스타일과 트렌드의 수는 무한하지는 않지만 엄청납니다. 작품을 스타일별로 그룹화할 수 있는 핵심 기능은 예술적 사고의 통일된 원칙입니다. 다른 사람들에 의한 예술적 사고 방식의 변화 (교대하는 구성 유형, 공간 구성 기술, 색상 기능)는 우연이 아닙니다. 예술에 대한 우리의 인식 또한 역사적으로 변할 수 있습니다.
계층적 순서로 스타일 시스템을 구축하여 유럽 중심의 전통을 고수할 것입니다. 미술사에서 가장 큰 것은 시대 개념이다. 각 시대는 철학적, 종교적, 정치적 사상, 과학적 사상, 세계관의 심리적 특성, 윤리적 및 도덕적 규범, 삶의 미적 기준으로 구성된 특정 "세계 그림"이 특징이며, 이에 따라 한 시대를 구별합니다. 다른 사람에게서. 이들은 원시 시대, 고대 세계의 시대, 고대, 중세, 르네상스, 뉴 에이지입니다.
예술의 스타일에는 명확한 경계가 없으며 서로 원활하게 전달되며 지속적으로 개발, 혼합 및 반대됩니다. 하나의 역사적인 예술적 스타일의 틀 내에서 항상 새로운 스타일이 태어나고 다음 스타일로 넘어갑니다. 많은 스타일이 동시에 공존하므로 "순수한 스타일"이 전혀 없습니다.
동일한 역사적 시대에 여러 스타일이 공존할 수 있습니다. 예를 들어 17세기의 고전주의와 아카데미즘과 바로크, 18세기의 로코코와 신고전주의, 19세기의 낭만주의와 아카데미즘. 예를 들어 고전주의와 바로크 양식과 같은 스타일은 건축, 회화, 예술 및 공예, 문학, 음악 등 모든 유형의 예술에 적용되기 때문에 훌륭한 스타일이라고 합니다.
예술적 스타일, 트렌드, 트렌드, 학교 및 개별 마스터의 개별 스타일 특징을 구별해야합니다. 하나의 스타일 내에서 여러 예술적 방향이 있을 수 있습니다. 예술적 방향은 주어진 시대의 전형적인 기호와 독특한 예술적 사고 방식으로 구성됩니다. 예를 들어 아르누보 양식에는 후기 인상주의, 상징주의, 야수파 등 세기 전환기의 여러 경향이 포함되어 있습니다. 한편, 예술적 운동으로서의 상징주의의 개념은 문학에서 잘 발달된 반면, 회화에서는 매우 모호하고 문체적으로 너무 다른 예술가들을 통합하여 그들을 통합하는 세계관으로만 해석되는 경우가 많습니다.
다음은 현대 미술과 장식 예술에 어느 정도 반영된 시대, 스타일 및 경향에 대한 정의입니다.
| - XII-XV 세기에 서부 및 중부 유럽 국가에서 형성된 예술적 스타일. 그것은 중세 예술의 수세기에 걸친 진화의 결과였으며, 가장 높은 단계이자 동시에 역사상 최초의 범 유럽적이고 국제적인 예술 스타일이었습니다. 그것은 건축, 조각, 회화, 스테인드 글라스, 책 디자인, 예술 및 공예 등 모든 종류의 예술을 다루었습니다. 고딕 양식의 기초는 위로 치솟는 란셋 아치, 다색 스테인드 글라스 창, 형태의 시각적 비 물질화가 특징 인 건축이었습니다. 고딕 예술의 요소는 종종 현대 인테리어 디자인, 특히 벽화에서 찾을 수 있으며 이젤 그림에서는 덜 자주 볼 수 있습니다. 지난 세기 말부터 음악, 시, 패션 디자인에서 분명히 드러난 고딕 양식의 하위 문화가 있었습니다. |
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| (르네상스) - (프랑스 르네상스, 이탈리아 리나시멘토) 서유럽과 중부 유럽의 여러 국가와 동유럽의 일부 국가에서 문화 및 이데올로기 발전의 시대. 르네상스 문화의 주요 특징 : 세속적 성격, 인본주의 적 세계관, 고대 문화 유산에 대한 호소, 일종의 "부활"(따라서 이름). 르네상스 문화는 중세에서 새 시대로 넘어가는 과도기적 특징을 가지고 있는데, 여기서 옛 것과 새 것이 서로 얽혀 독특하고 질적으로 새로운 합금을 형성합니다. 어려운 것은 르네상스의 연대기 경계 (이탈리아-14-16 세기, 다른 국가-15-16 세기), 영토 분포 및 국가 특성에 대한 질문입니다. 현대 미술에서 이 스타일의 요소는 벽화에 자주 사용되며 이젤 그림에는 덜 사용됩니다. | |
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-(이탈리아 maniera에서-기법, 매너) 16세기 유럽 예술의 경향. 매너리즘의 대표자들은 르네상스의 세계에 대한 조화로운 인식, 인간이 자연의 완벽한 창조물이라는 인본주의적 개념에서 멀어졌습니다. 삶에 대한 예리한 인식은 자연을 따르지 않고 작가의 영혼에서 태어난 예술적 이미지의 주관적인 "내면의 아이디어"를 표현하려는 프로그래밍 적 욕구와 결합되었습니다. 이탈리아에서 가장 분명하게 나타납니다. 이탈리아 매너리즘 1520년대. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano)는 이미지의 극적인 선명도, 세계관의 비극, 자세와 움직임 모티프의 복잡성과 과장된 표현, 인물 비율의 확장, 색채 및 명암 불협화음이 특징입니다. . 최근에는 미술사가들이 역사적 스타일의 변화와 관련된 현대 미술의 현상을 언급하는 데 사용되었습니다. |
| - 원래 중간에 이탈리아에 분포했던 역사적인 예술 양식. XVI-XVII 세기, 그리고 XVII-XVIII 세기에 프랑스, 스페인, 플랑드르 및 독일에서. 보다 광범위하게 이 용어는 표현적이고 역동적인 형태로 생각하는 불안하고 낭만적인 세계관의 끊임없이 갱신되는 경향을 정의하는 데 사용됩니다. 마지막으로 거의 모든 역사적 예술 스타일에서 가장 높은 창의적 고조, 감정의 긴장, 형태의 폭발의 단계로서 자체 "바로크 시대"를 찾을 수 있습니다. | |
| - 서유럽 예술 XVII의 예술적 스타일 - 초기. XIX 세기 및 러시아어 XVIII - 초기. XIX, 고대 유산을 따라야 할 이상으로 언급. 그것은 건축, 조각, 회화, 예술 및 공예에서 그 자체로 나타났습니다. 고전주의 예술가들은 고대를 최고의 성취로 여기고 모방하고자 하는 예술의 표준으로 삼았습니다. 시간이 지남에 따라 아카데미즘으로 다시 태어났습니다. | |
| - 고전주의를 대체한 1820~1830년대 유럽과 러시아 예술의 경향. 낭만주의는 "불완전한"현실에 대한 고전 주의자의 이상적인 아름다움에 반대하면서 개성을 최전선에 가져 왔습니다. 예술가들은 환상적인 자연의 이미지뿐만 아니라 밝고 희귀하며 특별한 현상에 매료되었습니다. 낭만주의 예술에서는 날카로운 개인의 지각과 경험이 중요한 역할을 한다. 낭만주의는 추상적이고 고전적인 도그마로부터 예술을 해방시켰고 그것을 민족사와 민속의 이미지로 전환시켰다. | |
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-(lat. 감정-감정에서)- "이성"(계몽주의 이데올로기)의 이상에 기반한 "문명"에 대한 실망을 표현하는 18 세기 후반 서양 예술의 방향. S. 는 "작은 남자"의 시골 생활의 느낌, 고독한 반성, 단순함을 선포합니다. J. J. Rousseau는 S. |
| - 현상과 사물의 외형과 본질을 가장 진실하고 확실하게 보여주기 위해 노력하는 예술의 방향. 이미지를 만들 때 창의적인 방법이 개별 기능과 일반적인 기능을 결합하는 방법. 원시시대부터 현재까지 발전해 온 가장 긴 존재 방향. | |
| - 후기 XIX-초 XX 세기의 유럽 예술 문화 방향. 인도주의적 영역(철학, 미학-실증주의, 예술-자연주의)에서 부르주아적 "건전성" 규범의 지배에 대한 반응으로 발생하는 상징주의는 무엇보다도 1860년대 후반과 70년대 프랑스 문학에서 형성되었습니다. 나중에 벨기에, 독일, 오스트리아, 노르웨이, 러시아에서 널리 퍼졌습니다. 여러면에서 상징주의의 미적 원칙은 낭만주의의 아이디어와 A. Schopenhauer, E. Hartmann, 부분적으로 F. Nietzsche의 이상주의 철학의 일부 교리, 독일 작곡가 R의 작업 및 이론화로 거슬러 올라갑니다. .바그너. 상징주의는 생생한 현실을 비전과 꿈의 세계와 대조했습니다. 시적 통찰력에 의해 생성되고 일상의 의식에서 숨겨진 현상의 다른 세계적 의미를 표현하는 상징은 존재와 개인 의식의 비밀을 이해하기 위한 보편적인 도구로 간주되었습니다. 아티스트-크리에이터는 현실과 초감각 사이의 중개자로 간주되어 모든 곳에서 세계 조화의 "징후"를 찾고 현대 현상과 과거 사건 모두에서 미래의 징조를 예언적으로 추측합니다. | |
