Miłość, wojna i niemiecki

W Pracowni Piotra Fomenko po raz 250. zagrano „One Absolutnie Happy Village”.

– Spektakl „Jedna absolutnie szczęśliwa wioska” jest drugą próbą Fomenko w tej sztuce. Pierwszy raz był ze studentami GITIS. Na twoim kursie?

– Nie, to był kurs przed nami. Poprawię cię – to nie jest sztuka, ale opowieść. Nie wiem dokładnie, jak wtedy nad tym pracowali, po raz pierwszy. Piotr Naumowicz powiedział, że uczniowie wykonali kilka szkiców. Przypomniał sobie na przykład, jak kręcono sceny z udziałem jednej z postaci, Krowy. Urodziła cielę! W „Warsztacie” Piotr Naumowicz ponownie sięgnął po ten materiał i tym razem przeniósł wszystkie szkice na scenę.

– Jak zaczął się ten występ?

– Jak zwykle: jeśli mnie pamięć nie myli, wzięliśmy tę historię i zaczęliśmy czytać. Przeczytaliśmy całość, a następnie zawęziliśmy ją do kompozycji teatralnej, nad którą następnie pracowaliśmy.

– Wydaje się, że ogromna liczba przedstawień w Twoim teatrze zaczynała się jako dzieła niezależne.

– Tak, mamy pokazy wewnętrzne, na których każdy może wszystko pokazać. Nazywa się je „wieczorami prób i błędów”. I właśnie z tych próśb i propozycji zrodziło się kilka spektakli. Ale tu bardziej chodziło o aktorstwo. Piotr Naumowicz rozpoczynając nową pracę, zawsze znał już zarys, na którym będzie utkał wzór. Wiedział, jak będzie wyglądał jego występ, a my już go śledziliśmy. Na próbach do „The Village” nauczyłam się ogromnej cierpliwości. Czasem długo leżęliśmy w tych drewnianych planach, czekając na nasze sceny. Czasem nawet zasypiali.

- Dlaczego zasnąłeś? Pracowałeś w nocy?

„Na próbach do „Wioski” nauczyłam się ogromnej cierpliwości”

– Nad jedną sceną moglibyśmy pracować bardzo długo. I wszyscy powinni być w tym momencie na scenie. 30 minut to nic, ale kiedy minie godzina, dwie, trzy, już rozumiesz, że nie możesz wejść, nie możesz wyjść, nie możesz nic zrobić i zaczynasz się uginać. Stało się to jednak niezauważone przez reżysera. „Wioska” to produkcja zespołowa; nie bez powodu spektakl nazywa się tak, a nie, powiedzmy, imionami głównych bohaterów. To bardzo subtelny spektakl, bo uwiązany do drobiazgów, niuansów i jeśli jeden artysta zrobi coś złego, to cała akcja nie idzie już zgodnie z planem. Wydaje się, że można to powiedzieć o wszystkich przedstawieniach. Ale szczególnie o tej. Ma specjalne, określone intonacje. Kiedy przedstawialiśmy nowe osoby, było to trudne. Nie dlatego, że nie mogli sobie poradzić, ale dlatego, że okazało się, że nie jest to takie proste do wyjaśnienia.

– Czy wszyscy nowi, których przywieziono, poradzili sobie?

- Z pewnością. A występ nabrał nowego brzmienia i niuansów. Niedawno miałem okazję obejrzeć występ z zewnątrz – obecnie gram na równi z Iriną Gorbaczową.

- I dlaczego?

– Były względy techniczne i Ira zgodziła się nam pomóc – zapoznała się z moją rolą. Danie jej szansy na dalszą grę było sprawiedliwe.

– Twoja wymiana nie jest związana ze zmęczeniem – czy produkcja ma już 13 lat?

„Moja rola nie może ci się znudzić”. Wydaje mi się, że głównym bohaterom jest trudniej. Generalnie są spektakle, gdzie wszystko jest tak zrobione, że nawet nie zauważasz, że je wykonujesz. Po prostu żyjesz, oddychasz, postrzegasz i to wszystko jest dla Ciebie takie naturalne! „Wioska” jest dla mnie jednym z takich przedstawień.

