nauczyciel gimnazjum MHC MBOU
Safonow, obwód smoleński
Slajd 2
Kultura artystyczna XVII – XVIII wieku.
Slajd 3
Styl (łac.) - 2 znaczenia:
1) konstruktywna zasada struktury obiektów i zjawisk świata kultury (styl życia, ubiór, mowa, komunikacja, architektura, malarstwo itp.),
2) cechy twórczości artystycznej, szkół i ruchów artystycznych (styl hellenistyczny, klasycyzm, romantyzm, modernizm itp.)
Slajd 4
Pojawienie się nowych stylów i renesansu
Renesans (renesans) to epoka w rozwoju kulturowym i ideologicznym wielu krajów europejskich (XIV – XVI wiek)
Sztukę dogmatyczną zastąpiło pragnienie realistycznego poznania świata, wiara w możliwości twórcze i siłę umysłu jednostki.
Slajd 5
Charakterystyczne cechy kultury renesansowej:
- charakter świecki,
- humanistyczny światopogląd,
- odwołać się do starożytnego dziedzictwa.
Slajd 6
S. Botticellego. Narodziny Wenus
Slajd 7
S. Rafał. Galatea
Slajd 8
Od humanizmu renesansowego po manieryzm i barok
Manieryzm (z włoskiego „technika”, „manier”) to dominujący ruch artystyczny w sztuce europejskiej końca XVI wieku.
Przedstawiciele manieryzmu w swojej twórczości nie podążali za naturą, lecz starali się wyrazić subiektywną ideę obrazu zrodzonego w duszy artysty.
Slajd 9
Tycjanowski. Bachus i Ariadna
Slajd 10
Barokowy
Barok („dziwaczny”, „dziwny”) to jeden z dominujących stylów w architekturze i sztuce europejskiej końca XVI - połowy XVIII wieku.
Osoba w sztuce baroku jawi się jako uwikłana w cykl i konflikt otoczenia, wieloaspektowa osobowość ze złożonym światem wewnętrznym.
Slajd 11
Sztuka baroku charakteryzuje się
- wdzięk,
- splendor i dynamika,
- połączenie iluzji i realności,
- zamiłowanie do spektakularnych spektakli,
- kontrasty skal i rytmów, materiałów i faktur, światła i cienia.
Slajd 12
GuidoReni. Zorza polarna
Aurora, 1614, fresk, Palazzo Pallavicini Rospigliosi, Rzym
Slajd 13
Petera Paula Rubensa. Wyrok Paryża
Slajd 14
P.P.Rubens.Perseusz i Andromeda
Slajd 15
Wiek Oświecenia w historii rozwoju sztuki
- Klasycyzm jako artystyczne ucieleśnienie idei Oświecenia.
- Klasycyzm to styl artystyczny w sztuce europejskiej XVII – początków XIX wieku.
- Odwołanie do starożytnego dziedzictwa i humanistycznych ideałów renesansu.
- Podporządkowanie interesów osobistych interesom publicznym, uczuć obowiązkowi i idealizacja wizerunków heroicznych to główne tematy sztuki klasycyzmu.
Slajd 16
F. Bouchera. Kąpiel Diany
Slajd 17
Rokoko
- Rokoko to styl, który rozwinął się w europejskiej sztuce plastycznej pierwszej połowy XVIII wieku.
- Zamiłowanie do wyrafinowanych i skomplikowanych kształtów oraz fantazyjnych linii.
- Celem sztuki rokokowej jest sprawiać przyjemność, dotykać i bawić.
- Skomplikowane romanse, ulotne hobby, odważne i ryzykowne działania bohaterów, przygody i fantazje. Galanteryjne rozrywki i uroczystości są głównymi tematami dzieł rokokowych.
Slajd 18
Realistyczne kierunki rozwoju sztuki XVII – XVIII wieku.
- Obiektywizm, dokładność i konkretność w przekazywaniu wydarzeń w otaczającym świecie
- Brak idealizacji
- Uwaga na zwykłych ludzi
- Głębokie postrzeganie życia i natury
- Prostota i naturalność w oddaniu świata ludzkich uczuć
Wiek XVII okazał się zaskakująco sprzyjający rozwojowi kultury artystycznej. Sukcesy nauk przyrodniczych znacznie rozszerzyły i skomplikowały ideę świata jako nieograniczonej, zmiennej i sprzecznej jedności. Dominowało poczucie nierozerwalnego związku człowieka z tym światem, jego zależności od otaczającej rzeczywistości, od warunków i okoliczności jego istnienia. Dlatego nośnikiem twórczości artystycznej staje się nie tylko człowiek, ale także cała różnorodność rzeczywistości, jej złożone powiązania z człowiekiem. W związku z tym wzbogaciła się tematyka twórczości artystycznej i repertuaru fabularnego, rozwinęły się nowe niezależne gatunki i style, a te, które rozwinęły się w poprzednich epokach kulturowych, rozwinęły się i pogłębiły. W XVII wieku niemal jednocześnie pojawiły się style o charakterze narodowym, obejmujące różne rodzaje sztuki – klasycyzm i barok.
