Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Mártir Patricio Ruiz와 Picasso(1881 -1973) - 위대한 스페인 예술가이자 20세기 가장 도발적인 화가인 Pablo Picas는 91세까지 살았습니다. 그는 현대 미술의 거의 모든 분야에 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다.
파블로 피카소의 전기
그는 1881년에 태어났습니다. Pablo는 아버지의 성인 Ruiz가 매우 흔했기 때문에 어머니의 성을 따랐고 게다가 미래 예술가의 아버지는 예술가였으며 Pablo에게는 배울 사람이있었습니다.
어렸을 때 그의 아버지는 파블로가 자신을 위해 일을 마치도록 허용했습니다. 예를 들어 비둘기 다리 마무리 작업이었습니다. 어느 날 파블로가 더 큰 규모의 작품을 완성할 기회를 얻었을 때 호세 루이즈는 그의 기술에 놀랐고, 피카소에 대한 전설 중 한 사람이 말했듯이 그는 너무 놀라서 그날부터 그림을 그만 두었습니다.
이미 16세에 파블로는 당시 최고의 미술 학교였던 마드리드로 진학했습니다. 그는 자신의 기술로 동료 학생과 교사 모두를 놀라게했지만 오랫동안 그곳에서 공부하지 않았습니다. 그는 대도시 생활의 다양한 측면에 훨씬 더 관심을 갖게되었고 Diego Velazquez, Francisco Goya, 특히 El Greco와 같은 관심있는 예술가의 작품에 뛰어 들었습니다.
피카소는 매우 긴 삶을 살았으며 결코 창작을 멈추지 않았습니다. 거의 한 세기 동안 그는 많은 창의적인 변화, 여성과의 낭만적 인 만남을 경험하고 12 채의 고급 주택을 바꾸고 수백만 장자로 사망했습니다.
파블로 피카소의 작품
"훌륭한 재능"은 마드리드 미술 아카데미에서 십대를 묘사한 방식입니다. 그러나 Pablo는 곧 완전한 보수주의가 그곳을 지배하고 있으며 새로운 것을 배우지 않을 것이라고 부모에게 발표했습니다. 15세의 젊은 예술가는 "지식과 자비"라는 깊은 내용의 작품을 만들었습니다. 이 그림은 금메달을 받았고, 파블로의 첫 개인전은 Four Cats 카페에서 열렸습니다.
1900년에 피카소는 파리를 방문하여 병에 걸렸습니다. 4년 후 그는 살기 위해 그곳으로 이사했습니다. "구부러진 할리퀸", "압생트 술꾼". 작가는 구성에서 불필요한 모든 것을 제거하여 캐릭터의 감정 상태를 완벽하게 전달합니다.
점차적으로 피카소의 그림에서 다색성은 사라지고 날카로운 파란색으로 변합니다. 작품에는 우울함과 외로움이 가득 담겨 있는데, 이는 화가 자신의 기분과도 닮아 있다.
지식과 자비 구부러진 할리퀸 압생트 술꾼
주인의 삶에 변화가 생긴 것은 러시아 자선가이자 수집가인 표트르 슈킨을 알게 된 이후였습니다. 그는 젊은 예술가의 그림 몇 점을 구입했습니다. 글쎄, 파블로의 삶은 예술가에게 여성 기타의 유명한 이미지를 만들도록 영감을 준 빨간 머리의 아름다움 Fernanda Olivier에 대한 그의 사랑으로 조명되었습니다. 그 소녀는 주인과 같은 집에 살았습니다. 질투심이 많은 피카소는 자신의 보물을 보호하기 위해 문에 자물쇠를 걸었습니다. 그의 팔레트에는 투명하고 밝은 색상이 등장했습니다.
"분홍색" 기간은 서커스에 대한 파블로의 열정을 반영합니다. 할리퀸과 거리 체조 선수는 그가 가장 좋아하는 캐릭터입니다. 미니어처 체조 선수는 회전하는 공 위에 서서 균형을 유지하고 싶어합니다. 그녀는 자신의 민첩성과 우아함 옆에 앉아 있는 남자를 보여주며 자신의 성공에 깊은 인상을 받았습니다("Girl on a Ball"). 그림에는 진정한 마법의 속성이 있습니다. 단 하나의 세부 사항도 제외할 수 없습니다. 그렇지 않으면 전체 구성이 무너집니다.
기하학적 개체와 인물의 조합입니다. 1906년에 예술가의 스타일이 극적으로 바뀌었습니다. "Les Demoiselles d'Avignon"에서 거장은 날카로운 각도로 부서진 기하학적 볼륨으로 인물을 구성하여 완전히 새로운 현실을 창조했습니다. 대중과 피카소의 친구들은 충격을 받았습니다. 그러나 이 작품은 입체파로 나아가는 중요한 단계라 불릴 것이다. 고급 에스페란토는 소위 이 장르로 단계적으로 발전되었습니다.
"세잔" 무대는 회색, 갈색, 녹색 톤("부채를 든 여자")이 특징이며 이미지는 기하학적 도형의 병치를 기반으로 합니다. "분석적" 입체파는 말 그대로 이미지를 여러 부분으로 "분할"합니다. 캔버스는 사람의 모습이 비친 깨진 유리 조각과 비슷합니다("앙브루아즈 볼라르의 초상"). "합성" 입체파("바이올린과 기타")는 장식성과 대비로 구별됩니다. 청중이 피카소의 아이디어 대부분을 거부했음에도 불구하고 그의 그림은 잘 팔렸습니다.
팬을 들고 있는 여인 앙브루아즈 볼라르 바이올린과 기타의 초상화
1917년에 예술가는 파리에서 열리는 디아길레프 발레단 공연을 위한 세트와 의상을 만드는 새로운 분야에 손을 대기로 결정했습니다. 올가 코클로바(Olga Khokhlova)는 발레단에서 춤을 추었고, 자랑스러운 자세를 가졌으며, 귀족적으로 세련되고 접근하기 어려운 사람이었습니다(“의자에 앉은 올가의 초상”). 열정적으로 사랑에 빠진 파블로는 사랑하는 사람과 결혼했습니다. 올가는 보헤미안 남편을 더욱 세련되게 만들려고 노력했습니다. 그러나 곧 그들은 완전히 다른 사람들이었다는 것이 밝혀졌습니다. 아들의 탄생조차도 죽어가는 관계를 구하지 못했습니다.