– Czy opuszczenie spektaklu zawsze jest bolesne?

– Kiedy spektakl rodzi się dzięki wspólnemu wysiłkowi wielu osób, trudno, jeśli wypadnie choć jeden element.

– Czy wydajność zmieniła się na przestrzeni lat?

- Zmieniono. Wydaje mi się, że można to powiedzieć o każdym występie. Jest w nim mnóstwo rzeczy osobistych. Z biegiem czasu zmienia się nie tylko wiek, ale także poczucie świata i siebie. Niektóre rzeczy już robisz inaczej. Ale widz nadal czyta to, co ustalił reżyser. Z Piotrem Naumowiczem przepracowaliśmy wszystko, aż do odwrócenia głowy.

– Czyli bardziej tu przewodził, niż polegał na artystach?

„Zrobiliśmy kilka scen bez niego, a potem mu je pokazaliśmy. Na przykład o kobietach podlewających ziemniaki. Nauczycielka Vera Petrovna Kamyshnikova i ja pracowaliśmy i coś „przedstawiliśmy”. W zasadzie w przedstawieniu pozostało to, co sami sobie wtedy wymyśliliśmy. Sam Piotr Naumowicz bardzo wyraźnie pokazał, co i jak powinni grać aktorzy. Na ogół taki był jego sposób pracy – najpierw pozwolić, żeby wszystko przeszło przez niego samego. Autor opowiadania, Borys Wachtin, był jego przyjacielem i oczywiście Piotr Naumowicz rozumiał go i czuł bardziej niż my. Sam wymyślił przestrzeń - te wszystkie baseny z wodą, liny, konopie, wiadra. Przywiązywał dużą wagę do swoich kostiumów. Wydaje się: pomyśl, możesz nosić dowolną szmatę! NIE! Jest dużo konwencji, dużo teatralnych obrazów. Ale w tym zażądał absolutnie bezwarunkowego pobytu. Dotyczyło to przedmiotów, odzieży, makijażu. Piotr Naumowicz zawsze domagał się prawdy, mówiąc: „Nie, nie baw się tak! To jest z jakiegoś kiepskiego radzieckiego filmu o wsi z lat trzydziestych i czterdziestych!!”

– Jak przebiegała pierwsza część pracy – analiza, lektura? Czasy przedwojenne, wojenne i powojenne są jeszcze bardzo blisko. Na czym się wzorowałeś?

– Wszystko narodziło się skojarzeniowo i w przenośni. Postawiliśmy na słowa, bo to na nich opiera się struktura działania. Osoba opowiadająca historię opiera się wyłącznie na tym, co mówi. I to było tematem gry. Badaliśmy, jak pisane są słowa, jak są ze sobą ułożone i oczywiście słuchaliśmy muzyki tamtych czasów.

– A sam Fomenko, ze względu na swój wiek, także był świadkiem.

– Tak i dużo mówił. Miał ciekawy dar: nie zdając sobie z tego sprawy, bardzo dobrze wyczuwał naturę wsi. Wątpię, żeby Piotr Naumowicz często odwiedzał wieś. Ale czułem w głębi duszy, że to jakiś nonsens, ale właśnie tego było trzeba.

– „One Absolutnie Happy Village” grane jest na Waszej najmniejszej scenie. Czy był pomysł, aby przenieść go do większego?

– Kilka razy zabieraliśmy „Derevnyę” w trasę koncertową i graliśmy w dużej przestrzeni, na przykład na scenie w Aleksandrince. Ale wydawało mi się, że to już nie jest to, czego chciałem – zniknął szczegół, dźwięk się oddalał, pojawił się szum. Wszędzie był ten dziwny efekt. I tylko raz, w Niemczech, na małej scenie, było lepiej. Jest to jednak występ kameralny. Obok jest pień, w niecce jest woda, jest chodnik. Jest ciekawiej, gdy jest tłoczno.

– Trzynaście lat to bardzo przyzwoity wiek dla występu. Dlaczego tak to zostało zachowane?

