매우 풍부한 역사를 가지고 있습니다. 그 전통은 광범위하며, 세계에서 일본의 독특한 위치는 일본 예술가들의 지배적인 스타일과 기술에 큰 영향을 미칩니다. 일본이 수세기 동안 상당히 고립되어 있었다는 잘 알려진 사실은 지리뿐 아니라 일본의 역사를 특징짓는 일본의 지배적인 고립 문화적 성향 때문이기도 합니다. 우리가 "일본 문명"이라고 부를 수 있는 수세기 동안 문화와 예술은 세계 다른 지역과는 별도로 발전했습니다. 그리고 이것은 일본화의 실천에서도 눈에 띕니다. 예를 들어, 일본화(Nihonga) 그림은 일본 회화 작업의 주요 요소 중 하나입니다. 천년이 넘는 전통을 바탕으로 한 그림은 보통 종이(일본 종이)나 에기나(비단)에 붓을 사용하여 그려집니다.
그러나 일본 미술과 회화는 외국 미술 관행의 영향을 받았습니다. 첫째, 여러 면에서 특히 영향을 미친 것은 16세기 중국 미술이며, 중국 회화와 중국 미술 전통이다. 17세기부터 일본화 역시 서양 전통의 영향을 받았습니다. 특히 1868년부터 1945년까지 지속된 전쟁 전 기간 동안 일본화는 인상주의와 유럽 낭만주의의 영향을 받았습니다. 동시에 새로운 유럽 미술 운동도 일본 미술 기법의 영향을 크게 받았습니다. 미술사에서는 이러한 영향을 '일본주의'라고 부르며, 특히 인상파, 입체파, 모더니즘과 관련된 예술가들에게 의미가 깊습니다.
일본 회화의 오랜 역사는 인정받는 일본 미학의 일부를 만들어내는 여러 전통의 종합으로 볼 수 있습니다. 우선, 불교미술과 회화방식, 종교화는 일본화 미학에 중요한 자취를 남겼다. 중국 문예화 전통의 수묵 산수화는 많은 유명한 일본화에서 인식되는 또 다른 중요한 요소입니다. 동물과 식물, 특히 새와 꽃을 그리는 것은 일상 생활의 풍경과 장면과 마찬가지로 일반적으로 일본 구성과 관련된 것입니다. 마지막으로, 고대 일본의 철학과 문화에서 비롯된 아름다움에 대한 고대 사상은 일본화에 큰 영향을 미쳤습니다. 일시적이고 거친 아름다움을 의미하는 와비(Wabi), 사비(자연스러운 푸른 녹과 노화의 아름다움) 및 유겐(깊은 우아함과 섬세함)은 여전히 일본 회화 실천의 이상에 영향을 미칩니다.
마지막으로, 일본의 가장 유명한 10대 걸작을 꼽는다면, 판화에 속하지만 일본에서 가장 인기 있는 예술 장르 중 하나인 우키요에를 언급해야 합니다. 17세기부터 19세기까지 일본 미술을 지배했으며, 이 장르에 속하는 예술가들은 아름다운 소녀, 가부키 배우, 스모 선수 등의 주제는 물론 역사와 민화의 장면, 여행 장면과 풍경, 식물 등의 목판화와 그림을 제작했습니다. 동물군, 심지어 에로티카까지요.
예술적 전통에서 최고의 그림 목록을 만드는 것은 항상 어렵습니다. 많은 놀라운 작품이 제외됩니다. 하지만 이 목록에는 세계에서 가장 잘 알려진 일본 그림 10개가 포함되어 있습니다. 이 기사에서는 19세기부터 현재까지 제작된 그림만을 소개합니다.
일본화는 매우 풍부한 역사를 가지고 있습니다. 수세기에 걸쳐 일본 예술가들은 예술계에 대한 일본의 가장 귀중한 공헌인 수많은 독특한 기술과 스타일을 개발해 왔습니다. 이러한 기술 중 하나는 수미입니다. 수미에는 문자 그대로 "수묵화"를 의미하며 서예와 수묵화를 결합하여 붓으로 그린 구성의 보기 드문 아름다움을 만들어냅니다. 이 아름다움은 역설적입니다. 고대적이면서도 현대적이고, 단순하면서도 복잡하고, 대담하면서도 차분하며, 의심할 여지없이 선불교 예술의 영적 기초를 반영합니다. 6세기에 불교 승려들이 중국에서 딱딱한 먹판과 대나무 붓을 일본으로 가져왔고, 지난 14세기 동안 일본은 풍부한 수묵화 유산을 발전시켜 왔습니다.
아래로 스크롤하여 10개의 일본 회화 걸작을 확인하세요.
1. 카츠시카 호쿠사이 "어부 아내의 꿈"
가장 잘 알려진 일본 그림 중 하나는 어부 아내의 꿈입니다. 이 그림은 유명한 화가 호쿠사이가 1814년에 그린 것입니다. 엄격한 정의에 따르면 호쿠사이의 이 놀라운 작품은 그림으로 간주될 수 없습니다. 왜냐하면 이 작품은 3권짜리 춘화 책인 Young Pines(Kinoe no Komatsu)의 우키요에 목판화이기 때문입니다. 이 작품은 한 쌍의 문어와 성적으로 얽혀 있는 어린 해녀를 묘사하고 있습니다. 이 이미지는 19세기와 20세기에 큰 영향을 미쳤습니다. 이 작품은 Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf 및 Pablo Picasso와 같은 후기 예술가들에게 영향을 미쳤습니다.
2. 토미오카 텟사이 "아베노 나카마로는 달을 보면서 그리운 시를 쓴다"
토미오카 테사이(Tessai Tomioka)는 일본의 유명한 예술가이자 서예가의 필명입니다. 그는 분징(Bunjing) 전통의 마지막 주요 예술가이자 니혼가(Nihonga) 스타일의 최초의 주요 예술가 중 한 명으로 간주됩니다. 분진가는 에도 시대 후기에 스스로를 문인이나 지식인으로 여겼던 예술가들 사이에서 번성한 일본화 유파였습니다. Tessaia를 포함한 이들 예술가들은 각자 자신만의 스타일과 기술을 개발했지만 모두 중국 예술과 문화의 열렬한 팬이었습니다.
