주변의 현실을 그래픽으로 묘사하는 방식 중 하나가 소위 사실적 방식이다. 이는 작가의 올바른 시각과 현실 인식의 입장을 바탕으로 한다. 현실적인 방법은 그래픽을 사용하여 올바른 규칙과 묘사 방법을 익히는 데 도움이 됩니다. 왜냐하면 그의 무기고에 특정 기술과 능력이 없으면 예술가가 전체 개념을 예술적 이미지로 전달하는 것이 매우 어렵기 때문입니다. 사실적인 방법을 사용하여 만들어진 이미지는 보는 사람에게 이해가 가능함과 동시에 상상을 불러일으킨다. 이미지가 없으면 예술 작품의 이념적 의도와 일반적으로 그 작품에 묘사된 내용을 파악하기가 어렵습니다. 주변 현실을 사실적으로 묘사하는 방법에는 다음과 같은 방법이 포함됩니다. 긴 성격 분석(긴 그리기 방법) 및 짧은 스케치 방법(스케치 방법). 각각을 더 자세히 살펴보겠습니다.
자연을 장기적으로 분석하는 방법에는 공간(즉, 평면)에서 형태를 묘사하는 법칙에 대한 깊고 진지한 연구가 포함됩니다. 이는 자연 형태의 구조적 규칙성, 원근법에 따라 평면에 묘사하는 규칙 및 기술, 광학 및 해부학에 대한 이론적 지식을 기반으로 합니다. 이 모든 것은 예술가가 대상의 외부 기호 뒤에 숨겨진 구조와 특징, 형태 구조의 법칙을 볼 수 있도록 도와줍니다. 그는 의식적으로 자연을 바라보고, 자연의 구조 법칙에 따라 자연을 분석하고 묘사합니다.
현실적인 방법은 사물이나 사물의 형태가 정확하고 표현력 있게 묘사되어야 하며, 묘사된 내용이 보는 사람을 즐겁게 하고 사로잡아야 하며, 직접적으로 자세히 조사한 결과 모든 것이 정확하고 정확하게 묘사되어 있다는 것을 확신시켜 주어야 합니다. 위대한 예술가의 작품을보고 평범한 작품과 비교하기 만하면 언뜻 보면 그 작품이 다소 다르지 않다는 것을 알 수 있습니다. 그러나 자세히 살펴보면 평범한 그림에서는 형태의 이미지가 충분히 설득력이 없어 보이고 비율 위반, 원근 현상 및 인체의 해부학 적 비율 왜곡이 있음을 알 수 있습니다. 반대로, 거장의 작품을 면밀히 살펴보면 물체의 모양에서 시작하여 해부학과 명암 법칙에 이르기까지 이미지 구성의 모든 법칙이 유쾌한 설득력으로 기뻐하기 시작합니다. 뛰어난 예술가의 작품을 보면 볼수록 그 위대한 예술가의 지식과 기술에 감탄하게 됩니다.
사실주의 미술의 방식, 현실을 사실적으로 묘사하는 방식은 학문적 삶의 드로잉 시기에 확립되었다. 첫째, 학생은 자연에서 보는 모든 것을 정확하게 복사한 다음, 작고 중요하지 않은 세부 사항을 의식적으로 버리고 중요한 것에 초점을 맞추고 마침내 자연의 예술적 이미지를 만듭니다. 괴테는 현실을 사실적으로 묘사하는 방법에 대해 다음과 같이 썼습니다. “나는 시적인 목적으로 자연을 생각해 본 적이 없습니다. 나는 그림부터 그리기 시작했고, 자연 현상을 정확하고 명확하게 이해할 수 있도록 과학적으로 연구했습니다. 그래서 조금씩 나는 자연의 가장 작은 세부 사항까지 외워서 배웠고, 시인으로서 이 자료가 필요할 때 모든 것이 내 마음대로 가능했고 진리에 반하여 죄를 지을 필요가 없었습니다.”
작품 속 자연을 설득력 있고 진실하게 묘사하기 위해서는 작가는 자연을 세심하고 철저하게 연구하고, 그것의 가장 특징적인 특징을 주목하고, 강조해야 하며, 작업 기간 동안 모든 것이 전달하려는 의도가 있는지 여러 번 확인해야 한다. 이미지의 내용은 충분히 설득력 있고 정확했습니다. 작가는 자신의 이미지를 자연과 비교하고, 형태의 구조, 공간에서 주어진 사물의 위치, 조명 등을 확인하고 명확하게 함으로써 사실주의 예술의 예술적 이미지에 접근한다. 아티스트는 작곡의 창의적인 개념을 완전히 해결합니다. 이를 위해서는 많은 창의적인 작업과 창의적인 작업 방법에 대한 더 깊고 포괄적인 연구가 필요합니다. 그럼에도 불구하고, 삶에서 그리는 것은 작가의 창작 작업에서 지배적인 역할을 하며 때로는 전체 구성의 추가 솔루션에 영향을 미칩니다. 예를 들어, Savrasov의 그림 "The Rooks Have Arrived"에 대한 구성 솔루션 검색은 자연의 스케치가 예술가의 원래 구성 계획을 점차적으로 어떻게 변경했는지 보여줍니다. 첫째, 작가는 자연에서 처음 본 그림에 대한 구성적 해법을 제시한다. (다른 관점에서) 삶의 새로운 스케치는 예술가에게 구성에 대한 다른 솔루션을 제안합니다. 이제 초점은 자작나무 줄기에 맞춰져 있으며, 이를 위해 작가는 그림의 수직 형식을 늘리고 수평선을 약간 올립니다. 녹은 물이 여전히 전경에 있고, 교회는 정확히 중앙에 위치해 있습니다. 그러나 자연에 대한 추가적인 관찰과 스케치는 작가의 원래 계획을 근본적으로 변화시킵니다. 수평선이 그림 중앙을 지나고, 녹은 물은 오른쪽 아래로 이동하고, 자작나무는 오른쪽으로 이동합니다. 그러나 삶의 새로운 스케치는 아직 예술가를 완전히 만족시키지 못했으며, 그는 계속해서 구성에 대한 보다 감정적인 해결책을 찾고 있으며 결국 발견하게 됩니다. 따라서 자연의 스케치 덕분에 작가는 매번 새롭고 더 흥미로운 관점, 더 표현력 있고 흥미로운 구성 솔루션을 찾았습니다. 그리고 우리는 자연에 대한 세심한 연구와 탁월한 그림 숙달만이 예술가가 마치 살아있는 자연에서 나온 것처럼 모든 사람이 기뻐하는 멋진 걸작을 만들 수 있다는 것을 알고 있습니다. 삶에서 그림을 그리는 방법은 현실을 이해하는 과정이다. 그림에서 과학적 지식을 얻는 방법은 그림을 그리는 학생이 자연 형태의 구조 법칙에 대한 구체적인 지식을 받는다는 사실로 귀결됩니다.
주변 현실을 묘사하는 두 번째 방법은 스케치 방법특징적인 비율, 움직임, 개별 특성 등 세부 사항을 정교하게 설명하지 않고 가장 중요하고 중요한 자연의 일반적인 인상을 전달합니다. 스케치는 빠르고 간결하며 작은 크기의 스케치입니다. 창작을 위해서는 예술가가 삶을 알고, 독립적인 사고와 분석을 배우고, 관찰할 수 있어야 하며, 조형적 동기를 축적해야 합니다. 이 모든 것은 지속적인 스케치의 결과로만 획득됩니다.
예술가에게는 특히 관찰이 필요합니다. 이것이 모든 예술가의 특징인 미술 대가의 주요 자질입니다. 관찰을 통해 삶의 흥미로운 순간, 중요한 현상, 예술 작품의 내용이자 기초가 되는 과정을 알아차릴 수 있습니다. 관찰 없이는 예술가는 표현력이 풍부한 예술적 이미지를 만들거나 독립적으로 작곡을 구성하거나 단순히 특정 줄거리를 생각해 낼 수 없습니다. 관찰 없이는 주변 현실에서 회화적 모티브를 독립적으로 찾는 것이 불가능하다. 스케치의 가장 중요한 중요성은 묘사 과정에 대한 창의적인 태도, 표현력과 이미지를 달성하는 방법과 수단을 찾는 능력을 개발하는 것입니다. 스케치의 재료는 그래픽 및 그림 구성을 만들기 위한 시작 재료로 사용됩니다.
