미니어처는 그림의 한 유형으로, 그 출현은 외관 및 이후 본격적인 책과 불가분의 관계가 있습니다. 이 기술은 현대 일러스트레이션의 원형입니다.
대부분의 독자들은 미니어처가 작은 크기 때문에 그렇게 명명되었다고 생각할 것입니다. 사실, 그 이름은 라틴어 minium에서 유래되었습니다. 이것은 최초의 원고 디자인에 사용된 빨간색 페인트의 이름이었습니다. 그림의 크기는 실제로 매우 작았습니다. 동시에 예술가들은 최대한 정확하게 모든 세부 사항을 그리려고 노력했습니다.
페르시아 미니어처 조각, 17세기
오늘날 회화에서 '미니어처'라는 개념은 회화뿐만 아니라 조각과 그래픽에서도 작은 형태의 예술 작품에 적용됩니다.
고대 예술가들은 얇은 붓이나 새 깃털로 미니어처를 그렸습니다. 작은 그림에는 무엇을 묘사했습니까? 책에 쓰여진 내용. 역사적 사건, 영웅적인 인물, 성경 이야기 등. 18 세기에는 다양한 재료로 만든 판에 작은 이미지가 등장하면서 미니어처 버전도 등장했습니다.
역사가들은 미니어처 그림의 여러 학교를 식별합니다. 그들은 세계의 다른 지역에 속하며 고유한 특징을 가지고 있습니다. 고대 러시아에서는 원고가 아름다운 미니어처로 장식되었고, 페이지는 금박으로 덮여 있었습니다. 서유럽 미술에서는 13~15세기에 세밀화 그림이 번성했습니다. 주인의 그림에는 종교적 주제 외에도 세속적 인 삶의 전투 장면과 장면이 있습니다.
인디언 미니어처
동양 예술가들은 이런 종류의 그림에서 진정한 대가가 되었습니다. 예술의 걸작은 페르시아의 미니어처와 인도와 몽골 제국의 예술가들의 작품입니다.
전문가들은 미니어처를 여러 유형으로 나눕니다.
인물 미니어처 - 작은 형식의 이미지는 18세기에 큰 인기를 얻었습니다. 작은 크기의 초상화는 보석과 결합하여 군사 캠페인 및 여행 중에 가져갈 수 있으며 소중한 장소에 보관할 수 있습니다.
초상화 미니어처
조명은 종교 원고를 그리는 데 사용되는 중세 기술입니다. 특수도료를 사용하여 다양한 색상이 특징입니다.
Abbasid 시대부터 미니어처 그림이 널리 퍼졌습니다. 이슬람에서는 살아있는 생물을 묘사하는 것이 금지되어 있음에도 불구하고 미니어처는 가장 인기 있는 예술 장르가 되었습니다.
최초의 미니어처는 12세기 말부터 13세기 중반까지 바그다드에서 제작된 천문학, 의학, 식물학, 역사에 대한 그림 원고로 간주됩니다. 그들은 일반적으로 다음과 같이 불립니다. 바그다드,또는 아랍-메소포타미아,회화 학교는 선형 드로잉과 특정 환경에 대한 전통적인 표현이 특징인 스타일입니다. 예를 들어 나무 한 그루는 정원을 의미하고, 두 무사의 대결은 전투를 의미했다. 포옹, 악수, 대화 중 애니메이션 제스처 등 정확하게 캡처된 제스처 덕분에 움직이는 사람들의 모습이 표시되었습니다. 코가 큰 얼굴은 옆모습에서 가장 많이 묘사되었고, 눈이 항상 앞쪽에 있어서 얼굴이 서로 매우 유사하게 보였다. 동물은 가장 생생하게 묘사되었습니다. 발이 빠른 말, 발이 가벼운 휴경 사슴, 텐트 근처에서 자고 있거나 사막에서 풀을 뜯는 낙타 등이 있습니다.
아랍-메소포타미아 미니어처의 색 구성표는 녹색, 희미한 파란색, 벽돌색, 라일락, 검정색, 흰색 및 흐릿한 반짝이는 금색의 밝은 반점이 있는 황토색 갈색 톤이 우세한 것이 특징입니다. 이 학교의 축소판 예는 원고 "Maqam"(색상 포함 참조)의 삽화입니다. 이 책은 "거짓말과 거짓말의 아버지"라고 불리는 모험가이자 시인 Abu Zayd의 모험에 관한 짧은 피카레스크 이야기 모음입니다. 책략."
13세기 중반 몽골이 이란과 이라크를 정복함. Timurid, Safavid, Mughal과 같은 왕조 이름을 가진 새로운 미니어처 그림 학교의 출현으로 이어졌습니다. 그러나 지리적 구분은 다음과 같습니다. 이란그리고 중앙아시아,그 안에서 지역 학교는 주의 문화 센터의 이름을 따서 명명되었습니다. 이란 학파에는 타브리즈, 쉬라즈, 헤라트 등이 포함되며, 중앙 아시아 학파에는 사마르칸트, 부하라 등이 포함됩니다. 각 학파는 사람, 자연 및 건축을 묘사하기 위한 고유한 표준을 개발했습니다.
