Słynny twórca legendarnego „Błękitnego Jeźdźca” w dziedzinę sztuki zwrócił się stosunkowo późno – w wieku około 30 lat, co nie przeszkodziło mu w osiągnięciu znacznych wyżyn, stając się jednym z twórców sztuki abstrakcyjnej, założycielem licznych dzieł artystycznych stowarzyszeń artystycznych i wykładowca Wyższej Szkoły Budownictwa i Wzornictwa Artystycznego, znanej szerzej jako Bauhaus.
Kandinsky pochodził z oryginalnej syberyjskiej rodziny kupieckiej, gdzie krew książąt tunguskich była misternie zmieszana z najstarszym rodowodem, nie mniej starożytną rodziną książęcą Mansi i skazańców zesłanych do Nerczyńska za Bóg wie jakie przestępstwa.
W dzieciństwie przyszłego artysty jego rodzina dużo podróżowała po Europie i Rosji, a następnie osiedliła się w Odessie, która była wówczas trzecim najważniejszym miastem Imperium Rosyjskiego. W tym cudownym południowym mieście Wasilij ukończył szkołę średnią, a także otrzymał wykształcenie muzyczne i artystyczne. Pomimo niewątpliwego talentu chłopca, jego rodzice przewidzieli karierę prawnika, którą powołał do życia, studiując z przerwami na Uniwersytecie Moskiewskim.
Jednak prawdziwe życie Kandinsky'ego jako artysty zaczyna się od wystawy sztuki impresjonistycznej w Moskwie w 1895 roku, gdzie uderzyło go w serce dzieło Claude'a Moneta. W następnym roku wyjeżdża do Monachium, gdzie zanurza się w środowisku ekspresjonizmu, jednak wybuch I wojny światowej przerywa jego formację i wraca do ojczyzny. Ale nie był na tej samej drodze z Rosją Radziecką, a Wasilij Wasiljewicz na zawsze opuścił ojczyznę w 1921 roku. Wyjeżdża do Niemiec, skąd po pewnym czasie wraz z żoną ucieka do Francji przed nazistami, którzy zamknęli Bauhaus i uznają jedynie własną, głęboko sformalizowaną i statyczną sztukę. W adoptowanym kraju otrzymuje obywatelstwo, staje się sławny i żyje przez resztę życia.
Przez lata swojej twórczości Kandinsky założył stowarzyszenie Phalanx, szkołę, brał udział w Jack of Diamonds, następnie założył New Monachium Art Association, a później słynnego Blue Rider.
Na początku swojej kariery artystycznej mistrz pracował w sposób realistyczny i częściowo abstrakcyjny, eksperymentował z kształtami i kolorami, malował na szkle.
Rozpoczynając karierę pedagogiczną, Kandinsky szybko stał się wybitnym teoretykiem sztuki abstrakcyjnej i Bauhausu. Jego najsłynniejsze obrazy to „Moskwa”, „Wschód”, „Wahanie” i „Kompozycja”, ale jest ich wiele i każdy z nich ma pełne prawo nazywać się prawdziwym arcydziełem. Jego obrazy są niezwykle ciekawe w odbiorze, ma się wrażenie, że z każdego punktu widzenia odkrywa się w nich coś nowego i niezwykłego.
Niestety faszystom, którzy doszli do władzy, udało się zniszczyć wiele dzieł Wasilija Wasiljewicza, a także innych utalentowanych mistrzów zaliczanych do „sztuki zdegenerowanej”. Ale pozostałe obrazy wystarczą, abyśmy zrozumieli, jak wielkim talentem był Kandinsky. Mistrz zmarł w 1944 roku w Neuilly na przedmieściach Paryża.
Odpowiedź redaktoraJeśli chodzi o sztukę abstrakcyjną, wiele osób dalekich od sztuki od razu wydaje kategoryczny werdykt: kicz. Po tym koniecznie następuje stwierdzenie, że każdy maluch prawdopodobnie będzie rysował lepiej niż ci artyści. Jednocześnie samo słowo „artyści” z pewnością zostanie wypowiedziane z demonstracyjną pogardą, która w niektórych przypadkach będzie wręcz graniczyć z obrzydzeniem.
AiF.ru w ramach kulturalnego programu edukacyjnego opowiada, co jeden z najsłynniejszych abstrakcjonistów chciał przedstawić na swoich płótnach Wasilija Kandinsky’ego.
Malarstwo „Kompozycja VI”
Rok: 1913
Eksponat w muzeum: Ermitaż w Petersburgu
Początkowo Kandinsky chciał nazwać obraz „Kompozycja VI” „Potopem”, ponieważ w tym dziele malarz zamierzał przedstawić katastrofę w skali uniwersalnej. I rzeczywiście, jeśli przyjrzymy się uważnie, dostrzeżemy zarysy statku, zwierząt i przedmiotów, jakby tonęły w wirujących masach materii, jak w falach wzburzonego morza.
Sam Kandinsky, mówiąc później o tym obrazie, zauważył, że „nie byłoby nic bardziej błędnego, niż oznaczenie tego obrazu jako oryginalnego tematu”. Mistrz wyraźnie zwrócił uwagę, że w tym przypadku pierwotny motyw obrazu (Powódź) uległ rozpuszczeniu i przeniósł się w egzystencję wewnętrzną, czysto obrazową, samodzielną i obiektywną. „Wspaniała, obiektywnie występująca katastrofa jest jednocześnie absolutną i żarliwą pieśnią pochwalną o niezależnym brzmieniu, podobną do hymnu nowego stworzenia, który następuje po katastrofie” – wyjaśnił Kandinsky. W rezultacie malarz zdecydował się nadać płótnu numerowany tytuł, gdyż każdy inny tytuł mógłby budzić u koneserów sztuki niepotrzebne skojarzenia, które psułyby emocje, jakie obraz powinien budzić.