스케치의 실행 순서는 모든 이미지 프로세스(장기 또는 단기)의 일반적인 필수 원칙에 따릅니다. 일반에서 특정으로, 큰 주요 질량에서 더 작은 보조 질량으로, 인상을 유지합니다. 진실성. 먼저 각 스케치와 시트 전체의 "소리"를 고려하여 구성, 시트에 있는 하나 이상의 그림 위치를 결정해야 합니다. 스케치는 전체 성이 뛰어나고 인식이 간결하다는 점에서 그림과 다릅니다. 작가는 그리는 대상을 분석하는 것이 아니라, 대상에 대해 이미 알고 있는 지식을 바탕으로 대상에 대한 그래픽 표현을 만들어내고, 직접 관찰을 통해 자신의 아이디어를 테스트합니다. 이것은 비유적인 그림에서 중요합니다. 비율, 움직임, 성격은 스케치로 전달되는 자연의 속성입니다. 이러한 조건이 모두 충족되면 스케치는 독립적인 예술적 가치를 가질 수 있습니다.
그는 그것이 읽고, 듣고, 가져가고, 감사할 것이라고 가정하고 누군가를 위해 그것을 확실히 만듭니다. 예술은 대화적이며 항상 적어도 두 사람, 즉 창작자와 관객 사이의 상호 작용입니다. 작가는 자신과 관련된 주제를 예술적 이미지로 포착하고 영혼 깊은 곳에서 무언가에 대한 미묘한 경험과 인상을 불러일으키며 성찰, 공감 또는 토론을 위한 작업 주제를 제시하며, 관객의 역할은 이해하고 받아들이고 받아들이는 것입니다. 그들을 이해하십시오. 그렇기 때문에 예술 작품에 대한 인식은 정신적, 영적 활동과 관련된 진지한 작업이며 때로는 특별한 준비와 특별한 미적, 문화적, 역사적 지식이 필요한 이유입니다. 그런 다음 작품이 공개되고 범위가 확장되어 작품의 전체 깊이를 보여줍니다. 작가의 개성과 세계관.
미술의 종류
표현 예술은 수천 년 동안 수반된 가장 오래된 유형의 인간 창작 활동입니다. 선사 시대에도 그는 동물 형상을 그려 동물에게 마법의 힘을 부여했습니다.
미술의 주요 유형은 회화, 그래픽, 조각입니다. 작품에서 예술가들은 다양한 재료와 기법을 사용하여 완전히 특별한 방식으로 주변 세계의 예술적 이미지를 만들어냅니다. 이를 위해 그림은 풍부한 색상과 음영을 모두 사용하고, 그래픽은 그림자와 엄격한 그래픽 선만 사용하며, 조각은 3차원 유형의 이미지를 만듭니다. 회화와 조각은 차례로 이젤과 기념비로 구분됩니다. 이젤 작품은 전시회나 박물관 홀에서 친밀하게 전시하기 위해 특수 기계나 이젤로 제작되며, 기념비적인 회화와 조각 작품은 건물의 정면이나 벽과 도시 광장을 장식합니다.
미술의 종류에는 예술과 공예도 포함되며, 이는 종종 회화, 그래픽, 조각의 종합 역할을 합니다. 가정 용품을 장식하는 기술은 때때로 그러한 발명과 독창성으로 구별되어 실용적인 기능을 상실합니다. 재능 있는 예술가들이 만든 가정용품은 전시회와 박물관 홀에서 자부심을 갖고 있습니다.
그림
회화는 여전히 예술적 창의성의 우선순위 중 하나를 차지하고 있습니다. 이것은 많은 것을 할 수 있는 예술이다. 붓과 물감의 도움으로 눈에 보이는 세계의 모든 아름다움과 다양성을 가장 완벽하게 전달할 수 있습니다. 예술가가 만든 각 이미지는 외부 현실을 반영할 뿐만 아니라 창작자의 깊은 내부 내용, 감정, 감정, 생각 및 경험을 담고 있습니다.
색과 빛은 회화의 두 가지 주요 표현이지만 작업을 수행하는 데는 많은 기술이 있습니다. 오일 구아슈, 파스텔, 템페라. 회화 기술에는 모자이크와 스테인드 글라스 예술도 포함됩니다.
그래픽 아트
그래픽은 회화에 비해 주변 세계의 다채로운 충만 함을 모두 전달하려고 노력하지 않는 일종의 미술이며 언어는 더 전통적이고 상징적입니다. 그래픽 이미지는 주로 검정색 한 가지 색상의 선, 점 및 획의 조합으로 생성된 그림으로, 때로는 하나 이상의 추가 색상(대부분 빨간색)을 제한적으로 사용합니다.
III. 작품 속 음악.
II. 작품의 언어.
Aeschylus의 작품은 전쟁과 무기 분야의 은유로 가득 찬 숭고한 신화적이고 영웅적인 스타일이 특징입니다. Aeschylus 자신이 자신의 비극을 "호머의 식탁에서 남은 음식"이라고 불렀던 것은 우연이 아닙니다. 그의 시적 스타일의 또 다른 원천은 동양 미술이었습니다. 에우리피데스는 다음과 같이 폭로합니다.
요새와 울리는 방패의 모든 사기꾼
그리핀 독수리, 구리와 두족류의 연설의 빛, -
그들을 이해하는 것이 가장 큰 일입니다.
실제로 아이스킬로스 작품의 언어는 숭고하고 엄숙하지만 항상 이해할 수 있는 것은 아닙니다. Euripides의 언어는 간단하고 이해하기 쉽습니다. 그의 영웅들은 “중얼거리거나 헛소리하지” 않습니다. 그는 외출할 때 항상 자신의 출신에 대해 먼저 이야기한다. 그러나 첫 부분에 나오는 디오니소스의 말 중 하나로 판단하면 에우리피데스의 언어는 그다지 좋지 않다. 그의 작품은 자연주의적 환원(“에테르는 제우스의 아파트”)과 매너리즘(“시간의 앞발”)이 특징입니다.
작품의 프롤로그는 특히 중요합니다. 따라서 Aeschylus에서 영웅은 두 동의어가 동일한 것을 의미하는 문구를 말합니다. Euripides에 따르면 이는 음성 중복입니다.
흐름과 반환 - 차이점은 무엇입니까?
"듣는 것, 주의하는 것 - 여기서는 그 정체성이 확실합니다." Euripides는 그의 프롤로그에 불필요한 단어가 없다는 것을 자랑스럽게 생각합니다. 그는 Aeschylus가 동일한 안정적인 문구(“피곤한 사람들을 돕기 위해 서두르지 않겠습니까?”)를 반복하는 경향이 있음을 알아차렸습니다.
그러나 Aeschylus는 Euripides의 프롤로그가 동일한 방식으로 구성되어 있으므로 모든 프롤로그가 "병을 잃어버렸습니다"라는 줄로 계속될 수 있다고 지적합니다. 물론 이것은 아리스토파네스 측의 과장이며 모든 비극이 틀에 따라 구성되는 것이 아니라 그가 자신의 작품을 위해 선택한 비극만 구성됩니다. 그러나 많은 구성이 실제로 유사합니다.
티르소스를 손에 쥐고 있는 디오니소스 신
그리고 피부로 뒤덮인 채, 횃불의 빛 속에서
델파이에서 춤을... 병을 잃어버렸습니다.
인간은 모든 일에서 성공할 수 없습니다.
가치 있는 사람은 가난하게 죽고,
또 하나는 쓸모없는... 내 병을 잃어버렸어.
이것은 저장되지 않은 비극 "Ipsipil"과 "Stheneboea"에서 발췌한 것입니다.
작가들의 비극에 어떤 종류의 음악이 수반되었는지는 말할 수 없습니다. 그러나 그의 코미디 패러디에서 Aeschylus는 탬버린의 도움으로 Euripides 합창 노래의 음악 구성에서 절묘한 매너리즘을 사용합니다. 에우리피데스는 디튀람빅 음악의 예를 따라 모노디, 단성 아리아를 작품에 도입했습니다.
