음악 학교에서 누가 솔페지오를 가르칠 수 있나요? 어린이 음악 학교에서 솔페지오를 가르치는 문제를 해결하는 방법. 음색 청각. 포니즘의 느낌

솔페지오

어린이 음악학교 준비반 프로그램

설명 메모.

유치원과 음악 학교(일반 교육 및 음악)의 음악 수업은 음악적 능력뿐만 아니라 어린이의 능력을 "깨우고" 발전시키는 것을 목표로 합니다. 음악 수업의 방법론은 어린이 성격의 미적, 예술적, 노래, 모터 플라스틱 및 의사 소통 특성을 드러내는 데 중점을 둡니다. 음악은 새로운 것을 배우고 얻은 경험을 실험하려는 어린이의 욕구를 목표로 합니다. 새로운 것에 기뻐하고 놀라려는 아이들의 욕구를 보호하는 것이 중요하며, 이를 위해 교사는 아이들의 공개된 능력과 공개되지 않은 능력을 최대한 수용해야 합니다. 듣고, 보고, 느끼는 것이 필요하며 때로는 어린이의 모든 내부 인식 과정을 수반하는 복잡하게 연결된 구성 요소이며, 그는 자신의 몸, 생각 및 마음으로 세상을 흡수하고 인식합니다.

어린이 음악 학교 준비 그룹의 작업 방법을 연구하는 과정에서 컴파일러는 J. Metallidia A. Pertsovskaya "유치원 그룹을위한 Solfeggio", 1998의 방법 론적 개발로 전환했습니다. 모스크바; M. Kotlyarevskaya - Kraft, I. Moskalkova, L. Bakhtan "어린이 음악 학교 준비 부서를 위한 Solfeggio"; E. N. Vishnyak “어린이 음악 학교 준비 그룹에서 어린이들과 함께 일하고 있습니다.” 위에서 언급한 음악가 교사들의 경험을 바탕으로 편집자들은 이를 현대적이고 변화된 조건에 적용하여 프로그램의 타당성을 가장 잘 요약하려고 노력하고 있습니다.

이 프로그램의 참신함은 새로운 음악 교육 모델의 설계, 프로그램 컴파일러의 개인적인 개발과 현대적인 방법의 결합, 미취학 아동 교육에 대한 방법론적 접근 방식의 종합에 있습니다.

"어린이 음악 학교 준비반 어린이를 위한 솔페지오" 프로그램은 다음과 같은 예술적이고 미학적 초점을 두고 있습니다.

아이의 성격 발달을 위한 조건 만들기

지식과 창의성에 대한 동기부여 개발

학생들에게 보편적인 인간 가치를 소개합니다.

음악교육훈련과제 수행

예술적 관심과 취향의 발달

이 프로그램은 어린이 음악 학교 및 미술 학교 준비 부서와 관련이 있으며 수요가 많습니다.

어린이 음악 학교의 음악 및 미학 교육 및 훈련 주기의 과목 중 하나인 솔페지오 과목은 공통된 글로벌 목표, 즉 예술적 사고를 육성하는 과정에서 학생의 성격 개발을 달성하는 것을 목표로 합니다.

어린이를 위한 Solfeggio는 음악 분야의 모든 요소와 음악 활동 유형에 초점을 맞춘 전체적인 음악 세계입니다. 따라서 이 프로그램은 창의적인 교육학의 원칙을 바탕으로 다양한 유형의 예술을 포함하는 광범위하고 통합적인 접근 방식을 제공합니다. 이 접근 방식은 어린이 음악 교육의 주요 목표, 즉 음악적 청력, 기억력 및 기본적인 음악 제작 기술의 조화로운 발달을 보다 완벽하게 실현하는 데 도움이 됩니다.

이 솔페지오 프로그램은 어린이 음악 학교에서 학생(6~7세)을 대상으로 1년간 공부하도록 고안되었습니다.

프로그램의 목적 :

음악적 성향 개발에 있어 최고의 결과를 얻으세요

가장 밀도 높은 음악적 능력을 드러냅니다.

어릴 때부터 전문적인 음악적 기술을 개발하십시오.

메트로리듬 작업의 필요성을 증명하십시오.

음악교육의 주요 목표 :

교육적인: 초보 음악가가 보컬 억양, 메트로 리듬 및 청각 기술을 익히는 데 필요한 지식과 기술을 습득합니다. 글을 읽고 쓰는 음악 애호가;

개발 중: 인지적 관심과 창의적 능력의 발달, 주의력, 기억력, 논리적이고 창의적인 사고, 추가 음악 훈련에 대한 욕구 형성, 지식과 창의성에 대한 아동의 동기 부여;

교육적인: 고국의 음악 전통과 세계 음악 예술의 고전 유산에 대한 사랑의 음악 예술 수단을 통한 형성; 인내와 노력과 같은 자질의 형성. 어린이 음악 학교에서 더욱 효과적인 훈련을 위해 필요한 지식, 능력, 기술 및 활동 방법의 필수 수준을 달성하기 위한 인내력을 배양합니다.

프로그램 목표 :

음악적 사고의 기초 교육: 분석적 인식, 음악적 언어 구성의 특정 패턴에 대한 인식;

음악에 대한 어린이의 사랑과 관심을 일깨우십시오.

학생들에게 자신이 습득한 지식을 실제로 적용하는 데 필요한 기술과 능력을 제공하고 음악을 배울 필요성을 창출합니다.

학생들의 레퍼토리를 확장하기 위해 창의적인 음악을 연주하고 독립적으로 음악 작품을 배우려는 욕구를 불러일으킵니다.

모노포닉 노래의 보컬 및 억양 기술을 개발합니다.

“어린이 음악 학교 준비 수업 프로그램”은 발달 기능뿐만 아니라 교육 기능도 수행합니다. 음악 교육의 개념은 단순히 음악적 능력을 개발하는 것보다 더 광범위합니다. 준비반 아이들을 가르치는 과정에서 성격 발달의 법칙과 연령 관련 특성을 고려할 필요가 있습니다.

음악교육의 내용 역시 상상력이 풍부한 사고력과 상상력을 키우는 것입니다. 의지, 주의력, 자의성 등 음악 예술을 통해 올바른 교육적 영향력을 형성하고 어린이의 정서적 영역을 발전시켜 관심과 기쁨의 감정을 불러일으킵니다.

아이들을 가르칠 때 긍정적인 정서적 태도는 필수이며, 아이가 활동적이 되도록 격려하는 재미있고 흥미로운 형태도 필수입니다.

이 프로그램의 기본이 되는 첫 번째 방법론적 원칙은 아동의 지적, 정서적 발달을 활성화하는 수단의 상호 작용입니다.

이 상호 작용의 필요성은 사고, 기억, 주의력(지능 영역)과 관련되고 정서적 착색(감정 영역)을 갖는 지각의 매우 특이성에 의해 결정됩니다.

두 번째 방법론적 원리는 또한 이러한 인식의 특징, 즉 음악적 인상 축적의 우선성(고급 인식의 원리)과 관련되어 있으며, 이는 활동적인 음악 활동의 기초를 형성합니다. 그리고 과정의 마지막 단계에서만 음악 현상에 대한 이론적 이해가 이루어지고 이론적 개념이 "탄생"됩니다. 세 번째 방법론적 원칙은 특정 것에서 일반으로 연결됩니다.

네 번째 원칙은 동심원적 학습 방법으로, 새로운 수준에서 배운 내용으로 지속적으로 복귀해야 한다는 필요성으로 이해됩니다. 이 방법을 사용하면 새로운 음악 자료를 사용하여 과거 문제로 돌아갈 수 있습니다. 이는 주제를 "전달"(안전하게 잊어버리는) 방법과 정반대입니다. 솔페지오의 주제는 특정 방향으로의 기억과 청각에 대한 지속적인 훈련이 필요하기 때문에 이것은 또한 중요합니다. 이것이 없으면 음악적 능력 개발의 전진은 불가능합니다.

두 가지 더 중요한(특히 미취학 아동을 가르칠 때) 방법론적 접근 방식은 동심원 방법과 관련이 있습니다. 바로 반복 원리와 "단순에서 복잡한" 원리입니다.

> 교실에서의 기본 형태와 작업 방법.

사용된 방법

수업 구성 방식에 따른 방법:

구두(구두발표, 대화, 강의)

시각적(비디오 및 멀티미디어 자료 표시, 일러스트레이션, 관찰, 매뉴얼 사용, 구현 사례를 보여주는 교사)

실용적(지침, 샘플, 카드에 따라 작업 완료)

문제 탐색(학생이 교사의 의도적인 실수를 탐색함)

게임 동기부여 방법(수많은 교육용 게임 활용)

과학적 방법(시험, 개별 설문조사 카드, 표 및 그래프 활용, 결과 분석, 학업 성취도 향상 예측 및 교육 자료 학습)

어린이의 활동 수준에 따른 방법:

설명 - 설명(어린이는 기성 정보를 인식하고 동화함)

재생산(학생들은 습득한 지식과 숙달된 활동 방법을 재생산합니다)

부분 검색(교사와 함께 할당된 문제에 대한 해결책을 찾기 위한 집단 검색에 어린이가 참여)

연구(학생들의 독립적인 창작물)

교실에서의 학생 활동 조직 형태에 따른 방법 :

정면 (전체 학생 그룹과의 동시 작업)

개인 – 정면 (개인 및 정면 작업 형태를 번갈아 가며)

그룹 (그룹으로 작업 구성)

개인(개인별 과제완료, 문제해결)

실제 수업 형태

. 전통 수업

결합된 실습수업

강의 – 대화

게임

학부모님과 함께하는 공개수업

레슨 – 퀴즈 (연말에)

예상 결과:

이 프로그램의 교육 결과, 학생들은 다음을 수행합니다.

다양한 작업 기술을 배워보세요

구두 지시를 따르는 법을 배우십시오

그들은 주의력, 사고력, 상상력, 예술적, 미적 취향, 창의성 및 상상력을 개발할 것입니다.

마스터 작업 기술

의사소통 능력을 향상시키고 의사소통 능력과 팀워크 능력을 습득합니다.

그들은 음악 및 소음 소리, 레지스터, 모드(메이저, 마이너), 보표, 고음 및 베이스 음자리표 등 모든 유형의 음악 활동에 대한 이론적 지식을 습득합니다. 음표, 길이, 박자, 강세, 2/4 박자 기호. ⅔. 오프 비트, 톤, 반음, 샤프, 플랫, 베카르, 다이나믹 쉐이드, 포르테, 피아노, 크레센도, 디미니우엔도, 도의 모달 연결(기초 및 브레이크), 건반, 토닉, 코드, 3화음, 장조와 단조의 색상, 조옮김 , 등등.

그들은 특별한 기술과 능력을 습득하게 됩니다: 올바른 노래 호흡(진정한 흡입, 경제적 호기, 구문의 호흡 변화), 노래 및 일관된 노래, 모음 "a" 및 "o", "u", "e"의 올바른 형성, 발달 좋은 발음과 명확한 표현; 테트라코드 내에서 하나 또는 두 개의 소리에 대한 가장 단순한 성가의 억양, 범위와 음조 감각을 개발하기 위한 성가 부르기, 교사의 화성적 지원을 받아 단어가 포함된 간단한 노래 부르기, 토닉이 지배적인 경향에 기초한 음표에 대한 간단한 연습 노래 부르기 , 가장 간단한 성가를 친숙한 음조로 바꿉니다.

그들은 음악 작품의 감정적 성격을 결정하고, 음악 장르(노래, 춤, 행진곡, 왈츠, 폴카 등)를 분석하고, 3화음과 박자를 귀로 결정하는 등 음악적, 청각적 이해를 발전시킬 것입니다. 저작물의 성격과 표현수단에 대한 구두적 정의.

다음 활동을 익히십시오.

교사의 조화로운 반주에 맞춰 노래를 부른다.

듣고 있는 음악에 맞춰 리듬 반주를 연주합니다.

간단한 노래와 3화음의 가사를 동시에 부르면서 피아노 건반을 연주합니다.

교육 및 이론:

규칙에 대한 지식과 이를 이해하면서 말하고 실제 업무를 수행할 때 이를 활용하는 능력 친숙한 리듬 조합과 리듬 반주를 카드에 배치하세요.

창의적인:

문구 엔딩의 즉흥 연주;

주어진 단어와 리듬에 따라 멜로디를 완성하고, 토닉으로 끝나는 안정적인 프레이즈를 완성합니다.

특정 이미지를 표현하는 멜로디의 피아노 즉흥 연주;

멜로디를 작곡합니다.

문화 및 교육:

콘서트 및 공연 참여;

노래와 함께 낮 시간 및 휴일 공연, 소음 오케스트라 악기 연주;

제어 시스템 및 평가 메커니즘

제어 시스템에는 자기, 상호, 교사 제어가 포함되며 이론적 지식 시스템, 특수 능력 및 기술, 창의적 잠재력 시스템에 따라 학생들의 지식, 기술 및 능력을 평가할 수 있습니다.

위의 구성요소에 대한 각 학습 단계에는 적절한 평가 기준이 있습니다. 이러한 기준은 학생들에게 열려 있으며 모든 사람이 원하는 결과와 해당 등급을 달성하기 위해 학습 노력을 조절할 수 있습니다.

통제 형태는 다음과 같습니다.

정면 조사

빠른 현재 설문조사

숙제의 체계적인 점검

매 분기 말에 테스트 레슨 실시

이론적 지식을 통합하기 위한 구두 테스트

축적된 창의적 능력에 대한 학점

최종 시험

모든 유형의 통제를 통해 각 학습 단계에서 학생의 지식, 기술 및 능력을 평가할 수 있습니다.

커리큘럼 시행 조건 .

스터디 그룹 가용성(12명 이하)

학생용 교과서 가용성, 방법론 문헌

소음 계측기의 가용성

포노 및 오디오 라이브러리 이용 가능

교훈적인 유인물의 가용성

이론 분야 교사의 상호 출석

교사의 자기 교육인 솔페지오 교육의 새로운 형태와 방법을 적극적으로 검색합니다.

프로그램 내용

보컬 억양 기술 및 모달 감각 개발.

노래는 솔페지오의 기초입니다. 정확하고 표현력이 풍부한 노래는 아마도 솔페지오 레슨에서 습득하는 주요 기술일 것입니다. 솔페지오 수업의 목표는 아이들에게 노래하는 법을 가르치는 것뿐만 아니라 노래하는 동안 노래를 계속해서 듣고 학생들이 노래를 다양한 관점에서 분석하도록 가르치는 것입니다. 구조, 길이, 음영. 소리의 힘. 동시에 공연의 예술적인 측면도 잊어서는 안 됩니다. 따라서 보컬 및 억양 기술의 개발은 교사가 솔페지오 수업에서 직면하는 가장 어려운 작업입니다.

준비 수업의 주요 활동 형태는 노래입니다. 이것은 또한 아이의 정신의 정서적 측면, 자발적인 관심, 자제력을 개발하는 공연 연습이기도 합니다. 예비반 학생들이 자신을 표현하는 것은 노래를 통해서입니다. 올바른 노래는 순수한 억양의 핵심이며 청력을 형성합니다. 따라서 교사는 어떤 형태의 작업에서든 노래의 질을 엄격하게 모니터링해야 합니다. 숨을 쉬지 않고 콸콸 소리를 내며 노래하는 것, 거의 들리지 않을 정도로 입술을 다물고 노래하는 것은 허용되어서는 안 된다.

Solfegist 교사는 억양이 좋지 않은 어린이, 특히 유아를 다루어야 하는 어린이가 얼마나 많은지 잘 알고 있습니다.

그러므로 어린이의 조감각과 음높이 개념의 형성은 초등교육의 가장 중요한 과제이다. 시창, 솔페깅, 앙상블 가창 등의 형태에 대한 기초를 다지는 것이 준비 수업에서 가능합니다.

프로그램을 익히는 초기 단계에서는 게임 형태의 음악 및 언어 자극에 주의를 기울여야 하며 정규 작업에 언어 치료 및 "손가락" 운동을 포함시켜야 합니다.

선율 요소에 대한 인식과 동화, 선율 자체에 대한 감각은 발성 및 억양 기술의 형성을 통해 가장 효과적으로 발달됩니다.

어린이의 목소리 능력을 고려해야합니다. 어린이는 일반적으로 1 옥타브의 여섯 번째 "D"- "B"범위에서 편안하게 노래합니다. 이 음량의 음성은 가장 가볍고 자연스럽습니다. 1옥타브의 '도' 소리는 무겁고 긴장감 있게 들리므로 처음에는 피하는 것이 좋습니다. 교육적인 음악 자료의 선택에는 많은 주의를 기울여야 하며, 예술적으로 흥미롭고 설득력이 있으며 구조적으로 명확해야 합니다. 마찬가지로 연주되는 노래도 있어야 합니다.ㅏ아카펠라그리고 선생님과 함께. 전제 조건 중 하나는 표현력입니다. 텍스트와 멜로디의 사전 분석, 주요 억양 식별, 동적 음영 분포 등을 기반으로 합니다.

솔페지스트 교사는 노래 기술을 개발하는 기본 기술을 익히고 숙달해야 합니다. 노래 기술의 형성은 다음과 같습니다.

. 몸과 머리의 위치를 모니터링하십시오. 아이들은 몸을 구부리지 말고 똑바로 앉아야 하며, 몸을 곧게 펴고 발을 바닥에 얹어야 합니다. 손은 무릎 위에 자유롭게 놓입니다.

노래하는 호흡 형성: 차분하게 들이쉬고, 경제적으로 내쉬고, 문구 사이에서 호흡을 바꿉니다.

모음 "a", "o", "u", "i"의 올바른 소리 형성과 부드럽고 둥근 억양을 가르치십시오(입을 자유롭게 열고 입술과 혀가 제한되지 않고 활성화됨).

좋은 발음과 표현을 연구하고 자음의 명확한 발음을 가르칩니다.

자료 전달 순서는 다음과 같습니다.

짧은 멜로디 - 좁은 범위의 노래: la1 – mi1(어린이 목소리의 중심 영역)

인접한 소리와 함께 안정적인 음계를 포함하여 노래합니다. 즉, 토닉 5도 내에서 메이저 스케일을 마스터하는 데 도움이 되는 곡입니다.

멜로디 범위의 점진적인 확장, 모달 내 콘텐츠의 합병증.

모달 느낌에 대한 작업의 마지막 형태 중 하나는 모달 감각 형성의 각 단계를 수반하는 솔페주입니다. 이 양식은 숙제를 통해 강화되며 초견으로 계속됩니다. 초견을 위한 예를 선택할 때, 다루는 주제에 따라 단순한 것부터 복잡한 것까지 원칙을 엄격히 준수해야 합니다. 또한 기억해야합니다. 이 양식은 미취학 아동에게 가장 어렵고 전체 기술의 충분한 개발이 필요하므로 다루는 각 주제에 대한 최종 특성을 갖습니다.

이론적인 자료.

높음, 낮음, 중간 소리입니다. 레지스터.

키보드, 키. 옥타브.

직원. 노트.

키: 고음, 저음.

변경 표시: 날카로움, 편평함, 베카르.

모드: 메이저, 마이너.

톤, 반음. 메이저 스케일의 구조.

규모, 색조. 주요 징후.

감마, 단계. 강장제, 입문 소리.

안정적인 단계, 불안정한 단계. 명음.

안정적이고 불안정한 문구 끝.

트라이어드 메이저, 마이너.

유니슨, 코드.

기간: 하프, 쿼터, 여덟번째

템포, 박자, 균일한 박동, 강하고 약한 박자, 악센트.

비트, 바라인, 비트. 이중엽 및 삼엽엽 크기.

일시 정지: 4배. 여덟 번째.

2\4, 3\4 크기로 실시합니다.

리듬 패턴.

음악 작품의 성격. 감정적, 미적 의미의 단어 사용(명랑함, 명랑함, 활기차음, 기발함, 즐거운; 슬프다, 애처롭다, 우울하다, 슬프다 등)

음악 자료의 반복과 대비의 개념.

구절 형식.

음악 구문: 구문, 문장. 카이수라. 문구의 반복, 질문 및 답변 구조.

음악적 언어 요소에 대한 연관 인식:

모달 컬러링(메이저, 마이너), 트라이어드(메이저, 마이너).

레지스터: 높음, 중간, 낮음.

주요 음악 장르: 노래, 춤, 행진곡.

자음과 불협화음 및 간격의 일반적인 개념.

작업 형태.

환영 노래 부르기 - 성가.

가사와 함께 노래를 부르는 망토lla 또는 교사의 조화로운 지원을 받아.

노래 부르기 - 하나 또는 두 개의 인접한 소리로 노래하기: I-II-III, III-II-I, III-I, IV-III-II-I, III,IV-II-I, I-II-III-IV -V, V-IV-III-II- 나.

"in a chain"이라는 문구로 노래를 부릅니다.

선생님의 조화로운 지원으로 노래를 부릅니다.

리드미컬한 패턴(리듬 음절)의 박수와 운율적인 박자를 두드리며 지휘하면서 노래를 부릅니다.

노래 조옮김 - C - , D - , F - , G - 메이저 키로 노래합니다.

메이저 스케일의 억양.

강장제에 맞춰 노래하기:

뷔가 위아래로 '집으로 가는 길'을 부른다

반응 구성을 구성하고 이를 가사로 노래합니다.

10. 당신이 들었던 음악의 운율 박자에 박수를 쳐보세요(2\4.3\4 박자):

전체 수업:

한 그룹은 강한 비트만 쾅쾅 치고, 다른 그룹은 모든 비트를 쾅쾅 친다.

한 그룹은 비트에 박수를 치고, 다른 그룹은 리듬 패턴으로 박수를 칩니다. 이 연습에서는 어린이 소음 오케스트라의 악기를 사용할 수 있습니다.

11. 2\4로 진행합니다. 3\4 또는 미터법 박자를 표시하고 리듬 음절로 리듬 패턴을 발음합니다.

12. 한 손으로 미터법 비트를 두드려 보세요. 다른 하나는 리듬 패턴이다.

13. 리듬 패턴으로 노래를 인식합니다.

14. 노래의 리듬 패턴을 분석합니다.

노래의 리듬 패턴을 녹음하거나 게시합니다.

15. 게임 "반복". 악구의 리듬 패턴(2\4박자에 2소절)을 반복하고, 암기하여 적거나 리듬 카드를 사용하여 배치할 수 있습니다.

16. 들은 곡의 크기를 결정합니다.

17. 리드미컬한 즉흥 연주:

교사 또는 학생 중 한 명이 리듬 프레이즈(2\4박자에 2소절)로 박수를 칩니다. 다른 어린이는 자신에게 제안된 리듬 문구를 반복하고 자신의 문구로 반응합니다.

18. 성격의 정의, 노래의 조화. 양식. 멜로디를 분석하는 능력

19. 피아노 미니어처 듣기 및 분석(예: 차이코프스키의 "어린이 앨범", 프로코피예프의 "어린이 음악" 사이클, Artobolevskaya, Lyakhovitskaya 컬렉션의 작품 등)

20. 사용된 템포, 문자, 레지스터 형식을 결정합니다. 작품의 성격과 모드 사이의 연관성을 찾는다. 부품의 대비 및 반복 결정.

21. 듣는 악기곡의 장르를 결정합니다. 장르의 특성 표시: 작품의 템포, 크기, 성격.

인간의 삶에서 리듬의 중요성을 과대평가하는 것은 어렵습니다. E. Jacques-Dalcroze의 이름은 100여 년 전에 음악 인식의 미학적 수준과 감각 운동 수준의 결합을 통한 박자와 리듬의 발전으로 음악-리듬 교육 시스템의 토대를 마련한 사람으로 잘 알려져 있습니다. 다양한 연령대의 학생들과 함께하는 솔페지오 수업의 결과로 E. Jacques-Dalcroze는 특정 리듬의 움직임이 얼마나 큰 이점과 즐거움을 가져다 주는지 발견했습니다. 그는 기분과 성능을 향상시키는 음악과 신체의 융합 상태인 리듬의 근육 감각의 효과를 밝혔습니다.

시간에 맞춰 정리하는 것은 어린이 음악을 가르치는 초기 단계에서 가장 중요한 작업 중 하나입니다. 음악적 리듬감은 음악의 표현력에 대한 인식을 바탕으로 하기 때문에 음악 밖에서는 음악적 리듬감이 깨어나거나 발전할 수 없다.

리듬을 전혀 가르칠 수 없습니다. 음악적, 리듬적 감각은 음악 활동 과정에서만 발달합니다.

박자 리듬감의 개념은 다음과 같습니다.

다양한 템포에서 움직임이 균일하다는 느낌 또는 음악 작품의 운율적 박동에 대한 직관적인 인식

크기의 느낌, 즉 강조된 비트와 강조되지 않은 비트의 조합 및 교대;

리듬 패턴의 인식 및 재현.

음악으로 전환하는 과정에서 아이들은 멜로디의 메트로 리듬 구조 법칙을 직관적으로 이해합니다. 이 예비 단계 이후에는 기보법 연구를 바탕으로 리듬을 더욱 의식적으로 동화시키는 단계로 넘어갑니다.

리듬감을 형성하는 것은 초기교육의 중요한 과제 중 하나이다. 음악에 대한 사랑 키우기, 리듬감 개발, 모달 청력 및 음악적 사고력 개발, 연주 기술 개발, 악보 요소 숙달 등 이 모든 것이 초보자와 작업할 때 서로 얽혀 있습니다.

그리스어 단어 "리듬"는 측정된 유량을 의미합니다. 우리 삶의 모든 것은 계절의 변화, 낮과 밤의 시작, 심장 박동 등의 리듬에 따라 달라집니다. “음악에서 리듬은 삶을 증언하는 맥동이다”(A. G. 루빈스타인).

A. Artobolevskaya에 따르면 "리듬은 리듬에 "감염"되는 것만큼 많이 가르쳐지지 않습니다." 아이가 듣는 음악 자체가 리듬을 느끼는 데 도움이 된다. 리듬 연구의 주요 조력자는 청력과 음악적 기억, 움직임의 신체적 감각입니다. 리듬 영역의 정보는 "음악은 시간에 따라 흐르는 예술"(A. Artobolevskaya)이기 때문에 시간 감각과 불가분의 관계로 어린이의 의식에 전달되어야 합니다.

음악적 리듬의 요소를 작업하는 방법은 다양합니다. 첫 번째 수업에서는 음악 펄스의 균일성, 미터법 박자의 측정된 추종, 또는 "음악에서 들리는 단계"에 대한 인식을 얻는 것이 중요합니다. 이를 위해 반주와 함께 사용 가능한 노래를 선택할 수 있습니다. V. A. Yakubovskaya 컬렉션에서 "We are go with flowers", "Little Red Lady", "Like our cat", "Shepherd boy"등의 노래를 가져올 수 있습니다.

학생은 균일한 맥동을 듣고, 오른손과 왼손을 번갈아 가며 리드미컬하게 걷거나 두드려야 합니다. 리듬을 설명하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. L. Barenboim 교수는 다음과 같은 권장 사항을 제시합니다. “8분의 1과 4분의 1 - 이것은 어린이가 학습 초기 단계에서 읽고, 연주하고, 노래해야 하는 연극의 기초가 되는 소리 지속 시간의 비율입니다. "두 부분으로 구성된 이러한 기간의 조합은 먼저 학생들이 숙달해야 하며, 숙달해야 합니다. 즉, 산술적으로 "계산된" 범주가 아니라 일시적인 확장으로 느껴지고 공식처럼 확고하게 숙달되어야 합니다(고정관념)."라고 그는 썼습니다.