Klasycyzm w literaturze reprezentują takie nazwiska - P. Corneille, J. Racine, J. B. Moliere (Francja), D. Fonvizin (Rosja); w malarstwie - N. Poussin, C. Lauren (Francja); w rzeźbie - E. M. Falconet (Francja), Thorvaldsen (Dania); w architekturze - J. A. Gabriel, C. N. Ledoux (Francja); w muzyce - K.V. Gluck, W.A. Mozart (Austria).
Wybitnymi przedstawicielami stylu barokowego w literaturze byli Calderon (Hiszpania), D. Milton (Anglia); w malarstwie – P. P. Rubens (urodzony w Niemczech), w architekturze – L. Bernini (Włochy); w muzyce - J. S. Bach, G. F. Handel (Niemcy), A. Vivaldi (Włochy).
Sztuka europejska XVIII wieku łączyła w sobie dwie różne, antagonistyczne zasady: klasycyzm i romantyzm. Klasycyzm oznaczał podporządkowanie człowieka systemowi społecznemu, natomiast rozwijający się romantyzm dążył do maksymalizacji indywidualnego, osobistego początku. Jednak klasycyzm XVIII wieku zmienił się znacząco w porównaniu z klasycyzmem XVII wieku, odrzucając w niektórych przypadkach jedną z najbardziej charakterystycznych cech tego stylu - antyczne formy klasyczne. Poza tym „nowy” klasycyzm oświeceniowy w swej istocie nie był obcy romantyzmowi.
Ważnym nowym początkiem w sztuce XVIII wieku było pojawienie się ruchów, które nie miały własnego forma stylistyczna i nie czuł potrzeby jej rozwijania. Ten największy ruch kulturalny był przede wszystkim sentymentalizm, w pełni odzwierciedlające oświeceniowe idee dotyczące pierwotnej czystości i dobroci natury ludzkiej, które zatracają się wraz z pierwotnym „stanem naturalnym” społeczeństwa, jego dystansem od natury. Sentymentalizm adresowany był przede wszystkim do wewnętrznego, osobistego, intymnego świata ludzkich uczuć i myśli, dlatego nie wymagał specjalnego opracowania stylistycznego. Sentymentalizm jest niezwykle bliski romantyzmowi; gloryfikowany przez niego „naturalny” człowiek nieuchronnie doświadcza tragedii zderzenia z elementami przyrodniczymi i społecznymi, z samym życiem, które przygotowuje wielkie wstrząsy, których przeczucie wypełnia całą kulturę XVIII wieku.
Jedną z najważniejszych cech kultury oświecenia jest proces zastępowania religijnych zasad sztuki świeckimi. W XVIII wieku w niemal całej Europie po raz pierwszy architektura świecka wzięła górę nad architekturą sakralną. Oczywista jest także inwazja sekularyzmu na malarstwo religijne w tych krajach, gdzie wcześniej odgrywało ono znaczącą rolę – we Włoszech, Austrii, Niemczech. Malarstwo rodzajowe, odzwierciedlające codzienną obserwację artysty prawdziwego życia prawdziwych ludzi, staje się powszechne w niemal wszystkich krajach Europy, czasami starając się zająć główne miejsce w sztuce. Popularny w przeszłości portret ceremonialny ustępuje miejsca portretowi intymnemu, a w malarstwie pejzażowym pojawia się i rozprzestrzenia w różnych krajach tzw. „pejzaż nastrojowy” (Watteau, Gainsborough, Guardi).
Cechą charakterystyczną malarstwa XVIII-wiecznego jest wzmożone zainteresowanie szkicem nie tylko wśród samych artystów, ale także wśród koneserów dzieł sztuki. Osobista, indywidualna percepcja i nastrój odzwierciedlony w szkicu okazują się czasem ciekawsze i wywołują większy wydźwięk emocjonalny i estetyczny niż gotowa praca. Rysunki i ryciny są cenione bardziej niż obrazy, ponieważ ustanawiają bardziej bezpośrednią więź między widzem a artystą. Gusta i wymagania epoki zmieniły także wymagania kolor obrazy. W twórczości artystów XVIII wieku pogłębia się dekoracyjne rozumienie koloru; obraz powinien nie tylko coś wyrażać i odzwierciedlać, ale także ozdabiać miejsce, w którym się znajduje. Dlatego obok subtelności półtonów i delikatności barw artyści dążą do wielobarwności, a nawet różnorodności.
Produktem czysto świeckiej kultury Oświecenia był styl "rokoko", który otrzymał najdoskonalsze wykonanie w dziedzinie sztuki użytkowej. Przejawiało się to także w innych dziedzinach, w których artysta musi rozwiązywać problemy zdobnicze i projektowe: w architekturze - w planowaniu i projektowaniu wnętrz, w malarstwie - w panelach dekoracyjnych, obrazach, parawanach itp. Architektura i malarstwo rokokowe nastawione są przede wszystkim na tworzenie komfortu i łaskę dla osoby, która będzie kontemplować i cieszyć się ich dziełami. Małe pomieszczenia nie sprawiają wrażenia ciasnych dzięki iluzji „przestrzeni zabawy” stworzonej przez architektów i artystów, którzy umiejętnie wykorzystują do tego różne środki artystyczne: ozdoby, lustra, panele, specjalne kolory itp. Nowy styl stał się przede wszystkim stylem biednych domów, do których kilkoma technikami wprowadził ducha przytulności i komfortu, bez podkreślania luksusu i przepychu. Wiek XVIII wprowadził wiele artykułów gospodarstwa domowego, które dają człowiekowi komfort i spokój, powstrzymując jego pragnienia, czyniąc je jednocześnie przedmiotami prawdziwej sztuki.