| -(프랑스 인상에서-인상) 프랑스에서 발생한 19 세기 후반 ~ 20 세기 초 예술의 경향. 이 이름은 1874 년 예술가 전시회에 대해 비난하는 미술 평론가 L. Leroy에 의해 소개되었습니다. 특히 C. Monet의 그림“Sunrise. 인상". 인상주의는 첫인상의 신선함, 환경의 가변성을 강조하면서 현실 세계의 아름다움을 주장했습니다. 순전히 회화적인 문제를 해결하려는 주된 관심은 예술 작품의 주요 구성 요소로 그림을 그리는 전통적인 아이디어를 감소시켰습니다. 인상주의는 유럽 국가와 미국의 예술에 강력한 영향을 미쳤으며 실제 장면에 대한 관심을 불러 일으켰습니다. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley 등) | |
| -신 인상주의의 틀 안에서 발전한 회화의 경향 (분할주의와 동의어). 신인상주의는 1885년 프랑스에서 시작되어 벨기에와 이탈리아로 전파되었습니다. 신인상주의자들은 광학 분야의 최신 기술을 예술에 적용하려고 노력했는데, 그에 따르면 기본 색상의 개별 지점으로 구성된 그림은 시각적 인식에서 색상의 융합과 그림의 전체 영역을 제공합니다. (J. Seurat, P. Signac, K. Pissarro). | |
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후기 인상주의- 프랑스 회화의 주요 방향에 대한 조건부 집합 이름 XIX - 1 분기. 20 세기 후기 인상주의 예술은 순간의 전이, 그림 같은 느낌에 주의를 기울이고 사물의 형태에 대한 관심을 상실한 인상주의에 대한 반작용으로 등장했습니다. 후기 인상파 중에는 P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh 등이 있습니다. |
| - XIX-XX 세기의 전환기에 유럽과 미국 예술의 스타일. 아르누보는 시대별 예술의 특징을 재고하고 양식화했으며, 비대칭성, 장식성, 장식성 등의 원칙을 바탕으로 고유한 예술적 기법을 개발했습니다. 자연의 형태도 근대성 양식화의 대상이 된다. 이것은 아르누보 작품의 식물 장식에 대한 관심뿐만 아니라 식물 형태를 연상시키는 풍부한 곡선 윤곽, 떠 다니는 shchix, 고르지 않은 윤곽과 같은 구성 및 플라스틱 구조 자체를 설명합니다. 근대성과 밀접한 관련이 있는 상징주의는 근대성의 미학적, 철학적 기초 역할을 했으며, 근대성을 아이디어의 조형적 구현으로 의존했습니다. Art Nouveau는 프랑스의 Art Nouveau, 오스트리아의 Secession, 독일의 Jugendstil, 이탈리아의 Liberty와 같은 국가마다 다른 이름을 가졌습니다. |
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-(프랑스 모던-모던에서) 20세기 전반의 여러 예술 운동의 일반적인 이름으로, 과거의 전통적인 형식과 미학을 부정하는 것이 특징입니다. 모더니즘은 아방가르드에 가깝고 아카데믹에 반대한다. |
| - 1905-1930년대에 널리 퍼진 예술 운동의 범위를 통합하는 이름. (야수파, 입체파, 미래파, 표현주의, 다다이즘, 초현실주의). 이 모든 영역은 예술 언어를 갱신하고 작업을 다시 생각하며 예술적 표현의 자유를 얻으려는 열망으로 통합됩니다. | |
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- 예술의 방향 XIX - 현재. XX 세기는 이미지의 모든 형태를 가장 단순한 기하학적 모양으로, 색상을 따뜻하고 차가운 톤의 대비 구조로 축소시킨 프랑스 예술가 Paul Cezanne의 창의적인 수업을 기반으로합니다. 세잔주의는 큐비즘의 출발점 중 하나였습니다. 세잔니즘은 국내 사실주의 회화에도 상당한 영향을 미쳤다. |
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-(포브에서 와일드) 프랑스 예술의 아방가르드 트렌드 n. 20 세기 "와일드"라는 이름은 현대 비평가들이 1905년 파리의 독립 살롱에 출연한 예술가 그룹에게 붙여진 아이러니한 일이었습니다. 그룹에는 A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen 등이 포함되었습니다. 중세와 동양의. |
| -시각적 수단의 고의적 단순화, 예술 발전의 원시 단계 모방. 이 용어는 소위 말하는 것입니다. 특수 교육을받지 않았지만 19 세기 말 ~ 19 세기 초의 일반적인 예술 과정에 참여한 예술가들의 순진한 예술. XX 세기. 이 예술가들-N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov 등의 작품은 자연 해석의 일종의 유치함, 일반화 된 형식과 사소한 문자 그대로의 조합이 특징입니다. 형식의 원시성은 결코 내용의 원시성을 미리 결정하지 않습니다. 그것은 종종 민속, 본질적으로 원시 예술에서 형식, 이미지, 방법을 빌린 전문가를 위한 소스 역할을 합니다. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse는 원시주의에서 영감을 얻었습니다. | |
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-고대와 르네상스의 대포를 기반으로 발전한 예술의 방향. 그것은 16세기부터 19세기까지 많은 유럽 예술 학교에 존재했습니다. 아카데미즘은 고전적 전통을 창조적 탐구를 제한하는 "영원한" 규칙과 규정의 체계로 바꾸었고, "높은" 개선된 초국적이며 시대를 초월한 형태의 아름다움으로 불완전한 살아있는 자연에 반대하려고 노력했습니다. 아카데미즘은 예술가를 위한 현대 생활의 플롯보다 고대 신화, 성서적 또는 역사적 주제의 플롯을 선호하는 것이 특징입니다. |
| - (French cubisme, from cube - cube) 20세기 1/4 분기 예술의 방향. 큐비즘의 조형 언어는 물체를 기하학적 평면으로 변형 및 분해, 형태의 조형 이동에 기반을 두고 있습니다. 큐비즘의 탄생은 1907-1908년 - 제1차 세계대전 직전에 해당합니다. 이 추세의 확실한 리더는 시인이자 홍보인 G. Apollinaire였습니다. 이 경향은 20세기 예술의 발전을 선도하는 경향을 구현한 최초의 경향 중 하나였습니다. 이러한 추세 중 하나는 그림 자체의 예술적 가치에 대한 개념의 지배였습니다. J. Braque와 P. Picasso는 큐비즘의 아버지로 간주됩니다. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris 등이 떠오르는 흐름에 합류했습니다. | |
| - 1924년 프랑스에서 발생한 문학, 회화, 영화의 경향. 현대인의 의식 형성에 크게 기여했다. 운동의 주요 인물은 Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Bunuel, Juan Miro 및 전 세계의 많은 다른 예술가들입니다. 초현실주의는 현실 너머의 존재, 부조리, 무의식, 꿈, 백일몽이 여기서 특히 중요한 역할을 한다는 생각을 표현했습니다. 초현실주의 작가의 특징적인 방법 중 하나는 의식적 창조성을 제거하는 것인데, 이는 그를 환각과 유사한 무의식의 기괴한 이미지를 다양한 방식으로 추출하는 도구로 만든다. 초현실주의는 여러 위기에서 살아남았고, 제2차 세계대전에서 살아남았고 점차 대중문화와 융합하고 트랜스아방가르드와 교차하면서 포스트모더니즘을 필수적인 부분으로 받아들였습니다. | |
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-(lat. futurum에서-미래) 1910 년대 예술의 문학 및 예술 운동. 미래 예술의 원형 역할을 맡은 미래주의는 주요 프로그램으로서 문화적 고정 관념을 녹이는 아이디어를 제시하고 대신 현재와 미래의 주요 징후로 기술과 도시주의에 대한 사과를 제시했습니다. 미래주의의 중요한 예술적 아이디어는 현대 생활 속도의 주요 신호로서 움직임의 신속함을 조형적으로 표현하는 것입니다. 러시아 버전의 미래주의는 키보퓨처리즘이라는 이름을 지었고 프랑스 큐비즘의 조형 원리와 유럽의 일반적인 미적 설정 미래주의의 조합을 기반으로 했습니다. |
그림- 모든 표면에 적용된 페인트를 사용하여 작품이 생성되는 가장 일반적인 미술 유형입니다.
화가가 만든 예술 작품에는 그림, 색상, 명암, 획의 표현력, 질감 및 구성이 사용됩니다. 이를 통해 세계의 다채로운 풍부함, 물체의 양, 질적 재료 독창성, 공간적 깊이 및 가벼운 공기 환경을 평면에서 재현할 수 있습니다.
다른 예술과 마찬가지로 회화는 사회적 의식의 한 형태이며 세계를 예술적이고 비유적으로 반영합니다. 그러나 작가는 세상을 반영하면서 자신의 생각과 감정, 열망, 미적 이상을 작품에 동시에 구현하고 삶의 현상을 평가하며 그 본질과 의미를 자신의 방식으로 설명하며 세상에 대한 이해를 표현한다.