리듬에 대한 초기 인식은 학생들의 다양한 지속 시간에 대한 명확한 청각 감각을 기반으로 해야 합니다. 간단한 길이(4분 음표와 8분 음표)가 번갈아 나타나는 특징이 있는 동요(멜로디)로 학생들과 작업을 시작하는 것이 더 편리합니다.

리듬 음절을 사용하면 초기 단계에서 리듬 패턴을 이해하는 데 도움이 됩니다. 각 기간에는 분기 - "ta", 8분의 1 - "ti-ti"와 같은 특정 음절 이름이 지정됩니다.

우리는 작업에 다음 기술을 사용합니다.

아이들은 리드미컬한 음절을 사용하여 리드미컬한 대사를 읽습니다.

교사와 동시에 악보를 보면서 리듬 음절을 사용하여 리듬 패턴을 연주합니다.

학생은 라이브 음악 사운드를 통해 각 메트로리듬의 어려움을 감정적으로 인식해야 하며, 그런 다음에만 실제 작업이 정당화됩니다.

리듬감의 발달은 특별한 주의를 기울여야 합니다. 리듬 청각은 고유한 특성을 갖고 있기 때문입니다. 이러한 음악적 능력의 형성과 발전 과정에는 음악적 이미지의 리듬적 측면에 대한 인식과 이해, 연주와 창조가 포함됩니다. 음악적 리듬에 대한 인식은 활동적인 청각-운동 과정입니다. 그리고 음악에 대한 초기 인식이 어린이의 운동 반응을 불러일으키는 것이 매우 중요합니다.

리듬 교육은 리듬 맥동의 감각을 바탕으로 학생들의 리듬 조정 능력을 개발하는 것을 목표로 합니다. 리듬 교육을 할 때 솔루미제이션(리듬 패턴을 정확하게 준수하여 억양 없이 소리 이름으로 예문 읽기 또는 특별한 리듬 음절이 있는 박자 리듬 패턴 읽기)에 많은 관심을 기울입니다. 이 작업 과정에서 학생은 리듬의 어려움에 특히 주의를 집중할 수 있는 기회를 갖게 되는데, 이는 아이들이 아직 음표로 노래하는 경험이 많지 않은 학습 초기에 특히 중요합니다. 기간 이름을 지정할 때 "ti-ti" - 8분음표, "ta" - 4분음표, "tu" - 2분음표와 같은 리드미컬한 음절을 사용하는 것이 좋습니다. 이때 기존 동작의 기간을 나타냅니다. 8분의 1 - 박수치는 손. 4분음표 - 테이블 위에 손바닥을 올려 놓습니다. 하프 - 벨트 핸들.. "쿼터", "여덟 번째", "하프"의 개념은 아이들이 소리의 시간적 비례를 자유롭게 느낄 수 있을 때만 도입되어야 합니다.

초기 단계에서 리듬을 쓸 때 막대를 사용한 그래픽 표기법을 사용하는 것이 좋습니다. 짧은 막대는 8분 음표에 해당하고 긴 막대는 4분 음표에 해당합니다.

리드미컬한 활동에 게임 형태를 부여하여 예외 없이 모든 어린이의 관심을 끄는 것이 가장 쉽습니다. 첫 번째 단계부터 학생에게 리듬 프레이즈를 전체적으로 보는 능력을 키우고 가장 단순한 구조부터 시작하여 점차적으로 더 복잡한 구조로 이동하면서 내부 구조를 인식하도록 가르치는 것이 필요합니다.

어린이들에게 새로운 리듬 자료를 소개할 때, 시각적 이미지가 음악적 리듬의 인식을 촉진하기 때문에 어린이가 이해할 수 있는 리듬 카드, 도표 등의 시각 자료를 사용하는 것이 매우 중요합니다.

> 창의적인 능력을 육성합니다.

최근 몇 년 동안 솔페지오 수업에서는 전통적인 교육 작업 섹션(보컬 및 억양 기술 개발, 솔페지오, 리듬감 주입, 음악적 인식 주입)과 함께 창의적인 기술 교육에 대한 관심이 높아지고 있습니다.

학습 과정에서 창의적인 주도권의 개발은 큰 역할을 합니다. 이는 음악에 대한 학생들의 보다 감정적이고 동시에 의미 있는 태도를 장려하고, 각자의 창의적 능력을 드러내며, 성공적인 숙달을 위해 필요한 전제 조건인 주제에 대한 관심을 불러일으키고 연습 수행에 도움이 됩니다.

심리학에서는 인간의 창의적 활동을 상상력이라고 합니다. 인간의 두뇌는 결합하고 창의적으로 처리하고 창조합니다. 창의적인 활동은 사람을 미래로 향하게 하고 현재를 창조하고 수정하는 존재로 만듭니다.

모든 어린이는 예술적 창의성에 대한 성향을 갖고 있으므로 거의 모든 어린이가 작곡을 배울 수 있습니다. 어린이 음악 학교의 임무는 각 어린이의 창의력을 최대한 발전시켜 각 어린이가 개인, 예술가가되도록하는 것입니다. "마음속의 시인."

아이들의 창의적 발달에는 시스템이 있어야 합니다. 즉 단순한 것에서 복잡한 것까지 조화로운 움직임이 있어야 합니다. 음악적 반응을 구성하고, 강장제에 맞춰 멜로디를 부르고, 즉흥적인 리듬 반주 및 기타 창의적인 작업을 통해 교사는 학생들이 이 개념 또는 저 리듬을 어떻게 숙달했는지 확인할 수 있습니다.

중립음절의 강장제에 맞춰 멜로디를 부르기

응답 문구 작성

멜로디의 단편 작곡

주어진 리듬 패턴이나 시적 텍스트에 대한 멜로디 작곡

코스 범위 .

훈련은 1년 동안 지속됩니다.

교육 과정의 조직 형태 .

준비반의 교육은 주 1회 45분간 전통적인 그룹수업 형태로 진행됩니다.

통제 형태 .

임시인증 3쿼터와 4쿼터가 끝나고 장난스럽게 진행되는 마지막 레슨입니다. 채점은 3쿼터와 4쿼터 종료 시에만 부여됩니다. 매 학기 말에 학부모님이 참여하는 방학 수업도 좋은 성적을 거두었습니다.

최종 인증 이미 연말에 오디션 형태로 진행되는 레슨입니다.

평가 기준 .

평가 기준은 모든 형태의 작업에서 교사가 설정한 모든 작업을 포괄적으로 구현하는 것입니다. 이 경우 답변은 적절하게 평가됩니다. 자연스러운 억양이 없을 경우에는 선생님이나 학생 스스로가 피아노를 따라 연주하는 것이 허용됩니다. 교사(또는 억양이 좋은 학생)의 음성 지원도 가능합니다.

준비 수업.

1쿼터(9회 수업, 9시간)

수업의 모든 유형의 작업

시간

이론적인 자료.

2시간

- 모드 : 메이저, 마이너

- 단계: 안정, 불안정.

- 불협화음, 조화

- 미터법 맥동

- 크기: 2/4, 3/4

- 리듬 길이: 4분음표, 8분음표, 온음표, 2분음표

- 친숙한 기간의 리듬 모양과 패턴.

2시간

- 노래하는 저울

- 문구, 문장, 가사가 포함된 간단한 노래의 양에 따라 멜로디를 학습하고 노래합니다. 멜로디의 움직임 분석.

- 키와 소리로 멜로디 성가를 부르세요.

- 학습된 멜로디와 친숙한 노래를 리듬 음절로 노래합니다.

3 시간

다양한 노래와 단편에서 모드의 결정.

음계, 개별 단계 및 멜로디 전환을 키로 듣습니다.

짧은 멜로디를 귀로 분석합니다(움직임 방향 결정, 멜로디 전환, 간격 억양 결정).

- "리듬 에코": 성악, 피아노 또는 타악기로 연주되는 프레이즈의 리듬을 반복합니다.

리듬감 있는 구두 받아쓰기(리듬적인 음절로 반복하거나 카드와 함께 배치).

메트로리듬 작업:

2시간

음악에서 리듬, 박자, 강한 비트를 표현하는 능력.

리듬 점수.

총:

9시

준비 수업.

2쿼터(7레슨, 7시간).

수업의 작업 유형

시간

이론 자료:

1 시간

- 규모: 규모(메이저 및 마이너).

- 학위: 모드의 주요 3화음 - 메이저 및 마이너.

- 리듬 지속 시간: 4분 음표, 8분 음표, 16분 음표.

- 일시정지: 4분음표, 8분음표, 2분음표, 온음표.

보컬 및 억양 작업:

1 시간

- 메이저 스케일을 위아래로 노래합니다.

- 안정된 스텝을 조(음표 이름 포함)로 노래합니다.

- 문구, 문장, 가사와 음표가 포함된 간단한 노래의 양으로 멜로디를 배우고 노래합니다.

음악적 청력 개발을 위한 노력:

1 시간

- 리듬 패턴으로 친숙한 멜로디를 식별합니다.

- 메이저 및 마이너 모드로 멜로디를 듣고 노래합니다.

메트로리듬 작업:

1 시간

- 리듬 패턴을 읽는 시력.

- 리듬 점수.

창의적인 작업:

1 시간

- 강장제에 맞춰 멜로디를 부르세요(음절당).

- 등장인물의 특징을 활용한 뮤지컬 동화를 구성합니다.

악보:

2시간

- 음표, 어간, 우연, 일시 중지의 철자법.

총:

7시

준비 수업.

3쿼터(10레슨, 10시간).

수업의 작업 유형.

시간

이론 자료:

1시간 30분

- 색조.

- 2가지 유형의 트라이어드: 메이저, 마이너.

- 친숙한 리듬 지속 시간과 일시 중지의 리듬 인물입니다.

보컬 및 억양 작업:

2시간

- 2가지 유형의 트라이어드로 노래를 부릅니다.

음악적 청력 개발을 위한 노력:

2시간

- 2가지 유형의 트라이어드를 귀로 식별합니다.

- 배운 내용을 통합합니다.

메트로리듬 작업:

1시간 30분

- 다양한 길이의 장음계를 2박과 3박 크기로 노래합니다.

악기 연주:

1시간 30분

- 저울을 연주하세요.

- 멜로디 성가 조옮김(악기 및 음성 연주)

창의적인 작업:

0.5시간

- 교사의 반주에 맞춰 중성음절의 멜로디를 즉흥적으로 만들어 보세요.

_ 리듬의 즉흥 연주

마지막 수업

1 시간

총:

10 시간.

준비 수업

4쿼터(9회 수업, 9시간).

수업의 작업 유형

시간

이론 자료:

1 시간

- 이미 다루었던 내용을 반복 .

보컬 및 억양 작업:

1 시간

- 음표에서 가장 간단한 멜로디를 풀고, 그 중 일부를 암기하고, 반주 유무에 관계없이 노래합니다.

음악적 청력 개발을 위한 노력:

2시간

- 문구 양에 따른 구두 받아쓰기(음성 및 피아노 연주).

- 기보법에서 친숙한 멜로디를 식별합니다.

메트로리듬 작업:

1 시간

- 다양한 길이의 장음계를 2박과 3박 크기로 노래합니다. .

악기 연주:

1 시간

- 메이저 및 마이너 스케일 연주

- 짧은 멜로디의 "에코"를 연주하고 구구 단위로 구두 받아쓰기를 할 수 있습니다.

- 친숙한 키로 학습한 노래의 멜로디를 선택하세요.

창의적인 작업:

1 시간

- 주어진 텍스트나 특정 음절에 대해 음성으로 "질문"과 "답변"을 구성합니다.

- 친숙한 멜로디를 즉흥적으로 보컬로 연주합니다.

- 주어진 텍스트를 기반으로 작은 노래를 작곡합니다.

- 리드미컬한 즉흥 연주.

악보:

1 시간

- 친숙한 노래의 멜로디를 녹음하세요.

- 크기를 결정합니다. 막대를 표시하고 친숙한 노래의 리듬 패턴을 적어보세요.

마지막 수업

1 시간

총 :

9시

애플리케이션.

2011년 12월 29일자 카자흐스탄 공화국 교육 과학부 장관의 명령에 의해 승인된 어린이 음악 학교, 어린이 미술 학교의 표준 커리큘럼 및 프로그램 No. 543

안건

악기 피아노 수업 기간 7~9년

수업

아래에.

특기(도구)

솔페지오

집단음악 연주(앙상블, 오케스트라 등)

카자흐 음악문학

세계음악문학

선택 과목

전체 시간

방법론적 지원:

Alekseeva L. N. “어린이를 위한 게임 솔페지”

모스크바 음악원 - 어린이용

2. Artobolevskaya A. 음악과의 첫 만남 모스크바 1986

3 바렌보임 L. A. 음악 교육학 및 공연 모스크바 1974

바렌보임 L. A. 음악 연주의 길 모스크바 1974

비르첸코 T.V. 계단을 따라 노래와 함께: 어린이 음악 학교 준비 수업을 위한 방법론 매뉴얼. - M.: 소련 작곡가, 1983.

Vakhromeev V. solfeggio 교육 방법에 대한 질문. 엠., 1978.

Borovik T “4~6세 어린이를 위한 Ti-ti-Ta 및 di-li-Don 게임 이론” Minsk Para La Oro 2008

Volchkova V. N., Stepanova N. V. 프로그램 "어린 시절" 및 성격 개발. 유치원 Voronezh 2004 시니어 그룹을위한 수업 노트

Lezhneva O. Yu. "solfeggio 수업의 실제 작업" 모스크바. "블라도스" 2003.

Berak O. L. “School of Rhythm” 1부 모스크바 솔페지오 교과서 모스크바 2003

유아원 "어린이를 위한 솔페지오(Solfeggio)"의 교육 프로그램.

Varlamova A., Semchenko L. “Solfeggio 1학년”

Frolova Y. “Solfeggio” 준비 수업 “Phoenix” 로스토프나도누 2006.

Glukhova A.V. 추가 교육 이론 및 방법론에 대한 방법론 개발. 울리야놉스크 2012

MBOU DOD "어린이 음악 학교"의 이름을 따서 명명되었습니다. 수닥(Sudak) 도시 지구의 G. Shendereva"

보고서

주제에: « 어린이 음악학교 솔페지오 수업에서 노래 시창"

작성자: Pasichenko S.I.

교사 카테고리 I

O P E N I S L I S T A

음악 읽기 및 솔페지오 과정에서 교사의 작업은 처음부터 학생들이 노래를 볼 수 있는 능력을 갖추는 것을 목표로 해야 합니다. 이러한 태도로 제안된 "뮤지컬 입문서"가 만들어졌고 이에 대한 방법론적 지침이 편집되었습니다. 노래를 부르는 능력은 코스를 꾸준히 이수한 자연스러운 결과여야 합니다.

시창은 신중하게 생각하여 준비해야 하며 점차 더 복잡한 억양 연습이 필요합니다. 다음 유형의 억양 연습을 권장합니다.

별도의, 관련 없는 안정적인 모달 학위를 노래합니다.

연습은 청력의 의식적인 모달 음색 조율이 선행되어야 합니다. 학생들은 조율이 어떤 조에서 이루어지는지 알아야 하며 강장제를 듣고 노래해야 합니다.

교사는 학생들이 노래해야 하는 단계의 이름을 지정할 수 있지만 위의 다이어그램 중 하나에 포인터를 사용하여 지정 내용을 표시하거나 단순히 칠판에 수직으로 쓰는 것이 더 좋습니다.

Ⅶ

또는 등등.

IVIV

IIIIII

IIII

나나

학생들은 현재 공부하고 있는 조에 맞춰 소리를 부르며 노래합니다.

또한 음표와 함께 보드에 기록된 키의 음계에 따라 노래할 수도 있습니다(음표 위에 단계 지정을 입력합니다). 예를 들면 다음과 같습니다.

그러나 이 경우 교사는 작업을 복잡하게 만드는 두 가지 상황을 염두에 두어야 합니다. 첫째, 단계 지정이 학생의 관심 범위에서 벗어날 수 있습니다. 하지만 중요한 것은 아이들이 자신이 노래하는 수준이 어느 정도인지 항상 알고 있다는 것입니다. 둘째, 교사의 포인터는 척도 기록을 따라 오른쪽에서 왼쪽으로, 그 다음 왼쪽에서 오른쪽으로 이동합니다. 그러나 일반적인 음악 표기법은 항상 왼쪽에서 오른쪽으로 읽습니다. 아이들의 생각이 혼동되는 것을 피하기 위해 훈련 초기에 멜로디의 움직임을 보여주기 위해 음계의 기보법을 사용하는 것은 바람직하지 않습니다.

교사가 어떤 수준을 보여주고 있는지 확인한 후 학생들은 먼저 "마음"에서 해당 소리를 부르고 교사의 추가 표시가 있을 때만 큰 소리로 노래합니다. 교사가 한 손에는 지시봉을 잡고 다른 한 손으로는 반원들의 노래를 지휘하는 것이 가장 좋습니다.

교사의 지시에 따라 소리별로 노래하기, 처음에는 단계로만 구성된 다음에는 점프 없이 달성되는 불안정한 단계로 구성된 짧은 문구입니다. 예:V – III, 나 – V– 나, V – II – V – 나, V – III – V– 나, V – III – II – 나, V – VI – V – III – V, 나 – III – II – 나, 나 – III – II – V – 나, V – VI – Ⅶ – 나, V – VI – Ⅶ – V- 나, 등등.

소리별로 노래하는 것은 다음과 같이 이루어집니다. 교사는 단계를 보여주고 학생들은 먼저 "마음 속으로"해당 소리를 노래한 다음 큰 소리로 부릅니다. 이것이 노래의 각 사운드가 개별적으로 연주되는 방식입니다. 얼마 후 교사는 각 성가를 한숨에 부르도록 요구할 수 있습니다. 선택한 소리를 펼쳐서 학생들은 교사가 포인터를 어느 수준까지 움직이는지 관찰하고 소리를 상상해 봅니다. 큰 소리로 그들은 교사의 상응하는 몸짓에 반응해야만 새로운 소리를 냅니다.

소리별로 처음으로 연주되는 성가는 분리할 수 없는 하나의 악구로 불러야 합니다. 교사는 이 형식으로 문구를 보여주지 않습니다. 학생들은 기억을 통해 그것을 만들어야 합니다. 먼저 자신의 "마음"에서, 그 다음에는 큰 소리로 외쳐야 합니다. 당연히 리드미컬한 움직임은 균일하고 크기는 학습 과정에 해를 끼치지 않고 무의식적으로 유지될 수 있습니다.

교사가 보여주는 전체 멜로디 프레이즈를 균일한 리듬 동작으로 노래합니다. 동일한 시각 자료나 키보드의 이미지에서 교사는 위의 구호와 같은 문구를 두세 번 보여줍니다. 학생들은 그것을 “마음”으로 외우고 노래합니다. 먼저 개별 학생이 큰 소리로 부르고, 교사가 부르면 그 다음에는 모든 사람이 큰 소리로 부릅니다.

개별 소리의 반복을 사용하여 다양한 리듬으로 멜로디 프레이즈를 노래합니다. 교사는 문구 전체를 보여주고, 학생들은 이를 암기한 후 위에 표시된 대로 먼저 "머리 속으로" 노래한 다음 큰 소리로 노래합니다.

이 마지막 억양 연습의 가장 중요한 특징은 교사가 학생들에게 먼저 시각적으로뿐만 아니라 주로 내부 청각을 통해 문구 전체를 암기하도록 강요한 다음 큰 소리로 노래하도록 한다는 것입니다. 이것은 음표에서 시창을 직접 준비하는 것입니다.

그러나 음표에서 노래를 부르면 학생은 새로운 어려움에 직면하게 됩니다. 지금까지 교사는 기성품 형태로 리드미컬한 동작을 학생들에게 전달해 왔습니다. 처음에는 균일했고 특별한 주의가 필요하지 않았습니다. 나중에 학생은 리듬 패턴을 주의 깊게 모니터링하고 이해하고 재현해야 했습니다. 이것은 쉬운 일이 아닙니다. 리드미컬하게 다양한 문구를 명확하고 지체 없이 발음하는 방법을 교사에게 보여주기 위해서는 모달 정도의 청각적 표현에 상당히 유창해야 합니다. 그럼에도 불구하고 학생은 이전에 교사의 시연에서 리듬 동작을 직접 인식했으며, 그런 다음 악보와는 독립적으로 이 동작을 만들어야 합니다.

또한 학생은 이제 먼저 눈으로, 그 다음에는 내이로 문구 전체를 독립적으로 파악해야 합니다. 마지막으로, 초연해야 할 멜로디의 양이 늘어납니다. 이와 관련하여 문구를 더 큰 전체의 일부로 느끼고, 문장이나 기간 전체에 걸쳐 한 문구에서 다음 문구까지의 모달 음조 및 도율적 관점을 상상하는 것이 필요합니다.

새로운 어려움을 의도적으로 극복하려면 다음이 필요합니다. a) 멜로디에 대한 예비 분석; b) 청력 조정; c) 머릿속의 음표에서 멜로디를 노래합니다. d) 큰 소리로 반복해서 노래한다.

이 모든 일은 학생들이 처음에는 교사의 지도와 도움을 받아 수행한 다음 점점 더 독립적으로 수행됩니다.

멜로디 분석과 청각 튜닝 모두 모달 음조와 메트로리듬이라는 두 가지 측면을 가지고 있습니다.

멜로디의 모드-조 분석에는 조성을 결정하는 것뿐만 아니라 프레이즈에서 멜로디의 가장 중요한 참조 사운드를 찾는 것도 포함되어야 합니다. 따라서 청각의 모달 톤 튜닝을 위해서는 토닉, 토닉 트라이어드, 스케일과 같은 표준 연습뿐만 아니라 발견된 기준 사운드로 이어지는 간단한 억양도 노래하는 것이 좋습니다.

미터리듬 분석의 관점에서 보면 하나의 크기만 결정하는 것으로 제한할 수는 없습니다. 또한, 강한 비트와 약한 비트가 있는 멜로디의 시작 부분과 프레이징에도 주의하세요. 각 악구가 끝나는 위치를 악보에 표시하는 것이 필요합니다. 직원 위에 쉼표를 배치하는 것이 가장 좋습니다.

예비 메트로리듬 청력 조정에 많은 주의를 기울여야 합니다. 이렇게 하려면 노래를 시작하기 전에 타이밍 패턴, 프레이즈의 시작(강하거나 약한 비트) 및 특정 템포(보통 다소 느린)를 명확하게 표현하여 하나의 프레이즈 또는 전체 멜로디의 시간을 명확하게 측정해야 합니다. 마지막 것보다).

분석 및 튜닝 후에는 필수 타이밍에 따라 음표에서 머리 속으로 노래하는 것으로 이동해야 합니다. 이 경우 소리의 이름을 먼저 조용히, 그런 다음 엄격하게 템포에 따라 엄격하게 리드미컬하게 큰 소리로 "발음"하는 것이 좋습니다.

"박자 리듬의 개별 요소를 연구한 결과 얻은 주요 기술은 깊고 내부적으로 안정적인 템포 감각을 개발하는 것입니다."

"in our head"로 노래하는 것에서 우리는 큰 소리로 노래하는 것으로 나아갑니다. 처음으로 음표를 사용하여 시창을 시도할 때 각 악구를 개별적으로 연습하면서 노래가 자신감 있고 설득력이 있을 때까지 정신적으로 큰 소리로 여러 번 노래하는 것이 좋습니다. 그런 다음 "머리 속에서" 전체 멜로디를 불러야 합니다. 이는 청각적 관점을 확립하는 데 도움이 되며, 마지막으로 전체 멜로디를 큰 소리로 불러야 합니다. 이 멜로디에 대한 작업이 끝나면 교사는 후자의 표현 특성에 학생들의 관심을 끌고, 어린이의 적극적인 참여로 수업에서 멜로디의 정서적 내용을 느낄 수 있도록 돕고, 이를 바탕으로 다음을 찾습니다. 공연의 올바른 템포와 성격. 여기에는 시연과 구두 설명이 모두 필요합니다. 비유적인 비교는 종종 매우 유용합니다. 발끝으로 달리다”).

시창을 할 때, 성급하게 수업을 진행할 수도 없고, 학급 전체와 함께 항상 노래를 부를 수도 없습니다. 이는 최고의 학생, 즉 “리더”만이 의식적으로 시창을 하고, 전체 어린이 그룹이 수동적으로 그들을 따를 것입니다. 개별 어린이에게 먼저 시창을 부르도록 요청하고(각 학생이 차례로) 학급 전체에 지시를 내리는 것이 더 좋습니다. 항상 음표를 따르고 "머리 속으로" 노래하고 올바르게 수행된 "노래"를 반복하십시오. ”선생님의 사인에 멜로디.

서지:

1. E.V. Davydova "solfeggio 수업 중 시력 읽기", M., Muzgiz, 1957;

2. G. Fridkin “솔페지오 수업 중 초견”, 출판사 “음악”, 1965년;

3. A. L. Ostrovsky "음악 이론 및 솔페지오 방법론에 관한 에세이", L., Muzgiz, 1954;

추가 교육을 위한 지방자치 예산 기관

"어린이 음악 학교"
타분스키 지구

어린이 MASCH의 SOLFEGIO 수업의 게임 기술.

(방법론 보고서)

MBUDO "어린이 음악 학교"의 이론 분야 교사
페쉬코바 류드밀라 알렉세예브나

빌리지 타부니
2016년
현재 문제 중에는 현대 경제, 우리 사회의 정신적, 문화적 영역에서 대상 교육 및 훈련의 질과 효과를 향상시키는 방법을 찾는 것과 관련된 문제가 점점 더 중요해지고 있습니다.
교육을 조직하는 새로운 수단, 요소 및 방법을 찾는 과정에서 다음과 같은 것이 선호됩니다.
첫째, 본질적으로 다기능입니다.
둘째, 자기실현과 개인적 표현에 기여합니다.
셋째, 아이들에게 흥미로울 것입니다.
넷째, 현대 교육 시스템에 유기적으로 들어맞습니다.
이러한 모든 문제는 어떤 식으로든 우리 아이들의 기본 교육뿐만 아니라 추가 교육과도 관련이 있습니다. 현재 어린이미술학교의 학생은 어느 정도의 지식을 갖추고 있을 뿐만 아니라 이론적 정보를 실제로 적용할 수 있어야 합니다.
현대 지식을 갖춘 어린이에게 관심을 갖는 방법은 무엇입니까? 어떤 방법에 의존해야 합니까? 이제 막 음악을 배우기 시작한 아이들에게 첫 수업이 감성과 흥미진진한 형식으로 상상력을 놀라게 한다는 것이 얼마나 중요한지. 아이들은 마치 콘서트나 휴일에 가는 것처럼 움직임과 음악, 게임이 가득한 수업에 큰 즐거움을 가지고 갑니다.
solfeggio의 주제는 모든 전문 음악가의 발전에 큰 역할을 합니다. 실용적인 학문이며 음악적 능력을 개발하는 것을 목표로합니다. 이는 학생들의 후속 음악 활동에 필요한 특정 지식 및 기술 시스템을 개발합니다. 현대 수준의 교육에는 음악적 귀(멜로디, 화성, 다성), 리듬감, 음악적 기억, 상상력, 음악에 대한 정서적 반응, 미적 취향 등 음악성의 모든 구성 요소 개발에 대한 작업이 포함됩니다.
Solfeggio는 다양한 유형의 음악 활동을 결합하여 음악적 청력, 기억력 및 사고력 발달을 활성화합니다. 최근 몇 년 동안 솔페지오 수업에서는 교육 활동의 전통적인 부분(발성 및 억양 기술 개발, 솔페지오, 리듬감 교육, 음악 받아쓰기, 음악적 지각 교육)과 함께 창의적인 교육에 대한 관심이 높아지고 있습니다. 기술. 이 주제의 수업을 조직하는 새로운 접근 방식을 통해 솔페지오에 대한 대중의 의견과는 달리 가장 어려운 음악 분야 중 하나를 흥미롭고 접근 가능하게 만들 수 있습니다.
지루하고 어렵고 흥미롭지 않은 활동으로.
음악을 배우는 과정에서 초기 기간이 특히 중요합니다. 여기에는 젊은 음악가의 발전을 보장하는 기본 기술이 담겨 있습니다. 교사는 새로운 음악적 인상으로 학생을 사로잡고, 음악에 대한 사랑과 관심의 발전을 위한 토대를 마련하고, 학생 주변에 음악 분위기를 조성하고, 음악을 인식하는 능력을 개발하고, 내용에 침투하는 중요한 임무에 직면합니다. 그리고 그것을 경험해보세요 - 이 과제는 처음부터 솔페지오 선생님과 마주하게 됩니다. 이러한 목표를 달성하면 학생들의 관심이 유발되어 모든 후속 작업의 해결이 크게 촉진될 것입니다.