글쎄, 1927 년부터 금발 여성의 이미지 ( "꿈")가 작가의 캔버스에 나타나기 시작했습니다. Marie-Therese Walter의 열정은 초현실적인 방식으로 자신을 표현하려는 시도와 일치했습니다. 가족의 스캔들과 마리 테레즈와의 다툼 - 피카소는 이 고르디우스의 매듭을 단번에 끊어 두 여성을 남겨 두었습니다.
아방가르드 사진가인 도라 마르(Dora Maar)는 예술가에게 지적 배출구를 제공했습니다. 그녀는 전시 사건에 대한 주인의 반응인 유명한 삼부작 "게르니카"를 만드는 전체 과정을 촬영했습니다. 도라는 수년 동안 피카소의 메인 모델이 되었습니다.
파블로는 젊은 예술가 프랑수아즈 질로(“Joy of Life”)와 함께 인생의 진정한 기쁨을 배웠습니다. 독립적이고 자유를 사랑하는 그녀는 예술가에게 아들 클로드와 딸 팔로마를 주었지만 그와 함께할 수는 없었습니다.
주인의 마지막 동반자이자 두 번째 공식 아내인 재클린 록(Jacqueline Rock)은 그를 “몬시뇰”이라고 부르며 그의 손에 키스했습니다. 피카소의 후기 작품 중 최고의 작품 중 하나는 '키스'입니다. 그것에 관한 모든 것이 과장되게 큽니다. 여자는 사랑하는 남자를 신뢰하는 마음으로 붙잡고 자신이 사랑하는 모습을 들여다보았습니다.
의자에 앉아 있는 올가의 초상 꿈의 삶의 기쁨 키스
피카소가 자신의 뮤즈를 사랑했는지 아니면 사랑에 대한 열정을 착각했는지에 대해 오랫동안 논쟁을 벌일 수 있습니다. 한 가지는 분명합니다. 세계 예술에 있어서 그 중요성을 과대평가하기 어려운 천재의 귀중한 유산을 남기기 위해서는 그 모든 것이 필요했습니다. 이것은 50,000개의 그림, 조각, 도자기 및 그림입니다. 이러한 창조적인 에너지는 세계 회화의 풍경을 완전히 바꾸어 놓았고, 피카소는 생전에 20세기의 천재로 인정받았습니다.
파블로 피카소의 삶에서 흥미로운 사실
파블로는 태어날 때 죽은 것으로 간주되었습니다. 아이는 너무 약하게 태어났습니다. 어머니는 출산이 매우 어려웠고 이는 상속인에게 영향을 미칠 수밖에 없습니다. 조산사는 심지어 아기가 사산되었다는 슬픈 소식을 아기 엄마에게 알리러 갔습니다. 그러나 피카소 삼촌은 시가를 좋아했고 심지어 담배를 피우는 시가를 입에 물고 "죽은" 조카가 누워 있는 방에 들어가기도 했습니다. 삼촌은 두 번 생각할 것도 없이 연기를 아기 얼굴에 불어넣었고 아기는 울면서 반응했습니다. 당연히 그 이후 그는 더 이상 죽은 것으로 간주되지 않았습니다.
소년이 처음으로 말한 단어는 "PIZ"였습니다. 이는 "LAPIZ"(스페인어로 "연필")의 약자입니다. 예술가인 파블로의 아버지는 7세부터 아들을 예술가로 키우기 시작했습니다. 그러나 피카소의 아버지는 아들이 13세가 되자 직업을 포기하겠다고 다짐했습니다. 그는 이미 아버지(그런데 미술 교수)를 능가했습니다.
작가는 아홉 살 때 처음으로 그림을 그렸는데, 그 그림은 투우에 참가하는 말을 탄 사람의 모습이었습니다. 이미 15세에 피카소는 그의 첫 번째 걸작, 즉 제단에 있는 그의 친척들을 묘사한 그림을 만들었습니다.
작가는 어릴 때부터 화를 잘 냈고 끊임없이 벌을 받았습니다. 작가의 기질은 나이가 들수록 점점 기이해졌지만 그의 재능은 사라지지 않고 더욱 밝아졌다.
피카소는 파리의 그림 판매자인 Pere Menach와 계약을 체결하여 그의 첫 번째 진지한 작품을 받았습니다. 이로 인해 그에게 150프랑(현대 화폐로 환산하면 약 750달러)이 생겼습니다.
1909년에 젊은 피카소와 그의 친구는 입체파를 발명했습니다. 이름을 생각해낸 사람은 아니지만 피카소의 그림이 큐브로 가득 차 있다는 것을 알아차린 프랑스 평론가였습니다.
피카소는 엄청난 부자였고, 15억 달러 상당의 부동산만 남겼습니다. 그의 그림은 정말 귀중합니다. 이제 파블로 피카소의 일부 작품은 수억 달러의 가치가 있습니다.
서지
Kostenevich A. "Dryad". 피카소 그림의 기원과 의미 // 역사, 문학, 예술 게시판. 역사언어학과 과학 RAS. M.: 컬렉션; 과학. T. 1. 2005. pp. 118-131.
파블로 피카소. 시.
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M., Nadezhdin N. Ya. Pablo Picasso: "게르니카의 불꽃": 전기 이야기. - 2판. - M .: 소령, Osipenko, 2011. - 192 p. -(시리즈 "비공식 전기"). - 2000부.
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2017년 4월 24일 18:43 · 파블로폭스 · 1 700
피카소의 가장 유명한 그림
파블로 피카소는 20세기의 천재로 인정받았고, 그의 캔버스는 알아볼 수 있으며, 그의 스타일은 다른 화가들과 혼동하기 어렵습니다. 작가의 작품에서 가장 좋아하는 주제 중 하나는 서커스와 그 캐릭터였습니다. 주인은 진정한 화가는 렘브란트, 조토이고 그는 단지 광대일 뿐이라고 반복하기를 좋아했습니다. 피카소의 가장 유명한 그림엄청난 돈에 팔렸지만 작가 자신은 그림을 개인 일기와 같은 것으로 여겼습니다. 거의 100년에 달하는 긴 생애 동안 그는 창조를 멈추지 않았습니다.
