Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Mártir Patricio Ruiz i Picasso (1881 -1973) - wielki hiszpański artysta i najbardziej prowokacyjny malarz XX wieku Pablo Picasso dożył 91 lat. Pozostawił niezatarty ślad w niemal wszystkich dziedzinach sztuki współczesnej.

BIOGRAFIA PABLO PICASSO

Urodził się w 1881. Pablo przyjął nazwisko matki, gdyż nazwisko ojca – Ruiz – było bardzo popularne, a poza tym ojciec przyszłego artysty sam był artystą, a Pablo miał się od kogo uczyć.

Jako dziecko ojciec pozwalał Pablo dokończyć za niego pracę – na przykład wykańczać nogi gołębi. Pewnego dnia, gdy Pablo miał okazję wykonać dzieło na większą skalę, Jose Ruiz był zachwycony jego techniką i – jak głosi jedna z legend o Picasso – był tak zdumiony, że od tego dnia sam przestał malować.

Już w wieku 16 lat Pablo wyjechał do Madrytu, do najlepszej wówczas szkoły artystycznej. Nie studiował tam długo, choć swoim kunsztem potrafił zadziwić zarówno kolegów, jak i nauczycieli. Znacznie bardziej zainteresował się różnymi aspektami życia wielkiego miasta, a także pogrążył się w twórczości interesujących go artystów – Diego Velazqueza, Francisco Goyi, a zwłaszcza El Greco.

Picasso żył bardzo długo, nie przestając tworzyć. W swoim prawie stuletnim życiu przeżył wiele twórczych zmian, romantycznych spotkań z kobietami, zmienił kilkanaście luksusowych domów i umarł jako multimilioner.

PRACA PABLO PICASSO

„Genialny talent” – tak nastolatka została opisana na madryckiej Akademii Sztuk Pięknych. Jednak Pablo wkrótce oznajmił rodzicom, że panuje tam całkowity konserwatyzm i nie dowie się niczego nowego. W wieku 15 lat młody artysta stworzył dzieło o głębokiej treści „Wiedza i miłosierdzie”. Obraz otrzymał złoty medal, a w kawiarni Cztery Koty odbyła się pierwsza indywidualna wystawa Pabla.

W 1900 roku Picasso odwiedził Paryż i zachorował. Cztery lata później przeniósł się tam, aby zamieszkać. „Wygięty arlekin”, „Pijący absynt”. Artysta usuwa z kompozycji wszystko, co niepotrzebne, doskonale oddając stan emocjonalny bohaterów.
Stopniowo wielobarwność znika z obrazów Picassa, ustępując miejsca przeszywającemu błękitowi. Prace przepełnione są poczuciem melancholii i samotności, zbliżonym do nastroju samego malarza.

Wiedza i miłosierdzie Bent Harlequin Pijący absynt

Zmiany w życiu mistrza nastąpiły po jego znajomości z rosyjskim filantropem i kolekcjonerem Piotrem Szczukinem. Kupił kilka obrazów młodego artysty. Cóż, wtedy życie Pabla rozjaśniła jego miłość do rudowłosej piękności Fernandy Olivier, która zainspirowała artystę do stworzenia słynnego wizerunku kobiecej gitary. Dziewczyna mieszkała w tym samym domu co mistrz. Zazdrosny Picasso założył zamek na drzwiach, chroniąc swój skarb. W jego palecie pojawiły się kolory przejrzyste i jasne.

Okres „różowy” odzwierciedla pasję Pabla do cyrku. Jego ulubionymi bohaterami są arlekiny i gimnastyczki uliczne. Miniaturowa gimnastyczka chce utrzymać równowagę, stojąc na wirującej piłce; jest pod wrażeniem swojego sukcesu, pokazując siedzącego obok mężczyznę zwinność i wdzięk („Dziewczyna na balu”). Obraz ma naprawdę magiczną właściwość: nie można z niego wykluczyć żadnego szczegółu - w przeciwnym razie cała kompozycja się rozpadnie.

Połączenie obiektów geometrycznych i postaci ludzkich. W 1906 roku styl artysty zmienił się radykalnie. W „Les Demoiselles d'Avignon” mistrz stworzył zupełnie nową rzeczywistość konstruując figury z brył geometrycznych przerwanych ostrymi kątami. Opinia publiczna i przyjaciele Picassa byli zszokowani. Jednak dzieło to zostanie nazwane ważnym krokiem na drodze do kubizmu. Fine Esperanto, jak nazywa się ten gatunek, rozwijało się etapami.

Scenę „Cézanne’a” charakteryzują odcienie szarości, brązu i zieleni („Kobieta z wachlarzem”), a obraz opiera się na zestawieniu figur geometrycznych. Kubizm „analityczny” dosłownie „rozdziela” obraz na części. Płótno przypomina odłamki potłuczonego szkła zawierające odbicie osoby („Portret Ambroise’a Vollarda”). Kubizm „syntetyczny” („Skrzypce i gitara”) wyróżnia się dekoracyjnością i kontrastem. Pomimo odrzucenia przez publiczność większości pomysłów Picassa, jego obrazy sprzedawały się dobrze.

Kobieta z fanem Portret Ambroise’a Vollarda na skrzypcach i gitarze

W 1917 roku artysta postanowił spróbować swoich sił w nowej dziedzinie, tworząc scenografię i kostiumy do występów Baletu Diagilewa w Paryżu. Olga Khokhlova tańczyła w corps de ballet, miała dumną postawę, była arystokratycznie wyrafinowana i niedostępna („Portret Olgi na krześle”). Namiętnie zakochany Pablo poślubił swoją ukochaną. Olga starała się uczynić swojego artystycznego męża bardziej wyrafinowanym. Szybko jednak okazało się, że byli to zupełnie inni ludzie. Nawet narodziny syna nie uratowały umierającego związku.