3. 후지시마 다케지 "동해의 일출"
후지시마 다케지는 19세기 말과 20세기 초 요가(서양식) 미술 운동에서 낭만주의와 인상주의를 발전시킨 작품으로 유명한 일본 예술가입니다. 1905년에 그는 프랑스로 여행을 떠났고, 그곳에서 당시 프랑스 운동, 특히 1932년 그림 <동해의 일출>에서 볼 수 있듯이 인상주의의 영향을 받았습니다.
4. 키타가와 우타마로 "여성의 얼굴 10가지, 압도적인 미인의 집합체"
기타가와 우타마로는 1753년에 태어나 1806년에 사망한 일본의 저명한 화가입니다. 그는 여성의 얼굴의 10가지 유형이라는 시리즈로 가장 잘 알려져 있습니다. 고전시의 위대한 사랑 주제인 지배적 미인의 모음집"(때때로 "사랑에 빠진 여성"이라고도 불리며, "Naked Love"와 "Pensive Love"라는 별도의 판화가 포함되어 있음). 그는 우키요에 목판화 장르에 속하는 가장 중요한 예술가 중 한 명입니다.
5. 카와나베 쿄사이 "타이거"
가와나베 교사이(Kawanabe Kyosai)는 에도 시대 일본의 가장 유명한 예술가 중 한 명입니다. 그의 예술은 16세기 카노(Kano) 화가 토하쿠(Tohaku)의 영향을 받았는데, 그는 금가루의 섬세한 배경에 잉크로 화면 전체를 그리는 당시 유일한 화가였습니다. 교사이는 만화가로 알려져 있지만 19세기 일본 미술사에서 가장 유명한 그림을 남겼습니다. "호랑이"는 교사이가 수채화와 잉크를 사용하여 만든 그림 중 하나입니다.
6. 가와구치호수 요시다 히로시 후지
요시다 히로시는 신한가(신한가는 다이쇼 시대와 쇼와 시대에 걸쳐 20세기 초 일본에서 우키요에라는 전통 예술을 부활시킨 미술 운동)의 주요 인물 중 한 명으로 알려져 있습니다. , 에도 시대와 메이지 시대(XVII - XIX 세기)에 뿌리를 내렸습니다. 그는 메이지 시대에 일본에 도입된 서양 유화의 전통을 배웠습니다.
7. 무라카미 다카시 "727"
무라카미 다카시는 아마도 우리 시대의 가장 인기 있는 일본 예술가일 것입니다. 그의 작품은 주요 경매에서 천문학적인 가격에 팔리고 있으며, 그의 작품은 이미 일본뿐만 아니라 다른 나라의 새로운 세대의 예술가들에게도 영감을 주고 있습니다. Murakami의 예술은 다양한 매체를 포함하며 일반적으로 매우 평면적이라고 설명됩니다. 그의 작품은 일본의 전통문화와 대중문화를 모티브로 삼아 색채를 사용하는 것으로 유명합니다. 그의 그림의 내용은 종종 "귀엽다", "환각적이다", "풍자적이다"라고 묘사됩니다.
8. 쿠사마 야요이 "호박"
쿠사마 야오이(Yaoi Kusama)는 일본의 가장 유명한 예술가 중 한 명이기도 합니다. 그녀는 회화, 콜라주, 스캣 조각, 공연 예술, 환경 예술, 설치 등 다양한 매체로 작업하며, 이들 중 대부분은 환각적인 색상, 반복 및 패턴에 대한 주제별 관심을 보여줍니다. 이 위대한 예술가의 가장 유명한 시리즈 중 하나는 호박 시리즈입니다. 밝은 노란색의 물방울무늬가 있는 일반 조롱박이 그물을 배경으로 보입니다. 이러한 모든 요소는 예술가의 스타일에 틀림없는 시각적 언어를 형성하며 수십 년간의 공들인 제작과 재현을 통해 개발되고 개선되었습니다.
9. 텐묘야 히사시 "일본의 정신 #14"
텐묘야 히사시(Tenmyoya Hisashi)는 네오니혼가(neo nihonga) 그림으로 유명한 일본 현대 예술가입니다. 그는 현대 일본화와 정반대되는 일본화의 옛 전통을 부활시키는 데 참여했다. 2000년에는 권위 있는 예술 체계에 대한 확고한 태도를 그림을 통해 보여주는 새로운 스타일인 부투하(butouha)를 창시하기도 했다. "일본 정신 No. 14"는 "BASARA"예술 계획의 일부로 만들어졌으며 일본 문화에서는 전국 시대 하급 귀족의 반항적 행동으로 해석되어 당국이 이상을 달성할 수 있는 능력을 박탈했습니다. 화려하고 고급스러운 옷을 입고 자유롭게 행동하는 생활 방식, 사회 계층에 맞지 않는 의지.
10. 카츠시카 호쿠사이 "가나가와의 대파도"
마지막으로, 가나가와의 큰 파도(The Great Wave off Kanagawa)는 아마도 지금까지 그려진 일본 그림 중 가장 잘 알려진 그림일 것입니다. 이것은 실제로 일본에서 만들어진 가장 유명한 예술 작품입니다. 가나가와현 앞바다의 배들을 위협하는 거대한 파도를 묘사하고 있습니다. 때때로 쓰나미로 오인되기도 하지만, 그림의 이름에서 알 수 있듯이 파도는 단순히 비정상적으로 높은 높이를 가지고 있을 가능성이 높습니다. 그림은 우키요에 전통으로 제작되었습니다.
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위대한 예술가는 모두 과거에 있다고 생각한다면, 얼마나 틀린 생각인지 전혀 알 수 없습니다. 이 기사에서는 우리 시대의 가장 유명하고 재능 있는 예술가에 대해 알아볼 것입니다. 그리고 저를 믿으십시오. 그들의 작품은 과거 시대의 거장들의 작품만큼이나 여러분의 기억 속에 깊이 남을 것입니다.
보이치에흐 밥스키
보이치에흐 밥스키(Wojciech Babski)는 현대 폴란드 예술가입니다. 그는 Silesian Polytechnic Institute를 졸업했지만 자신과 연결되었습니다. 최근 그는 주로 여성을 그린다. 감정 표현에 중점을 두고 간단한 방법으로 최대한의 효과를 얻으려고 노력합니다.
색상을 좋아하지만 최상의 인상을 얻기 위해 검정색과 회색 음영을 자주 사용합니다. 새로운 기술을 실험하는 것을 두려워하지 않습니다. 최근 그는 영국을 중심으로 해외에서 점점 더 많은 인기를 얻고 있으며, 이미 많은 개인 소장품에서 그의 작품을 성공적으로 판매하고 있습니다. 예술 외에도 그는 우주론과 철학에도 관심이 있습니다. 재즈를 듣습니다. 현재 카토비체에 거주하며 작업하고 있습니다.