Równie istotnym aspektem kultury Oświecenia było odwoływanie się do uchwycenia za pomocą środków artystycznych ludzkich doznań i przyjemności (zarówno duchowych, jak i fizycznych). Wśród największych myślicieli Oświecenia (Woltaire, Helwetius) można znaleźć „sceny waleczne”, w których protest przeciwko świętoszkowej moralności tamtych czasów przeradza się czasem w frywolność. We Francji już od początków XVIII w. zarówno publiczność, jak i krytycy zaczęli wymagać od nowej sztuki przede wszystkim „przyjemności”. Takie wymagania stawiano malarstwu, muzyce i teatrowi. „Przyjemny” oznaczał zarówno „wrażliwy”, jak i czysto zmysłowy. Słynne zdanie Voltaire’a „Wszystkie gatunki są dobre, z wyjątkiem nudnych” najwyraźniej odzwierciedla ten wymóg czasu.
Tendencja sztuk pięknych do rozrywkowego, narracyjnego i literackiego wyjaśnia jej zbliżenie z teatrem. Wiek XVIII nazywany jest często „złotym wiekiem teatru”. Nazwiska Beaumarchais, Sheridan, Fielding, Gozzi, Goldoni stanowią jedną z najbardziej uderzających kart w historii światowego dramatu.
Teatr okazał się bliski duchowi epoki. Samo życie ruszyło w jego stronę, sugerując ciekawe wątki i zderzenia, wypełniając stare formy nową treścią. To nie przypadek, że właśnie w epoce Oświecenia słynny wenecki karnawał stał się nie tylko świętem, ale właśnie sposobem na życie, formą życia codziennego.
Muzyka zajmowała ważne miejsce w hierarchii wartości duchowych w XVIII wieku. Jeśli sztuka rokoka stara się przede wszystkim ozdabiać życie, teatr - eksponować i bawić, to muzyka Oświecenia zadziwia skalą i głębią analizy najbardziej ukrytych zakątków ludzkiej duszy. Zmienia się także podejście do muzyki, która w XVII wieku była jedynie stosowanym narzędziem oddziaływania zarówno w świeckiej, jak i religijnej sferze kultury. We Francji i Włoszech w drugiej połowie stulecia rozkwitła nowa świecka forma muzyki – opera. W Niemczech i Austrii rozwinęły się najpoważniejsze formy dzieł muzycznych - oratorium i msza. Dorobek kultury muzycznej epoki oświecenia jest niewątpliwie dziełem Bacha i Mozarta.
Wiek Oświecenia charakteryzuje się pragnieniem przygody, przygody, podróży i chęcią penetracji innej przestrzeni „kulturowej”. Znalazło to wyraz w operach magicznych z wieloma niezwykłymi przemianami, w tragikomediach, baśniach itp.
Wybitnym wkładem w historię kultury światowej była publikacja fundamentalnej „Encyklopedii nauki, sztuki i rzemiosła”, zapoczątkowanej przez D.Diderot(1713-1784) i D’Alemberta. Encyklopedia usystematyzowała najważniejsze osiągnięcia naukowe ludzkości i zatwierdziła system wartości kulturowych, który odzwierciedlał najbardziej postępowe poglądy tamtych czasów.
W pełni odzwierciedlał znaki czasu, całą jego złożoność i niespójność - filozof, przyrodnik, poeta i prozaik - Wolter. Jedno z najgłębszych i najbardziej satyrycznych dzieł Woltera „Kandyd, czyli optymista” w pełni odzwierciedlały ogólne tendencje w rozwoju literatury edukacyjnej.
Twórca romantyzmu edukacyjnego w literaturze - J. J. Rousseau. Jego ideały moralne i estetyczne znalazły pełne odzwierciedlenie w jego najsłynniejszej i najbardziej znaczącej powieści „Nowa Eloise” Wyznawcy ruskości byli Karamzin („Biedna Liza”), Goethe („Cierpienia młodego Wertera”), Chaderlos de Laclos („Niebezpieczne związki”).
Wiek Oświecenia był głównym punktem zwrotnym w duchowym rozwoju Europy, wpływającym na niemal wszystkie sfery życia społeczno-politycznego i kulturalnego. Obalamy normy polityczno-prawne, kodeksy estetyczne i etyczne społeczeństwa staroklasowego, oświeceniowcy dokonali gigantycznej pracy nad stworzeniem pozytywnego systemu wartości, adresowanego przede wszystkim do człowieka, niezależnie od jego przynależności społecznej, który organicznie stał się częścią ciała i krew zachodniej cywilizacji. Dziedzictwo kulturowe XVIII wieku do dziś zadziwia niezwykłą różnorodnością, bogactwem gatunków i stylów, głębią zrozumienia ludzkich namiętności, największym optymizmem i wiarą w człowieka i jego umysł.