– Odpowiedź może brzmieć żałośnie: w przedstawieniu jest mocny duch. To jest najważniejsze – artyści mogą się zmieniać, ale nic nie jest w stanie złamać ducha. A w „Wiosce” pojawiają się takie zrozumiałe po ludzku tematy: wojna, okres przedwojenny i powojenny – mimowolnie zagracie bardzo uczciwie.

Najbliższe terminy realizacji

Chęć wprowadzenia widza w poetycki świat prozy Wachtina, odnalezienia atmosfery bliskiej autorowi, doprowadziła twórców spektaklu do formy szkiców, skeczy scenicznych, niezwykle konwencjonalnych i otwartych na percepcję widza. Poszukiwanie intonacji, cienkiej granicy między konwencją a autentycznością doświadczenia było kluczowe dla tej pracy. W niezwykłej przestrzeni zabaw Warsztatu ważne było odtworzenie szczególnej figuratywnej struktury opowieści, która łączy w sobie prawdziwe życie, fantazję i sen, w którym krowa, studnia z dźwigiem i ogrodowy strach na wróble oraz głównymi bohaterami są rzeka, ziemia i wioska. „...I o całkowicie szczęśliwej wiosce - to nie jest opowieść ani wiersz, to tylko piosenka... I w tę piosenkę wybuchła wojna...”

• Nagrody
• laureat nagrody „Złota Maska” w kategorii „Dramat – spektakl małej formy”, 2001
• Piotr Fomenko był nominowany do nagrody Złotej Maski w kategorii Dramat - Najlepszy Reżyseria, 2001
• Polina Agureeva była nominowana do nagrody Złotej Maski w kategorii Dramat - Najlepsza Aktorka, 2001
• Siergiej Taramajew był nominowany do nagrody Złotej Maski w kategorii Dramat - Najlepszy Aktor 2001
• Laureat Międzynarodowej Nagrody im. K. S. Stanislavsky 2000 w kategorii „Najlepszy występ sezonu”
• Polina Agureeva jest laureatką nagrody „Idol” w 2001 roku w nominacji „Nadzieja roku” za rolę Poliny.

Recenzje widzów spektaklu na forum można przeczytać korzystając z hashtaga #oneabsolutelyhappyvillage

UWAGA! W trakcie przedstawienia, realizując zadania twórcze postawione przez reżysera i uwagi autora, aktorzy na scenie palą. Prosimy o wzięcie tej informacji pod uwagę planując wizytę na spektaklu.

Fomenko jest jednym z nielicznych reżyserów, którzy potrafią wydobyć magiczną teatralność z najzwyklejszych przedmiotów i zjawisk. Historia Wachtina opowiada o wojnie, nie jest jednak kroniką bitew i zwycięstw, ale próbą zrozumienia znaczenia tego tragicznego wydarzenia w życiu zwykłych ludzi. Wojna tylko komplikuje bieg życia, ale nie jest w stanie go przerwać. Postrzegany jest jako ogromny kamień blokujący rzekę. Ale przychodzi czas, rzeka nabiera sił, przelewa się przez kamień i spokojnie płynie swoim poprzednim korytem. Olga Romancowa, Century przekroczyła pewien duchowy próg i patrzy na niego trochę z zewnątrz...
W rzeczywistości jest to liryczne wyznanie wspaniałego reżysera Piotra Fomenko, który w swoim warsztacie inscenizował skecze oparte na opowiadaniu Borysa Wachtina „Jedna absolutnie szczęśliwa wioska”: spektakl jest wzruszający i prosty, przepełniony przenikliwym poczuciem uroku i zagłady istnienia...
Aleksiej Filippow, Izwiestia...Fomenko w języku pogańskiego poety wychwalał oszczędny realizm sowieckiej wsi. Maya Odin, „Dziś” Podczas spektaklu „Fomenki” i ich bohaterowie odbywają stopniową podróż od animacji rzeczy, mechanizmów, zwierząt, rzek do animacji człowieka, animacji życia. Od czystej zabawy do czystego życia. Od życia ziemskiego, poziomego - do życia duchowego, wertykalnego. Dokładnie duchowe - nie duchowe. Sprawy duchowe zostawmy ideologom i etykom. I tu, bez żadnych przykazań i kanonów, pojmują prostą prawdę, że idą na wojnę, żeby z niej wyjść. Aby nasi zmarli nie odeszli od nas, są blisko, a miłość nie kończy się wraz z ich śmiercią. Po prostu skoro otrzymaliśmy możliwość dalszego życia, musimy, jesteśmy zobowiązani kochać żywych. Miłość jest jedynym uzasadnieniem naszego życia. Olga Fuks, „Wieczór Moskwa” Tyle zrobił Piotr Fomenko. Pod delikatną latarnią swojej pamięci umieścił swoich bliskich i kochających ludzi. Estetyzowano życie codzienne. Umiejętnie wykonał pozbawiony sztuki performance. Przełożył prozę na język poezji teatralnej, jedną z najstraszniejszych kart rosyjskiej historii (wojny) na język miłości, opowieść o śmierci na język religii, która mówi, że dusza jest nieśmiertelna, a po ukrzyżowaniu nadchodzi zmartwychwstanie...
Piotr Fomenko wystawił chyba jedyny spektakl we współczesnej Rosji, w którym nie ma ani słowa o wierze i Bogu, a który chciałoby się nazwać chrześcijańskim, bo wlewa się w niego Miłość. Marina Timasheva, „Pierwszy września”