Malarstwo „Kompozycja VII”
Obraz „Kompozycja VII”. Zdjęcie: reprodukcja
Rok: 1913
„Kompozycja VII” nazywana jest szczytem twórczości artystycznej Kandinsky'ego okresu przed I wojną światową. Ponieważ obraz powstał bardzo pieczołowicie (poprzedzało go ponad trzydzieści szkiców, akwareli i obrazów olejnych), ostateczna kompozycja jest połączeniem kilku tematów biblijnych: zmartwychwstania, Dnia Sądu, potopu i ogrodu z Edenu.
Idea duszy ludzkiej ukazana jest w semantycznym centrum płótna, cyklu obrysowanym fioletową plamą oraz obok niej czarnymi liniami i kreskami. Nieuchronnie wciąga, niczym lejek wypluwający pewne zaczątki form, rozprzestrzeniający się w niezliczonych metamorfozach po płótnie. Zderzając się, łączą się lub odwrotnie, włamują się do siebie, wprawiając w ruch sąsiednie... To jak sam żywioł Życia wyłaniający się z Chaosu.
Malarstwo „Kompozycja VIII”
„Kompozycja VIII”. Zdjęcie: „Kompozycja VIII”, Wassily Kandinsky, 1923
Rok: 1923
Wystawiony w: Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku
„Kompozycja VIII” radykalnie różni się od poprzednich prac z tego cyklu, ponieważ zamiast rozmytych konturów po raz pierwszy pojawiają się wyraźne geometryczne kształty. W tej pracy nie ma głównej idei jako takiej, zamiast tego sam artysta podaje konkretny opis postaci i kolorów obrazu. Zatem według Kandinsky’ego linie poziome brzmią „zimno i słabiej”, a piony brzmią „ciepło i wysoko”. Kąty ostre są „ciepłe, ostre, aktywne i żółte”, a kąty proste są „zimne, powściągliwe i czerwone”. Zielony jest „zrównoważony i współgra z subtelnymi dźwiękami skrzypiec”, czerwony „może sprawiać wrażenie mocnego uderzenia bębna”, a niebieski jest obecny „w głębi organów”. Żółty „ma zdolność wznoszenia się coraz wyżej, osiągając wyżyny nie do zniesienia dla oka i ducha”. Niebieski „tonie w bezdennych głębinach”. Niebieski „rozwija dźwięk fletu”.
Malowanie „Kłopotów”
Malowanie „Kłopoty”. Zdjęcie: reprodukcja
Rok: 1917
Wystawiony w muzeum: Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa
Tytuł „Niejasne” został wybrany dla filmu nieprzypadkowo. Niejednoznaczność i „zamęt” znajdują w twórczości Kandinsky’ego odzwierciedlenie w dramatycznym zderzeniu sił dośrodkowych i odśrodkowych, jakby zderzających się ze sobą w centrum płótna. Powoduje to uczucie niepokoju, które narasta w miarę przyzwyczajania się do pracy. Masa dodatkowych barw zapewnia swego rodzaju orkiestrację głównego starcia, łagodząc lub zaostrzając zamieszanie.
Malarstwo „Improwizacja 20”
Malarstwo „Improwizacja 20”. Zdjęcie: reprodukcja
Rok: 1911
Eksponat w muzeum: Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkin, Moskwa
W swoich pracach z cyklu „Improwizacja” Kandinsky starał się pokazać nieświadome procesy o charakterze wewnętrznym, które powstają nagle. Z kolei w dwudziestej pracy tej kategorii artysta przedstawił wrażenie swojej „wewnętrznej natury” z biegu dwóch koni w południowym słońcu.
„Łodzie Rapallo”, Wassily Kandinsky, rok nieznany.
„Moskwa, plac Zubovskaya. Studium”, Wasilij Kandinsky, 1916.
„Lekcja z kanałem”, Wasilij Kandinsky, 1901.
„Stare Miasto II”, Wasilij Kandinsky, 1902.
„Gabriel Munter”, Wasilij Kandinsky, 1905.
„Jesień w Bawarii”, Wasilij Kandinsky, 1908.
„Pierwsza abstrakcyjna akwarela”, Wassily Kandinsky, 1910.
„Kompozycja IV”, Wassily Kandinsky, 1911.
„Moskwa I”, Wasilij Kandinsky, 1916
Na początku grudnia 2011 roku na rosyjskich aukcjach w Londynie padły nowe rekordy cenowe. Podsumowując rok, na podstawie wyników sprzedaży aukcyjnej przygotowaliśmy zestawienie najdroższych dzieł rosyjskich artystów.
33 najdroższe miejsca Źródło: 33 najdroższe miejsca.
Według ocen najdroższym rosyjskim artystą jest Mark Rothko. Jego Białe Centrum (1950), sprzedane za 72,8 mln dolarów zajmuje ponadto 12. miejsce na liście najdroższych obrazów świata w ogóle. Jednak Rothko był Żydem, urodził się na Łotwie i opuścił Rosję w wieku 10 lat. Czy to jest sprawiedliwe?z takim rozciąganiem pościg dla rekordów? Dlatego skreśliliśmy z listy Rothko, podobnie jak innych emigrantów, którzy opuścili Rosję, nie stając się jeszcze artystami (np. Tamara de Łempicki i Chaim Soutine).
Nr 1. Kazimierz Malewicz – 60 milionów dolarów.