Lekcja na temat technologii nauczania mieszanego
Moduł „Zmiana obszarów pracy”
Temat - Światowa kultura artystyczna Klasa 11
Nauczyciel MHC i muzyki, najwyższa kategoria kwalifikacji - Ochirova Z.M., „Honorowy Pracownik Edukacji Ogólnej”
Temat lekcji„Różnorodność stylów w kulturze XVII-XVIII wieku”
Tyle nowości w ciągu 20 lat
i w krainie gwiazd,
oraz w obszarze planet,
Wszechświat rozpada się na atomy,
Wszystkie połączenia są zerwane, wszystko zostaje rozbite na kawałki.
Fundamenty zostały zachwiane i teraz
wszystko stało się dla nas względne.
John Donne (1572-1631) poeta
Cel lekcji
Wskaż cechy charakterystyczne różnorodności stylów kulturowych XVII i XVIII wieku.
Zadania
Określ wzór zmieniających się stylów artystycznych.
Rozwijaj wśród uczniów umiejętność selekcji i analizowania informacji. Umiejętność werbalizowania swoich uczuć i uczuć
Kształtowanie u uczniów bardziej świadomego postrzegania dzieł sztuki.
Rodzaj lekcji – lekcja uogólniająca o zintegrowanym zastosowaniu wiedzy/lekcja o kontroli rozwoju/.
Forma studiów: czołowy, grupowy
Utworzono UUD
Komunikacja– nabycie umiejętności uwzględniania pozycji rozmówcy (partnera), organizowania i prowadzenia współpracy i współdziałania z nauczycielem i rówieśnikami, odpowiedniego postrzegania i przekazywania informacji.
Kognitywny
umiejętność wyrażenia głównej idei i wyodrębnienia głównego znaczenia.
umiejętność analizy zadania z różnych punktów widzenia i w oparciu o różne parametry.
Osobisty
umiejętność słuchania i słyszenia rozmówcy.
umiejętność formułowania swojego stanowiska w poprawnej i przekonującej formie, okazywania szacunku dla stanowiska i opinii innych osób.
Regulacyjne (odruchowe)
Umiejętność panowania nad swoją wypowiedzią z uwzględnieniem sytuacji komunikacyjnej, norm etycznych i społeczno-kulturowych.
Umiejętność przewidywania percepcji rozmówcy.
Sprzęt do lekcji: komputer osobisty (4 szt.), tablica interaktywna, multimedialny projektor wideo, nagrania audio, magnetofon, prezentacja do lekcji w formacie Microsoft Office PowerPoint, materiały informacyjne (reprodukcje prac, karty z tekstami, zadania testowe).
Plan lekcji
1. Moment organizacyjny 1-2 minuty
2. Wprowadzenie do tematu 2-3 minuty
3. Badanie frontalne 3-5 minut
4.Główny etap lekcji 25 -30 minut
5.Podsumowanie lekcji 3-5 minut
6.Odbicie 1-2 minuty
7. Wnioski 1-2 minuty.
Podczas zajęć
Organizowanie czasu- pozdrowienia.
/Na slajdzie znajduje się nazwa tematu lekcji, motto. Nauczyciel rozpoczyna lekcję dźwiękiem w tleIVczęść cyklu „Pory roku” A. Vivaldiego – „Zima” /
2.Wprowadzenie do tematu
Wiek XVII-XVIII to jedna z najjaśniejszych i najwspanialszych epok w historii światowej kultury artystycznej. Był to czas, gdy znany, pozornie niewzruszony obraz świata ulegał szybkim zmianom, a ideały renesansu zapadały się w świadomości społecznej. To czas, kiedy ideologię humanizmu i wiarę w nieograniczone możliwości człowieka zastąpiono innym sensem życia.
Każdy czas niesie w sobie swoje nieodłączne prawa i rozwiązania. Wiadomo, że dzieła architektury, rzeźby, muzyki, sztuki dekoracyjnej i użytkowej, malarstwa itp. stanowią swego rodzaju sposób kodowania „przekazów kulturowych”. Komunikujemy się z przeszłymi epokami, wykorzystując naszą zdolność do abstrakcyjnego postrzegania. Znając „kody”, a w naszym przypadku są to cechy i charakterystyka stylów artystycznych XVII i XVIII wieku, będziemy mogli bardziej świadomie postrzegać dzieła sztuki.
Zatem dzisiaj naszym zadaniem jest próba zidentyfikowania wzorca zmieniających się stylów i nauczenie się dostrzegania „kodu” konkretnego stylu (koncepcja slajdu „styl”). Styl to trwała jedność środków wyrazu, charakteryzująca oryginalność artystyczną dzieła lub zespołu dzieł.
3 .Badanie frontalne- Chłopaki, kto potrafi wymienić główne style w sztuce XVII i XVIII wieku? Studenci wymieniają główne style tego okresu (manieryzm, barok, rokoko, klasycyzm, romantyzm, realizm).