워렌 장
워렌 장(Warren Chang)은 미국의 현대 예술가입니다. 1957년에 태어나 캘리포니아 몬트레이에서 자란 그는 1981년 패서디나에 있는 아트 센터 디자인 대학을 우등으로 졸업하고 미술 학사 학위를 받았습니다. 그 후 20년 동안 그는 캘리포니아와 뉴욕의 여러 회사에서 일러스트레이터로 일한 후 2009년 전문 예술가로 활동을 시작했습니다.
그의 사실적인 그림은 크게 두 가지 범주로 나눌 수 있는데, 전기적인 실내 그림과 일하는 사람들을 묘사한 그림이다. 이 그림 스타일에 대한 그의 관심은 16세기 화가 얀 베르메르(Jan Vermeer)의 작품에 뿌리를 두고 있으며 사물, 자화상, 가족 구성원, 친구, 학생, 스튜디오, 교실 및 집 인테리어의 초상화로 확장됩니다. 그의 목표는 빛을 조작하고 차분한 색상을 사용하여 사실적인 그림에 분위기와 감정을 만들어내는 것입니다.
Chang은 전통 시각 예술로 전환한 후 유명해졌습니다. 지난 12년 동안 그는 수많은 상과 영예를 얻었으며, 가장 권위 있는 것은 미국 최대의 유화 커뮤니티인 미국 유화 협회(Oil Painters of America)의 마스터 시그니처(Master Signature)입니다. 50명 중 단 한 명만이 이 상을 받을 수 있는 영광을 누립니다. 현재 워렌은 몬터레이에 거주하며 자신의 스튜디오에서 일하고 있으며 샌프란시스코 예술 아카데미에서 (재능 있는 교사로 알려짐) 가르치기도 합니다.
아우렐리오 브루니
아우렐리오 브루니(Aurelio Bruni)는 이탈리아 예술가입니다. 1955년 10월 15일 블레어 출생. 스폴레토 미술대학에서 무대미술 학위를 취득했습니다. 예술가로서 그는 학교에서 쌓아온 기초 위에 독립적으로 “지식의 집을 짓는” 독학을 하고 있다. 그는 19세부터 유화를 그리기 시작했다. 현재 움브리아에 거주하며 작업하고 있습니다.
브루니의 초기 그림은 초현실주의에 뿌리를 두고 있지만, 시간이 지남에 따라 그는 서정적 낭만주의와 상징주의의 근접성에 초점을 맞추기 시작하여 이러한 결합을 그의 캐릭터의 절묘한 정교함과 순수함으로 강화합니다. 생명체와 무생물은 동등한 존엄성을 획득하고 거의 초현실적으로 보이지만 동시에 커튼 뒤에 숨지 않고 영혼의 본질을 볼 수 있게 해줍니다. 다재다능함과 세련미, 관능성과 고독함, 사려 깊음과 풍요로움은 예술의 광채와 음악의 조화로 자라나는 아우렐리오 브루니의 정신입니다.
알렉산더 발로스
Alkasandr Balos는 유화를 전문으로 하는 현대 폴란드 예술가입니다. 1970년 폴란드 글리비체에서 태어나 1989년부터 미국 캘리포니아주 샤스타에서 거주하며 활동하고 있습니다.
어렸을 때 그는 독학으로 예술가이자 조각가였던 아버지 Jan의지도 아래 미술을 공부했기 때문에 어려서부터 부모님 모두로부터 예술 활동에 대한 전적인 지원을 받았습니다. 1989년 18세의 나이에 Balos는 폴란드를 떠나 미국으로 떠났고, 그곳에서 그의 학교 교사이자 시간제 예술가인 Cathy Gaggliardi는 Alcasander에게 미술 학교에 등록하도록 권유했습니다. 그 후 Balos는 University of Milwaukee Wisconsin에서 전액 장학금을 받았으며, 그곳에서 철학 교수 Harry Rosin과 함께 그림을 공부했습니다.
1995년 학사 학위를 취득한 후 Balos는 시카고로 이주하여 School of Fine Arts에서 공부했습니다. 이 학교의 방법은 Jacques-Louis David의 작업을 기반으로 합니다. 구상적 사실주의와 초상화는 90년대와 2000년대 초반 Balos의 작품의 대부분을 차지했습니다. 오늘날 발로스는 어떠한 해결책도 제시하지 않은 채 인간 존재의 특징과 단점을 강조하기 위해 인간의 모습을 사용합니다.
그의 그림의 줄거리 구성은 관객이 독립적으로 해석하도록 의도되었으며, 그래야만 캔버스가 진정한 시간적, 주관적 의미를 얻게 될 것입니다. 2005년에 작가는 북부 캘리포니아로 이주한 이후 그의 작업 범위가 크게 확장되었으며 이제는 회화를 통해 존재의 아이디어와 이상을 표현하는 데 도움이 되는 추상화와 다양한 멀티미디어 스타일을 포함하여 보다 자유로운 회화 방법을 포함합니다.
알리사 몽크스
Alyssa Monks는 현대 미국 예술가입니다. 그녀는 1977년 뉴저지 주 리지우드에서 태어났습니다. 그녀는 아직 어렸을 때부터 그림에 관심을 갖게 되었습니다. 그녀는 뉴욕의 The New School과 Montclair State University를 다녔고, 1999년 Boston College에서 학사 학위를 취득했습니다. 동시에 그녀는 피렌체의 로렌초 메디치 아카데미에서 그림을 공부했습니다.
그런 다음 그녀는 New York Academy of Art의 구상 미술과에서 석사 학위 프로그램에 따라 공부를 계속했으며 2001년에 졸업했습니다. 그녀는 2006년 풀러턴 칼리지를 졸업했습니다. 그녀는 전국의 대학과 교육기관에서 간략하게 강의를 했고, 뉴욕 미술 아카데미, 몽클레어 주립 대학교, 라임 아카데미 미술 대학에서 회화를 가르쳤습니다.
“유리, 비닐, 물, 증기 등의 필터를 사용하여 인체를 왜곡합니다. 이 필터를 사용하면 인체의 일부인 색상 섬이 엿보이는 추상 디자인의 넓은 영역을 만들 수 있습니다.