10. 공 위의 소녀
"공 위의 소녀", 1905년에 그려진 피카소의 가장 전설적인 그림 중 하나는 파리로 이주한 예술가의 장미 시대 초기로 거슬러 올라갑니다. 주인의 작품에는 연한 분홍색, 빨간색, 칙칙한 진주, 바람이 잘 통하는 새로운 색조가 등장하여 새 기간을 이전 기간 (파란색)과 구별합니다. 분위기도 변합니다. 이전에 선택한 주제가 슬프고 문제가 있었다면 이제는 단순한 기쁨과 삶의 즐거움의 동기가 나타납니다. 그림 "공 위의 소녀"는 공 위의 곡예사의 가벼움, 여성성, 유연성, 우아함과 큐브 위의 운동선수의 안정성, 강인함, 남성성이라는 대조를 바탕으로 제작되었습니다. 두 아티스트 모두 배경과 대조됩니다. 소녀는 언제든지 공에서 내리거나 더 멀리 움직일 것입니다. 반면 외로운 말이 있는 슬픈 풍경은 오랫동안 변하지 않을 것이며 아마도 전혀 변하지 않을 것입니다.
9. 압생트 술꾼
« 압생트 연인" -피카소의 가장 감각적인 그림 중 하나는 1901년에 그린 것으로, 그 주제는 유행하는 보헤미아 사람들이 가장 좋아하는 음료인 압생트였습니다. 이 작품의 인상은 매우 고통스럽기는 하지만 훌륭하게 선택된 색상 팔레트에 주목하지 않을 수 없습니다. 대조되는 색상은 주인공의 내부 투쟁, 외부 세계와의 투쟁, 모순 및 그 과정에서 발생하는 어려움을 표현합니다. 그림 속의 이미지는 고독과 버림의 냄새가 나고, 부서진 듯 각이 져 있으며, 포즈는 구속되어 있고, 지나치게 큰 오른손은 여성을 세상으로부터 울타리를 치고 고독과 보호를 추구하는 것처럼 보인다. 그리고 등장인물의 입가에 살짝 비꼬는 미소만이 이 여인이 아직 살아있음을 말해줍니다.
8. 아비뇽 소녀들
"아비뇽의 소녀들" 1907년에 그려진 이 그림은 입체파의 가장 전형적인 예 중 하나입니다. 유연한 여성의 몸을 묘사해야 하는 경우 입체파는 완전히 부적절해 보이지만 피카소는 캔버스를 볼 때 불협화음이 느껴지지 않는 방식으로 이를 수행합니다. 소녀들의 무릎, 얼굴, 가슴이 각진 모습으로 묘사되어 있음에도 불구하고 우리 앞에는 사랑의 여사 제들이 있다는 것을 이해합니다. 그들의 프로토타입은 바르셀로나 아비뇽 지역의 매춘업소에서 온 실제 소녀들이었습니다. 처음에는 그림에 죽음을 의인화하는 다른 이미지도 포함될 예정이었지만 나중에 작가는 다산의 상징으로 여성과 과일의 이미지만 남겼습니다. 여기서 문제는 주제나 묘사된 내용에 있는 것이 아니라 그것이 묘사되는 형태와 방식에 있습니다.
7. 세 명의 음악가
피카소의 유명한 그림 "세 명의 음악가"입체파 스타일로 쓰여졌습니다. 광대 같은 예복을 입은 음악가들만이 아니라 클라리넷을 연주하는 기욤 아폴리네르, 아코디언을 연주하는 막스 제이콥, 바이올린을 연주하는 자신을 상징적으로 표현한 작가다. 캐릭터들은 캔버스 위에 따로따로 붙여진 듯하고, 몸의 윤곽은 공간 속에서 움직이는 듯해 이미지에 볼륨감과 역동성을 부여한다. 명백한 단순성, 아플리케와의 유사성 및 작은 색상 팔레트에도 불구하고 이 그림은 의심할 여지 없이 뛰어난 예술 작품입니다.
6. 블루 누드
"블루 누드" -이 그림은 그의 초기 그림(1902) 중 하나임에도 불구하고 피카소의 가장 유명한 캔버스 중 하나로 간주될 수 있습니다. <블루 누드>는 제목과 한 눈에 봐도 쉽게 짐작할 수 있듯이 거장의 작품 중 블루 시대에 속한다. 작가가 원했는지 여부에 관계없이 작가가이 작품을 통해 무엇을 전달하고 싶었는지 말하기는 어렵습니다. 태아 자세의 여성의 모습이 시청자에게 등을 대고 앉아 있습니다. 색상과 자세를 통해서만 문자 그대로뿐만 아니라 비유적인 의미에서도 절망, 절망, 외로움, 과도한 노출의 그늘을 인식할 수 있습니다.
5. 고양이와 함께 있는 도라 마르
"고양이와 함께 있는 도라 마르."예술가는 도라 마르(Dora Maar)와 10년 동안 활기차고 열정적인 관계를 유지했으며, 그녀는 한 번 이상 그의 뮤즈였습니다. 도라는 부드럽고 연약하다고 할 수 없으며 그녀의 여성 성은 신비함, 힘, 비범 한 에너지에 있습니다. 작가는 아마도 피카소의 가장 잘 알려진 그림인 이 그림에 이 에너지를 쏟았습니다. 모자를 쓴 여성과 날카로운 파란색 손톱은 무의식적으로 고양이 가족 대표와의 연관성을 불러 일으키며 독립성과 반항적 인 성향을 발산합니다. 코, 입, 눈이 변형되어 옆모습과 정면으로 묘사된 얼굴은 아름답다고 할 수는 없지만 잊기 어렵습니다. 여성의 어깨 위에 있는 작은 검은 고양이의 이미지는 도라 마르의 성격의 밝기, 즉 공격성을 강조할 뿐입니다.