Cóż, od 1927 roku na płótnach artysty zaczął pojawiać się wizerunek jasnowłosej kobiety („Sen”). Pasja Marie-Therese Walter zbiegła się z próbami wyrażania siebie w sposób surrealistyczny. Skandale w rodzinie i kłótnie z Marią Teresą – Picasso za jednym zamachem przeciął ten węzeł gordyjski, pozostawiając obie kobiety w tyle.

Awangardowa fotografka Dora Maar zapewniła artyście intelektualne ujście. Filmowała cały proces powstawania słynnego tryptyku „Guernica” – reakcji mistrza na wydarzenia wojenne. Dora na wiele lat stała się główną modelką Picassa.
Prawdziwej radości życia Pablo nauczył się od młodej artystki Françoise Gillot („Radość życia”). Niezależna i kochająca wolność dała artyście syna Claude'a i córkę Palomę, ale nie mogła z nim być.

Ostatnia towarzyszka mistrza i druga oficjalna żona, Jacqueline Rock, nazwała go „prałatem” i ucałowała go w dłonie. Jednym z najlepszych dzieł późnego dzieła Picassa jest „Pocałunek”. Wszystko w nim jest przesadnie duże. Kobieta z ufnym oddaniem przytuliła się do ukochanego mężczyzny, wpatrując się w bliskie jej rysy.

Portret Olgi na krześle Sen Radość życia Pocałunek

Długo można się spierać, czy Picasso kochał swoje muzy, czy też mylił pasję z miłością. Jedno jest pewne: wszyscy potrzebni byli, aby pozostawić bezcenną spuściznę po geniuszu, którego znaczenie dla sztuki światowej trudno przecenić. To 50 tysięcy obrazów, rzeźb, ceramiki i rysunków. Taka twórcza energia całkowicie zmieniła krajobraz światowego malarstwa; Picasso już za życia został uznany za geniusza XX wieku.

CIEKAWOSTKI Z ŻYCIA PABLO PICASSO

Po urodzeniu Pablo uznano za zmarłego – dziecko urodziło się tak słabe. Matka miała bardzo trudny poród, co nie mogło nie wpłynąć na spadkobiercę. Położna poszła nawet przekazać matce dziecka smutną wiadomość, że dziecko urodziło się martwe. Jednak wujek Picasso uwielbiał cygara i nawet wszedł do pokoju, w którym leżał jego „martwy” siostrzeniec, trzymając w ustach dymiące cygaro. Wujek, nie zastanawiając się dwa razy, wydmuchnął strumień dymu w twarz dziecka, a ono zareagowało płaczem. Naturalnie, po tym nie był już uważany za zmarłego.

Pierwszym słowem, które wypowiedział chłopiec, było „PIZ”, skrót od „LAPIZ” (po hiszpańsku „ołówek”). Ojciec Pabla, z zawodu artysta, już w wieku 7 lat zaczął wychowywać syna na artystę. Jednak ojciec Picassa poprzysiągł porzucić swoje powołanie, gdy jego syn skończył 13 lat - przewyższył już ojca (swoją drogą profesora sztuki).

Artysta namalował swój pierwszy obraz w wieku dziewięciu lat; przedstawiał on jeźdźca na koniu biorącego udział w walce byków. Już w wieku 15 lat Picasso stworzył swoje pierwsze arcydzieło - obraz przedstawiający jego bliskich przy ołtarzu.

Od dzieciństwa artysta był bardzo porywczy i był stale karany. Z wiekiem temperament artysty stawał się coraz bardziej ekscentryczny, ale jego talent nie zniknął, ale stał się jaśniejszy.

Picasso otrzymał swoje pierwsze poważne dzieło poprzez zawarcie umowy ze sprzedawcą obrazów Pere Menachem z Paryża. To przyniosło mu 150 franków (w nowoczesnych pieniądzach około 750 dolarów amerykańskich - oczywiście).

W 1909 roku młody Picasso i jego przyjaciel wymyślili kubizm – choć to nie oni wymyślili tę nazwę, ale francuski krytyk, który zauważył, że obrazy Picassa były pełne kostek.

Picasso był niezwykle bogaty, pozostawił po sobie jedynie nieruchomości warte półtora miliarda dolarów. Jego obrazy są absolutnie bezcenne. Obecnie niektóre dzieła Pabla Picassa wyceniane są na setki milionów dolarów.

BIBLIOGRAFIA

Kostenewicz A. „Driada”. Geneza i znaczenie malarstwa Picassa // Biuletyn historii, literatury, sztuki. Katedra Historii i Filologii Nauki RAS. M.: Kolekcja; Nauka. T. 1. 2005. s. 118-131.

Pablo Picasso. Wiersze.

M., Marina Picasso. Dziadek: wspomnienia.

M., Nadieżdin N. Ya. Pablo Picasso: „Płomień Guernicy”: Historie biograficzne. - wyd. 2 - M .: Major, Osipenko, 2011. - 192 s. - (Seria „Biografie nieformalne”). - 2000 egzemplarzy.

Niemiecki M. Yu. „Picasso. Droga do triumfu" // M.: Sztuka-21 wiek. 2013

Podczas pisania tego artykułu wykorzystano materiały z następujących stron:pl.wikipedia.org , .

Jeśli znajdziesz jakieś nieścisłości lub chcesz coś dodać do tego artykułu, wyślij nam informację na adres e-mail admin@site, my i nasi czytelnicy będziemy Ci bardzo wdzięczni.

