, trzymając lewą mandolinę. rękę i nagą Wenus trzymającą misę ognia. Według S. Zuffiego ubrana dziewczyna uosabia miłość w małżeństwie; Kolor jej sukni (biały), paska, rękawiczek na dłoniach, mirtowego wieńca na głowie, rozwianych włosów i róż wskazuje na małżeństwo. W tle para królików - życzenie dużego potomstwa. To nie jest portret Laury Bagarotto, ale alegoria szczęśliwego małżeństwa.// Bachus i Ariadna Ariadna, porzucona przez Tezeusza na wyspie Naxos, przybyła pocieszyć Bachusa. Tycjan przedstawia moment pierwszego spotkania bohaterów. Bachus wraz ze swą liczną świtą wyłania się z leśnej gęstwiny i rzuca się w stronę przestraszonej go Ariadny. W tej złożonej kompozycyjnie scenie wszystkie postacie i ich działania są wyjaśnione przez starożytne teksty. Orszak Bachusa odprawia swoje rytuały: jeden satyr demonstruje, jak oplatają go węże, inny macha nogą cielęcą, a mały satyr ciągnie za sobą głowę zwierzęcia. Pokutująca Maria MagdalenaTiziano Vecellio swoje dzieło „Pokutująca Maria Magdalena” napisał na zamówienie w latach 60. XVI wieku. Modelką obrazu była Julia Festina, która zadziwiła artystę burzą złocistych włosów. Gotowe płótno zrobiło na księciu Gonzagi ogromne wrażenie, dlatego zdecydował się zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozę kobiety, napisał jeszcze kilka podobnych prac. Święty Sebastian „Święty Sebastian” to jedno z najlepszych dzieł malarza. Sebastian Tycjana to dumny chrześcijański męczennik, który według legendy został zastrzelony z łuku na rozkaz cesarza Dioklecjana za odmowę oddawania czci pogańskim bożkom. Potężne ciało Sebastiana jest ucieleśnieniem siły i buntu; jego spojrzenie nie wyraża fizycznej udręki, ale dumne wyzwanie rzucone jego dręczycielom. Tycjan uzyskał niepowtarzalny efekt połyskującego koloru nie tylko za pomocą palety barw, ale także faktury farb, reliefu pociągnięć „Oto człowiek”. Obraz ten uznawany jest za arcydzieło Tycjana. Jest napisana na ewangelicznej fabule, jednak artysta umiejętnie przenosi ewangeliczne wydarzenia w rzeczywistość. Piłat staje na stopniach schodów i słowami „oto człowiek” zdradza Chrystusa, aby został rozszarpany przez tłum, do którego zaliczają się wojownicy i młodzi mężczyźni ze szlacheckiego rodu, jeźdźcy, a nawet kobiety z dziećmi. I tylko jedna osoba zdaje sobie sprawę z grozy tego, co się dzieje – młody mężczyzna w lewym dolnym rogu zdjęcia. Ale jest on niczym w obliczu tych, którzy w tej chwili mają władzę nad Chrystusem...1543). Płótno, olej. 242x361 cm Kunsthistorisches Museum, Wiedeń Tintoretto (1518/19-1594) Tintoretto „Autoportret” Jego prawdziwe imię to Jacopo Robusti. Był malarzem szkoły weneckiej późnego renesansu. Urodził się w Wenecji i z zawodu otrzymał przydomek Tintoretto (mały farbiarz) od swojego ojca, który był farbiarzem (tintore). Wcześnie odkrył swoje zdolności do malowania. Przez pewien czas był uczniem Tycjana. Cechami charakterystycznymi jego twórczości była żywa dramaturgia kompozycji, śmiałość rysunku, osobliwa malowniczość w rozkładzie światła i cienia, ciepło i siła kolorów. Ostatnia wieczerza Obraz został namalowany specjalnie dla weneckiego kościoła San Giorgio Maggiore, gdzie znajduje się do dziś. Odważna kompozycja obrazu pozwoliła umiejętnie oddać szczegóły ziemskie i boskie. Tematem płótna jest ewangeliczny moment, w którym Chrystus łamie chleb i wypowiada słowa: „To jest Ciało Moje”. Akcja rozgrywa się w biednej tawernie, jej przestrzeń tonie w półmroku i wydaje się nieograniczona dzięki długiemu stołowi. Paolo Veronese Aolo Veronese urodził się w 1528 roku w Weronie. Był piątym synem w rodzinie. Studiował u wujka, weneckiego artysty Badile’a, pracował w Weronie i Mantui. W 1553 roku Veronese zajmował się dekoracją Pałacu Dożów. W wieku 27 lat został wezwany do Wenecji, aby ozdobić zakrystię kościoła Stasenko. W 1560 roku Veronese odwiedził Rzym, gdzie namalował świętą Weronikę we wsi Maser niedaleko Vicenzy. W 1566 roku poślubił córkę swojego nauczyciela Antonio Badile. W 1573 r. Veronese został oskarżony przez Inkwizycję, ale udało mu się uniewinnić i zmuszony był jedynie poprawić i wykluczyć niektóre postacie z jednego ze swoich obrazów „Opłakiwanie Chrystusa”. Uczynił kompozycję lakoniczną i prostą, co wzmocniło wyrazistość całej trójki tworzące go postacie: zmarły Chrystus, pochylająca się nad nim Dziewica Maryja i anioł. Subtelne, stonowane kolory łączą się w piękną gamę zielonkawych, liliowo-wiśniowych, szaro-białych odcieni, delikatnie mieniących się w świetle i zdających się blaknąć w cieniu, pomiędzy którymi Veronese namalował Opłakiwanie dla kościoła San Giovanni e Paolo w Wenecji 1576 i 1582. W pierwszej połowie XVII wieku kupił go król angielski Karol I. Następnie znajdujący się w kościele obraz zastąpiono kopią dzieła Alessandro Varotari (Padovanino).