Historia powstania i rozwoju malarstwa monumentalnego. Malarstwo monumentalne - matematyka i sztuka Malarstwo monumentalne

Sztuka > Malarstwo

I oraz wielkoformatowe obrazy związane z architekturą, ale posiadające samodzielną i istotną społecznie treść figuratywną: drobne panele, obrazy, mozaiki.

Płyta (francuskie panneau z łac. pannus – kawałek materiału) - po pierwsze, jest to dzieło malarskie o przeznaczeniu dekoracyjnym, wtopione w ścianę wnętrza architektonicznego.W przeciwieństwie do malarstwa monumentalnego, panele niemal zawsze wykonywane są poza miejscem ich przeznaczenia, na płótnie i przy użyciu konwencjonalnych technik malarskich.

I drugie znaczenie panelu - część powierzchni ściany, podkreślona obramowaniem i wypełniona reliefem malarskim lub rzeźbiarskim.

obraz - termin z zakresu malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego, obejmujący wszelkie dzieła malarstwa związane z architekturą z wyjątkiem mozaik i paneli. Malarstwo to kompozycje tematyczne, tematyczne i czysto dekoracyjne, zdobnicze, wykonane farbami bezpośrednio na powierzchni ściany, sufitu, sklepienia, filaru, kolumny itp. na przyklejonym do niego gipsie lub płótnie.

Fresk znajduje się tutaj wraz z obrazem olejnym. Technika malarska we właściwym znaczeniu tego słowa stosowana jest na równi z techniką szablonową itp.

Czasami w niedokładnym znaczeniu terminem malarstwo obejmuje wszelkie dzieła malarstwa monumentalnego, w tym panele i mozaiki. Malarstwo w sztuce użytkowej - obrazy fabularne i ozdobne nanoszone na obiekty za pomocą pędzla lub zastępujących go narzędzi, np. aerografu.

Zazwyczaj proces malowania jest ściśle powiązany z samym wytwarzaniem malowanych przedmiotów, jednak w niektórych przypadkach może stać się samodzielną gałęzią artystyczną. Taki przemysł jak powszechna sztuka malowania tkanin, zwana „batikiem”. Malowanie tacek, pudełek, lalek do gniazdowania, naczyń ceramicznych itp.

Fresk(otit. fresk - świeży, surowy) - najważniejszy techniczny rodzaj malarstwa monumentalnego, wykonywany farbami rozcieńczonymi czystą lub wapienną wodą na świeżym, wilgotnym tynku. Tutaj wapno stosuje się jako główne spoiwo.

Podstawowych spoiw jest kilka: olej roślinny, klej roślinny i zwierzęcy, jajko, wosk, wapno.

Fresk w szerokim znaczeniu obejmuje malowanie tą techniką i fresk (po włosku fresk), czyli w sposób surowy, „na surowo”- główny rodzaj techniczny malarstwa freskowego- charakteryzuje się rozjaśnieniem na świeżym tynku wapiennym. Farby utrwalają się tu w miarę wysychania tynku poprzez tworzącą się na nim warstwę związków węglanu wapnia.
Stąd charakterystyczna dla tej techniki potrzeba szybkiego wykonania dzieła, co przy dużych kompozycjach wymaga obowiązkowego wykonania w częściach. Wady tego projektu ujawniają się kilka dni po całkowitym wyschnięciu tynku, co znacznie zmienia farbę.

Malowanie fresków niemal zawsze musi być uzupełnione znakowaniami temperą w celu skorygowania detali, zatem technika pozbawiona poprawek jest czystym freskiem ( fresk Buona) , dlatego szczególnie trudne i rzadkie.

W przypadku malowania fresków typowe, choć nie zawsze konieczne, jest wykonywanie w częściach. Ślady tzw. szwów łączących stanowią granice pomiędzy tymi częściami. Prorysja - Jest to transfer z rysunku konturowego na karton lub gruby papier, wykonany w pełnym formacie. Następnie rysunek przenoszony jest z tektury na materiał, na którym zostanie wykonane malarstwo monumentalne.

Obraz musi jednak znajdować się w pomieszczeniu zamkniętym i nie powinien być narażony na działanie niekorzystnych warunków atmosferycznych czy nagłe zmiany temperatury.

Technika fresku sekunda(włoski a secco - metodą suchą, „na sucho”)- jedna z odmian polegająca na malowaniu na twardym, już wyschniętym tynku wapiennym.

Następnym sposobem na ukończenie fresku jest malowanie wapnem kazeinowym na świeżym tynku. To najdoskonalszy sposób. Polega na zastosowaniu jako spoiwa mieszaniny kazeiny i wapna. Pod względem trwałości obraz ten przewyższa zwykły fresk. Malowanie kazeinowo-wapienne można wykonywać na zwilżonym lub nawet suchym tynku. Z łatwością wytrzymuje mycie wodą i można go używać na zewnątrz.

Przeczytaj także Monumentalne malarstwo barokowe

Mozaika - specjalny rodzaj techniczny malarstwa monumentalnego, polegający na zastosowaniu wielobarwnych brył- smalt (włoski: smalto). Są to małe kawałki nieprzezroczystego kolorowego szkła, naturalne kolorowe kamienie, kolorowe emalie na wierzchu wypalanej gliny jako główny materiał artystyczny. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze do siebie dopasowanych, osadzonych na cemencie lub specjalnym mastyksie i wypolerowanych.

Metodą tzw. bezpośredniego układania mozaikę wykonuje się od strony frontowej w jej przewidzianym miejscu (ścianie, sklepieniu lub osobnej płycie, która następnie jest osadzana w ścianie).
Przy odwróceniu kolorowe elementy są widoczne dla artysty jedynie od tyłu: przyklejane są stroną do dołu na tymczasową cienką podszewkę, którą usuwa się po przeniesieniu mozaiki na ścianę.

Pierwsza z tych metod jest skomplikowana i czasochłonna, ale doskonalsza z artystycznego punktu widzenia. Mozaika ułożona jest wykonana z wcześniej przygotowanych małych kawałków, które odpowiadają konturom wzoru tylko w masie.

W mozaikach plastikowych lub kawałkowych elementy mozaiki są znacznie większe i wycinane zgodnie z konturami obrazka.

Tak zwana mozaika florencka składa się z płytek z kolorowych kamieni. W Moskwie mozaikowy panel można zobaczyć na stacjach metra: Koło Kijowskie, Nowokuźniecka, Czechowska, Park Zwycięstwa, Frunzenskaja (Pałac Młodzieży) itp.

Witraż (francuski vitrage, z vitre- szyba) - dzieło sztuki zdobniczej o charakterze delikatnym lub zdobniczym, wykonane z wielobarwnie malowanego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu okiennego w dowolnej konstrukcji architektonicznej.

Witraże można wykonać w specjalnym pudełku z oświetleniem, na przykład na kolumnach stacji Nowosłobodskaja moskiewskiego metra.