이란 미니어처 학교는 Tabriz에서 시작되었으며 개발 단계는 Hulaguids, Timurids 및 Safavids의 지배 왕조와 관련이 있습니다. 가장 특징적인 특징 타브리즈 학교훌라구이드 시대는 실제 이미지와 장식의 조합입니다. 꽃, 풀, 나무, 나뭇가지 위의 새, 생생하게 포착된 습성을 지닌 동물들이 유난히 자연주의적인 방식으로 전달되고 동시에 그들의 실루엣은 화려한 장식 패턴을 형성합니다. 예를 들어, 동물에 관한 책인 "Manafi al-Hayawan"의 미니어처에는 코끼리, 사자, 곰을 사냥하고 놀고 쉬는 모습이 나와 있습니다. 잔디, 덤불, 새가 나뭇가지에 앉아 있는 나무는 실제 풍경과 같은 느낌을 줍니다. 한편 베이지색-노란색, 주황색-빨간색 또는 보라색-회색 동물 모양, 금색으로 그늘진 갈색 나뭇가지, 녹색 잎과 풀, 빨간색, 주황색, 노란색 과일과 꽃이 시트의 거의 전체 형식을 차지하며 독특한 느낌을 만들어냅니다. 장식.
사람의 묘사는 몽골군이 중국의 장인과 화가를 데려왔기 때문에 중국의 영향을 받았고, 중국화의 가로 두루마리를 연상시키는 길쭉한 형태로 나타났다. 가파른 선반, 기발하게 구부러진 줄기와 가지, 복잡한 패턴으로 뒤틀린 구름으로 쌓인 산의 그래픽 실행 방식으로; 이미지를 개별화하고 표현과 드라마를 부여합니다.
우리는 13~14세기 타브리즈(Tabriz) 미니어처 학교의 가장 장대한 기념물에서 장식성이 강조된 "중국주의"의 조합을 발견합니다. -Ferdowsi의 위대한 Tabriz "Shah-name". 압도적인 대부분의 이미지는 전통적으로 적과 환상적인 괴물과의 싸움에서 영웅의 공적을 묘사합니다. 사냥, 무술, 군사 전투 장면 외에도 죽은 자의 장례 장면과 애도 장면이 있으며, 여기서 캐릭터는 개인의 특성, 감정 및 경험을 부여받습니다. Great Tabriz "Shah-name"의 미니어처는 비정상적으로 장식적이며 카펫 장식과 유사합니다. 빨간색, 주황색, 밝은 갈색 옷을 입은 전사와 반짝이는 갑옷을 입은 전사가 녹색 잔디밭을 가로질러 얼룩말, 갈색, 검은색 말을 질주하고 있으며 그 위에는 진한 파란색 잔디밭이 펼쳐져 있습니다. 수많은 별들이 황금빛으로 반짝이는 하늘.
Safavids 아래에서 발전한 Tabriz 미니어처 회화 학교는 한편으로는 이미 존재하는 전통에 의존하고 다른 한편으로는 Herat 예술가의 경험에 의존했습니다. 헤라트 예술의 영향은 환상적 깊이와 서사의 출현에 반영되었습니다. 이것은 Arifi의 원고 "깨진 공이 있는 데르비시"(색상 포함 참조)의 미니어처 구성과 스타일입니다.
마치 뇌졸중처럼 잔디 덤불로 덮이고 언덕과 나무로 둘러싸인 잔디밭을 배경으로 탁발승이자 무슬림 탁발 승려가 부러진 공 위로 몸을 굽혔습니다.
"미니어처"라는 용어는 원고, 삽화 및 장식품을 장식하는 데 사용되는 빨간색 페인트(예: 빨간색 납 또는 진사)의 라틴어 이름 "minimum"에서 유래되었으며 이 용어는 minium 및 "라는 단어의 어근과도 연관되어 있습니다. 미성년자”(소형).
옻칠 세밀화는 세계 예술 문화의 독특한 현상입니다. 그녀는 수세기에 걸쳐 축적된 동서양 칠기예술의 성과를 흡수하고 이를 민족적 경험과 독창성으로 풍부하게 하여 그의 상상력의 세계를 확장시켰다. 옻칠 세밀화 그림이 있는 제품은 러시아 장인의 높은 기술 덕분에 순전히 실용적인 목적을 갖지 않고 다양한 주제, 주제 및 이미지를 갖춘 예술 작품이 되었습니다. 옻칠 미니어처는 집중된 기쁨과 눈의 즐거움일 뿐만 아니라 마음의 양식이자 영혼의 위로이기도 합니다. 가지고 다니기 편리하고 크기로 인해 소유자에게 부담을 주지 않으며 내부가 섬세하며 큰 모양, 덩어리 및 색상의 스타일을 파괴하지 않습니다.