내 그림은 이미 확립된 목욕하는 여성들의 전통적인 포즈와 몸짓에 대한 현대적인 모습을 바꿉니다. 수영, 춤 등의 이점과 같이 자명해 보이는 것들에 대해 세심한 시청자에게 많은 것을 알려줄 수 있습니다. 내 캐릭터는 샤워 실 창문 유리에 눌려 자신의 몸을 왜곡하고 이로 인해 벌거 벗은 여성을 바라 보는 악명 높은 남성의 모습에 영향을 미친다는 사실을 깨닫습니다. 두꺼운 페인트 층이 함께 혼합되어 멀리서 유리, 증기, 물 및 살을 모방합니다. 그러나 가까이서 보면 유성 페인트의 놀라운 물리적 특성이 분명하게 드러납니다. 물감과 색의 겹을 실험하면서 추상적인 획이 다른 것이 되는 순간을 발견합니다.
처음 인체를 그리기 시작했을 때 나는 곧바로 인체에 매료되고 집착하기까지 했으며, 최대한 사실적으로 그림을 그려야겠다는 생각이 들었다. 나는 현실주의가 풀리고 해체되기 시작할 때까지 현실주의를 '공언'했습니다. 지금 나는 구상회화와 추상화가 만나는 화풍의 가능성과 가능성을 탐구하고 있다. 두 화풍이 동시에 공존할 수 있다면 그렇게 하겠다.”
안토니오 피넬리
이탈리아 예술가 - 시간 감시자” – 안토니오 피넬리는 1985년 2월 23일에 태어났습니다. 현재 이탈리아 로마와 캄포바소 사이에 거주하며 작업하고 있습니다. 그의 작품은 로마, 피렌체, 노바라, 제노아, 팔레르모, 이스탄불, 앙카라, 뉴욕 등 이탈리아와 해외의 여러 갤러리에 전시되었으며 개인 및 공공 컬렉션에서도 볼 수 있습니다.
연필 그림 " 시간의 감시자안토니오 피넬리(Antonio Finelli)는 인간의 시간성의 내면 세계와 그와 관련된 이 세계에 대한 엄격한 분석을 통한 영원한 여행으로 우리를 보냅니다. 그 주요 요소는 시간의 흐름과 그것이 피부에 미치는 흔적입니다.
Finelli는 얼굴 표정이 시간의 흐름을 나타내는 모든 연령, 성별, 국적의 사람들의 초상화를 그리며, 작가는 또한 그의 캐릭터의 몸에서 시간의 무자비함의 증거를 찾기를 희망합니다. 안토니오는 자신의 작품을 "자화상"이라는 하나의 일반적인 제목으로 정의합니다. 왜냐하면 연필 그림에서 그는 사람을 묘사할 뿐만 아니라 관객이 사람 내부의 시간 흐름의 실제 결과를 고려할 수 있도록 하기 때문입니다.
플라미니아 카를로니
플라미니아 카를로니(Flaminia Carloni)는 37세의 이탈리아 예술가이자 외교관의 딸이다. 그녀에게는 세 명의 자녀가 있습니다. 그녀는 로마에서 12년, 영국과 프랑스에서 3년을 살았습니다. BD School of Art에서 미술사 학위를 받았습니다. 그런 다음 그녀는 예술 작품 전문 복원사 학위를 받았습니다. 그녀는 자신의 소명을 찾아 그림에 전념하기 전에 저널리스트, 컬러리스트, 디자이너, 배우로 활동했습니다.
그림에 대한 플라미니아의 열정은 어렸을 때부터 시작되었습니다. 그녀가 주로 사용하는 매체는 오일입니다. 왜냐하면 그녀는 "코이퍼 라 파테"를 좋아하고 재료를 가지고 놀기도 하기 때문입니다. 그녀는 예술가 Pascal Torua의 작품에서 비슷한 기술을 배웠습니다. 플라미니아(Flaminia)는 발튀스(Balthus), 호퍼(Hopper), 프랑수아 르그랑(François Legrand)과 같은 회화의 거장들과 거리 예술, 중국 리얼리즘, 초현실주의, 르네상스 리얼리즘 등 다양한 예술 운동에서 영감을 받았습니다. 그녀가 가장 좋아하는 예술가는 Caravaggio입니다. 그녀의 꿈은 예술의 치유적 힘을 발견하는 것이다.
데니스 체르노프
데니스 체르노프(Denis Chernov)는 1978년 우크라이나 리비프 지역 삼비르에서 태어난 재능 있는 우크라이나 예술가입니다. 1998년 하르코프 미술대학을 졸업한 후, 그는 현재 하리코프에 거주하며 작업하고 있다. 그는 또한 Kharkov 주립 디자인 예술 아카데미 그래픽학과에서 공부했으며 2004년에 졸업했습니다.
그는 정기적으로 미술 전시회에 참여하고 있으며 현재 우크라이나와 해외에서 60개 이상의 전시회가 열렸습니다. Denis Chernov의 작품 대부분은 우크라이나, 러시아, 이탈리아, 영국, 스페인, 그리스, 프랑스, 미국, 캐나다 및 일본의 개인 소장품으로 보관되어 있습니다. 일부 작품은 Christie's에서 판매되었습니다.
Denis는 다양한 그래픽 및 페인팅 기법을 사용하여 작업합니다. 연필 그림은 그가 가장 좋아하는 그림 방법 중 하나이며 연필 그림의 주제 목록도 매우 다양하며 풍경, 초상화, 누드, 장르 구성, 책 삽화, 문학 및 역사적 재구성 및 환상을 그립니다.
각 국가에는 이름이 잘 알려져 있고, 많은 팬과 호기심 많은 사람들이 전시회를 열고, 작품이 개인 소장품으로 배포되는 현대 미술의 영웅들이 있습니다.
이 기사에서는 일본에서 가장 인기 있는 현대 예술가를 소개합니다.
타나베 케이코
교토에서 태어난 케이코는 어렸을 때 많은 미술 대회에서 우승했지만 그녀의 고등 교육은 전혀 미술에 관한 것이 아니었습니다. 그녀는 도쿄의 일본 자치 무역 기관의 국제 관계 부서, 샌프란시스코의 대형 로펌, 샌디에고의 민간 컨설팅 회사에서 근무했으며 여러 곳을 여행했습니다. 2003년부터 직장을 그만두고 샌디에고에서 수채화의 기초를 배운 뒤 오로지 미술에만 전념했다.