Witraże są szeroko rozpowszechnione w gotyckich katedrach XIII-XV wieku. Styl gotycki w sztuce zachodnioeuropejskiej znalazł jasne i charakterystyczne ucieleśnienie we Francji i Niemczech. We Włoszech rozwinął się jedynie w niewielkim stopniu ze względu na bardziej stabilne starożytne tradycje.

Gotyckie katedry symbolizowały chęć wzniesienia się w górę, do nieba, a cała ich dekoracyjna dekoracja - posągi, płaskorzeźby, witraże,- przyczynił się do tego. Witraże składały się z małych szkieł o różnych kształtach, mocowanych za pomocą ołowianych ramek. Obrazy malowane były najpierw farbą kryjącą w kolorze brązowym (przeznaczoną do konturów i innych elementów linearnych) oraz półprzezroczystą szarością. Od XIV wieku Dodatkowo zastosowano technikę skrobania na specjalnie malowanym wielobarwnym szkle.

W XX wieku rozpowszechniła się produkcja witraży ze szkła bezbarwnego, piaskowanego, trawionego, grawerowanego

Malarstwo zwyczajowo dzieli się na sztalugowe i monumentalne. Malarstwo sztalugowe odnosi się do tych wykonywanych farbami olejnymi na płótnie, kartonie lub innym twardym materiale. Z reguły nie jest imponujących rozmiarów, wykonywany jest na sztalugach i może wędrować po wystawach, muzeach i wnętrzach właścicieli. Malarstwo monumentalne to inna sprawa. Jest sztywno przymocowany do powierzchni architektonicznej, często ma gigantyczne wymiary, a technologia wykonania ma swoją specyfikę. Istnieje wiele różnych technik malarstwa monumentalnego, ale my zamierzamy opowiedzieć tylko o trzech z nich. Jest to fresk, mozaika i witraż.

Więc…
Pod pojęciem fresku rozumie się malowanie na wilgotnym podłożu wapiennym farbami rozcieńczonymi wodą lub farbami zawierającymi spoiwo wapienne (pasta wapienna, woda wapienna). Hydrat tlenku wapnia, zawarty w paście wapiennej, a co za tym idzie w zaprawie wapiennej, jest głównym elementem tej techniki, która wchodząc w reakcję chemiczną z dwutlenkiem węgla zawartym w powietrzu, tworzy węglan wapnia - przezroczystą szklistą strukturę, która przenikając całą warstwę gruntu i farb, tworząc na ich powierzchni cienką, przezroczystą powłokę, utrwala (cementuje) zarówno cały grunt, jak i barwną warstwę fresku, którą dodatkowo chroni przed wpływami atmosferycznymi. Co czyni tę technikę niemal wieczną. Jego śmierć następuje wraz ze zniszczeniem architektury.

Termin „fresk” pochodzi od włoskiego wyrażenia „a fresko” – surowego, czyli piszącego na wilgotnej, jeszcze świeżej ziemi wapiennej. We Włoszech, skąd pochodzi termin „fresk”, fresk odnosi się do wszystkich obrazów wykonanych w architekturze, wykonanych z dowolnego materiału. W swojej ojczyźnie termin ten ugruntował się już pod koniec XIV w., choć sposób pisania na wilgotnej glebie wapiennej stosowany był już znacznie wcześniej i miał miejsce nie tylko na Półwyspie Apenińskim. Jak w każdej innej technice, w malarstwie monumentalnym praca mistrzów okazuje się bardzo trudna. A fresk wymaga szczególnie starannego przygotowania ściany, ponieważ „ziemia malarza” będzie dopiero trzecia z rzędu. Pierwsze dwa pokrywają ceglany lub kamienny mur ściany i wyrównują go. I bardzo ostrożnie! Tak, aby nie pozostały pęcherzyki powietrza, aby nierówności zostały wygładzone, dzięki czemu w drugiej warstwie, cieńszej niż pierwsza, powierzchnia jest idealna. Nic dziwnego, że niestrudzenie „wygładzają” specjalną deską. Następnie na dwa poprzednie nakłada się warstwę tynku do malowania. Cienki, o grubości niecałych centymetra, nakłada się go partiami i dokładnie tyle, ile artysta jest w stanie namalować w ciągu jednego dnia. W przeciwnym razie tynk wyschnie i będzie trzeba go zeskrobać. Na fresku wykonanym „w sposób surowy” często widoczne są łączenia i granice pomiędzy częściami, które artysta wykonał w pewnym okresie. A także narysuj kontury wzoru, wydrapanego w tynku, przeniesionego na ścianę z wcześniej utworzonej tektury.
Złożona sprawa fresku! Wymaga specjalnych umiejętności i odwagi, precyzji i przewidywania. . . Malować należy na czymś mokrym, zanim tynk wyschnie, a farby swobodnie spływają w ziemię. Trzeba pisać dokładnie, bo trudno to poprawić, gdyż błędy wychodzą na jaw już po kilku dniach od wyschnięcia (poprawione temperą). Należy malować, przewidując zmianę koloru, ponieważ w stanie surowym farba jest znacznie jaśniejsza. Jednym słowem „buon fresk” (wł.), „czysty fresk” (dobrze!) bez poprawek okazuje się zjawiskiem bardzo rzadkim i trudnym do osiągnięcia. Dlatego fresk maluje się nie tylko „metodą mokrą” („fresk” - wł.), ale także „metodą suchą” („a secco” - wł.). Piszą na wyschniętym tynku, mieszając wapno z farbą. Pełni jednocześnie funkcję bieli i sprawia, że ​​obraz bardziej przypomina gwasz, a farby wodne nadają freskowi „akwarelowy charakter”.
Termin „fresk” przybył do Rosji z Włoch nie wcześniej niż w XVIII wieku. Można to ocenić po tym, że nawet w XVI-XVII wieku nie znaleziono tego w dokumentach rosyjskich, a o dziełach tego rodzaju w kronikach, statutach i dekretach pisali: „pismo ścienne na wilgotnym zaprawie”. Pod pojęciem „pismo ścienne” rozumieno wszelkie obrazy na podłożach architektonicznych, wykonane dowolną techniką, czy to malowane na mokrym gesso, na spoiwie emulsyjnym czy kleju.