4. 앉은 여자. 마리아 테레사 월터
« 앉아있는 여자. 마리아 테레즈 월터" -피카소의 가장 유명한 그림 중 하나는 또 다른 뮤즈인 마리아 테레사 월터(Maria Theresa Walter)에게서 영감을 받았습니다. 여성 인물은 거의 캔버스 전체를 차지하고 있으며 윤곽선은 무겁고 거칠며 각진 형태입니다. 벌거벗은 여자의 얼굴은 깊은 사려 깊음을 표현합니다. 피카소는 해부학과 인체의 사실적인 묘사를 의도적으로 잊어버리면서 여성 본성의 다재다능함을 보여주기 위해 노력합니다.
3. 게르니카
"게르니카"주로 정치적 의미 때문에 피카소의 그림 중 가장 잘 알려진 그림입니다. 이 그림을 통해 주인은 내전 당시 나치가 게르니카(스페인)를 폭격한 것을 반대하는 말을 할 뿐만 아니라, 모든 비극과 고통을 안고 있는 전쟁 전반의 이미지를 묘사하고 있다. 캔버스에서는 육체적 고통, 상실감, 파괴, 죽음의 냄새가 납니다. 사람 이미지의 모든 스케치에도 불구하고 그들 각자에게는 강한 감성이 부여됩니다.
2. 거울 앞의 소녀
"거울 앞의 소녀"- 피카소의 또 다른 매우 인기 있는 작품은 이미 친숙한 마리아 테레사 월터에게서 영감을 받은 것입니다. 그림의 주요 아이디어는 소녀가 거울에서 자신의 모습을 정확하게 보는 것이 아니라 다른 세상의 것과 다른 것을 본다는 것입니다. 밝고 대비되는 색상은 자연의 모호함을 강조합니다. 마리아 테레사(Maria Teresa)는 변형되고 왜곡되고 밝은 색조로 칠해진 거울 속에서 그녀의 진정한 본성을 보고 자신의 새로운 면을 찾는 것 같습니다.
1. 오래된 기타리스트
"늙은 기타리스트". 피카소의 가장 잘 알려진 작품은 대부분 청색 시대의 창의성에 쓰여진 작품입니다. 이 사진은 이에 대한 가장 명확한 예입니다. 이는 예술가의 친구인 카를로스 카사게마스(Carlos Casagemas)의 자살에서 영감을 받았습니다. 차가운 파란색은 우울, 좌절, 위축을 표현하고, 기타리스트는 커다란 갈색 기타를 쥐고 웅크리고 압축된 모습을 하고 있습니다. 악기의 크기와 색상은 음악이 잔인한 세상의 문제에서 벗어나 가난과 실명을 잊는 방법임을 상징적으로 나타냅니다.
그 밖의 볼거리:
파블로 피카소라는 이름을 모르는 사람은 지구상에 거의 없습니다. 큐비즘의 창시자이자 다양한 스타일의 예술가로, 20세기 유럽뿐만 아니라 전 세계의 미술에 영향을 미쳤습니다.
아티스트 파블로 피카소 : 어린 시절과 연구 기간
가장 뛰어난 사람 중 한 명은 1881년 10월 25일 말라가의 머세드 광장에 있는 집에서 태어났습니다. 요즘에는 P. Picasso의 이름을 딴 박물관과 재단이 있습니다. 세례식에서 스페인 전통에 따라 부모는 소년에게 성인의 이름과 가족 중 가장 가깝고 존경받는 친척의 이름을 번갈아 가며 꽤 긴 이름을 부여했습니다. 궁극적으로 그는 처음이자 마지막으로 알려졌습니다. 파블로는 아버지의 성이 너무 단순하다고 생각하여 어머니의 성을 따르기로 결정했습니다. 그림에 대한 소년의 재능과 열정은 어린 시절부터 나타났습니다. 예술가이기도 한 그의 아버지는 그에게 첫 번째이자 매우 귀중한 교훈을 가르쳤습니다. 그의 이름은 호세 루이즈였습니다. 그는 여덟 살 때 첫 번째 진지한 그림 인 "Picador"를 그렸습니다. 파블로 피카소의 작업이 시작된 것은 그녀와 함께였다고 안전하게 말할 수 있습니다. 미래 예술가의 아버지는 1891년 라 코루냐에서 교사로 일하겠다는 제안을 받았으며 가족은 곧 스페인 북부로 이주했습니다. 그곳에서 파블로는 지역 미술 학교에서 1년 동안 공부했습니다. 그런 다음 가족은 가장 아름다운 도시 중 하나인 바르셀로나로 이사했습니다. 어린 피카소는 당시 14세였으며 La Lonja(미술 학교)에서 공부하기에는 너무 어렸습니다. 그러나 그의 아버지는 그가 경쟁적으로 입학 시험을 볼 수 있도록 허락해 주었고, 그는 그것을 훌륭하게 해냈습니다. 4년이 더 지난 후, 그의 부모는 그를 당시 최고의 미술 학교인 마드리드의 "산 페르난도(San Fernando)"에 입학시키기로 결정했습니다. 아카데미에서 공부하는 것은 젊은 재능을 빨리 지루하게 만들었고, 고전적인 표준과 규칙에서 그는 비좁고 심지어 지루함을 느꼈습니다. 따라서 그는 프라도 미술관에 더 많은 시간을 할애하고 그 컬렉션을 연구했으며 1년 후 바르셀로나로 돌아왔습니다. 그의 초기 작업에는 1986년에 그린 그림인 피카소의 "자화상", "첫 영성체"(작가의 여동생 롤라를 묘사함), "어머니의 초상"(아래 그림) 등이 포함됩니다.
마드리드에 머무는 동안 그는 첫 번째 여행을 떠나 모든 박물관과 위대한 거장의 그림을 공부했습니다. 그 후 그는 이 세계 예술의 중심지에 여러 차례 왔고 1904년에는 영구적으로 이사했습니다.