Autor „Czarnego kwadratu” jest osobą zbyt ważną, aby jego dzieła często można było spotkać na wolnym rynku. Dlatego obraz ten w bardzo trudny sposób trafił na aukcję. W 1927 roku Malewicz, planując zorganizowanie wystawy, przywiózł do Berlina prawie sto dzieł ze swojej leningradzkiej pracowni. Został jednak pilnie wezwany do ojczyzny i pozostawił je pod opieką architekta Hugo Heringa. Uratował obrazy w trudnych latach faszystowskiej dyktatury, kiedy mogły zostać zniszczone jako „sztuka zdegenerowana”, a w 1958 roku, po śmierci Malewicza, sprzedał je Państwowemu Muzeum Stedelka (Holandia).
Na początku XXI wieku prawie czterdziestoosobowa grupa spadkobierców Malewicza wszczęła postępowanie sądowe – gdyż Hering nie był prawnym właścicielem obrazów. W efekcie muzeum przekazało im ten obraz, a podaruje jeszcze cztery, co z pewnością wywoła sensację na jakiejś aukcji. Przecież Malewicz jest jednym z najbardziej podrabianych artystów na świecie, a pochodzenie obrazów z Muzeum Stedelka jest nienaganne. A w styczniu 2012 roku spadkobiercy otrzymali kolejny obraz z tej berlińskiej wystawy, zabierając go ze szwajcarskiego muzeum.
Nr 2. Wassily Kandinsky – 22,9 miliona dolarów.
Na cenę aukcyjną dzieła wpływa jego reputacja. To nie tylko wielkie nazwisko artysty, ale także „pochodzenie” (pochodzenie). Przedmiot ze słynnej kolekcji prywatnej lub dobrego muzeum jest zawsze wart więcej niż dzieło z kolekcji anonimowej. „Fuga” pochodzi ze słynnego Muzeum Guggenheima: pewnego dnia reżyser Thomas Krenz usunął ze zbiorów muzealnych obraz Chagalla i Modiglianiego Kandinsky’ego i wystawił go na sprzedaż. Z jakiegoś powodu muzeum za otrzymane pieniądze zakupiło kolekcję 200 dzieł amerykańskich konceptualistów. Krenz był za tę decyzję bardzo długo potępiany.
Ten obraz ojca sztuki abstrakcyjnej jest ciekawy, ponieważ ustanowił rekord już w 1990 roku, kiedy sale aukcyjne Londynu i Nowego Jorku nie były jeszcze zapełnione lekkomyślnymi rosyjskimi kupcami. Dzięki temu notabene nie zniknął w jakiejś bardzo prywatnej kolekcji w luksusowej rezydencji, ale znajduje się na stałej ekspozycji w prywatnym Muzeum Beyeler w Szwajcarii, gdzie każdy może go zobaczyć. Rzadka okazja na taki zakup!
Nr 3. Aleksiej Jawlenski – 9,43 mln funtów
Nieznany nabywca zapłacił za portret przedstawiający dziewczynę z wioski niedaleko Monachium około 18,5 miliona dolarów. Shokko to nie imię, ale przydomek. Za każdym razem, gdy modelka przychodziła do pracowni artysty, prosiła o kubek gorącej czekolady. Więc „Shokko” zakorzenił się po niej.
Sprzedawany obraz jest częścią jego słynnego cyklu „Wyścig”, przedstawiającego chłopstwo domowe pierwszej ćwierci XX wieku. I naprawdę przedstawia ją z takimi twarzami, że aż strach na to patrzeć. Tutaj, na obrazie pasterza, pojawia się chłopski poeta Nikołaj Klyuev, poprzednik Jesienina. Wśród jego wierszy znajdują się następujące: „W upale dnia szkarłatny kwiat odpadł i wyblakł - Odważne światło dziecka jest dalekie od ukochanej”.
Nr 19. Konstantin Makovsky – 2,03 mln funtów
Makovsky jest malarzem salonowym, znanym z ogromnej liczby głów głogu w kokosznikach i sukienkach, a także z malarstwa „Dzieci uciekające przed burzą”, które kiedyś było stale drukowane na pudełkach czekoladek. Jego słodkie obrazy historyczne cieszą się stałym zainteresowaniem wśród rosyjskich nabywców.
Temat tego obrazu- Stary rosyjski „rytuał pocałunku” Szlachetnym kobietom na starożytnej Rusi nie wolno było opuszczać kwater kobiecych i jedynie w imię honorowych gości mogły wyjść, przynieść kieliszek i (co najprzyjemniejsze) pozwolić się pocałować. Zwróćcie uwagę na wiszący na ścianie obraz: jest to wizerunek cara Aleksieja Michajłowicza, jeden z pierwszych portretów konnych, jakie pojawiły się na Rusi. Jego kompozycja, choć rażąco skopiowana z europejskiego modelu, została uznana za niezwykle nowatorską, a nawet szokującą jak na tamte czasy.
Nr 20. Światosław Roerich – 2,99 miliona dolarów
Syn Mikołaja Roericha jako nastolatek opuścił Rosję. Mieszkał w Anglii, USA, Indiach. Podobnie jak jego ojciec interesował się filozofią Wschodu. Podobnie jak jego ojciec namalował wiele obrazów o tematyce indyjskiej. Ojciec zajmował na ogół ogromne miejsce w jego życiu – namalował jego ponad trzydzieści portretów. Obraz ten powstał w Indiach, gdzie klan osiedlił się w połowie stulecia. Obrazy Światosława Roericha rzadko pojawiają się na aukcjach, a w Moskwie dzieła słynnej dynastii można oglądać w salach Muzeum Wschodu, któremu autorzy je podarowali, a także w Międzynarodowym Centrum Roerichów, które mieści się w luksusowej posiadłości szlacheckiej tuż za Muzeum Puszkina. Obydwa muzea niezbyt się lubią: Muzeum Wschodu rości sobie pretensje zarówno do budynku, jak i zbiorów Centrum Roericha.