W trakcie serii lekcji zapoznałeś się z każdym z nich. Zgadzamy się oczywiście ze stwierdzeniem współczesnego rosyjskiego krytyka sztuki Wiktora Własowa: „Styl to artystyczne doświadczenie czasu”
Opiszmy pokrótce każdy z nich. Podano słowną definicję każdego stylu.
4.Główny etap lekcji. Dlatego dzisiaj pracujemy nad modułem „Zmiana obszarów pracy”. Klasa podzielona jest na 4 grupy, z których każda wykonuje swoje własne zadanie. Bardzo ważna jest umiejętność wspólnej pracy, konsultowania się i dochodzenia do wspólnej opinii.
Grupa „A” (słabi uczniowie) pracuje z materiałami informacyjnymi, które należy rozdzielić według 6 wymienionych stylów. Tutaj masz definicję stylu i cechy każdego z nich, reprodukcje obrazów, wypowiedzi i wersety poetyckie znanych osób.
Grupa „B” (uczniowie średniozaawansowani) pracuje nad zadaniami testowymi na nasz temat.
Należy powiązać nazwę obrazów z nazwiskiem autora, styl z nazwą obrazu, cechy stylu z jego nazwą itp.
Natomiast grupa „D” (uczniowie wybitni) pracuje z prezentacją „Style w sztuce XVII-XVIII wieku…” na laptopach z dostępem do Internetu. Jest to praca praktyczna, zawiera trudne zadania wymagające głębokiej wiedzy z tematu „MHC”.
Chłopaki, wykonujecie zadania przez 10-12 minut, a następnie zmieniacie obszary pracy: grupa „A” przenosi się na miejsce grupy „B” i odwrotnie; grupa „C” zmienia się wraz z obszarem roboczym grupy „D”. Jestem nauczycielem, blisko współpracuję z grupą „A”, a moi asystenci, zwycięzcy Olimpiad MHC, współpracują z pozostałą trójką, nazwijmy ich tutorami. Na slajdzie- « Tutor - od angielskiego „tutor” - kurator, mentor, edukator. Tutor może pomóc w rozwiązywaniu problemów organizacyjnych, wspierać chęć realizacji zadań i samodzielność, rozwiązywać problemy organizacyjne, nawiązywać kontakt między uczniami, psychicznie przygotowywać podopiecznego do produktywnej pracy, jest łącznikiem między uczniami a nauczycielem.
Podczas lekcji jesteś proszony o poznanie przyczyny zmiany stylów i próbę zidentyfikowania wzorców tego procesu. To będzie efekt naszej dzisiejszej pracy.
Studenci pracują w grupach. Nauczyciel dyskretnie monitoruje proces realizacji zadań i w miarę możliwości koryguje odpowiedzi w grupie. Pracę w każdej grupie koordynują tutorzy.
Grupa „A” wymaga bardziej żmudnej i dokładnie kontrolowanej pracy. Dla wyższej motywacji konieczne jest stwarzanie sytuacji problematycznych i wyznaczanie indywidualnych zadań. Na przykład, określając styl obrazu, zwróć uwagę uczniów na szczegóły reprodukcji, co pomoże im lepiej poradzić sobie z zadaniem. A pracując z tekstem poetyckim, znajdź kluczowe słowa lub frazy, które pomogą określić styl i kierunek w sztuce.
5. Podsumowanie lekcji.
Cóż, dowiedzmy się, jak wykonałeś zadanie i jakie wnioski wyciągnąłeś? Przedstawiciele każdej grupy wyrażają swój punkt widzenia…. Nauczyciel pośrednio prowadzi uczniów do prawidłowego formułowania odpowiedzi: ludzie twórczy zawsze dążyli do czegoś nowego, nieznanego, co umożliwiło stworzenie nowych arcydzieł; Wiek XVII-XVIII to czas odkryć naukowych, które doprowadziły do zmian we wszystkich dziedzinach życia, także w sztuce; zmiana stylów to naturalny proces opanowywania świata zgodnie z prawami piękna, naturalne odbicie ludzkiego życia...
Ostatnie słowo od nauczyciela- Tym samym doszliśmy do wniosku, że środowisko, otoczenie i odbicie świata w ruchu stały się najważniejsze dla sztuki XVII-XVIII wieku. Sztuka nie ogranicza się jednak do sfery estetycznej. Historycznie rzecz biorąc, dzieła sztuki pełniły w kulturze nie tylko funkcje estetyczne (artystyczne), choć estetyka zawsze była istotą sztuki. Od czasów starożytnych społeczeństwo nauczyło się wykorzystywać potężną, skuteczną moc sztuki do różnorodnych celów społecznych i utylitarnych - religijnych, politycznych, terapeutycznych, epistemologicznych, etycznych.
Sztuka jest ustaloną, skrystalizowaną i utrwaloną formą eksploracji świata zgodnie z prawami piękna. Ma znaczenie estetyczne i niesie artystyczną koncepcję świata i osobowości.
6.Odbicie
Teraz spróbuj ocenić dzisiejszą lekcję i swój stosunek do niej. Ankieta jest anonimowa.
/ na tle brzmienia sztuki L. Beethovena „Fur Elise” /
7. Wnioski
Teraz pozostaje nam tylko ocenić Twoją pracę. Uczestnicy w każdej grupie otrzymują takie same oceny. Zatem oceny są…. ( Grupa „A” otrzymuje zasłużone „B”, a pozostali uczniowie, myślę, że się z tym zgodzicie, otrzymają ocenę „Piątka”).