그림의 세계는 풍부하고 복잡하며, 그 보물은 수천 년 동안 인류에 의해 축적되었습니다. 가장 오래된 회화 작품은 원시인이 거주하는 동굴 벽에서 과학자들에 의해 발견되었습니다. 놀라운 정확성과 선명도로 최초의 예술가들은 사냥 장면과 동물의 습관을 묘사했습니다. 이것이 기념비적 그림의 특징을 가진 벽에 페인트를 묘사하는 예술이 생겨난 방법입니다.
기념비적인 그림기념비적 그림에는 두 가지 주요 유형이 있습니다. 프레스코 (이탈리아 프레스코에서-신선한) 및 모자이크 (이탈리아 모자이크에서 문자 그대로-뮤즈 전용).
프레스코- 신선하고 축축한 회반죽 위에 순수 또는 석회수로 희석한 물감으로 칠하는 기법입니다.
모자이크-석회 또는 시멘트와 같은 토양 층에 고정 된 석재, smalt, 세라믹 타일의 균질하거나 다른 입자로 만들어진 이미지.
프레스코와 모자이크는 기념비적 예술의 주요 유형으로, 내구성과 내색성으로 인해 건축 볼륨 및 평면(벽화, 플라폰, 패널)을 장식하는 데 사용됩니다. 러시아 기념비주의자들 사이에서 A.A. 데이네키, P.D. 코리나, A.V. Vasnetsova, B.A. Talberg, D.M. 머퍼트, B.P. 밀류코프 등.
이젤 그림(그림)은 독립적인 성격과 의미를 가지고 있습니다. 실생활을 다루는 범위의 폭과 완성도는 이젤 그림에 내재된 다양한 유형에 반영되며 장르: 정물, 가정, 역사, 전투 장르, 풍경, 초상화.
기념비적인 이젤 그림과 달리 벽면과 연결되지 않고 자유롭게 전시가 가능하다. 이젤 예술 작품의 사상적, 예술적 의미는 변하지 않습니다. 그들의 예술적인 소리는 노출 조건에 따라 다르지만 위치에 따라 다릅니다.
이러한 종류의 그림 외에도 장식적인- 연극 및 영화의 풍경과 의상 스케치, - 뿐만 아니라 미니어처그리고 도상학.
XV 세기의 고대 러시아 회화의 높은 기술의 기념물. 오른쪽은 전 러시아 박물관 협회 "State Tretyakov Gallery"(ill. 6)에 저장된 아이콘 "Trinity"인 Andrei Rublev가 만든 걸작으로 간주됩니다. 여기에서 그 시대의 완전하고 가장 높은 형태로 정신과 세상 및 삶의 조화라는 도덕적 이상이 표현됩니다. 아이콘은 깊은 시적이고 철학적인 내용으로 가득 차 있습니다. 세 천사의 이미지는 모든 등고선을 정복하는 원에 새겨져 있으며 그 일관성은 거의 음악적 효과를냅니다. 밝고 순수한 톤, 특히 수레국화 블루("속을 채운 양배추")와 투명한 그린이 미세하게 조정된 범위로 합쳐집니다. 이 색상은 중간 천사의 짙은 체리색 로브와 대조되어 전체 구성에서 그의 인물의 주역을 강조합니다.
러시아 성화의 아름다움, 이름 Theophan the Greek, Andrey Rublev, Dionysius, Gorodets의 Prokhor, Daniil Cherny XX 세기 이후에야 세상에 공개되었습니다. 후기 기록에서 고대 아이콘을 지우는 방법을 배웠습니다.
불행히도 작품에서 "유사함"또는 "비슷함"의 관점에서 화가가 묘사 한 내용에 대한 인식, 음모의 의무적 명료성을 찾고있을 때 예술에 대한 이해가 단순화되었습니다. 동시에 그들은 잊어 버립니다. 모든 유형의 예술에서 친숙한 구체적인 삶의 그림과 함께 캔버스에 묘사 된 것과 직접적인 유사성을 찾을 수있는 것은 아닙니다. 이 접근 방식으로는 Andrei Rublev의 그림의 장점을 평가하기가 어렵습니다. 음악, 건축, 응용 및 장식 예술과 같은 "비회화적" 유형의 창의성은 말할 것도 없습니다.
회화는 다른 모든 형태의 예술과 마찬가지로 작가가 현실을 반영하는 자신의 생각과 감정을 전달하는 특별한 예술적 언어를 가지고 있습니다. 회화에서 “현실의 풀타임 이미지는 예술적 이미지, 선, 색을 통해 구현된다. 그 모든 기술적 완성도에도 불구하고 회화는 감상자의 감정이입을 불러일으키지 않는다면 아직 예술 작품이 아니다.
절대적으로 정확한 성능으로 아티스트는 유사성 만 전달한다는 목표를 설정하면 묘사 된 태도를 보여줄 기회를 박 탈당합니다!
유명한 거장의 경우 이미지는 현실을 완전하고 정확하게 전달하지 않고 특정 관점에서만 표시합니다. 작가는 자신이 의식적으로 또는 직관적으로 특별히 중요하게 생각하는 것, 이 경우. 현실에 대한 이러한 적극적인 태도의 결과는 정확한 이미지뿐만 아니라 현실의 예술적 이미지, 저자는 개별 세부 사항을 요약하여 가장 중요한 특성을 강조합니다. 따라서 작가의 세계관과 미학적 입장이 작품에 드러난다.
정물-독립적인 회화 장르 중 하나. 장르의 독창성은 뛰어난 회화적 가능성에 있습니다. 특정 대상의 물질적 본질을 통해 진정한 예술가는 비유적인 형태로 삶의 본질적인 측면, 취향과 관습, 사람들의 사회적 지위, 중요한 역사적 사건, 때로는 전체 시대를 반영할 수 있습니다. 이미지 대상의 의도적 선택과 그에 대한 해석을 통해 그는 현실에 대한 태도를 표현하고 자신의 생각과 감정을 드러낸다.
비교를 위해 소련의 뛰어난 화가가 그린 정물을 보자. MS 사리안(1880-1972), "예레반 꽃"(ill. 7). 주인은 자신의 창작 작품 논문의 서문이 된 말로 꽃에 대한 태도를 표현했습니다. “사람의 삶을 장식하는 꽃보다 더 아름다운 것은 무엇일까요? ... 꽃을 보면 즉시 즐거운 기분에 감염됩니다 ... 우리가 꽃에서 보는 색상의 순도, 투명도 및 깊이는 새와 과일의 깃털에서만 볼 수 있습니다.”1.
"글의 가벼움과 즉각적으로 보이는 것 뒤에는 고도로 재능있는 예술가의 훌륭한 회화 문화와 방대한 경험이 있습니다. 마치 한 번의 숨결처럼 큰 (96x103cm) 그림을 쓰는 그의 능력은 의도적으로 전형적인 세부 사항을 무시합니다. 중요한 것을 전달하려는 화가의 창의적인 방식-아르메니아 원주민 자연의 무한한 풍부함.
가정용 장르, 또는 단순히 "장르"(프랑스어 단어 장르-속, 유형에서 유래)-예술가가 일상적인 표현에서 삶의 이미지를 언급하는 가장 일반적인 유형의 이젤 그림입니다.
러시아 미술에서 일상적인 장르는 19세기 회화의 민주주의 경향의 저명한 대표자 154명이 그 발전에 기여했을 때 선도적인 위치를 차지했습니다. VC. 페로프(1833-1882), K.A. 사비츠키(1844-1905), N.A. Yaroshenko (1846 -1896), V.E. Makovsky (1846-1920), I.E. 레핀(1844-1930).
의심 할 여지가없는 A.A. 플라스토바(1893-1972)작가가 모성에 대한 순결하고 미묘한 감탄을 표현한 그림 '봄'이 고려된다. 포근한 봄눈을 배경으로 아이의 머리에 스카프를 두르는 엄마의 모습이 멋집니다. 작가는 동료 마을 사람들의 단순한 생활 상황에 많은 풍속화를 바쳤습니다.
역사적 장르 XIX 세기 후반에 러시아 예술에서 형성되었습니다. 그는 러시아의 주요 예술가들이 당시 현실의 심각한 문제에 대해 조국의 과거에 세심한 관심을 기울이도록 도왔습니다. 러시아 역사화는 지난 세기 80~90년대에 절정에 이르렀다. 즉. Repin, V.I. Surikov, V.M. Vasnetsova, K.P. Bryullov.유명한 러시아 예술가 PD 고린(1892-1967)삼부작 (공통 주제로 연결된 세 개의 개별 캔버스 구성) "Alexander Nevsky"를 만들었습니다. 작품은 위대한 애국 전쟁 (1942-1943)의 가혹한시기에 만들어졌습니다. 전쟁의 어려운시기에 예술가는 러시아 땅 자체와 사람들과의 불가분의 관계를 보여주는 고대 Rus의 위대한 전사의 이미지로 향했습니다. Korin의 삼부작은 혹독한 시련을 겪은 사람들의 용기와 회복력에 대한 작가의 믿음을 표현하면서 우리 역사상 영웅 시대의 가장 인상적인 문서 중 하나가되었습니다.