Nr 21. Iwan Szyszkin – 1,87 mln funtów
Główny rosyjski pejzażysta spędził na Walaamie trzy lata z rzędu i pozostawił wiele zdjęć tego obszaru. Ta praca jest trochę ponura i nie wygląda jak klasyczny Szyszkin. Wyjaśnia to jednak fakt, że obraz pochodzi z jego wczesnego okresu, kiedy nie znalazł swojego stylu i pozostawał pod silnym wpływem szkoły krajobrazu z Düsseldorfu, w której studiował.
Wspomnieliśmy już o tej szkole w Düsseldorfie powyżej, w przepisie na fałszywego Aivazovsky'ego. " Shishkins” są wykonane według tego samego schematu, na przykład w 2004 roku o godz Sotheby's wystawił „Krajobraz ze strumieniem” z okresu malarza w Düsseldorfie. Jego wartość oszacowano na 1 milion dolarów, co potwierdziło badanie Galerii Trietiakowskiej. Na godzinę przed sprzedażą przedmiot został wycofany – okazał się obraz innego ucznia tej szkoły, Holendra Marinus Adrian Koekkoek, zakupiony w Szwecji za 65 tysięcy dolarów.
Nr 22. Kuzma Petrov-Vodkin – 1,83 mln funtów
W prywatnej kolekcji w Chicago odnaleziono portret chłopca trzymającego ikonę Matki Boskiej. Po przekazaniu go domowi aukcyjnemu eksperci rozpoczęli badania mające na celu ustalenie jego pochodzenia. Okazało się, że obraz był na wystawach w latach 1922 i 1932. W latach trzydziestych prace artysty podróżowały po Stanach w ramach wystawy sztuki rosyjskiej. Być może właśnie wtedy właściciele nabyli ten obraz.
Zwróć uwagę na pustą przestrzeń na ścianie za chłopcem. Początkowo autorka myślała o namalowaniu tam okna z zielonym pejzażem. Zrównoważyłoby to obraz zarówno pod względem kompozycyjnym, jak i kolorystycznym - trawa naśladowałaby zieloną tunikę Matki Bożej (swoją drogą, zgodnie z kanonem powinna być niebieska). Dlaczego Petrov-Vodkin namalował okno, nie jest znane.
Nr 23. Nicholas Roerich – 1,76 mln funtów
Przed wizytą w Szambali i rozpoczęciem korespondencji z Dalajlamą, Nicholas Roerich z powodzeniem specjalizował się w tematyce starożytnej Rosji, a nawet tworzył szkice baletowe do sezonów rosyjskich. Sprzedana partia należy do tego okresu. Przedstawiona scena to cudowne zjawisko nad wodą, które obserwuje rosyjski mnich, najprawdopodobniej Sergiusz z Radoneża. Co ciekawe, obraz powstał w tym samym roku, co inna wizja Sergiusza (wówczas młodzieńczego Bartłomieja), znajdująca się w naszym zestawieniu powyżej. Różnica stylistyczna jest kolosalna.
Roerich namalował wiele obrazów, a lwią część z nich w Indiach. Podarował kilka dzieł Indyjskiemu Instytutowi Badań Rolniczych. Ostatnio dwa z nich, Himalaje, Kanchenjunga i Sunset, Kaszmir ”, pojawił się na aukcji w Londynie. Dopiero wtedy młodsi badacze instytutu zauważyli, że zostali okradzieni. W styczniu 2011 roku Hindusi wystąpili do londyńskiego sądu o pozwolenie na prowadzenie śledztwa w tej sprawie w Anglii. Zainteresowanie złodziei dziedzictwem Roericha jest zrozumiałe, ponieważ istnieje zapotrzebowanie.
Nr 24. Ljubow Popowa – 1,7 mln funtów
Lyubov Popova zmarła młodo, więc nie udało jej się zasłynąć jak inna Amazonka awangardy, Natalya Goncharova. A jej spuścizna jest mniejsza – dlatego trudno znaleźć jej prace na sprzedaż. Po jej śmierci sporządzono szczegółowy inwentarz obrazów. Przez wiele lat martwa natura znana była jedynie z czarno-białej reprodukcji, aż znalazła się w prywatnej kolekcji, okazując się najważniejszym dziełem artysty w rękach prywatnych. Zwróć uwagę na tacę Zhostovo - być może jest to wskazówka zamiłowania Popowej do rzemiosła ludowego. Pochodziła z rodziny kupca iwanowskiego zajmującego się tekstyliami i sama stworzyła wiele szkiców tkanin propagandowych opartych na tradycji rosyjskiej.
Nr 25. Aristarkh Lentulov – 1,7 miliona funtów
Lentułow wszedł do historii rosyjskiej awangardy swoim pamiętnym wizerunkiem Soboru Wasyla Błogosławionego – albo kubizmem, albo patchworkową kołdrą. W tym pejzażu próbuje podzielić przestrzeń według podobnej zasady, ale nie wychodzi to już tak ekscytująco. Właściwie to dlatego „Św. Bazyli Błogosławiony”„w Galerii Trietiakowskiej i ten obraz- na rynku sztuki. Przecież muzealnicy mieli kiedyś okazję odgarnąć śmietankę.
Nr 26. Aleksiej Bogolubow – 1,58 mln funtów
Sprzedaż tego mało znanego artysty, choć ulubionego pejzażysty cara Aleksandra III, za tak szalone pieniądze jest przejawem szaleństwa na rynku w przededniu kryzysu z 2008 roku. W tym czasie rosyjscy kolekcjonerzy byli gotowi kupić nawet mniejszych mistrzów. Co więcej, artyści pierwszej klasy są rzadko sprzedawani.