이케나가 야스나리(Ikenaga Yasunari)
일본 예술가 이케나가 야스나리는 멘소 붓, 미네랄 안료, 카본 블랙, 잉크, 리넨을 베이스로 고대 일본 회화 전통에 따라 현대 여성의 초상화를 그립니다. 그의 캐릭터는 우리 시대의 여성이지만 일본화 스타일 덕분에 그들이 고대부터 우리에게 다가온 느낌이 듭니다.
아베 토시유키
아베 토시유키는 수채화 기법을 완벽하게 익힌 사실주의 예술가입니다. Abe는 예술가 철학자라고 할 수 있습니다. 그는 기본적으로 잘 알려진 광경을 그리지 않고 그것을 보는 사람의 내부 상태를 반영하는 주관적인 구성을 선호합니다.
사카이 히로코
예술가 사카이 히로코의 경력은 90년대 초 후쿠오카에서 시작되었습니다. 세이난 가쿠인 대학과 니혼 프랑스 인테리어 디자인 학교에서 디자인 및 시각화 전공을 졸업한 후 "Atelier Yume-Tsumugi Ltd."를 설립했습니다. 그리고 5년 동안 이 스튜디오를 성공적으로 운영했습니다. 그녀의 작품 중 다수는 일본의 병원 로비, 대기업 사무실 및 일부 지방자치단체 건물을 장식하고 있습니다. 히로코는 미국으로 이주한 후 유화를 그리기 시작했습니다.
후카호리 류스케
후카호리 류스키의 입체 작품은 마치 홀로그램 같다. 여러 겹의 아크릴 페인트와 투명한 레진 액체로 만들어졌으며, 이 모두는 섀도우잉, 가장자리 연화, 투명도 제어와 같은 전통적인 기술과 함께 Ryusuki가 조각 그림을 만들고 작품에 깊이와 현실감을 더할 수 있게 해줍니다.
오타니 나츠키
나츠키 오타니(Natsuki Otani)는 영국에 거주하며 활동하는 재능 있는 일본 일러스트레이터입니다.
무라마츠 마코토
무라마츠 마코토는 자신의 작업의 기초로 상생 테마를 선택했습니다. 그는 고양이를 그립니다. 그의 그림은 특히 퍼즐 형태로 전 세계적으로 인기가 있습니다.
미시마 테츠야
현대 일본 예술가 미시마(Mishima)의 그림 대부분은 유화로 만들어졌습니다. 그녀는 90년대부터 전문적으로 회화 작업에 참여해 왔으며, 국내외에서 여러 번의 개인전과 다수의 단체전을 가졌습니다.
일본 고전화는 길고 흥미로운 역사를 가지고 있습니다. 일본의 미술은 다양한 스타일과 장르로 표현되며, 각각은 고유한 방식을 가지고 있습니다. 동탁 청동 종과 도자기 파편에서 발견된 고대 그림 조각상과 기하학적 모티프는 서기 300년으로 거슬러 올라갑니다.
예술의 불교적 지향
일본에서는 벽화 예술이 상당히 발달했으며, 6세기에는 불교 철학을 주제로 한 이미지가 특히 인기를 끌었습니다. 그 당시 나라에는 큰 사원이 지어지고 있었고 그 벽은 불교 신화와 전설의 줄거리에 따라 그려진 프레스코 화로 곳곳에 장식되었습니다. 지금까지 일본 도시 나라 근처의 호류지 사원에는 고대 벽화 샘플이 보존되어 있었습니다. 호류지의 프레스코화는 부처님과 다른 신들의 삶의 장면을 묘사합니다. 이 프레스코화의 예술적 스타일은 송나라 시대에 중국에서 유행했던 회화적 개념과 매우 유사합니다.
당나라 시대의 그림 같은 스타일은 나라 시대 중반에 특히 인기를 얻었습니다. 다카마츠즈카의 무덤에서 발견된 프레스코화는 이 시기의 것으로 서기 7세기경의 것으로 추정됩니다. 당나라의 영향을 받아 형성된 미술기법은 이후 가라에(唐絵) 장르의 기초를 형성하였다. 이 장르는 야마토에 스타일의 첫 작품이 등장할 때까지 인기를 유지했습니다. 프레스코화와 회화적 걸작의 대부분은 무명 예술가의 작품이며, 오늘날 그 시대의 많은 작품이 세소인 금고에 보관되어 있습니다.
천태종과 같은 새로운 불교 종파의 영향력 증가는 8세기와 9세기 일본 시각 예술의 광범위한 종교적 초점에 영향을 미쳤습니다. 특히 일본 불교가 발전한 10세기에는 부처님이 서방 극락에 도래하는 모습을 그린 '환영 그림'이라는 장르의 라이고즈가 등장했습니다. 1053년으로 거슬러 올라가는 라이고즈의 초기 사례는 교토부 우지시에 보존되어 있는 베도인 사원에서 볼 수 있습니다.
스타일 변경
헤이안 시대 중반에 중국 가라에 스타일은 야마토에 장르로 대체되었으며, 이는 오랫동안 일본 회화에서 가장 인기 있고 인기 있는 장르 중 하나가 되었습니다. 새로운 화풍은 병풍과 미닫이문에 주로 적용됐다. 시간이 지나면서 야마토에는 에마키모노의 가로 두루마리로 옮겨갔습니다. 에마키 장르에서 작업한 예술가들은 선택한 줄거리의 모든 감정을 작품에 전달하려고 노력했습니다. 겐지 모노가타리 두루마리는 서로 연결된 여러 에피소드로 구성되었으며 당시 예술가들은 빠른 스트로크와 밝고 표현력이 풍부한 색상을 사용했습니다.
에마키(E-maki)는 남성 초상화 장르인 오토코에(otoko-e)의 가장 오래되고 가장 유명한 사례 중 하나입니다. 여성 초상화는 온나에의 별도 장르로 분류됩니다. 실제로 이러한 장르 사이에는 남성과 여성 사이에 상당한 차이가 있습니다. 온나에 스타일은 겐지 이야기의 디자인에 다채롭게 표현되어 있으며 그림의 주요 주제는 궁정 생활의 장면인 낭만적인 줄거리입니다. 오토코에의 남성 스타일은 주로 역사적 전투와 제국 생활의 기타 중요한 사건을 예술적으로 묘사하는 것입니다.