서로 다른 시대에 활동한 작가들은 세상에 대한 인식도 서로 다릅니다. 아이스킬로스는 마라톤 전투에서 그리스가 승리한 직후에 글을 썼습니다. 그의 작품은 신화 속 왕, 사람들의 위대한 업적, 용감한 영웅을 찬양합니다. 그의 비극에서 아이스킬로스가 오만하고 거만한 바람둥이인 사람들을 끌어냈다고 주장하는 에우리피데스는 이것을 그에게 요청할 수 없습니다. 그리고 Euripides는 친숙하고 가까운 삶에 관한 간단한 주제에 대해 이야기했습니다. 그의 영웅은 영리한 페라메네스(Feramenes)였는데, 그는 고대인들 사이에서 수완이 풍부하지만 원칙이 없는 정치가의 예로 알려졌습니다. 그에게는 '바람개비 페라멘'이라는 별명도 붙었습니다. 에우리피데스는 시에 상식을 도입한 것을 장점으로 여깁니다. 그러나 Aeschylus는 Aeschylus의 작품이 아테네 사람들에게 나쁜 영향을 미쳤다고 믿습니다. 그는 아리스토파네스의 희극에서 에우리피데스가 이성적이고 정직하며 진실한 사람들을 악당으로 만들었다고 주장합니다. 그의 작품을 읽는 사람들은 그 시대의 영웅이었고, 훌륭했고, 말다툼을 하지 않았으며, 전쟁에서 승리했습니다. 그의 작품 "The Seven against Thebes"와 "The Persians"는 전쟁 정신으로 가득 차 있었고 아테네 사람들에게 승리에 대한 열망을 심어주었습니다. 시칠리아 원정 중에 사망한 유명한 사령관 라마코스는 그의 작품에서 자랐습니다. Aeschylus에 따르면 Euripides의 경우 그는 "창녀"Phaedra를 무대에 데려 왔습니다 (비극 "Hippolytus"에서). 사랑에 빠진 여성의 이미지는 Aeschylus의 영웅적인 작품과는 완전히 이질적입니다. Aeschylus는 무대에서 사랑에 빠진 여성의 묘사에서 아테네의 도덕성이 쇠퇴하는 것을 봅니다. 그는 그들이 묘사될 가치가 없다고 믿습니다. 그러나 Euripides는 실제 심리 드라마를 만들었습니다. 각 캐릭터의 심리를 묘사합니다. 에우리피데스의 작품에는 불신적인 말이 자주 등장했고, 희극에서는 심지어 제우스가 아닌 신들에게 기도하기도 했습니다. 결국 Dionysus는 동일한 말을 사용하여 Aeschylus를 승자로 선택합니다.
아리스토파네스의 코미디 "개구리"는 두 명의 가장 위대한 비극 작가에 대해 매우 주관적인 특성을 부여합니다. 사실 이것은 아리스토파네스가 아이스킬로스와 대조한 작품을 쓴 에우리피데스에 대한 비판이다. 물론 교육받은 사람으로서 아리스토파네스는 새로운 시대에는 새로운 사상과 예술적 표현 수단이 필요하다는 것을 이해했기 때문에 에우리피데스 극작법의 진보성을 볼 수밖에 없었다. 반면에, 인간의 내면 세계에 대한 에우리피데스의 관심은 그를 압도하는 열정과 모순된 감정의 비양립성이 이끄는 갈등의 비극적 결과에 대한 관심도 아테네 민주주의의 기반이 된 도덕적 기반의 완전성을 파괴했습니다. , 소피스트의 철학과 마찬가지로 개인보다 대중을 선호했습니다. 아리스토파네스는 그들의 창작 원리, 시적 스타일, 코미디 제작 특징에 대해 매우 자세히 설명했습니다.
43. Menander의 국내 드라마 "중재 재판소"와 그 활용
로마 문학(테렌스의 "시어머니").
간략한 설명 Menander의 코미디 "The Grouch". [이야기가 시작되기 전이지만 매우 중요한 내용이었습니다. 카리시우스(Charisius)라는 부유한 청년이 타우로폴리스의 휴일에 자신이 모르는 소녀를 강간했습니다. 사실 그는이 소녀와 결혼하기로되어 있었지만 모든 일이 밤에 일어 났고 Kharisiy는 아무것도 기억하지 못했고 서로를 알아보지 못했습니다. 곧 그는 불명예를 당한 팜필라와 결혼했지만 그와 그녀는 기억하지 못했습니다. 남편이 어디론가 갔다가 사생아를 낳았습니다. 무엇을 해야 할까요? 그녀의 남편은 이 일이 지나면 그녀를 떠날 것이다! 그녀는 아기를 포기하기로 결정합니다. 남편의 종인 오네시모가 이 사실을 알게 되었습니다. 그는 주인에게 모든 것을 말합니다. 아테네 법에 따르면 Charisius는 Pamphila를 부모에게 돌려 보낼 권리가 있습니다. 왜냐하면 Pamphila가 소녀라는 사실에 속았 기 때문입니다. 그러나 그는 감히 그렇게 할 수 없고 단지 이웃 친구인 Harestrat에게 가서 술을 마시고 즐거운 시간을 보낸다.] 코미디가 시작되는 곳입니다. Charisius는 Gabrotonon이라는 플루트 연주자와 함께 파티에서 즐거운 시간을 보내고 있지만 그녀 자신은 그가 그녀를 침대 근처에 두지 않는다고 주장합니다. 팜필라의 아버지 스미크린은 출생에 대해 아무것도 모르는 채 지참금만 쓰고 그녀에게 관심을 기울이지 않는 불성실한 사위에게서 딸을 데리러 온다. 하지만 팜필라는 성격이 강한 소녀다. 그녀는 남편을 떠나고 싶지 않습니다. 이때 양치기 비둘기가 버려진 아이를 발견했습니다. 그 아이는 풍부한 선물과 반지를 가지고 있었습니다. 그는 아이를 데리고 갔지만 곧 그에게 먹일 것이 아무것도 없다는 것을 깨달았습니다. 그는 선물을 집에 두고 왔지만 아이를 누군가에게 주고 싶었습니다. 내 친구, 석탄 광부 시리스카(Siriska)를 만났습니다. Sirisk는 Harestrat의 노예였으며 그에게 아이를달라고 간청했습니다. 그는 그것을주었습니다. 그러나 시리스크는 아기의 부모가 발견되면 아기의 신원을 확인할 수 있도록 그의 부유한 재산을 포기하라고 그에게 간청하기 시작했습니다. 그는 원하지 않습니다. 그런 다음 그들은 Smikrin에게 그들을 판단하도록 요청합니다. 문제가 무엇인지 듣고 Smikrin은 선물과 아이 Siriska를 남깁니다. 이때 오네시모는 시리스크의 손에 반지가 들려 있는 것을 본다. 그는 이것이 그의 주인 카리시우스의 반지라고 선언하고 타우로폴리스 축제에서 그것을 잃어버렸다. 그는 반지를 가져갔지만 Kharisiya에게 감히 보여주지는 못했습니다. 왜냐하면 그는 알려지지 않은 아이의 친자 관계를 인정해야 하기 때문입니다. 헤타에라 가브르는 하레스라트의 집을 떠난다. 영형 Tonon은 반지를 들고 Onesimus를 봅니다. 그는 그녀에게 모든 것을 말했고 그녀는 그녀가 있던 Tavropolis에서 한 소녀가 강간당했다는 것을 기억합니다. 그녀는 그녀를 눈으로만 알지만 이름으로는 알지 못합니다. 그녀는 먼저 Charisius를 테스트해 볼 것을 제안합니다. 그녀가 Tavropolis의 소녀인 것처럼 가장한 다음 그가 친자 관계를 인정하면 그의 어머니를 찾는 것입니다. 그래서 그녀는 그렇습니다. 그런 다음 그녀는 아이와 함께 가서 그녀의 어머니인 팜필라를 만난다. Smikrin은 헤타 에라로 아이를 낳은 사위에게서 딸을 떼어 내려고하지만 남편을 곤경에 빠뜨리지 않을 것이라고 대답합니다. Kharisiy는 우연히 듣고 감동을 받아 자신이 아내에게 합당하지 않다는 것을 깨닫습니다. 그런 다음 Gabrotonon은 그에게 아이의 어머니가 누구인지 알려줍니다. 일반적인 구호가 있습니다. 구세주로서 Gabroton은 자유를 얻었습니다. 테렌스의 코미디 "시어머니".최근 결혼한 팜필루스와 필루메나는 한동안 별거를 강요당한다. 결혼하는 동안 팜필루스는 여전히 전 여자친구인 바치다와 사랑에 빠졌지만 아내에게 손을 대지 않는다. 팜필이 사업을 떠난다 임브로스에서, 그리고 Filumena의 아이는 조산되었습니다. 돌아온 남편은 시어머니와 사이가 좋지 않은 것으로 알려진 아내의 부모 집에서 출산을 발견합니다. 팜필루스는 아내가 반역죄를 지었다고 의심하고 더 이상 그녀를 만나고 싶어하지 않고 옛 여자친구인 헤테라 바키스에게 돌아갑니다. 그는 아내의 비밀을 누구에게도 누설하지 않으며, 시어머니 소스트라타를 존경하지 않기 때문에 아내에게 화가 난다고 말합니다. 소스트라타는 젊은이들만 행복하다면 마을로 갈 준비가 되어 있습니다. 팜필라의 아버지 라체스와 신부의 아버지 피디프도 갈등을 해결하기 위해 노력하고 있다. 이것은 또한 Philumena가 착용하는 반지가 술에 취한 휴일 동안 결혼 전 그녀에게 폭력을 저지른 Pamphilus가 그녀에게 준 것임을 입증 한 hetaera Bacchis에 의해 달성됩니다. 코미디는 행복하게 끝나고, 아이는 아버지를 찾게 되고, 헤태래를 포함한 모든 인물들이 친절하고 고귀하게 변해간다.