"파란색" 기간
이 시기는 여전히 외부의 영향을 받는 그의 개성이 피카소의 작품에서 드러나기 시작하는 시기라고 볼 수 있다. 이것은 잘 알려진 사실입니다. 창의적인 사람들의 재능은 어려운 삶의 상황에서 가장 분명하게 나타납니다. 이것이 바로 현재 전 세계적으로 그의 작품이 알려진 파블로 피카소에게 일어난 일입니다. 이륙은 절친한 친구인 카를로스 카사게마스의 죽음으로 인한 오랜 우울증 끝에 도발되어 발생했습니다. 1901년 볼라르가 주최한 전시회에서 작가의 작품 64점이 출품됐지만 당시에는 여전히 관능미와 밝음이 넘쳐 인상파의 영향이 뚜렷이 느껴졌다. 그의 작품의 "청색"시기는 점차적으로 정당한 권리를 갖게되었으며, 인물의 엄격한 윤곽과 이미지의 3차원 성 상실, 예술적 관점의 고전적 법칙에서 벗어나는 것으로 나타났습니다. 그의 캔버스의 색상 팔레트는 파란색을 강조하면서 점점 더 단조로워지고 있습니다. 이 시기의 시작은 1901년에 그린 '제이미 사바르테스의 초상'과 피카소의 자화상으로 볼 수 있다.
"청색" 시대의 그림
이 시기 스승의 키워드는 외로움, 두려움, 죄책감, 고통이었다. 1902년에 그는 다시 바르셀로나로 돌아왔지만 그곳에 머물 수는 없었다. 카탈로니아 수도의 긴장된 상황, 사방의 빈곤, 사회적 불의는 대중의 불안을 초래하고 점차 스페인 전체뿐만 아니라 유럽을 휩쓸었습니다. 아마도 이런 상황은 올해도 열심히 열심히 일하는 작가에게도 영향을 미쳤을 것입니다. 고국에서는 "두 자매 (날짜)", "소년과 함께하는 늙은 유대인", "비극"(위 캔버스 사진), "생명"과 같은 "청색"시대의 걸작이 만들어졌습니다. 죽은 카사게마스가 다시 등장합니다. 1901년에는 <압생트 마시는 사람>이라는 그림도 그려졌다. 이는 프랑스 예술의 특징이었던 "악랄한" 캐릭터에 대한 당시 대중적 매력의 영향을 추적합니다. 압생트라는 주제는 많은 그림에 등장합니다. 무엇보다도 피카소의 작품은 드라마로 가득 차 있습니다. 특히 자신을 방어하려는 듯한 여성의 비대해진 손이 인상적이다. 현재 "The Absinthe Lover"는 혁명 후 S.I. Shchukin의 피카소 작품 (51 작품)의 개인적이고 매우 인상적인 컬렉션에서 가져온 Hermitage에 보관되어 있습니다.
다시 스페인으로 갈 기회가 생기자마자 그는 그것을 이용하기로 결심하고 1904년 봄에 스페인을 떠났습니다. 그곳에서 그는 그의 창의성에 새로운 단계를 불러일으키는 새로운 관심, 감각 및 인상을 만나게 되었습니다.
"핑크" 기간
피카소의 작품에서 이 단계는 1904년(가을)부터 1906년 말까지 비교적 오랜 시간 동안 지속되었으며 완전히 동질적이지는 않았습니다. 이 시대의 대부분의 그림은 밝은 색상 범위, 황토색, 진주 회색, 붉은 분홍색 톤으로 표시됩니다. 특징은 배우, 서커스 공연자, 곡예사, 운동 선수 등 예술가의 작업에 대한 새로운 주제의 출현과 그에 따른 지배력입니다. 물론, 그 자료의 압도적인 대부분은 그 당시 몽마르트르 기슭에 있던 메드라노 서커스(Medrano Circus)에 의해 그에게 제공되었습니다. 밝은 연극 환경, 의상, 행동, 다양한 유형은 P. Picasso를 비록 변형되었지만 실제 형태와 볼륨, 자연 공간의 세계로 되돌려 놓은 것처럼 보였습니다. 그의 그림 속 이미지는 창의성의 '청색' 단계의 캐릭터와는 대조적으로 다시 감각적이고 생기와 밝기로 가득 차게 되었습니다.
파블로 피카소 : "핑크"시대의 작품
새로운 시대의 시작을 알리는 그림은 1905년 겨울 말 Serurrier 갤러리에서 처음 전시되었습니다. 이들은 "Seated 누드"와 "배우"입니다. '핑크' 시대의 걸작으로 인정받은 작품 중 하나는 '개그맨 가족'(위 사진)입니다. 캔버스는 높이와 너비가 2m가 넘는 인상적인 크기를 가지고 있습니다. 푸른 하늘을 배경으로 서커스 공연자들의 모습이 그려져 있는데, 오른쪽의 할리퀸은 피카소 자신이라는 것이 일반적으로 받아들여지고 있다. 모든 캐릭터는 정적이며 그들 사이에 내부 친밀감이 없으며 각각은 전체 "핑크"시대의 주제인 내부 외로움에 묶여 있습니다. 또한 Pablo Picasso의 "Woman in a Shirt", "Toilet", "Boy Leading a Horse", "Acrobats"등의 작품에 주목할 가치가 있습니다. 엄마와 아들', '염소를 안고 있는 소녀'. 그들 모두는 작가의 그림에서는 보기 드문 아름다움과 평온함을 관객에게 보여줍니다. 1906년 말 피카소가 스페인을 여행하다가 피레네 산맥의 작은 마을에 도착했을 때 창의성에 대한 새로운 원동력이 생겼습니다.
아프리카 창조 시대
P. Picasso는 Trocadero Museum의 주제별 전시회에서 처음으로 고대 아프리카 예술을 접했습니다. 그는 자연의 위대한 힘을 구현하고 가장 작은 세부 사항과는 거리가 먼 원시 형태의 이교도 우상, 이국적인 가면 및 인형에 깊은 인상을 받았습니다. 작가의 이데올로기는 이 강력한 메시지와 일치했고, 그 결과 그는 영웅들을 단순화하여 돌 우상처럼 기념비적이고 날카롭게 만들기 시작했습니다. 그러나이 스타일의 첫 번째 작품은 1906 년에 나타났습니다. 이것은 작가 파블로 피카소의 초상화입니다. 그는 그림을 80 번 다시 썼고 이미 그녀의 이미지를 고전적인 스타일로 구현할 가능성에 대한 믿음을 완전히 잃었습니다. . 이 순간은 자연을 따르는 것에서 형태의 변형으로의 전환기라고 할 수 있습니다. "Nude Woman", "베일과의 춤", "Dryad", "우정", "선원의 흉상", "자화상"과 같은 그림을 살펴보십시오.