예술적 바니시의 역사는 먼 길을 거슬러 올라갑니다. 선원들이 동양 국가에서 칠기를 포함한 다양한 이국적인 상품을 가져오기 시작한 16세기로 거슬러 올라갑니다. 17세기에 모스크바 주를 포함한 많은 국가에는 "킨" 글자를 재현하려는 대가들이 있었습니다. 따라서 예술적인 중국 니스는 연구와 반복의 대상이 되었고, 지역적으로 복사되고 다양해지면서 독특한 유형의 장식 그림이 발전했습니다. 귀중한 동양 바니시는 왕실 저택과 귀족의 궁전에서 집을 찾았으므로 유럽 "바니시"의 성공적인 실험은 귀족 귀족의 주 홀과 사무실에도 적용되었습니다.
옻칠 예술은 수천 년 전에 중국에서 시작되었습니다. 고대 무덤 발굴 과정에서 산은시대(BC 1766~1122) 시대의 칠기가 발견되었습니다. 니스는 가정용품, 접시, 의례용 그릇, 마구, 활과 화살 등을 덮고 마차를 장식하는 데 사용되었습니다. 그들은 잉크와 같은 바니시로 글씨를 써서 제품의 표면을 보호하거나 장식용으로 사용했습니다.
중국에서 옻칠 예술은 한국, 일본, 인도차이나, 인도, 페르시아 국가로 퍼졌습니다. 바니시를 만드는 방법은 주로 이 지역(중국에서는 "qi-shu", 일본에서는 "urushi-no-ki", 베트남에서는 "kei-shon")에 옻나무가 존재하는지 여부에 따라 결정되었습니다. 각 국가는 이웃 국가로부터 무언가를 빌려 경험을 개선하고 자체 기술을 도입하는 방식으로 바니시 기술을 개발했습니다. 중국 바니시에 대해 알게 된 일본인은 특히 "마키에"와 "나시지" 기법을 사용하여 금은 가루를 사용한 그림에서 그들을 능가했습니다.
이란에서는 중국과 일본의 바니시보다 품질이 떨어지는 북아프리카 침엽수에서 나온 향기로운 수지인 산다락(sandarak)을 구성 요소로 하는 특수 바니시를 사용했습니다. 15~16세기부터 래커 기술이 알려진 인도에서는 아마씨와 고무로 바니시를 만들었습니다.
오리엔탈 바니시는 최고 수준의 기술과 문화로 구별됩니다. 바니시 코팅은 건조 후에도 단단하고 유연한 상태를 유지하며 뜨거운 물에 반응하지 않고 무취이며 생물학적 파괴에 저항합니다. 바니시는 저렴하고 위생적이며 페인팅, 성형, 조각 및 절단이 가능합니다. 바니시는 평면이나 모양, 목재, 종이, 직물, 가죽, 금속, 석재 등 모든 표면에 적용할 수 있습니다.
특이한 제품의 아름다움에 매료된 유럽의 장인들은 17세기에 "중국과 같은" 그림이 그려진 제품을 생산하기 위한 작업장을 만들었습니다. 그러나 유럽 바니시를 만드는 기술은 원재료의 차이뿐만 아니라 기후 조건, 전통 및 생활 방식의 차이를 반영하여 동양의 바니시와 크게 다릅니다.
벨기에 스파는 유럽 바니시의 발상지로 간주됩니다. 이곳의 래커 생산은 빠르게 주요 잡화 산업으로 자리 잡았습니다. 재봉 키트 상자, 봉보니에르, 스너프 상자, 안경 케이스, 담배 케이스, 차 및 향신료 상자, 파우더 상자, 보석 상자, 화장실 세트 등이 모두 너도밤나무로 만들어졌습니다. 이 제품은 유명한 유럽 리조트 인 Arden의 바다에서 휴가객들 사이에서 매우 인기가있었습니다. 스파스키 칠기 예술은 지역 예술가들이 특별한 길드를 결성한 18세기에 정점에 이르렀습니다.
러시아 예술 바니시의 역사는 17세기에 시작되지만 고도로 예술적인 제품의 생산은 표트르 대제 시대, 상트페테르부르크와 그 교외 지역의 건설 기간, 따라서 러시아와 외국의 다양한 거장들과 관련이 있습니다. 이러한 작업을 수행하기 위해 전문 분야의 사람들이 기꺼이 초대되었습니다. 1703년 네덜란드에서 도착한 외국인 중에는 래커 장인 Hendrig van Brumkorst가 있었습니다. 상트페테르부르크에서 그는 미래의 래커 마스터로 구성된 "팀"을 교육했습니다.