이 접근 방식은 학교 솔페지오 수업의 구조와 주제별 조건화에 의해 촉진됩니다. 주제는 점진적인 상향 이동 경향과 함께 단순한 것에서 복잡한 것까지 논리적으로 구축된 시스템을 나타냅니다.
학문 분야로서 솔페지오의 주제는 심리학과 직접적인 관련이 있습니다. 지각, 주의력, 기억력, 사고력과 같은 심리학의 기본 범주는 교사의 관심 분야에 지속적으로 있어야 합니다. 창의적인 분위기를 조성하는 것은 모든 수업의 중요한 조건입니다. 음악 과학의 개념, 규칙 및 법칙이 더 쉽게 이해되는 것은 창의성의 과정입니다.
대부분의 어린 아이들에게는 교육 및 인지 활동에 대한 동기 부여 준비가 아직 형성되지 않았습니다. 일반적으로 학습 첫해가 끝날 때까지만 동기가 게임 활동에서 교육 활동으로 점차 이동합니다. 솔페지오 수업에서는 음악적, 이론적, 용어적 정보를 공식적으로 암기하여 예술적, 비유적 활동을 교육적, 인지적 활동으로 극적으로 바꿀 필요가 없습니다. 아이들은 특히 시각적, 청각적 이미지나 자신의 삶의 경험에 의존할 수 있는 경우 전통적인 형태, 상징, 복잡한 개념을 쉽게 인식합니다. 풍부한 상상력은 부족한 부분을 쉽게 채워줍니다. 대부분의 정보, 특히 기본 음악 지식은 학생 자신의 상상력과 활동이 최대한 참여하면서 재미있는 형태로 제시될 수 있고 제시되어야 합니다. 동시에 우리는 K. Ushinsky도 교육을 오락으로 대체하지 말 것을 요구했다는 사실을 기억해야 합니다. 그는 이렇게 썼습니다. “물론 수업을 재미있게 만들었다면 아이들이 지루해지는 것을 두려워할 필요는 없습니다. 하지만 학습의 모든 것이 재미있을 수는 없으며 확실히 지루한 일도 있고 있어야 한다는 점을 기억하세요. 자녀에게 관심 있는 일뿐만 아니라 관심 없는 일, 즉 즐거움을 위해 의무를 다하도록 가르치십시오.”
어린 학생들은 명령, 금지, 학생 의무 요구를 이해하기 어렵고, 교육 과제에 오래 머물 수 없으며, 단조로움에 빨리 지루해지며, 이는 아이들을 빨리 지치게 합니다. 그들은 지능과 관심이 필요한 게임 활동을 위해 노력하고, 인내심을 가르치며, 올바른 솔루션을 신속하게 탐색하고 찾는 능력을 개발합니다.
게임 중에 아이는 더 이상 외부인에 의해 산만해질 수 없습니다. 게임은 아이를 완전히 흡수합니다. 또한 게임은 모든 교육 자료가 더 빠르고 확고하게 흡수되는 특별한 경쟁 분위기를 조성합니다. 아이가 가장 활기차고 강렬하고 창의적인 삶을 살아가는 것은 바로 놀이입니다.
VS Mukhina는 다음과 같이 매우 정확하게 강조합니다. “아이가 학교에 도착하면 즉시 게임 상황을 만들어 실제 교육 활동, 초기 기술 조건에 배치합니다. 심리학자 D. Uznadze는 음악 훈련은 게임이나 작업이 아니라 둘 다인 특별한 활동이라고 주장했습니다. solfeggio의 주제가 추상적이고 복잡하고 흥미롭지 않은 법칙, 규칙 및 개념의 "모음"이 되지 않는 것이 매우 중요합니다. 각 수업은 교사가 해석해야 하며 학생들은 음악 수업으로 인식해야 합니다. 음악으로 소통하는 과정은 단계별 과정이다.
현대 교육 방법과 전통적인 교육 방법의 주요 차이점은 교실에서 어린이의 자연스러운 존재 형태로 게임 상황을 만드는 것입니다. 아이들은 재미있는 형태의 발표 자료, 친숙하고 좋아하는 활동 분야에 포함될 수 있는 기회에 매력을 느낍니다. 그러나 솔페지오 수업을 듣는 것 자체가 끝은 아닙니다. 이것은 오락이 아니라 학생들의 완전한 영적 참여가 필요한 진지하고 흥미로운 활동입니다. 동시에 어린 학생들의 음악 및 게임 활동의 세부 사항을 지속적으로 기억할 필요가 있습니다. 이는 단일 교육 작업, 즉 주제에 종속된다는 사실에 있습니다. 학습 첫해에 solfeggio 프로그램은 다루어야 할 상당히 광범위한 주제 목록을 제공합니다. 전문 수업에서 모든 새로운 자료가 특정 음악적 예와 악기 연주로 확인된다면 솔페지오의 주제는 추상적으로 보입니다. 그리고 여기서는 문자 그대로 첫 번째 단계부터 매우 중요합니다. 아이의 관심을 끌기 위해, 정보를 너무 많이 주지 않기 위해, 눈에 띄지 않게 게임, 동화, 수수께끼, 수수께끼 등의 새로운 자료를 제공합니다.
어린이를 위한 게임은 어린이가 접근할 수 있는 활동적인 활동의 한 형태입니다. 학생으로서 아이는 부주의하고, 안절부절 못하며, 수업 시간에 온전한 헌신을 다하지 않을 수 있습니다. 그러나 창의적인 놀이에서 어떤 역할을 수행함으로써 그는 (적어도 일시적으로) 많은 긍정적인 특성을 획득합니다. “놀이를 통해 다양한 자질을 키울 수 있는데, 이는 교육적 관점에서 매우 중요합니다.” "게임은 개인의 창의적 능력을 드러냅니다. 놀이 없이는 본격적인 정신 발달이 있을 수도 없고 있을 수도 없습니다. 게임은 호기심과 호기심의 불꽃을 점화하는 불꽃입니다."
교실의 게임 상황, 밝은 시각 자료 - 이 모든 것은 공부가 지루한 작업이 되지 않고 아이들의 행복한 삶의 느낌을 빼앗지 않도록 하는 데 도움이 됩니다. 아이와 놀아줌으로써 상호 이해와 사랑의 기초를 다지게 됩니다. 이것은 남은 생애 동안 매우 중요합니다. 따라서 일반적인 가족 여가 시간이 더 다양하고 흥미로울수록 좋습니다. 음악적 발달은 모든 어린이에게 매우 중요합니다. 그리고 이것은 요람에서 나온 아기로부터 뛰어난 음악가를 키워야한다는 것을 의미하지는 않지만 그에게 음악을 듣고, 이해하고, 즐기도록 가르치는 것은 우리의 힘에 달려 있습니다.
음악적 발달은 아이의 성격의 전체적인 형성에 기여합니다. 음악을 들으면서 중추신경계와 근육계가 발달하고 사회화 과정이 촉진되며 예술적 사고와 미의식이 발달합니다. 시각 자료는 어린이가 교육 자료를 더 잘 동화하고 암기 과정을 활성화하는 데 필요한 시각적 표현을 만드는 교육 자료입니다. 여기에는 다양한 그림, 도면 및 다이어그램이 포함됩니다. 내용, 이미지 방식, 제조사의 기술, 목적 등이 다양합니다.
시각 자료를 사용하면 어린이는 간단하고 재미있는 방식으로 음악과 표현 능력에 대한 아이디어를 얻을 수 있습니다. 음악이 전달하는 다양한 감정과 분위기를 구별하는 방법을 가르칩니다. 보다 적극적으로 발전하십시오 - 음조 청력, 리듬감; 아이들은 음악에 관심을 가지게 됩니다.

시각 자료의 도움으로 수행되는 음악 작업은 어린이의 정신 활동을 크게 활성화하고 독립적인 음악 활동을 개발하여 창의적인 성격을 습득합니다. 이러한 시각 자료에는 아동에게 포괄적인 영향을 미치고 시각, 청각 및 운동 활동을 유발하여 음악 교육을 전체적으로 확장하는 음악 및 교훈적인 게임이 포함됩니다.
놀이는 어린 시절의 지속적이고 변하지 않는 동반자이며, 어린 시절에 유기적으로 내재되어 있으며 성인의 숙련된 지도를 통해 놀라운 일을 할 수 있습니다. 게으른 사람을 열심히 일하는 사람으로, 무지한 사람을 지식 있는 사람으로, 무능한 사람을 장인으로 만들 수 있습니다. 마술 지팡이처럼 게임은 때때로 너무 평범하고 지루하고 지루해 보이는 것에 대한 아이들의 태도를 바꿀 수 있습니다.
아이들은 수업 시간에 새로운 것을 배우는 것을 좋아할 뿐만 아니라, 이미 알고 있는 것과 적어도 한 번은 만족감을 느꼈던 것을 반복하는 것을 좋아합니다. 전문가의 관찰에 따르면 아동 정신의 이러한 속성은 성공적인 학습의 기초입니다.
교육적이고 재미있는 방식으로 프로세스를 구성하면 창의적인 능력 개발에 기여합니다. 유네스코에 따르면 듣는 사람은 정보의 15%를 기억하고, 보이는 정보의 25%, 동시에 듣고 보는 정보의 65%를 기억하며, 이 정보가 행동으로 강화되면 암기 과정이 더 빠르게 진행됩니다. 학습이 더욱 효과적이 됩니다.
현대 교육 방법과 전통적인 교육 방법의 주요 차이점은 교실에서 어린이의 자연스러운 존재 형태로 게임 상황을 만드는 것입니다. 아이들은 재미있는 형태의 발표 자료, 친숙하고 좋아하는 활동 분야에 포함될 수 있는 기회에 매력을 느낍니다.
그러나 솔페지오 수업을 듣는 것 자체가 끝은 아닙니다. 이것은 오락이 아니라 학생들의 완전한 영적 참여가 필요한 진지하고 흥미로운 활동입니다. 동시에 어린 학생들의 음악 및 게임 활동의 세부 사항을 지속적으로 기억할 필요가 있습니다. 이는 단일 교육 작업, 즉 주제에 종속된다는 사실에 있습니다.
학습 첫해에 solfeggio 프로그램은 다루어야 할 상당히 광범위한 주제 목록을 제공합니다. 전문 수업에서 모든 새로운 자료가 특정 음악적 예와 악기 연주로 확인된다면 솔페지오의 주제는 추상적으로 보입니다. 그리고 여기에서는 문자 그대로 첫 번째 단계부터 아이에게 정보를 과부하시키지 않고 게임, 동화, 수수께끼, 수수께끼의 형태로 눈에 띄지 않는 새로운 자료를 제공하는 것이 아니라 아이에게 관심을 갖는 것이 매우 중요합니다.
모든 아이들은 동화를 좋아합니다. 동화 이미지를 통해 음악적 능력의 기초를 익히는 것이 더 쉽습니다. 제가 실습에서 널리 사용하는 교과서 "The Magic World of Musical Sounds"(M.E. Pokrovskaya 편찬, N.S. Konstantinova)는 이에 큰 도움을 줍니다. 이것은 모든 관습을 담고 있으며 실제 정보를 재미있는 방식으로 제시할 수 있는 가능성을 지닌 동화입니다. 동화 '음악소리의 마법의 세계' 속으로 흥미진진한 여행을 떠나는 동안, 나는 아이들에게 본문을 읽어줄 뿐만 아니라 이 책과 함께 제공되는 CD에 담긴 음악도 함께 들어보았다. 이 책은 소리의 세계와 그 법칙에 대한 일련의 동화의 영향을 받아 훌륭한 교사이자 음악가 V. V. 아이들에게 이 세상을 열어주는 키류신(Kiryushin)이 썼습니다. 책을 읽으면서 아이들에게 단어의 의미에 대해 생각해 볼 수 있는 기회를 주고, 사건의 그림을 상상해 볼 수 있는 기회를 줍니다. 동화의 도움으로 나는 아이가 살고 있는 소리 환경에 아이의 관심을 끌고 있습니다. 동화 형식으로 다음과 같은 개념을 설명합니다.

모리시. 베이스 음자리표.

노트. 소리. 멜로디.

건반. 음악 직원. 옥타브. 등록하다.

이름을 참고하세요. 규모. 감마. 음정. 반음.

멜로디의 탄생. 지속. 율. 일시 중지됩니다.

미터. 재치. 크기. 공유하다. 악센트.

검은 건반의 비밀: 샤프, 플랫, 베카.

토닉. 열쇠. 모드: 메이저와 마이너.

삼인조. 간격.

템포, 다이나믹스, 사운드 특성 지정.

동화 '음악소리의 마법의 세계' 속으로 여행을 떠나는 동안 아이들은 음악이론을 빠르게 익힐 수 있습니다. 삽화는 이야기를 보완하고 흥미로운 작업은 다루는 내용을 강화하는 데 도움이 됩니다.
아이들에게 높고 낮은 소리를 소개할 때 교육 초기 단계에서 실습에 사용하는 또 다른 동화의 예:

교사: “한번은 "Teremok"에 관한 동화를 읽고 있는데 어떻게 잠이 들었는지 눈치 채지 못했습니다. 그리고 나에게는 꿈이 있었습니다. 마치 하나의 탑이 아닌 두 개의 탑이 숲 가장자리에 서 있는 것 같습니다. 그것들은 모두 비슷해 보이지만 문에는 다른 표시만 그려져 있습니다. 한 탑의 문에는 마치 하늘에 닿을 듯 높이 솟아 있는 이 표시를 "고음 음자리표"라고 합니다(그림 1). 그리고 또 다른 집 문에는 갈고리처럼 구부러져 아래를 내려다보는 간판이 붙어있습니다. 이 기호를 "베이스 음자리표"라고 합니다(그림 2). “이 작은 집에는 누가 살고 있나요?” - 나는 생각했다. 갑자기 고음 음자리표가 붙은 문이 열리고 작은 참새 한 마리가 문턱에 나타났습니다(그림 3). 그는 가늘고 높은 목소리로 "병아리 삑삑" 소리를 질렀습니다. 참새 뒤에는 탑의 다른 주민들도 나타났는데 그들도 역시 얇은 목소리를 냈습니다."
질문은 "얘들아, 높은음자리표가 있는 작은 집에 아직도 누가 살고 있다고 생각하니?"이다.
아이들의 대답: 참새, 박새, 나이팅게일, 새끼 고양이가 있는 고양이, 강아지, 쥐, 모기 교사: “그런 다음 "베이스 키"가 있는 문이 열리고 문지방에 있습니다.
곰이 나타났습니다(그림 4). 그는 낮고 낮은 목소리로 으르렁거렸다. 그리고 그 뒤에는 낮고 거친 목소리를 지닌 탑의 다른 주민들도 밖을 내다봤습니다. 질문은 이렇습니다. "얘들아, '베이스 키'를 가지고 있는 집에 또 누가 살고 있을 것 같니?"
아이들은 대답합니다: 늑대, 호랑이, 큰 개 등.

교사: “정말 마법같은 꿈을 꿨어요! 이제 제가 여러분에게 음악 작품을 연주하겠습니다. 음악이 누구를 묘사하고 있는지, 어떤 종류의 목소리를 가지고 있는지 짐작할 수 있나요?(높거나 낮은?)
그래서 나는 이미지와 연상을 통해 아이들에게 '고음자리표'와 높은 소리, '낮은음자리표'와 낮은 소리 사이의 대응관계에 대한 아이디어를 주려고 노력합니다.

그림 1 그림 2

그림 3 그림 4

게임은 항상 탐색, 주도성, 창의성이 요구되는 문제적 상황입니다. 이는 아이의 감정, 주의력, 지성을 이상적으로 동원하고 학습에 대한 관심을 높이며 심리적으로 아이를 해방시킵니다. 밝은 시각 자료의 사용, 음악 및 교훈적인 게임의 사용은 기쁨과 즐거움을 일깨우고 음악 및 이론 순환의 주제 전체에 대한 관심과 취향을 키우는 데 도움이 됩니다. 이 게임은 학생이 독립적이고 자발적으로 공부하도록 장려합니다. 게임 중에는 누구도 다른 사람보다 더 나빠지기를 원하지 않습니다. 경쟁의 정신, 모든 사람과 함께 플레이하려는 욕구는 가장 부주의한 사람이라도 자신이 배운 것을 반복하도록 강요합니다.
예를 들어, 나는 "음악 용어의 저금통"이라는 게임을 사용하여 솔페지오의 규칙을 조사합니다. 나는 각 어린이에게 답안지를 줍니다. 다음으로, 학생들 중 누구라도 돼지 저금통에서 질문이 적힌 카드를 꺼냅니다(그림 5). 질문에 가장 빨리 답하고 종이에서 답을 찾은 사람은 카드, 즉 메모를 받습니다. 결과를 요약 할 때 저와 남자들은 정답 수를보고 결과를 적고 추가 플레이를 위해 답변 시트를 교환합니다. 이러한 설문 조사를 실시하면 개별 설문 조사 중에 어린이에게 발생하는 긴장감을 완화하고 수업에 대한 관심을 일깨울 수 있습니다.

저는 학생들의 심리적, 연령적 특성을 고려하여 솔페지오 수업에서 상상력을 키우기 위해 게임을 사용합니다. 우리가 부르고, 듣고, 작곡하는 음악을 이해하려면 그것에 대해 이야기할 수 있어야 합니다. 또한 이 음악을 특징짓는 음악적 단어, 용어, 정의, 개념도 알아보세요. 그리고 이러한 음악적 개념과 용어를 기억하고 통합하기 위해 아이들과 저는 솔페지오 수업 중에 '개인 연주'라는 게임을 합니다. 모든 학생들은 자신의 전공 분야에서 배운 곡을 피아노로 연주합니다. 나머지 어린이들에게는 음악 표현 수단(장르, 형식, 모드, 음역, 템포, 강약, 성격, 리듬, 박자, 악구, 멜로디, 반주 등)이 포함된 카드가 제공됩니다. 학생이 작품을 연주한 후, 각 어린이는 자신이 받은 카드에 언급된 음악적 표현 수단에 대해 이야기합니다. 이러한 게임은 음악에 대한 귀를 훈련시키고, 작곡가의 의도를 추측하도록 가르치며, 음악을 다음과 같은 구성 요소로 분류합니다. 캐릭터 - 성인 또는 어린이, 템포 - 빠르거나 느림, 기분 - 슬프거나 쾌활함, 등록 - 낮음, 중간 또는 높음, 무엇 노래, 춤, 행진, 이 작품에 어떤 이름을 붙일 수 있는지 등 이 음악에 대해 할 수 있습니다. 노래를 부르고 배울 때도 비슷한 게임을 하는데, 학습 과정을 조절하기 위해 아이들이 미리 선택할 카드 구성을 통해 생각합니다.
카드를 사용하여 멜로디를 구성하는 어린이들에게 매우 유용하고 좋아하는 또 다른 게임은 "뮤지컬 로또"입니다(그림 6). 피아노로 멜로디를 작곡하는 것은 매우 유용하지만 처음에는 어려워 보일 것입니다. 그러나 모든 어린이는 특별한 음악 카드로 멜로디를 작곡하는 것을 좋아합니다. 수업에 들어오자마자 “우리 오늘은 멜로디를 작곡할 거예요?”라고 바로 묻는다. 모든 카드 중에서 9개만 필요합니다. 첫 번째 카드에는 높은 음자리표와 조표가 있고 나머지 8개는 학생이 선택할 수 있습니다. 학생은 먼저 높은 음자리표, 조표 및 크기가 표시된 카드를 찾아 조를 결정합니다. 이 카드를 먼저 놓습니다. 이제 그는 강장제를 알고 마지막 카드를 찾습니다. 이 카드에는 지속 시간이 꽤 긴 최종 강장제가 있습니다. 동시에 학생은 클래식에 가까운 단순한 노래 멜로디의 구조에 대한 간단한 규칙을 배워야 합니다. 4마디로 구성된 2문장입니다. 첫 마디에서 멜로디는 강장제의 개요를 설명하고, 네 번째 마디에서는 문장 사이에 휴지(숨을 쉬기 위해 멈춤)를 느끼기 위해 아마도 전체 마디에 대해 긴 지배음이 있는 것이 좋습니다.
두 번째 문장의 구조는 본질적으로 무엇이든 될 수 있으며 에세이가 강장제로 마무리되기에 충분합니다. 멜로디 구조의 패턴을 이해하는 과정에서 학생들은 첫 번째 문장과 두 번째 문장이 동일하거나 매우 유사하게 시작되는 경우가 많다는 점을 지적해야 합니다. 이미 세 번째 또는 네 번째 수업에서 모든 어린이는 카드를 사용하여 멜로디를 작곡하는 알고리즘을 마스터합니다. 그런 다음 저는 젊은 작곡가들을 위한 대회를 시작합니다. 우리는 어린이들과 합창단에서 테이블 위에 놓인 각 멜로디를 연주하고 누구의 멜로디가 더 나은지 결정합니다. 그러나 원칙적으로 모든 조건이 충족되면 나쁜 멜로디는 없습니다. 학생들은 자신이 가장 좋아하는 게임을 하면서 중간 및 마지막 종지, 문장, 반복 또는 비반복 구성 기간이 무엇인지 기억하고 이해하기 시작합니다. 어린이와 고등학생 모두 이 게임을 좋아합니다.

어린 학생이 솔페지오 수업에 오면 말 그대로 많은 새로운 용어, 외국어 및 그 의미 등 엄청난 양의 정보에 압도됩니다. 수업이 밝고, 비 유적 비교로 가득 차고, 순진하고 동화 같은 어린이의 인식에 접근 가능한 경우에만 수업에 대한 관심을 얻을 수 있기 때문에 아이들의 이해에 더 가까워 지도록 노력해야합니다.
교사가 어린이에게 잘 알려진 주변 세계 현상과의 연관성을 사용하면 어린이가 이해할 수 없는 복잡한 추상 이름이 더 가까워집니다. “음조”라는 주제를 설명할 때 나는 종종 친밀한 가족에 대한 유사점을 제시합니다. 나는 아이들에게 모든 가족에는 가장이 있다는 것을 상기시킵니다. 일부에는 어머니가 있고 일부에는 아버지 또는 할아버지가 있습니다. 음악적 소리 공동체에서는 강장제의 "규칙"이 있습니다. 어른이 된 사람은 누구나 자신의 가족을 만들고 그 우두머리가 될 수 있는 것처럼 모든 소리도 자신만의 "음악적 가족", 즉 음조를 만들고 그 안에서 강장제가 될 수 있습니다. 같은 가족 구성원은 종종 아버지 또는 어머니라는 공통 성을 갖습니다. 키의 이름은 강장제와 모드의 이름을 따서 명명되었습니다.

솔페지오 강좌를 통해 다양한 컨셉과 룰에 전념한 곡들을 익히는데 유용합니다. 교사가 학생들에게 공책에 오랫동안 지루하게 이론을 적고 집에서 암기하도록 요청하는 전통적인 형태보다 이 형태에서 아이들이 훨씬 더 빨리 배운다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 더욱이 초등학생들은 글을 쓰는 속도가 매우 느리고, 수업 시간에 규칙을 적는 데 많은 시간이 걸립니다. 노래는 아이들에게 수업이 더욱 생생하고 흥미로워질 수 있는 좋은 추가 자료가 될 것입니다. 예: "주요 단계에 관한 노래"(그림 7), "병렬 음조에 관한 노래"(그림 8).

저는 솔페지오 수업에서 초등 음악 이론의 주요 주제에 대한 카드와 같은 시각 자료를 매우 널리 사용합니다. 예: "리듬 및 미터"(그림 9), "간격"(그림 10), "트리톤 및 특성 간격"(그림 11), "트라이어드 및 그 반전", "트라이어드 유형"( 그림 12 ), "일곱 번째 코드"(그림 13), "라틴어 톤 지정", "5도 음의 원"(그림 14), "모드의 주요 각도 코드" - 반주 기술 개발용( 그림 15), 카드 "고조파 시퀀스"(그림 16). 우리는 이 컷 자료(일부는 양면 카드)를 이론적 답변, 청각 분석 및 작업 형태 훈련에 사용합니다.

그림 15 그림 16

학생들은 솔페지오 수업 중에 "음악 카드"와 악기 연주를 좋아합니다. 게임 이름은 "도움말 서비스 01"입니다. 판지 카드에 우리는 지팡이, 높은음자리표, 날카롭고 납작한 건반 기호를 그립니다. 총합은 15가 됩니다
카드(샤프 7개, 평면 7개, 부호 없는 1개) - (그림 17) 차례로 모든 사람은 "카드"덱에서 하나의 "카드"를 꺼냅니다. 그들은 피아노에 접근하여 기호(샤프 또는 플랫)와 번호를 지정한 다음 "전화"를 연주합니다. 예를 들어, 어린이는 5도의 날카로운 체인을 악기에서 위쪽으로 연주하기 시작하여 큰 소리로 발음하여 숫자 5에 도달합니다(최대 - 0 기호, G - 기호 1개, D - 기호 2개). , A - 기호 3개, E - 4자, si - 5자). 마지막 숫자(5)는 키에 해당하며, 그 이름은 우리가 결정해야 하는 키의 강장제입니다. 그런 다음 아이는 강장제의 이름을 지정하고 "major"라는 단어를 추가합니다. 그 결과 5개의 샤프가 있는 B장조의 조가 탄생했습니다. 우리는 또한 평평한 장음으로 연주하는데, 악기에서는 평평한 5도 체인만 아래쪽으로 연주됩니다. 이것이 Phone 01의 아이들이 샤프의 경우 8개 키, 플랫의 경우 7개 키를 모두 배우는 방법입니다. 수업 시간에 이 게임을 더 자주할수록 저울의 기호가 더 빨리 기억됩니다.