그러나 아마도 피카소 작품의 아프리카 무대에서 가장 눈에 띄는 예는 주인이 약 1년 동안 작업한 그림 "Les Demoiselles d'Avignon"(위 사진)일 것입니다. 그것은 예술가의 창작 경로의 이 단계를 정점으로 하고 예술 전체의 운명을 크게 결정했습니다. 이 그림은 그려진 지 불과 30년 만에 처음 출판되었고 아방가르드의 세계로 향하는 열린 문이 되었습니다. 파리의 보헤미안 서클은 말 그대로 "찬성"과 "반대"라는 두 개의 진영으로 나뉩니다. 이 그림은 현재 뉴욕 현대미술관에 보관되어 있다.
피카소의 작품에 나타난 입체주의
이미지의 독창성과 정확성 문제는 입체파가 터지는 순간까지 유럽 미술에서 가장 먼저 남아있었습니다. 많은 사람들은 예술가들 사이에서 발생한 질문이 개발의 원동력이라고 생각합니다. "왜 그림을 그리는가?" 20세기 초에는 눈에 보이는 것에 대한 신뢰할 수 있는 이미지를 거의 누구에게나 가르칠 수 있었고, 사진은 문자 그대로 사진의 뒤를 이어 다른 모든 것을 완전히 대체하겠다고 위협했습니다. 시각적 이미지는 믿을 수 있을 뿐만 아니라 접근 가능하고 쉽게 복제됩니다. 이 경우 파블로 피카소의 입체파는 창작자의 개성을 반영하여 외부 세계에 대한 그럴듯한 이미지를 버리고 완전히 새로운 가능성과 인식의 경계를 열어줍니다.
초기 작품으로는 "냄비, 유리 및 책", "목욕", "회색 주전자에 담긴 꽃다발", "테이블 위의 빵과 과일 그릇"등이 있습니다. 캔버스는 작가의 스타일이 어떻게 변화하고 있는지 명확하게 보여줍니다. 이 기간(1918-1919)이 끝날 무렵에는 점점 더 추상적인 특징을 갖게 됩니다. 예를 들어 "Harlequin", "Three Musicians", "Still Life with a Guitar"(위 그림) 등이 있습니다. 관객이 거장의 작품과 추상화주의를 연관시키는 것은 피카소에게 전혀 적합하지 않았으며 그림의 감정적 메시지와 숨겨진 의미가 그에게 중요했습니다. 궁극적으로, 자신이 창조한 입체파 스타일은 점차 예술가에게 영감과 관심을 주지 않게 되었고, 창의성의 새로운 트렌드를 위한 길을 열었습니다.
고전 시대
20세기의 두 번째 10년은 피카소에게 꽤 힘든 시기였습니다. 따라서 1911년은 루브르 박물관에서 도난당한 인형 이야기로 표시되었는데, 이는 예술가를 최고의 빛으로 보여주지 못했습니다. 1914년에 피카소는 오랜 세월 동안 이 나라에 거주했음에도 불구하고 제1차 세계 대전에서 프랑스를 위해 싸울 준비가 되어 있지 않았음이 분명해졌으며, 이로 인해 피카소는 많은 친구들과 헤어졌습니다. 그리고 다음 해에 그의 사랑하는 Marcelle Humbert가 사망했습니다.
가독성, 비유성, 예술적 논리로 다시 가득 찬 그의 작품에서 더욱 현실적인 파블로 피카소의 복귀는 많은 외부 요인의 영향도 받았습니다. 고대 예술에 흠뻑 젖게 된 로마 여행, 디아길레프 발레단과의 소통, 곧 예술가의 두 번째 아내가 된 발레리나 올가 코클로바와의 만남도 포함됩니다. 어떤 면에서는 실험적인 성격을 지닌 그녀의 1917년 초상화는 새로운 시대의 시작이라고 볼 수 있습니다. 러시아 발레 파블로 피카소는 새로운 걸작 창작에 영감을 주었을 뿐만 아니라 사랑하는 오랫동안 기다려온 아들에게도 영감을 주었습니다. 이 시대의 가장 유명한 작품: "Olga Khokhlova"(위 사진), "Pierrot", "주전자와 사과가 있는 정물", "Sleeping Peasants", "Mother and Child", "Women Running on the Beach", “세 가지 은혜” .
초현실주의
창의성의 분할은 그것을 선반으로 분류하고 특정 (문체, 시간) 틀에 집어 넣으려는 욕구에 지나지 않습니다. 그러나 세계 최고의 박물관과 갤러리를 장식하는 파블로 피카소의 작품에 대한 이러한 접근 방식은 매우 조건부라고 할 수 있습니다. 연대기를 따라가면 작가가 초현실주의에 가까웠던 시기는 1925~1932년이다. 주인의 작업의 모든 단계에서 뮤즈가 붓의 주인을 방문했고 O. Khokhlova가 그의 캔버스에서 자신을 인식하고 싶었을 때 신고전주의로 변한 것은 전혀 놀라운 일이 아닙니다. 그러나 창조적 인 사람들은 변덕스럽고 곧 지인 당시 겨우 17 세였던 젊고 매우 아름다운 마리아 테레사 월터가 피카소의 삶에 들어 왔습니다. 그녀는 여주인 역할을 할 운명이었고 1930년에 예술가는 노르망디에 성을 구입하여 그녀의 집이자 그를 위한 작업장이 되었습니다. 마리아 테레사(Maria Teresa)는 파블로 피카소(Pablo Picasso)가 죽을 때까지 우호적인 서신을 유지하면서 창작자의 창의적이고 사랑스러운 던지기를 꾸준히 견디는 충실한 동반자였습니다. 초현실주의 시대 작품: '댄스', '의자 위의 여인'(아래 사진), '목욕', '해변의 누드', '드림' 등
제2차 세계 대전 기간
1937년 스페인 전쟁 당시 피카소의 동정심은 공화당의 몫이었다. 같은 해 이탈리아와 독일의 항공기가 바스크 지방의 정치, 문화 중심지인 게르니카를 파괴했을 때, 파블로 피카소는 단 두 달 만에 폐허가 된 도시를 같은 이름의 거대한 캔버스에 그려냈습니다. 그는 말 그대로 그의 창의성에 영향을 미칠 수밖에 없었던 유럽 전체를 위협하는 위협에 대한 공포에 사로잡혔습니다. 감정은 직접적으로 표현되지 않았지만 어조, 우울함, 괴로움, 풍자 등으로 구체화되었습니다.