Być może obraz ten został wysłany jako prezent dla jakiegoś urzędnika: ma odpowiednią tematykę, ponieważ Katedra Chrystusa Zbawiciela już dawno przestała być tylko kościołem, a stała się symbolem. I pochlebne pochodzenie – obraz przechowywano w pałacu królewskim. Zwróć uwagę na szczegóły: ceglana wieża Kremla pokryta jest białym tynkiem, a wzgórze wewnątrz Kremla jest całkowicie niezabudowane. Cóż, po co zawracać sobie głowę próbowaniem? W latach 70. XIX w. stolicą był Petersburg, a nie Moskwa, a Kreml nie był rezydencją.
Nr 27. Izaak Lewitan – 1,56 miliona funtów
Całkowicie nietypowe dla Lewitana dzieło zostało sprzedane na tej samej aukcji co obraz Bogolubowa, okazało się jednak tańsze. Wiąże się to oczywiście z faktem, że obraz nie wygląda jak Lewitan " Jej autorstwo jest jednak niepodważalne, podobna fabuła znajduje się w Muzeum w Dniepropietrowsku. Na cześć koronacji Mikołaja II zapalono 40 tysięcy żarówek, którymi udekorowano Kreml. Za kilka dni nastąpi katastrofa w Chodynce.
Nr 28. Arkhip Kuindzhi – 3 miliony dolarów.
Słynny pejzażysta namalował trzy podobne obrazy. Pierwsza znajduje się w Galerii Trietiakowskiej, trzecia w Państwowym Muzeum Białorusi. Drugi, zaprezentowany na aukcji, przeznaczony był dla księcia Pawła Pawłowicza Demidowa-San Donato. Ten przedstawiciel słynnej dynastii Uralu mieszkał w willi niedaleko Florencji. Ogólnie rzecz biorąc, Demidowowie, stając się włoskimi książętami, bawili się najlepiej, jak potrafili. Na przykład wuj Pawła, od którego odziedziczył tytuł książęcy, był tak bogaty i szlachetny, że poślubił siostrzenicę Napoleona Bonaparte i pewnego dnia chłostał ją w złym humorze. Biedna pani miała trudności z uzyskaniem rozwodu. Obraz nie dotarł jednak do Demidowa, przejęła go ukraińska cukrownia Tereszczenko.
Nr 29. Konstantin Korovin – 1,497 mln funtów
Impresjoniści charakteryzuje się bardzo „lekkim”, rozległym stylem pisania. Korowin jest głównym rosyjskim impresjonistą. Jest bardzo popularny wśród oszustów; Według plotek liczba podróbek na aukcjach sięga 80%. Jeśli obraz z prywatnej kolekcji został wystawiony na osobistej wystawie artysty w słynnym muzeum państwowym, wówczas jego reputacja zostaje wzmocniona, a na kolejnej aukcji kosztuje znacznie więcej. W 2012 roku Galeria Trietiakowska planuje dużą wystawę Korovina. Być może pojawią się prace z kolekcji prywatnych. Ten akapit jest przykładem manipulacji świadomością czytelnika poprzez wyliczanie faktów, które nie mają ze sobą bezpośredniego logicznego związku.
- Informujemy, że od 26 marca do 12 sierpnia 2012 r. Galeria Trietiakowska obiecuje zorganizowaćWystawa Korowina . Przeczytaj więcej o biografii najbardziej czarujących artystów srebrnej epoki w naszej recenzji dni otwarcia Państwowej Galerii Trietiakowskiej w 2012 roku.
Nr 30. Jurij Annenkow – 2,26 mln dolarów.
Annenkovowi udało się wyemigrować w 1924 roku i zrobił dobrą karierę na Zachodzie. Na przykład w 1954 roku był nominowany do Oscara za kostiumografię do filmu „Pani de…” Najbardziej znane są jego wczesne portrety radzieckie- twarze są kubistyczne, fasetowane, ale całkowicie rozpoznawalne. Wielokrotnie na przykład rysował w ten sposób Leona Trockiego – a nawet powtórzył ten rysunek wiele lat później z pamięci, gdy „Times” chciał nim ozdobić okładkę.
Postać przedstawiona na rekordowym portrecie to pisarz Tichonow-Serebrow. W historię literatury rosyjskiej wszedł głównie dzięki bliskiej przyjaźni z. Tak blisko, że według brudnych plotek żona artysty Varvara Shaikevich urodziła nawet córkę wielkiego proletariackiego pisarza. Na reprodukcji nie jest to zbyt widoczne, ale portret wykonano techniką kolażu: na warstwę farby olejnej nałożono szkło i gips, a nawet dołączono prawdziwy dzwonek do drzwi.
Nr 31. Lev Lagorio – 1,47 miliona funtów
Kolejny drobny pejzażysta, z jakiegoś powodu sprzedany za rekordową cenę. Jednym ze wskaźników powodzenia aukcji jest przekroczenie kosztorysu („szacunku”) – ceny minimalnej, jaką ustalili eksperci domu aukcyjnego za przedmiot. Wartość tego krajobrazu wyceniono na 300–400 tysięcy funtów, ale sprzedano go 4 razy drożej. Jak powiedział jeden z londyńskich aukcjonerów: „szczęście jest gdy dwóch rosyjskich oligarchów rywalizuje o to samo.”
Nr 32. Wiktor Wasniecow – 1,1 miliona funtów
Bogatyry stały się wizytówką już w latach siedemdziesiątych XIX wieku. Do swojego gwiezdnego motywu, podobnie jak inni weterani malarstwa rosyjskiego, powraca w latach młodej republiki radzieckiej - zarówno ze względów finansowych, jak i po to, by znów poczuć się poszukiwanym. To zdjęcie jest powtórzeniem autora „Ilya Muromets” (1915), który znajduje się w Domu-Muzeum artysty (przy Prospekcie Mira).