놀이는 아이에게 즐거움과 기쁨일 뿐만 아니라 그 자체로 매우 중요합니다. 그것의 도움으로 주의력, 기억력, 사고력, 상상력을 키울 수 있습니다. 놀면서 아이는 때로는 깨닫지 못한 채 새로운 지식, 기술, 능력을 습득하고 능력을 개발할 수 있습니다.
거의 모든 게임은 단순화된 버전이나 복잡한 버전으로 플레이할 수 있습니다. 따라서 아이들과 함께 게임을 구성할 때는 아이들을 면밀히 살펴보고 개개인의 특성을 평가해야 합니다. 아이들이 작업에 빠르고 쉽게 대처한다면 더 복잡한 작업을 제공할 수 있고, 반대로 어려운 경우에는 간단한 작업에 더 오래 머무르는 것이 좋습니다. 어떤 상황에서도, 또래들이 쉽게 할 수 있는 일이라 할지라도 아이가 뭔가를 할 수 없다고 비난해서는 안 됩니다. 아이에게 무언가를 가르치는 것뿐만 아니라 자신감을 심어주고 자신의 아이디어와 결정을 방어하는 능력을 개발하는 것도 중요합니다. 이는 창의적인 작업을 수행할 때 특히 그렇습니다. 각 게임은 어린이가 어른들, 다른 어린이들과 나누는 의사소통입니다. 이 게임은 동료의 성공을 기뻐하고 자신의 실패를 견디는 법을 배우는 협력의 학교입니다. 친선, 지원, 소설과 환상의 즐거운 분위기 - 이 경우에만 게임이 아동 발달에 유용할 것입니다.

하나의 교육 테마로 통합된 다양한 게임,
"오래된 것 안에 새로운 것"이라는 원칙을 개발하기 위한 조건을 조성할 수 있으므로 특정 주제에서 발생하는 지루한 반복을 피하는 데 도움이 됩니다. V.A. Sukhomlinsky는 "단조로움은 빨리 지치게 만듭니다."라고 썼습니다. "아이들이 지치기 시작하자마자 나는 새로운 유형의 일로 넘어가려고 노력했습니다. 피로의 첫 징후는 사라지고 아이들의 눈에는 즐거운 빛이 들어오고 단조로운 활동은 창의성으로 대체됩니다."
고정된 훈련 방법인 교훈적인 게임은 수업을 더욱 강렬하게 만들고 다양성을 더하는 데 도움이 됩니다. 기술이 다양할수록 어린이는 이 분야에 대한 시야가 넓어지고 나중에 습득한 지식과 기술을 더 자유롭게 사용할 수 있습니다.
그러므로 모든 운동과 과제는 학습자에게 기쁨과 만족을 가져다주어야 합니다. 게임의 형태를 취하여 이 기능을 더 많이 수행하고, 수업 전체가 일반적인 정서적 고양으로 "채색"되어 교육적 영향에 대한 인식과 특정 요소의 동화에 대한 긍정적인 태도를 아이들에게 만들어줍니다. 교육 자료.
선생님이 학생들에게 가져다주는 기쁨은 그의 기쁨이 될 것이며, 함께 보내는 즐거운 순간은 수업을 더욱 흥미롭고 즐겁고 재미있게 만드는 데 도움이 될 것입니다. 나는 동료들에게 여러 가지 게임을 제공합니다.

초조해하는 게임

"수수께끼를 맞춰보세요"

교사는 악기로 일련의 단계를 연주합니다. 아이들은 "뮤지컬 계단"에서 보여주면서 듣습니다. 그런 다음 남자 중 한 명이 음표로 노래하여 "수수께끼를 추측"합니다. "수수께끼"는 각각 별도의 단위로 노트에 적을 수 있습니다. 작업은 특정 크기와 리듬으로 제공되거나 제공되지 않을 수 있습니다. 이 게임은 받아쓰기 전에 아무 키나 조율할 때 사용하면 편리합니다.

"뮤지컬 에코"

목표는 음악적 귀와 음악적 기억력을 발달시키는 것입니다. 6~8명의 어린이로 구성된 '뮤지컬팀'. 교사는 공을 가지고 각 팀원에게 차례로 던지며 동시에 학습한 음계 단계를 노래합니다. 공을 던진 아이는 공을 잡고 (공이 가까운 거리에서 던져지기 때문에 쉽습니다) 즉시 교사에게 던져야하며 동시에 프렛 단계를 반복해야합니다. 학생들은 교사를 따라 부르는 노래를 숲 속의 메아리 소리에 비유하면서 이 게임을 스스로 "내레이션"했습니다. 새로운 플레이를 할 때마다 게임이 더욱 어려워집니다. 그런 다음 가사 없이 음표 이름과 함께 짧은 멜로디를 부릅니다. 게임은 교사 대신 발표자의 역할을 어린이가 차례로 수행하고 텍스트나 음표 이름이 포함된 노래를 스스로 만들 때 정점에 도달합니다.

"지휘자의 게임"

교사는 키에 따라 8명을 배정하고 그들 사이에 음표 이름을 배포합니다. 이 게임은 "소리나는" 줄에 있는 각 참가자가 자신의 소리의 이름과 음조를 기억한 후 지휘자의 움직임에 따라 노래를 불러야 하는 것입니다. "음"이 어떤 순서로 연주되어야 하는지는 지휘자에 따라 다릅니다. 지휘자는 자주 변경됩니다(가장 유능한 어린이가 먼저 바뀌고 그 다음이 나머지입니다). 각 학생은 음계의 특정 소리가 되므로 음계의 계단 느낌, 안정된 소리와 불안정한 소리, 노래와 해상도, 지휘자의 손에 따른 친숙한 멜로디 연주 등을 모바일 작업으로 수행할 수 있습니다. 일반적으로 이 게임은 어린이의 적극적인 정서적 반응을 불러일으키고 음악에 대한 귀와 음악 기억력을 발달시킵니다.

"질문 답변"

이 게임에는 창의성과 즉흥성의 요소가 포함됩니다. 아이들이 이미 음계의 정도를 잘 알고 자유롭게 억양할 수 있는 수업에서 사용할 수 있습니다. 교사는 특정 어린이에게 질문을 던집니다. 질문은 첫 번째 단계를 제외한 모든 단계에서 완료되어야 합니다. 학생은 토닉으로 끝나는 동일한 조성으로 답을 불러야 합니다. 질문은 매우 다를 수 있습니다. "학교에 무엇을 몰고 가셨나요?", "읽기를 좋아하시나요?" 등.

"뮤지컬 모자이크"

교사는 음표 이미지가 포함된 악보를 배포합니다. 각 종이에는 크기와 키를 나타내는 막대가 하나씩 포함되어 있습니다. 어린이 과제: 멜로디 듣기(아무 노래나 사용 가능) 그런 다음 막대를 올바른 순서로 배열하세요. 이 게임은 내면의 청력을 발달시킵니다.

리듬 게임

"알아 맞추기 게임"

교사는 친숙한 노래의 악구를 연주하여 어린이들에게 그 노래가 어떤 단어로 들리는지 알아보고, 노래하고, 리드미컬한 음절과 몸짓으로 박수를 치고, 카드를 펼치도록 권유합니다.

"스터비 당나귀"

리듬감 개발 외에도 이 게임은 어린이들에게 "오스티나토"라는 개념을 소개합니다. 이 단어의 의미는 어린이들이 쉽게 기억할 수 있으며, 동일한 리듬을 반복하는 "완고한 당나귀"와 연관됩니다. 이 게임에는 "Stubborn Donkey"(L. Efremova의 음악 및 가사)라는 노래가 함께 제공됩니다. 그룹이 노래를 부르고, 학생 중 한 명이 '완고한 당나귀' 역할을 하며 어린이용 타악기로 리드미컬한 오스티나토를 연주합니다. 노래에는 두 개의 절이 있으므로 두 명의 어린이가 "솔로 연주자" 역할을 할 수 있으며, 각 어린이는 한 절을 연주합니다. "당나귀"에 대한 과제는 리듬 카드를 사용하여 교사 또는 학생 중 한 명이 제공합니다. 이 게임은 초등학생의 가장 단순한 리듬 그룹을 연구하고 고학년의 다른 기간 조합을 소개하는 데 모두 적합합니다.

"논쟁하자"

교사는 아이들에게 서로 논쟁하는 사람들이 때로는 너무 흥분해서 모두가 자신의 관점을 옹호하면서 동시에 말을 한다는 점을 상기시킵니다. 게임 참가자들이 연주하는 리듬 악보에서 그들 각자는 다른 부분과 다른 자신의 부분도 가지고 있습니다. 다른 '이론자'와 동시에 '자신의 의견'을 정확하게 표현하면서 리듬을 연주해야 합니다. 게임은 작업에 따라 다양한 기간과 그룹을 사용할 수 있습니다. 과제는 교사가 미리 준비하거나(칠판에 적음) "분쟁" 참가자의 리드미컬한 즉흥 연주를 나타냅니다. 후자의 경우 게임 조건(크기, 마디 수, 학생들이 자신의 파트에 포함해야 하는 필수 리듬 그룹)에 대해 논의해야 합니다.

“특정 크기의 카드를 선택하세요”

이 게임은 미터 감각을 키우는 것을 목표로합니다. 교사는 어린이들에게 작은 리드미컬한 로또 카드를 보여주며 각 카드는 한 박자라고 설명합니다. 다음으로, 교사는 다양한 리듬 패턴의 박자 카드를 테이블 위에 놓고 두 명의 어린이를 초대합니다. 각 어린이에게는 2/4, 3/4, 4/4, 3/과 같은 박자표가 부여됩니다. 8, 6/8. 최소한의 작업은 주어진 크기에 맞는 사용 가능한 카드 리듬 패턴을 선택하는 것입니다. 최대 작업은 선택한 카드를 단일 리듬 순서로 배치하고 소리를 내면서(두드림, 박수) 강한 비트를 강조하는 것입니다.

"라두쉬키"

이 게임을 통해 강박과 약박이 교대로 나타나는 특징을 귀로 쉽게 인식할 수 있습니다. 남자들은 쌍으로 나뉩니다. 교사는 다양한 크기의 곡을 연주하고 학생들은 박수를 쳐 음악의 '박동'을 표시합니다. 모두가 "괜찮아"를 연주하는 것처럼 강한 비트와 약한 비트를 서로 박수칩니다. 물론 처음에는 혼란이 있지만 아이들은 즐겁게 놀고 작업을 쉽게 완료하여 작업의 크기를 결정합니다.

간격이 있는 게임

"계주"

이 게임은 간격의 이론적 구성을 익히는 데 도움이 됩니다. 우리 학생들이 1학년 초에 하는 '옥타브' 매뉴얼을 활용하면 됩니다. 가로 시트에 그려진 14개의 피아노 건반(2옥타브)을 나타냅니다. 제 생각에는 "옥타브"는 초등학교뿐만 아니라 중학교 수업에도 필요합니다. 다른 악기를 연주하는 어린이는 물론 학생, 피아니스트조차도 시각적으로 보면서 음정, 화음, 음계를 더 쉽게 구성할 수 있기 때문입니다. 열쇠의 위치는 당신 앞에 있습니다. 게임의 요점은 아이들이 "체인"(예: 단 1/3만)으로 일정한 간격을 만들고, 이후의 각 학생이 이전 학생이 완성한 소리에 따라 이름을 지정한다는 것입니다. 간격을 노래하거나 위아래로 말합니다. 릴레이도 키로 연주할 수 있습니다. 이 경우 학생들은 특정 단계 위나 아래에서 시작하여 결과 간격의 품질(순수 쿼트, 증가, 감소)을 결정하는 일부 유형의 간격(예: 쿼트)을 구성합니다.

"팀별 게임"

사람들은 두 팀으로 나뉘며 보드는 두 부분으로 나뉩니다. 두 그룹의 어린이 모두 보드의 절반으로 이동합니다. 교사는 간격을 두고 연주합니다. 각 팀원은 차례로 1-2 간격을 기록합니다. 게임이 끝나면 결과가 비교됩니다. 멤버들의 실수가 적은 팀이 승리했습니다. 이러한 형태의 작업은 각 팀이 사운드 또는 보드의 키에서 간격, 코드를 구성할 때 서면 연습에 사용할 수 있습니다.

"누가 이겼는가"

이 게임은 간격 카드를 사용합니다. 아이들이 적절한 시간에 빨리 찾아서 일어날 수 있도록 책상 위에 미리 놓아두었습니다. 교사는 조화로운 간격을 연주하고 아이들은 올바른 카드를 보여줍니다. 실수하고 잘못 보여준 사람은 앉았지만 계속 대답합니다. 마지막에 정답을 맞히고 끝까지 자리를 지킨 사람이 승자가 됩니다.

“간격을 마치자”

교사는 하나의 소리를 바탕으로 음정 중 하나가 언급되는 음악 프레이즈를 연주합니다. 예를 들어 "장3도를 부르세요" 또는 "여기 완전 5도가 있습니다." 학생은 원하는 간격을 얻기 위해 "예"라는 단어로 두 번째 소리를 위아래로 불러야 합니다. 이 게임은 소리의 간격을 수행하여 음성 및 청각 기술을 개발합니다.

결론

아이들은 천성적으로 호기심이 많고 배우고 싶어합니다. 그들이 자신의 재능을 발휘하는 데 필요한 것은 어른들의 능숙한 지도뿐이다. 모든 어린이는 능력과 재능을 가지고 있습니다. 그들 중 일부는 흥분하지 않았고, 훈련이 부족하고, 발달이 부족했습니다. 우리는 능력개발의 관점에서 볼 때 이러한 풍요로운 시대를 놓쳐서는 안 됩니다. 아이가 지식의 경이로움, 주변 세계의 풍요로움과 아름다움에 대해 가장 개방적이고 수용적일 때, 구름을 뚫고 나오는 태양 광선, 꽃잎 위의 작은 벌레에 놀라는 방법을 잊어버릴 때까지 , 그리고 우리 어른들이 즐기는 방법을 잊어버린 많은 것들이 있습니다.
아이들에게 가장 중요한 학습수단은 놀이입니다. 놀이의 순간은 자료의 동화에 유익한 영향을 미치고, 수업에 활기를 불어넣고, 아이들의 일에 대한 관심을 일깨워준다는 것은 잘 알려져 있습니다. 이 게임은 아이의 에너지, 주의력, 지성을 이상적으로 동원합니다. 학생은 새로운 개념을 기성 공식의 형태로 암기하는 대신 실제로 실제로 경험할 수 있는 기회를 얻습니다. 심리학자들은 순수한 논리와 비교할 때 정서적 고양 상태가 자료의 암기 정도를 여러 번 증가시킨다는 것을 설득력 있게 입증했습니다. 아이의 이성적 영역과 정서적 영역은 균형을 이루고 하나의 전체로 작용해야 합니다.
놀이가 아이들의 삶에서 매우 중요하다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 학습에 재미있는 형태의 작업을 사용하면 아이들이 더 쉽게 새로운 지식을 흡수하고 기쁨과 열정을 가지고 공부할 수 있습니다.
수업에 사용되는 게임 형태는 아이들의 흥미를 높여줍니다. 아이가 원하지 않으면 강제로 일할 수 없기 때문에 이것은 매우 중요합니다. 학습 과정을 강화하는 유일한 방법은 사람들의 관심을 끄는 것입니다. 그러나 이는 요구 사항을 줄이지 않고 고정된 긍정적 결과를 통해 학생의 모든 자질을 개발함으로써 이루어져야 합니다. 학습에 대한 학생들의 관심을 일깨우는 것은 주로 게임 기술을 통해 달성됩니다. 수업의 특정 부분에 대한 어린이의 관심과 정서적 반응을 불러일으키기 위해 게임을 사용할 때, 우리는 이러한 상황적 관심이 교육 활동의 본질에 대한 관심으로 바뀌고 외부 형태에만 관심을 두지 않도록 노력해야 합니다. 게임의.
게임 교육 방법은 교육학의 혁신적인 프로세스에 속하며 건강을 구하는 요소이며 학습 프로세스의 활성화, 품질 향상 수단이 되며 지식 제어 방법입니다. 놀이 기반 학습의 건강 절약 효과는 어린이 삶의 정서적 측면에 눈에 띄는 영향을 통해 달성됩니다. 노는 것은 아이에게 기쁨이며, 기분이 좋으면 어떤 문제도 더 잘 해결할 수 있습니다.

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이리나 치치나
어린이음악학교 1학년 솔페지오 레슨 개발 “D장조의 핵심”

주제 수업: « D장조의 키» .

활동 유형: 합쳐졌습니다.

난이도: 평균.

수업 형태: 그룹.

지속 수업: 45 분

표적: 개발 스케일 억양음계 학습의 예를 이용한 청력 및 도량형 기술 D 메이저.

교육적 및 방법론적 재료:

1. 음악예술분야 예비전문교양교육 프로그램 추가 "피아노"에 의해. 02. 업. 01. "음악의 이론과 역사"주제별 « 솔페지오» , MBU DO에서 구현됨 "니콜라예프 어린이 미술 학교". 편집자:: Chernova T.N., Shalagina N.V., 2016.

2. 튜토리얼 « 솔페지오» , 1 수업. A. Baraboshkina, 에디션. "음악",중. ,1988

3. 워크북 솔페지오, 1 수업. 칼리니나 G., 2009

4. 튜토리얼 « 1학년 솔페지오어린이 음악학교'- "우리는 놀고, 쓰고, 노래해요", 비교. J. 메탈리디, A Pertsovskaya, 1989

5. 튜토리얼 « 동화 속 솔페지오» , O. Kamozina, 출판. "에크스모", 엠., 2015

6. Buluchevsky Yu., Fomin V. 학생들을 위한 짧은 음악 사전. - 엘. "음악", 1986

7. Koroleva S. 음악 이론 솔페지오 레슨. - 세인트 피터스 버그, "작곡가", 2011

목표 수업

기초적인:

개발 음계 억양 청력;

학생들에게 새로운 것을 소개합니다. 재료: D장조의 키;

초기 조옮김 기술을 개발합니다.

새로운 용어를 익히는 데 도움이 됩니다.

음악적 인식 능력을 향상시킵니다.

수업 중에는

1단계. 인사말.

음악으로 소통하고 싶은 기분. 목표와 목표 설정 수업.

2단계. 보컬-이론적 워밍업.

노래. C 스케일로 노래 부르기 주요한: 솔파지리드미컬한 패턴의 카드를 사용하여 지휘하는 것입니다.

2/4 I P I I P I I I II

2/4 P P I I P I I II

4분음표와 8분음표의 리듬 그룹을 사용하여 C 메이저 스케일을 자유롭게 노래합니다.

트라이어드를 부르세요, 토닉. 반복하다 "곰의 노래" A. Filippenko (p. 34 A. Baraboshkina,

동화를 기억해 "톤, 톤, 반음" (pp. 18-19 O. Kamozin)

메이저 스케일의 구조를 반복합니다.

3단계. 이론

규모 구축 "건반"메모에서 "답장"주요 규모 계획에 따라. 감마 선택 피아노 D장조.

4단계. 변화의 징후

규모를 구축하는 과정에서 D 메이저 fa# 및 do#의 두 가지 키 기호가 정의됩니다. 기보법을 통한 식별 기술 키 C 및 D 메이저. 소개됨 개념: 주요 징후. 단계 계산 D 전공 출신"토닉".

5단계. 척도 구축 D 메이저

새로운 개념의 정의. 조옮김 - 멜로디를 하나에서 옮기는 것 다른 사람의 열쇠. 비교 열쇠 C장조에서 C장조로의 조옮김의 기본 원리 D 메이저. 토닉. 악보 노트에 공부 중인 음계를 적고, 단계, 입문음, 강장제에 라벨을 붙입니다.

Stage 6. 보컬- 억양 작업.

음계를 노래하다 D 메이저리듬 패턴으로 주요 기호의 이름으로

지휘와 함께.

7단계. 솔페깅과 노래 부르기.

분석 No. 50 우크라이나 민요 “Galya는 정원을 산책했습니다” (p. 38 A. Baraboshkina).

정의 D장조의 키. "손으로 노래해요"노래의 리듬 패턴, 8번째 지속 시간 - 박수, 1/4 지속 시간 - 책상 위에. V단계에서 I단계로 멜로디가 하향 이동하는 것에 주의하세요.

노래하다 솔페지오, 깨끗하고 조화로운 억양을 달성하고 지휘의 명확성을 달성합니다. 말로 노래하세요.

분석번호 52 "기관차가 온다, 기관차가 온다"(A. Baraboshkina, p. 39, 멜로디의 방향을 결정하고 동일한 문구를 표시하고, 지휘를 약속하다.

8단계. 청각 분석.

리듬 받아쓰기. 리듬 패턴을 탭하세요. "메리 파이프" sl. N. Frenkel, 음악: M. Krasev, 편곡: A. Pertsovskaya (p. 35 Zh. Metallidi, A Pertsovskaya)반주와 함께. 멜로디를 문구로 나눕니다.

노래의 리듬 패턴을 녹음합니다.

9단계. 창의적인 작업.

1. 정의 및 이름 지정 "숨겨진"낮은 음자리표의 칠판에 적힌 음표의 이름을 말로 표현한 것입니다(11페이지 F. Kalinin « 솔페지오» 통합 문서, 작업 번호 8. 어떤 조치를 취해야 하나요? D 메이저 그들은?

2."메리 파이프"- 소음 악기를 사용하여 노래 배우기 (드럼, 탬버린, 트라이앵글)

10단계. 위에서 다룬 내용의 반복 수업. 새로운 개념과 기술의 통합.

질문은 가장 중요한 단계를 반영합니다. 설명: - 주제의 이름을 기억하세요 수업; - 감마란 무엇인가, 그 구조; - 토닉, 트라이어드, 스케일 정도; - D장조의 키, 주요 징후; - 프레이즈, 메이저, 포르테 및 피아노, 악센트;

베이스 음자리표, 베이스 음자리표의 소리 배열; - 그룹화 기간; - 조옮김이란 무엇입니까? - C장조에서 C장조로 멜로디를 옮기는 방법 D 메이저.

11 단계. 요약 수업.

아이들은 자신의 작업을 평가합니다. 수업, 참여 일하다: - 마음에 들었나요? 수업; - 가장 마음에 들었던 점

누가 가장 잘 일했는지 수업.

12단계. 숙제.

음계를 노래하다 D 메이저리듬 패턴으로

지휘, 강장제,

2) 디지털화 D 메이저: I-III-V-I-V-II-VII-I

3) №52 “기관차가 갑니다, 갑니다, 갑니다” G. 에르네삭사 (p. 39 A. Baraboshkina)말씀을 지휘하면서 마음으로 배우십시오. 용해

4) 악기의 소리 중에서 re, mi, fa, 52번을 선택합니다. 소금.

5) F. Kalinin의 낮은 음자리표 작업 9번의 메모를 사용하여 암호화된 단어를 해결합니다. "학습장", 11페이지

13 단계. 선생님의 일기 작성 재학생: 숙제, 채점.

소개

솔페지오(음악을 읽는 능력, 악보 숙달)는 어린이 음악 학교에서 가르치는 기본 훈련입니다. Solfeggio 수업은 음악에 대한 귀, 정확한 억양 능력, 특정 작품의 박자, 리듬 및 템포를 결정하는 능력 등 미래의 음악가에게 필요한 여러 가지 기술을 개발합니다. 과목으로서의 솔페지오는 전문 분야를 포함하여 어린이 음악 학교 과정에 포함된 모든 분야와 직접적인 관련이 있습니다.

솔페지오 교육은 어린이가 어린이 음악 학교에 입학한 첫해부터 시작되며 이론 및 실무 모두 다른 음악 분야의 교육과 병행됩니다. 동시에, 솔페지오를 배우는 것은 때때로 어린이에게 "걸림돌"이 되어 이해와 동화에 어려움을 초래하는 것으로 드러납니다. 이는 학문 분야로서의 솔페지오의 특성으로 인해 공식화의 정확성이 특징입니다. , 학생들에게 많은 어려움을 야기하는 정확한 과학(예: 수학)과 유사하게 만드는 추상성 및 기타 특징, 그리고 나이가 많은 미취학 아동과 어린 학생의 특정 심리학 및 연령 관련 생리학(논리적 사고가 불충분하게 발달함) , 등.). 음악적 활용 능력을 가르치는 것은 외국어로 기본적인 말하기 활동을 가르치는 것과 많은 유사점을 가지고 있습니다.

솔페지오를 가르치는 현대적인 방법은 주로 학생이 학습 과정에서 발생하는 순전히 방법론적, 정신 생리학적 성격의 어려움을 극복하도록 돕는 것을 목표로 합니다. 현대 솔페지오 교육 방법을 지배하는 혼합적 접근 방식 덕분에 학생의 정신-신체적, 영적 활동의 다양한 영역이 학습 과정에 포함됩니다.

객체본 작품의 연구는 어린이 음악학교 초등학생을 대상으로 기보법을 가르치는 방법이다.

작품의 주제- 음악가가 음악 언어의 기본 요소를 숙달하고 어린이 음악 학교의 주니어 수업 교과서에 반영하는 데 필요한 기술입니다.

목적이 연구는 어린이 음악 학교의 주니어 수업에서 음악 활용 능력을 가르치는 여러 방법을 비교 분석한 것입니다. 이 목표와 관련하여 다음과 같은 작업이 설정됩니다. 작업:

학문 분야로서 solfeggio의 주요 측면 분석;

중학생 심리의 연령 관련 특성 분석;

비교 분석 방법 선택;

비교를 위해 선택된 교과서에서 음악 언어의 기본 요소를 숙달하는 학생들을 대상으로 한 연습 분석;

비교 가능한 교과서에서 솔페지 기술, 음악 받아쓰기 작성 등의 기술을 훈련하고 강화하기 위한 연습 분석;

유사한 교육 보조 도구의 게임 및 창의적 작업 분석.

관련성이 작품은 현대 사회에서 조화롭게 발전된 인간 성격의 형성을 위해 음악 활용 능력의 기본, 음악 듣기 및 음악 언어 이해 기술을 습득하는 것이 중요하다는 사실로 설명됩니다. 점차적으로 솔페지오, 하모니, 심지어 악기 연주(예: 리코더)와 같은 학문이 음악 학교 프로그램의 경계를 넘어 일반 교육 학교 프로그램에 도입되고 있습니다(여전히 전문적이지만 음악 교육이 전문화되어 있음). 전공은 아님) 동시에, 음악 학교에서는 학생의 음악 활용 능력 습득 성공 정도가 프로그램에서 제공하는 다른 분야 통과의 성공 정도에 달려 있다는 것이 분명합니다 (우선 악보 숙달이 필요합니다) 어린이가 음악 작품의 텍스트를 다루는 법을 배우는 전문 수업의 경우).

이론적 중요성이 작업의 주요 아이디어는 그 결과를 어린이 음악 학교의 주니어 수업에서 기보법을 가르치는 기술을 개선하는 데 사용할 수 있으며, 이는 전체 교육 과정을 최적화하는 데 도움이 될 수 있다는 것입니다.

실질적인 중요성이 작업은 그 결과가 음악 학교에서 솔페지오 과정을 가르치고 "비음악" 교육 기관(미술 학교, 창의적 개발 학교, 중고등 학교).