배틀 장르(프랑스어 bataille에서-전투)는 일종의 역사적 장르로 간주됩니다. 이 장르의 뛰어난 작품에는 그림이 포함됩니다. A.A. 데이네카 Petrograd 방어 (1928), Sevastopol 방어 (1942) 및 Downed Ace (1943).
경치일상적인 역사 및 전투 그림에 중요한 추가 요소로 자주 사용되지만 독립적인 장르로 작용할 수도 있습니다. 풍경화 작품은 우리에게 가깝고 이해할 수 있지만 캔버스에 사람은 종종 부재합니다.
자연의 이미지는 모든 사람을 흥분시켜 비슷한 분위기, 경험 및 생각을 불러일으킵니다. 우리 중 러시아 화가의 풍경에 가깝지 않은 사람 : "루크가 도착했습니다" A.K. 사브라소바, "해동" 에프. 바실리예바,"호밀" I.I. 쉬쉬킨,"드니프르의 밤" 일체 포함. 쿤지,"모스크바 안뜰" VD. 폴레노바그리고 "영원한 평화 위에" I.I. 레비탄. 우리는 무의식적으로 자연의 시적 아름다움을 드러낸 예술가의 눈으로 세상을 바라보기 시작합니다.
풍경화가들은 나름의 방식으로 자연을 보고 전달했다. 그들이 가장 좋아하는 동기는 I.K. 아이바조프스키(1817-1900),바다, 선박 및 요소와 고군분투하는 사람들의 다른 상태를 묘사합니다. 그의 캔버스는 chiaroscuro의 미묘한 그라데이션, 조명 효과, 정서적 고양, 영웅주의 및 파토스에 대한 성향이 특징입니다.
이 장르에서 소비에트 풍경화가들의 주목할만한 작품들: 성. 게라시모프(1885-1964), "Winter"(1939) 및 "Ice has pass"(1945)와 같은 그림의 저자,
N.P. 크리모바(1884-1958), "Autumn"(1918), "Gray Day"(1923), "Noon"(1930), "Before Twilight"(1935) 등의 그림, 수채화의 창작자 AP 오스트루모바-레베데바(1871-1955) - "Pavlovsk"(1921), "Petrograd. 화성의 들판(1922), 회화 오전. 그리차야(b. 1917)"여름 정원"(1955), "정오"(1964), "5월. 봄의 따뜻함 "(1970) 등
초상화(프랑스 초상화에서-묘사하기 위해)-실제로 존재하거나 존재하는 사람 또는 그룹의 이미지, 이미지.
인물 사진의 가장 중요한 기준 중 하나는 이미지와 모델(원본)의 유사성입니다. 초상화의 구도에는 다양한 솔루션이 있습니다 (가슴, 허리, 전신, 그룹). 그러나 모든 다양한 창의적인 솔루션과 매너로 인해 초상화의 주요 품질은 외부 유사성의 이전뿐만 아니라 묘사되는 사람의 영적 본질, 그의 직업, 사회적 지위의 공개입니다.
러시아 예술에서 초상화 그림은 18세기 초부터 화려한 역사를 시작했습니다. F.S. Rokotov (1735-1808), D.G. 레비츠키(1735-1822), V.A. 보로비콥스키(1757-1825) 18세기 말경. 세계 예술의 최고 업적 수준에 도달했습니다.
XIX 세기 초. 러시아 예술가 V.A. 트로피닌(1776-1857)그리고 O.A. 키프렌스키(1782-1836)널리 알려진 A.S. 푸쉬킨.
Wanderers는 러시아 초상화 초상화의 전통을 이어갔습니다. V.G. 페로프(1833/34-1882), N.N. Ge (1831-1894), I.N. Kramskoy (1837-1887), I.E. 레핀(1844-1930)등
저명한 과학 및 예술 인물의 초상화 구성을 해결하는 훌륭한 예는 예술가가 만든 일련의 캔버스입니다. M.V. 네스테로프(1877-1942). 주인은 창의적이고 집중된 생각, 영적 탐구의 가장 강렬한 순간에 자신의 영웅을 찾았습니다 (병 13). 이것은 유명한 소련 조각가의 초상화가 해결 된 방법입니다 ID. Shadra (1934) 및 V.I. 무키나(1940),아카데미 회원 I.P. 파블로바 (1935)그리고 저명한 외과의 봄 여름 시즌. 유디나 (1935).
그림은 다양한 장르와 유형으로 구별됩니다. 각 장르는 사람의 이미지(초상화), 주변 세계(풍경) 등 주제 범위에 따라 제한됩니다.
그림의 종류(유형)는 목적이 다릅니다.
이와 관련하여 오늘 이야기 할 그림에는 여러 유형이 있습니다.
이젤 그림
가장 인기 있고 잘 알려진 그림 유형은 이젤 그림입니다. 따라서 기계에서 수행되는 이유는 이젤입니다. 기본은 나무, 판지, 종이이지만 대부분 들것에 캔버스가 늘어납니다. 이젤 그림은 특정 장르에서 만들어진 독립적인 작업입니다. 그녀는 색채가 풍부합니다.
유성 페인트
대부분의 경우 이젤 그림은 유성 페인트로 실행됩니다. 유성 페인트는 캔버스, 목재, 판지, 종이, 금속에 사용할 수 있습니다.
유성 페인트
유성 페인트는 건조 식물성 오일 또는 건조 오일 또는 알키드 수지를 기반으로 하는 무기 안료 및 충전제의 현탁액이며 때로는 보조 물질이 추가됩니다. 그들은 페인팅 또는 목재, 금속 및 기타 표면 페인팅에 사용됩니다.
V. Perov "Dostoevsky의 초상화"(1872). 캔버스, 오일
그러나 온도, 구 아슈, 파스텔, 수채화의 도움으로 그림 같은 그림을 만들 수도 있습니다.
수채화
수채화 물감
수채화 (French Aquarelle - watery, Italian acquarello)는 특수 수채화 물감을 사용하는 페인팅 기법입니다. 물에 용해되면 미세한 안료의 투명한 현탁액을 형성하므로 밝기, 경쾌함 및 미묘한 색상 전환 효과가 생성됩니다.
J. Turner "Fierwaldstadt Lake"(1802). 수채화. 테이트 브리튼(런던)
구아슈
구아슈(프랑스 구아슈, 이탈리아 구아조 수성 페인트, 스플래시)는 접착성 수용성 페인트의 일종으로 수채화보다 밀도가 높고 무광택입니다.
구 아슈 페인트
구 아슈 페인트는 흰색을 추가하여 안료와 접착제로 만듭니다. 흰색의 혼합은 구 아슈에 무광택 벨벳을 제공하지만 건조되면 색상이 다소 희게 (밝아짐) 아티스트가 드로잉 과정에서 고려해야합니다. 구 아슈 페인트의 도움으로 어두운 톤을 밝은 톤으로 덮을 수 있습니다.
Vincent van Gogh "Corridor in Asulum"(분홍색 종이에 검은 분필과 구 아슈)
파스텔 [e]
파스텔 (라틴 파스타 - 반죽) - 그래픽 및 페인팅에 사용되는 예술적 재료. 원형 또는 사각형 섹션이 있는 막대 형태의 크레용 또는 무테 연필 형태로 가장 자주 생산됩니다. 파스텔에는 건조, 오일 및 왁스의 세 가지 유형이 있습니다.
I. Levitan "리버 밸리"(파스텔)
템페라 화법
템페라 (라틴어 템페라의 이탈리아 템페라 - 페인트 혼합) - 건조 분말 안료를 기반으로 준비된 수성 페인트. 온도 페인트의 바인더는 물로 희석 한 닭고기 달걀의 노른자 또는 전체 달걀입니다.
Tempera 페인트는 가장 오래된 페인트 중 하나입니다. XV-XVII 세기까지 유성 페인트의 발명 및 배포 전. 템페라 물감은 이젤 그림의 주요 재료였습니다. 3,000년 이상 사용되어 왔습니다. 고대 이집트 파라오의 유명한 석관 그림은 템페라 페인트로 만들어졌습니다. Tempera는 주로 비잔틴 거장의 이젤 그림이었습니다. 러시아에서는 템페라 쓰기 기법이 17세기 말까지 우세했다.
R. Streltsov "데이지와 제비꽃"(템페라)
Encaustic
Encaustic(다른 그리스어 ἐγκαυστική - 굽는 기술)은 왁스가 페인트의 바인더인 페인팅 기법입니다. 페인팅은 녹은 페인트로 이루어집니다. 많은 초기 기독교 아이콘이 이 기법으로 그려졌습니다. 고대 그리스에서 유래.
"천사". Encaustic 기술
종이와 수성 페인트를 사용하는 수채화, 구 아슈 및 기타 기술이 그래픽으로 분류되는 또 다른 분류를 찾을 수 있다는 사실에 주목하십시오. 그들은 그림의 특징 (색조의 풍부함, 형태와 공간의 구성, 색상)과 그래픽 (이미지 구성에서 종이의 적극적인 역할, 그림 표면의 특정 릴리프 획의 부재)을 결합합니다.
기념비적인 그림
기념비적 그림 - 건축 구조 또는 기타 근거에 그림을 그립니다. 이것은 구석기 시대 이후로 알려진 가장 오래된 유형의 그림입니다. 고정성과 내구성으로 인해 발전된 건축을 만든 거의 모든 문화에서 수많은 예가 남아 있습니다. 기념비적 그림의 주요 기법은 프레스코, 세코, 모자이크, 스테인드 글라스입니다.