Malarstwo freskowe było szeroko rozpowszechnione w minionych epokach. Przyjmuje się, że był on znany w starożytnej Grecji i pisany nim w starożytnym Rzymie, Bizancjum i na Rusi w X-XII wieku. W średniowiecznej Europie namalowano wiele fresków.
W tej technice powstały dzieła znaczące i wybitne. Rozpoczynając dyskusję na temat fresku jako techniki malarstwa ściennego, od razu należy stwierdzić, że nie istniała jedna technika freskowa, czyli jednolity system pisma na wilgotnym podłożu wapiennym. Technika ta wyrosła z głębi kultury starożytnej. rozprzestrzeniła się wówczas na cały region kultury europejskiej i naturalnie, że w czasie jej użytkowania przez różne ludy i przez znaczny okres czasu zmieniała się zgodnie z zadaniami artystycznymi, jakie stanęły przed mistrzami danej epoki i regionu, bazując na tradycje rzemiosła i właściwości lokalnych materiałów. Jedyną cechą charakterystyczną wszystkich jego modyfikacji jest spoiwo wapienne podkładów i farb. Cała reszta to kalejdoskop receptur podkładów, sposobów ich nakładania, asortymentu farb, systemów pisania itp.
Najczęściej stosowano farby temperowe (głównie farby z całych jaj), którymi wykańczano i malowano freski po wyschnięciu ich warstwy malarskiej, co często było podyktowane koniecznością poprawiania uszkodzonych fragmentów i dodawania detali.
„Stwierdzenie niektórych badaczy, że Michał Anioł, Rafael i wielu innych włoskich mistrzów XVI wieku pisało swoje dzieła wyłącznie techniką jednego czystego fresku, jest całkowicie błędne. Podobnie jak w wiekach wcześniejszych stosowano retusz na suchym tynku i malowanie odrębnymi farbami mineralnymi w formie tempery.” Jednak J.B. Armenini (XVI wiek) pisze w swoim traktacie, że w jego czasach niektórzy artyści retuszowali freski nawet pastelowymi ołówkami i farbami olejnymi. Do tego należy dodać, że żaden z pomników rosyjskiego malarstwa ściennego nie zawierał obrazów z X-XVIII wieku robione tylko na fresku - wszystkie są w takim czy innym stopniu dodawane na sucho. Nigdzie i nigdy nie powstał fresk malowany w stylu akwareli, czyli systemu pisma przy użyciu bardzo płynnych kolorów i farb rozcieńczanych jedynie wodą. Współczesna nauka nie ma bezwarunkowych podstaw uważać fresk za najstarszą technikę malarstwa ściennego, gdyż prowadzone w naszych czasach badania naukowe gleb malarstwa starożytnego Egiptu przekonująco wskazują, że kultura starożytnego Egiptu nie znała wapna i że materiał ten przybył tam dopiero w epoki ptolemejskiej, czyli nie wcześniej niż IV wiek p.n.e mi.
Fresk, spośród innych technik malarstwa monumentalnego, najbliższy jest sztalugom już przez sam proces malowania farbami. I choć artysta nie pracuje z paletą w dłoni czy przy sztalugach, a przy ścianie (często ogromnej), obraz jest jednolity w swej manifestacji. Mokry kolorowy pędzel w dłoni artysty podlega jego woli, jego charakterowi. Widzimy w freskach siłę rzeźbienia kolorem, ślady pociągnięć pędzla, gęstość, przezroczystość barw i jednocześnie „dźwięk”.

Ministerstwo Edukacji i Nauki Federacji Rosyjskiej

Federalna państwowa budżetowa instytucja edukacyjna wyższej edukacji zawodowej

„NOWGORODSKI UNIWERSYTET PAŃSTWOWY IMIENIA JAROSŁAWA MĄDREGO”

Katedra Wzornictwa

Sztuka monumentalna i dekoracyjna.

Rodzaje MDI.

Streszczenie dyscypliny

(„Sztuka monumentalna i dekoracyjna”)

specjalność 070601.65 – wzornictwo

specjalizacja 070601С – projektowanie środowiskowe

Kierownik:

Sokolova D.V.

Uczeń grupy 7403

Waniaszow I.V.

Wielki Nowogród.

2012

Wprowadzenie………………………………………………………………….…....3

Cele i zasady sztuki monumentalnej.………………………..4

Malarstwo monumentalne…………………………………………………………9

Mozaika…………………………………………………………………………….15

Fresk…………………………………………………………………………………......22

Witraże…………………………………………………………………………………24

Rzeźba dekoracyjna i monumentalna……………………………30

Lista referencji………………………………….…34

Załącznik……………………………………………………………..35

Wstęp.

Historia sztuki, estetyka i filozofia powszechnie nazywają monumentalnością tę właściwość obrazu artystycznego, która w swojej charakterystyce pokrewna jest kategorii „wzniosłość”. Słownik Vladimira Dahla podaje następującą definicję słowa monumentalny - „chwalebny, sławny, w formie pomnika”. Dzieła obdarzone cechami monumentalnymi wyróżniają się treścią ideową, doniosłą społecznie lub polityczną, ucieleśnioną w wielkoformatowej, wyrazistej, majestatycznej (lub dostojnej) formie plastycznej. Monumentalność występuje w różnych typach i gatunkach sztuk pięknych, jednak jej walory uważa się za niezbędne w przypadku dzieł sztuki monumentalnej właściwej, w których stanowi ona podłoże artyzmu, dominujący psychologiczny wpływ na widza. Nie należy przy tym utożsamiać pojęcia monumentalności z samymi dziełami sztuki monumentalnej, gdyż nie wszystko, co powstaje w nominalnych granicach tego typu figuratywności i dekoracyjności, nosi znamiona i cechy prawdziwej monumentalności.

Zadania i zasady sztuki monumentalnej.

Dzieła sztuki monumentalnej, wchodzące w syntezę z architekturą i krajobrazem, stają się ważną dominacją plastyczną lub semantyczną zespołu i obszaru. Elementy figuratywne i tematyczne fasad i wnętrz, pomników czy kompozycji przestrzennych są tradycyjnie dedykowane lub swoimi cechami stylistycznymi odzwierciedlają współczesne nurty ideowe i społeczne, a także ucieleśniają koncepcje filozoficzne. Zazwyczaj dzieła sztuki monumentalnej mają na celu utrwalenie wybitnych postaci i znaczących wydarzeń historycznych, ale ich tematyka i orientacja stylistyczna są bezpośrednio związane z ogólnym klimatem i atmosferą społeczną panującą w życiu publicznym.

Pragnienie symbolicznego uchwycenia wzniosłych, powszechnie znaczących zjawisk i idei determinuje i dyktuje majestat i znaczenie form dzieł, odpowiednich technik kompozytorskich oraz zasad uogólniania detalu lub miary jego wyrazistości. Poszczególne dzieła pełnią w stosunku do obiektów architektonicznych rolę usługową, będąc dopełnieniem, wzmacniającym wyrazistość ich ogólnej struktury i cech kompozycyjnych. Pewna zależność funkcjonalna szeregu ustalonych rodzajów sztuki monumentalnej, ich pomocnicza rola, wyrażająca się w rozwiązywaniu problemów zdobniczej organizacji ścian, różnych elementów architektonicznych, fasad i stropów, zespołów ogrodowo-parkowych czy samego krajobrazu, gdy prace przeznaczone do te obdarzone są walorami architektonicznymi, zdobniczymi lub właściwościami estetyzacji aranżacyjnej, znajduje odzwierciedlenie w ich przypisywaniu sztuka monumentalna i dekoracyjna. Jednak pomiędzy tymi odmianami sztuki monumentalnej nie ma ścisłej linii oddzielającej je od siebie. Jedną z głównych cech sztuki monumentalnej, która posiada powyższe cechy, są ściśle uogólnione formy lub dynamika współmierna do treści. polega na tym, że w większości przypadków są one wykonane z trwałych materiałów.