일본 고전 미술 학교는 대중 문화와 애니메이션의 영향을 뚜렷이 보여주는 현대 일본 미술 사상의 발전과 홍보를 위한 비옥한 기반이 되었습니다. 가장 유명한 현대 일본 예술가 중 한 명은 무라카미 다카시라고 할 수 있는데, 그의 작품은 전후 일본 생활의 장면과 미술과 주류의 최대 융합이라는 개념을 묘사하는 데 전념하고 있습니다.
고전파의 유명한 일본 예술가들 중에서 다음을 언급할 수 있습니다.
시제 슈분
슈분은 15세기 초에 활동하며 송나라 시대 중국 거장들의 작품을 연구하는 데 많은 시간을 할애해 일본 회화 장르의 원점에 섰습니다. 슈분은 수묵화, 수묵화의 창시자로 여겨집니다. 그는 새로운 장르를 대중화하기 위해 많은 노력을 기울였으며 이를 일본화의 주요 트렌드 중 하나로 만들었습니다. 슈분의 제자들은 셋슈와 유명한 미술 학교의 설립자인 카노 마사노부를 포함하여 나중에 유명해진 많은 예술가들이었습니다. 많은 풍경이 슈분의 작품으로 알려져 있지만, 그의 가장 유명한 작품은 전통적으로 대나무 숲에서 독서하는 것으로 간주됩니다.
오가타 고린 (1658-1716)
오가타 고린은 일본화 역사상 가장 큰 예술가 중 한 명이며, 림파 미술 스타일의 창시자이자 가장 뛰어난 대표자 중 한 명입니다. 고린은 작품에 있어서 전통적인 고정관념에서 과감히 벗어나 자신만의 스타일을 형성했는데, 그 주요 특징은 줄거리의 작은 형태와 생생한 인상주의였다. Korin은 자연을 묘사하고 추상적인 색상 구성을 다루는 특별한 기술로 유명합니다. “홍백 매화”는 오가타 고린의 가장 유명한 작품 중 하나이며, 그의 그림 “국화”, “마쓰시마의 파도” 등도 알려져 있습니다.
하세가와 토하쿠 (1539-1610)
토하쿠는 일본 미술 학교 하세가와(Hasegawa)의 창립자입니다. 토하쿠 작품의 초기는 유명한 일본화파의 영향을 받은 것이 특징이다. 
Kano는 시간이 지남에 따라 자신만의 독특한 스타일을 형성했습니다. 여러면에서 Tohaku의 작업은 인정받는 거장 Sesshu의 작업에 영향을 받았으며 Hosegawa는 자신을이 위대한 거장의 다섯 번째 후계자로 여겼습니다. 하세가와 토하쿠의 그림 "소나무"는 세계적으로 명성을 얻었으며 그의 작품 "단풍", "소나무와 화초"등도 알려져 있습니다.
가노 에이토쿠(1543-1590)
Kanō 학교 스타일은 약 4세기 동안 일본의 시각 예술을 지배했으며 Kano Eitoku는 아마도 이 미술 학교의 가장 유명하고 눈에 띄는 대표자 중 한 명일 것입니다. 에이토쿠는 당국의 총애를 받았고, 귀족과 부유한 후원자의 후원은 그의 학교를 강화하고 의심할 여지 없이 매우 재능 있는 예술가인 이 작품의 인기를 높이는 데 기여할 수밖에 없었습니다. 가노 에이토쿠(Eitoku Kano)의 '사이프러스(Cypress)' 8폭 미닫이 병풍은 진정한 걸작이자 모노야마 스타일의 범위와 힘을 보여주는 대표적인 예입니다. "사계절의 새와 나무", "중국 사자", "은둔자와 요정"등과 같은 주인의 다른 작품도 그다지 흥미로워 보입니다.
가쓰시카 호쿠사이 (1760-1849)
호쿠사이는 우키요에(일본 목판화) 장르의 가장 위대한 거장입니다. 호쿠사이의 작품은 전 세계적으로 인정을 받았으며, 다른 나라에서의 그의 명성은 대부분의 아시아 예술가들의 인기와 비교할 수 없습니다. 그의 작품 "The Great Wave off Kanagawa"는 세계 미술계에서 일본 미술의 특징이 되었습니다. 그의 창의적인 길에서 호쿠사이는 30개 이상의 가명을 사용했으며, 60세 이후에는 예술가가 전적으로 예술에 전념했으며, 이때가 그의 작업에서 가장 유익한 시기로 간주됩니다. 호쿠사이의 작품은 르누아르, 모네, 반 고흐 등 서양 인상파와 후기 인상파 거장들의 작품에 영향을 미쳤습니다.
쿠사마 야요이는 예술가로서의 경력의 기초가 무엇이었는지 대답할 수 없을 것 같습니다. 그녀의 나이는 87세이며, 그녀의 예술은 전 세계적으로 인정받고 있습니다. 그녀의 작품에 대한 대규모 전시회가 곧 미국과 일본에서 열릴 예정이지만 그녀는 아직 모든 것을 세상에 알리지 않았습니다. “아직 진행 중이에요. 앞으로는 이것을 만들 예정입니다."라고 Kusama는 말합니다. 그녀는 일본에서 가장 성공한 예술가로 불린다. 게다가, 그녀는 현존하는 예술가 중 가장 비싼 작품입니다. 2014년에 그녀의 그림 "White No. 28"은 710만 달러에 팔렸습니다.
쿠사마는 도쿄에 거주하며 거의 40년 동안 자발적으로 정신병원에 입원해 있었습니다. 그녀는 하루에 한 번 벽을 떠나 그림을 그립니다. 그녀는 새벽 3시에 일어나서 잠을 잘 수가 없고 직장에서 시간을 잘 활용하고 싶어합니다. “이제 나이가 들었지만, 앞으로도 더 많은 작품, 더 좋은 작품을 만들겠습니다. 내가 과거에 한 것보다 더 많은 것입니다. 내 마음은 그림으로 가득 차 있어요.”라고 그녀는 말합니다.
(총 17장)
1985년 런던에서 열린 그의 작품 전시회에서 쿠사마 야요이. 사진: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
9시부터 6시까지 Kusama는 편안하게 휠체어에 앉아 3층짜리 스튜디오에서 작업합니다. 그녀는 걸을 수 있지만 너무 약합니다. 한 여성은 테이블 위에 놓거나 바닥에 고정한 캔버스 위에서 작업하고 있다. 스튜디오는 새로운 그림, 작은 얼룩이 흩뿌려진 밝은 작품으로 가득 차 있습니다. 작가는 이것을 '자기 침묵'이라고 부릅니다. 끝없는 반복으로 머리 속의 소음이 사라지는 것입니다.