Dziękuję wszystkim za lekcję!
Vanyushkina L.M., Lekcja współczesna: Światowa kultura artystyczna, St. Petersburg, KARO, 2009.
Dmitrieva N.A., Krótka historia sztuki, Moskwa, „Iskusstvo”, 1990.
Danilova G.I., Światowa kultura artystyczna: programy dla instytucji edukacyjnych. 5-11 klas, Moskwa, Drop, 2010.
Danilova G.I., Światowa kultura artystyczna. 11. klasa, Moskwa, „Interbook” 2002.
Polevaya V.M., Encyklopedia sztuki popularnej: Architektura. Obraz. Rzeźba. Grafika. Sztuka dekoracyjna, Moskwa, „Encyklopedia radziecka”, 1986.
Plan - podsumowanie lekcji
Temat: „Pojawienie się nowych stylów wXVII – XVIIIwieki.”
Cel lekcji:
– edukacyjne (daj wyobrażenie o głównych stylach artystycznych, które powstały wXVII – XVIIIwieki);
– rozwojowe (rozwijanie umiejętności rozumienia różnorodności stylistycznej sztuki, umiejętności analizy konkretnych dzieł sztuki);
– edukacyjne (rozbudzanie zainteresowań sztuką i rozwijanie świadomości jej wartości).
Sprzęt:
– tablica (oznaczenie tematu lekcji, nazwy stylów, nowe terminy, nazwiska mistrzów, którzy pracowali w każdym konkretnym stylu);
– laptop z głośnikami (do wyświetlania ilustracji obrazów artystów i słuchania nagrań audio).
Podczas zajęć
Organizowanie czasu.
Dobrego popołudnia klaso. Dzisiaj przestudiujemy nowy temat, który pozwoli nam na krótki przegląd tego, o czym dowiemy się więcej w kolejnych lekcjach. Porozmawiamy o stylach, które pojawiły się w sztuce europejskiej w okresie późnego renesansu i rozwijały się do końcaXVIIIwieki
Upewnij się, że masz na biurku notesy i długopisy, ponieważ... Dziś musisz zapisać wiele ważnych informacji.
Wyjaśnienie nowego materiału.
Zatem tematem naszej lekcji jest „Pojawienie się nowych stylów wXVII – XVIIIwieki.”(Zwracam uwagę dzieci na temat: jest on zapisany na tablicy i podkreślony kredą) .
Zanim zaczniemy, spróbujmy sobie przypomnieć, jaka była sytuacja w sztuce zachodnioeuropejskiej pod koniecXVIV.
Począwszy od drugiej połowy zauważalny jest już upadek malarstwa włoskiego, a im dalej, tym staje się on coraz silniejszy. Po okresie świetności następuje okres naśladownictwa. Indywidualne cechy genialnych mistrzów zamieniają się w maniery i kanony wśród ich naśladowców.
Wielu znanym mistrzom, przy całej doskonałości swojej techniki i udanym podejściu do próbek, brakuje poczucia proporcji - pierwszego warunku piękna i poważnej godności. Następuje „odejście” od zasad malarstwa charakterystycznych dla renesansu w stronę przesady. Ta przesada stanowi podstawę nowego stylu artystycznego.
Manieryzm (od łacińskiej techniki, maniery) (na tablicy zapisano nowy termin i jego tłumaczenie oraz nazwiska przedstawicieli tego stylu, zwracam uwagę dzieci na te notatki i proszę o przepisanie ich do zeszytów) odzwierciedla kryzys renesansowych idei ideału.
Manieryzm pojawił się we Włoszech, ale bardzo szybko stał się stylem paneuropejskim.
Ułatwiły to 2 czynniki:
działalność mistrzów włoskich poza granicami Włoch;
szeroka dystrybucja malarstwa, grafiki, ryciny i grafiki mistrzów manierystycznych.
Samo określenie należy do biografa i malarza Giorgio Vasariego, który nazywa go nowym systemem obrazowym, który charakteryzuje się 3 głównymi cechami:
Ostrość obrazów;
Ekspresja póz, wydłużone proporcje postaci;
Kontrasty światła i koloru(powyższe zasady są także utrwalane przez uczniów i następnie analizowane na przykładach obrazów artystów reprezentujących ten styl).
Wszystkie trzy zasady znalazły odzwierciedlenie w dziełach mistrzów manieryzmu, za których powszechnie uważa się:
- Allesandro Allori ;
- Francesco Parmigianino;
-Jacopo Tintoretto.
Uwzględnia się także manierystówprzedstawiciele szkoły Fontainebleau we Francji iEl Greca w Hiszpanii.
W literaturze i muzyce termin „manieryzm” jest używany szerzej niż w sztukach wizualnych; manierystyczne to dzieła literackie, które charakteryzują się złożonością sylaby i składni oraz użyciem fantazyjnych i fantastycznych obrazów.
Uderzającym tego przykładem jest dwutomowa powieść „Euphues” Johna Lyly’ego, z której powstał termin „eufuizm”, oznaczający styl wysoce sztuczny i pretensjonalny.