Sztuka monumentalna nabiera szczególnego znaczenia w okresach globalnych przemian społeczno-politycznych, w okresach rozkwitu społecznego, rozkwitu intelektualnego i kulturalnego, od których zależy stabilność rozwoju narodowego, kiedy wzywa się kreatywność do wyrażania najistotniejszych idei. Licznych przykładów dostarcza sztuka prymitywna, jaskiniowa, rytualna (konstrukcje megalityczne i ciemne), sztuka świata starożytnego w ogóle, a także najbardziej wyraziste przykłady sztuki monumentalnej starożytnych Indii, starożytnego Egiptu i starożytności, dzieła tradycji kulturowych Nowego Świata. Zmieniające się postawy religijne i przemiany społeczne dostosowują się do trendów, które żywo odbijają się w sztuce monumentalnej. To dobrze pokazuje historię sztuki średniowiecza i renesansu. W Rosji, podobnie jak w innych państwach, zaobserwowano również podobną cykliczną zależność, którą reprezentują monumentalne dzieła średniowiecza - katedry starożytnych rosyjskich miast, w których zachowały się freski, mozaiki, ikonostasy i wystrój rzeźbiarski, rzeźba z epoki Piotra Wielkiego do okresu przemian ustrojowych, który rozpoczął się w pierwszej ćwierci XX wieku, kiedy monumentalizm zaczęto wykorzystywać do celów ideologicznych i propagandowych. Stopień uzasadnienia dramatu, stosowność motywacji patosu lub patosu dogmatycznego, „asortyment” tematyczny są w końcu nieuchronnie odciśnięte także w dziełach sztuki monumentalnej.

Okresom zawirowań towarzyszą drobne wątki, które dotyczą nie tylko uniwersalnego tematycznie gatunku rzeźba ogrodowa, gdzie dopuszczalna jest obecność zasady „literackiej”, ale także na plastiku w ścisłym, spójnym stylistycznie środowisku miejskim, które niszczy organiczną jedność tego ostatniego, wypełniając jego otoczenie dekoracyjnym rzemiosłem eklektycznym, tematami sentymentalnymi, mnożąc przykłady prowincjonalny gatunek zwierzęcy, strukturalnie zbliżony do drobnego plastiku, wątpliwy nie tylko pod względem smaku, ale także pod względem profesjonalnych walorów wykonawczych; naturalną reakcją na takie przejawy jest powrót do formalnego tradycjonalizmu, potrzeba „ożywienia” kulturowego bohatera i zwrócenia się ku nowemu pseudoepickiemu tematowi. co komplikuje brak oznak „porządku społecznego” epoki kształtującej... Sztuka monumentalna ze swojego przeznaczenia nie może podążać za gustami publiczności, chcąc ją zadowolić, ma na celu kultywowanie zrozumienia harmonii i wysokie piękno; jednocześnie muralista musi być w stanie przeciwstawić się żądaniom „elitarnej” mniejszości społecznej. Nudny „dekoratywizm” i niewyraźne przykłady sztuki figuratywnej, pod żadnym względem nieprzekonujące, wnoszą do każdego otoczenia jedynie przygnębienie. Oto bardzo wymowny przykład modernizmu, stylu, dla którego zarówno formalnie, jak i ideologicznie doświadczenie jest przeciwwskazane do obecności w sztuce monumentalnej (z wyjątkiem niektórych przypadków czysto „nowoczesnej” całościowej kompozycji). a teraz - jako akcent stylistyczny w ramach koncepcji specjalnego projektu lub „scenariusza”, celowości rekonstrukcyjnej. Pośrednie okresy poszukiwań stylu to okresy eklektyzmu i rekonstrukcyjnej pseudo- i fałszywie-klasycznej, „pseudogotyckiej”, „pseudorosyjskiej”, pompatycznej „mieszczańskiej” i kupieckiej „wzorzystej”. Brak ścisłego określenia i w konsekwencji kategorycznego rozgraniczenia sztuki monumentalnej i monumentalno-dekoracyjnej jest bezpośrednio zależny od ich oczywistego wzajemnego oddziaływania i przenikania się.

Jednocześnie istnieją na przykład obszary dość produktywne monumentalna sztuka kinetyczna, których dzieła w równym stopniu wpisują się w pejzaż, jak i w środowisko współczesnej architektury, gdy uzasadnione jest odejście od statutowych wymagań zespołu starego miasta, zmuszając artystę do kierowania się nie tylko taktem i przemyślanym podejściem do zasadności instalacji w istniejącej kompozycyjnie kompletnej przestrzeni, ale także przestrzegać utworzonej przez niego stałej objętości. Ale kompozycje o różnym stopniu konwencjonalnej sztuki, obdarzone prawdziwymi oznakami plastycznej treści i perswazji, otrzymują, a nawet zdobywają, prawo do istnienia w niemal każdym zespole. Nawet wytwór kontrkultury, a nawet w formie antytezy, może aktywnie wkroczyć, a nawet wtargnąć w środowisko dowolnego zrealizowanego i ukończonego w czasie, wyczerpanego w swym rozwoju stylu, ale tylko wtedy, gdy jest to naprawdę dzieło i sztuka prawdziwie monumentalna . Sztuka antycypuje zmianę epok.

Wymogom sztuki monumentalnej, rozwijanej przez wieki, przedstawiono ogólne cechy plastyczne w harmonii ze składnikiem treściowym. Kryteria rozumienia retrospektywnej oceny obiektu we wszystkich aspektach zobowiązują nie tylko do podążania za adekwatnym rozumieniem przyszłości dzieła, ale także do znalezienia równoważnych realnych form.

Zrozumienie tego jest niezwykle trudne nawet dla specjalistów. W sztuce ważne jest pytanie „jak?”, istnieją zasady, proporcje i techniki, ale pytanie „co?” nie ma prawa istnieć. (z jednym wyjątkiem – porządek moralny) nie ma w tym zakresie ścisłych standardów. Preferencja nie zawsze jest oczywista, a „jedno rozwiązanie”, które obecnie wydaje się akceptowalne, nie zawsze jest uzasadnione. Nie zawsze da się jednoznacznie odpowiedzieć na pytanie o dalsze losy dzieła, a jego obecność w konkretnym środowisku nie może być alternatywą jedynie dla określonej korespondencji semantycznej czy stylizacji. Każdemu stwierdzeniu można przeciwstawić wystarczająco przekonujące argumenty; każda próba klasyfikacji może być pełna sprzeczności i zawierać wyjątki. Doświadczenie historyczne pokazuje, że protekcyjna i restrykcyjna ścieżka ideologicznej interwencji w sprawach czysto zawodowych jest najmniej skuteczna i obarczona stagnacją. Natomiast sztuka monumentalna, ze względu na swoją siłę oddziaływania i przystępność, jak każda twórczość, powinna być wolna od tej kwalifikacji. Ale proklamuje się ideał i dopóki będzie państwo i pieniądze, tak długo będzie istniała ideologia i porządek - sztuka monumentalna jest od nich bezpośrednio zależna.