24.04.2017 o 18:43 · Pawlofoks · 1 700

Najsłynniejsze obrazy Picassa

Pablo Picasso to uznany geniusz XX wieku, jego płótna są rozpoznawalne, a jego styl trudno pomylić z innymi malarzami. Jednym z ulubionych tematów w twórczości artysty był cyrk i jego bohaterowie. Mistrz lubił powtarzać, że prawdziwymi malarzami są Rembrandt, Giotto, on jest tylko klaunem. Najsłynniejsze obrazy Picassa sprzedawane za ogromne sumy pieniędzy, ale sam artysta uważał malarstwo za coś w rodzaju osobistego pamiętnika. Przez całe swoje długie, niemal stuletnie życie nie przestawał tworzyć.

10. Dziewczyna na balu

„Dziewczyna na piłce”, namalowany w 1905 roku, jeden z najbardziej legendarnych obrazów Picassa sięga początków różowego okresu artysty, który zbiegł się z przeprowadzką do Paryża. W twórczości mistrza pojawiają się nowe odcienie: jasnoróżowy, czerwony, szaro-perłowy, zwiewny, który odróżnia nowy okres od poprzedniego (niebieski). Zmienia się także nastrój: jeśli wcześniej poruszane tematy były smutne i problematyczne, teraz pojawiają się proste motywy radości i zachwytu nad życiem. Obraz „Dziewczyna na piłce” zbudowany jest na kontrastach: lekkości, kobiecości, elastyczności i wdzięku akrobatki na piłce ze stabilnością, twardością i męskością sportowca na sześcianie. Obie artystki skontrastowane są z tłem: dziewczyna lada moment wypadnie z piłki lub ruszy dalej, natomiast smutny krajobraz z samotnym koniem nie zmieni się jeszcze długo, a może i nigdy.

9. Pijący absynt

« Miłośnik absyntu” – Jeden z najbardziej sensacyjnych obrazów Picassa powstał w 1901 roku; jego tematem był ulubiony napój modnej bohemy – absynt. Choć wrażenie tej kreacji jest bardzo bolesne, nie sposób nie zwrócić uwagi na znakomicie dobraną paletę barw: kontrastujące barwy wyrażają wewnętrzne zmagania bohaterki, jej zmagania ze światem zewnętrznym, pojawiające się po drodze sprzeczności i trudności. Obraz na zdjęciu cuchnie samotnością i opuszczeniem, jest kanciasty, jakby załamany, poza wymuszona, a zbyt duża prawa ręka zdaje się odgradzać kobietę od świata, poszukującą samotności i ochrony. I tylko lekki, sarkastyczny uśmiech na ustach bohaterki mówi nam, że ta dama wciąż żyje.

8. Dziewczyny z Awinionu

„Dziewczyny z Awinionu” Obraz namalowany w 1907 roku jest jednym z najbardziej typowych przykładów kubizmu. Wydawać by się mogło, że kubizm jest zupełnie nie na miejscu tam, gdzie konieczne jest przedstawienie giętkich kobiecych ciał, jednak Picasso udaje się to zrobić w taki sposób, że patrząc na płótno nie odczuwa się dysonansu. Pomimo tego, że kolana, twarze i piersi dziewcząt są przedstawiane jako kanciaste, rozumiemy, że przed nami są kapłanki miłości. Prototypem dla nich były prawdziwe dziewczyny z burdelu w dzielnicy Awinion w Barcelonie. Początkowo obraz miał zawierać inne wizerunki personifikujące śmierć, później jednak artysta pozostawił jedynie wizerunki kobiet i owoców jako symboli płodności. Wyzwaniem nie jest tutaj temat, nie to, co jest przedstawione, ale forma, sposób, w jaki to jest przedstawiane.

7. Trzej muzycy

Znany obraz Picassa „Trzej muzycy” napisany w stylu kubizmu. Nie tylko muzycy zostali przedstawieni w klaunicznych szatach, artysta symbolicznie przedstawił Guillaume’a Apollinaire’a z klarnetem, Maxa Jacoba z akordeonem i siebie ze skrzypcami. Postacie zdają się być naklejone na płótno oddzielnie od siebie, a kontury ich ciał zdają się poruszać w przestrzeni, nadając obrazowi objętości i dynamiki. Pomimo pozornej prostoty, podobieństwa do aplikacji i niewielkiej palety barw, obraz jest niewątpliwie wybitnym dziełem sztuki.

6. Niebieski nago

„Niebieski nagość” – Obraz ten można uznać za jedno z najbardziej znanych płócien Picassa, mimo że jest to jeden z jego najwcześniejszych obrazów (1902). „Niebieski akt”, jak łatwo się domyślić z tytułu i na pierwszy rzut oka, należy do błękitnego okresu twórczości mistrza. Trudno powiedzieć, co autor chciał tym dziełem przekazać i czy w ogóle tego chciał: postać kobiety w pozycji embrionalnej siedzi tyłem do widza. Tylko kolorem i pozą można dostrzec odcień rozpaczy, beznadziei, samotności, nagości, nie tylko w sensie dosłownym, ale także w przenośni.

5. Dora Maar z kotem

„Dora Maar z kotem”. Artystę łączyła żywa, namiętna relacja z Dorą Maar, która trwała dziesięć lat; nie raz była jego muzą. Dory nie można nazwać delikatną i kruchą; jej kobiecość kryje się w tajemnicy, sile i niezwykłej energii. Artysta przelał tę energię na być może najbardziej rozpoznawalny obraz Picassa. Dama w kapeluszu i ostrych niebieskich paznokciach mimowolnie budzi skojarzenia z przedstawicielami rodziny kotów; emanuje niezależnością i buntowniczym usposobieniem. Twarzy ukazanej zarówno z profilu, jak i pełnej twarzy, ze zdeformowanym nosem, ustami i oczami, nie można nazwać piękną, ale trudno ją zapomnieć. Wizerunek małego czarnego kota na ramieniu kobiety tylko podkreśla jasność charakteru Dory Maar, pewną agresywność.