Manieryzm w muzyce to dzieło Carlo di Vinosa, które charakteryzuje się harmonią, zmianami tempa i żywą ekspresją.
Mimo to bardzo często historycy sztuki nie wyróżniają manieryzmu jako odrębnego stylu, lecz uznają go jedynie za wczesny etap jednego z najbardziej ambitnych kierunków w sztuce.XVII – XVIIIwieki –barokowy .
Barok odczytywany jest jako styl syntetyczny, tj. sztucznie stworzony na bazie dwóch poprzednich nurtów - renesansu i manierystyki. Od pierwszego nabrał przepychu i solidności, od drugiego - dynamiki i emocjonalności.
Barok dominował w sztuce europejskiej od końcaXVIdo środkaXVIIIwieku i obejmował wszystkie rodzaje twórczości, najpełniej odzwierciedlone w architekturze i sztukach pięknych.
Termin pochodzi od portugalskiego słowabarok , co oznacza perłę o nieregularnym kształcie. Jednakże w języku włoskim istnieje odpowiednik -barokowy – bujne, czerwone, dziwne. Właściwie te trzy słowa - bujny, czerwony, dziwny - definiowały sztukę baroku - jasną, luksusową, tonącą w złocie i aksamicie(termin i jego interpretacje skopiowane z tablicy) .
Barok wywarł na ludziach ogromne wrażenie, dlatego bardzo szybko zakorzenił się głęboko w krajach katolickich, stając się nieodzownym atrybutem władzy i potęgi Papieża. Dlatego też największymi zabytkami architektury barokowej są kościoły i klasztory.
Uderzającym tego przykładem jest Plac Świętego Piotra i Katedra w Rzymie autorstwa architektów Lorenzo Berniniego i Francesco Borrominiego.
Tradycyjnie za przedstawicieli baroku uważa się:
- architekci Lorenzo Bernini i Francesco Borromini
- artyści Caravaggio, Carracci, Peter Paul Rubens i Rembrandt van Rijn (imiona mistrzów zapisane na tablicy dzieci przepisują w zeszytach) .
Sztukę baroku, zarówno w architekturze, jak i rzeźbie i malarstwie, charakteryzuje:
Kontrast, połączenie światła i cienia;
Dynamika;
Upodobanie do spektakularnego pokazu, przepychu i blasku(zasady można spisać lub przedstawić jedynie ustnie, gdyż zostaną one omówione szerzej na kolejnych lekcjach) .
Wielokolorowa rzeźba, modelarstwo, rzeźby, lustra, obrazy, malowidła sufitowe, dziesiątki metrów jedwabiu, aksamitu i brokatu w dekoracji wnętrz - to rozległe dziedzictwo, jakie pozostawił nam barok.
Wszystkie te elementy dekoracyjne pomogły później Charlesowi Lebrunowi i Louisowi Levo – architektowi i rzeźbiarzowi – w realizacji projektu najwspanialszego zabytku architektury pałacowo-parkowej, Wersalu. Ale o tym później.
Tymczasem mamy stulecieXVIII, jego pierwsza połowa. Królowie Ludwikowie, monarchowie z dynastii Burbonów, wszelkimi dostępnymi środkami pragną umocnić swoją władzę, podkreślając swój status „wybrańca”. Ogromny dwór królewski wymaga rozrywki i luksusu. Nie zadowala ich przepych baroku, potrzebują czegoś mniej pretensjonalnego, ale bardziej eleganckiego. Odkryciem staje się nowy styl „wielkich uroczystości” – rokoko.
Rokoko (z francuskiego. rocaille – motyw dekoracyjny w kształcie muszli) - jest to styl lub kierunek stylistyczny w sztuce francuskiej pierwszej połowyXVIIIwiek(nazwę stylu przepisują dzieci z planszy wraz z imionami jego przedstawicieli) .
Termin „rokoko” nie pojawił się od razu; później zaczęto gardzić manierą związaną z tym stylem.
Rokoko charakteryzuje się:
Pełen wdzięku, wyrafinowane formy,
Sceny idylliczne (pastorskie) lub zmysłowe,
Przyćmione kolory, subtelna gra świateł, zamglone obrazy(każda z zasad zilustrowana została na przykładach obrazów artystów poniżej) .
W historii sztuki współczesnej za przedstawicieli rokoka uważa się czterech wybitnych francuskich artystów-dekoratorów:Francois Boucher, Antoine Watteau, Nicolas Lancret i Jean Fragonard .
Ci czterej malarze w trakcie swojej twórczości stworzyli styl, którego obrazy i meble przez wiele lat zdobiły pałace najbogatszych ludzi we Francji.
Rokoko to styl kameralny (małe formy), głównie malarstwo i rzeźba, w którym znaczące miejsce zajmuje DPI.
Tematyka utworów oscyluje w obrębie tematyki mitologicznej i pastoralnej.
Jednak nadmierny pociąg do amorków i Wenus, pięknych pasterzy i pastereczek ostatecznie zrujnował ten styl.
W połowie lat 50XVIIIwiek rokoko krytykowano za manierę, nadmierną zmysłowość i absurdalne komplikacje kompozycyjne.