옻칠 미니어처는 공장 산업의 영향과 주변 마을의 공예품 확산으로 19세기 초 페도스키노에 나타났습니다. 지역 주민들 사이에서 가장 큰 발전은 종이와 페인트를 칠한 금속으로 칠한 제품을 생산하는 것입니다. 무역은 상인 P.I. Korobov가 옻칠한 군용 바이저 수공예품 생산을 시작한 1795년에 시작되었습니다. 그런 다음 그는 Fedoskino 근처의 Danilkovo 마을에 러시아 최초의 종이 칠기 공장을 설립하여 주로 스너프용 스너프 상자를 생산했습니다. Korobov는 독일, Braunschweig 시, I. G. Stobwasser의 담배 공장으로 여행을 떠났고 그곳의 장인들을 러시아에 있는 그의 공장으로 초대했습니다. 러시아 장인들은 러시아 주제의 이미지로 제품을 장식하기 시작했습니다. 1812년에 공장은 P. I. Korobov의 사위인 P. V. Lukutin의 소유가 되었습니다. 1828년부터 공장의 제품에 스탬프가 찍히기 시작했고 이후에는 "루쿠틴스키"라는 이름으로 널리 알려지게 되었습니다. 1904년 마지막 Lukutin이 사망한 후 공장이 문을 닫았지만 일을 하지 못한 장인들이 1910년에 Artel을 조직했으며 이는 제조업체 S.T. Morozov의 도움을 받았습니다. Lukutin 미니어처 샘플은 1910-1913년 상트페테르부르크, 키예프, 카잔에서 열린 전시회에서 금메달과 은메달을 받았습니다. 그들은 러시아와 해외에서 성공적으로 판매되었습니다. 마을에는 Fedoskino artel 박물관이 있습니다. Fedoskino는 예술 작품을 생산할 뿐만 아니라 새로운 거장을 양성합니다. 1931년에 이곳에 미니어처 그림 학교가 문을 열었습니다.
Fedoskino 외에도 현재 러시아에는 Palekh, Mstera 및 Kholui라는 세 개의 미니어처 래커 그림 예술 센터가 있습니다. 그들은 다른 개발 경로를 겪었습니다. 1917년 혁명 이전에는 주인이 상트페테르부르크, 모스크바, 니즈니노브고로드, 사라토프 등 전국에 걸쳐 아이콘 페인팅 작업장을 만든 대규모 아이콘 페인팅 공예품이었습니다. 그들은 러시아의 교회와 해외 대사관 교회를 그렸습니다. 혁명 이전에 Mstera, Palekh, Kholuy는 Vladimir 지방의 일부였으며 소련 시대에는 새로운 행정 구역에 따르면 Palekh와 Kholuy는 Ivanovo 지역에 있었고 Mstera는 Vladimir 지역에있었습니다. 이 모든 센터는 고대 아이콘 페인팅 센터로 알려져 있습니다. 그들은 작은 형태의 예술뿐만 아니라 벽화 그리기와 오래된 사원 복원에도 참여했습니다.
Palekh 미니어처 래커 그림의 전통은 검은 배경에 그림을 그리는 것이 특징이며 투명한 바니시로 처리하여 거울처럼 빛나고 다중 그림 구성의 복잡성이 특징입니다.
따뜻한 색조와 차가운 색조의 대조되는 조합은 거친 시베리아 자연, 겨울 및 가을 풍경의 모티프를 전달하기 위해 종종 사용됩니다.
1917년 혁명 이후 팔레크 예술가들은 그들의 창의적 잠재력을 실현하기 위한 새로운 형태를 찾아야만 했습니다. 1918 년에 예술가들은 나무에 그림을 그리는 Palekh 예술 장식 예술품을 만들었습니다. Palekh 스타일의 창시자는 뛰어난 예술가 Golikov Ivan Ivanovich와 Glazunov Alexander Alexandrovich이며, 모스크바 워크샵에서 소위 Palekh 스타일의 첫 번째 작품은 Ivan Golikov가 썼습니다. 1923년 그의 작품은 모스크바에서 열린 미술 및 산업 전시회에 출품되었으며 2급 졸업장을 받았습니다. 동시에 팔레지아인들은 한 세기 동안 페도스키노 래커 미니어처의 기초가 되었던 새로운 소재인 종이-마케(papier-mâché)에 대해 처음으로 알게 되었습니다. 마스터는 새로운 자료를 마스터하여 고대 러시아 아이콘에 대한 전통적인 템페라 페인팅 기술과 이미지의 전통적인 스타일을 이전했습니다. 처음으로 수공예 박물관의 의뢰로 종이로 만든 팔레크 미니어처가 1924년 농업 전시회에서 시연되었습니다.
1932년에 artel은 Palekh 예술가 협회로, 1953년에는 소련 예술 기금의 예술 및 제작 워크샵으로 변모했습니다. 현재 Palesha 예술가들의 독창적인 워크샵이 Palekh에서 운영되고 있습니다.
또한 Palekh 예술가들은 연극 및 장식 예술 분야에서 성공적으로 작업했습니다. 예를 들어 (P. D. Bazhenov, 1940 년 볼쇼이 극장에서 열린 실현되지 않은 연극 "The Tale of the Priest and His Worker Balda"의 풍경 스케치, Palekh 그림은 주로 검은색 배경에 얇고 매끄러운 그림, 풍부한 황금색 음영, 평평한 인물의 실루엣의 명확성, 때로는 상자의 뚜껑 표면과 측벽을 완전히 덮는 것이 특징입니다. 그림의 비율, 빨간색, 노란색 및 녹색의 세 가지 기본 색상 조합을 기반으로 한 색상은 고대 러시아 아이콘 그림의 전통으로 돌아갑니다. 구성은 일반적으로 생성된 금으로 만든 절묘한 장식품으로 구성됩니다.