4. Siedząca kobieta. Marii Teresy Walter

« Siedząca kobieta. Maria Teresa Walter” – Jeden z najsłynniejszych obrazów Picassa inspirowany jest inną muzą - Marią Teresą Walter. Postać kobieca zajmuje niemal całe płótno, jej kontury są ciężkie, szorstkie i kanciaste. Twarz nagiej kobiety wyraża głębokie zamyślenie. Picasso stara się ukazać wszechstronność kobiecej natury, świadomie zapominając o anatomii i realistycznym przedstawieniu ludzkiego ciała.

3. Guernika

„Guernica” to praktycznie najbardziej rozpoznawalny obraz Picassa, głównie ze względu na jego wymowę polityczną. Za pomocą tego obrazu mistrz nie tylko wypowiada się przeciwko nazistowskiemu bombardowaniu Guerniki (Hiszpania) podczas wojny domowej, ale także przedstawia obraz wojny w ogóle, ze wszystkimi tragediami i cierpieniami. Płótno cuchnie fizycznym bólem, poczuciem straty, zniszczenia, śmierci. Pomimo całej szkicowości obrazów ludzi, każdy z nich jest obdarzony silną emocjonalnością.

2. Dziewczyna przed lustrem

„Dziewczyna przed lustrem”- kolejne bardzo popularne dzieło Picassa inspirowane jest znaną już Marią Teresą Walter. Główną ideą obrazu jest to, że dziewczyna widzi w lustrze nie dokładnie swoje własne odbicie, ale coś nieziemskiego, innego. Jasne kontrastujące kolory podkreślają dwuznaczność natury. Maria Teresa zdaje się widzieć w lustrze swoją prawdziwą naturę, zdeformowaną, zniekształconą, pomalowaną na jaskrawe odcienie, poszukującą nowych odsłon siebie.

1. Stary gitarzysta

„Stary gitarzysta”. Najbardziej rozpoznawalne dzieła Picassa to w większości dzieła powstałe w Błękitnym Okresie twórczości. To zdjęcie jest tego najwyraźniejszym przykładem. Inspiracją do powstania było samobójstwo przyjaciela artysty, Carlosa Casagemasa. Zimny ​​​​niebieski kolor wyraża melancholię, frustrację, wycofanie; postać gitarzysty jest zgarbiona i ściśnięta, trzymająca dużą brązową gitarę. Wielkość instrumentu i jego kolor symbolicznie wskazują, że muzyka jest sposobem na ucieczkę od problemów okrutnego świata i zapomnienie o biedzie, a nawet ślepocie.

Co jeszcze warto zobaczyć:

Prawie nie ma na świecie osoby, która nie zna nazwiska Pablo Picasso. Twórca kubizmu i artysta wielu stylów wywarł wpływ na sztuki piękne nie tylko Europy, ale całego świata XX wieku.

Artysta Pablo Picasso: dzieciństwo i lata nauki

Jeden z najzdolniejszych urodził się w Maladze, w domu przy placu Merced, w 1881 roku, 25 października. Obecnie znajduje się tu muzeum i fundacja im. P. Picassa. Zgodnie z hiszpańską tradycją rodzice nadawali chłopcu na chrzcie dość długie imię, będące naprzemiennością imion świętych oraz najbliższych i najbardziej szanowanych krewnych w rodzinie. Ostatecznie jest znany przez pierwszego i ostatniego. Pablo zdecydował się przyjąć nazwisko matki, uznając, że nazwisko ojca jest zbyt proste. Talent i pasja do rysowania chłopca objawiały się już od wczesnego dzieciństwa. Pierwszych i bardzo cennych lekcji udzielił mu ojciec, który także był artystą. Nazywał się Jose Ruiz. Już w wieku ośmiu lat namalował swój pierwszy poważny obraz – „Picador”. Można śmiało powiedzieć, że to od niej rozpoczęła się twórczość Pabla Picassa. Ojciec przyszłego artysty otrzymał w 1891 roku propozycję pracy jako nauczyciel w La Coruña, a rodzina wkrótce przeniosła się do północnej Hiszpanii. Tam Pablo przez rok uczył się w miejscowej szkole artystycznej. Następnie rodzina przeprowadziła się do jednego z najpiękniejszych miast – Barcelony. Młody Picasso miał wtedy 14 lat i był zbyt młody, aby studiować w La Lonja (szkoła sztuk pięknych). Jednak jego ojciec zadbał o to, aby mógł przystąpić do egzaminów wstępnych na zasadach konkursowych, co spisał się znakomicie. Po kolejnych czterech latach rodzice postanowili zapisać go do najlepszej wówczas zaawansowanej szkoły artystycznej – „San Fernando” w Madrycie. Studia w akademii szybko znudziły młodego talentu; w jej klasycznych kanonach i zasadach czuł się ciasno, a nawet znudzony. Dlatego więcej czasu poświęcił Muzeum Prado i studiowaniu jego zbiorów, a rok później wrócił do Barcelony. Wczesny okres jego twórczości obejmuje obrazy namalowane w 1986 roku: „Autoportret” Picassa, „Pierwsza Komunia” (przedstawia siostrę artysty Lolę), „Portret matki” (na zdjęciu poniżej).

Podczas pobytu w Madrycie odbył swoją pierwszą podróż, podczas której zapoznał się ze wszystkimi muzeami i obrazami największych mistrzów. Następnie kilkakrotnie przyjeżdżał do tego centrum sztuki światowej, a w 1904 roku przeprowadził się na stałe.

Okres „niebieski”.