작품은 서론, 세 장, 결론으로 구성된다. 서론에서는 작업에서 분석된 주요 문제를 설명합니다. 첫 번째 장은 솔페지오 교육의 일반적인 이론적, 심리학적 교육학적 측면과 학문으로서의 솔페지오의 주요 측면을 다루고 있습니다. 두 번째 장에서는 솔페지오 레슨의 주요 구성 요소를 검토합니다. 세 번째 장은 1~2학년 학생들을 위한 솔페지오에 관한 두 가지 주요 교과서(A.V. Baraboshkina의 "Solfeggio"와 J. Metallidi 및 A. Pertsovskaya의 "We play, compose and sing")에 대한 비교 분석을 다룹니다. 다양한 기술을 바탕으로 다양한 시대와 다양한 방식으로 구현됩니다.

1. 어린이 음악학교에서 솔페지오 가르치기: 일반적인 특징

.1 Solfeggio: 개념의 내용. 솔페지오와 어린이 음악 학교의 다른 학문 간의 연관성

어린이 음악 학교 과정의 학문 분야로서 "솔페지오"라는 개념 자체가 좁고 넓은 의미로 해석될 수 있습니다. 엄격한 의미에서 Solfeggio는 음악을 읽는 능력, 악보의 숙달입니다. 동시에 어린이 음악 학교(이 경우 "어린이 음악 학교"는 성인 학생을 포함하여 모든 기본 음악 교육 기관으로 이해될 수 있음)의 솔페지오 프로그램에는 학생들에게 음악 이론의 기본 개념을 소개하는 과정이 포함됩니다(모드 , 트라이어드, 안정적이고 불안정한 소리, 음계, 반주 등).

솔페지오 교육 방법론에는 4가지 주요 작업 형태가 있습니다.

) 학생이 내이로 듣는 것을 목소리로 재현하는 억양-청각 연습;

) 인식된 음악이나 개별 요소를 귀로 분석하거나 학생이 듣는 내용에 대한 인식;

) 학습된 멜로디의 음표에서 노래하는 것과 초견을 모두 포함하는 음표에서 노래하는 것;

) 음악 받아쓰기, 즉 음악 작품(또는 그 일부)을 독립적으로 녹음하여 기억에 녹음하거나 소리를 내기 위해 특별히 수행하는 것입니다.

동일한 작업을 수행하는 이러한 모든 형태는 상호 연결되어 서로 보완됩니다. 마지막 두 가지, 즉 음표로 노래하는 것과 음악적 받아쓰기가 특히 중요합니다.

음악 학교에 입학하는 사람들이 직면하는 주요 임무는 악기 연주를 배우는 것입니다. 어린이 음악 학교에서 첫 수업부터 악기 연주를 배우는 것은 기보법 연구와 관련이 있으며 때로는 악기 연주의 세부 사항으로 인해 학생이 해당 연도에 가르치는 솔페지오 과정보다 다소 앞서게 됩니다. 공부하다. 따라서 첫 수업부터 낮은 음역의 악기(첼로, 클라리넷) 연주를 배우는 구체적인 내용은 학생에게 어려운 순간, 특히 학습 첫 해에 낮은 추가 라인의 베이스 음자리표 또는 음표와 같은 어려운 순간을 마스터해야 합니다. ; 초기 단계의 사운드 제작 연습은 종종 전체 음표를 사용하여 작성됩니다. 일부 교과서에 따르면 전체 음표는 조금 나중에 솔페지오 과정에서 다룹니다.

합창단 수업에서는 학생들이 음표, 억양으로 노래하는 기술, 귀로 멜로디를 연주하는 기술도 연습합니다. 또한 솔페지오 훈련 프로그램에서 필수적인 위치를 차지하는 2성부 훈련이 시작되는 곳도 합창단입니다. 동시에 솔페지오 수업의 노래 간격과 3화음(특정 리듬 포함)은 학생들의 목소리를 발전시키고 합창에 필요한 올바른 억양 기술을 개발합니다. 6~7세 어린이의 경우 성대가 아직 충분히 발달하지 않았기 때문에 음악을 들을 수 있는 귀가 있어도 아이가 항상 자신의 목소리로 음을 정확하게 재현할 수는 없습니다. 솔페지오 레슨에서 그는 점차적으로 이 기술을 습득하고 또한 (특히 노래 간격 및 3화음 반전 시) 목소리의 범위를 확장합니다(6-7세 어린이에게는 상대적으로 작습니다. 따라서 연습을 노래하기 위해 solfeggio 교과서에서 학생은 작은 옥타브의 "si" 또는 "a"부터 두 번째 옥타브의 "mi"까지의 범위를 가지고 있어야 합니다.

어린이 음악 학교 훈련의 초기 단계에는 음악 문학과 같은 주제가 없습니다. 그것은 솔페지오 수업 중에 정확하게 발생하는 주기적인 음악 청취로 대체됩니다. 성인을 위한 음악 학교(5년 훈련) 과정에서는 공부 첫해부터 음악 문학이 존재하고 심지어 음악 문학 과정의 자료를 기반으로 한 솔페지오 교과서도 있습니다(예를 들어). 동시에 어린이 음악 학교의 상급반에서 음악 문학을 가르치는 것은 solfeggio 과정에서 습득 한 기술 없이는 불가능합니다. 예를 들어 음표 (시각 포함)로 노래하거나 내부 청각을 사용하여 악보를 해독하는 것입니다.

마지막으로 고등학교에서 공부하는 기초 이론, 조화, 분석 분야에서 많은 솔페지오 기술이 실제로 강화됩니다.

따라서 어린이 음악 학교 과정에 포함된 모든 과목은 솔페지오와 관련이 있으며, 솔페지오 프로그램은 한편으로는 다른 학문을 익히는 데 도움이 되고 다른 한편으로는 이러한 학문에 의존합니다.

2 솔페지오 교육의 심리적 측면: 아동 심리학 및 사고의 특징과 학습 과정에 미치는 영향

일반적으로 어린이는 중등 학교에 다니는 것과 같은 나이 (6-7 세)에 어린이 음악 학교에 입학하지만 관악과 1 학년에 입학합니다 (이 악기 연주의 특성으로 인해 요구 사항 더 큰 신체 훈련)은 9~10세 어린이에게 실시됩니다. 이 연령대에는 학습 과정의 세부 사항에 영향을 미치는 자체 정신 생리학적 특성이 있습니다.

아이의 사고는 양육 과정에서 발달합니다. 사고의 발달에서 가족은 중요한(아마도 일차적인) 역할을 합니다. 취학 연령의 세부 사항은 소위 문제와 관련이 있습니다. 학교 준비 - 아동이 다음을 포함하여 다양한 기술과 능력을 갖기 위한 요구 사항입니다. 생각. 의도적인 정신 및 신체 활동을 위한 어린이의 일반적인 학교 준비 상태는 어린이 음악 학교에서 공부할 때 중요한 역할을 합니다.

이론적 학문으로서의 Solfeggio는 추상적 사고 훈련, 수학적 기능(강장제, 지배성, 간격 등)에 가까운 추상적 개념으로 작동하는 능력과 관련되어 있으며, 이는 연령 특성으로 인해 어린 학생들에게는 항상 가능하지 않습니다. 그들의 정신과 지성. 또한 어떤 시점에서 솔페지오를 가르치는 것은 읽기(음표 읽기), 말하기(음표로 노래하기), 듣기(듣고 들은 내용을 정확하게 재현) 및 쓰기(음표 작성 능력) 등 말하기 활동 유형을 가르치는 것과 동일할 수 있습니다. 어린이 음악 학교 1학년의 많은 학생들(또한 종합 학교 1학년의 학생들)이 아직 일반 알파벳 글자를 읽고 쓰는 방법을 모른다는 사실로 인해 특정 어려움이 발생할 수도 있습니다. 또한 음악적 재능이 있는 어린이는 특정 유형의 언어 활동 장애(난독증, 난독증)로 고통받을 수 있으며, 음악 읽기를 배울 때 쓰기나 읽기를 배울 때와 동일한 문제에 직면하게 됩니다.

정상적인 발달을 위해 아이들은 실제 물체를 대체하는 것처럼 보이는 특정 기호(그림, 그림, 문자 또는 숫자)가 있다는 것을 이해해야 합니다. 점차적으로 이러한 그림은 점점 더 관습화됩니다. 왜냐하면 아이들은 이 원리를 기억하고 이미 이러한 지정(막대기, 다이어그램)을 마음과 의식 속에 그릴 수 있기 때문입니다. 즉 의식의 기호 기능을 가지고 있기 때문입니다. . 실제 사물의 표시인 이러한 내부 지원의 존재를 통해 어린이는 마음 속의 매우 복잡한 문제를 해결하고 성공적인 교육 활동에 필요한 기억력과 주의력을 향상시킬 수 있습니다. 학생은 교사의 임무를 이해하고 받아들일 수 있어야 하며 교사의 즉각적인 욕구와 충동을 교사에게 종속시켜야 합니다. 그러기 위해서는 아이가 어른으로부터 받는 지시에 집중할 수 있어야 합니다.

운동 발달은 종종 어린이의 학교에 대한 신체적 준비의 구성 요소 중 하나로 간주되지만 심리적 준비에도 매우 중요합니다. 실제로 손 근육은 충분히 강해야하며, 아이가 펜과 연필을 올바르게 잡을 수 있고 글을 쓸 때 너무 빨리 피곤하지 않도록 미세한 운동 능력이 잘 발달되어야합니다. 그는 또한 사물과 그림을 주의 깊게 조사하고 개별적인 세부 사항을 강조하는 능력을 개발했음에 틀림없습니다. 손이나 눈의 개별적인 움직임이 아니라 서로의 조정, 즉 학교 준비의 구성 요소 중 하나(이미 마지막)인 시각-운동 조정에 주의를 기울일 필요가 있습니다. 공부하는 동안 아이는 종종 사물(예: 칠판)을 보면서 현재 보고 있는 것을 복사하거나 복사해야 합니다. 그렇기 때문에 눈과 손의 조화로운 행동이 매우 중요하며, 눈이 제공하는 정보를 손가락이 듣는 것처럼 보이는 것이 중요합니다.

그리고 나. Kaplunovich는 성별, 연령 및 개인 특성에 따라 각 사람이 어린 시절에 내려진 다섯 가지 사고 하위 구조 중 하나가 우세하다고 믿습니다. 그래서 여자애들이 더 발달했지 위상학적(객체의 일관성, 고립성, 소형화의 속성에 중점을 둡니다. 이러한 유형의 사고를 가진 사람은 서두르지 않고 행동의 일관성을 위해 노력합니다.) 서수(규범, 규칙, 논리를 준수하는 것이 특징) 남자아이의 사고 유형 - 투영(특정 항목의 사용 가능성에 초점이 맞춰져 있음) 구성상의(초점은 공간의 다른 물체와 관련된 물체의 위치에 있습니다) ; 미터법(물체 수에 중점)은 남녀 어린이의 특징입니다.

유치원과 초등학교 연령에서는 언어적, 논리적 사고 발달의 기초를 접할 수 있습니다. 이에 대한 증거는 미취학 연령의 발달 수준에 대한 데이터입니다. 줄거리 그림에 대한 어린이의 해석이 대다수 어린이에게 특별한 어려움을 초래하지 않는다면 일반화 능력은 6세가 되어야만 실질적으로 접근 가능해집니다. 미세운동 기술, 시각적 인식 및 기억, 언어적, 논리적 사고의 발달에서 긍정적인 역동성이 주목됩니다. 경련성 긍정적 역학은 시각적 구성 활동과 공간적 사고의 발달의 특징입니다. 청각 및 촉각 인식과 청각-언어 기억의 발달에는 역학이 없습니다. 그러나 일반적으로 어린 학생들은 이미 훌륭한 운동 능력,인지 기능 및 기억 기능을 개발했지만 단기 청각 언어 기억의 발달 속도는 낮고 단기 시각 기억의 발달 속도는 여전히 낮습니다.

솔페지오를 가르칠 때 이러한 모든 특징을 고려해야 하며, 특히 운동 기술과 기억에 중점을 두는 교육 과정이 필요합니다.

교육의 게임 순간

어린 아이들을 가르치는 매우 효과적인 방법 중 하나는 놀이입니다. 예를 들어 유치원에서는 놀이를 통해 외국어를 배웁니다. 게임은 혼합적 행동(혼합주의에 대해, 아래 참조)이며 정신 활동, 신체 및 언어 행동을 포함합니다(예를 들어 운전자의 특정 명령(정신적 작동)에 응답하여 특정 스포츠나 춤을 추어야 함) 움직임(신체 활동)과 동시에 특별 발언을 발음함). Solfeggio 훈련은 음악에 대한 움직임을 통해 놀이를 통해 수행될 수도 있습니다(예를 들어 맥동 개념이나 특정 리듬 패턴의 더 나은 동화를 위해, 예를 들어 L. Abelyan의 매뉴얼에서 복잡한 리듬이 있는 자료를 제시할 때). 예를 들어, 블루스 같은 노래 "River Cool" - 음표에서 이 텍스트를 부르는 것뿐만 아니라 이에 맞춰 춤을 추는 것도 제안됨), 팀 게임(클래식 유형 "누가 더 큰가" 또는 "누가 더 나은가"를 통해) ”), 연주자의 실제 활동을 모방한 게임(노이즈 오케스트라 등)

어린 아이는 아직 학문적, 이론적 학습을 할 준비가 되어 있지 않습니다(이것은 때때로 중학교 일반 교육 학교 프로그램에서 문제가 됩니다). 또한 게임에서 어린이는 자신의 창의적 잠재력을 가장 잘 실현할 수 있으며, 그 발달은 음악을 가르치는 데 매우 중요합니다. (뿐만 아니라 어린이에게는 이후의 일상 생활에서 창의적으로 생각하고 행동하는 능력이 필요합니다.)

.3 음악가에게 필요한 솔페지오 및 기술 훈련. 음악적 귀의 개념

멜로디 구조의 주요 법칙은 모드, 소리의 피치 관계 및 메트로 리듬 구성입니다. 그들은 단결하여 멜로디의 주요 아이디어, 표현 특징을 결정합니다. 따라서 이러한 패턴에 대한 청각적 인식을 연구할 때 이러한 패턴은 서로 분리될 수 없습니다.

교사는 학습의 엄격한 일관성을 유지하면서 이러한 모든 패턴을 동시에 연구해야 합니다.

불안한 느낌. 건축학적 청력

첫 수업부터 학생들은 멜로디를 소리의 의미 있는 연결로 간주하고 그 구조(건축학)를 이해하도록 가르쳐야 합니다.

멜로디를 들을 때 학생은 멜로디가 어떤 모드로 쓰여졌는지 즉시 결정해야 합니다. 일반적으로 훈련 초기 단계에는 메이저, 자연 또는 하모닉 마이너가 제공됩니다. 멜로디 마이너는 덜 일반적이며, 화성 메이저는 상급 과정에만 나타납니다. 일부 실험 방법에서는 학생들에게 이미 첫 번째 수업에서 마이너 펜타토닉 음계가 소개되고, 메이저 펜타토닉 음계와 비클래식 모드는 항상 그런 것은 아니지만 상급 과정에만 프로그램에 포함됩니다. 모드를 결정하는 방법은 매우 다를 수 있습니다. 순전히 직관적인 것(학생들에게 특정 멜로디나 코드가 "행복한" 소리인지 "슬픈" 소리인지 결정하도록 요청함)부터 "학문적"인 것까지, 음악에 나타나는 간격을 귀로 구별하는 것과 관련됩니다. 멜로디나 코드.

소리의 모달 관계, 안정적인 회전과 불안정한 회전의 느낌을 바탕으로 학생은 멜로디를 하나의 전체로 인식해야 합니다.

학생은 멜로디의 구조, 구성의 수, 선율 및 조성을 이해할 수 있어야 합니다(예를 들어 녹음할 때 선율의 의미에 따라 멜로디의 소리를 지정하는 데 도움이 됩니다). 멜로디를 암기(또는 적음)할 때 학생은 멜로디 내 모달 연결을 인식해야 하며 음조(주로 강장제)의 안정적인 소리에 대한 지원 감각을 잃지 않아야 합니다.

멜로디(음조, 억양) 청각

멜로디의 이동 방향에 대한 인식은 모드 및 구조와 덜 중요하고 밀접하게 관련되어 있습니다. 구성을 통해 멜로디의 구조를 이해한 후 학생은 멜로디 소리의 움직임의 본질을 위, 아래, 한 곳에서 상상하고 멜로디의 상한 및 하한 경계를 표시하고 위치를 결정해야 합니다. 최고점. 멜로디 라인을 인식함으로써 학생들은 음계와 조의 관계를 기반으로 부드럽고 점진적인 움직임과 "점프"를 구별할 수 있으며 이를 통해 일련의 소리나 억양 패턴을 녹음할 수 있습니다. 이는 간단한 멜로디를 녹음할 때 학습 초기 단계에서 특히 중요합니다.

멜로디의 움직임 라인에 대한 관심을 키우는 것은 간격(또는 오히려 간격 단계의 너비)에 대한 향후 인식에도 매우 중요합니다. 간격을 통한 움직임은 음계의 단계에 따른 움직임을 인식하고 멜로디 그래픽 디자인의 완전한 명확성을 연습한 결과여야 합니다. 점프하는 동안 상위 사운드의 모달 값이 불분명하고 점프 폭을 명확히 해야 하는 경우 간격의 도움을 받아야 합니다.

학생들의 청력 발달을 관찰한 결과, 넓은 간격이 좁은 간격보다 더 정확하게 인식되고 더 빨리 기억되는 것으로 나타났습니다. 아마도 이는 넓은 간격에서는 각 소리의 소리 차이가 더 크고 밝아 인식하기 쉬운 반면, 좁은 간격(초, 3분의 1)에서는 이 차이가 매우 작고 이를 인식하려면 정확한 청각이 필요하기 때문에 발생합니다.

현재 방법론의 주요 문제는 현대 음악의 새로운 억양 및 모드-조화적 특징과 관련된 청각 교육 문제이며, 모달 및 단계 시스템은 클래식 작품을 지향합니다. , 청력의 관성). 따라서 솔페지오 레슨에서 다루는 음악 자료를 확장하는 것이 필요합니다. 민속 음악을 희생하는 것뿐만 아니라(때때로 이를 클래식 멜로디 동작(예: 메이저 펜타토닉 스케일)에 처리하고 적용한 후 솔페지오 교과서에 포함되기도 합니다. 러시아 노래 자료 등에서는 가변 미터가 완전히 제외됩니다.) 따라서 재즈 솔페지오에 관한 교과서는 충분합니다(그러나 이는 이미 기본 음악 교육을 받은 3-4학년 이상의 학생들을 위해 설계되었습니다). 또한 전문 수업 중에 아이들은 처음부터 20세기 작곡가(Bartok, Shostakovich, Myaskovsky, Prokofiev)의 작품을 연주합니다(그리고 색소폰이나 클라리넷을 공부하는 아이들은 첫 수업부터 재즈 연주를 배웁니다. 초보 기타리스트가 플라멩코 스타일로 곡을 아주 일찍 연주하는 법을 배우는 방법은 악기의 특성 때문입니다. 이는 악기의 특성과도 관련이 있습니다.

음색 청각. 포니즘의 느낌

음색은 동일한 높이와 음량의 소리를 구별하지만 다른 악기, 다른 목소리로 연주되거나 동일한 악기에서 다른 방식으로 스트로크로 연주됩니다.

음색은 재료, 진동기의 모양, 진동 조건, 공진기 및 실내 음향에 따라 결정됩니다. 음색의 특성에서 배음과 높이와 볼륨의 비율, 소음 배음, 어택(소리의 초기 순간), 포먼트, 비브라토 및 기타 요소가 매우 중요합니다.

음색을 인식할 때 일반적으로 다양한 연관성이 발생합니다. 소리의 음색 품질은 시각적, 촉각, 미각 및 특정 대상이나 현상의 기타 감각과 비교됩니다(소리는 밝고, 반짝이고, 매트하고, 따뜻하고, 차갑고, 깊고, 가득 차고, 날카롭고, 부드럽습니다) , 풍부함, 육즙이 많음, 금속, 유리 등); 실제 청각적 정의(유성음, 무성음)는 덜 자주 사용됩니다.

과학적으로 기반을 둔 음색의 유형은 아직 개발되지 않았습니다. 음색 청각에는 구역 특성이 있다는 것이 확립되었습니다. 3 이는 음악적 소리의 요소를 물리적 현상(주파수, 강도, 소리 구성, 지속 시간)으로 정의하고 음악적 특성(음높이, 크기, 음색, 지속 시간)을 이러한 소리의 물리적 특성에 대한 인간 마음의 반영으로 정의합니다. .

음색은 음악적 표현의 중요한 수단으로 사용됩니다. 음색의 도움으로 음악 전체의 하나 또는 다른 구성 요소를 강조할 수 있고 대비를 강화하거나 약화할 수 있습니다. 음색의 변화는 음악 극작의 요소 중 하나입니다.

솔페지오를 배울 때 단성 멜로디뿐만 아니라 자음(음정과 화음)에 대한 청취력도 가르치는 것이 중요합니다. 자음에 대한 인식은 다음 현상과 관련이 있습니다. 고조파 청력. 초기 단계의 학생들에게는 아직 발달이 미흡하지만 이미 초기 단계에서는 훈련을 목표로 하는 연습을 도입할 필요가 있습니다.

박자 리듬의 인식.

녹음 중 소리의 메트로리듬 구성을 이해하는 방법은 특정 인식 영역을 나타내며 동화를 위한 특별한 기술이 필요합니다.

멜로디의 음높이와 박자-리듬 관계는 분리될 수 없으며 오직 이들의 조합만이 멜로디의 논리와 사고를 형성합니다.

대부분 학생들에게는 두 가지 유형의 음악적 재능이 있습니다. 첫 번째 유형에는 억양에 대한 귀가 좋고, 음조 관계에 예리하게 반응하지만 메트로 리듬 구성에 대한 감각이 약하고 불분명한 학생들이 포함됩니다. 두 번째 유형에는 더 의식적인 성격을 가지고 있지만 억양에 대한 귀가 발달하지 않은 학생들이 포함됩니다. 그들은 우선 메트로리듬 조직을 느끼고 깨닫습니다. 그들에게 있어 미터법 악센트는 종종 음높이의 변화와 연관되어 있습니다.

멜로디의 메트로리듬 구성은 청각을 통해서만이 아니라 사람에 의해 인식됩니다. 인체 전체가 인식에 참여합니다. 인간의 리듬 능력은 청각보다 먼저 나타납니다. 그들은 또한 음악(댄스, 플라스틱)에 맞춰 움직이는 모습으로 나타날 수도 있습니다. 많은 음악 장르는 주로 메트로 리듬 측면을 통해 청취자에게 영향을 미칩니다. 일부 일정한 리듬 공식은 음악 장르(특히 다양한 댄스)를 결정하는 주요 기준입니다. 음악에서 리듬 원리는 삶의 리듬 패턴을 반영합니다. 리듬 능력은 인간의 정신과 관련이 있습니다(균형 잡힌 사람들은 감정적 변동에 쉽게 굴복하는 사람들보다 더 리드미컬합니다).

음악 소리의 속성 중 하나는 지속 시간입니다. 소리의 지속 시간에 대한 명확한 정의, 서로 다른 소리의 지속 시간 비율, 모든 지속 시간의 총합은 음악에서 소리를 구성하기 위한 전제 조건입니다.

동시에, 미터리듬 감각은 개발하고 교육하기가 매우 어렵습니다(따라서 거의 모든 초보 연주자의 "재앙"은 연주 중 작업 리듬의 부당한 가속입니다). 교사들 사이에서 매우 흔한 실수는 리듬을 계산으로 바꾸는 것입니다.

주로 감정적인 측면에서 학생들에게 각각의 새로운 메트로리듬 패턴을 제시하는 것이 좋습니다. 그것은 귀로 배우고, 움직임으로 재현하고, 박수를 치며, 접근 가능한 타악기에서 연주되는 리드미컬한 가창의 형태로, 같은 높이의 소리에 음절을 노래하고, 노래하지 않고 음절을 발음하면서 배워야 합니다. 티티, 타, 돈, 딜리등.). 그런 다음 리듬이 녹음에 동화되는 동안 교사는 학생들이 서로 다른 박자 내에서 지속 시간에 따른 소리의 관계를 최종적으로 이해하도록 합니다. 마지막으로 연구된 리듬은 솔페지오 노래의 멜로디, 텍스트, 시각, 창의적인 연습 및 받아쓰기에 포함됩니다.

미터리듬 기술을 개발하는 중요한 수단은 앙상블 음악 연주입니다(훈련 초기 단계에서는 현대 솔페지오 교육 방법에서 널리 사용되는 노이즈 오케스트라가 특히 유용합니다).

내면의 청력. 음악적 기억

상상력과 표현을 기반으로 하는 음악적 청각의 특별한 특성은 내부 청각입니다. 내부 청각은 청각 경험, 즉 외부 청각에서 받은 정보에 의존하기 때문에 부차적입니다. 따라서 내면의 청각에 관한 작업에서는 이 모든 정보의 "저장소"인 음악적 기억에 많은 관심을 기울입니다. 내부 청력은 비자발적으로나 자발적으로 행동할 수 있습니다. 내면의 청력은 악기를 사용하지 않고 눈으로 메모를 읽을 때 도움이 됩니다(이론 분야의 수업뿐만 아니라 전문 분야의 레퍼토리를 배울 때도 유용할 수 있음).

내면의 청력을 발달시키는 가장 효과적인 방법 중 하나는 손에 악보를 들고 음악을 듣는 것입니다.

내면의 청각 발달은 최소한의 훈련이 아닙니다 메모리.음악적 기억은 음악적 능력의 필수 구성 요소입니다. 동시에, 음악적 기억만으로는 음악적 기술의 발달을 보장할 수 없습니다. 이 경우 음악 기억은 기억 유형 중 하나일 뿐이며 음악적 다양성에는 기억의 일반적인 법칙이 적용됩니다.

기억은 기억하기, 저장하기, 재생하기의 세 단계로 구성됩니다. 기억은 지각과 마찬가지로 개인의 방향에 따라 특정한 선택성을 가지고 있습니다. 비자발적으로 음악을 암기하는 것은 음악성의 필수적인 부분입니다. 그러나 초보 음악가에게는 지능 발달과 관련된 자발적(의식) 암기 훈련이 더 중요합니다. 음악 기억 작업의 또 다른 방향은 다양한 유형의 음악 기억을 사용하는 능력입니다.

다음 유형의 음악 기억이 구별됩니다. 귀의(내면의 청각의 기초. 전체 작품과 음악 연설의 개별 요소를 모두 인식할 수 있습니다. 음악가뿐만 아니라 다른 직업의 사람들에게도 중요합니다.) 시각적(작문된 음악 텍스트를 암기하고 내부 청각을 사용하여 정신적으로 재현하는 능력. 학습 초기 단계에서는 일반적으로 매우 잘 발달되지 않으므로 특별한 주의가 필요합니다) 모터 (모터) (또한 연주 동작; 연습 수행에 중요함; 팔 근육의 움직임뿐만 아니라 안면 근육(관악기 연주자의 경우), 복부 근육, 성악 장치(성악가의 경우) 등과 관련된 움직임과도 관련됨 .) ; 감정적이고 혼합적이다.