메난더 –아티카가 낳은 마지막 시인. 그는 기원전 342년 아테네에서 태어났다. 293년까지 장수했다. 그는 헬레니즘 시대에 활동했다. 이 극작가는 신다락방 코미디(기원전 4~3세기)의 창시자가 되었습니다. 기본적으로 이 장르는 비극과 희극의 요소를 가미한 국내 드라마라고 할 수 있다. Menander는 그러한 코미디를 100개 이상 상연했지만 동시대 사람들은 그를 좋아하지 않았습니다. 그는 최고 귀족에 속했으며 솔론의 조상이었습니다. 아테네 민주주의가 몰락한 후 그의 절친한 친구인 팔레르스키의 데메트리우스그리스 마케도니아의 총독이 되었습니다.
Menander는 화해적인 성격의 연극을 만들었습니다. 코미디는 아리스토파네스 시대처럼 더 이상 사회 문제를 표현하지 않습니다. 저자는 사생활을 떠나는 것에 대해 걱정하고 인류의 원칙을 장려했으며 노예에 대한 잔인한 대우를 부인했습니다. 부드럽고 인도적이며 지적인 입장이었습니다. 그것은 Attica에서 일어난 일을 반영했습니다. 사람들은 더 이상 정치에 관심이 없었고 사생활에 더 깊이 빠져들었습니다. Menander는 또한 국가 내 모든 시민의 평등이라는 아이디어를 추구한 Thales의 추종자였습니다.
Menander의 극작법은 Euripides의 고대 희극과 비극의 상속자입니다. 그의 코미디는 여러 측면에서 디오니소스 축제에서 도시의 쾌활한 연극의 전통을 이어갑니다. 영웅을 기다리는 모든 시련에도 불구하고 연극의 끝은 항상 행복하기 때문입니다. Menander의 끊임없는 동기 (소녀에 대한 폭력, 어린이 던지기, 인정)는 이미 Euripides에 의해 사용되었습니다. 그러나 Euripides에서는 이러한 동기가 일상 생활과 연결되어 있으며 Menander에서는 이러한 동기가 일상 생활로 옮겨집니다.
코미디에서 능숙하게 묘사 한 Menander의 일상 캐릭터는 사회 생활 현상에 의해 결정되었습니다. 사람들은 전쟁, 분쟁, 격변에 지쳤습니다. 그의 캐릭터에는 높은 요구 사항도 없습니다. 그들의 이상은 조용하고 번영하는 가정 생활입니다. 그의 작품은 순전히 희극이 아니라 희극과 비극이 혼합되어 있었다. 작가의 독백과 대화는 일상적인 대화를 나타냅니다. 여기에는 고풍스러운 표현이 없습니다. 합창단은 점차 코미디를 떠나고 있습니다. 따라서 "중재 재판소"에는 막이 끝날 때, 막 사이에만 합창 장면이 있습니다.
코메디 "중재법원". 약 3분의 2가량 보존되어 있습니다. 제작 날짜는 알려지지 않았지만 과학자들은 심리학적 특성을 파악하여 이를 Menander의 작업 마지막 부분에 두었습니다. 우선, 이 코미디는 캐릭터의 뛰어난 묘사가 특징입니다. Menander는 전체 유형 갤러리를 만들었으며 이후 세계 문학에서 적극적으로 사용되었습니다. 그러나 중요한 것은 그가 전형적인 이미지를 풍부하게 만들어 생생하고 진정성있게 만들었다는 것입니다. 다음과 같은 이미지입니다.
노인.소녀의 검소하고 심술궂은 아버지. 탐욕스러운. "중재 법원"에서 이 역할은 다음이 수행합니다. 스미크린, 팜필라의 아버지. 사위의 모험에 대해 알게 된 그는 Kharisiy가 지참금 전체를 오락과 이종에 쓸까 봐 두려워 딸을 집으로 데려가기로 결정합니다.
게테라.교육받은 여성. 그녀는 대화를 계속하는 방법을 알고 있었고 재능 있고 똑똑하며 교육을 받았으며 일반 가정 그리스 여성보다 머리와 어깨가 뛰어났습니다. '중재재판소'에서는 헤타에라의 역할을 맡는다. 가브로토논- 플루트 연주자. 그녀는 전형적인 코미디 헤타라이지만 그녀의 개인적인 특성은 친절함, 정직함, 자유에 대한 사랑입니다. 그녀는 똑똑할 뿐만 아니라 교활합니다. 그녀는 연인들이 함께 있도록 정리하는 방법을 알고 있으며 자유를 얻습니다. 그녀는 적극적으로 행동에 참여하고 갈등의 가장 빠른 해결에 기여합니다. Pamphila와 관련하여 그녀는 고상하게 행동합니다. 처음에 그녀는 자신의 목적을 위해 창립자를 사용하고 싶었지만 나중에 가족을 복원했습니다.
'중재재판소'는 새로운 코미디의 전형적인 사례로 여겨졌다. 이 코미디는 한 부부의 집 앞에서 벌어지는 특이한 이야기를 중심으로 전개됩니다. 이것은 아테네 근처에서 발생합니다.
중요한 아이디어: Pamphila의 아이가 Sirisk에 의해 발견되었을 때, 그는 자신과 함께 던져진 것에 대한 아이의 권리를 주장합니다. 코미디 사상 처음으로 버려진 아이에게도 권리가 있다는 생각이 제시되었습니다. 희극의 본질은 사람의 행복이 자기 자신에게 달려 있고, 사람의 운명은 사고에서 자유롭지 않고 언제나 그 사람의 성격에 따라 결정된다는 것이다. 인간에 대한 신들의 관심은 모두 성격의 분배에 달려 있다고 주장하는 종 오네시모도 이 말을 했습니다.
일상적인 코미디는 현실적이지만 완전히 인위적이었습니다. 그리스 사회는 자신의 운명에 대한 통제력을 상실하고 있었습니다. 남은 것은 공중에 성을 쌓는 것뿐이었고, 코미디는 현실에서 점점 더 멀어졌다.
자랑: 비잔티움의 아리스토파네스는 이렇게 말했습니다. “메난드로스와 생명, 여러분 중 누가 누구를 모방했습니까? ”
로마와 유럽 문학에서의 후속 사용. Menander는 일상극의 창시자이며, 이후 로마 문학으로 옮겨갔습니다. 그의 코미디는 소녀 납치, 버려진 아이, 기억 상실 등 다양한 동기로 발전된 음모 인 5 막이 특징입니다. 기회는 Menander의 코미디에서 큰 역할을 합니다. 갈등 해결에 도움이 되는 사례입니다. 갈등에 대한 이러한 해결책은 이후의 대중 문학에서 전형적이었습니다.