전쟁이 종식되고 세상이 상대적인 균형을 이루고 파괴된 모든 것을 복원한 후 피카소의 작품은 더욱 행복하고 밝은 색상을 얻었습니다. 1945~1955년에 그린 그의 캔버스는 지중해풍의 느낌을 주며 매우 분위기 있고 부분적으로 이상주의적입니다. 동시에 그는 도자기 작업을 시작하여 많은 장식용 주전자, 접시, 접시 및 인형을 만들었습니다 (위 사진 참조). 그의 생애 마지막 15년 동안 제작된 작품들은 스타일과 품질이 매우 고르지 않습니다.
20세기 가장 위대한 예술가 중 한 명인 파블로 피카소가 프랑스에 있는 자신의 별장에서 91세의 나이로 사망했습니다. 그는 자신이 소유한 Vovenart 성 근처에 묻혔습니다.
), 전체 이름 Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso(스페인어) 파블로 디에고 호세 프란시스코 데 파울라 후안 네포무세노 마리아 데 로스 레메디오스 치프리아노 데 라 산티시마 트리니다드 순교자 파트리시오 루이스와 피카소 들어보세요)) - 스페인 예술가, 조각가, 그래픽 아티스트, 도예가 및 디자이너.
전문가들은 피카소를 가장 "비싼" 예술가라고 불렀습니다. 공식적인그의 작품 판매량은 2억 6200만 장에 달했다.
첫 번째 작품
피카소는 어린 시절부터 그림을 그리기 시작했고, 미술 교사인 아버지 J. 루이즈(J. Ruiz)로부터 미술 기술에 대한 첫 수업을 받았고 곧 완벽하게 마스터했습니다. 8살 때 그는 처음으로 진지한 유화를 그렸습니다. 기마 투우사, 그는 평생 동안 헤어지지 않았습니다.
피카소는 라 코루냐(-)의 미술 학교에서 공부했습니다. 2006년 바르셀로나 미술대학에 입학했다. 먼저 그는 아버지의 이름으로 서명합니다. 루이즈 블라스코, 그러나 어머니의 성을 선택합니다. 피카소. 9월에 그는 10월에 산 페르난도 아카데미 대회가 열리는 마드리드로 떠납니다.
과도기의 작품 - "파란색"에서 "분홍색"으로 - "공 위의 소녀"(1905, 모스크바 미술관).
로마인들이 퍼레이드를 준비하는 동안 피카소는 그의 첫 아내가 된 발레리나 올가 코클로바(Olga Khokhlova)를 만났습니다. 그 해 2월 12일, 그들은 파리의 한 러시아 교회에서 결혼식을 올렸고, 장 콕토, 막스 자코브, 기욤 아폴리네르가 그들의 결혼식에 증인으로 참석했습니다. 그들의 아들 폴이 태어난다(2월 4일).
전후 파리의 행복하고 보수적 인 분위기, Picasso와 Olga Khokhlova와의 결혼, 예술가의 사회 성공-이 모든 것이 Picasso가 뚜렷한 입체파 정물화를 계속 그렸기 때문에 일시적이고 상대적인 비유성으로의 복귀를 부분적으로 설명합니다. 시간 (“만돌린과 기타”, 1924). 여자 거인과 목욕하는 사람의 순환과 함께 "폼페이안" 스타일에서 영감을 받은 그림("백인의 여성", 1923), 그의 아내("올가의 초상화", 파스텔, 1923)와 아들("폴 인 더 폴")의 수많은 초상화 피에로의 의상')은 약간 고전적인 성향과 패러디로 당시의 아방가르드를 다소 당황하게 만들었음에도 불구하고 작가가 쓴 가장 매혹적인 작품 중 하나입니다.
초현실주의
피카소는 모든 나라의 예술가들에게 엄청난 영향을 미쳤고, 20세기 미술계에서 가장 유명한 거장 중 한 명이 되었습니다.
갤러리
누구나 파블로 피카소(Pablo Picasso)에 대해 들어본 적이 있을 것입니다. 그는 유명한 스페인 예술가일 뿐만 아니라 조각가, 그래픽 예술가, 도예가, 연극 예술가, 시인 및 극작가이기도 합니다. 그의 세례명은 Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz Clito Picasso라는 23개의 단어로 구성되어 있습니다. 여러 성인과 친척의 이름을 따서 명명되었다고 합니다. 파블로는 10세의 어린 나이에 투우 중에 말을 타는 남자를 묘사한 "노란 기마 투우사"라는 제목의 첫 번째 그림을 완성하면서 그의 보기 드문 재능을 보여주었습니다. 파블로 피카소는 평생 동안 세상을 경외하게 만드는 많은 걸작을 썼습니다. 우리 목록에는 가장 유명한 것들이 나열되어 있습니다.
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10늙은 기타리스트
이 그림은 피카소의 친구 카를로스 카사게마스가 자살한 후 1903년에 그려졌습니다. 이때 작가는 운명과 가난으로 인해 넘어지고 굴욕을 당하는 사람들을 이해심으로 대한다. 이 그림은 마드리드에서 제작되었으며 왜곡된 스타일이 사용되어 엘 그레코를 연상시킵니다. 커다란 갈색 기타를 들고 있는 구부러진 시각 장애인을 보여줍니다. 브라운 색상은 사진의 전체적인 색상 구성을 뛰어넘습니다. 사실뿐만 아니라 상징적으로도 기타는 실명과 가난에도 불구하고 음악에 완전히 자신을 바친 노인 주변의 전체 공간을 채 웁니다.