Wiek Oświecenia wkradł się niezauważony i zadał miażdżący cios zasadom, dzięki którym rozwinął się rokoko. Przede wszystkim oświecenie wraz ze swoimi nowymi ideałami wpłynęło na architekturę, która nigdy nie była mocną stroną rokoka. Mistrzów zaczął pociągać rygor i spokój starożytnej, głównie greckiej architektury.
Rosnącemu zainteresowaniu starożytnością sprzyjało odkrycie w 1755 roku miasta Pompeje z jego bogatym dziedzictwem artystycznym, a także studiowanie architektury w południowych Włoszech. Efektem nowych trendów był wysoki styl w sztuce i literaturze zwany klasycznym.
Więc,klasycyzm (dzieci przepisują termin z tablicy) - styl w literaturze i sztuceXVIII- RozpoczętyXIX, który uznał dziedzictwo starożytne za normę i idealny model.
Styl ten pojawił się we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na inne kraje za sprawą artystów i architektów, którzy byli aktywnie zapraszani na dwory monarchów europejskich, jako nosiciele wiedzy „absolutnej harmonii”.
Artyści, pisarze i architekci klasycyzmu wierzyli, że dzieło sztuki jest owocem rozumu i logiki, dlatego powinno być pozbawione chaosu i płynności form.
W oparciu o sztukę starożytną mistrzowie opracowali szereg zasad, zgodnie z którymi wszyscy przedstawiciele stylu zobowiązali się stworzyć:
Przedstawienie wysokich ideałów (bohaterskich i moralnych);
Ścisła organizacja logicznych, wyraźnych obrazów;
Ograniczenie koloru(wszystkie te zasady są demonstrowane dzieciom na ilustracjach dzieł sztuki klasycznych mistrzów) .
Wydawać by się mogło, że ustanowienie tak sztywnych granic zubożyło artystyczne formy stylu, zamieniając je w szablony. Jednak tak nie jest. Wiadomo, że to architekci klasycyzmu zdołali stworzyć te pałace i zespoły parkowe, które obecnie zachwycają cały świat.
Trzej wybitni architekci – Jules Hardouin-Mansart, Andre Le Nôtre, a później Louis Leveau – zbudowali Wersal – najjaśniejszy przykład sztuki klasycznej.
Wersal, zbudowany z białego marmuru, jest ucieleśnieniem wszystkich kanonów starożytnego dziedzictwa. Na zewnątrz przejrzystość, przejrzystość, prostota formy. Wewnątrz następuje odrodzenie stylu barokowego. Postaramy się dowiedzieć, dlaczego tak się stało, w kolejnych lekcjach.
Najwięksi przedstawiciele klasycyzmu to:
- architekci Jules Hardouin-Mansart, Andre Le Nôtre, Louis Levo;
- rzeźbiarz Antonio Canova;
- artyści Jacques-Louis David i Nicolas Poussin (dzieci przepisują nazwiska mistrzów w swoich zeszytach) .
W czasach Napoleona, który cel sztuki widział w gloryfikowaniu swojej osobowości i wyczynów, klasycyzm odrodził się w stylu uroczystym i pod wieloma względami bardziej integralnym - stylu Empire.
Jeśli chodzi o muzykę okresu klasycznego, wyróżnia się tu „krąg wiedeński” - Haydn, Mozart i Beethoven. Literaturę klasycyzmu reprezentują dzieła Moliera i Woltera na Zachodzie, Łomonosowa, Nowikowskiego i Gribojedowa w Rosji.
Zreasumowanie.
Dziś zapoznaliśmy się z czterema nowymi stylami sztuki europejskiej, przeanalizowaliśmy cechy charakterystyczne każdego z nich, a także przyjrzeliśmy się ilustracjom typowych przedstawicieli. W następnej lekcji będziemy kontynuować naukę tych stylów, skupiając się bardziej szczegółowo na najwspanialszym z nich - baroku.
Praca domowa.
Teraz zapisz zadanie domowe. Przeczytaj akapit nr 1 w podręczniku, części 1 – 3. I zastanów się nad odpowiedzią na pytanie: „Jaki stylXVII – XVIIIwieki bardziej Ci się podobało?”, wyjaśnij dlaczego. To wszystko. Dziękuję wszystkim za uwagę, wszyscy są wolni.
Bibliografia
Danilova G.I. Światowa kultura artystyczna: od XVII wieku do współczesności. 11 Klasa Poziom podstawowy: podręcznik. dla edukacji ogólnej instytucje. – M.: Drop, 2012. – 366, s. 20-30.
Emokhonowa L.G. Sztuka Świata. Podręcznik dla klas 10 – 11. ogólne wykształcenie instytucje. Po 3 godzinach Część 2. – M.: Edukacja, 2012. – 255 s.
Wirtualne Muzeum MalarstwaMałyZatoka. Encyklopedia elektroniczna Muzeum Sztuki i Historii/, 10.08.2016
8 października 2016 r
< http:// mała zatoka. ru/ Rokoko. HTML> , 8 października 2016
< http:// mała zatoka. ru/ klasyczny. HTML> , 8 października 2016