현재 러시아 예술 기금의 워크샵, 소규모 개인 워크샵 및 개인 예술가들이 Palekh에서 계속 작업하고 있습니다. 그중에는 T. I. Zubkova, A. A. Kotukhina, N. I Golikov, A. M. Kurkin, K. Kukulieva 및 B. N. Kukuliev, A. D. Kochupalov, T. Khodova, V. V. Morokin, B. Ermolaev, E. Shchanitsyna 등이 있습니다.
옻칠 미니어처에서 팔레키아인들은 러시아 아이콘 그림 덕분에 보존된 템페라 물감으로 글씨를 사용했습니다. 이것은 비잔티움의 뿌리부터 대대로 살아있는 전통으로 조심스럽게 보호된 팔레크의 주요 재산이자 예술적 자본입니다. 그리고 고대 문화. "금 글씨는 팔레크 미니어처 전 권의 마지막 단계에서 특별한 역할을 합니다. 금은 핵심 요소일 뿐만 아니라 팔레크 예술의 예술적 세계관의 일부이기도 합니다. 그것은 빛과 어둠이라는 삶의 두 가지 원칙에 대한 중세 사상에서 비롯된 위대한 역사적 전통을 가지고 있는 빛의 상징과 불가분의 관계가 있습니다. 기독교 상징주의에서 빛은 특별한 미학적 의미를 획득하여 신성한 은혜의 원형이 됩니다. 이 빛의 물질적 운반체는 금이며, 이는 그것을 상징하며 구체화된 신성한 명확성입니다. Palekh의 예는 Mstera의 전 아이콘 화가들을 도왔습니다. 새로운 예술을 시도해 보세요. 팔레산인보다 훨씬 일찍부터 므스테리안인들은 새로운 조건에서 자신들의 기술을 사용할 수 있는 방법을 찾고 있었습니다. 서유럽 회화, 특히 녹는 거리를 지닌 네덜란드 그림, 카펫 장식이 있는 페르시아 미니어처는 Mstera 래커 미니어처에 영향을 미쳤습니다. 래커 그림의 Mstera 스타일의 특성과 그 내용은 러시아 루복의 영향을 받았습니다. 혁명 이전에 Mstera에는 인기있는 인쇄물 생산 센터가 있었는데, 그 생산은 유명한 고고학자 I.A. Golyshev (1838-1896) - 고대 감정가이자 민속 생활과 관련된 모든 것에 대한 열정적 수집가입니다. 그는 Mstera를 소유한 Panin 백작의 농노였습니다. N. A. Nekrasov는 "Red Books"시리즈의 작품 출시와 종종 사람들 사이의 보급과 관련하여 Mstera에서 특별히 그에게 왔습니다. Golyshev가 출판한 인기 사진은 도덕적 성격과 유머가 담긴 긴 텍스트와 함께 삽화가 포함된 상세한 책이었습니다. 그림은 인쇄석에 인쇄되었으며 Mstera의 여성과 청소년이 그렸습니다. Palekh의 빛나는 경험은 Mstera 사람들이 의도 한 목표를 향해 지속적으로 나아갈 수 있도록 격려했습니다. 1931년 6월 22일, 미니어처 래커 그림을 마스터하기 위해 Mstera에 "프롤레타리아 미술" 아르텔이 설립되었습니다. 창립자는 다섯 명의 마스터였습니다. N.P. Klykov (1861-1944), A.I. 브라야긴(1888-1948), E.V. 유린(1898-1983), I.A. 세레브리야코프(1888-1967), V.I. 사빈(1880-1957). Serebryakov와 Yurin은 Papier-Mâché에 그림을 그리는 기술을 연구하기 위해 모스크바로 파견되었습니다. 혁명 후 Kholuy의 예술가들은 자신의 공예품을 사용할 방법을 고통스럽게 찾았으며 Palekh와 Mstera보다 나중에 미니어처 바니시 그림을 위한 예술 작품을 만들었습니다. 이는 1934년에 일어났으며 창립자는 S.A.였습니다. 모킨(1891-1945), K.V. 코스테린(1899-1985), D.M. 도브리닌(?)과 V.D. 푸자노프-몰레프(1892-1961). 그들 모두는 성상화 및 소묘 학교를 졸업했으며 풍부한 경험을 가진 재능 있고 교육받은 예술가였습니다. V.D. 푸자노프-몰레프는 1912년 모스크바의 스트로가노프 미술학교를 졸업했습니다. Kholui 주민들에게는 옻칠 미니어처로 가는 길이 더욱 어려웠습니다. Palekh의 화려한 데뷔와 Mstera의 성공으로 인해 사람들은 그들을 모방하게되었습니다. 또한 A.V. Bakushinsky 및 V.M. Vasilenko는 곧 억압을 받았고 부족한 사람들은 한때 Palekh와 Mstera의 동료에게 제공했던 전문적인 지원을 박탈당했습니다. Kholuy 미니어처의 스타일은 수십 년에 걸쳐 점차적으로 발전했습니다. 