절대청력과 상대청력.

절대음감 현상은 사람이 음표의 한 소리(예: "소옥타브의 E")에서 그 이름과 위치를 결정할 수 있고, 악기나 소리굽쇠를 먼저 조율하지 않고도 주어진 음을 정확하게 부를 수 있다는 것입니다. 상대적 청력을 가진 사람은 그러한 능력이 없지만 특정 음정이나 코드에 따라 동작을 재현할 수 있습니다. 아마도 절대 및 상대 청력 현상은 하나 또는 다른 유형의 음악 기억 발달의 세부 사항과 관련이 있습니다. 절대 음조 보유자는 모든 음표의 소리를 기억하고, 상대 음조 보유자는 하나 또는 다른 억양의 소리를 기억합니다. 패턴(즉, 보다 추상적인 현상). 동시에 교사들은 소위 말하는 것을 오랫동안 알고있었습니다. 절대음조의 역설: 절대음감을 가진 사람은 음표의 소리를 정확하게 재현할 수 있음에도 불구하고 코드나 음정의 움직임을 인식하는 데 어려움을 겪습니다. 또한 특정 음을 인식할 때 악기의 음색을 생성하는 배음(예를 들어 절대 음조를 가진 사람의 마음에서는 피아노의 "A"와 피아노의 "A")에 의해 방해를 받을 수 있습니다. , 오보에는 다른 음표로 작동할 수 있습니다). 따라서 초기 단계에서 솔페지오를 배울 때 비교적 청력이 있는 사람들은 어려움을 덜 겪습니다.

2. 솔페지오 레슨의 주요 구성요소

.1 음악적 이해력 연구

음악적 능력에 관한 작문 과제 완료.

뮤지컬 리터러시란 음악 텍스트를 적고 재현하는 능력과 기본적인 음악 용어에 대한 지식을 의미합니다.

이 주제에 대한 지식과 기술의 범위에는 다양한 옥타브, 고음 및 저음 음자리표, 다양한 리듬 패턴 및 가능한 모든 우연 기호로 음악 텍스트를 작성하고 재현하는 능력이 포함됩니다. 그러나 음악을 읽는 법을 배우는 것도 전문 분야 수업에서 이루어집니다. 또한 전문 수업에서 학생은 솔페지오 수업보다 더 일찍 일부 기간을 배웁니다(예를 들어, 이미 1학년의 에튀드 및 기술 연습에서 볼 수 있는 전체 음표 또는 16분 음표 및 솔페지오에서는 두 번째) 동적 음영 지정(포르테, 피아노, 크레센도, 디미누엔도, 스포르잔도) 및 솔페지오 코스에서도 초기 단계에서 가르치지 않는 스트로크 지정(레가토, 스타카토, 비레가토) 여부 전혀 가르쳤습니다 (분리, 포르타토).

음악을 읽고 쓰는 법을 배우는 것은 모국어나 외국어로 읽고 쓰는 법을 배우는 것과 유사합니다. 음악을 읽는 법을 배울 때 학생의 마음 속에 있는 특정 시각적 이미지(음표 기호)에 특정 청각 이미지가 연결되는 것이 필요합니다. . 우리는 앞에서 언급했듯이 음악을 배울 때 때로는 방해가되는 학생들의 절대 음조 훈련에 대해서도 이야기하는 것이 아니라 오선에 음표 배치, 음표 기호 간의 연결에 대한 아이디어 개발에 대해 이야기하고 있습니다. , 소리 및 특정 음표의 위치(예: 피아노 키보드). 음표의 표기는 음표의 길이(지속 시간)와 음높이를 동시에 반영하며, 음표의 음높이는 우연한 기호(경우에 따라 조에 쓰여지는 경우도 있음)로 인해 변경될 수 있다는 점을 기억하는 것이 중요합니다. 기타 - 메모 자체 근처). 일시정지 마스터, 베이스 음자리표 읽기, 점선 리듬에 특히 어려움을 겪는 학생들이 있습니다.

그러나 "음악적 이해력"의 개념에는 음을 구별하는 능력뿐만 아니라 다양한 용어 및 개념(음계, 음계, 조성, 모드, 템포, 크기, 박자, 박자, 프레이즈, 간격, 3화음)에 대한 지식도 포함됩니다. , 안정적이고 불안정한 소리 등 .d.). 음악적 활용 능력을 익힐 때 학생은 제안된 멜로디의 크기를 결정하고, 강한 비트와 약한 비트를 구별하고, 한 크기 또는 다른 크기로 지휘할 수 있어야 합니다(교육 초기 단계에서 지휘는 크기 2/4로 제한됩니다). , 3/4 및 4/4); 이와 관련하여 올바른 맥동(리듬 단위로 간주되는 지속 시간)을 선택하는 능력은 매우 중요합니다. 또한 훈련의 초기 단계가 끝날 때까지 학생은 음조를 결정하는 원리(강장제 및 조표에 따라), 특정 조의 음표 및 도의 일치(원리에 따라 학습할 때)를 알아야 합니다. 상대적인 완전화는 처음에는 약간의 어려움을 야기할 수 있습니다. 따라서 학생이 그 이유를 이해하기 어렵습니다. 전에,그는 강장제, 아마도 키에 따라 3도, 5도, 심지어 2도와 독점적으로 연관시키는 데 익숙합니다. 장조와 단조 음계, 장조와 단조 트라이어드의 소리 사이의 간격 등.

solfeggio 매뉴얼에서 큰 역할은 필기 작업에 주어집니다. 교과서의 음표를 노트북으로 복사하고, 조옮김(다른 키로 멜로디를 녹음), 간격과 코드 구성, 마지막으로 받아쓰기(받아쓰기는 나중에 논의됩니다) . 노트를 작성하는 과정 자체는 상대적으로 독립적인 기술이기 때문에 체계적인 개발이 필요하므로 훈련 초기 단계에서 계획의 대상이 되어야 합니다. 귀로 결정되고 음성으로 반복되는 녹음 동기의 속도, 정확성 및 정확성에 대한 특별 연습이 유용합니다. 구두 받아쓰기 및 그에 따른 후속 녹음을 수행하고, 작성 시간을 기록하고, 작성된 내용의 정확성과 읽고 쓰는 능력을 평가합니다. 목소리로, 피아노나 다른 악기로 멜로디를 배우고, 빠르게 외워서 녹음하는 것 등. (센티미터. ).

서면 작업은 신체의 정신생리학적 특성으로 인해 이 연령대의 어린이가 귀나 시각이 아닌 손의 작업을 통해 내용을 더 잘 이해하기 때문에 어린 어린이에게 특히 중요합니다. 이 측면에서 장애물 중 하나는 컴퓨터 음악 편집자의 대량 배포입니다. 이제 아이들은 상당히 어린 나이에 컴퓨터를 마스터하기 때문에 7-8세 어린이도 음악 편집자를 쉽게 마스터할 수 있습니다. 그러나 컴퓨터 키를 누르는 것은 손으로 메모하는 것보다 그에게 덜 유용합니다.

용해. 시력 노래

솔페깅, 즉 음표로 노래하는 것은 훈련 단계에 관계없이 솔페지오 코스의 핵심 개념입니다. 원칙적으로 전체 solfeggio 과정은 특정 멜로디 동작의 소리, 특정 간격의 동작에 대한 내부 청각과 지식을 사용하여 악기의 도움 없이 음악을 연주하는 방법을 가르치는 것을 목표로 합니다.

1학년에서는 상반기 말에 시창이 시작됩니다. 시창을 배우려면 기보법의 기초를 이미 알고 있어야 하며, 멜로디의 상승 및 하강 움직임, 휴지, 지속 시간 등에 대한 청각적 이해가 있어야 합니다.

눈으로 노래할 때는 먼저 멜로디를 분석하고, 멜로디의 조성, 크기, 멜로디의 구조(구, 반복 또는 변형)를 결정하고, 멜로디 움직임의 특성(단계별, 3화음별 등)을 지적해야 합니다. ), 템포와 역동적인 색조에 주의하세요. 시창을 하기 전에 초기 단계의 준비 연습이 필요합니다. 즉, 악보용 멜로디를 조율하고 안정된 음을 노래하고 노래(상승 및 하강)하고 지정된 조로 지정된 간격으로 노래하는 등의 준비 연습이 필요합니다. 이 멜로디에는 (낮은 소리에서 높은 소리로, 높은 소리에서 낮은 소리로) 존재합니다. 이 경우 우리는 절대 음조 훈련에 대해 전혀 이야기하지 않습니다. 눈으로 노래할 때 교사는 피아노에 멜로디의 강장제 또는 (약한 그룹의 경우) 첫 번째 소리(반드시 강장제일 필요는 없음)를 제공하고 학생들은 ' 과제는 기보법에 집중하고 강장제의 소리를 염두에 두고 멜로디의 움직임, 음정의 소리, 리듬 패턴 및 크기에 대해 이미 알고 있는 지식을 사용하여 기록된 멜로디를 자신의 목소리로 재현하는 것입니다. , 등. 지휘는 시창을 할 때 매우 유용합니다.

시창은 각 학생의 억양 수준과 청각 능력을 확인할 수 있으므로 솔페지오 수업에 필요한 작업 형태 중 하나입니다.

음악 받아쓰기.

음악 받아쓰기는 솔페지오 코스에서 "고정"하는 순간입니다. 현재 연주되고 있는 음악을 녹음하려면 잘 발달된 청력과 충분한 이론적 지식이 있어야 합니다. 음악적 받아쓰기(일반 받아쓰기와 마찬가지로)는 우선 들을 수 있는 것과 보이는 것 사이의 연결을 강화합니다. 받아쓰기는 또한 내부 청력 및 음악 기억의 발달을 촉진할 뿐만 아니라 학생의 실제 음악 활동을 통해 축적된 이론적 개념과 경험의 실질적인 개발 및 통합을 촉진합니다.

음악 받아쓰기의 목표와 목표는 녹음된 악절을 분석하고, 그 형식을 이해하고, 멜로디의 이동 방향, 단계적 또는 간격 점프, 리듬 정지의 안정성 또는 불안정성, 즉 음악의 모든 요소를 이해할 수 있는 것입니다. 현재 학생들에게 알려진 음악적 연설을 정확하게 제시하는 것은 모든 것이 악보에 있습니다. 여러 면에서 받아쓰기 작성을 위한 준비 연습은 시창 준비 연습과 유사하며, 악보를 작성하는 과정만이 시창 과정의 반대 거울입니다. 첫 번째 경우, 학생의 과제 들은 멜로디 단편을 악보로 변환하는 것이고, 두 번째로는 멜로디 단편을 큰 소리로 재현하여 음표의 형태로 제시하는 것입니다.

일반적으로 음악적 받아쓰기는 일반적으로 음악적 기억을 발달시킨다고 믿어집니다. 그러나 받아쓰기의 역할은 주로 의식적 암기를 개발하는 것, 즉 기억 효율성을 높이는 것입니다. 받아쓰기를 위해 제안된 텍스트에 대한 학생들과의 공동 분석, 제안된 받아쓰기의 멜로디 동작에 대한 예비 조정(특정 간격을 따른 움직임, 3화음에 따른 움직임, 안정적이고 불안정한 소리 노래 등), 심지어 노래(개별적으로 또는 한꺼번에) 그룹)은 학생들이 받아쓰기를 배우는 것을 돕고 작업 기억과 의식적이고 자발적인 암기 기술을 개발하며 음악 패턴에 대한 지식을 제공합니다. 중요한 단점은 학생들이 성대의 긴장 정도, 수동적 모방 기억, 멜로디의 "속기" 등에 의존하는 습관입니다. 받아쓰기 작성에 수반되는 연습도 이러한 단점을 근절하는 것을 목표로 해야 합니다.

피아노 연습

방법론적인 관점에서 피아노 연습을 통해 트라이어드 구성 및 반전, 멜로디 반주 선택 등과 같은 솔페지오 훈련 측면을 강화하는 것이 좋습니다. 전통적인 교육 자료와 많은 "비전통적인" 교육 자료 모두에서 피아노 연주는 음악적 읽고 쓰는 능력을 가르치는 데 중심적인 역할을 합니다. 첫 레슨부터 악보와 보표를 피아노 건반과 비교합니다. 코드와 간격의 구성은 피아노에도 표시됩니다.

그러나 이러한 접근 방식은 많은 학생들에게 특정 어려움을 초래할 수 있습니다. 따라서 학생들은 피아노 소리에서만 음정과 코드를 귀로 인식하는 데 익숙해지는 반면, 다른 악기에서는 귀로 음정과 코드를 구성하고 구별하는 것이 어렵거나 심지어 사실상 불가능할 수도 있습니다. 음악적 청력의 일부 특징). 피아노의 음과 반음 개념은 검은 건반과 흰 건반을 시각적으로 인식함으로써 강화되며 쉽게 배울 수 있는 반면, 귀로 듣거나 노래를 부르면서 음이나 반음을 식별하는 능력은 더 어렵습니다. 마지막으로, 프로그램에서 제공하는 일반 피아노 강좌(피아니스트가 아닌 학생을 위한)는 원칙적으로 3학년이 되기 전에 시작하며, 솔페지오 수업에서는 피아노 연습이 필요한 경우 현악을 공부하는 학생들은 또는 관악기는 키보드와 손가락 유창성에 대한 지식이 있는 피아니스트인 "동료"에게 패합니다. 바이올리니스트나 첼리스트의 경우 피아노를 연습할 때 오른손이 더 잘 작동하지 않습니다(오른손으로 활을 잡고 게임 중에 오른손 손가락이 거의 움직이지 않기 때문에 기타리스트 또는 하프 연주자 등 뽑은 연주자). 관점에서 볼 때 더 유리한 방법론적, 기술적 이점을 찾을 수 있습니다. 관악기를 전공하는 학생들도 전문 분야의 첫 수업부터 피아노와는 다른 운지법 원리를 배웁니다(하나의 소리를 추출할 때는 여러 손가락을 동시에 사용하고, 낮은 음역에서 소리를 추출할 때는 양손의 손가락을 동시에 사용합니다.) 이러한 학생들은 자신의 어색함으로 인해 심리적 불편함을 겪을 수도 있고, 심지어 자신만의 위계, 에티켓 및 가치 체계를 지닌 후배 그룹에서 종종 발생하는 더 능숙하고 경험이 풍부한 피아니스트 학생들로부터 조롱을 당할 수도 있습니다.

따라서 교사는 이러한 기술적, 심리적 어려움을 극복해야 하는 추가적인 과제에 직면하게 됩니다.

이러한 종류의 어려움은 피아노 기술에 관계없이 모든 사람이 동등하게 자신의 기술과 능력을 보여줄 수 있는 창의적인 과제(예: 연주할 수 있는 다른 악기를 학습에 사용하는 등)가 학생들에게 주어지면 극복될 수 있습니다. , 등.). 또한 학습 과정에서 다른 악기(바이올린 등)로 연주된 음악 녹음을 듣고 학생들이 이러한 녹음의 사운드에서 멜로디 동작(3화음, 간격 등)을 인식하도록 과제를 제공할 수도 있습니다. 이미 피아노 연주를 들었습니다. 이 작업은 꽤 어렵지만 유용할 수 있습니다.

창의적인 작업.

초기 단계에서 솔페지오를 가르치는 현대적인 방법은 학생의 창의적 활동(최근 교육학의 일반적인 경향)에 주의를 기울이는 것이 특징입니다. 학생들은 연습의 악보 자료를 재현해야 할 뿐만 아니라 자신만의 악보를 만들어야 합니다. 가장 일반적인 유형의 창의적인 작업은 제안된 멜로디의 끝 부분을 완성하고, 멜로디에 대한 반주 또는 두 번째 성부를 제시하고, 제안된 텍스트를 기반으로 노래를 작곡하는 것입니다. 이러한 유형의 작업은 다루는 자료를 더 잘 동화하고 습득한 지식을 수동적이 아닌 적극적으로 사용하는 방법을 배우는 데 도움이 됩니다. 학생들의 관심은 음악 텍스트에 집중됩니다. 이 음악 교육 방법은 규칙과 단어 목록을 암기하는 것이 아니라 작업을 통해 언어를 습득하는 외국어 교육 방법과 유사하게 텍스트 중심이라고 할 수 있습니다. 텍스트와 함께. 이러한 창의적인 작업 중 다수는 음악 텍스트와 언어 텍스트 사이의 연결에 초점을 맞추고 있습니다. (주어진 텍스트와 이에 대한 반주에 대한 멜로디를 구성할 때 학생들의 관심을 텍스트의 줄거리와 극작법에 끌어들이는 것이 좋습니다. 리듬 등).

.2 Solfeggio 교과서와 수업에서의 역할

solfeggio를 가르치는 세계 관행에는 절대적 및 상대적 solmization이라는 두 개의 반대 학교가 공존합니다. 첫 번째는 하나 또는 다른 표기법의 소리 피치를 기초로 삼아 먼저 C 장조를 연구한 다음 다른 키로 이어지는 소리의 변경을 연구합니다. 두 번째는 상대적인 높이에서 프렛의 계단 비율에 대한 연구를 기반으로 합니다.

러시아 솔페지오 발전의 역사는 오랫동안 배너(후크)와 선형 음표(현대 표기법)라는 두 가지 음표 작성 방법이 공존했던 합창단 예배당 및 교회 합창단의 활동과 밀접하게 연결되어 있습니다. 최초의 러시아 솔페지오 교과서는 17세기에 등장했습니다. A. Mezenets의 "ABC"와 N. Diletsky의 "Music Grammar" [참조. 29, 페이지. 24].

현재 솔페지오를 가르치는 다양한 시스템과 방법도 절대 방향과 상대 방향이라는 두 가지 방향을 기반으로 합니다.

기본적으로 모든 솔페지오 교과서는 두 가지 주요 영역으로 분류될 수 있습니다. 그 중 하나는 음악 언어의 개별 요소에 대한 연구를 기반으로 하는 시스템을 포함합니다. 또 다른 방향은 소리의 연결(단계, 모달, 고조파)을 연구하는 시스템으로 구성됩니다. E.V. 동의하지 않는 Davydova는 음악을 들으면서 귀를 발달시키고 작품 내용을 이해하는 능력을 발달시키기 때문에 두 번째 방향이 더 효과적입니다.

일부 저자는 음악에 대한 학생들의 청력을 포괄적으로 개발하기 위해 노력하고 다른 저자는 학생들이 기술 등을 빠르게 개발할 수 있도록 노력합니다. 19세기와 20세기 초에 가장 널리 퍼진 체계 중 하나는 소위 음정법(음정의 합으로 멜로디를 연구하는 것)이었습니다. 친숙한 노래 모티프를 사용하여 간격을 학습합니다. 이 시스템의 기초는 모달 위치와 음조 값을 고려하지 않고 다양한 조합으로 "단순 사운드"라고 불리는 C 장조의 사운드를 연구하는 것입니다. 그러한 시스템에서는 조화감이 배양되지 않습니다. 이 접근 방식은 지나치게 단순화되었습니다. 이제 이 접근 방식은 오래된 것으로 간주되지만, 인기 있는 노래 모티프를 기반으로 간격의 소리를 학습하는 것과 같은 요소는 현재 훈련 단계에서 상당히 널리 사용됩니다(예를 들어 실제로 템플릿 - 예를 사용하여 완전 4도의 소리를 가르치는 것) "아이다" 또는 러시아 국가의 행진곡 첫 마디 중 ). 간격 시스템과 가까운 시스템은 서로 다른 키의 메이저 또는 마이너 스케일의 정도를 연구하는 시스템입니다. 이 접근 방식을 사용하면 음계를 이해하고 멜로디를 구성하는 것이 다소 쉬워집니다. 이 시스템에 가까운 것은 소위입니다. 수동 시스템(손의 움직임으로 프렛의 정도를 알 수 있음) 그러나 여기서의 기초는 다시 온음계입니다. 이 시스템에 가까운 것은 헝가리 민속 음악(손 기호, 억양 등의 조합)을 기반으로 Z. Kodaly가 만든 헝가리 상대 시스템입니다. 에스토니아 교사 Kaljuste가 만든 이 시스템의 수정(손 기호 사용 및 단계의 음절 지정 - 에, 르, 바이, 나, 조, 라, 티(음표의 왜곡된 전통적인 이름이 추측됨)) 또는 오히려 그 요소가 오늘날에도 여전히 사용됩니다. 이 시스템의 가장 큰 단점은 학생들의 마음 속에 강장제 개념과 음표 사이에 연관성이 있다는 것입니다 ~ 전에(다른 키로 작업할 때 어려움이 발생함)

레닌그라드 교사 1950~60년대. A. Baraboshkina [참조. 4, 5, 6] 헝가리 시스템을 기반으로 자신만의 시스템(고전이 되어 수십 년 동안 사용됨)을 개발했지만 상당한 변경을 가했습니다(손 표시 거부, 작업만 거부). C 메이저 등). 음의 안정과 불안정, 장조와 단조, 프레이즈 등의 개념으로 기본 조형 패턴과 억양을 긴밀하게 연결하여 한 소리에 대한 농담으로 시작하여 두 음표로 나아가며 점차적으로 음의 음역을 확장한다. 학생들에게 제공되는 자료; 자료는 혼합된 형태로 제시되며(동일한 성가가 다양한 기술을 개발하기 위한 연습 자료가 됨), 배운 내용이 지속적으로 반복됩니다. Baraboshkina가 직접 작성한 매뉴얼은 이 작업의 실제적인 부분을 위한 자료로 사용되었습니다.

현재 음악 듣기와 음악 텍스트 작업을 기반으로 하는 방법이 점점 더 대중화되고 있습니다. 예를 들어, T. Pervozvanskaya의 교육 및 방법론 복합체와 S.B.의 매뉴얼은 음악 듣기를 기반으로 합니다. Privalov(성인 학생용) 및 기타 여러 가지(등). 이는 추상적인 학문적 공식을 암기하는 것이 아니라 듣는 음악 텍스트(바람직하게는 고전적인 것)를 해석함으로써 일부 요점을 동화하기가 더 쉽기 때문에 음악 언어의 많은 요소를 더 쉽게 이해할 수 있게 해줍니다.

.3 어린이 교육을 위한 시각 자료

시각화는 초등학생의 정신 특성과 관련된 솔페지오를 가르칠 때 큰 역할을 합니다(1.2항 참조).

A.V. Zaporozhets는 아이들의 사고 형태가 다음과 같다고 썼습니다. 시각적-효과적, 시각적-비유적, 언어적-논리적- 발달의 연령 단계를 나타내지 않습니다. 오히려 이것은 일부 내용, 현실의 일부 측면을 마스터하는 단계입니다. 따라서 일반적으로 특정 연령층에 해당하고 시각적-효과적 사고가 시각적-비유적 사고보다 먼저 나타나더라도 이러한 형태가 연령과 고유하게 관련되지는 않습니다.

A.V. 의 실험 연구에서 볼 수 있듯이 시각적 효과에서 시각적 비 유적 및 언어 적 사고로의 전환. Zaporozhets, N.N. 포디야코바, L.A. Wenger는 시행 착오를 기반으로 한 오리엔테이션을보다 집중된 모터, 시각적, 마지막으로 정신으로 대체함으로써 오리엔테이션 연구 활동의 성격 변화를 기반으로 발생합니다.

시각적으로 효과적객관적인 활동과 관련되고 유지 관리를 목표로 하는 사물에 대한 실제 행동을 통해 수행되는 사고는 기본이며 어린 나이에 발생합니다. 그러나 여섯 살짜리 아이가 충분한 경험과 지식이 없는 과제에 직면하면 그것에 의지할 수 있습니다.

아이들이 가장 많이 사용하는 비유적인문제를 해결할 때 특정 사물이 아닌 이미지를 사용할 때 생각합니다. 시각적 비 유적 사고가 출현했다는 사실은 매우 중요합니다. 이 경우 사고는 실제 행동 및 즉각적인 상황과 분리되어 독립적인 과정으로 작용하기 때문입니다. 시각적 비 유적 사고 과정에서 주제의 다양한 측면이 더욱 완전하게 재현되며, 이는 지금까지 논리적이 아닌 사실적 연결로 나타납니다. 비유적 사고의 또 다른 중요한 특징은 감각적 형태의 움직임과 여러 대상의 상호 작용을 동시에 표시하는 능력입니다. 콘텐츠 비유적인어린 학생의 사고는 특정 이미지에 국한되지 않고 점차 더 높은 수준의 시각적 도식적 사고로 이동합니다 (참조). 이를 통해 반영되는 것은 더 이상 개체의 개별 속성이 아니라 개체와 해당 속성 간의 관계에서 가장 중요한 연결입니다.

위에서 언급했듯이 솔페지오는 여러 면에서 정확한 과학에 가깝고 많은 추상적인 개념(모드, 음조, 지속 시간, 리듬, 템포, 간격 등)을 포함하고 있습니다. 학생들이 이해하기 어려운 자료를 더 잘 이해하려면 이를 시각적 형식으로 제시하고 구체적인 내용을 통해 추상을 보여주는 것이 필요합니다.

시각적 방법은 음악 교육에서 매우 광범위하고 구체적으로 적용되었습니다. 가시성의 기능은 "학문 주제에 대한 관심을 높이고, 내용을 더 이해하기 쉽게 만들고, 지식과 활동 방법의 동화를 촉진하는 것"입니다. 음악을 듣는 것은 가시성의 한 형태입니다. 연구 대상을 직접 관찰할 수 없는 경우 학생들은 삽화, 레이아웃, 다이어그램, 표, 지도의 도움을 받아 간접적으로 아이디어를 얻습니다. 어린이 음악 학교의 시각화는 모든 분야의 교육에 사용될 수 있습니다. 따라서 전문 과정에서는 시연(예: 악기 구조 시연, 운지법, 소리 생성 등) 및 안내(시연, 학생에게 다음을 가르치는 것이 목적)의 형태로 가시성이 나타납니다. 추가로 독립적으로 행동하십시오).

훌륭한 일러스트레이션이 초등 음악 교육에서 점점 더 많이 사용되고 있습니다. 어떤 경우에는 일러스트레이션이 음악의 분위기를 느끼거나 내용을 보다 비유적으로 시각화하는 데 도움이 되고, 다른 경우에는 작품의 일부 장르적 특징을 이해하는 데 도움이 됩니다. 마지막으로 잘 선택된 일러스트레이션(복제본, 사진, 슬라이드)은 음악과 생활 환경 사이의 연결에 대한 어린이의 이해를 넓힐 수 있습니다. 음악이 만들어진 시대, 연주 시간 및 조건에 대한 아이디어를 제공합니다. , 현대 음악 생활의 일부 현상과 사건. 음악 이론 과목의 시각 자료로 교사가 다양한 다이어그램 (음조 5도 원 다이어그램, 음악 작품 구성 다이어그램 등)을 그리는 칠판이 사용됩니다. 이러한 다이어그램에는 집중된 "접힌" 형태의 정보가 포함되어 있으며 때로는 매우 복잡한 개념을 이해할 수 있게 해줍니다.