프레스코
프레스코 (이탈리아 프레스코에서-신선한)-벽화 기법 중 하나 인 수성 페인트로 젖은 석고에 그림을 그립니다. 건조되면 석고에 포함된 석회가 얇고 투명한 칼슘 피막을 형성하여 프레스코를 내구성있게 만듭니다.
프레스코는 쾌적한 무광택 표면을 가지고 있으며 실내 조건에서 내구성이 있습니다.
Gelati 수도원 (조지아). 하나님의 성모 교회. 개선문(Arc de Triomphe)의 상단과 남쪽에 있는 프레스코화
세코
그리고 secco (이탈리아어에서 secco-dry)-벽화는 프레스코 화와 달리 단단하고 건조한 석고에 다시 적셔 수행됩니다. 페인트가 사용되거나 식물성 접착제, 계란, 석회와 혼합됩니다. Secco는 프레스코 페인팅보다 작업일에 더 많은 표면 영역을 칠할 수 있지만 내구성이 있는 기술은 아닙니다.
아세코 기법은 프레스코화와 함께 중세 회화에서 발전했으며 특히 17-18세기 유럽에서 일반적이었습니다.
레오나르도 다빈치 최후의 만찬(1498). 세코 기술
모자이크
Mosaic (fr. mosaïque, ital. mosaico from lat. (opus) musivum - (뮤즈 전용 작품) - 다양한 장르의 장식, 응용 및 기념비적 예술. 모자이크의 이미지는 표면에 여러 가지 색의 돌, 스몰트, 세라믹 타일 및 기타 재료를 배치하고 고정하여 형성합니다.
모자이크 패널 "고양이"
스테인드 글라스
스테인드 글라스 창 (fr. vitre-창 유리, lat. vitrum-유리)-색유리 작품. 스테인드 글라스는 오랫동안 교회에서 사용되었습니다. 르네상스 시대에 스테인드 글라스는 유리 위에 그림으로 존재했습니다.
문화 궁전 "Mezhsoyuzny"(무르만스크)의 스테인드 글라스 창
디오라마와 파노라마도 다양한 회화에 속합니다.
디오라마
세바스토폴에 있는 디오라마 "1944년 5월 7일 사푼 산맥 공격" 건물
디오라마는 전면에 주제 계획이 있는 리본 모양의 반원형 곡선 그림입니다. 예술적이고 기술적 인 수단의 합성에 의해 달성되는 자연 공간에서 시청자의 존재에 대한 환상이 만들어집니다.
디오라마는 인공 조명용으로 설계되었으며 주로 특수 파빌리온에 있습니다. 대부분의 디오라마는 역사적인 전투에 전념합니다.
가장 유명한 디오라마는 "Sapun Mountains에 대한 공격"(Sevastopol), "Sevastopol의 방어"(Sevastopol), "Rzhev를위한 싸움"(Rzhev), "Leningrad 공성전의 돌파구"(Petersburg), 베를린"(모스크바) 등
파노라마
회화에서 파노라마는 평면적인 회화적 배경과 입체적인 대상의 전경이 결합된 원형의 시선을 가진 그림이다. 파노라마는 수평선의 전체 원에서 뷰어를 둘러싼 실제 공간의 환상을 만듭니다. 파노라마는 주로 넓은 지역과 많은 참가자를 포함하는 이벤트를 묘사하는 데 사용됩니다.
박물관 파노라마 "보로디노 전투"(박물관 건물)
러시아에서 가장 유명한 파노라마는 보로디노 전투 파노라마 박물관, 볼로차예프 전투, 스탈린그라드 전투 파노라마 박물관에서 스탈린그라드에서 나치군의 패배, 세바스토폴 방어, 시베리아 횡단 철도의 파노라마입니다.
프란츠 루보. 캔버스 파노라마 "보로디노 전투"
연극 및 장식 그림
풍경, 의상, 분장, 소품 등은 공연(영화)의 내용을 보다 깊이 있게 드러내는데 도움을 준다. 풍경은 행동의 장소와 시간에 대한 아이디어를 제공하고 무대에서 일어나는 일에 대한 시청자의 인식을 활성화합니다. 연극 예술가는 의상과 메이크업의 스케치에서 캐릭터의 개성, 사회적 지위, 시대의 스타일 등을 날카롭게 표현하려고 노력합니다.
러시아에서 연극 및 장식 예술의 전성기는 19-20세기로 접어들었습니다. 이때 뛰어난 예술가 M.A.가 극장에서 일하기 시작했습니다. 브루벨, V.M. Vasnetsov, A.Ya. 골로빈, L.S. Bakst, N.K. Roerich.
M. Vrubel "시티 롤리팝". N.A. 의 오페라 풍경 스케치. 모스크바에서 러시아 개인 오페라를 위한 림스키-코르사코프 "차르 살탄의 이야기". (1900)
세밀화
미니어처는 작은 형태의 회화 작품입니다. 특히 인기있는 초상화 미니어처는 작은 형식 (1.5 ~ 20cm)의 초상화로 특별한 미묘함, 독특한 실행 기술 및이 그림 형식에만 내재 된 수단을 사용하는 것이 특징입니다.
미니어처의 유형과 형식은 매우 다양합니다. 수채화, 구 아슈, 특수 예술 에나멜 또는 유성 페인트를 사용하여 양피지, 종이, 판지, 상아, 금속 및 도자기에 그렸습니다. 저자는 자신의 결정에 따라 또는 고객의 요청에 따라 원, 타원형, 마름모꼴, 팔각형 등으로 이미지를 새길 수 있습니다. 고전적인 초상화 미니어처는 얇은 상아판에 만든 미니어처입니다.
니콜라스 1세 황제. G. 모르셀리의 미니어처 조각
몇 가지 미니어처 기술이 있습니다.
래커 미니어처(Fedoskino)
Zinaida Nikolaevna 공주의 초상화가 있는 미니어처(Yusupov의 보석)
연구와 작업에 지식 기반을 사용하는 학생, 대학원생, 젊은 과학자들은 여러분에게 매우 감사할 것입니다.
소개
1. 회화의 종류
2. 회화와 장르
결론
서지
소개
"그림"이라는 단어는 "살다"와 "쓰다"라는 단어에서 형성됩니다. Dahl은 "그림"은 "붓이나 단어, 펜으로 정확하고 생생하게 묘사하는 것"이라고 설명합니다. 화가에게 바르게 그린다는 것은 그가 본 것의 가장 중요한 특징인 외형을 그대로 옮겨온 것을 의미한다. 선과 톤과 같은 그래픽 수단으로 올바르게 전달할 수있었습니다. 그러나 이러한 제한된 수단으로는 주변 세계의 다색, 물체의 유색 표면의 센티미터마다 생명의 맥동, 이 삶의 매력, 끊임없는 움직임과 변화를 생생하게 전달하는 것은 불가능합니다. 미술의 한 종류인 회화는 현실 세계의 색을 진정으로 반영하는 데 도움을 줍니다.
색상 - 그림의 주요 그림 및 표현 수단 - 톤, 채도 및 밝기가 있습니다. 그것은 주제의 특징적인 모든 것을 전체적으로 융합하는 것처럼 보입니다. 선으로 묘사 될 수있는 것과 접근 할 수없는 것입니다.
페인팅은 그래픽과 마찬가지로 밝고 어두운 선, 획 및 점을 사용하지만 이와는 달리 이러한 선, 획 및 점은 색상이 있습니다. 그들은 눈부심과 밝게 빛나는 표면을 통해 광원의 색상을 전달하고, 물체(로컬) 색상과 환경에 의해 반사된 색상으로 3차원 형태를 조각하고, 공간적 관계와 깊이를 설정하고, 물체의 질감과 물질성을 묘사합니다.
회화의 과제는 무엇인가를 보여주는 것뿐만 아니라 묘사된 것의 내적 본질을 드러내고 "전형적인 상황의 전형적인 인물"을 재현하는 것이다. 따라서 삶의 현상에 대한 진정한 예술적 일반화는 사실주의 회화의 토대입니다.
1. 회화의 종류
기념비적인 그림- 이것은 건축 구조물의 벽과 천장을 장식하는 특별한 종류의 대규모 그림입니다. 그것은 사회 발전에 긍정적인 영향을 미쳤던 주요 사회 현상의 내용을 밝히고 그것을 미화하고 영속화하며 사람들을 애국, 진보 및 인류의 정신으로 교육하는 데 도움을 줍니다. 기념비적 인 그림 내용의 고상함, 작품의 상당한 크기, 건축과의 연결에는 많은 양의 색상, 엄격한 단순성 및 구성의 간결함, 윤곽의 선명도 및 플라스틱 형태의 일반화가 필요합니다.
장식 그림건물과 인테리어를 다채로운 패널 형태로 장식하는 데 사용되며 사실적인 이미지로 벽의 돌파구, 방 크기의 시각적 증가 또는 의도적으로 평평한 형태의 환상을 만듭니다. 벽의 평탄도와 공간의 분리. 기념비적 인 그림과 조각 작품을 장식하는 패턴, 화환, 화환 및 기타 유형의 장식은 인테리어의 모든 요소를 연결하여 아름다움과 건축과의 일관성을 강조합니다.