로마 코미디언들은 Menander의 연극, 특히 Caesar로부터 "Half-Menander"라는 별명을 받은 Terence를 광범위하게 활용했습니다. 그러나 로마 작가들은 출처를 너무 임의로 다루었기 때문에 라틴어 변경에서 그리스 원본의 독창성을 알아내는 것은 절대 불가능합니다.
푸블리우스 테렌티우스(기원전 190-159년)-카르타고에서 로마로 데려온 테렌스 상원 의원의 해방 노예였습니다. 그는 로마에서 교육을 받았으며 그곳에서 네오 다락방 코미디에 대해 알게되었고 그 줄거리를 바탕으로 연극을 쓰기 시작했습니다. 그는 Menander의 작품에 큰 관심을 보였습니다 (그의 코미디 중 4편은 Menander에게 돌아갑니다). 그는 줄거리를 그렸을 뿐만 아니라 미묘한 메난더(Menander) 캐릭터와 그의 연극의 인간적인 방향을 재현하려고 노력했습니다. Terence는 모방 코미디를 만들었습니다. 그는 줄거리뿐만 아니라 신다락극의 성격과 스타일도 전달했다. 그의 '시어머니'의 줄거리는 '중재재판소'와 크게 다르지 않다. 그는 단지 Menander의 작품에 실제와 같은 사실성을 부여하려고 노력했습니다. Menander의 영웅이 이상형이라면 Terence의 영웅은 현실에 더 가까운 개인입니다. 따라서 "시어머니"에는 노예 파르메논과 이성애자 필로티스 사이에 장면이 있는데, 여기서 그녀는 팜필루스가 그녀의 친구 바키데스의 전 애인이기 때문에 그에게 팜필루스의 결혼 파탄에 대해 말해달라고 요청합니다. 처음에 파르메논은 거절했지만, 파르메논은 그에게 이렇게 말합니다. “당신이 나한테 그것에 대해 말하고 싶어하는군요!” 그리고 그는 한숨을 쉬었습니다. “예, 이것이 나의 가장 큰 악덕입니다.” Menander의 작품과 마찬가지로 Terence의 연극도 그다지 인기가 없었습니다.
이전 기간에 로마인의 주요 사업이 정부 활동이었다면 이제는 여가 활동, 문학, 철학이 로마인의 삶에서 점점 더 중요해지기 시작했습니다. 문화 문제는 그리스의 관례처럼 광장이 아닌 집에서 개인적으로 수행되었습니다. Terence의 창의성은 그러한 교육받은 귀족 집단을 반영한 것입니다. 전통적인 로마 도덕이 개정되고 그리스 생활이 이상이 됩니다.
작품의 프롤로그에서 “시어머니” Terence는 청중이 공연을 두 번 방해하여 극장에서 줄무용수나 검투사 경기를 관람했다고 말했습니다. 테렌스의 코미디는 소수를 위한 것이지만, 인물 묘사에 있어서 그의 업적은 중요하며 문학사에서 흔적 없이 지나간 적이 없습니다. Terence는 Menander 캐릭터의 미묘함과 Neo-Attic 코미디 언어의 우아함을 청중에게 전달하려고 노력했습니다. 그의 희곡에는 무례한 재치나 저속한 표현, 익살이 전혀 없습니다. 그의 연극은 '감동 드라마', '눈물 흘리는 코미디'라는 장르에 속한다. Menander와 달리 연극에는 더 철학적인 순간이 있습니다.
Terence의 플롯은 Neo-Attic 코미디에서 따왔습니다. 그의 희곡에서는 사랑에 빠진 청년, 헤태래, 자유소녀, 엄격한 아버지, 고분고분한 노예, 포주 등도 영웅으로 등장한다. 그러나 Menander와 마찬가지로 그는 개별적인 특징으로 전형적인 이미지를 풍부하게 하려고 합니다. 그의 작품의 중심 인물 중 하나는 자신의 열렬한 감정에 따라 스스로 행동 방침을 선택하고 어떤 길을 택해야할지 고민하는 청년입니다. 교육 문제는 시인의 주요 문제 중 하나로 밝혀졌습니다.
코미디 속 시어머니가 전혀 악한 인물이 아니라는 점이 흥미롭다. 그리고 그녀는 친절하고 젊은 배우자를 화해시키기 위해 모든 일에 노력합니다.
미샤
44. 로도스의 아폴로니우스 "Argonautica"의 헬레니즘 서사시.
간략한 요약:
이 시는 제이슨이 황금 양털을 쫓기 위해 그리스 전역에서 모은 영웅들의 목록으로 시작됩니다. 황금 양털은 오래 전 그리스에서 도망쳤던 프릭서스 왕자의 가죽이었습니다. '계모). 영웅들을 모아 아르그는 노 50개로 배를 만들고 앉아서 에게해를 건너 항해했다. 우리는 아마존과 같은 부족이 살고 있는 렘노스 섬에 도착했습니다. 그들은 한동안 그곳에서 살다가 마르마라 바다로 가서 그곳에 처음으로 들렀습니다. 헤라클레스의 친구 힐라스는 해안 숲으로 들어가 시냇가로 몸을 구부리고 님프들에 의해 물속으로 끌려갔습니다. 헤라클레스는 그를 구하기 위해 달려갔습니다. 나머지는 무엇을 해야할지 고민하고 있었는데 바다에서 거대한 머리가 나타나 헤라클레스를 떠나 더 멀리 수영하라고 말했습니다. 마르마라 해의 두 번째 장소에서 제우스의 아들이자 아르고나우트(Argonaut)인 디오스쿠루스 폴리데우케스(Dioscurus Polydeuces)는 주먹싸움에서 외계인을 죽이는 것을 좋아하는 지역 지도자이자 포세이돈의 아들과 싸웠습니다. 지도자는 패배했고, 그의 부족은 구타를 당하고 항해를 계속했습니다. 세 번째 정류장은 또한 마르마라 해에 있었고 그곳에서 그들은 하피들로부터 늙은 왕이자 점술가인 피네우스를 구하고 그들(하피들)에 맞서 날개 달린 특정 보레아들을 보냈습니다. Phineus는 항해 방법을 그들에게 설명했습니다. 더 나아가 현재 보스포러스 해협이라고 불리는 곳이 밝혀졌지만 두 개의 떠돌이 바위 사이에 틈이 생겼습니다. 피니어스의 조언에 따라 그들은 산비둘기를 발사했고, 비둘기는 꼬리에서 깃털 몇 개를 잃어 빠져나가는 데 성공했습니다. 이것은 우리가 통과할 것이라는 것을 의미한다고 Argonauts는 결정했습니다. 그들은 거기에 머리를 꽂고 Athena의 도움 없이는 통과하여 선미에서 여러 개의 보드를 틈새에 남겨 두었습니다. 바위가 얼어 보스포러스 해협의 해안이 되었습니다. 흑해에서 그들은 다양한 땅(아마존 부족, 아폴로와 아르테미스의 거주지, 구리 새의 둥지 등)을 만납니다. Colchis에서 그들은 Aphrodite에게 도움을 요청하고 그녀는 Eros에게 지역 왕 Medea의 딸이 Jason과 사랑에 빠지게 만들라고 말합니다. Jason은 Eet 왕의 불가능한 테스트를 수행하고 Medea의 도움으로 용이 보호하는 Golden Fleece를 훔쳐서 (동시에 Medea와 함께) 배에 싣고 항해를 시작합니다. 도중에 그들은 Eetus의 아들과 그의 백성에게 붙잡혀 그를 죽이고 그들의 죄를 속죄하기 위해 Circe (지중해 서부)로 항해합니다. 그런 다음 그들은 Odysseus의 경로를 거의 항해합니다 (Achilles의 어머니 Thetis는 그들이 바다 파도를 타고 Scylla와 Charybdis를 뛰어 넘는 것을 돕고 Argonaut Orpheus는 그의 음악으로 사이렌을 익사시킵니다). Phaeacia에서는 Colchis의 두 번째 추격에 압도됩니다. . 파이아케스 왕은 메데이아가 아직 이아손의 아내가 아니라면 돌려주어야 한다고 결정하고 밤에는 동굴에서 비밀리에 결혼식을 거행합니다. 결국 폭풍이 그들을 아프리카에 좌초시키고, 그들은 배를 손에 들고 12일 밤낮 동안 사막을 항해합니다. 그런 다음 그들은 오아시스에서 자신을 발견하고 죽은 뱀과 파괴 된 바위로 판단하여 헤라클레스가 이미 여기에 있었다는 것을 이해합니다. 드디어 출발지점에 도착하고 집으로 돌아갑니다. 이것이시의 행동이 끝나는 곳입니다.