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9거울 앞의 소녀
1932년 3월에 그린 그림에서 우리는 피카소의 프랑스 여주인 마리 테레즈 월터(Marie Therese Walter)의 이미지를 봅니다. 이 그림의 스타일을 큐비즘이라고 합니다. 큐비즘의 아이디어는 사물을 가져와 더 간단한 부분으로 나눈 다음 다양한 관점에서 동일한 부분을 캔버스에 다시 만드는 것입니다. <거울 앞의 소녀>에서는 허영심의 이미지를 생각해 볼 수 있다. 그림은 언뜻 보면 매우 단순해 보이지만, 자세히 살펴보면 그림의 모든 부분에서 다양한 심오한 상징들을 발견할 수 있습니다.
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8게르니카
아마도 피카소의 가장 유명한 그림 중 하나일 것입니다. 이는 평범한 사진일 뿐만 아니라 강력한 정치적 발언이기도 하다. 여기에서 작가는 스페인 남북전쟁 중 바스크 마을 게르니카에 대한 나치의 폭격을 비판합니다. 높이 3.5m, 길이 7.8m에 달하는 이 그림은 전쟁에 대한 강력한 고발장이다. 사용된 그림 스타일은 목가적인 것과 서사적인 것을 흑백으로 조합한 것입니다. 게르니카는 전쟁의 비극과 민간인의 고통을 치밀하게 묘사한 작품이다.
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7세 명의 음악가
그림의 제목은 피카소가 1921년 파리 근처 퐁텐블로에서 완성한 연작의 제목을 요약한 것입니다. 이것은 크기가 다소 큰 그림입니다. 너비와 높이가 2m가 넘습니다. 그것은 예술 작품을 일련의 평면, 선 및 호로 바꾸는 입체파의 합성 스타일을 사용합니다. 이 제목 아래의 각 그림은 할리퀸, 피에로, 수도사를 묘사합니다. 이 세 명의 상징적 영웅은 각각 피카소 자신, 기욤 아폴리네르, 막스 자코브라고 합니다. 아폴리네르와 야콥은 1910년대 피카소의 아주 좋은 친구였습니다. 그러나 일부 역사가들은 『세 명의 음악가』가 마티스와 그의 『피아노 레슨』에 대한 피카소의 뒤늦은 반응이라고 믿습니다.
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6앉아있는 여자. 마리아 테레사 월터
게르니카와 마찬가지로 이 작품도 1937년에 제작되었습니다. 피카소의 뮤즈는 마리아 테레사 월터(Maria Teresa Walter)였으며, 그는 그녀의 차분한 이미지를 많이 만들었습니다. 많은 사람들은 이 그림이 종종 줄무늬를 사용하여 디자인되는 이미지인 카드 놀이의 여왕과 비슷하다고 믿습니다. 작품 역시 빨간색과 녹색의 양극화와 함께 입체파적 스타일로 이루어져 있다.
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5고양이와 함께 있는 도라 마르
1941년 피카소가 그린 이 그림에는 크로아티아인 여주인이 작은 고양이를 어깨에 올려놓고 의자에 앉아 있는 모습이 담겨 있습니다. 도라 마르와의 10년 간의 관계 동안 피카소는 그녀의 초상화를 여러 번 그렸습니다. 도라 자신은 초현실주의 사진가였습니다. 이 그림은 도라 마르의 가장 덜 공격적인 이미지 중 하나이자 세계에서 가장 비싼 그림 중 하나로 간주됩니다. 구성에서 피카소는 세부 사항에 특별한 관심을 보였으며 그 중 많은 부분이 상징적이었습니다.
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4블루 누드
'블루 누드'는 피카소의 초기 걸작 중 하나입니다. 이 그림은 1902년에 그려졌습니다. 이 그림은 피카소의 청색 시대(Blue Period)의 것입니다. 이 기간 동안 피카소는 그의 그림과 스케치에서 창백하고 시원한 파란색을 주요 색상으로 사용했습니다. 청색시대 그의 그림은 대부분 단색을 사용하여 강렬한 감정을 표현하고 있다. "블루 누드"는 태아 자세로 우리에게 등을 대고 앉아 있습니다. 그림은 하위 텍스트를 제공하지 않으며 감정이 명확하지 않습니다.
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3아비뇽 소녀들
이 걸작은 1907년에 그려졌으며 회화에서 입체파의 가장 전형적인 예 중 하나입니다. 그림은 전통적인 구성과 표현을 뛰어 넘습니다. 피카소는 왜곡된 여성의 신체와 기하학적 형태를 혁신적으로 사용합니다. 어떠한 인물도 전통적인 여성성을 표현하지 않았으며, 여성들은 약간 위협적으로 보입니다. 피카소가 이 그림을 완성하는 데 9개월이 걸렸습니다. 이 그림은 또한 아프리카 예술의 영향을 반영합니다.
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2누드, 녹색 나뭇잎과 흉상
1932년에 그려진 이 그림은 다시 피카소의 연인인 마리아 테레즈 월터를 묘사하고 있습니다. 길이와 높이가 약 1.5m에 달하는 캔버스는 하루 만에 완성됐다. 이 그림은 전쟁 기간 동안 피카소의 가장 큰 업적 중 하나로 간주됩니다. 그것은 환상을 만들어내고 매우 섹시한 것으로 간주됩니다.
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1우는 여자
캔버스에 유채로 그린 '울고 있는 여인'은 1937년 피카소가 그린 작품이다. 이 그림은 게르니카에서 묘사된 비극의 주제를 이어받은 것으로 추정된다. 우는 여인의 그림을 통해 피카소는 고통의 인간적 측면에 직접적으로 초점을 맞추며 독특하고 보편적인 이미지를 창조했습니다. 이 그림은 피카소가 항의의 표시로 그린 시리즈를 완성했습니다. 그림의 모델(및 전체 시리즈)은 전문 사진작가로 일했던 Dora Maar였습니다.
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파블로 피카소의 가장 유명한 그림이었습니다. 관심을 가져주셔서 감사합니다.