연극 및 장식 그림(풍경, 의상, 분장, 소품, 작가의 스케치에 따라 제작) 공연의 내용을 보다 깊이 있게 드러내는데 도움을 줍니다. 풍경을 인식하기 위한 특수한 연극적 조건은 대중의 다양한 관점, 먼 거리, 인공 조명 및 컬러 하이라이트의 영향을 고려해야 합니다. 풍경은 행동의 장소와 시간에 대한 아이디어를 제공하고 무대에서 일어나는 일에 대한 시청자의 인식을 활성화합니다. 연극 예술가는 의상과 메이크업의 스케치에서 캐릭터의 개성, 사회적 지위, 시대의 스타일 등을 날카롭게 표현하려고 노력합니다.
미니어처 그림인쇄술이 발명되기 전인 중세에 크게 발전했습니다. 손으로 쓴 책은 최고의 머리 장식, 결말, 상세한 미니어처 삽화로 장식되었습니다. 19세기 전반의 러시아 예술가들은 미니어처의 그림 기법을 능숙하게 사용하여 작은(주로 수채화) 초상화를 만들었습니다. 수채화의 순수하고 깊은 색상, 절묘한 조합, 그림의 섬세함은 우아함과 고귀함으로 가득 찬 이 초상화를 구별합니다.
이젤 그림, 공작 기계-이젤에서 수행되며 목재, 판지, 종이를 재료 기반으로 사용하지만 대부분 들것에 펼쳐진 캔버스입니다. 독립적 인 작품 인 이젤 그림은 예술가의 사실과 허구, 무생물과 사람, 현대성과 역사-한마디로 모든 표현의 삶 등 모든 것을 절대적으로 묘사 할 수 있습니다. 그래픽과 달리 이젤 페인팅은 색상이 풍부하여 정서적, 심리적으로 다각적이며 주변 세계의 아름다움을 미묘하게 전달합니다.
기법과 실행 수단에 따라 그림은 오일, 템페라, 프레스코, 왁스, 모자이크, 스테인드 글라스, 수채화, 구 아슈, 파스텔로 나뉩니다. 이러한 이름은 바인더 또는 재료 및 기술 수단을 사용하는 방법에서 파생되었습니다.
오일 페인팅식물성 기름에 페인트를 지우면 완료됩니다. 두꺼운 페인트는 오일이나 특수 시너 및 바니시를 첨가하면 액화됩니다. 유성 페인트는 캔버스, 목재, 판지, 종이, 금속에 사용할 수 있습니다.
템페라 화법페인팅은 달걀 노른자 또는 카세인에 준비된 페인트로 이루어집니다. 템페라 페인트는 물에 녹고 벽, 캔버스, 종이, 나무에 페이스트 또는 액체로 도포됩니다. Rus의 Tempera는 가정 용품에 벽화, 아이콘 및 패턴을 만들었습니다. 우리 시대에 온도는 그림과 그래픽, 예술과 공예, 예술과 디자인에 사용됩니다.
프레스코화수성 페인트로 젖은 석고에 적용된 기념비적이고 장식적인 구성의 형태로 인테리어를 장식합니다. 프레스코는 쾌적한 무광택 표면을 가지고 있으며 실내 조건에서 내구성이 있습니다.
왁스 페인팅(encaustic)은 유명한 "Fayum 초상화"(1 세기 AD)에서 알 수 있듯이 고대 이집트의 예술가들에 의해 사용되었습니다. encaustic의 바인더는 표백 왁스입니다. 왁스 페인트는 가열된 베이스에 녹은 상태로 적용된 후 소작됩니다.
모자이크 그림, 또는 모자이크는 작은 돌 또는 유색 돌의 개별 조각으로 조립되어 특수 시멘트 바닥에 고정됩니다. 다양한 각도로 지면에 삽입된 투명한 스몰트는 빛을 반사하거나 굴절시켜 색상이 번쩍거리고 희미하게 보이게 합니다. 모자이크 패널은 지하철, 극장 및 박물관 내부 등에서 볼 수 있습니다. 스테인드 글라스 페인팅은 모든 건축 구조의 창 개구부를 장식하도록 설계된 장식 예술 작품입니다. 스테인드 글라스 창은 튼튼한 금속 프레임으로 고정된 색유리 조각으로 구성되어 있습니다. 스테인드 글라스 창의 유색 표면을 뚫고 나오는 광속은 내부의 바닥과 벽에 장식적으로 화려한 다색 패턴을 그립니다.
2. 회화와 장르
그림의 장르 (프랑스 장르 - 속, 유형) - 이미지의 주제와 대상에 따른 그림의 역사적 구분. 현대 회화에는 초상화, 역사, 신화, 전투, 일상, 풍경, 정물, 동물 장르의 장르가 있습니다.
비교적 최근에 그림에 "장르"라는 개념이 등장했지만 구석기 시대의 동굴에 있는 동물의 이미지, 기원전 3000년의 고대 이집트와 메소포타미아의 초상화, 헬레니즘과 로마의 풍경과 정물 등 고대부터 특정 장르의 차이가 존재했습니다. 모자이크와 프레스코화. 이젤 그림의 시스템으로서 장르의 형성은 15-15세기 유럽에서 시작되었습니다. 미술을 장르로 나누는 것 외에도 이미지, 주제, 줄거리의 주제에 따라 "높음"및 "낮음"장르의 개념이 등장한 17 세기에 주로 끝났습니다.
"높음" 장르에는 역사 및 신화 장르가 포함되었고 "낮음" 장르에는 초상화, 풍경 및 정물이 포함되었습니다. 이러한 장르의 그라데이션은 19세기까지 지속되었습니다. 따라서 17 세기 네덜란드에서는 회화 (풍경, 일상 장르, 정물)를 주도한 것은 바로 "낮은"장르였으며 공식적으로 초상화의 "낮은"장르에 속했던 의식 초상화는 그것에 속하지 않습니다.
삶의 반영의 한 형태가 된 회화의 장르는 공통된 특징의 모든 안정성을 가지고 불변하지 않고 삶과 함께 발전하며 예술이 발전함에 따라 변화합니다. 일부 장르는 죽거나 새로운 의미를 얻습니다(예: 신화 장르). 일반적으로 기존 장르 내에서 새로운 장르가 발생합니다(예: 풍경 장르에 건축 경관 및 정박지가 나타남). 다양한 장르를 결합한 작품이 있습니다 (예 : 일상 장르와 풍경의 결합, 집단 초상화와 역사적 장르의 결합).
개인 또는 집단의 외적 및 내적 모습을 반영하는 미술의 한 장르를 예술이라고 한다. 초상화. 이 장르는 회화뿐만 아니라 조각, 그래픽 등에도 널리 퍼져 있습니다. 초상화의 주요 요구 사항은 외부 유사성의 이전과 사람 성격의 본질 인 내면 세계의 공개입니다. 이미지의 특성상 의식 및 실내 초상화의 두 가지 주요 그룹이 구별됩니다. 의식용 초상화는 건축학적 또는 풍경적 배경에 대해 완전히 성장한 사람(말을 타고 서 있거나 앉아 있음)을 보여줍니다. 챔버 초상화에서는 중간 길이 또는 가슴 이미지가 중립적 인 배경에 사용됩니다. 자화상은 예술가의 이미지 인 특별한 그룹에서 두드러집니다.
초상화는 순수 예술의 가장 오래된 장르 중 하나이며 원래 컬트 목적이 있었으며 고인의 영혼과 동일시되었습니다. 고대 세계에서 초상화는 1 ~ 3 세기의 Faiyum 초상화와 같은 그림 초상화뿐만 아니라 조각에서 더 발전했습니다. 중세 시대에는 초상화의 개념이 일반화 된 이미지로 대체되었지만 프레스코 화, 모자이크, 아이콘 및 미니어처에 대한 역사적 인물 묘사에는 몇 가지 개별 기능이 있습니다. 후기 고딕과 르네상스는 초상화 장르가 등장하여 인간에 대한 인본주의 적 믿음과 그의 영적 삶에 대한 이해의 정점에 도달하는 초상화 발전의 격동기입니다.
역사적 사건과 인물에 전념하는 미술 장르를 역사적 장르. 기념비성을 특징으로 하는 역사적 장르는 오래전부터 벽화에서 발전해 왔다. 르네상스에서 19세기까지 예술가들은 고대 신화, 기독교 전설의 음모를 사용했습니다. 종종 그림에 묘사된 실제 역사적 사건은 신화적 또는 성서적 우화적 인물로 가득 차 있습니다.
역사 장르는 일상 장르 (역사 및 일상 장면), 초상화 (과거의 역사적 인물 이미지, 초상화-역사적 구성), 풍경 ( "역사적 풍경")과 같은 다른 장르와 얽혀 있으며 전투 장르와 병합됩니다.