Nr 33. Erik Bułatow – 1,084 mln funtów
Drugi żyjący artysta na naszej liście (powiedział też, że najlepszym sposobem na podniesienie ceny za swoje dzieło jest śmierć). , nawiasem mówiąc, jest to radziecki Warhol, podziemny i antykomunistyczny. Zajmował się gatunkiem sztuki społecznej, który został stworzony przez sowieckie podziemie, jako nasza wersja pop-artu. „Chwała KPZR” to jedno z najsłynniejszych dzieł artysty. Według jego własnych wyjaśnień litery tutaj symbolizują kratę blokującą niebo, czyli wolność od nas.
Bonus: Zinaida Serebryakova – 1,07 miliona funtów
Serebryakova uwielbiała malować nagie kobiety, autoportrety i czwórkę swoich dzieci. Ten idealny feministyczny świat jest harmonijny i spokojny, czego nie można powiedzieć o życiu samej artystki, która po rewolucji ledwo uciekła z Rosji i włożyła wiele wysiłku, aby wydostać stamtąd swoje dzieci.
„Akt” nie jest obrazem olejnym, lecz rysunkiem wykonanym pastelą. To najdroższy rosyjski rysunek. Tak wysoka kwota zapłacona za grafikę jest porównywalna z cenami rysunków impresjonistów i wywołała ogromne zaskoczenie w Sotheby's, który rozpoczął aukcję od 150 tysięcy funtów szterlingów i otrzymał milion.
Zestawienie sporządzane jest na podstawie cen wskazanych na oficjalnych stronach domów aukcyjnych. Cena ta składa się z ceny netto (podanej w momencie opadnięcia młotka) oraz« premia kupującego (dodatkowy procent domu aukcyjnego). Inne źródła mogą wskazywać "czysty» cena. Kurs dolara do funta często się zmienia, dlatego loty brytyjskie i amerykańskie są umieszczone względem siebie z przybliżoną dokładnością (nie jesteśmy Forbesem).
Dodatki i poprawki do naszej listy są mile widziane.
Wassily Kandinsky urodził się 16 grudnia (4 grudnia, stary styl) 1866 roku w Moskwie, w rodzinie biznesmena Wasilija Sylwesterowicza Kandinskiego (1832–1926). W dzieciństwie podróżował z rodzicami po Europie i Rosji. W 1871 roku rodzina osiedliła się w Odessie, gdzie przyszły artysta ukończył szkołę średnią, a także zdobył wykształcenie plastyczne i muzyczne. W latach 1885-93 (z przerwą w 1889-91) studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu Moskiewskiego, gdzie studiował ekonomię i prawo. W 1889 roku przerwał studia ze względów zdrowotnych i wziął udział w wyprawie etnograficznej na Wołogdę.
„Izar” 1901
W 1893 r. V. Kandinsky ukończył Wydział Prawa. Pracował jako dyrektor artystyczny drukarni Kushnerev w Moskwie (1895).
„Stare Miasto” 1902
„Spacer” 1903
„Pożegnanie” 1903
„Błękitny jeździec” z 1903 r
Kandinsky wybrał karierę artystyczną stosunkowo późno – w wieku 30 lat. W 1896 osiadł w Monachium i pozostał w Niemczech do 1914.
„Dwaj na koniu” 1906
Od 1897 studiował malarstwo w prywatnej pracowni A. Ashbe.
„Jesienny krajobraz” 1908
W 1900 roku wstąpił do monachijskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie studiował u Franza von Stucka. Od 1901 roku Kandinsky utworzył stowarzyszenie artystyczne Phalanx i zorganizował przy nim szkołę, w której sam uczył.
„Improwizacja nr 6” 1909
Od 1900 roku Kandinsky dużo podróżował, odwiedzając Afrykę Północną, Włochy, Francję; Zdarza się podczas wizyt w Odessie i Moskwie. Brał udział w wystawach Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów.
„Murnau. Ogród” 1909
W latach 1910 i 1912 brał także udział w wystawach stowarzyszenia artystycznego „Jack of Diamonds”. W ciągu tych lat rozwinął nowatorską koncepcję „rytmicznego” użycia koloru w malarstwie.
Pierwsza abstrakcyjna akwarela 1910
„Liryczny” 1911
W 1909 r. Kandinsky zorganizował „Stowarzyszenie Sztuki Nowego Monachium”, w 1911 r. – almanach i grupę „Błękitny Jeździec”, w skład której wchodzili znani artyści ekspresjoniści: Franz Marc, Aleksiej Jawlenski, Marianna Veryovkina i Paul Klee. W tym samym czasie miał swoją pierwszą indywidualną wystawę.
„Malarstwo z białą obwódką” 1913
W 1914 roku artysta wrócił do Moskwy. W kolejnych latach tworzył płótna realistyczne i półabstrakcyjne, głównie pejzaże.
„Jeździec Św. Jerzego” 1916
Po rewolucji 1917 r. Kandinsky aktywnie zaangażował się w pracę społeczną.
W 1918 r. Brał udział w organizacji ochrony zabytków, tworzeniu Muzeum Kultury Malarskiej i Rosyjskiej Akademii Nauk o sztuce, wykładał w VKHUTEMAS i opublikował swoją autobiograficzną książkę „Kroki” (M., 1918).
„Niebieski grzebień” 1907(?)
„Kłopoty” 1917
„Zmierzch 1917”
„Południe” 1917
W latach 1918-1919 był członkiem rady artystycznej Wydziału Sztuk Pięknych Ludowego Komisariatu Oświaty, w latach 1919-1921 - przewodniczącym Ogólnorosyjskiej Komisji Zakupów, konsultantem naukowym i kierownikiem pracowni reprodukcyjnej, profesorem honorowym Uniwersytetu im. Uniwersytet Moskiewski. Kandinsky został także wybrany na wiceprezesa Rosyjskiej Akademii Nauk. Kontynuował pisanie - w tym okresie powstały zwłaszcza dekoracyjne kompozycje na szkle „Amazonka” (1918) i „Amazonka w górach” (1919).