„Jedna absolutnie szczęśliwa wioska”

„Wioska” na podstawie opowiadania Borysa Wachtina zaliczam, podobnie jak wielu innych, nie tylko do najlepszych kreacji Piotra Fomenko. Zajmuje ważne miejsce w mojej skarbnicy moich wstrząsów teatralnych, których w ciągu swojego życia zgromadziłem całkiem sporo, ale też niedużo. „Wioska” sąsiaduje tam ze „Spartakusem” Włodzimierza Wasiliewa, „Tilem” Nikołaja Karachentsowa, „Marią Stuart” Jewgienija Kołobowa, „Sztuką bez tytułu” Lwa Dodina, „Tartuffem” Anatolija Efrosa i „Towarzyszem, wierz!” Anatolija Efrosa. Jurij Łubimow, z „Bolera” Maurice’a Bejarta.

Zadziwiające odkrycie tego spektaklu tkwi w samym fakcie jego życia – na scenie, w życiu aktora, w paradoksalnej poezji języka autora. Taki świat, jaki stworzył tu reżyser - nieistniejący, a jednocześnie ciepły, żywy, autentyczny. „Wioskę” zawdzięczał pamięci swojego przyjaciela, przedwcześnie zmarłego petersburskiego pisarza Borysa Wachtina. Ich związek przeszedł przez dramatyczny okres rozstań, ale ostatecznie genialny aksjomat Iris Murdoch zadziałał: „Dzieło sztuki śmieje się ostatni”. Zemsta wrogów i oszczerstwa przyjaciół okazały się bezsilne wobec tego, co zjednoczyło dwóch prawdziwych artystów – scenarzystę i reżysera, a spektakl narodził się pomimo cenzury, oszczerstw i niewykorzenionych wypaczeń ideologicznych.

Spektakl opowiada o miłości i ludziach. Że prawdopodobnie nie ma na świecie nic cenniejszego niż człowiek. A nie ma nic cenniejszego niż miłość.

Zobacz wieczność w jednej chwili,

Ogromny świat w ziarenku piasku.

W jednej garści - nieskończoność

A niebo jest w kielichu kwiatu.