현대 사진은 우리 주변의 현실에 대한 가장 풍부한 성찰과 지식의 가능성을 가지고 있습니다. 그러나 처음에 그들은 사진을 카메라 렌즈의 화각으로 덮이거나 지금 말하는 것처럼 "프레임에 들어가서"감광체에 재현되는 중요한 자료를 고정하는 기술적 방법으로만 고려하는 경향이 있었습니다. 층.
사진에 대한 이러한 평가는 기계적 도구(카메라, 광학 시스템에 의해 그려진 렌즈)를 사용하여 사진 이미지를 생성한 다음 현상제, 정착액 및 기타 솔루션을 사용하여 화학적 처리를 한다는 사실에 기초합니다.
따라서 사진의 가능성을 결정할 때 사진 이미지를 얻는 기술적 수단이 결정적인 순간으로 간주되었습니다.
그러나 기술적 수단은 기술 분야에만 존재하는 것이 아닙니다. 특정 형태에서는 예술에도 적용됩니다. 예를 들어 화가는 기름으로 희석된 페인트를 사용하여 브러시로 캔버스에 이미지를 만듭니다. 그런데 이것이 무엇을 의미하는가? 그리고 이것이 그 자체로 무엇을 결정하는가? 같은 도구를 사용하여 장인이 사인을 쓰고, 예술가가 예술 작품을 만들어 냅니다.
사진 기술을 사용하여 장인 사진가는 이를 사용하여 현실을 복사합니다. 종종 그는 임의의 순간을 포착하며 일반적으로 건조하고 표현력이 부족한 사진을 받고 모든 것을 기술에 맡기고 실제로 창의적인 프로세스를 기술 프로세스로 대체합니다.
사진 작가이자 예술가는 삶을 복사하는 것이 아니라 현실에 대한 예술적인 그림을 만듭니다. 그의 작업은 우리 시대의 전형적인 현상을 드러내는 생생한 줄거리인 주제를 찾는 것에서 시작됩니다. 예술가는 작품의 이념적, 주제적 내용과 시각적 형식이 통일되어야 작품의 완성도를 얻을 수 있기 때문에 사진가는 프레임의 구성과 조명 솔루션을 찾아 사진의 예술적 표현력을 높인다. 그리고 이 위대한 창조적인 작업이 완료된 후에야 사진 기술이 작동하게 됩니다. 즉, 노출 계산이 이루어지고, 초점이 맞춰지고, 렌즈 조리개 분할이 설정됩니다. 이 기술은 결정적인 순간이 아닙니다. 동일한 주제에 대해 작업하는 두 사진가는 동일한 장비를 사용하더라도 동일한 조건에서 완전히 다른 품질의 사진을 얻을 수 있습니다. 모든 것은 각 사진가의 창의적인 개성에 달려 있으며, 어느 정도는 사용된 기술적 수단, 그리고 이러한 수단이 어떻게 사용되었는지에 따라 달라집니다.
사진에 대한 이러한 관점은 사진의 포괄적인 발전과 개선을 위한 폭넓은 길을 열었습니다.
소련 사진은 금세기 말과 초에 러시아와 외국 사진에서 일어난 최고의 후계자입니다. 러시아 사진은 독립적으로 발전했으며, 러시아 사진가는 사실주의의 길을 택하고 새롭고 독특한 유형의 미술로서 사진을 발견하고 예술적, 시각적 능력을 보여준 최초의 사진가 중 하나라고 안전하게 말할 수 있습니다.
유명한 러시아 사진 작가 S. L. Levitsky (1819-1898)는 인물 사진과 풍경 사진의 예술적 장점으로 러시아 및 국제 사진 전시회에서 여러 번 메달을 받았습니다. Goncharov, Turgenev, L.N. Tolstoy, Grigorovich, Ostrovsky의 그룹 초상화와 S.L. Levitsky의 러시아 문학 및 예술의 다른 뛰어난 인물의 초상화가 널리 알려져 있습니다.
뛰어난 사진 대가 A. O. Karelin (1837-1906), M. P. Dmitriev (1853-1938), S. A. Lobovikov (1870-1941) 및 기타 많은 사람들이 러시아 사진 예술을 높이 높이고 그 가능성을 공개하고 시각적 수단을 발견하고 개발했습니다.
S. L. Levitsky는 인물 사진 촬영에 전기 조명을 사용하는 실험을 수행하여 흥미로운 조명 패턴과 명암대비의 뛰어난 부드러움을 얻었습니다. 그는 또한 전기광과 태양광을 동시에 다양한 조합으로 사용할 수 있는 가능성을 연구하고 있습니다.
A. O. Karelin은 표현력 있는 조명 효과를 찾고 있으며 창문, 직사광선 등의 실제 광원을 그룹 초상화의 구성에 도입합니다. Chiaroscuro는 그의 사진에서 적극적인 요소가 되며, 그는 Chiaroscuro의 분포를 재현 가능한 실제 효과를 위한 프레임입니다. Karelin은 또한 사진 광학을 개선하기 위해 노력하고 있으며 예술적인 목적으로 부착된 렌즈와 기타 광학 장치를 사용합니다. 미묘한 예술가 A. O. Karelin은 그의 사진에서 매우 흥미로운 구성 구조를 달성했으며 특히 사진의 깊고 다면적인 구성에 대한 당시의 새로운 원칙을 개발했습니다.
러시아 언론 사진 보도의 창시자로 정당하게 여겨지는 M. P. Dmitriev는 사진 이미지의 다큐멘터리 성격의 힘을 드러냅니다. S. A. 로보비코프(S. A. Lobovikov)의 통찰력 있고 고도로 예술적인 장르의 사진은 위대한 사회적 진실로 가득 차 있으며 짜르 러시아의 평범한 사람들의 곤경에 대한 동정심으로 가득 차 있습니다.
진보적인 대중, Peredvizhniki 예술가의 작품과 관련하여 러시아 예술 사진가들은 유명한 작가, 예술가 및 화가의 초상화 갤러리를 제공했을뿐만 아니라 여러 흥미로운 사진으로 러시아 국민의 삶을 묘사했습니다. 예를 들어 A. O. Karelin의 "Alms"(사진 1), S. A. Lobovikov의 "Housekeeper"(사진 2) 등 러시아 사진 거장들의 최고의 작품이 러시아 및 소련 사진 예술 기금에 포함되었습니다.
사진 1. A. 카렐린. 의연금
사진 2. S. Lobovikov. 가정부
이미 그 당시에는 사진이 예술이 될 수 있고, 사진의 도움으로 진정한 예술 작품이 탄생할 수 있다는 것이 분명해졌습니다. 1884년 잡지 "Art News"는 "사진은 끊임없이 점점 더 발전하고 있습니다."라고 썼습니다. "이미지를 재생산하고 전송하는 이 본질적인 기술적 방법은 이제 예술의 특별한 분야 수준으로 승격되었습니다. 현대 사진의 일부 이미지에는 진정한 미학적 아름다움이 결여되어 있지 않고, 색조의 조화를 보존하며, 일반적으로 훌륭하고 순수한 예술적 장점으로 구별됩니다."
나중에 과학 작업에서 사진을 널리 사용했던 K. A. Timiryazev는 사진을 좋아했으며 사진의 힘과 능력을 잘 알고 있었습니다. 1897년 4월 18일에 열린 공개 강연에서 사진을 현실적 사진으로 옹호하는 빛나는 주장을 제시했습니다. 미술. “기술적인 예술가 뒤에 있는 사진에서 좁은 의미의 예술가, 즉 예술가-창조자를 볼 수 있는 것처럼, 사진가의 비인격적인 기술 뒤에는 사람이 나타나야 합니다. 그것을 존경하는 사람 사진은 그를 기술로부터, 학교와 수년간의 노력을 통해 예술가에게 주어진 모든 것으로부터 그를 해방시켜 주지만, 예술의 기본적으로 인간적인 요소로부터 그를 해방시키지는 못합니다.