현대 교육 및 방법론 복합체 중에서 시각적 보조 자료인 전체 매뉴얼 그룹(등)을 구별할 수 있습니다. T. Pervozvanskaya 또는 L. Abelyan의 매뉴얼에는 풍부한 설명 자료(도상학적 성격이 아닌)도 제공됩니다. 이는 T. Pervozvanskaya의 매뉴얼에서 특히 두드러집니다. 텍스트에 제시된 음악적 용어에는 언급될 때마다 사람이나 동물을 나타내는 그림이 동반됩니다. 따라서 모드의 정도는 왕, 여왕 및 그 궁중의 형태로 묘사됩니다. 아마도 모드에 따라 캐릭터의 변경 가능성으로 인해 Mediant(모드의 3단계)라는 영웅이 있을 수도 있지만, 킹이 아닌 퀸으로 만들어졌어야 했고, 킹의 형태 그대로 토닉에 안정적인 사운드를 제시했어야 했는데; 간격 - 르네상스 의상을 입은 남성과 여성의 형태로, 그 모양은 간격의 소리의 성격을 아주 잘 나타냅니다. 동시에 자음은 여성 캐릭터의 형태로 제공됩니다 (세 번째-예쁘고 단순한 소녀, 다섯 번째-마돈나의 얼굴을 가진 소녀, 여섯 번째-고전 비극의여 주인공 연극 의상을 입은 여성), 및 불협화음-남성 (쿼트-용감한 젊은 기사, 메이저 및 마이너 7 분의 1-영화 "Twelfth Night"의 G. Vitsin 캐릭터와 유사한 두 명의 우스꽝스럽고 나른한 신사, Triton은 장난스러운 광대 등); 클러스터 - 화난 고양이 등의 형태

솔페지오를 가르치는 전통적인 방법은 시각 보조 자료의 사용을 항상 인식하는 것은 아니며, 이는 때때로 정당한 것으로 드러납니다. 따라서 L. Abelyan의 매뉴얼(상당히 긴 역사를 가짐)에 잘린 사과 조각(전체-반쪽-4분의 1-8분의 1) 형태로 제시된 기간의 묘사는 어린이의 학습을 방해하기 때문에 만장일치로 실패한 것으로 간주됩니다. 1/4 또는 8분의 1의 맥동; 그러나 음악 녹음, 특히 초등 교육용 음악 텍스트에서 사용되는 주요 지속 시간은 4분의 1이고 맥동은 일반적으로 4분의 1(1/4 = 2/8, 2/4 = 2/4, 전체 = 4/4)에서 발생하며 덜 자주 - 8분의 1에 발생합니다. (그러나 8분의 1 미터 - 6/8, 3/8 - 전문 분야의 작품에서는 더 일찍 나타날 수 있지만 3학년 이전에는 교훈적인 자료에 나타납니다.) 위에서 설명한 그림을 바탕으로 어린이는 항상 정수로 맥동해야한다고 생각할 수 있습니다 (그들은 기초이고 나머지는 파생물이기 때문에). 이는 사실상 불가능합니다.

2.4 게임 형태의 교육, 초등학생과 함께 일하는 역할

현대 교육학에서는 게임을 포함한 새로운 방법으로 전환하여 교육 과정을 구성하고 교육 과정을 최적화하는(특히 어린 학생의 경우) 전통적인 교실 수업 시스템을 점점 더 단호하게 거부하고 있습니다.

게임 기반 교육 방법은 학생들이 학습 동기, 게임 및 생활에서의 행동을 인식하도록 가르치는 것을 목표로 합니다. 자신의 독립적인 활동을 위한 목표와 프로그램을 수립하고 즉각적인 결과를 예상합니다. 활동의 심리학 이론은 인간 활동의 세 가지 주요 유형, 즉 일, 놀이, 학습을 식별합니다. 모든 유형은 밀접하게 상호 연관되어 있습니다. 전체적으로 놀이의 출현 이론에 관한 심리학 및 교육학 문헌을 분석하면 어린이의 발달과 자기 실현을 위한 놀이의 목적 범위를 상상할 수 있습니다. 이 게임은 객관적으로 자발적인 초등학교이며, 그 명백한 혼란은 어린이에게 주변 사람들의 행동 전통에 익숙해질 수 있는 기회를 제공합니다. 아이들은 자신이 집중하는 것, 관찰할 수 있는 것, 이해할 수 있는 것을 게임을 통해 반복합니다. 이러한 이유만으로도 많은 과학자들에 따르면 놀이는 일종의 발달, 사회 활동, 사회적 경험 습득의 한 형태이자 사람의 복잡한 능력 중 하나입니다. DB Elkonin은 이 게임이 본질적으로 사회적이며 즉각적인 포화를 제공하며 성인의 세계를 반영할 것으로 예상한다고 믿습니다. 게임을 "사회적 관계의 산술"이라고 부르는 Elkonin은 게임을 특정 단계에서 발생하는 활동, 정신 기능 발달의 주요 형태 중 하나이자 어린이가 성인의 세계에 대해 배울 수 있는 방법으로 해석합니다. 놀이는 어린이의 모든 생활 자세에 대한 규제자입니다. 놀이 학교는 그 안에서 아이가 학생이자 동시에 교사가 되는 그런 학교입니다. 소련 교육 시스템에서 등장한 교육 이론은 유치원 시스템의 교훈에서 게임 사용을 강화했지만 실제로 학생, 청소년 및 청소년에게 게임을 소개하지 않았습니다. 그러나 최근 과학계의 사회적 실천에서는 놀이의 개념이 새로운 방식으로 해석되어 놀이가 삶의 여러 영역으로 확장되고 놀이가 일반적인 과학적이고 진지한 범주로 받아들여집니다. 아마도 이것이 게임이 더욱 적극적으로 교훈의 일부가 되기 시작한 이유일 것입니다. 다양한 과학 학교의 교사와 심리학자들이 놀이 개념을 공개함으로써 다음과 같은 몇 가지 일반 조항을 확인할 수 있습니다.

이 게임은 다양한 연령대의 어린이를 위한 독립적인 유형의 발달 활동입니다.

어린이 놀이는 주변 세계를 깨닫고 연구하는 가장 자유로운 형태의 활동으로, 개인 창의성, 자기 지식 활동, 자기 표현의 넓은 범위를 열어줍니다.

놀이는 미취학 아동 활동의 첫 번째 단계, 행동의 초기 학교, 학생이 성장함에 따라 목표를 바꾸는 초등학생, 청소년 및 청소년의 규범적이고 평등한 활동입니다.

놀이는 발달의 실천이다. 아이들은 성장하기 때문에 놀고, 놀기 때문에 성장합니다.

게임은 잠재의식, 마음, 창의성을 바탕으로 한 자기발견, 자기계발의 자유입니다.

놀이는 어린이들의 주요 의사소통 영역입니다. 대인관계의 문제를 해결하고 인간관계의 경험을 쌓습니다.

많은 연구자들은 학교 교육 자료를 기반으로 한 정신적 행동 형성 패턴이 어린이의 놀이 활동에서 발견된다고 씁니다. 그 안에서 정신 과정의 형성은 감각 과정, 추상화 및 자발적 암기 일반화 등 독특한 방식으로 수행됩니다.

게임은 특별한 학습 기술(주의력, 규율, 듣기 기술)에 의해 좌우되지 않습니다. 게임은 학생들과 함께 작업하는 보다 적극적인 형태입니다. 이를 통해 플레이어는 프로세스의 주체처럼 느낄 수 있습니다. 게임은 정보 인식의 모든 채널(논리, 감정, 행동)을 연결하고 기억과 재현에만 의존하지 않으며, 마지막으로 게임은 지식을 획득하는 보다 안정적인 방법입니다. .

이 게임은 결과가 아닌 과정을 목표로 하기 때문에 학생에게 매우 효과적으로 동기를 부여합니다. 소극적인 학생이라도 빠르게 게임에 참여합니다. 공부를 좋아하지 않는 사람이라도 누구나 노는 것을 좋아합니다. 게임은 또한 인지적 활동을 활성화합니다. 게임의 규칙 자체가 징계 체계를 결정합니다. 플레이어와 팀은 플레이할 때 이를 준수합니다. 게임을 구축함으로써 교사는 자료의 내용을 대중화하는 것에 대해 걱정할 필요가 없습니다. 게임은 누구나 이해할 수 있을 만큼 의미가 있기 때문입니다. 교실의 게임을 통해 일부는 객관적인 행동 수준에서, 다른 일부는 지식 수준에서, 다른 일부는 논리적 결론 수준에서 자료를 배울 수 있습니다. 수업에서 학생의 지식과 행동을 평가하는 것은 필수 요소이지만 게임에서는 바람직한 요소입니다. 그러나 게임의 평가 형식이 플레이하는 것이 더 좋습니다.

게임 형태가 수업 공간에 항상 들어맞는 것은 아니라는 점은 주목할 가치가 있습니다. 첫째, 게임 과정의 알고리즘이 수업의 알고리즘과 일치하지 않습니다. 수업은 습득한 지식 업데이트(과거 자료에 대한 질문), 지식 전달(새로운 자료 설명), 통합(훈련 및 숙제 수행) 및 평가의 4단계를 기반으로 합니다. 게임은 다르게 발전합니다: 플레이 공간 구성(규칙 설명, 팀 구성), 게임 동작(게임 중 필요한 지식 업데이트, 필요한 기술 훈련 및 활성 인지), 결과 요약( 성공 상황 구성) 및 게임 분석(이론적 결론).

둘째, 지식 자체를 획득하는 메커니즘이 다릅니다. 수업에서 학생들은 나중에 이를 경험으로 전환하기 위해 이론적 지식을 얻고, 게임에서는 그로부터 이론적 지식을 도출하기 위해 경험을 얻습니다.

세 번째로, 수업의 시간 프레임은 정신적 환경과 명확하게 일치합니다. 설문 조사 중 지속적인 주의를 기울이는 데 5~10분, 새로운 것을 설명하는 데 15~20분의 지속적인 주의, 훈련에 대한 잔여 주의가 10~15분입니다. 게임의 구조는 내부 논리와 생리적 피로 시간에 해당합니다. 각 게임마다 생리적, 정신적 과정의 강도가 다르기 때문에 구현 시간도 다릅니다.

아이들을 대상으로 한 교육 활동에서 즐거운 학습만이 유일한 것이 될 수는 없습니다. 학습 능력을 형성하지는 않지만 물론 학생의인지 활동을 발전시킵니다. 인지 과정 자체(사고, 상상력, 기억 등)의 개발 및 수정 외에도 느슨함, 해방과 같은 중요한 특성의 형성을 보장하는 것이 필요합니다.

학생들의 인지 해방 개발의 중요성은 다음과 같은 매우 전형적인 상황과 관련하여 발생합니다. 정상적인 과외 환경 (게임, 서로 의사 소통)에서 매우 똑똑하고 정통한 어린이가 교육인지 환경 (수업에서, 실제에서) 갑자기 지혜가 느린 것으로 밝혀지는 경우가 많습니다. 수업, 숙제할 때). 이러한 아동에 대한 철저한 심리 진단은 일반적으로 인지 과정 구조의 다른 결함을 드러내지 않아 발달에 심각한 격차가 있음을 나타냅니다. 교육 및 인지 활동에서.. 많은 경우, 인지 과정 자체의 발달에 있어 개인의, 때로는 상당히 중요한 격차가 이런 종류의 뚜렷한 어려움과 결합되는 것으로 나타났습니다. 인지 과정은 정서적 및 개인 의사소통 블록의 영향을 받는 것으로 보입니다. 그들은 수업뿐만 아니라 인지 과정의 게임 훈련 수업에서도 그들이 나타나고 발전하는 것을 방지합니다. 그러한 아이들은 침묵을 선호하고 매우 수동적으로 행동하며 종종 게임 작업 완료를 거부합니다. 이 경우 주요 장애물은 인지적 노예화(즉, 운영 구조가 상대적으로 온전한 반면 인지 과정의 기능에 대한 제약)입니다. 대신, 인지적 해방이라는 반대 특성을 개발하는 것이 필요합니다.

“인지 해방”이라는 용어는 아동의 잠재력을 최대한 활용하여 인지 과정이 자유롭고 적극적으로 기능할 수 있는 가능성을 의미합니다. 이를 위해서는 첫째, 인지 과정의 구현과 관련된 아동의 정서적 및 개인적 의사소통 장벽을 제거하고, 두 번째로 최대 능력을 사용하여 인지 과정 기능에 대한 완전하고 정서적으로 안전한 경험을 획득해야 합니다. 다양한 가설을 자유롭게 표현하고, 특정 인지적 문제를 해결하는 방법을 자유롭게 찾아 긍정적인 정서적 지지를 받고, 동료들과 소통하고, 개인으로서 자신을 표현할 수 있습니다.

인지 해방을 개발하기 위한 수업은 아이들에게 문제를 분리하고, 문제 해결 방법을 분석하고, 작업 완료에 대한 다양한 접근법을 찾고, 인식하도록 가르칠 수 있는 간단하고 일상적이며 접근 가능한 자료를 사용하여 재미있는 방식으로 진행되는 것이 가장 좋습니다. 실패 가능성이 있는 이유를 파악하고, 자신의 결정을 동료의 작업과 비교하고, 합리적인 방식으로 결정을 제시하십시오. 그런 다음 아이는 습득한 인지적 느슨함 기술을 더 복잡한 교육 자료로 옮깁니다.

2.5 현대 솔페지오 교육 방법의 지배적인 특징인 혼합주의

다양한 과목을 가르치는 현대적인 방법(일반 교육과 음악 학교 모두에 적용됨)은 교육에 대한 통합적 접근 방식 또는 혼합주의가 특징입니다. 혼합주의는 수업에서 여러 유형의 활동을 결합하는 것뿐만 아니라 각 수업에서 여러 기술을 연습하고 개발하려는 욕구로 이해되어야합니다.

솔페지오를 가르칠 때 결합된 형태의 작업을 사용하여 이 과정의 다양한 섹션을 한 번에 결합하는 것이 효과적입니다. 예를 들어 음악적 인식(청각 분석) 및 음성 억양 기술 개발; 체인의 음계 음조, 성가, 간격, 화음 및 자음의 음계 단계를 귀로 결정한 다음 소리 이름과 함께 음성으로 반복하고 원래 키와 조옮김으로 악기를 연주합니다. 음악적 인식 및 받아쓰기 교육; 귀하가 들은 내용을 녹음합니다. 구성 등을 위해 인식된 재료를 사용합니다.

각 레슨에는 솔페지오의 모든 주요 섹션이 포함되어야 합니다: 청각 분석, 훈련 목적을 위한 다양한 연습(억양, 리듬 등), 다양한 노래 및 창의적인(연주 및 작곡) 형태의 작업, 받아쓰기, 기본 이론 원리 습득 작업 .

교사가 수업의 주요 부분 중 하나 이상을 생략하면 기술이나 음악적 능력 개발이 정체됩니다. 대부분의 경우 커리큘럼에 따른 솔페지오 수업이 일주일에 한 번 진행된다는 점을 고려할 필요가 있습니다. 솔페지오의 한 부분 또는 다른 부분이 여러 레슨에서 연속으로 중단되면 달성한 기술을 잃을 위험이 있을 수 있습니다.

결합된 형태의 작업, 조옮김, 순서 지정, 마음으로 연주하는 등 효과적인 교육 방법을 사용합니다. 수업을 강화하고 학생들의 빠른 발전을 촉진합니다. 훈련 기술은 기술과 능력 개발을 시작하기 전에 체계적으로 가르쳐야 합니다. 예를 들어, 택팅 기술은 체계적으로 체계화된 훈련의 결과로 자유 반사 동작으로 바뀌는 순간부터 리듬과 템포를 개발하는 데 유용한 것으로 밝혀졌습니다.

현대 솔페지오 레슨의 강화는 악기(피아노, 전문 악기, 다양한 독립 및 동반 오케스트라, 앙상블 및 타악기 그룹), 음악 장비(메트로놈, 소리굽쇠), 기술 교육 보조 장치(라이트, 음향 및 복합 교육용 보드, 테이프 레코더 및 플레이어 - 이제는 CD 플레이어, 오버헤드 프로젝터, 필름 스코프, 외음경 등), 시각 보조 자료, 유인물 및 저학년용 게임도 포함됩니다.

현 단계에서는 특히 전문 분야와 관련하여 학제 간 연결을 수행하는 교사의 능력이 더욱 중요해지고 있습니다. Solfeggio는 창의력을 발휘하고 구성하는 데 필요한 전제 조건을 생성하며 이를 위해서는 음악적 사고, 음악성 및 창의적 활동, 음악적 청력, 기억, 내부 청각 아이디어의 모든 측면 및 전체 기술 복합체의 개발이 필요합니다. 음악활동에 필요한 이론지식의 심화. 이 모든 것은 훈련 초기 단계에 이미 배치되어 있어야 합니다.

3. 어린이 음악 학교의 주니어 수업에서 솔페지오 교육의 세부 사항

이 장에서는 A. Baraboshkina의 어린이 음악 학교 1, 2학년 교과서 "Solfeggio"(, )와 교과서 "We play, 음악 학교 Zh. Metallidi 및 A. Pertsovskaya (,)의 1, 2학년을 위해 작곡하고 노래합니다.

이 두 매뉴얼은 모두 상트페테르부르크 레닌그라드의 교사들이 만들었으며 학습 과정에서 적극적으로 사용됩니다.

A. 1960년대에 초판이 출판된 Baraboshkina의 매뉴얼은 이미 고전이 되었으며(이를 기반으로 한 교육은 여전히 여러 어린이 음악 학교에서 수행되고 있음) 이 주제를 가르치는 전통적인 접근 방식이 특징입니다. , 상대적으로 적은 양의 이론적 자료이며 동시에 프레젠테이션 및 구조화에 있어 매우 유능하고 정확합니다.

1980년대~90년대 초에 초판이 나온 J. Metallidi와 A. Pertsovskaya의 매뉴얼은 솔페지오 연구에 대한 보다 집중적인 과정을 위해 고안되었으며, 또한 유치원 음악 훈련. 또한 컴파일러는 교육 자료 발표 및 작업 공식화의 세부 사항에 흔적을 남긴 작곡가만큼 교사가 아닙니다.

.1 음악 언어의 기본 요소 소개

지속

Baraboshkina의 교과서에서 기간에 대한 아는 것은 첫 번째 수업부터 시작됩니다. 이해하고 인식하기 가장 쉬운 기간은 4분의 1과 8분의 1입니다. 이러한 기간을 묘사하는 그림은 텍스트에 직접 제공됩니다. 지속 시간에 대한 학생들의 인식은 박수 리듬과 함께 동요 시(예: "Little Little Lambs")를 낭송하는 특별한 연습을 통해 이루어집니다. 학생들은 리듬이 서로 다른 길이의 소리(또는 이 경우 음절)의 시퀀스로 구성된다는 것을 배웁니다. 일부는 더 짧고 다른 일부는 더 길습니다. 8분의 1은 텍스트에서 짧은 음절 위에 배치되고 1/4은 긴 음절 위에 배치됩니다. 이러한 방법론적 움직임은 학생들이 친숙한 것(어린이가 책을 통해 이미 익숙할 수 있는 시의 음절 소리를 통한 음악적 지속 시간)을 통해 익숙하지 않은 개념을 동화하도록 돕기 때문에 매우 영리합니다. 그러나 학생들은 8분의 1 그룹화에 즉시 익숙해지지 않습니다(단락 12에만 해당). 2분음표(그리고 점 2분음표)는 이후에도 도입되고, 점4분음표와 온음표는 2학년 프로그램에서만 도입된다. 지속 시간에 대한 연구는 리듬 및 미터 연구와 밀접한 관련이 있습니다.

1학년의 Metallidi 교과서에서는 1학년, 1학년, 8학년, 1학년 반을 한 수업 내에서 공부합니다. 그 직후에 16분 음표가 소개됩니다(2학년 프로그램에서 주로 강조됨). 지금까지는 피아노 연주 연습으로만 사용됩니다. 왜냐하면 이러한 기간의 인식과 연주에는 특정 기술이 필요하고 어려움을 야기하기 때문입니다. 전문 수업 포함). 두 번째 수업에서는 점과 온음으로 이루어진 지속시간도 소개됩니다. 지속 시간에 대한 연구는 또한 친숙한 것부터 익숙하지 않은 것까지(어린이에게 친숙한 노래의 멜로디로부터 지속 시간을 인식하는 것), 박수를 치거나 리듬을 두드리는 것(다음 단락에서 논의될 것입니다)으로 진행됩니다.

Baraboshkina 교과서의 일시 중지는 기간과 거의 병행하여 소개됩니다. Metallidi 교과서에서 - 이미 이러한 일시 정지의 길이가 동일한 기간이 마스터되었을 때입니다. 즉, Baraboshkina의 교과서에는 먼저 8분 음표와 1분 음표 일시 중지에 대한 소개가 있고 그 다음에는 (반 음표가 이미 다뤄진 경우) 반 음표가 있습니다. 두 번째 수업에서는 전체 음표와 병행하여 전체 일시 정지가 도입됩니다. Metallidi의 교과서에서는 반 멈춤이 4분의 1 및 8분의 멈춤과 함께 소개됩니다(반 지속 시간은 4분의 1 및 8분의 1과 함께 발생하기 때문입니다). 전체 및 16학년 - 2학년 이전도 아닙니다. Baraboshkina의 교과서에서는 음악적 및 시적 텍스트를 통해 일시 중지가 소개됩니다(일시 중지가 대사 변경을 표시하는 대화를 모방하는 노래 "Chatterboxes"). Metallidi 교과서에서 일시 정지는 경쾌한 연주와 병행하여 연구되며 일시 정지를 연구할 때 학생은 이미 지휘 기술을 갖추고 있다고 가정합니다(Baraboshkina의 교과서에서는 지휘 연습이 나중에 소개됩니다). 일시정지의 동화는 음악 자료를 통해서도 발생합니다(그러나 그에 수반되는 시적 텍스트와는 별도로).

리듬과 미터

장단형의 주제와 박자의 주제는 지속의 주제와 밀접하게 연관되어 있다.

Baraboshkina에서는 두 번째 단락(네 번째 레슨)부터 리듬 패턴이 소개됩니다. 리듬 패턴의 변화에 대한 예는 동일한 소리로 구성되지만 다른 리듬 패턴을 갖는 성가 텍스트에 나와 있습니다. 동시에, 예에서는 박자가 오랫동안 표시되지 않고 마디선도 배치되지 않는다.

Metallidi 교과서에는 매뉴얼이 더 준비된 어린이를 위해 설계되었기 때문에 첫 번째 수업부터 바 라인이 있지만 꽤 오랜 시간 동안 연습은 보표 아래에 별도로 작성된 리듬 패턴인 "현의 지속 시간"을 유지합니다.

두 매뉴얼 모두 프로그램 요구 사항에 따라 2/4, 3/4 및 4/4의 세 가지 크기만 도입되었습니다(1학년에는 3개 모두).

리듬의 개념은 신체적 연습을 통해 소개됩니다. 학생들은 먼저 연주되는 멜로디의 박자에 맞춰 박수를 치거나 손의 움직임을 사용하여 강한 박자와 약한 박자를 보여 달라고 요청합니다(개념도 꽤 일찍 소개되었습니다).

노트

Baraboshkina의 교과서는 음악을 모르는 어린이를 위해 설계되었습니다. Metallidi의 교과서는 이미 음표를 알고 있는 사람들을 위한 것입니다. 따라서 Metallidi 교과서에는 음표 작성 방법을 가르치는 연습이 없지만 이 음악적 예나 저 음악적 예를 노트북에 복사하는 작업이 제공됩니다(작문 기술 연습이 아니라 기억 훈련과 관련됨).

Baraboshkina의 교과서에서 음을 읽고 쓰는 법을 배우는 것은 음악적 능력을 가르치는 가장 중요한 측면 중 하나입니다. 각 레슨에는 악보 다시 쓰기 연습이 포함되어 있습니다. 주목할 만한 점은 “책처럼 아름답게 메모를 쓰세요”라는 발언입니다. 이는 학생에게 정확하게 메모를 쓰도록 가르치려는 열망뿐만 아니라 1960년대 초등학교를 지배했던 서예 숭배와도 관련이 있습니다(지금은 관련이 없습니다). 일반 컴퓨터화로 인해, 아마도 개인용 컴퓨터를 사용하는 음악가들 사이에서 음악 편집자들의 확산으로 인해 "음표를 아름답게 작성하라"는 요구는 곧 무의미해질 것입니다.

Baraboshkina의 매뉴얼에 따른 교육 노트는 점진적으로 시작되며 자료는 소량으로 제공됩니다(아직 읽거나 쓸 수 없는 6-7세 어린이의 경우 악보를 익히면 미숙한 운동 능력과 관련된 어려움을 겪을 것으로 예상됨). 손 등).

1학년 교과서의 두 번째 문단부터 오선보와 높은 음자리표가 소개됩니다. (아이들에게 이 다소 복잡한 기호를 묘사하도록 가르치기 위해 카피북 작업을 연상시키는 별도의 연습이 소개됩니다.)

처음으로 통과하는 음표 - 소금그리고 에프첫 번째 옥타브 . 이는 이 노트의 이름이 단어에 포함되어 있다는 사실뿐만 아니라 솔페지오따라서 기억하기 가장 쉬울 뿐만 아니라 두 음이 모두 중간 음역에 있고 고음과 알토 모두 노래하기 쉽다는 사실도 있습니다. 음표 표시는 어린이의 목소리 높이와도 관련이 있습니다. 학습된 각 음표에 대해 쓸 수 있을 뿐만 아니라 읽을 수도 있어야 합니다(즉, 올바르게 노래할 수 있어야 함). 게다가 메모에 대한 친숙함도 소금높은 음자리표(G 음자리표)에 대한 친숙도와 직접적인 관련이 있습니다. 둘 다 동일한 자에 기록됩니다. 메모를 예로 사용하기 소금그리고 에프학생은 눈금자와 눈금자 사이에 메모를 쓸 수 있다는 것을 배웁니다.

메모 직후 소금그리고 에프(또는 실질적으로 그와 함께) 메모가 소개됩니다. 미, 재그리고 라. 이 음표 수는 간단한 멜로디를 배우기에 충분하며, 게다가 작문에서도 음표 작문과 동일한 기술을 연습하고 통합합니다. 소금그리고 에프- 예를 들어 "선 위 또는 선 사이"라는 원칙. 이 음표의 어간은 여전히 위쪽을 향하고 있으며 철자는 어느 정도 균일합니다. 이 적은 수의 음표에 익숙해짐으로써 학생들은 음악적 이해력을 더욱 잘 아는 데 중요한 유용한 관찰을 무의식적으로 할 수 있습니다. 음표의 피치는 보표에서의 위치와 관련이 있습니다(음표가 높을수록 높음). 소리가 난다).

1학년 교과서 2항 4번째 부분에는 좀 더 이해하기 어려운 주의사항이 소개되어 있습니다. 시그리고 ~ 전에첫 번째 옥타브. 글을 쓰고 기억하는 것이 어렵다는 것은 시고요함은 이미 위가 아닌 아래를 내려다보고 있지만 ~ 전에직원 아래의 추가 눈금자에 작성되었습니다.

Baraboshkina 매뉴얼의 낮은 음자리표는 학생들이 높은 음자리표의 음표를 읽는 데 충분한 기술을 갖고 프로그램이 지속적인 소리와 반주에 대한 주제를 고려하기 시작할 때 소개됩니다. 학생들은 일반적으로 베이스 음자리표에 반주 음표, 왼손 음표가 기록된다는 것을 즉시 이해하도록 요청받습니다.