Obraz jest monumentalny.

Malarstwo monumentalne- rodzaj malarstwa związany ze sztuką monumentalną i dekoracyjną. Do malarstwa monumentalnego zalicza się prace bezpośrednio związane z obiektami architektonicznymi, umieszczane na ścianach, stropach, sklepieniach, rzadziej na podłogach, a także wszelkiego rodzaju obrazy na tynku – freski, enkaustyki, tempery, malarstwo olejne (lub malowanie na innym spoiwie), mozaiki, panele malowane na płótnie, specjalnie przystosowane do konkretnego miejsca w architekturze, a także witraże, sgraffito, majolika i inne formy płaskiej dekoracji malarskiej w architekturze.

Sztuka monumentalna rozwija się szczególnie aktywnie, gdy kultura artystyczna epoki jest przepojona wyraźnym patosem afirmacji pozytywnych wartości społecznych. Początki malarstwa monumentalnego sięgają społeczeństwa prymitywnego. Menhiry, kultowe posągi i malowidła naskalne ucieleśniały idee prymitywnego człowieka o potędze sił natury i wzmacniały jego umiejętności pracy. Wraz z pojawieniem się klas, relacje społeczne stały się decydujące dla sztuki monumentalnej. Zasady monumentalności i statyczności, które dominowały w sztuce starożytnego Egiptu, w warunkach społeczeństwa niewolniczego, powinny były przyczynić się do ugruntowania się idei nienaruszalności ustroju społecznego i ubóstwiania osobowości władca (tzw. Wielki Sfinks w Gizie, ale w historycznie zdeterminowanej formie ucieleśniały one także idee o potędze ludzkiego umysłu, zwycięstwie zbiorowości ludzkiej nad siłami natury). W okresie rozkwitu starożytnej greckiej demokracji niewolniczej powstały dzieła sztuki monumentalnej (dekor rzeźbiarski ateńskiego Partenonu), przepojone wiarą w piękno i godność człowieka, które w prawdziwych formach ucieleśniały humanistyczne ideały starożytnej Grecji polis. Cała konstrukcja artystyczna gotyckiej katedry, jej dekoracja malarsko-rzeźbiarska wyrażała nie tylko idee hierarchii społecznej i kościelnej generowane przez ustrój feudalny, cały system średniowiecznego światopoglądu religijno-dogmatycznego, ale także rosnącą samoświadomość miast, patos pracy kolektywu gminy miejskiej (dekoracja rzeźbiarska katedr w Reims, Chartres, Naumburgu i in.). Ogólnokrajowy wzrost duchowy w epoce wysokiego renesansu we Włoszech (koniec XV - pierwsza tercja XVI wieku) wyraził się z całą siłą w dziełach sztuki monumentalnej, charakteryzujących się szerokością dźwięku publicznego, pełnymi tytanicznych dźwięków. moc i intensywny dramat.

Katedra w Reims.

Ze względu na charakter treści i struktury figuratywnej rozróżnia się dzieła malarskie posiadające cechy monumentalności, które są najważniejszą cechą dominującą zespołu architektonicznego, od malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego, które zdobią jedynie powierzchnię ścian , sufity i elewacje, które zdają się „roztapiać” w architekturze. Malarstwo monumentalne nazywane jest także malarstwem monumentalno-dekoracyjnym lub dekoracją malarską, co podkreśla szczególny cel dekoracyjny obrazów. W zależności od funkcji dzieła malarstwa monumentalnego projektowane są w sposób wolumetryczno-przestrzenny lub planarno-dekoracyjny.

Malarstwo monumentalne zyskuje integralność i kompletność dopiero w interakcji ze wszystkimi elementami zespołu architektonicznego.

Najstarsze znane dekoracje ścienne to wydrapane zarysy zwierząt w jaskiniach Dordonii we Francji i południowych Pirenejów w Hiszpanii. Prawdopodobnie stworzyli je Cro-Magnonowie pomiędzy 25 a 16 tys. p.n.e. Powszechnie znane są malowidła jaskiniowe Altamiry (Hiszpania) i bardziej zaawansowane przykłady tej sztuki z epoki późnego paleolitu w jaskini La Madeleine (Francja).

Malowidła jaskiniowe Altamiry.

Obrazy zwierząt z górnego paleolitu z jaskini La Madeleine. Francja.

Malowidła ścienne istniały w predynastycznym Egipcie (V – IV tysiąclecie p.n.e.), m.in. w grobowcach Hierakonpolis (Hierakonpolis); Na tych obrazach widoczna jest już tendencja Egipcjan do stylizowania postaci ludzkich. W epoce Starego Państwa (3–2 tys. p.n.e.) ukształtowały się charakterystyczne cechy sztuki egipskiej i powstało wiele pięknych malowideł ściennych. W Mezopotamii zachowało się niewiele malowideł ściennych, co wynika z kruchości użytych materiałów budowlanych. Znane są obrazy figuratywne, które odzwierciedlają pewną tendencję do realizmu w przedstawianiu natury, ale ozdoby są bardziej typowe dla Mezopotamii.

W 2 tys. p.n.e. Kreta staje się kulturalnym pośrednikiem pomiędzy Egiptem a Grecją. W Knossos i innych pałacach wyspy zachowało się wiele fragmentów wspaniałych fresków, wykonanych z żywym realizmem, co znacznie odróżnia tę sztukę od hieratycznego malarstwa egipskiego. W Grecji z okresu przedarchaicznego i archaicznego malowidło ścienne nadal istniało, ale prawie nic z niego nie przetrwało. O rozkwicie tego gatunku w okresie klasycznym świadczą liczne wzmianki w źródłach pisanych; Szczególnie znane były obrazy Polignota w Propylejech ateńskiego Akropolu. Piękne przykłady starożytnego rzymskiego malarstwa monumentalnego zachowały się pod warstwą popiołu na ścianach domów w miastach Pompeje, Herkulanum i Stabia, które zostały zniszczone przez erupcję Wezuwiusza w 79 r., a także w Rzymie. Są to kompozycje polichromowane o różnorodnej tematyce, od motywów architektonicznych po złożone cykle mitologiczne, np. fresk Odyseusza w krainie Lajstrygonów z domu na Eskwilinie w Rzymie; w takich kompozycjach widać doskonałą wiedzę artysty o naturze i umiejętność jej przekazania.