역사적 장르는 이젤과 기념비적 형태, 미니어처와 일러스트레이션으로 구현됩니다. 고대에 시작된 역사 장르는 실제 역사적 사건과 신화를 결합했습니다. 고대 동양 국가에는 상징적 구성 (군주의 군사적 승리의 신격화, 신에 의한 권력 이전)과 벽화 및 부조의 내러티브주기도있었습니다. 고대 그리스에는 역사적 영웅의 조각 이미지가 있었고 고대 로마에서는 군사 작전과 승리의 장면으로 부조가 만들어졌습니다.
유럽의 중세 시대에는 역사적 사건이 연대기의 미니어처, 아이콘에 반영되었습니다. 이젤 그림의 역사적 장르는 17-18세기 르네상스 시대에 유럽에서 형성되기 시작했습니다. 그것은 "높은"장르로 간주되어 전면에 나타났습니다 (종교적, 신화 적, 우화 적, 실제로 역사적 플롯).
역사 장르의 그림은 극적인 내용, 높은 미적 이상, 인간 관계의 깊이로 가득 차 있었다.
고대 민족의 신화가 말하는 영웅과 사건에 전념하는 미술 장르를 신화적 장르(그리스어에서. 신화 - 전통). 신화적 장르는 역사와 접촉하게 되고 르네상스 시대에 형태를 갖추게 되는데, 고대 전설이 복잡한 윤리적, 종종 우화적 함축을 지닌 이야기와 인물을 구체화할 수 있는 가장 풍부한 기회를 제공했기 때문입니다. 17세기 -- 일찍 XIX 세기 신화 장르의 작품에서 높은 예술적 이상으로 구현되고 삶에 가까워 지거나 축제 광경을 만드는 도덕적, 미적 문제의 범위가 확장되고 있습니다. XIX -XX 세기부터. 게르만, 켈트, 인도, 슬라브 신화의 주제가 대중화되었습니다.
전투 장르(French bataille-battle에서)는 역사, 신화 장르의 일부이며 전투, 군사적 공적, 군사 작전, 영광스러운 군사력, 전투의 분노, 승리의 승리를 묘사하는 데 특화된 그림 장르입니다. 전투 장르에는 국내, 초상화, 풍경, 동물, 정물과 같은 다른 장르의 요소가 포함될 수 있습니다.
일상, 사람의 사생활, 농민의 일상과 도시 생활의 장면을 보여주는 순수 미술의 장르를 일상 장르. 사람들의 삶과 관습에 대한 호소는 고대 동양의 그림과 부조, 고대 꽃병 그림과 조각, 중세 아이콘과 시간 책에서 이미 발견되었습니다. 그러나 일상적인 장르는 세속적 이젤 예술의 현상으로 만 두드러지고 특징적인 형태를 얻었습니다. 주요 기능은 XIV-XV 세기에 형성되기 시작했습니다. 네덜란드, 독일, 프랑스의 제단 그림, 부조, 태피스트리, 미니어처에서. 16세기 네덜란드에서는 일상적인 장르가 빠르게 발전하기 시작했고 고립되었습니다. 창립자 중 한 명은 Hieronymus Bosch였습니다.
유럽의 일상 장르의 발전은 Pieter Brueghel의 작업에 크게 영향을 받았습니다. 그는 순수한 일상 장르로 이동하여 일상 생활이 연구 대상이자 아름다움의 원천이 될 수 있음을 보여줍니다. 17세기는 유럽의 모든 화파에서 일상적인 장르의 세기라고 할 수 있습니다.
XVIII 세기에. 프랑스에서 장르 그림은 용감한 장면의 묘사와 관련이 있으며 "목가적"은 세련되고 우아하고 아이러니 해집니다. 일상 장르의 작품은 다양합니다. 가정 생활의 따뜻함과 먼 땅의 이국주의, 감성적 경험, 낭만적 인 열정을 보여주었습니다. Venetsianov, P.A. Fedotov, V.G. Perov, I.E.
주요한 것이 자연, 환경, 시골의 전망, 도시, 역사적 기념물의 이미지인 미술 장르를 풍경(프랑스 풍경화). 농촌, 도시 경관, 건축, 산업, 해양(마리나) 및 강 풍경이 있습니다.
고대와 중세 시대에 풍경은 사원, 궁전, 아이콘 및 미니어처 그림에 나타납니다. 유럽 미술에서 르네상스의 베네치아 화가들은 처음으로 자연의 이미지로 눈을 돌렸습니다. 16세기부터 풍경은 독립적인 장르가 되고 그 다양성과 방향이 형성됩니다: 서정적, 영웅적, 다큐멘터리적 풍경. 19세기 풍경의 주인의 창의적인 발견, 사회적 문제로의 포화, 플레인 에어(자연 환경의 이미지)의 개발은 인상주의의 성취로 절정에 이르렀고, 이는 공간적 깊이의 그림 같은 전송에 새로운 기회를 제공했습니다. 빛과 공기 환경의 가변성과 색상의 복잡성.
가정용품, 노동, 창조성, 꽃, 과일, 죽은 사냥감, 잡은 물고기, 실제 가정 환경에 놓인 것을 보여주는 미술 장르를 정물(fr. 자연 죽음 - 죽은 자연). 정물에는 복잡한 상징적 의미가 부여되고 소위 장식 패널의 역할을 할 수 있습니다. 실제 사물이나 인물을 환상적으로 재현하여 진정한 자연의 존재 효과를 일으키는 "기만".
물체의 이미지는 고대와 중세의 예술에서 알려져 있습니다. 그러나 이젤 그림의 첫 번째 정물은 베니스 Jacopo de Barbari "화살과 장갑이있는 Partridge"의 예술가의 그림입니다. 이미 16 세기에 정물은 사람이 있거나없는 부엌 내부, 시골 환경에 놓인 테이블, 상징적 인 물건이있는 "vanitas"(꽃병, 꺼진 양초, 악기) 등 여러 유형으로 나뉩니다. ). 네덜란드의 정물화는 특히 풍부하고 색상과 사물이 겸손했지만 색상과 빛의 유희에서 물체의 표현적인 질감이 절묘했습니다.
동물을 소재로 한 미술 장르를 동물 장르(lat. 동물-동물에서). 동물 예술가는 동물의 예술적, 비 유적 특성, 습관, 인물의 장식적인 표현력, 실루엣에 주목합니다. 종종 동물은 사람, 행동 및 경험에 내재된 특성을 부여받습니다. 동물의 이미지는 고대 조각, 꽃병 그림에서 종종 발견됩니다.
결론
결론적으로 위의 내용을 요약하자면 다음과 같습니다.
그림은 기념비, 장식, 연극 및 장식, 미니어처 및 이젤로 나뉩니다.
기법과 실행 수단에 따라 그림은 오일, 템페라, 프레스코, 왁스, 모자이크, 스테인드 글라스, 수채화, 구 아슈, 파스텔로 나뉩니다.
현대 회화에는 초상화, 역사, 신화, 전투, 일상, 풍경, 정물, 동물 장르의 장르가 있습니다.
역사화는 특정 역사적 순간의 이미지이자 과거의 공적 삶의 인물입니다.
배틀 페인팅은 전투, 전투 및 전쟁을 포착하는 것을 목표로 합니다. 신화 그림은 신화, 서사시, 전설에 묘사된 사건을 묘사합니다.
일상 (장르) 그림은 실생활의 장면, 현실 및 속성의 이미지입니다.
풍경(풍경)화는 자연이나 어떤 지역의 이미지이다.
초상화 그림은 사람의 예술적 묘사입니다. 특정 유형의 초상화는 자화상입니다.
정물화는 과일, 꽃, 가정 용품, 도구와 같은 다양한 무생물의 이미지로 실제 가정 환경에 배치되고 구성적으로 단일 그룹으로 구성됩니다.
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역사적으로 모든 장르는 높음과 낮음으로 구분되었습니다. 에게 높은 장르또는 역사적인 그림에는 종교, 신화 또는 허구와 관련된 역사적, 군사적 사건을 보여주는 일종의 도덕성, 중요한 아이디어를 담고있는 기념비적 성격의 작품이 포함되었습니다.
에게 낮은 장르일상 생활과 관련된 모든 것을 포함했습니다. 정물, 초상화, 일상 그림, 풍경, 동물주의, 벌거 벗은 사람의 이미지 등입니다.
동물주의 (lat. 동물 - 동물)
동물주의 장르는 최초의 사람들이 바위에 육식 동물을 그렸을 때 고대에 발생했습니다. 점차적으로이 방향은 독립적 인 장르로 성장하여 모든 동물의 표현적인 이미지를 암시합니다. 예를 들어 동물 애호가는 일반적으로 동물의 세계에 큰 관심을 보입니다. 예를 들어 그들은 훌륭한 라이더가 될 수 있고 애완 동물을 키우거나 오랫동안 습관을 연구할 수 있습니다. 작가의 의도에 따라 동물은 사실적으로 나타나기도 하고 예술적인 이미지로 나타나기도 한다.
예를 들어 러시아 예술가 중 많은 사람들이 말에 정통했습니다. 따라서 Vasnetsov "Heroes"의 유명한 그림에서 영웅적인 말은 최고의 기술로 묘사됩니다. 색상, 동물 행동, 굴레 및 라이더와의 연결이 신중하게 고려됩니다. Serov는 사람을 좋아하지 않았고 말이 사람보다 여러면에서 더 낫다고 생각했기 때문에 다양한 장면에서 자주 묘사했습니다. 그는 동물을 그렸지만 자신을 동물 화가라고 생각하지 않았기 때문에 그의 유명한 그림 "소나무 숲의 아침"에 나오는 곰은 동물 화가 K. Savitsky가 만들었습니다.