Okres ten można postrzegać jako właśnie w tym czasie jego indywidualność, podlegająca jeszcze wpływom zewnętrznym, zaczyna objawiać się w twórczości Picassa. Wiadomo, że talent kreatywnych ludzi najwyraźniej objawia się w trudnych sytuacjach życiowych. Tak właśnie stało się z Pablo Picasso, którego prace są obecnie znane na całym świecie. Start został sprowokowany i nastąpił po długiej depresji spowodowanej śmiercią bliskiego przyjaciela Carlosa Casagemasa. W 1901 roku na wystawie zorganizowanej przez Vollarda zaprezentowano 64 prace artysty, ale wówczas były one jeszcze pełne zmysłowości i blasku, wyraźnie wyczuwalny był wpływ impresjonistów. „Błękitny” okres jego twórczości stopniowo wchodził w swoje należne prawa, objawiając się sztywnymi konturami postaci i utratą trójwymiarowości obrazu, odejściem od klasycznych praw perspektywy artystycznej. Paleta barw na jego płótnach staje się coraz bardziej monotonna, z naciskiem na błękit. Za początek tego okresu można uznać „Portret Jaime’a Sabartesa” i autoportret Picassa, namalowany w 1901 roku.

Malarstwo z okresu „niebieskiego”.

Kluczowymi słowami dla mistrza w tym okresie były samotność, strach, poczucie winy, ból. W 1902 roku ponownie wrócił do Barcelony, ale nie mógł tam pozostać. Napięta sytuacja w stolicy Katalonii, bieda ze wszystkich stron i niesprawiedliwość społeczna powodują niepokoje społeczne, które stopniowo ogarnęły nie tylko całą Hiszpanię, ale także Europę. Zapewne ten stan rzeczy wpłynął także na artystę, który w tym roku pracuje owocnie i niezwykle ciężko. W ojczyźnie powstały arcydzieła okresu „niebieskiego”: „Dwie siostry (data)”, „Stary Żyd z chłopcem”, „Tragedia” (zdjęcie płótna powyżej), „Życie”, gdzie obraz zmarły Casagemas pojawia się ponownie. W 1901 roku namalowano także obraz „Pijak absyntu”. Śledzi wpływ popularnej wówczas fascynacji „złośliwymi” postaciami, charakterystycznej dla sztuki francuskiej. Motyw absyntu pojawia się na wielu obrazach. Dzieło Picassa jest między innymi pełne dramatyzmu. Szczególnie uderzająca jest przerośnięta dłoń kobiety, za pomocą której zdaje się ona próbowała się bronić. Obecnie w Ermitażu przechowywany jest „Kochanek absyntu”, który trafił tam z prywatnej, bardzo imponującej kolekcji dzieł Picassa (51 dzieł) S. I. Szczukina po rewolucji.

Gdy tylko nadarzyła się okazja ponownego wyjazdu do Hiszpanii, postanawia z niej skorzystać i wiosną 1904 roku opuszcza Hiszpanię. To tam zetknął się z nowymi zainteresowaniami, doznaniami i wrażeniami, co dało początek nowemu etapowi jego twórczości.

Okres „różowy”.

W twórczości Picassa etap ten trwał stosunkowo długo – od roku 1904 (jesień) do końca 1906 – i nie był do końca jednorodny. Większość obrazów z tego okresu charakteryzuje się jasną gamą kolorów, pojawieniem się ochry, perłowo-szarych, czerwono-różowych odcieni. Charakterystyczne jest pojawienie się i późniejsza dominacja nowych tematów w twórczości artysty - aktorzy, artyści cyrkowi i akrobaci, sportowcy. Oczywiście przeważającą większość materiału zapewnił mu Cyrk Medrano, który w tamtych latach znajdował się u podnóża Montmartre. Jasna scenografia teatralna, kostiumy, zachowanie, różnorodność typów zdawały się przywracać P. Picassa do świata, choć przekształconego, ale rzeczywistych form i objętości, naturalnej przestrzeni. Obrazy na jego obrazach na nowo stały się zmysłowe, pełne życia i blasku, w przeciwieństwie do bohaterów „niebieskiego” etapu twórczości.

Pablo Picasso: dzieła okresu „różowego”.

Obrazy, które zapoczątkowały nowy okres, zostały po raz pierwszy wystawione pod koniec zimy 1905 roku w Galerii Serurrier - są to „Akt siedzący” i „Aktor”. Jednym z uznanych arcydzieł „różowego” okresu jest „Rodzina komików” (na zdjęciu powyżej). Płótno ma imponujące wymiary - ponad dwa metry wysokości i szerokości. Postacie artystów cyrkowych ukazane są na tle błękitnego nieba; powszechnie przyjmuje się, że arlekinem po prawej stronie jest sam Picasso. Wszystkie postacie są statyczne, nie ma między nimi wewnętrznej bliskości; każdy z nich spętany jest wewnętrzną samotnością – motywem przewodnim całego „różowego” okresu. Ponadto warto zwrócić uwagę na następujące prace Pabla Picassa: „Kobieta w koszuli”, „Toaleta”, „Chłopiec prowadzący konia”, „Akrobaci. Matka i Syn”, „Dziewczyna z kozą”. Wszystkie ukazują widzowi piękno i spokój, rzadkie w obrazach artysty. Nowy impuls do twórczości pojawił się pod koniec 1906 roku, kiedy Picasso podróżował po Hiszpanii i trafił do małej wioski w Pirenejach.

Afrykański okres twórczy

P. Picasso po raz pierwszy zetknął się z archaiczną sztuką afrykańską na wystawie tematycznej w Muzeum Trocadero. Imponowały mu pogańskie bożki o prymitywnej formie, egzotyczne maski i figurki, które ucieleśniały wielką siłę natury i były zdystansowane do najdrobniejszych szczegółów. Ideologia artysty zbiegła się z tym potężnym przesłaniem, w efekcie czego zaczął upraszczać swoich bohaterów, czyniąc ich niczym kamienne bożki, monumentalnymi i ostrymi. Jednak pierwsze dzieło w tym stylu pojawiło się już w 1906 roku – jest to portret pisarza autorstwa Pabla Picassa. Przepisywał obraz 80 razy i już całkowicie stracił wiarę w możliwość ucieleśnienia swojego wizerunku w stylu klasycznym. . Moment ten słusznie można nazwać przejściowym od podążania za naturą do deformacji formy. Wystarczy spojrzeć na takie obrazy jak „Naga kobieta”, „Taniec z welonami”, „Dryada”, „Przyjaźń”, „Popiersie marynarza”, „Autoportret”.