중앙 러시아 자연의 풍경은 미니어처의 역사적 사건, 민속 및 장르 플롯이 펼쳐지는 배경 역할을 합니다. Kholuy에서는 N.N. Denisov(1929년 출생), B.I. Kiselev(1928년 출생), V.N. Sedov(1952년 출생), V. Teplova(1955년 출생)의 작품으로 대표되는 건축 경관의 흥미로운 방향이 형성되었습니다. , 다양하고 창의적인 해석으로. Palekh, Mstyora 및 Kholuy의 예술가들은 미니어처뿐만 아니라 세속 건물 및 기관 장식을 위한 대형 패널도 썼고 현재 그림을 그리고 있으며, 책 디자인 및 극장 장식, 가구 및 도자기 그림, 수상 금속 장식에 종사하고 있습니다. 컵, 보석상과의 협업, 독창적인 예술 작품 제작. 18세기 초는 표트르 대제의 활동과 관련된 많은 혁신의 시대이며, 물론 상트페테르부르크가 건국된 시기이기도 합니다. 폰탄카(Fontanka) 강변의 상트페테르부르크에 최초의 칠기 가게가 조직되었으며, 그곳에서 러시아 장인들이 네덜란드인 Hendrik van Brumkorst의 지도 아래 칠기 그림을 연구했습니다. 상트페테르부르크에 도착하자마자 Brumkoster는 먼저 Chinoiserie 기술과 니스칠(중국 스타일의 선실 마감)을 사용하여 선박 마무리 작업을 했습니다. 1715년에는 피터가 가장 좋아하는 시골 궁전인 몽플레시르(Monplaisir)가 피터호프에 지어졌습니다. 이 작고 매력적인 건물의 방 중에서 가장 놀라운 것은 칠기 캐비닛 또는 "칠기실"이었습니다. 그 벽은 얇은 린든 보드로 만든 패널로 장식되었으며, 러시아 거장들이 창의적으로 재해석한 환상적인 용과 기타 동양적 주제가 있는 검정색 배경에 프라이머 처리, 광택 처리 및 칠해졌습니다. Peter는 Monplaisir의 디자인에 매우 만족했고 Brumkorst와 그의 예술가들에게 몇 가지 작품을 더 주문했습니다. 그중에는 Kunstkamera의 전시 및 도서용 캐비닛 광택 처리, 여름 궁전의 예식장 중 하나 그림 그리기, 12개 대학 건물의 상원 홀 장식 등이 있습니다. 광택 그림의 전통은 러시아에서 강화되어 발전하기 시작했습니다. . 1764년 헌장에 따르면 바니시 예술가도 예술 아카데미의 직원이 되어야 했습니다. Elizaveta Petrovna 아래에서 그러한 장인들이 겨울 궁전 장식에 참여했습니다. 상트페테르부르크의 광택 예술가 워크샵은 Peter II와 Elizabeth Petrovna의 초상화 이미지가 담긴 둥근 스너프 상자를 소유하고 있습니다. 에르미타주 미술관 컬렉션에는 우리 도시에서 제작된 18세기 래커 그림의 예가 포함되어 있습니다. 가장 흥미로운 것 중 하나는 "내각"국입니다. 뚜껑은 중국인의 부조 금도금 인형으로 장식되어 있고, 전면 벽에는 여성 초상화, 견과류를 갉아먹는 다람쥐, 나뭇가지 위의 새 등의 이미지와 함께 유럽 예술의 특징적인 메달 그림으로 장식되어 있습니다. 동양적인 모티브로 러시아 장인들은 대리석, 공작석, 거북이를 모방한 가구를 그리는 것을 좋아했습니다. 샘플에 대한 설명은 다음과 같습니다. "... 허브로 칠해진 두 개의 빨간색 캐비닛... 두 개의 선반, 하나는 "너트"로 칠해져 있고 다른 하나는 검은색 페인트로 칠해져 있습니다."
18세기 러시아 대가들의 고급 예술은 1세대 "옻칠 만들기" 교사의 재능 있는 추종자 중 한 명인 표도르 블라소프(Fyodor Vlasov)의 활동으로 입증됩니다. 교외. Oranienbaum과 Peterhof 궁전 구내 그림에서 상트 페테르부르크 예술가들은 동양 디자인의 이국성을 자신의 방식으로 해석했습니다. 러시아 민속의 극락조는 동양의 새 이미지와 비슷했고, 펼쳐진 참나무는 극동 소나무와 비슷했습니다. 따라서 동화와 환상의 세계는 완전히 다른 문화의 이미지를 동화시키는 데 기여했습니다.
상트페테르부르크의 옻칠 그림 패션은 인테리어와 가구뿐만 아니라 스크린, 랜턴, 부채, 접시, 쟁반, 상자 등 작은 가정용품에도 퍼졌습니다. Hermitage 컬렉션의 "중국 스타일" 부채는 특히 우아합니다. 표면은 열린 카네이션 꽃과 비슷하며 검정색 배경에는 금박을 입힌 아이들의 모습이 있습니다. 이 컬렉션의 다른 팬은 더 엄격한 모양과 제한된 그림을 가지고 있습니다.