Taka jest mądrość... Właśnie to pomyślałam, gdy miałam zabrać Tonino Guerrę do „Wioski”. Jak zwykle przyjechał do Moskwy na długo i jako osoba niezwykle otwarta na nowe rzeczy i niezwykle ciekawa otaczającego go życia, zapragnęła zobaczyć „Wioskę”, na którą nie miała wcześniej czasu zobaczyć. Ale Teatr Fomenko wiedział, widział „Wojnę i pokój”, podziwiał i uważał Piotra Naumowicza (którego nazywał, nieco zniekształcając rosyjskie słowa, „Flamenco”) za jednego z naszych najlepszych reżyserów, obok Yu P. Lyubimova i Anatolija Wasiliewa. (Tonino Guerra był oczywiście prawdziwym fragmentem włoskiego renesansu, cudownie przeniesionym do czasów współczesnych. Oni – Tonino i Petr Naumovich – pojawili się w moim życiu niemal jednocześnie w sierpniu 2006 roku. A odeszli po sobie w 2012 roku… Tak obok siebie stoją w mojej pamięci dwaj tytani, dwie najdroższe osoby...) Kiedy Tonino, Laura i ja jechaliśmy z ich domu na Krasnej Worowie do Teatru Fomenko na Kutuzowskim Prospekcie, ja, najlepiej jak umiałem, , mieszając słowa rosyjskie i włoskie, opisał i niemal „stracił” spektakl. Byłem pewien, że estetyka „Wioski” to właśnie ten teatr pozornie naiwny, poetycki, metaforyczny i szczery, którego wyrazistość sprawia, że ​​czasem słowa są niepotrzebne. To znaczy, oczywiście, język Borysa Wachtina jest wyjątkowy, ale moja pewność, że „Wioskę” można zrozumieć bez słów i jest w stanie trafić w samo serce, była niezachwiana. Tonino, którego odważyłem się nazwać przyjacielem, zawsze powtarzał, że „czuje czułość na błędy” - lubił wady w wyglądzie, słowie, języku - to podkreślało indywidualność. Powiedział też, że „trzeba dążyć do stworzenia czegoś więcej niż banalnej doskonałości”. Utwierdziło się we mnie przekonanie, że „Wioska” jest dla niego zdecydowanie spektaklem. Widziałem jak zaczął się występ, jak Tonino siedzący na krześle w pierwszym rzędzie pochylił się do przodu, między nim a sceną wytworzyła się jakaś wewnętrzna energia i... zapomniałem o nim. Bo przede mną pojawiła się „Wioska” w całej swojej niesamowitej i pozornie prostej naturze. I niezależnie od tego, ile razy oglądałem spektakl przed i po, ani przez minutę w ciągu tych dwóch i kilku godzin nie udało mi się ani przez chwilę przypomnieć sobie – kim jestem, dlaczego, skąd, jak się nazywam? Hipnoza Piotra Fomenko jest taka, że ​​nie masz z nią nic wspólnego. I wy wszyscy jesteście tam, gdzie kobiety w kaloszach i szorstkich pończochach, w białych koszulach i sukienkach spacerują chodnikami, gwałtownie podcinając biodra, pracując na polach. A potem Polina Agureeva z bujakiem i pełnymi wiadrami (jak to robi tak krucha kobieta?), Zalotnie i z nieopisaną wdziękiem „odbijając się” od swojego zalotnika, mija Michejewa (Evgeniy Tsyganov). A on niepowtarzalnym, odważnym tupotem recytuje monolog o jarzmie, które budzi w mężczyźnie takie nieodparte pragnienia, gdy wywiera nacisk na ramiona takiej kobiety: „Nic mnie tak nie wytrąca z siodła równowagi jak jarzmo, podniecające mnie nieznośnie.” Cała pierwsza część spektaklu to opowieść o miłości, która nie zna zakazów i konwencji, pokonuje przeszkody i niesie bohaterów niczym rzeka, w której Polina i Micheev po raz pierwszy jednoczą się. Dla Piotra Fomenko ten spektakl jest najbardziej zmysłowy, pełen kipiących namiętności i upojenia ludzką naturą. A przede wszystkim kobieta obdarzona wyjątkową intonacją Poliny Agureevy, wszechogarniającą kobiecością i ponętną ciepłem ciała. Dla tej kobiety można pojechać na koniec świata. Aby przekazać objawienie miłości, potrzeba mu bardzo niewiele – błękitnego, mokrego płótna rzeki, gołych ramion bohaterki, jej szczupłych kostek i nadgarstków, jej głosu przełamującego namiętność i uczucia lotu, gdy na fali pasja i nurt rzeki bohaterowie wznoszą się i upadają...