Ale być może najbardziej uderzającym przykładem afrykańskiego etapu twórczości Picassa jest obraz „Les Demoiselles d’Avignon” (na zdjęciu powyżej), nad którym mistrz pracował przez około rok. Był on zwieńczeniem tego etapu drogi twórczej artysty i w dużej mierze zadecydował o losach sztuki jako całości. Obraz ukazał się po raz pierwszy dopiero trzydzieści lat po namalowaniu i stał się otwartymi drzwiami do świata awangardy. Środowisko bohemy Paryża dosłownie podzieliło się na dwa obozy: „za” i „przeciw”. Obraz znajduje się obecnie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.

Kubizm w twórczości Picassa

Problem niepowtarzalności i dokładności obrazu pozostawał na pierwszym miejscu w europejskiej sztuce plastycznej aż do momentu, gdy wdarł się w nią kubizm. Wielu uważa, że ​​impulsem do jego rozwoju było pytanie, które pojawiło się wśród artystów: „Po co rysować?” Na początku XX wieku wiarygodnego obrazu tego, co się widzi, można było nauczyć niemal każdego, a fotografia dosłownie deptała jej po piętach, co groziło całkowitym wyparciem wszystkiego innego. Obrazy wizualne stają się nie tylko wiarygodne, ale także dostępne i łatwe do powielenia. Kubizm Pabla Picassa w tym przypadku odzwierciedla indywidualność twórcy, porzucając wiarygodny obraz świata zewnętrznego i otwierając zupełnie nowe możliwości i granice percepcji.

Wczesne prace to: „Garnek, szkło i książka”, „Kąpiel”, „Bukiet kwiatów w szarym dzbanku”, „Chleb i miska owoców na stole” itp. Na płótnach wyraźnie widać, jak zmienia się styl artysty i pod koniec tego okresu (1918-1919) nabiera coraz bardziej abstrakcyjnych cech. Na przykład „Arlekin”, „Trzej muzycy”, „Martwa natura z gitarą” (na zdjęciu powyżej). Skojarzenie twórczości mistrza z abstrakcjonizmem zupełnie nie odpowiadało Picassowi; ważny był dla niego bardzo emocjonalny przekaz obrazów, ich ukryte znaczenie. Ostatecznie styl kubizmu, który sam stworzył, stopniowo przestał inspirować i interesować artystę, otwierając drogę nowym trendom w twórczości.

Okres klasyczny

Druga dekada XX wieku była dla Picassa dość trudna. Tym samym rok 1911 upłynął pod znakiem historii skradzionych figurek z Luwru, która nie postawiła artysty w najlepszym świetle. W 1914 roku stało się jasne, że Picasso nawet po tylu latach życia na wsi nie był gotowy walczyć po stronie Francji w I wojnie światowej, która oddzieliła go od wielu przyjaciół. A w następnym roku zmarła jego ukochana Marcelle Humbert.

Na powrót do twórczości bardziej realistycznego Pabla Picassa, którego dzieła ponownie przepełnione zostały czytelnością, figuratywnością i logiką artystyczną, wpływ miało także wiele czynników zewnętrznych. Między innymi wyjazd do Rzymu, gdzie nasycił się sztuką starożytną, a także kontakt z trupą baletową Diagilewa i spotkanie z baletnicą Olgą Khokhlovą, która wkrótce została drugą żoną artysty. Jej portret z 1917 roku, w pewnym sensie eksperymentalny, można uznać za początek nowego okresu. Rosyjski balet Pablo Picasso nie tylko zainspirował powstanie nowych arcydzieł, ale także dał życie swojemu ukochanemu i długo oczekiwanemu synowi. Najsłynniejsze dzieła tego okresu: „Olga Khokhlova” (na zdjęciu powyżej), „Pierrot”, „Martwa natura z dzbankiem i jabłkami”, „Śpiący chłopi”, „Matka z dzieckiem”, „Kobiety biegające po plaży”, „Trzy Gracje”.

Surrealizm

Podział twórczości to nic innego jak chęć uporządkowania jej na półkach i wciśnięcia w określone (stylistyczne, czasowe) ramy. Jednak takie podejście do twórczości Pabla Picassa, który zdobi najlepsze muzea i galerie na świecie, można nazwać bardzo warunkowym. Jeśli kierować się chronologią, to okres, w którym artysta był bliski surrealizmu, przypada na lata 1925-1932. Nic dziwnego, że na każdym etapie twórczości mistrza muza odwiedzała mistrza pędzla, a gdy O. Chokhlova chciała rozpoznać siebie w swoich płótnach, zwrócił się w stronę neoklasycyzmu. Jednak kreatywni ludzie są zmienne i wkrótce w życie Picassa wkroczyła młoda i bardzo piękna Maria Teresa Walter, która w chwili ich znajomości miała zaledwie 17 lat. Była przeznaczona do roli kochanki, dlatego w 1930 roku artystka kupiła zamek w Normandii, który stał się dla niej domem, a dla niego warsztatem. Maria Teresa była wierną towarzyszką, wytrwale znoszącą twórcze i pełne miłości porzucenie twórcy, utrzymującą przyjacielską korespondencję aż do śmierci Pabla Picassa. Prace z okresu surrealizmu: „Taniec”, „Kobieta na krześle” (na zdjęciu poniżej), „Kąpiel”, „Akt na plaży”, „Sen” itp.