W okresie wczesnochrześcijańskim (III–VI w.) oraz w średniowieczu malarstwo monumentalne było jedną z wiodących form sztuki. W tym okresie freski zdobiły ściany i sklepienia katakumb, następnie malowidła ścienne i mozaiki stały się głównymi rodzajami monumentalnej dekoracji świątyń zarówno w zachodnim Cesarstwie Rzymskim (do 476 r.), jak i w Bizancjum (IV – XV w.) innych krajów Europy Wschodniej. W średniowieczu w Europie Zachodniej kościoły dekorowano głównie freskami lub malowidłami na suchym tynku; mozaiki nadal istniały również we Włoszech. W malarstwie stylu romańskiego (XI–XII w.), w przeciwieństwie do malarstwa klasycznego i renesansowego, nie ma zainteresowania plastycznym modelowaniem objętości i przenoszeniem przestrzeni; są płaskie, konwencjonalne i wcale nie starają się wiernie odwzorować otaczającego ich świata.

Modelarstwo plastyczne pojawia się ponownie w twórczości włoskich mistrzów końca XIII i początku XIV wieku, zwłaszcza Giotta. We Włoszech w okresie renesansu freski stały się niezwykle rozpowszechnione. W swoich pracach artyści tej epoki starali się osiągnąć maksymalne podobieństwo do rzeczywistości; Interesowało ich przede wszystkim przekazywanie objętości i przestrzeni.

Artyści wysokiego renesansu również zaczęli eksperymentować z technikami malarskimi. I tak kompozycja Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie została namalowana farbą olejną na słabo przygotowanej powierzchni ściany. Jednak z biegiem czasu bardzo ucierpiał i okazał się prawie nie do odróżnienia pod warstwą późniejszych aktualizacji. W XVI – XVIII w. we włoskim malarstwie monumentalnym rośnie pragnienie przepychu, dekoracyjności i iluzjonizmu.

W 19-stym wieku Malowidła ścienne były często używane do dekoracji budynków użyteczności publicznej zarówno w Europie, jak i Ameryce. W XX wieku malarstwo monumentalne i dekoracyjne przeżywało nowy rozkwit dzięki twórczości meksykańskich artystów D. Rivery, J. Orozco i D. Siqueirosa.

Mozaika

Mozaika (francuska mosaique, włoska mozaika z łac. (opus) musivum - (dzieło) poświęcone muzom) to sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której dzieła polegają na tworzeniu obrazu poprzez aranżację, pisanie na maszynie i utrwalenie na powierzchnia (zwykle - na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.

Historia mozaiki

Historia mozaik sięga drugiej połowy. IV tysiąclecie p.n.e mi. - czas, na który datowana jest budowa pałaców i świątyń sumeryjskich miast Mezopotamii: Uruk, Ur, Eridu.

Mozaika stożkowa. Uruk. Mezopotamia. 3 tys pne mi.

Mozaikę wykonano z wypalonych pałeczek glinianych o długości 8-10 cm i średnicy 1,8 cm, które ułożono na roztworze gliny. Obraz powstał z końców tych stożków, które pomalowano, zwykle na kolor czerwony, czarno-biały. Wykorzystano motywy geometryczne: romb, trójkąt, zygzak.

Wczesny przykład techniki inkrustacji lub techniki mozaiki zwanej w starożytności opus sectile, która później rozwinęła się w technikę mozaiki florenckiej, można uznać za artefakt umownie nazywany „Standardem z Ur” (2600-2400 p.n.e.). Do VIII wieku p.n.e. mi. zawierają wczesne przykłady stosowania technik mozaikowych z nieprzetworzonych otoczaków, co stanowiło jeden z etapów rozwoju technik mozaikowych, a pod koniec zostało przez Rzymian lekceważąco nazwane opus barbaricum. Wykopaliska odsłoniły zdobione żwirowe podłogi Altyn Tepe (wschodnia Anatolia) i pałac w Arslan-tash (Asyria), ale najbogatszym zabytkiem są mozaiki żwirowe Gordion.

Gordiona. VIII wiek pne mi. W latach dziewięćdziesiątych mozaiki zostały częściowo zdemontowane i przewiezione do muzeum. Nowoczesne zdjęcie.

Pierwsze antyczne mozaiki wykonane z nieobrobionych kamieni znaleziono w Koryncie i datowano je na koniec. V wiek pne mi. Są to konturowe wizerunki ludzi, zwierząt, stworzeń mitologicznych, ozdobione wzorami geometrycznymi i roślinnymi, wykonane najczęściej w kolorze białym na czarnym, stylistycznie zbliżonym do malarstwa wazowego z czerwonofigurami. Podobne przykłady z IV wieku. PNE. spotykany także w Olynthos, Sikyon i Eretrii. Ważnym krokiem w stronę realizmu były mozaiki z Pelli (koniec IV wieku p.n.e.).

W starożytnym Rzymie mozaikami pokrywano podłogi i ściany willi, pałaców i łaźni. Mozaiki rzymskie wykonywano z małych kostek bardzo gęstego szkła – smalty, choć nierzadko stosowano drobne kamienie i otoczaki.

Epokę Cesarstwa Bizantyjskiego można uznać za najwyższy rozkwit sztuki mozaikowej. Bizantyjskie mozaiki stają się coraz bardziej wyrafinowane, stosuje się mniejsze moduły z kamieni i delikatnego muru, tło obrazów staje się przeważnie złote.

Bizantyjska mozaika

Mozaiki były bardzo szeroko stosowane w dekoracji pałaców władców Wschodu. Pałac Chanów Szekich jest wybitnym dziełem średniowiecznej architektury Azerbejdżanu. Gdyby nie było innych starożytnych budowli Azerbejdżanu, wystarczyłoby pokazać całemu światu tylko Pałac Chanów Szekich.

Pałac Chanów Szekich, uważany za jeden z cennych zabytków architektury XVIII wieku w Azerbejdżanie, został zbudowany w 1762 roku przez Guseikhana. Pałac, który kiedyś był częścią kompleksu budynków pałacowych i służył jako rezydencja chanów Szekich, jest budynkiem dwupiętrowym. Fasada pałacu składa się z podnoszonych kratowych ram z zestawem shebeke – wielobarwnych małych kieliszków. Wielokolorowy wzór szebeke barwnie uzupełnia malowidła pokrywające ściany pałacu.

Pałac Chanów Szekich

W drugiej połowie XVIII w. w Chanacie Szekskim wysoki poziom rozwoju osiągnęła sztuka malarska, bezpośrednio związana z architekturą i budownictwem. Wszystkie znaczące obiekty architektoniczne miasta Sheki były bogato zdobione malowidłami ściennymi, co było wówczas najpopularniejszą techniką malarską. Dowodem na to są przykłady malarstwa z pałacu chanów Szeków, które przetrwały do ​​dziś i nie utraciły swojej artystycznej wyrazistości.