18세기 말에서 19세기 초에 우리나라 곳곳에 옻칠의 대가들이 나타났고 우랄 장인들이 특히 유명해졌습니다. 그러나 러시아 장식 및 응용 예술에서 이러한 전통의 시작은 우리 도시에서 시작되었습니다.
세밀화가들의 작품은 당시의 사상과 취향, 미술 전반의 발전에 따른 예술적 경향을 반영했습니다.
풍경화가와 초상화가 외에 세밀화가도 있다는 사실을 알고 계셨나요? 이 예술가들은 어쩌면 다른 사람들의 예술적 능력을 능가하는 기술을 가지고 있다는 것일까요?
왜 그럴까요? 미니어처 그림에는 어떤 종류가 있나요? 가장 인기 있는 제품은 어디에서 만들어지며, 미니어처 전문가는 어디에서 교육을 받나요? 기사를 읽으면이 모든 것을 배울 수 있습니다.
미니어처 페인팅이란 무엇입니까?
이름에서 미니어처 예술가들이 작은 그림을 그리는 것이 분명합니다. 대가의 브러시는 풍경과 함께 초상화와 추상화를 모두 생성할 수 있습니다. 때때로 당신은 아주 작은 세부 사항까지 그려진 작은 그림을 보고 누군가가 그런 황금빛 손을 가지고 있다는 것을 믿을 수 없습니다!
원칙적으로 그림과 관련된 것이나 크기가 작은 것은 모두 미니어처로 간주될 수 있습니다. 그러나 여러 유형으로 나눌 수 있습니다.
그 유형은 무엇입니까?
예술적인 미니어처가 그림과 똑같고 아주 작을 뿐이라고 생각할 수는 없습니다. 실제로 이 예술 형식은 많은 산업 분야에서 매우 일반적입니다.
- 책 그래픽. 어느 책에나 있는 작지만 세심하게 그린 그림은 컴퓨터로 만든 것이 아니라면 미니어처로 간주될 수 있습니다.
- 미니어처 페인팅은 자동차를 페인팅할 때 사용됩니다. 예상치 못한 일이지 않습니까?
- 이전에 목 주위의 펜던트에 삽입되었던 작은 초상화도 세밀화의 한 예라고 볼 수 있습니다.
- Fedoskino 미니어처는 별도 기사의 주제입니다. 그녀는 러시아와 해외 모두에서 매우 인기가 있습니다. 많은 외국인들은 적어도 Fedoskino와 비슷한 선물 상자를 받는 것을 꺼리지 않을 것입니다!
- 예술적 미니어처에는 유명한 그림의 작은 사본을 만드는 것도 포함됩니다. 모나리자는 손바닥만한 크기인가요? Aivazovsky의 캔버스는 각각 일반 사진보다 크지 않습니까? 미니어처리스트는 그러한 그림을 만들 수 있습니다.
페도스키노 미니어처 페인팅
Fedoskino는 모스크바에서 불과 30km 떨어진 마을입니다. 200년이 넘는 기간 동안 Fedoskino 주민들의 주요 활동은 옻칠 미니어처 그림을 만드는 것이었습니다.
Fedoskino 마스터의 작품은 진정한 걸작으로 간주됩니다. 각 제품은 고대 기술을 사용하여 만들어지기 때문에 판매용 제품은 연간 1000개 이하로 생산됩니다. Fedoskino 미니어처 그림은 중국 스타일의 양식화인 Chinoiserie의 후속작으로 간주됩니다. 한편, 요한 스토바서(Johann Stobwasser)의 스너프박스와 비교되기도 한다.
Fedoskino 장인의 주요 작업 방향은 뚜껑이 칠해진 상자를 만드는 것입니다. 초상화, 스케치, 풍경 등 모든 사진을 포함할 수 있습니다. 미니어처리스트는 무엇이든 묘사할 수 있습니다.
상자에 있는 작은 그림은 검은색 바탕에 페인트를 한 겹씩 칠한 것입니다. 색상의 대비 덕분에 미니어처는 색상으로 채워지고 특정 고대의 감각을 얻습니다. 주인이 막 만든 상자는 마치 과거 어느 귀부인의 침실에서 꺼낸 것처럼 보일 수도 있습니다. 사람들이 Fedoskino 장인의 제품을 좋아하는 것은 특정 분위기를 조성하고 과거에 몰입할 수 있는 기회 때문입니다.
대부분 Fedoskino의 마스터는 초상화를 전문으로 합니다. 미니어처 초상화가 이 예술가들의 명함이 되었다고 말할 수 있습니다.
미니어처 예술가가 되려면 어떻게 해야 하나요?
미니어처 그림을 그리는 기회에 관심이 있다면 Fedoskino 학교에 등록하면 전문 예술가가 될 수 있습니다. 주요 활동을 유지하고 있는 이 마을은 최고의 교사와 수세기에 걸친 장인의 경험을 제공할 것입니다.