Okres II wojny światowej

Sympatia Picassa podczas wojny w Hiszpanii w 1937 należała do Republikanów. Kiedy w tym samym roku włoskie i niemieckie samoloty zniszczyły Guernicę – polityczne i kulturalne centrum Basków – Pablo Picasso w ciągu zaledwie dwóch miesięcy na ogromnym płótnie o tej samej nazwie przedstawił leżące w gruzach miasto. Dosłownie ogarnął go horror zagrożenia, które wisiało nad całą Europą, co nie mogło nie wpłynąć na jego twórczość. Emocje nie były wyrażane bezpośrednio, ale wyrażały się w tonie, jego ponurości, goryczy i sarkazmie.

Gdy wojny wygasły i świat powrócił do względnej równowagi, przywracając wszystko, co zostało zniszczone, prace Picassa również nabrały szczęśliwszych i jaśniejszych barw. Jego płótna, malowane w latach 1945-1955, mają klimat śródziemnomorski, są bardzo klimatyczne i po części idealistyczne. W tym samym czasie zaczął zajmować się ceramiką, tworząc wiele ozdobnych dzbanków, naczyń, talerzy i figurek (zdjęcie powyżej). Dzieła, które powstały w ciągu ostatnich 15 lat jego życia, są bardzo nierówne pod względem stylu i jakości.

Jeden z najwybitniejszych artystów XX wieku, Pablo Picasso, zmarł w wieku 91 lat w swojej willi we Francji. Został pochowany w pobliżu należącego do niego zamku Vovenart.

), pełne imię i nazwisko Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (hiszp. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Męczennik Patricio Ruíz y Picasso posłuchaj)) - hiszpański artysta, rzeźbiarz, grafik, ceramik i projektant.

Eksperci nazwali Picassa najdroższym artystą - w ciągu roku to tylko tom urzędnik sprzedaż jego dzieł wyniosła 262 miliony.

Pierwsze prace

Picasso zaczął rysować od dzieciństwa; Picasso pierwsze lekcje umiejętności artystycznych pobierał u swojego ojca, nauczyciela plastyki J. Ruiza, i wkrótce opanował je doskonale. W wieku 8 lat namalował swój pierwszy poważny obraz olejny, pt. Pikador z którym nie rozstał się przez całe życie.

Picasso studiował w szkole artystycznej w La Coruña (-). W 2006 roku rozpoczął naukę w Szkole Sztuk Pięknych w Barcelonie. Najpierw podpisuje się imieniem ojca Ruiza Blasco, ale potem wybiera nazwisko swojej matki Picasso. We wrześniu wyjeżdża do Madrytu, gdzie w październiku odbywają się konkursy do Akademii San Fernando.

Dzieło okresu przejściowego - od „niebieskiego” do „różowego” - „Dziewczyna na balu” (1905, Muzeum Sztuk Pięknych, Moskwa).

Podczas rzymskich przygotowań do parady Picasso poznał baletnicę Olgę Khokhlową, która została jego pierwszą żoną. 12 lutego tego roku biorą ślub w rosyjskim kościele w Paryżu; świadkami ich ślubu byli Jean Cocteau, Max Jacob i Guillaume Apollinaire. Na świat przychodzi ich syn Paweł (4 lutego).

Euforyczna i konserwatywna atmosfera powojennego Paryża, małżeństwo Picassa z Olgą Khokhlovą, sukces artysty w społeczeństwie – wszystko to częściowo wyjaśnia ten powrót do figuratywności, tymczasowy, a ponadto względny, ponieważ Picasso nadal malował wtedy wyraźne kubistyczne martwe natury czasu („Mandolina i gitara”, 1924). Wraz z cyklem olbrzymek i kąpiących się pojawiły się obrazy inspirowane stylem „pompejskim” („Kobieta w bieli”, 1923), liczne portrety jego żony („Portret Olgi”, pastel, 1923) i syna („Paweł w kostium Pierrota”) są jednymi z najbardziej urzekających dzieł, jakie kiedykolwiek napisał artysta, choć swoją nieco klasyczną orientacją i parodią w pewnym stopniu intrygowały ówczesną awangardę.

Surrealizm

Picasso wywarł ogromny wpływ na artystów ze wszystkich krajów, stając się jednym z najsłynniejszych mistrzów sztuki XX wieku.

Galeria

Każdy słyszał o Pablu Picasso. Jest nie tylko znanym hiszpańskim artystą, ale także rzeźbiarzem, grafikiem, ceramikiem, artystą teatralnym, poetą i dramaturgiem. Jego imię chrzcielne składa się z 23 słów - Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz Clito Picasso. Mówi się, że nosi imię kilku świętych i krewnych. Pablo pokazał swój rzadki talent już w wieku 10 lat, kiedy ukończył swój pierwszy obraz zatytułowany „Żółty Picador”, przedstawiający mężczyznę jadącego na koniu podczas walki byków. Pablo Picasso napisał w ciągu swojego życia wiele arcydzieł, które wciąż budzą podziw na całym świecie. Na naszej liście wymieniliśmy te najbardziej znane.

✰ ✰ ✰

Stary gitarzysta

Obraz powstał w 1903 roku, po samobójstwie przyjaciela Picassa, Carlosa Casagemasa. W tym czasie artysta ze zrozumieniem traktuje tych, którzy potknęli się, upokorzeni przez los i biedę. Obraz ten powstał w Madrycie, a zastosowany zniekształcony styl przypomina El Greco. Przedstawia przekrzywionego niewidomego mężczyznę trzymającego dużą brązową gitarę. Kolor brązowy wykracza poza ogólną kolorystykę obrazu. Nie tylko faktycznie, ale i symbolicznie, gitara wypełnia całą przestrzeń wokół starca, który, jak się wydaje, pomimo ślepoty i biedy całkowicie oddał się muzyce.