Malowidła ścienne poświęcone były różnym tematom: scenom polowań na dzikie zwierzęta, bitwom, wzorom roślinnym i geometrycznym, rysunkom opartym na „Khamsie” (Pięć), genialnej azerbejdżańskiej poecie Nizami Ganjavi, scenach z życia pałacowego, codziennych szkicach z życia chłopskiego itp. d. Głównymi używanymi kolorami były niebieski, czerwony, złoty i żółty. Imię utalentowanego malarza Abbasa Quli jest zaszyfrowane na suficie sali pałacu chanów Sheki. Należy zauważyć, że ściany pałacu były odnawiane wielokrotnie, dlatego też można tu znaleźć obrazy wykonane przez mistrzów żyjących w różnych czasach. Pałac Chanów Szekich (Azerbejdżan)

Mozaika w Rosji

Na Rusi mozaiki pojawiły się wraz z przyjęciem chrześcijaństwa, ale nie rozpowszechniły się ze względu na wysokie ceny materiałów importowanych z Konstantynopola.

Mozaiki M. V. Łomonosowa są częścią działalności naukowca, która łączy promocję dwóch ważnych i ściśle ze sobą powiązanych obszarów jego pracy: rozwoju założonej przez niego nauki o szkle, tutaj - stosowanej, oddanej na służbę specjalnego rodzaju szklarstwa - wytapianie tzw. szkła litego, smalty - niezwykle pięknego materiału nadającego się do celów artystycznych - tworzenie różnorodnych dzieł mozaikowych - w tym przypadku główny kierunek, zakładający zaspokojenie dość szerokiego spektrum zainteresowań i potrzeb - od przedmioty użytkowe (koraliki, blaty składu, dodatki, dekoracje mebli i małe formy architektoniczne, elementy wyposażenia wnętrz).

Pierwsza mozaika M. V. Łomonosowa.

Niezłomna energia i determinacja naukowca przyczyniły się do tego, że jego aspiracje miały się spełnić: w specjalnej dobudowie jego domu na Wyspie Wasilewskiej otwarto warsztat dla zestawu mozaikowych obrazów, w którym rozpoczął zajęcia ze swoim pierwszym studenci - artyści mozaiki Matvey Vasilyevich Vasiliev i Efim Tichonovich Melnikov. A sam M.V. Łomonosow był pierwszą osobą w Rosji, która zaczęła opanowywać technikę pisania mozaikowego na podstawie własnego doświadczenia i własnymi rękami. Demonstruje cechy niepowtarzalnego zamysłu artystycznego, szlachetny patos swoich planów. Mając trzeźwe spojrzenie na sztukę, M.V. Łomonosow w najkrótszym możliwym czasie stał się liderem grupy artystów, którzy zasłynęli z tworzenia najwyższej klasy obrazów mozaikowych, których walory porównywalne były z najlepszymi obrazami z niezależnymi dziełami sztuki - „obrazami mozaikowymi” i monumentalnymi panelami, ożywiając to zapomniane rzemiosło i sztuka.

Zdobi ściany i sufity budynków użyteczności publicznej. Dawniej malowali głównie świątynie, obecnie – pałace kultury, dworce, hotele, stadiony. Malowidło takie musi być wykonane z trwałych materiałów, aby przetrwało stulecia wraz z budynkami. Twórcy murali, przedstawiających wydarzenia historyczne lub sceny z życia współczesnego, starają się przekazać swoje wyobrażenie o świecie, zaawansowane idee swoich czasów. Malarstwo monumentalne kultywuje gust artystyczny wśród szerokich rzesz widzów.

Malarstwo monumentalne umiejscowiony na ścianach, stropach, sklepieniach, często przemieszcza się z jednej ściany na drugą. Oglądają obrazy poruszając się po budynku, czasem nawet z ulicy, przez duże przeszklenia nowoczesnych budynków. Innymi słowy - monumentalne malarstwo jest postrzegany w ruchu z różnych punktów widzenia i nie powinien tracić wpływu na widza.

Muralista potrafi w malarstwie rozwinąć złożoną historię-narrację, połączyć wydarzenia, które wydarzyły się w różnych miejscach i czasie. Tak, wielki Włoch artysta Michał Anioł na suficie Kaplica Sykstyńska w Rzymie przedstawił wiele scen biblijnych, łącząc je w jedną złożoną kompozycję.

Studiując historię kultur starożytnych, wszędzie natrafiamy na zabytki malarstwa monumentalnego. Nie tylko sprawiają nam przyjemność artystyczną, ale także opowiadają o życiu, codzienności, pracy, wojnach narodów Starożytny Egipt, Indie, Chiny, Meksyk i inne kraje.

Erupcja Wezuwiusza w 79 r pokryty popiołem bogate miasto Cesarstwa Rzymskiego Pompeje. Dzięki temu wiele obrazów pozostało nienaruszonych. Część z nich, usunięta ze ścian, jest obecnie dekorowana muzeum w Neapolu.

Fresk z Pompei. Afrodyta, Ares i Eros.

Kultura artystyczna Starożytna Ruś znalazła swój wyraz także w pomnikach malarstwa monumentalnego. Malarstwo monumentalne przybył do Rusi z Bizancjum po przyjęciu chrześcijaństwa, ale szybko nabrał narodowych cech rosyjskich. Pomimo tego, że tematyka obrazów miała charakter religijny, rosyjscy artyści przedstawiali otaczających ich ludzi. Ich święci to prości Rosjanie i proste Rosjanki, to cały naród rosyjski w jego najszlachetniejszych cechach. Głównymi ośrodkami malarstwa monumentalnego na Rusi były Kijów, Nowogród, Psków, Włodzimierz, Moskwa, a później Jarosław (zobacz wiadomość. „Stara sztuka rosyjska”) . Ale nawet poza tymi dużymi, starożytnymi miastami, w cichych, odległych klasztorach, powstawały też ciekawe obrazy.

W odległym Klasztor Ferapontowa, położony nad jeziorami dawnej prowincji Wołogdy, wielkiego rosyjskiego artysty Dionizjusz stworzył obrazy, które zachwycają muzykalnością form, delikatnością i wspaniałym doborem kolorów. Farby do obrazów Dionizjusz przygotowane z wielobarwnych kamieni, którymi usiany jest brzeg jeziora w pobliżu klasztoru.

Dionizjusz. Fresk katedry Narodzenia Najświętszej Marii Panny w klasztorze Feropontow

Obrazy różnią się w zależności od techniki wykonania: fresk, malarstwo temperowe, mozaika, witraż.

Słowo fresk często błędnie używane do określenia wszelkiego malarstwa ściennego. Słowo to pochodzi z języka włoskiego „ na świeżym powietrzu”, co oznacza „świeży”, „surowy”. I rzeczywiście fresk namalowany jest na mokrym tynku wapiennym. Farby - suchy pigment, czyli barwnik w proszku - rozcieńcza się w czystej wodzie. Po wyschnięciu tynku zawarte w nim wapno tworzy cienką warstwę wapna. Skorupa ta jest przezroczysta, utrwala znajdujące się pod nią farby, dzięki czemu obraz jest nieścieralny i bardzo trwały. Takie freski docierały do ​​nas na przestrzeni wieków, niewiele się zmieniły.