물론, 사진작가가 코닥을 좌우로 클릭하면서 아무렇지도 않게 "흥미로운 장소"를 촬영한다면, 그 결과는 살아 있고 무생물에 대한 지루하고 잡다한 목록일 뿐입니다... 이것이 진정한 예술가가 자신의 작업에 접근하는 방식입니까?
예술의 길을 택한 사진은 고유 한 그림 형식, 주제와 줄거리를 작업하는 고유 한 방법을 개발했으며 이제 본격적인 사진은 우리 주변 삶의 전형적인 현상과 사건을 일반화되고 진실되게 보여줍니다. , 표현력이 풍부하고 예술적이고 인상적인 방식입니다. 이러한 완벽한 사진은 예술 사진, 예술에 대한 모든 요구 사항을 충족합니다.
사진 예술의 고전적 유산은 사진의 능력을 진정으로 예술적으로 활용한 훌륭한 예를 제공합니다. 그러나 소련 사진의 인물은 사진 자체의 완벽한 작품, 최고의 예를 연구하고 러시아와 소련 사진 작가의 창의성을 습득하고 외국 사진의 진보적 인물을 연구하는 데 국한되지 않습니다. 그들은 다른 미술, 주로 회화의 특징과 패턴을 주의 깊게 알게 됩니다.
예술 작품의 구성, 조명 효과 및 색상은 사진 작가에게 풍부한 자료를 제공합니다. 여기서 우리는 최고의 대가들의 작품을 복사, 모방 또는 단순히 재현하는 것이 아니라 연속성, 러시아 회화 문화에 대한 이해, 국내외 예술의 최고의 전통에 대한 인식 및 창의적인 발전에 대해 이야기하고 있습니다. 물론 회화의 법칙을 사진에 기계적으로 적용할 수는 없으며 사진 구도에서는 '회화성'을 완전히 새로운 방식으로 고려해야 합니다.
훌륭한 회화 문화와 다채로운 캔버스의 색채 솔루션에 대한 풍부한 경험은 흑백 및 컬러 사진의 발전과 개선에 도움이 됩니다.
소련 예술 발전의 최고 단계인 사회주의 리얼리즘은 사진가를 포함한 모든 예술가가 사진을 이용하여 예술적인 사진을 창작할 때 사용하는 창의적인 방법이다.
사회주의 리얼리즘이란 대중에 대한 공산주의 교육을 목표로 혁명적 발전 과정에서 현실을 진실하고 역사적으로 구체적으로 묘사하는 것을 의미합니다. 이는 사실주의 예술이 발전하는 과정에서 축적된 최고의, 진보적인, 진보적인 모든 것을 종합한 것입니다.
사회주의 리얼리즘은 형식주의, 자연주의 및 기타 예술의 반동적 운동에 맞서 단호한 투쟁을 통해 발전했습니다.
형식주의는 예술을 사회 생활과 분리하고 예술 작품의 형식을 내용과 분리하며 형식을 예술의 유일한 중요한 요소로 간주합니다. 형식주의자들은 예술 작품이 존재하는 주된 이유인 내용을 무시한 채 정당화되지 않은 각도, 임의적인 조명 구성, 터무니없는 구성 기법, 속임수를 사진에 도입했습니다. 그리고 사진이 이상해 보일수록 형식주의자들은 그 사진을 더욱 “예술적”으로 여겼습니다. 실제로 그러한 사진 사진은 현실을 직접적으로 왜곡했으며 종종 수수께끼, 수수께끼였으며 어떤 식 으로든 시청자를 풍요롭게하지 않았으며 삶에 대한 아이디어와 예술적 취향을 발전시키지 못했습니다.
인물 사진에서 형식주의자들은 이미지와 원본 사이의 유사성을 확보할 필요성을 포기하고 여기서는 얼굴의 소성 형태를 왜곡하는 특이한 각도의 사용, 역설적인 성격으로 보는 사람을 놀라게 하는 인위적인 조명 효과, 구도에 의지했습니다. 프레임 등에 사람 얼굴의 일부만 보여주는 구조 등이 있습니다. 따라서 예술의 아름다운 것은 점차 추악하고 추악한 것으로 대체되었습니다.
이러한 형식적 이미지의 예로는 모든 상식이 상실된 사진 3; 사진 4에서는 'Rainy Day'라는 주제를 전개하기 위해 극도로 난해한 회화적 형식을 발견했는데, 전체적인 특징은 보는 사람이 즉각 인지하지 못하는 이상한 물방울 모양을 보여주는 것으로 축소된다.
사진 3. 형식주의 사진의 예
사진 4. 형식주의 사진의 예
그리고 궁극적으로 형식주의자들이 실제 물체의 사진 이미지가 이해할 수 없는 색조 반점과 선의 조합으로 대체되는 완전한 추상화에 도달한 것은 우연이 아닙니다(사진 5).
사진 5. 형식주의 사진의 예
위의 사진들은 소위 '순수한 형식'에 대한 내용과 열정의 거부, 예술 작품의 형식과 내용 사이의 변증법적 연결의 깨짐이 필연적으로 형식주의자들을 형식 자체의 파괴로 이끈다는 것을 분명히 보여줍니다.
마르크스-레닌주의 미학의 주요 조항 중 하나인 예술 작품의 형식과 내용에 대한 교리는 완전히 명확해졌습니다. 내용 없는 형식은 존재하지 않으며 예술적 형식은 특정 내용, 특정 아이디어의 전달체로만 존재할 수 있습니다. ; 즉, 내용은 예술 작품에서 예술적 형식 자체가 존재하기 위한 필수 조건입니다.
사진 예술의 또 다른 잘못된 추세는 자연주의였습니다.
대부분의 경우 자연주의를 정의하는 특징은 세부 사항의 풍부함과 묘사로 간주됩니다. 즉, 묘사된 대상의 가장 작은 세부 사항을 전달하고 요소를 나누지 않고 재료를 선택하지 않고 현실을 순전히 프로토콜 복사하는 것입니다. 이미지를 기본 이미지와 보조 이미지로 분리합니다. 그러나 이것은 자연주의의 외부 표현일 뿐이며, 그 본질은 작고 특별하며 중요하지 않은 것을 예술의 관심의 중심에 두려는 욕구에 있으며, 이는 이 작고 중요하지 않은 의미에 특이한 것을 부과하려는 시도로 이어집니다.
자연주의는 예술이 현실의 현상을 장려하거나 비난해서는 안 되며, 그것을 작품에서 선택하거나 해석해서는 안 되며, 단지 진술, 즉 예술가의 시야에 들어오는 것을 맹목적으로 기록해야 한다고 믿습니다. 그러므로 자연주의는 삶의 전형적인 현상을 무시하고 현실에 대해 수동적인 태도를 취하는 것이 특징입니다.
형식주의와 마찬가지로 자연주의도 소련 사진 예술에 이질적이고 적대적입니다. 왜냐하면 현실을 얕보고 일방적인 생각만을 제시하여 종종 왜곡을 초래하기 때문입니다.
형식주의와 자연주의는 예술의 이념적 내용에 반대하지만 형식주의는 이러한 투쟁을 공개적으로 벌이고, 자연주의는 종종 캔버스에 묘사된 대상의 "완전한 유사성"을 달성하려고 노력한다는 사실을 가장하여 사실주의로 가장하여 행동하려고 합니다. 또는 실제 물체로 사진을 찍습니다. 그러나 자연에 대한 정확한 복사와 맹목적인 고수는 예술 작품 창작의 전제 조건이 아닙니다. 예술 작업에 대한 이러한 접근 방식으로 인해 날개가 없어지고 일반화의 힘을 잃고 현실 이해에서 멀어지기 때문입니다.
이미지를 세부적으로 표현하고 이미지를 개별화할 필요성도 부정하지 않는 자연주의와 현실주의의 차이점은 무엇입니까?
사실적인 예술 작품에서 세부 사항은 일반 내용을 구체화하고 발전시키고 명확하게 만드는 데에만 사용됩니다. 따라서 아이디어를 완전하고 포괄적으로 표현하기 위해 예술가는 예술 수단을 통해 표현적으로 묘사하려는 유일한 목적으로 현재 일어나고 있는 일, 특정 사람, 특정 설정에 대한 자세한 표시에 의지한다고 가정됩니다.