✰ ✰ ✰

Dziewczyna przed lustrem

Na obrazie namalowanym w marcu 1932 roku widzimy wizerunek francuskiej kochanki Picassa, Marii Teresy Walter. Styl tego obrazu nazywa się kubizmem. Ideą kubizmu jest wzięcie obiektu, rozbicie go na prostsze części, a następnie, z wielu perspektyw, odtworzenie tych samych części na płótnie. W „Dziewczynie przed lustrem” można rozważyć obraz próżności. Obraz na pierwszy rzut oka wydaje się dość prosty, ale jeśli przyjrzysz się uważnie, we wszystkich częściach obrazu znajdziesz różne głębokie symbole.

✰ ✰ ✰

Guernika

Jest to prawdopodobnie jeden z najsłynniejszych obrazów Picassa. To nie tylko zwykły obraz, ale także mocne oświadczenie polityczne. Artysta krytykuje tu nazistowskie bombardowanie baskijskiego miasta Guernica podczas hiszpańskiej wojny domowej. Mierzący 3,5 m wysokości i 7,8 m długości obraz stanowi mocny akt oskarżenia wojny. Zastosowany styl malarski to połączenie stylu pastoralnego i epickiego w czerni i bieli. Guernica to skrupulatny portret tragedii wojny i cierpień ludności cywilnej.

✰ ✰ ✰

Trzej muzycy

Tytuł obrazu zawiera w sobie tytuł cyklu, który Picasso ukończył w 1921 roku w Fontainebleau pod Paryżem. Jest to dość duży obraz - jego szerokość i wysokość przekraczają 2 metry. Wykorzystuje syntetyczny styl kubizmu, który zamienia dzieło sztuki w sekwencję płaszczyzn, linii i łuków. Każdy obraz pod tym tytułem przedstawia Arlekina, Pierrota i mnicha. Mówi się, że tymi trzema symbolicznymi bohaterami są sam Picasso, odpowiednio Guillaume Apollinaire i Max Jacob. Apollinaire i Jacob byli bardzo dobrymi przyjaciółmi Picassa w latach 1910-tych. Niektórzy historycy uważają jednak, że Trzej muzycy to spóźniona odpowiedź Picassa na Matisse'a i jego Lekcję gry na fortepianie.

✰ ✰ ✰

Siedząca kobieta. Marii Teresy Walter

Podobnie jak Guernica, to dzieło sztuki również powstało w 1937 roku. Muzą Picassa była Maria Teresa Walter i stworzył wiele jej spokojnych obrazów. Wielu uważa, że ​​ten obraz przypomina królową z talii kart do gry, a obraz ten często jest wyświetlany za pomocą pasków. Praca również utrzymana jest w stylistyce kubistycznej wraz z polaryzacją barw czerwonej i zielonej.

✰ ✰ ✰

Dora Maar z kotem

Obraz namalowany przez Picassa w 1941 roku przedstawia jego chorwacką kochankę siedzącą na krześle z małym kotkiem na ramieniu. Podczas dziesięcioletniego związku z Dorą Maar Picasso wielokrotnie malował jej portrety. Sama Dora była fotografką surrealistyczną. Obraz ten uważany jest za jeden z najmniej agresywnych obrazów Dory Maar, a także jeden z najdroższych obrazów na świecie. W kompozycji Picasso wykazał się wyjątkową dbałością o szczegóły, z których wiele ma charakter symboliczny.

✰ ✰ ✰

Niebieski nago

„Blue Nude” to jedno z najwcześniejszych arcydzieł Picassa. Został namalowany w 1902 roku. Obraz pochodzi z Błękitnego Okresu Picassa. W tym czasie Picasso używał bladego, chłodnego błękitu jako dominującego koloru w swoich obrazach i szkicach. Większość jego obrazów z okresu niebieskiego odzwierciedlała silne emocje za pomocą jednego koloru. „Niebieski akt” siedzi tyłem do nas w pozycji embrionalnej. Obraz nie posiada podtekstów, a emocje w nim zawarte nie są jasne.

✰ ✰ ✰

Dziewczyny z Awinionu

To arcydzieło zostało namalowane w 1907 roku i jest jednym z najbardziej typowych przykładów kubizmu w malarstwie. Obraz wykracza poza tradycyjną kompozycję i prezentację. Picasso w nowatorski sposób wykorzystuje zniekształcone kobiece ciała i geometryczne kształty. Żadna z postaci nie jest przedstawiona z tradycyjną kobiecością, a kobiety wydają się nieco groźne. Ukończenie tego obrazu zajęło Picassowi dziewięć miesięcy. Obraz ten odzwierciedla także wpływ sztuki afrykańskiej.

✰ ✰ ✰

Nagie, zielone liście i biust

Namalowany w 1932 roku obraz ponownie przedstawia kochankę Picassa, Marię Teresę Walter. Płótno o długości i wysokości około półtora metra zostało ukończone w ciągu jednego dnia. Obraz ten uznawany jest za jedno z największych osiągnięć Picassa okresu międzywojennego. Tworzy złudzenia i jest uważana za bardzo seksowną.

✰ ✰ ✰

Płacząca kobieta

Olej na płótnie „Płacząca kobieta” został namalowany przez Picassa w 1937 roku. Uważa się, że obraz ten jest kontynuacją tematu tragedii ukazanej w Guernicy. Malując płaczącą kobietę, Picasso bezpośrednio skupił się na ludzkim aspekcie cierpienia i stworzył niepowtarzalny, uniwersalny obraz. Obraz ten zakończył cykl namalowany przez Picassa na znak protestu. Modelką obrazu (jak i całego cyklu) była Dora Maar, która pracowała jako zawodowy fotograf.

✰ ✰ ✰

Były to najsłynniejsze obrazy Pabla Picassa. Dziękuję za uwagę.