Na moich oczach pojawił się duet Poliny Agureevy i Jewgienija Tsyganowa, a gdzieś w głębi pamięci emocjonalnej ożył inny duet - Polina Agureeva i Siergiej Taramajew, pierwszy wykonawca roli Michejewa. Jestem pod wielkim wrażeniem odważnej natury Tsyganova, jego silnej osobowości aktorskiej, tych przejawów męskości, na które kobieta nie może nie zareagować. Jest czarujący, lekkomyślny i ma w sobie specyficzną rasę człowieka, która nie pozwala człowiekowi zostać w domu, gdy nadchodzi wojna. Ale jednocześnie Mikheev Taramaeva jest jak „pierwsza miłość”. Mimo całego swojego subtelnego lirycznego wyglądu był wyrazem istoty powodzi uczuć Fomenkowa: osoby niekontrolowanej, psotnej, naiwnej, pięknej, mającej obsesję. Oczywiście nie mógł pojawić się w żadnej wiosce, w żadnym mieście, ani w ogóle nigdzie, chyba że w fantazji teatralnej. I nawet wtedy, dzięki żarliwemu pragnieniu reżysera stworzenia właśnie takiego bohatera.

Z czego Piotr Fomenko budował swoją „Wioskę”? Od drewnianych chodników, rozprysków wody, grzechoczących misek i wiader, szmat, ramy okiennej i gruzu, wianku ślubnego Poliny. Tutaj studnię z dźwigiem gra ironiczna Karen Badalov w kudłatym kapeluszu. W sposób święty dotrzymuje wszystkich powierzonych mu tajemnic, nawet dotyczących naszyjnika z pereł na dole - prezentu od kochającego ojca Michejewa (wystarczał wszystkim) nie dla żony, ale dla jej siostry. Następnie studnia ozdabia się tym naszyjnikiem, a następnie pojawia się na obrazie starożytnego mędrca-dziadka, słuchającego dudnienia ziemi przed nadchodzącą inwazją. A także utkał go z dziwnej mieszaniny scen rodzajowych i symboli poetyckich – jak historia Krowy (której aktorka nie zagrała tej roli!) czy przejścia kobiet podczas żniw, śpiewających: „Kobiety, wracajcie!” , "Do przodu!" A w „Wiosce” Fomenko muzyka ciągła – melodie ludowe „Wierzyłem, wierzyłem, wiedziałem”, „Wiosna po mnie nie przyjdzie” czy piosenka z ulubionego gramofonu Piotra Naumowicza „Chelita”: „Ay-ya-ya -tak! Nie szukaj na próżno. W naszej wsi naprawdę nie ma drugiej takiej Chelity.”

Z okazji wojny na tym samym skrawku Sali Zielonej starej sceny teatru odnaleziono inne obrazy - grzechoczące blachy, w które owinięci są żołnierze w płaszczach przeciwdeszczowych, gryzący dym Biełomoru, wąski róg okopu i źdźbło trawy, które żołnierz żuje w schronie. A potem fantastyczny raj w chmurach, w którym trafia zmarły Micheev, a potem jego towarzysz broni, biedny Kuropatkin (Tomas Mockus), Fomenko wraz z artystą Władimirem Maximowem wpadli na prosty, zapominający o sobie pomysł - wiklinową trampolinę-hamak, na której wygodnie jest leżeć i obserwować tych, którzy pozostali na ziemi. Fakt, że bohaterka spektaklu naturalnym jest, że rozmawia ze zmarłym mężem, kłóci się z nim, przeklina (co zrobić, jeśli bliźniaków nie da się zapanować?) jest zaskakująco trafny. Ulubieni ludzie, gdziekolwiek się znajdują, są zawsze z nami. A obraz raju, tak prosty i lakoniczny, wyraziście charakteryzuje styl teatru Piotra Fomenko: nie psychologiczny i nie realistyczny, nadprzyrodzony, fantastyczny, konwencjonalny i piękny. Teatr poety i tekściarza – otwarty, nieustraszony odsłaniający swoje serce i pozwalający publiczności grać na strunach własnej duszy „z dziecięcą zabawą”. Ile jest wart taki stopień szczerości? Jaki szczery wysiłek, a jaka udręka i zwątpienie? Ale niewątpliwie można powiedzieć o twórcy „Wioski”: „Chce żyć za cenę męki, za cenę bolesnych zmartwień. Kupuje dźwięki nieba, nie bierze chwały za darmo.”