„Biała linia” 1920
W grudniu 1921 roku Kandinsky udał się do Berlina, aby zorganizować oddział Rosyjskiej Akademii Nauk. Brał udział w Pierwszej Wystawie Sztuki Rosyjskiej w Niemczech. Nigdy nie wrócił do Rosji.
„Czarna krata” 1922
W Berlinie Wassily Kandinsky rozpoczął naukę malarstwa i stał się wybitnym teoretykiem szkoły Bauhaus. Kandinsky wkrótce zyskał światowe uznanie jako jeden z liderów sztuki abstrakcyjnej.
„Kilka kręgów” 1926
W 1928 roku artysta przyjął obywatelstwo niemieckie, jednak po dojściu nazistów do władzy w 1933 roku wyemigrował do Francji.
„Podłogi” 1929
W latach 1933-1944 mieszkał w Paryżu, aktywnie uczestnicząc w międzynarodowym procesie artystycznym.
„Dziwaczne” 1930
W 1939 roku Wassily Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie. Kandinsky zmarł 13 grudnia 1944 r.
na paryskich przedmieściach Neuilly-sur-Seine.
„Błękit nieba” 1940
Ostatnia akwarela 1944
„Artysta jest „królem” (jak go nazywa Sar Peladan) nie tylko dlatego, że ma wielką władzę, ale także dlatego, że spoczywa na nim wielka odpowiedzialność.
Skoro artysta jest kapłanem „pięknego”, to piękna tego należy szukać w oparciu o tę samą zasadę wartości wewnętrznej, którą odnajdywaliśmy wszędzie. To „piękno” mierzyć można jedynie skalą wewnętrznej wielkości i konieczności, które do tej pory służyły nam wiernie wszędzie i zawsze.
Piękne jest to, co wynika z wewnętrznej, duchowej konieczności. Piękne jest to, co piękne w środku.
Przez to piękno należy oczywiście rozumieć nie zewnętrzną, ani nawet wewnętrzną, ogólnie przyjętą moralność, ale wszystko to, co nawet w całkowicie nieuchwytnej formie doskonali i wzbogaca duszę. Dlatego na przykład w malarstwie każdy kolor jest wewnętrznie piękny, ponieważ każdy kolor wywołuje duchową wibrację, a każda wibracja wzbogaca duszę. I wreszcie wszystko, co zewnętrznie „brzydkie”, może być wewnętrznie piękne. Tak jest w sztuce, tak jest w życiu. I dlatego nie ma nic „brzydkiego” w wyniku wewnętrznym, to znaczy w wpływie na duszę innych.
Maeterlinck (będący jednym z czołowych mistrzów, jednym z pierwszych duchowych kompozytorów dzisiejszej sztuki, z którego wyrośnie sztuka jutra) mówi: „Nie ma na ziemi niczego, co bardziej pragnęłoby piękna i łatwiej ulegałoby przekształceniu w piękno niż dusza. Dlatego tylko nieliczne dusz na ziemi opierają się dominacji duszy, która oddaje się pięknu.
I ta cecha duszy jest olejem, za pomocą którego możliwy jest powolny, ledwo zauważalny, czasami opóźniony na zewnątrz, ale niezmienny, ciągły ruch duchowego trójkąta do przodu i do góry.
„Kompozycja 9” 1936
„Fuga” 1914
„Kompozycja 10” 1939
„Ponura sytuacja” 1933
„Czarna plama” 1912
„Wnętrze mojej jadalni” 1909
„Zdecydowany róż” 1932
„Dookoła koła” 1940 r
„Kompozycja 218”
„Kompozycja 321”
„Kompozycja 224”
„Światły obraz” 1913
„Zimowy krajobraz”
„Bez tytułu” 1916
Twórczość Wasilija Wasiljewicza Kandinskiego jest wyjątkowym fenomenem sztuki rosyjskiej i europejskiej. To właśnie temu artyście, obdarzonemu potężnym talentem, błyskotliwym intelektem i subtelną intuicją duchową, przyszło dokonać prawdziwej rewolucji w malarstwie i stworzyć pierwsze abstrakcyjne kompozycje.
Los Kandinsky'ego nie był całkiem zwyczajny. Do trzydziestego roku życia w ogóle nie myślał o sztuce. Po ukończeniu Wydziału Prawa Uniwersytetu Moskiewskiego w 1893 roku rozpoczął pracę nad rozprawą doktorską, wziął udział w wyprawie etnograficznej na północ Rosji, a w 1896 roku otrzymał zaproszenie uniwersytetu w Dorpacie (obecnie Tartu, Estonia) do podjęcia stanowisko prywatnego adiunkta. Ale w tym samym roku Kandinsky nagle zmienił swoje życie. Powodem tego było wrażenie obrazu „Stóg siana” Claude'a Moneta na Francuskiej Wystawie Przemysłu i Sztuki w Moskwie. Odmawiając przyjęcia na wydział, wyjechał do Niemiec, aby studiować malarstwo. Kandinsky osiadł w Monachium, które na przełomie wieków było uznanym centrum niemieckiej secesji. Studiował najpierw w prywatnej szkole malarstwa, a później w monachijskiej Akademii Sztuk u Franza von Stucka.
Mieszkając w Niemczech, Kandinsky niemal co roku przyjeżdżał do Rosji i prezentował swoje prace na wystawach Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów, Nowego Towarzystwa Artystów itp. Jego artykuły o sztuce niemieckiej, która odegrała tak ważną rolę w powstaniu osobowość twórcza malarza. Jednocześnie Kandinsky był podekscytowany i zainspirowany rosyjską tradycją artystyczną: ikonami, starożytnymi świątyniami, postaciami z bajek. Wszystkie one są często obecne w jego twórczości, co świadczy o wpływie na niego mistrzów „Świata Sztuki”.