2006년 도쿄에서 열린 Praemium Imperiale Art Awards 이전. 사진: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
길 건너편에는 새로운 갤러리가 곧 개장할 예정이며, 도쿄 북쪽에는 그녀의 예술을 전시하는 또 다른 박물관이 건설 중입니다. 또한 그녀의 작품에 대한 두 가지 주요 전시회가 열립니다. 쿠사마 야요이의 65년 경력을 회고하는 <인피니트 미러스>는 2월 23일 워싱턴 허시혼 미술관에서 개막해 5월 14일까지 진행되며 이후 시애틀, 로스앤젤레스, 토론토, 클리블랜드 등을 순회한다. 이번 전시회에는 쿠사마의 그림 60점이 포함되어 있습니다.
그녀의 완두콩은 루이비통 드레스부터 고향의 버스까지 모든 것을 다룹니다. Kusama의 작품은 정기적으로 수백만 달러에 판매되며 뉴욕에서 암스테르담까지 전 세계에서 발견됩니다. 일본 작가의 작품 전시는 워낙 인기가 많아 혼잡과 폭동을 막기 위한 대책이 필요할 정도다. 예를 들어, Hirschhorn 전시회 티켓은 방문객의 흐름을 어떻게든 조절하기 위해 특정 시간 동안 판매됩니다.
2012년 뉴욕에서 루이 비통과 쿠사마 야요이의 공동 디자인 발표. 사진: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
그러나 Kusama는 여전히 외부 승인이 필요합니다. 그녀는 한 인터뷰에서 수십 년 전 부자가 되고 유명해지겠다는 목표를 달성했는지 묻는 질문에 “어렸을 때 예술가가 되고 싶다는 사실을 어머니에게 설득하는 것이 매우 어려웠다”고 말했다. 내가 부자이고 유명하다는 게 정말 사실인가요?"
쿠사마는 1929년 일본 중부 산간 마츠모토에서 묘목을 파는 부유하고 보수적인 가문에서 태어났습니다. 그러나 그 집은 행복한 집이 아니었습니다. 그녀의 어머니는 바람피우는 남편을 경멸하고 그를 감시하기 위해 어린 쿠사마를 보냈습니다. 그 소녀는 아버지가 다른 여성들과 함께 있는 것을 보았고, 이로 인해 그녀는 평생 동안 섹스에 대한 혐오감을 느꼈습니다.
2012년 쿠사마가 디자인한 루이비통 쇼윈도. 사진: 조 쉴드혼/BFA/REX/Shutterstock
어렸을 때 그녀는 시각적, 청각적 환각을 경험하기 시작했습니다. 처음으로 호박을 봤을 때, 그녀는 그것이 자신에게 말을 걸고 있다고 상상했습니다. 미래의 예술가는 머릿속의 생각을 없애기 위해 반복되는 패턴을 만들어 비전에 대처했습니다. 어린 나이에도 불구하고 예술은 그녀에게 일종의 치료법이 되었고, 나중에 그녀는 이를 '예술의학'이라고 불렀습니다.
2012년 휘트니 현대 미술관에 전시된 쿠사마 야요이의 작품. 사진: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
쿠사마의 어머니는 예술가가 되고자 하는 딸의 열망에 강력히 반대했으며 딸이 전통적인 길을 따르도록 주장했습니다. “그녀는 내가 그림을 그리는 것을 허락하지 않았습니다. 그녀는 내가 결혼하기를 원했습니다.”라고 작가는 인터뷰에서 말했습니다. 그녀는 내 작품을 버렸어요. 나는 기차 밑으로 몸을 던지고 싶었다. 매일 어머니와 싸워서 마음이 손상되었습니다.
1948년, 전쟁이 끝난 후 쿠사마는 엄격한 규칙에 따라 일본의 전통 일본화를 공부하기 위해 교토로갔습니다. 그녀는 이런 예술 형식을 싫어했습니다.
2012년 휘트니 현대미술관에서 열린 쿠사마 야요이 전시회의 전시물 중 하나. 사진: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
쿠사마는 마츠모토에 살 때 조지아 오키프(Georgia O'Keeffe)의 책을 발견하고 그녀의 그림에 놀랐습니다. 그 소녀는 디렉토리에서 O'Keeffe에 관한 기사를 찾고 그녀의 주소를 알아 내기 위해 도쿄에있는 미국 대사관에갔습니다. 쿠사마는 그녀에게 편지를 쓰고 그림 몇 장을 보냈고, 놀랍게도 미국 예술가가 그녀에게 답장을 보냈습니다.
“내 행운을 믿을 수가 없었어요! 그녀는 너무 친절해서 평생 만난 적도, 들어본 적도 없는 겸손한 일본 소녀의 갑작스런 감정 폭발에 반응했습니다.”라고 작가는 자서전 인피니티 넷에서 썼습니다.
2012년 뉴욕에서 루이 비통을 위해 디자인한 창문에 있는 쿠사마 야요이. 사진: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
일본의 젊은 미혼 소녀들은 말할 것도 없고 미국의 젊은 예술가들이 어려움을 겪고 있다는 오키프의 경고에도 불구하고 쿠사마는 막을 수 없었습니다. 1957년에 그녀는 여권과 비자를 받았습니다. 그녀는 전후 엄격한 외환 통제를 피하기 위해 드레스에 달러를 꿰매었습니다.
첫 번째 목적지는 시애틀로, 그곳의 작은 갤러리에서 전시회를 열었습니다. 그 후 쿠사마는 뉴욕으로 갔는데 그곳에서 몹시 실망했습니다. “전후 마츠모토와 달리 뉴욕은 모든 면에서 사악하고 폭력적인 곳이었습니다. 나에게는 그것이 너무 스트레스였고, 나는 곧 신경증의 수렁에 빠졌다. 설상가상으로 쿠사마는 자신이 완전히 가난하다는 사실을 알게 되었습니다. 그녀는 낡은 문을 침대로 사용했고, 쓰레기통에서 생선 머리와 썩은 야채를 꺼내서 수프를 만들었습니다.