마르크스주의의 창시자들은 사건의 사회적 의미에 대한 이해만이 예술가가 현실을 가장 중요하고 중요한 표현으로 묘사하는 데 도움이 될 수 있다고 가르칩니다. 그러나 그들은 그러한 이미지의 개별화에 대해 단호하게 싸웠습니다. 그리고 이는 아류들의 지친 문학의 본질적인 특징입니다.”
자연주의적 경향은 소련 사진의 현실적인 방향과는 거리가 멀다. 주요 원칙은 현실의 주요하고 대표적인 특징을 보여주는 것입니다.
그러나 사진의 자연주의는 때때로 의식적인 창의적 태도가 아니라 사진 사진 구성의 기본, 재료 선택 원칙, 프레임 구성 및 조명의 원시적 사용에 대한 무지와 같은 열악한 기술의 결과로 나타납니다.
현실의 본질적인 특징을 선택하지 못하고, 일어나고 있는 일의 본질을 드러내는 밝고 표현력이 풍부한 에피소드를 찾고, 악센트를 올바르게 배치하고, 사진을 명확하게 구성하고, 주제를 표현적으로 조명하고, 선형 및 색조 원근법을 사용하여 주제를 공개하면 사진 작가가 현실을 기계적으로 복사하고 렌즈의 시야에 속하는 모든 것을 사진에서 포착한다는 사실로 이어지는 경우가 많습니다.
잘못 생각한 촬영 지점, 표현력이 부족한 조명 조건, 임의의 프레임 자르기로 인해 이러한 사진은 대체로 우연적이므로 설득력이 없습니다.
이는 사진 6과 7에서 확인됩니다. 둘 다 동일한 주제를 다루고 있으며 "Stream"이라는 공통 이름을 가지고 있지만 첫 번째에서는 주제가 그래픽적으로 제대로 해결되지 않았고 두 번째에서는 시각적 수단과 표현 가능성이 부족합니다. 사진이 올바르게 사용되었습니다.
사진 6. 스트림(자연주의 사진의 예)
사진 7. N. Danshin (VGIK). 작은 만
첫 번째 경우, 저자는 미래의 구성을 위해 자료를 선택하지 않았지만 렌즈의 시야에 들어오는 모든 것을 무관심하게 기록했습니다. 여기서 중요한 것은 강조 표시되지 않고 보조 자료는 프레임을 로드하고 그림은 재현됩니다. 동등한 자연주의와 함께 필요한 것과 우연한 것. 프레임은 불필요한 세부 사항으로 가득 차 있으며 확산된 빛이 전체 피사체를 고르게 비춥니다. 결과적으로 사진은 잡다한 동시에 지루하고 흥미롭지 않은 것으로 나타났습니다. 이로부터 현실을 기계적으로 복사하는 것, 사진의 대상을 자연주의적으로 고착시키는 것은 진정한 예술과는 거리가 멀다는 것이 분명해집니다.
두 번째 사진은 주어진 주제를 해결하려는 작가의 창의적인 태도를 보여줍니다. 올바르게 선택한 촬영 지점과 프레임의 높은 수평선을 사용하면 구불구불한 하천 바닥을 볼 수 있으며 그 선은 프레임 프레임에 성공적으로 새겨져 있습니다. 계획의 규모도 올바르게 결정됩니다. 조명 조건은 잘 선택되었습니다. 백라이트는 수면의 질감을 표현적으로 반영하고 태양은 반투명 구름 층으로 덮여 있으므로 물의 하이라이트는 부드럽고 조화롭게 사진의 전체적으로 다소 차분한 색조와 결합됩니다. . 프레임을 구성할 때 저자는 의미론적 중심과 시각적 중심을 결합했습니다. 주요한 것인 스트림이 그림의 중앙 부분을 차지하고 여기에는 가벼운 액센트도 포함됩니다.
이러한 프레임 구성 덕분에 보는 사람의 관심은 이미지의 주요 대상으로 즉시 끌려가고, 풍경의 보조 요소는 주제의 전체 해결에 참여하지만 그에 상응하는 자리를 차지합니다.
따라서 사진의 회화적 해법에 따라 표현력, 명료성, 설득력이 좌우된다.
예술적이고 표현적인 그림 수단에는 다음이 포함됩니다.색상, 획, 선, 점, 색상 및 빛 대비, 색상, 모양, 구성, 질감.
색상. 모든 생명체와 무생물에는 고유한 색상이 있습니다. 색상과 마찬가지로 조명도 큰 역할을 합니다. 색상, 공간 내 위치, 공기 상태의 영향이 색상에 영향을 미칩니다. 우리가 존경하고 사랑하는 아름다움은 현실의 다채롭고 풍요로움, 즉 색입니다.
작가는 색상, 색상 감각, 색상 조합, 차갑고 따뜻한 색상의 조화를 통해 다양한 분위기와 감정을 전달합니다. 그리고 그들을 치료하려면 기쁨, 기대, 불안, 슬픔, 부드러움이 필요합니다.
회화의 뇌졸중 - 캔버스, 종이, 판지 위에 화가가 남긴 물감이 묻은 붓의 흔적. 기법은 작가 개인의 스타일에 따라 매우 다양하다.
라인과 스팟 – 페인트로 캔버스 위의 특정 개체의 명확한 윤곽선. 점은 물체의 색조, 실루엣 이미지입니다. 예를 들어, 이 표현을 더 잘 이해하기 위해 먼 하늘을 배경으로 눈 덮인 가문비나무가 있는 지점을 살펴보겠습니다. 아니면 어두운 밤하늘의 언덕. 어떤 그림을 보면 선을 상상하는 것이 더 쉽습니다. 명확한 선은 하나 또는 다른 물체의 그림자를 윤곽을 잡아 슬픔이나 기쁨의 감정을 강화합니다.
그림의 색상과 빛의 대비, 그림의 반점과 영역의 밝고 어두운 관계를 선명하게 강조하는 것이 그 예입니다.
색상 - 예술 작품의 색조 시스템, 그 조합 및 관계.
조직 - 그림의 페인트 층 표면: 광택 또는 무광택, 연속 또는 불연속, 매끄러움 또는 고르지 않음.
구성 – 예술적 이미지를 더 잘 공개하기 위해 특정 시스템과 순서로 작품의 모든 개체, 요소 및 부분을 배열합니다.
여기서 우리는 고려할 것입니다모양과 디자인 (구조) 물체의 예술적, 표현적 수단을 보게 될 것입니다.톤, 획, 선.
사물의 모양은 윤곽선, 윤곽선, 실루엣에 따라 결정됩니다. 단순화된 형태 - 정사각형, 삼각형, 원형, 직사각형. 단순화된 형태의 각 항목은 기하학적 도형과 유사합니다. 예를 들어, 공은 둥글고, TV는 직사각형이고, 광대의 카니발 모자는 삼각형입니다.
설계 (구조) 객체 - 헤드 스타트의 기초, 객체 구조의 프레임 워크. 각 물체의 디자인은 하나 또는 다른 기하학적 몸체입니다. 기하학적 몸체 - 원통, 공, 원뿔, 평행육면체, 입방체, 피라미드. 물체를 보면 매우 자주 그 물체에 여러 개의 기하학적 몸체가 있다는 것을 알 수 있습니다. 그림에는 눈에 보이지 않는 구조, 디자인을 그릴 때 그리는 방법이 있거나 "초안"이라고 더 자주 불립니다.
미술의 실루엣 (그래픽 기술)은 객체의 그래픽 표현 유형입니다. 이것은 물체의 단색의 평면 이미지입니다. 일반적으로 실루엣은 밝은 배경에 잉크로 그리거나 검정색 배경에 흰색으로 그리거나 어둡거나 밝은 종이에서 그림을 잘라내어 다른 톤의 시트에 붙입니다.
섬세한 그래픽의 구성 – 예술적 이미지를 더 잘 공개하기 위해 특정 시스템과 순서로 작품의 모든 개체, 요소 및 부분을 배열합니다. 구성은 원형, 정사각형, 타원형, 직사각형으로 표시됩니다.
그림의 표현 수단, 주제별 구성의 실행 순서, 예술가가 미리 만듭니다.스케치, 연구, 그림, 스케치,
이로써 그림이 만들어집니다.