Kandinsky był urodzonym przywódcą. Już w 1901 roku, ledwie kończąc studia, stał na czele stowarzyszenia artystycznego Falanga, brał udział w jego wystawach i pracował w utworzonej w jego ramach szkole. W 1909 r. mistrz zorganizował „Stowarzyszenie Artystyczne Nowego Monachium”, a w 1912 r. grupę „Błękitny Jeździec”.
W twórczości Kandinsky'ego 1900-1910. wyczuwalne są różnorodne wpływy: od niemieckiego ekspresjonizmu i francuskiego fowizmu (Widok Murnau, 1908; Domy w Murnau na Obermarkt, 1908) po rosyjski świat sztuki (Panie w krynolinach, 1909). Nie bez wpływu symboliki Kandinsky sięgnął po grafikę, tworząc serię drzeworytów „Wiersze bez słów” (1903).
Na początku lat 10. Główny kierunek poszukiwań twórczych Kandinsky'ego był jasno określony: chciał on skoncentrować wszystkie środki malarskie na przekazaniu złożonego systemu uczuć i wrażeń, które żyją w ukrytych głębinach duszy artysty i nie zależą od świata materialnego. Teoretycznie mistrz sformułował ten problem w książce „Duchowość w sztuce” (1911), ale praktyczne rozwiązanie przyszło mu do głowy nagle i niezwykle. Sam artysta opisał rewolucję, jaka dokonała się w jego umyśle w dziele „Kroki” (1918): „Ujrzałem nagle przed sobą nieopisanie piękny obraz, przesiąknięty wewnętrznym spalaniem. Na początku byłem zdumiony, ale teraz szybko zbliżyłem się do tego tajemniczego obrazu, całkowicie niezrozumiałego w swojej zewnętrznej treści i składającego się wyłącznie z kolorowych plam. I klucz do zagadki został znaleziony: był to mój własny obraz, oparty o ścianę i stojący na boku... W ogóle tego dnia stało się dla mnie bezdyskusyjnie jasne, że obiektywizm szkodzi moim obrazom.”
Prawdopodobnie w tym momencie zszokowany mistrz nie zdawał sobie sprawy, że przypadkowo postawiony na boku obraz stanie się źródłem nowego kierunku w sztuce – abstrakcjonizmu. Według Kandinsky’ego to linia i plama barwna, a nie fabuła, są nośnikami duchowej zasady; ich zestawienia dają początek „wewnętrznemu dźwiękowi”, który wywołuje reakcję w duszy widza.
Wszystkie abstrakcyjne dzieła Kandinsky'ego, jak sam mówi, dzielą się na trzy grupy (ze względu na stopień oddalenia od tematu): impresje, improwizacje i kompozycje. Jeśli wrażenie rodzi się jako bezpośrednie wrażenie ze świata zewnętrznego, to improwizacja nieświadomie wyraża wrażenia wewnętrzne. Wreszcie kompozycja jest najwyższą i najbardziej spójną formą malarstwa abstrakcyjnego. Nie ma bezpośredniego związku z rzeczywistością. Kolorowe plamy i linie tworzą zapierający dech w piersiach element ruchu. Kompozycje Kandinsky'ego nie miały indywidualnych tytułów, a jedynie numery (z dziesięciu takich dzieł zachowało się siedem).
Tworząc abstrakcyjne kompozycje, Kandinsky faktycznie zmienił naturę malarstwa – sztuki ściśle związanej z opowiadaniem historii – i zbliżył ją do muzyki, której zadaniem nie jest przedstawianie, ale wyrażanie najbardziej złożonych stanów psychicznych.
W 1914 roku, po wybuchu I wojny światowej, Kandinsky wrócił do Moskwy. Druga połowa lat 10. i 20. XX w. były dla niego okresem aktywnej działalności społecznej i pedagogicznej: pracował w organizacji ochrony zabytków, kierował Instytutem Kultury Artystycznej (INHUK), wykładał w Państwowych Warsztatach Wolnej Sztuki, pracując jeszcze jako malarz. Abstrakcyjne obrazy Kandinsky'ego z tamtych lat stały się bardziej miękkie i jaśniejsze, wzrosła rola linii, a większą uwagę zwrócono na wolną przestrzeń.
Pobyt Kandinsky'ego w Rosji był krótkotrwały, pod koniec 1921 roku opuścił kraj na zawsze. Słynny niemiecki architekt Walter Gropius zaprosił go do nauczania w Bauhausie, najwyższej szkole architektury i sztuki, która mieściła się w Weimarze, a w 1925 roku przeniosła się do Dessau. Tutaj napisał książkę „Linia i punkt na płaszczyźnie”. W tym samym czasie Kandinsky zyskał uznanie w świecie rzeczywistym. Brał udział w licznych wystawach w miastach niemieckich, publikował prace teoretyczne, a w 1923 roku zorganizował swoją pierwszą indywidualną wystawę w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do „romantycznego” okresu monachijskiego, ten okres w twórczości Kandinsky’ego nazywany jest zwykle „zimnym” lub „klasycznym”. W jego pracach plama coraz częściej ustępowała linii, malowniczość suchej geometrii, dynamika równowadze. Oprócz trójkątów i kwadratów w kompozycjach znalazło się koło jako symbol doskonałości i kompletności wszechświata.
W 1933 roku, po dojściu nazistów do władzy i zamknięciu Bauhausu, artysta wyemigrował do Francji. Ciężko pracował w latach 30., jednak jego twórczość okazała się odbiegać od głównego nurtu rozwoju sztuki współczesnej. Inni mistrzowie poszli ścieżką opanowania nowych form malarstwa abstrakcyjnego, którą kiedyś wytyczył Kandinsky.