설치 Infinity Mirror Room - Love Forever ( "무한의 거울이있는 방 - 영원히 사랑"). 사진: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
이러한 어려운 상황으로 인해 Kusama는 자신의 작업에 더욱 몰입하게 되었습니다. 그녀는 끝이 보이지 않는 작은 고리의 매혹적인 파도로 거대한 캔버스(그 중 하나는 높이가 10미터에 달함)를 덮는 Infinity Web 시리즈의 첫 번째 그림을 만들기 시작했습니다. 작가는 이를 다음과 같이 표현했다. “무망의 절망적인 어둠을 배경으로 조용한 죽음의 검은 점들을 감싸고 있는 하얀 그물”.
2015년 모스크바 고리키 문화문화공원의 차고 현대미술관 신관 개관식에서 쿠사마 야요이가 설치한 작품. 사진: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
이러한 강박적인 반복은 신경증을 없애는 데 도움이 되었지만 항상 효과가 있었던 것은 아닙니다. Kusama는 끊임없이 정신병에 시달렸고 결국 뉴욕 병원에 입원했습니다. 야심차고 결단력이 있으며 기모노를 입은 이국적인 아시아 여성의 역할을 즐겁게 맡은 그녀는 예술계에서 영향력 있는 사람들의 무리에 합류했고 마크 로스코(Mark Rothko)와 앤디 워홀(Andy Warhol)과 같은 유명 예술가들과 교류했습니다. Kusama는 나중에 Warhol이 자신의 작품을 모방했다고 말했습니다.
쿠사마는 곧 어느 정도 명성을 얻었고 붐비는 갤러리에 전시되었습니다. 게다가 작가의 명성도 불명예스러워졌다.
1960년대에 쿠사마는 물방울 무늬에 푹 빠졌을 때 뉴욕에서 일어나는 일들을 정리하기 시작했습니다. 그녀는 사람들이 센트럴 파크나 브루클린 브리지 같은 곳에서 알몸을 벗도록 유도하고 물방울 무늬로 몸을 칠했습니다.
2013년 아트 바젤 홍콩에서 선보였습니다. 사진: 빌리 파렐/BFA/REX/Shutterstock
Occupy Wall Street 운동이 일어나기 수십 년 전, 쿠사마는 뉴욕 금융가에서 해프닝을 벌이며 "물방울 무늬로 월스트리트의 사람들을 파괴하고 싶다"고 말했습니다. 같은 시기에 그녀는 의자, 보트, 마차 등 다양한 물체를 남근 모양의 돌출부로 덮기 시작했습니다. 아티스트는 “나는 성적 혐오감을 치료하기 위해 페니스를 만들기 시작했습니다.”라고 썼으며 이 창의적인 과정이 어떻게 점차 끔찍한 것을 친숙한 것으로 바꾸었는지 설명했습니다.
런던 테이트 갤러리의 겨울 설치물을 통과했습니다. 사진: James Gourley/REX/Shutterstock
쿠사마는 결혼한 적이 없지만 뉴욕에 거주하는 동안 예술가인 조셉 코넬(Joseph Cornell)과 10년 동안 결혼과 같은 관계를 유지했습니다. 그녀는 아트 매거진과의 인터뷰에서 “나는 섹스를 좋아하지 않았고 그 사람은 발기부전이었기 때문에 우리는 서로에게 아주 좋은 사이였다”고 말했다.
쿠사마는 그녀의 익살스러운 행동으로 점점 더 유명해졌습니다. 그녀는 리처드 닉슨 미국 대통령이 베트남 전쟁을 끝내면 그와 함께 자겠다고 제안했습니다. "물방울 무늬로 서로를 장식하자"고 그녀는 그에게 편지를 썼다. 그녀의 예술에 대한 직접적인 관심은 사라지고 호감을 얻지 못했으며 돈 문제가 다시 시작되었습니다.
2012년 뉴욕 휘트니 현대미술관에서 열린 회고전에서 쿠사마 야요이. 사진: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
쿠사마의 탈출 소식이 일본에 전해졌습니다. 그녀는 '국가적 재앙'으로 불리기 시작했고, 어머니는 딸이 어릴 때 병으로 죽었으면 좋겠다고 말했다. 1970년대 초, 가난하고 실패한 쿠사마가 일본으로 돌아왔다. 그녀는 현재도 살고 있는 정신병원에 등록되어 예술적 무명에 빠져들고 있다.
1989년 뉴욕 현대미술센터에서 그녀의 작품 회고전이 열렸습니다. 이것은 쿠사마의 예술에 대한 느리지만 관심이 되살아나는 시작이었습니다. 그녀는 1993년 베니스 비엔날레에서 선보인 설치 작품을 위해 거울방을 호박으로 가득 채웠고, 1998년에는 뉴욕 현대미술관 MoMa에서 주요 전시를 열었습니다. 그녀가 한때 해프닝을 준비한 곳이 바로 이곳이었습니다.
2017년 2월 도쿄 국립신미술관에서 열린 나의 영원한 영혼 전시회에서. 사진: 오카우치 마사토시/REX/Shutterstock
지난 몇 년 동안 쿠사마 야요이는 국제적인 현상이 되었습니다. 현대 런던의 테이트 갤러리와 뉴욕의 휘트니 미술관은 대규모 회고전을 개최하여 많은 인파를 끌어 모았으며 그녀의 상징적인 물방울 무늬 패턴을 매우 눈에 띄게 만들었습니다.
2017년 2월 도쿄 국립신미술관에서 열린 나의 영원한 영혼 전시회에서. 사진: 오카우치 마사토시/REX/Shutterstock
작가는 작업을 멈추지 않을 것이지만 자신의 죽음에 대해 생각하기 시작했습니다. “죽어도 얼마나 오래 살아남을 수 있을지 모르겠어요. 내 발자취를 따르는 미래 세대가 있습니다. 사람들이 내 작품을 보고 감동을 받는다면 영광일 것입니다.”
2017년 2월 도쿄 국립신미술관에서 열린 나의 영원한 영혼 전시회에서. 사진: 오카우치 마사토시/REX/Shutterstock
자신의 예술 작품이 상업화되었음에도 불구하고 쿠사마는 마츠모토에 있는 무덤(이미 부모로부터 물려받은 가족 금고가 아님)과 그것을 신사로 바꾸지 않는 방법에 대해 생각합니다. “그러나 나는 아직 죽지 않았습니다. 앞으로 20년은 더 살 것 같다”고 말했다.
2017년 2월 도쿄 국립신미술관에서 열린 나의 영원한 영혼 전시회에서. 사진: 오카우치 마사토시/REX/Shutterstock