A teraz to już nie miłość, rzeka, ziemia, ciało, zacięte spory w walce o prymat między zachłannie i namiętnie zakochaną Poliną i Michejewem. Ani dowcipne fragmenty w uwagach innych mieszkańców wsi, ani zabawne szczegóły w zachowaniu mieszkańców wioski, przez które widać uśmiech Fomenkowa. Jak wygląda wojna w sztuce Piotra Fomenko? Zgarbiona Polina z cieniami pod oczami, pogrzeb, molestowanie brygadzisty i przybycie schwytanego Niemca Franza (Ilya Lyubimov) do pomocy w pracach domowych. I nagle, w tym bólu, uporczywej melancholii i niemal fizycznej obecności zamordowanego męża, rodzi się kolejna miłość - po prostu, jak zbieg okoliczności, przeznaczenie z góry i błogosławieństwo zmarłego. Niezwykła odwaga reżysera polega na tym, że w swoim poetyckim i mimo obfitości codziennych akcentów, prześwitującym przedstawieniu wprowadził, z wyczuciem autora opowiadania Borysa Wachtina, temat tej zakazanej miłości. „Niepopularna” i dla wielu nie do przyjęcia opowieść o miłości Rosjanki, która w tej strasznej wojnie straciła męża, do mężczyzny, który walczył po stronie wroga. Ale dla Piotra Fomenko miłość nie może być pomyłką, nie może być zdradą. Miłość ma zawsze rację. Wierzył w to – i to nie tylko w teatrze. Dlatego w spektaklu nic nie jest wyjaśniane, nic nie jest pokazywane ani komentowane.

Wyobraźnia widza łączy się z teatralną rzeczywistością i nikomu nie przychodzi do głowy zapytać, dlaczego Polina zamieniła pikowaną marynarkę na białą chustę z jedwabnymi frędzlami, dlaczego kobiety śpiewają polifonicznie piosenkę „Mój kochany jest na froncie, nie walczy sam” ” i dlaczego zdenerwowany, przystojny Franz przynosi gramofon i zaczyna nagrywać piosenkę „Lili Marlene” ochryple śpiewaną przez Marlenę Dietrich. I łamanym głosem, z trudem radząc sobie z przerywanym oddechem, tłumaczy słowa pieśni - trochę błędnie, ale w rzeczywistości zadziwiająco trafnie: „Przed barakami, przed wielką bramą, stała latarnia i wciąż stoi... Z cichego miejsca, z głębi ziemi, jak we śnie, powstanę, zakochany w Tobie jak pies... Kiedy wieczorna mgła zacznie wirować, kto stać z tobą pod latarnią? Z tobą, Lili Marlene...” Nie znam bardziej precyzyjnych słów na temat miłości, która jest silniejsza niż śmierć. I najlepszy finał teatralny w moim życiu. I nie wiem, czy jest na świecie inny spektakl, który potrafi wywołać takie uczucia. Nawet nie uczucia, ale pasje, bo stworzył go człowiek pełen pasji, właściciel odważnego serca, które potrafi znieść zarówno ból, jak i szczęście.

I oczywiście wszystko to można opowiedzieć bez słów – językiem obrazów i emocji. Proste i wszechstronne, mądre i ważne. Jakże byłem szczęśliwy, że Tonino Guerra, poeta i gawędziarz, neorealista i marzyciel, zdobywca Oscara i wieśniak z Sant'Arcangelo, który sam był w niewoli niemieckiej podczas II wojny światowej, potwierdził moje przypuszczenia: „Natasza, wszystko zrozumiałem. Ten Mój teatr..." Rozmawiali o tym po przedstawieniu z aktorami i autorem spektaklu, kiedy wszyscy zebrali się w pustej sali...

...Białe ubrania - koszule i majtki - zmarłych, fruwające ćmy na drutach w rękach artystów (teatr „dziecięcy” – naiwny i wzruszający) i blask artystycznego gwizdania „Tango słowika” – to jest jak zmarli ożywają pod koniec przedstawienia. Bo w „Jednej Absolutnie Szczęśliwej Wiosce” wszyscy są razem. A to się nie zdarza. Chociaż…

2007