짜르 시대에는 인간에게 소중한 애완 동물 초상화가 특히 인기를 얻었습니다. 예를 들어 사진에서 황후 캐서린 2 세는 사랑하는 개와 함께 나타났습니다. 다른 러시아 예술가들의 초상화에도 동물이 등장했습니다.
국내 장르의 유명한 러시아 예술가의 그림 예
역사 그림
이 장르는 장대 한 아이디어, 진실, 도덕성을 사회에 전달하거나 중요한 사건을 보여주기 위해 고안된 기념비적 인 그림을 의미합니다. 여기에는 역사적, 신화적, 종교적 주제, 민속, 군사적 장면에 대한 작품이 포함됩니다.
고대 국가에서 신화와 전설은 오랫동안 과거의 사건으로 간주되어 프레스코 화나 꽃병에 자주 묘사되었습니다. 나중에 예술가들은 전투 장면의 묘사에서 주로 표현되는 소설에서 이벤트를 분리하기 시작했습니다. 고대 로마, 이집트, 그리스에서는 승리한 전사들이 적에 대한 승리를 과시하기 위해 종종 방패에 영웅적인 전투 장면을 묘사했습니다.
중세 시대에는 교회 교리의 지배로 인해 종교적 주제가 우세했고 르네상스 시대에는 사회가 주로 국가와 통치자를 영화 롭게하기 위해 과거로 향했고 18 세기 이후로이 장르는 종종 젊은이들을 교육하는 데 사용되었습니다. . 러시아에서는 예술가들이 종종 러시아 사회의 삶을 분석하려고 시도한 19 세기에 장르가 널리 퍼졌습니다.
예를 들어 러시아 예술가의 작품에서 전투 그림이 제시되었습니다. 그의 그림에서 신화적이고 종교적인 주제가 영향을 받았습니다. 역사화는 사람들 사이에서 우세했고 민속은 그들 사이에서 우세했습니다.
역사화 장르의 유명한 러시아 예술가들의 그림 예
정물화(fr. 자연 - 자연 및 죽음 - 죽음)
이 그림 장르는 무생물의 묘사와 관련이 있습니다. 꽃, 과일, 접시, 게임, 주방 용품 및 기타 항목이 될 수 있으며 아티스트는 종종 자신의 계획에 따라 구성을 구성합니다.
최초의 정물화는 고대 국가에서 나타났습니다. 고대 이집트에서는 신에게 바치는 제물을 다양한 요리의 형태로 묘사하는 것이 관례였습니다. 동시에 주제의 인식 가능성이 우선이었기 때문에 고대 예술가들은 명암이나 정물의 질감에 특별히 신경을 쓰지 않았습니다. 고대 그리스와 로마에서는 꽃과 과일이 그림과 집에서 내부 장식용으로 발견되어 이미 더 확실하고 그림처럼 묘사되었습니다. 이 장르의 형성과 번영은 16세기와 17세기에 이루어지며 정물화에 숨겨진 종교적 의미와 기타 의미가 포함되기 시작했습니다. 동시에 이미지의 주제 (꽃, 과일, 과학자 등)에 따라 다양한 종류가 나타났습니다.
러시아에서 정물의 전성기는 주로 교육 목적으로 사용되기 전에는 20 세기에만 해당됩니다. 그러나이 발전은 모든 방향의 추상화를 포함하여 빠르고 포착되었습니다. 예를 들어, 그는 아름다운 꽃꽂이를 만들고, 선호하고, 작업하고, 종종 자신의 정물을 "활기차게"하여 보는 사람에게 접시가 곧 테이블에서 떨어지거나 모든 물체가 이제 회전하기 시작할 것이라는 인상을 줍니다.
작가들이 그린 사물은 물론 그들의 이론적 견해나 세계관, 심리 상태의 영향도 받았다. 그래서 이것들은 그가 발견한 구면원근법의 원리에 따라 묘사된 사물들이었고, 그들의 드라마에서는 표현주의 정물화가 눈에 띄었다.
많은 러시아 예술가들은 주로 교육 목적으로 정물을 사용했습니다. 그래서 그는 예술적인 기술을 연마했을 뿐만 아니라 빛과 색으로 작업하면서 사물을 다양한 방식으로 배치하는 등 많은 실험을 수행했습니다. 선의 모양과 색상을 실험했으며 때로는 사실주의에서 순수한 원시주의로 이동하고 때로는 두 스타일을 혼합했습니다.
다른 예술가들은 이전에 묘사한 것과 좋아하는 것을 정물화로 결합했습니다. 예를 들어, 그림에서 그가 좋아하는 꽃병, 음표, 이전에 만들었던 아내의 초상화를 찾을 수 있지만 그는 어린 시절부터 사랑했던 꽃을 묘사했습니다.
예를 들어 다른 많은 러시아 예술가들은 같은 장르에서 작업했습니다.
정물 장르의 유명한 러시아 예술가들의 그림 예
누드(fr. nudite - 과도한 노출, 줄여서 nu)
이 장르는 나체의 아름다움을 묘사하기 위해 고안되었으며 우리 시대 이전에도 나타났습니다. 고대 세계에서는 전체 인류의 생존이 신체 발달에 달려 있었기 때문에 신체 발달에 큰 관심을 기울였습니다. 그래서 고대 그리스에서는 전통적으로 운동선수들이 알몸으로 경기를 하여 소년과 청년이 자신의 잘 발달된 몸을 보고 동일한 신체적 완벽함을 위해 노력했습니다. 대략 VII-VI 세기에. 기원전 이자형. 남성의 나체 조각상도 등장해 남성의 육체적 힘을 의인화했다. 반대로 여성 인물은 여성의 몸을 드러내는 것이 관례가 아니었기 때문에 항상 예복을 입고 청중 앞에 나타났습니다.
이후 시대에 알몸에 대한 태도가 바뀌었습니다. 따라서 헬레니즘 시대 (기원전 6 세기 말부터)에 지구력이 배경으로 사라져 남성 인물에 감탄했습니다. 동시에 최초의 여성 누드 인물이 등장하기 시작했습니다. 바로크 시대에는 웅장한 형태의 여성이 이상형으로 여겨졌고, 로코코 시대에는 관능이 우선시되었으며, 19~20세기에는 알몸(특히 남성)의 그림이나 조각이 금지되는 경우가 많았습니다.
러시아 예술가들은 작품에서 누드 장르로 반복적으로 전환했습니다. 그래서 이들은 연극적 속성을 가진 무용수들입니다. 이들은 기념비적 플롯의 중심에 소녀 또는 여성 포즈를 취하고 있습니다. 이것은 커플을 포함하여 관능적 인 여성이 많고 다양한 활동에서 벌거 벗은 여성을 묘사 한 일련의 그림이며 순수함으로 가득 찬 소녀입니다. 예를 들어, 일부는 완전히 벌거벗은 남자를 묘사했지만 그러한 그림은 당시 사회에서 환영받지 못했습니다.
누드 장르의 유명한 러시아 예술가들의 그림 예
풍경(fr. Paysage, from pays - area)
이 장르에서 우선 순위는 자연 또는 인공 환경의 이미지입니다: 자연 코너, 도시, 마을, 기념물 등의 전망. 선택한 개체에 따라 자연, 산업, 해양, 농촌, 서정 및 기타 풍경이 구별됩니다.
고대 예술가들의 첫 번째 풍경화는 신석기 시대의 암각화에서 발견되었으며 나무, 강 또는 호수의 이미지였습니다. 나중에 자연 모티프는 집을 장식하는 데 사용되었습니다. 중세 시대에는 풍경이 거의 완전히 종교적 주제로 대체되었고 르네상스 시대에는 반대로 인간과 자연의 조화로운 관계가 대두되었습니다.
러시아에서 풍경화는 18세기부터 발전해 왔으며 처음에는 제한적이었지만(예를 들어 풍경은 이 스타일로 만들어졌습니다.) 나중에 재능 있는 러시아 예술가들의 은하계 전체가 다양한 스타일과 트렌드의 기술로 이 장르를 풍부하게 했습니다. 소위 신중한 풍경을 만들었습니다. 즉, 장엄한 전망을 쫓는 대신 러시아 자연의 가장 친밀한 순간을 묘사했습니다. 미묘하게 전해지는 분위기로 관객을 강타하는 서정적 풍경으로 다가왔다.
그리고 이것은 시청자에게 주변 세계의 모든 웅장함을 보여줄 때 서사시적인 풍경입니다. 끝없이 고대로 변한 E. Volkov는 신중한 풍경을 시적 그림으로 바꾸는 방법을 알고 풍경의 놀라운 빛으로 시청자를 놀라게했으며 숲 구석, 공원, 일몰을 끝없이 감탄하고 시청자에게이 사랑을 전할 수있었습니다.
각 풍경화가들은 그를 특히 강하게 매료시킨 풍경에 집중했습니다. 많은 예술가들은 대규모 건설 프로젝트를 통과하지 못하고 많은 산업 및 도시 풍경을 그렸습니다. 그 중에는 작품