본교는 80년 넘게 졸업생을 성공적으로 준비시켜 왔습니다. 스튜디오 학생들은 교과서가 아닌 실제로 그림을 그리면서 기술을 습득합니다. 게다가 현재 미니어처 그림에 관한 교과서도 없습니다! 모든 것은 경험을 통해 배워야 합니다.
미니어처 페인팅 예술가가 되기 위해 나아갈 준비가 되지 않았다면 절망하지 말고 이 예술 방향을 머리에서 버리십시오. 취미로 미니어처를 직접 그릴 수도 있습니다. 이 오락이 다른 오락보다 더 나쁜 이유는 무엇입니까?
얇은 붓, 좋은 페인트, 꾸준한 손이 필요합니다. 브러시가 흔들리더라도 걱정하지 마세요. 연습하면 사라질 것입니다. 바니시 제품이 아닌 간단한 그림으로 미니어처 페인팅 스타일로 작업을 시작하는 것이 좋습니다. 아주 아주 작은 것뿐입니다.
19세기 네덜란드 학교.
"미니어처"라는 단어는 작은 것 또는 축소된 크기로 묘사된 것의 동의어로 영어에 입력되었습니다. 사실 이 단어는 크기와는 관계가 없는 단어인 미니문(minimun)에서 유래했지만 중세 사본의 여백을 장식하는 데 사용된 진사 또는 빨간색 납과 촘촘한 고리버들 세공, 작은 이미지 및 장식품. 나중에 "미니어처"는 빨간색 선이 아니라 주어진 장식 전체, 그리고 작은 규모의 그림으로 불리기 시작했습니다.
Ecole allemande du XVIIIe siècle
16세기와 17세기에 영국에서는 이러한 작품을 종종 "작은 그림" 또는 "림닝"이라고 불렀으며, 이 공예를 수행한 예술가를 리너라고 불렀습니다.
안토니오 다 코레지오 
아멜리에 도비니 
줄리 베르톨트(1830~1858년 활동) 
미카엘 달, 스베리게(1659-1743) 
무명의 예술가 19세기. 
미니어처 예술은 고대의 간헐적인 역사를 가지고 있으며 이집트의 사자의 서 조각과 로마 제국의 도서 예술에서 살아남은 몇 가지 잔재로 거슬러 올라갑니다. 사실 이것은 재료의 불안정성으로 인해 우선 사라진 고도로 세련된 장인정신의 흥미진진한 모습일 뿐입니다.
미니어처 이미지와 디자인은 템페라 물감과 수성 물감을 사용하여 칠했지만 금박(또는 드물게는 은박)을 능숙하게 사용하여 특별한 시각적 고급스러움과 장식적 화려함을 얻었습니다. 중세 유럽의 조명 사본은 놀라울 정도로 다양한 스타일과 회화 기법을 보여줍니다.
따라서 아일랜드 승려의 원고 장식은 켈트 예술과 스칸디나비아 예술의 매우 독특한 융합이 특징이며 영국 수도원에서 실행된 앵글로색슨 스타일과는 크게 다릅니다.
비잔틴, 고딕, 로마네스크 양식의 책 미니어처 대가들의 예술은 부분적으로 이미 우리에게 알려진 중세 회화 발전의 기초가 되었습니다.
페르시아, 인도와 터키의 무갈 제국은 계속해서 미니어처 예술의 중요한 중심지로 남아 있었습니다. 미니어처 예술은 여전히 유목민 생활 방식을 대부분 보존하고 있던 이 민족이 길에서 쉽게 가지고 다닐 수 있는 작고 이동 가능한 예술입니다.
그러한 사진은 종종 앨범에 묶인 이미지 모음으로 구성되어 위대한 통치자의 일과 시대에 대해 이야기합니다.
주요 초상화 세밀화가로는 John Hoskins(1644년 사망)와 그의 조카 Samuel Cooper(1609~1672)가 있습니다. 17세기 중반, 초상화 세밀화가 초등학교의 마지막 대표가 사망했고, 그 후 초상화 세밀화는 이전의 고정관념에서 비교할 수 없을 정도로 자유로워졌습니다. Hoskins는 빛과 그림자를 미묘하게 구별하면서 더 큰 페인트 얼룩으로 그림을 그린 최초의 사람이었습니다. 그는 또한 인체의 색조를 충분히 사실적으로 구현한 최초의 미니어처 화가가 되었습니다. 쿠퍼는 삼촌과 함께 공부한 후 네덜란드와 프랑스로 여행하여 그곳에서 기술을 완성했습니다. 그의 초상화 미니어처는 대형 그림만큼 스타일이 완벽하지만 작은 형식으로 정교하게 제작된 진정한 예술 작품입니다. 그들은 또한 색상 결정이 더 대담하다는 점에서 전임자의 작품과 구별됩니다.
광택 카드는 18세기 중반까지 초상화 미니어처의 지속적인 기반으로 남아 있었습니다. 종종 이것은 단순히 카드 놀이의 뒷면이었지만 때로는 닭 껍질로 만든 특히 얇은 양피지가 사용되었습니다.
미술백과사전에서