Czasami piszą na już wyschniętym fresku tempera- farby rozcieńczone w kleju jajecznym lub kazeinowym. Tempera- także niezależny i bardzo powszechny rodzaj malarstwa ściennego.

Mozaika zwany obrazem ułożonym z małych kolorowych kawałków kamieni lub smalty- nieprzezroczyste, kolorowe szkło, specjalnie spawane do mozaiki. Płytki Smalt pocięte są na kostki o pożądanej przez artystę wielkości i z tych kostek, według szkicu i rysunku naturalnej wielkości (na tzw. tekturze), rysowany jest obraz. Wcześniej kostki układano w mokrym tynku wapiennym, obecnie układa się je w cemencie zmieszanym z piaskiem. Cement twardnieje, a kostki kamienia lub smaltu są w nim mocno osadzone. Mozaiki znali już starożytni Grecy i Rzymianie. Powszechne było także w Bizancjum, krajach bałkańskich i we Włoszech. Włoskie miasto Rawenna jest szczególnie znane ze swoich mozaik (patrz artykuł „

Malarstwo monumentalne dzieli się na typy w zależności od techniki wykonawcze:

obraz - dzieło malarskie wykonane bezpośrednio na ścianie, suficie, sklepieniu lub specjalnym płótnie, a następnie przymocowane do sufitu lub ściany. (Malowiny ścienne Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, Michał Anioł).

Malowidło wykonane na ścianie na mokrym tynku - fresk. Fresco - „surowy, świeży” - przetłumaczony z włoskiego. Metody malowania fresków: „a fresk” – na mokro, „a secco” – na sucho.

Malarstwo monumentalne wykonane na płótnie, które następnie zostaje utrwalone w przeznaczonym dla niego miejscu, nazywa się obrazem monumentalnym płyta

MALOWANIE SZTALALOWE

Rodzaje malarstwa sztalugowego: malarstwo, ikona, miniatura (niezwiązane ze sztuką zdobniczą i użytkową).

Obraz - dzieło malarstwa sztalugowego posiadające głęboką koncepcję, wyróżniające się doniosłością treści i kompletnością formy artystycznej. Zdarzenie, akcja jest niezbędnym warunkiem obrazu, ale portret i pejzaż też są obrazem, tylko tutaj mamy do czynienia z rozszerzonym rozumieniem tego słowa.

Ikona pierwsi chrześcijanie nazywali każdy obraz świętym, przeciwstawiając go „bożkowi” - obrazowi pogańskiemu. Później zaczęto używać słowa „ikona” w odniesieniu wyłącznie do dzieł sztalugowych, próbując odróżnić je od mozaik, fresków i rzeźb.

Miniaturowy. W książce - kompozycje umieszczone na osobnej kartce lub zajmujące jej znaczną część. Częściej artyści używali czerwonej farby (minium - po łacinie). Stąd wzięła się nazwa „miniatura”.

WYRAŹNE ŚRODKI MALARSKIE

PERSPEKTYWA (od łac. Perspicere) – przejrzeć. W życiu stale spotykamy się z prawami bezpośredniej perspektywy linearnej (osoba stojąca po drugiej stronie rzeki wydaje się mała, tory kolejowe w pobliżu horyzontu zbiegają się w jednym punkcie itp.)

Trzy prawa bezpośredniej perspektywy liniowej:

1. Wszystkie równoległe linie na obrazie zbiegają się w jednym punkcie.

2. Obiekty znajdujące się dalej od widza wydają się mniejsze niż te znajdujące się w pobliżu.

3. Linia horyzontu znajduje się zawsze na wysokości oczu.

Prawa perspektywy odkryto w starożytnej Grecji w V wieku p.n.e. Anaksagoras, Demokryt, Agatarch i były kojarzone ze sztuką teatralną i zdobniczą. Ale bezpośrednia perspektywa nie zakorzeniła się w sztuce starożytnej. Drugie odkrycie miało miejsce w okresie renesansu, epoki aktywnego zainteresowania dziedzictwem sztuki starożytnej. Za najwyższą wartość uznano świat realny i człowieka. Odkrycia naukowe, chęć odzwierciedlenia obrazu Świata w sztuce, podążanie za zasadą „naśladowania natury” ugruntowały i rozwinęły wiedzę o perspektywie. Autorstwo jego odkrycia należy do XV-wiecznego włoskiego architekta Filippo Brunelleschiego i matematyka Toscanelliego.

Istnieje również perspektywa odwrotna. W tym przypadku obraz zdaje się przewracać na nas, wkraczając w naszą realną przestrzeń. Elementy odwróconej perspektywy były często wykorzystywane przez starożytnych rosyjskich artystów w ikonach.

RYSUNEK jest ramą, podstawą konstrukcyjną obrazu.

FORMAT obrazu wiąże się z wewnętrzną strukturą dzieła i często podpowiada właściwą drogę do zrozumienia intencji artysty.

Format poziomy jest bardziej odpowiedni dla epickich kompozycji narracyjnych, aby przekazać ruch na płótnie.

Pionowy format zatrzymuje ruch i wprowadza poczucie powagi, pogody ducha i radości.

Plac daje poczucie spokoju i równowagi.

Popularne w okresie renesansu koło (tondo) (uważano, że ma kształt idealnie regularny), sprzyja spokojowi, skupieniu, skupieniu myśli i uczuć.

KOMPOZYCJA (od łacińskiego compositio) oznacza „wiązanie”, „komponowanie”, „łączenie” różnych części w jedną całość zgodnie z jakąś ideą. Kompozycja może być: zamknięta, otwarta, statyczna, dynamiczna, symetryczna, asymetryczna, stabilna, niestabilna.

Światłocień jest jednym z ważnych środków wyrazu w malarstwie, który pomaga ujawnić wolumen obrazu, fakturę i umiejscowienie w przestrzeni.

KOLORYT (od łacińskiego „kolor” – kolor) to harmonijne, skoordynowane połączenie różnych kolorów na obrazie w powiązaniu z zamysłem autora. Kolor może być: ciepły i zimny, jasny i ciemny.

RYTM to naprzemienność dowolnych elementów w określonej kolejności. Uniwersalna właściwość przyrody – rytm – towarzyszy nam przez całe życie (zmiana dnia i nocy, pory roku, puls człowieka, ruch uliczny, obrót zgodny z ruchem wskazówek zegara). W malarstwie rytm wyznaczają linie (postawy, gesty), plamy koloru i światłocień. Rytm może być: jednolity, wyraźny i ułamkowy, złożony i prosty, spokojny i dynamiczny.

FACTURA (od łac. „factura”) – obróbka, charakter powierzchni dzieła sztuki.