전공과 부전공의 개념은 1학년과 아주 초기에 두 교과서 모두에 소개되어 있습니다. 두 경우 모두 이러한 모드에 대한 첫 번째 아는 것은 음악의 성격과 관련이 있습니다(더 활기차고 - 메이저, 더 부드럽고 슬프다 - 마이너). 또한 Baraboshkina의 매뉴얼에는 매우 유용한 연습이 포함되어 있습니다. 거의 동일한 소리로 구성되어 있지만 음표 중 하나(3도)의 높이가 반음씩 다른 한 쌍의 음악 예제입니다. 이는 마이너와 메이저의 주요 차이점을 보여줍니다.

두 매뉴얼 모두에서 화성 단조의 개념은 2학년에 소개됩니다(왜냐하면 2학년이 되어서야 학생들은 음계, 모드, 안정된 소리와 불안정한 소리의 개념을 어느 정도 확실히 이해하기 때문입니다. 화성 단조에서는 중요한 역할이 불안정한 7도에 할당된 경우 이미 입문 소리를 알고 단계에 정통한 사람들과 함께 진행하는 것이 더 좋습니다. 그러나 Metallidi의 매뉴얼에서 화성 단조는 별도의 주제가 아닙니다. 2학년에서 가르치는 모든 단조는 한 번에 세 가지 형식(자연 단조, 화성 단조, 멜로디 단조)으로 제공됩니다. 아마도 이것은 전문 프로그램의 특성 때문일 수도 있습니다. 일반적으로 전문 분야에서 음계를 공부할 때 학생은 세 가지 유형의 단음계를 한 번에 연주해야 합니다.

프렛과 관련하여 안정적인 소리와 불안정한 소리의 문제가 발생합니다. Baraboshkina의 매뉴얼에서 "감마", "단계", "안정적이고 불안정한 소리"라는 개념이 1학년 말에만 소개되고 입문 소리의 개념이 2학년에만 나타나는 경우 Metallidi의 교과서에는 모두 이것은 또한 더 집중적으로 제공됩니다. Baraboshkina와 Metallidi는 모두 강장제 개념을 아주 일찍 소개했습니다.

Metallidi의 매뉴얼에서는 안정된 소리, 특히 노래(학생이 안정된 소리와 불안정한 소리 사이의 관계, 서로의 중력, 해상도 등을 이해할 수 있도록 준비)를 다루는 데 큰 역할이 주어집니다.

열쇠

Baraboshkina 교과서의 음조 개념은 모드, 강장제 및 변경 기호에 대한 단락 이후 1학년에 소개됩니다. 모드의 개념을 통해 “토닉과 조화를 이루는 모든 소리가 조성을 형성한다”는 음조의 개념이 도입됩니다. 따라서 주로 학생들의 청각 연관성에 눈에 띄는 초점이 있습니다.

Baraboshkina의 교과서에 소개된 첫 번째 조는 G 장조입니다(Metallidi의 교과서에서는 C 장조, 즉 부호가 없는 조입니다). Metallidi 교과서에서 음조는 다음과 같이 소개됩니다. 1학년 - C 메이저, D 메이저, G 메이저 및 F 메이저, 두 번째 - 위와 평행한 마이너(첫 번째 기호 없음, 다음 1개, 다음 2개, 먼저 샤프(Sharp)로, 그 다음 플랫(Flat)으로). 2학년에서는 두 교과서(Baraboshkina 및 Metallidi)에서 평행 음조의 개념을 소개하지만 Baraboshkina에서는 이것이 한 문단의 주제인 반면 Metallidi에서는 2학년에서 분석된 음조가 쌍으로 제공됩니다(G 장조 - E 단조, F장조 - D단조, B - 플랫장조 - G단조).

Metallidi 매뉴얼의 각 음조에 대한 연구는 단계, 트라이어드, 소개 사운드 및 안정적인 사운드 노래 지정과 관련되어 있습니다. 각 건반을 나타내는 음악 자료는 해당 자료의 부수적인 전개를 기반으로 만들어졌습니다(이는 Baraboshkina의 매뉴얼에서도 일반적입니다).

두 교과서 모두 강장제와 주요 기호를 기반으로 한 음조 인식에 대한 작업을 포함합니다.

삼인조

Baraboshkina의 1학년 교과서에서 트라이어드 연구 준비는 음조 개념(트라이어드에 따라 배열된 음표가 사용되는 귀 튜닝 작업)에 관한 단락에서 시작됩니다. 예제 노래의 끝 부분에는 이 예제 또는 해당 예제가 쓰여진 조의 토닉 트라이어드 음표가 제공되며 학생은 이를 노래하고 기억하도록 권장됩니다.

화음의 개념은 Baraboshkina의 교과서에서 삼화음과 연관되어 있는 것으로 밝혀졌습니다(화음이 반드시 삼화음일 필요는 없지만). 코드는 단락에 제공된 음악적 예의 반주에서 시연됩니다. "지속적인 소리"의 개념은 Baraboshkina의 교과서에 나오는 3화음과 연관되어 있습니다.

Baraboshkina의 교과서나 Metallidi의 교과서 모두 증감3화음의 예를 제공하지 않습니다.

삼화음의 역전은 3학년 때 연구됩니다. 학생들이 6도(3화음을 뒤집을 때 극단적인 소리가 형성되는 간격)를 알게 되는 것은 3학년 때입니다. 마찬가지로, 3학년이 되어서야 학생들은 다른 수준의 트라이어드를 접하게 됩니다. 5년 교육(성인용)을 제공하는 학교에서는 하위 및 지배적 트라이어드, 다른 규모 수준의 트라이어드, 트라이어드 반전 및 다양한 수준의 트라이어드 반전 간의 연결을 1학년과 2학년에서 즉시 가르치며 때로는 학생들은 일반적으로 고등학교 과정에서 조화롭게 공부하는 "플라갈 문구", "진정한 회전", "삼위 위치의 삼중주", "다섯 번째 위치의 삼중주", "기본 위치의 삼중주"의 개념을 소개받습니다. 음악 이론, 심지어 어린이 음악 학교 커리큘럼의 범위를 넘어서는 것입니다. 이는 지능 훈련이 더 잘되어 성인 학생이 어린이보다 이론을 공부하는 것이 더 쉽다는 사실로 설명됩니다.

동시에 이미 1학년 교과서에 나와 있는 메탈리디의 매뉴얼에는 학생들이 거쳐야 하는 세 번째 키(G장조)에서 제안된 멜로디(연습 114)에 대한 반주를 선택하는 과제가 있다. 주어진 코드(시퀀스 T 구성 5/3 -에스 6/4- 디 6). 이 연습이 완료될 때쯤이면 학생들은 이미 안정된 소리(음계의 I, IV, V도)에 익숙해져 있지만 이러한 코드와 안정된 소리의 연결에 대해서는 아직 언급된 바가 없습니다. 학생들이 키(F 메이저, D 메이저 등)를 통해 계속 진행함에 따라 유사한 작업(위 시퀀스의 코드에서 멜로디 반주를 선택하기 위해)이 제공됩니다(작업 152, 157, 179). 이러한 방식으로 학생들은 조화로운 청력을 훈련합니다.

간격

Metallidi 교과서와 Baraboshkina의 교과서 모두 프로그램에 따른 간격 학습은 학습 2년차에 이루어지지만 간격 학습 준비는 이미 1학년부터 시작됩니다.

Baraboshkina의 1학년 매뉴얼에서 노래 준비 및 간격 인식은 단락 10(“두 음표로 점프”)에서 시작됩니다. 지금까지 단락에 제시된 음악 자료는 음계에 따른 움직임(오름차순 및 내림차순)을 기반으로 했습니다. 그러나 "음계"라는 개념 자체가 1학년 말에 이 매뉴얼에 도입되었습니다. 그러나 3도의 움직임을 포함하는 성가는 이미 단락 8에 포함되어 있으며, 세 개의 인접한 소리를 기반으로 하는 멜로디가 나타납니다(성가 자체는 그 시간에 다루어진 모든 자료를 포함하는 방식으로 구성됩니다. 리듬 패턴의 변화, 일시 정지 - 여기에 새로운 멜로디 동작이 추가됩니다: 3번째로의 도약. 그러나 "3번째"라는 개념은 아직 도입되지 않았습니다. 이 자료는 Metallidi 매뉴얼을 포함한 다양한 매뉴얼에도 등장하는 이미 고전적인 민요 "Family"입니다.

두 교과서 모두 간격을 안정적인 모드 사운드와 불안정한 모드 사운드와 연관시킵니다. 같은 이름의 장조와 단조, 5도의 강장 트라이어드를 통해 두 가지 유형의 3도를 설명하는 것은 이미 고전이 되었습니다. 트라이어드의 극단적인 소리 사이의 거리를 통해 또는 강장에서 우성까지의 거리를 통해. 네 번째 간격은 일반적으로 학생들이 하위 도미넌트 또는 모드의 4도 개념을 마스터하기 전에 도입됩니다. 6화음과 7화음은 첫 번째 음정이 3화음의 반전(6화음과 4번째 6화음)과 연결되고, 두 번째 음정은 7화음(인식하기 어렵고, 저학년에서는 4개의 소리로 구성되어 있기 때문에 기억하세요. 반면 초등학교에서와 마찬가지로 학생들은 여전히 세 가지 소리의 화음만 귀로 구별할 수 있습니다.) 및 그 반전(동화하려면 초에서 음정까지의 간격에 대한 더 확실한 지식이 필요함) 육도 음정). 초등학생의 옥타브 개념은 원칙적으로 간격이 아닌 레지스터(첫 번째 옥타브, 마이너 등)와 관련이 있습니다. 그러나 3화음을 연구할 때 확장된 3화음이 보고되면 옥타브를 간격으로 이야기해야 합니다.

노나, 십진수 등의 간격 (예를 들어, 클라리넷 연주를 배우는 어린이는 이 악기의 레지스터 전환의 특정 특성으로 인해 전문 수업 중에 십이지 간격 개념을 받습니다.)

Metallidi의 2학년 교과서에서는 간격에 대한 소개가 매우 집중적으로 설명되어 있습니다. 교과서의 저자는 아마도 2학년 학생들이 이미 두 성부의 음악을 연주한 경험이 있다면(솔페지오 과정과 합창 수업 모두에서) 음정을 인지할 수 있는 충분한 준비가 되어 있다고 믿을 것입니다. 교과서에 대한 방법론적 권장 사항(p. 77 et seq.)에서는 먼저 일상 생활의 예를 사용하여 "간격"이라는 단어의 의미를 설명하는 것이 좋습니다. 간격은 매뉴얼 작성자에 의해 멜로디와 코드가 만들어지는 "벽돌"로 표시됩니다. 음악적 예를 바탕으로 "멜로딕" 및 "화성" 간격의 개념이 즉시 소개됩니다. 고조파 간격(두 개의 소리가 동시에 들리는 경우)과 관련하여 두 극의 예를 사용하여 "불협화음"과 "자음"의 개념이 소개됩니다. 그 중 하나는 서정적인 조지아어 2성 노래이며 자음(6스트)을 기반으로 합니다. 두 번째는 현대 작곡가 "A Bulldog Walks Along the Pavement"의 불협화음(초 및 삼중음)에 의한 짧은 그로테스크한 피아노 곡입니다. 학생들은 위 아래의 소리로부터 음정을 구성하는 기술을 즉시 개발해야 합니다.

학생들에게는 프리마에서 옥타브까지의 간격이 표시됩니다. 각 간격은 음악 자료로 설명됩니다. 간격을 공부하는 절차는 다음과 같습니다. 아이들이 처음으로 익숙해지는 음정은 프리마와 옥타브입니다(옥타브는 노래하기가 꽤 어렵지만 귀로는 쉽게 알아볼 수 있습니다). 그런 다음 학생들은 두 번째와 다섯 번째를 소개합니다. 두 번째는 특정 소리로 인해 기억하기 쉽고 다섯 번째는 3화음이 구성되는 간격 중 하나입니다. 3도와 4도는 5도를 마스터한 후 다루며, 두 음정(3도와 4도)은 3화음의 구조(3도부터 3화음 시작까지, 4도부터 5도와 확장3화음의 1도)를 통해 설명됩니다. 세 번째를 예로 사용하여 학생은 장음정과 단음정의 개념에 익숙해집니다. Baraboshkina의 매뉴얼과 마찬가지로 Metallidi의 매뉴얼은 다루는 자료와 전문 분야 수업 덕분에 학생이 이미 음악적 기억에 이러한 간격을 각인했다고 가정합니다.

각 간격에 대한 음악 일러스트레이션은 학생들에게 간격 자체의 소리뿐만 아니라 문체 및 표현 능력(화음에서 특정 간격의 사운드 특성에 의해 멜로디의 분위기가 전달되는 방식)도 소개할 목적으로 선택됩니다. 또는 멜로디 위치).

Baraboshkina의 2학년 매뉴얼에는 "고조파"와 "선율 간격"의 개념이 도입되지 않았으며 간격 자체와 관련된 이론에 대한 연구는 다소 겸손한 위치에 있습니다. 그럼에도 불구하고 교과서의 음악 자료에는 학생이 특정 간격의 인식과 억양을 점진적으로 준비하는 많은 연습이 포함되어 있습니다. Baraboshkina의 2학년 교과서에서는 3화음 간격(5도 및 3도)과 4도로만 작업을 수행하도록 되어 있습니다.

3.2 학생들의 기본적인 음악적 능력을 개발하기 위한 연습

시력 읽기를 가르치고 있습니다. 전치

초견 준비 연습과 초견 연습은 솔페지오 코스에서 중요한 위치를 차지하고 두 매뉴얼 모두에서 상당한 공간을 제공합니다.

Baraboshkina의 1학년 교과서에서는 솔페깅, 즉 음표로 노래하는 개념이 첫 수업부터 소개됩니다(학생이 이미 5개의 음표에 익숙할 때 - 가장 간단한 멜로디를 구성하기에 충분함). 또한 학생들이 보표의 음표 위치와 소리의 높이 사이의 연결을 마음 속에서 개발할 수 있도록 많은 연습이 이루어집니다.

두 매뉴얼의 모든 시창 연습은 이러한 목적을 위해 고안되었습니다. 따라서 이 예에 제시된 음악 자료에서는 수업에서 다루는 이론적 자료가 연습되고 강화됩니다(3화음, 노래 단계 등을 따라 이동). 또한 오랜 전통에 따르면 시창의 예에는 다양한 민속 음악이 포함됩니다. 국가 (그러나 움직임이 고전적 원리에서 크게 벗어나지 않는 멜로디). 시창 자료는 암기하여 음악적 기억력을 훈련시키는 것으로 되어 있습니다.

첫 번째 레슨부터 두 매뉴얼 모두 조옮김의 개념을 소개합니다(이 멜로디 또는 저 멜로디를 더 낮거나 높게 부르고 피아노에서 다른 키로 선택하는 것이 좋습니다). Baraboshkina의 교과서에서 거의 첫 번째 수업(모든 건반에서 멜로디 선택)부터 제공되는 작업은 제공된 설명 덕분에 유용해 보입니다. “멜로디의 한 곳 또는 다른 곳의 흰색 건반이 보기 흉하게 들리는 경우 , 가장 가까운 검은색을 사용해 보세요.” 따라서 학생은 자신의 귀를 훈련하고(자제력을 포함하여) 피아노 건반을 탐색하는 방법을 배우지만 Baraboshkina의 매뉴얼은 Metallidi의 매뉴얼에 포함된 집중적인 피아노 연주 유형을 암시하지 않습니다.

음악적 귀 훈련. 음악 받아쓰기

Baraboshkina의 매뉴얼(1학년과 2학년 모두)에서는 청력 조정에 특별한 주의를 기울입니다. 6문단부터 시작하는 각 문단 앞에는 “귀를 기울여라”라는 권고가 나옵니다. 청력 조정은 연습 중에 규모에 따른 움직임과 함께 간격에 따른 움직임도 나타나는 순간부터 시작됩니다. 교과서 저자에 따르면 3화음도 귀 조율(즉, 특정 음표의 소리를 암기하는 것)을 통해 학습해야 한다고 합니다. 또한 실제 노래와 청각 연습을 통해 이 매뉴얼은 예를 들어 클래식 반주의 몇 가지 중요한 특징(강장제 - 지배성 - 강장제의 진행)을 제공합니다. Baraboshkina의 매뉴얼은 Metallidi의 매뉴얼보다 2성부에 할당되는 공간이 적지만 2성부를 위한 준비 연습이 꽤 잘 제시되어 있습니다. 아마도 Baraboshkina의 매뉴얼은 학생의 귀가 잘 조율되면 두 성부를 배우고 암기하기가 더 쉬워진다는 원칙, 즉 학생이 음표의 소리를 아주 확고하게 기억한다는 원칙에 기반을 두고 있을 것입니다.

음악적 받아쓰기는 이 매뉴얼의 범위를 벗어납니다. 그들의 선택은 교사 자신의 선호도에 달려 있다고 가정합니다.

2학년 Metallidi-Pertsovskaya 매뉴얼에서는 억양 연습에도 특별한 주의를 기울입니다(각 수업마다 5-7분을 할당해야 한다고 가정합니다). 음조를 공부할 때 서로 다른 크기로 동일한 길이의 음계 그룹을 노래하고, 체인으로 노래하고(각 학생은 음계의 소리 중 하나를 노래함), 큰 소리로 조용히 노래하는 것(예: 큰 소리로만 노래)을 부르는 것이 좋습니다. 안정된 소리 또는 불안정한 소리), 테트라코드를 따라 음계를 노래하고, 안정된 소리를 다른 순서로 노래하고, 다른 단계를 다른 순서로 노래합니다.

또한 마스터링 간격(음계 비율에 따른 노래 간격, 위아래로 노래하는 간격, 순수하고 작은 간격, 큰 간격 연주) 및 트라이어드에 대한 억양 연습도 있습니다.

Metallidi의 2학년 매뉴얼에서 제공하는 청각 연습에는 특정 멜로디의 모드, 단조 유형을 귀로 결정하고, 음악 예를 연주할 때 특정 리듬 패턴과 간격을 인식하는 것도 포함됩니다.

Metallidi 매뉴얼의 받아쓰기 중에서 리듬의 다양성만 권장됩니다. 보드에 쓴 멜로디를 듣고 나면 표시되지 않은 리듬으로 리드미컬하게 작성해야 합니다. 특정 음계의 테트라코드, 다양한 순서의 트라이어드 소리 등을 귀로 식별하는 것도 제안되었습니다.

§ 3.3. 게임 및 창의적인 작업

A. Baraboshkina의 매뉴얼에는 창의적인 게임 작업이 포함되어 있지 않습니다. 이 매뉴얼이 처음 출판될 당시 게임 교육 방법에 충분한 관심을 기울이지 않았기 때문입니다.

반대로 J. Metallidi와 A. Pertsovskaya의 매뉴얼에서는 재미 있고 창의적인 작업이 교육 과정의 필수적인 부분으로 제시됩니다. 놀이와 독립적인 창의성을 통해 학생들은 음악 언어의 기본 개념과 규칙을 더 잘 익힐 수 있습니다.

따라서 피아노뿐만 아니라 음악을 연주하는 학생들에게도 많은 관심이 집중됩니다. 아마도 교실에서 악기를 연습하는 동안 피아노를 연주하는 방법을 아직 모르는 젊은 음악가를 기다리는 심리적 어려움을 피하려는 열망이었을 것입니다. 이는 교과서 저자가 솔페지오에 소개한 내용에 따라 결정되었습니다. 소음 오케스트라에서 연주되는 음악 과정. 소음 악기(숟가락, 탬버린, 메탈로폰)는 실제로 어떤 연주 기술도 필요하지 않으며 동시에 어떤 전문 분야의 학생들에게도 똑같이 익숙하지 않습니다(전문 "타악기"는 매우 제한된 수의 학교에 존재합니다). 소음 오케스트라에서 음악을 연주하는 것(교사가 이끄는 피아노 파트의 첨부된 악보에 따른 반주)은 리듬감 발달에 도움이 됩니다. 독주 악기)뿐만 아니라 앙상블에서 연주하는 기술도 개발합니다(자신의 파트를 따라하면서 동시에 파트너의 말을 들음). 이는 향후 고학년의 전문 레슨(프로그램에 앙상블 및 오케스트라 음악이 포함됨)에 유용할 수 있습니다. 놀이).

또한 음악 작곡 요소는 교육 과정에서 중요한 역할을합니다 (교사가 제안한 주제에 대한 "응답"을 작성하는 작업- "질문", 제안 된 구절에 대한 멜로디 구성). 이 과제를 완료하면 학생들은 솔페지오 수업에서 습득한 모든 이론적 지식(음정, 멜로디 움직임 등에 관한)을 실습할 수 있습니다.

두 매뉴얼의 분석을 바탕으로 다음과 같이 말할 수 있습니다.

자료가 더 열악하지만 학생들과 함께 작업하고 공부 중인 자료를 보다 철저하게 제시한다는 측면에서 더 "부드러운" Baraboshkina의 매뉴얼은 평균적인 음악적 능력을 가진 학생 그룹이나 어떤 이유로든 학생들에게 사용하도록 권장될 수 있습니다(두려움 실수, 신체적 약점, 피로, 수줍음 등) 현대 교과서의 특징인 자료의 집중적 발표에 대처할 수 없는 사람.

Metallidi-Pertsovskaya 매뉴얼은 더 강하거나 유치원 음악 교육을 받은 어린이뿐만 아니라 창의적으로 생각하고 창의력을 발휘하는 것을 두려워하지 않는 어린이를 가르치는 그룹에서 사용해야 합니다. 이 매뉴얼에서 제공하는 매우 집중적인 프로그램을 통해 학생들은 잠재력을 최대한 발휘하고 창의적인 능력을 발휘할 수 있습니다. 교실에서 자신의 잠재력을 최대한 발휘할 수 없으면 재능 있고 활력이 넘치는 어린이가 수업에 흥미를 잃고 무기력해지고 게으르게 되는 경우가 많습니다. 왜냐하면 학습이 너무 쉽고 그러한 학습에 합당한 주의를 기울이는 것이 중요하지 않기 때문입니다. 교육 자료 작업 기술의 상실로 인해 그러한 어린이는 더 이상 정말 복잡한 자료로 작업할 수 없게 될 수 있습니다.

결론

어린이 음악 학교의 주니어 수업에서 솔페지오를 가르치는 것은 고유한 특징을 지닌 복잡하고 시간이 많이 걸리는 과정입니다. 솔페지오를 학생들의 음악적 사고 발전의 토대를 마련하는 기본 학문으로 이해하는 것이 중요합니다.

solfeggio를 가르칠 때 한 번에 여러 매개변수를 고려해야 합니다. 첫째, 이것은 어린이 심리학의 특징입니다. 하나 또는 다른 유형의 사고 발달 정도,인지 방법 및 세상에 대한 인식 특징입니다. 둘째, 특정 그룹에 속한 어린이의 실제 음악적 능력입니다. 마지막으로, 세 번째로, 어린이가 특정 주제를 공부할 준비가 되어 있는 정도(특정 기술과 능력의 유무)입니다.

어린이 음악 학교 과정에 포함된 모든 과목은 솔페지오와 관련이 있으며, 솔페지오 프로그램은 한편으로는 다른 학문을 익히는 데 도움이 되고 다른 한편으로는 이러한 학문을 기반으로 합니다.

어린 학생들의 정신생리학적 연령 특성은 솔페지오 학습에 어려움을 주는 원인입니다. 따라서 교사의 임무는 이러한 정신생리학적 특이성을 기반으로 학습 과정을 최적화하는 것입니다.

솔페지오 수업(외국어 또는 모국어 수업과 마찬가지로)에서는 듣기, 노래하기, 쓰기 연습, 악보, 악기 연주 등 모든 유형의 활동이 포함되어야 합니다. 솔페지오 교육 기술은 혼합적 접근법을 사용하여 가장 잘 개발됩니다. 음악적 귀(솔페지오 수업의 주요 주제)의 발달은 청력 기관뿐만 아니라 다른 기관인 성대(에 의해 촉진됨)의 작업을 통해 훈련됩니다. 억양 연습), 손의 미세한 운동 기술(작문 연습, 악기 작업), 기타 근육(타이밍 작업, 리듬 결정 작업, 저학년에서는 플라스틱 연구처럼 보일 수 있음). 솔페지오를 가르치는 데 있어서 음악적 기억력의 발달은 그다지 중요하지 않습니다.

음악 학교에 입학하는 6~8세 어린이의 경우 추상적 사고가 미숙하고 음악적 귀가 충분히 발달하지 않아 솔페지오 과정 프로그램의 대부분이 어렵습니다. 물론 음악에 귀를 기울이는 어린이 만 어린이 음악 학교에 등록하지만이 능력은 드문 경우를 제외하고 거의 미개발 상태입니다. 모달 감각, 조화 청력이 부족하고 종종 박자 리듬을 인식하는 데 어려움을 겪습니다. (성대의 불충분한 발달로 인해) 올바르게 억양하는 방법을 항상 알지 못합니다. 마지막으로, 음악 활용 능력을 가르칠 때 아이들은 중등학교에서 읽고 쓰는 법을 배울 때와 같은 문제에 직면합니다. 즉, 음악 텍스트에서 시각 및 청각 이미지를 연관시키는 데 어려움이 있습니다. 더욱이 여기서의 어려움은 읽는 법을 배울 때보다 훨씬 더 큽니다. 특정 문자를 읽을 때 높이와 지속 시간에 관심이 없다면 메모를 읽을 때 이 두 매개 변수를 모두 고려해야 합니다. 또한 상대적인 청력을 가진 어린이(대부분이 음악 학교에 다니고 있음)는 먼저 청력과 음성을 조정하지 않고 음을 정확하게 재현하기가 어렵습니다. 3장에서 분석한 교과서에는 청각 및 음성 조율, 어린이 음악 학교 주니어 수업에서 시창할 때 개발해야 하는 기본 기술 개발, 음악 텍스트에서 다양한 유형의 멜로디 동작을 구별하는 능력(음계 기준)이 포함되어 있습니다. , 3화음별, 간격별) 안정적이고 불안정한 소리와 조성(조 및 토닉의 기호로)을 결정하고, 리듬 패턴을 탐색하고 지정된 크기의 텍스트를 연주할 때 특정 기간 동안 맥동할 수 있습니다.

필요한 기술은 혼합적 접근 방식(여러 기술이 동시에 긴밀하게 상호 연관되어 개발되는 경우)을 통해 어린 학생들에게 가장 잘 개발됩니다. 동시에 어린 아이들은 아직 "학문적"교육 방법을 사용할 준비가되어 있지 않기 때문에 게임 측면이 중요하며 동시에 말하기 활동이 다음과 같기 때문에 성인보다 혼합 방법을 사용하여 배우는 것이 더 쉽습니다. 성인과 몸짓보다 신체 가소성과 더 밀접하게 연관되어 있습니다. 그리고 앞서 언급했듯이 솔페지오를 가르치는 것은 말하기 활동 유형을 가르치는 것과 많은 공통점이 있습니다.

게임 및 창의적인 작업은 혼합주의 원칙(모든 유형의 활동이 게임에 포함됨)에 해당하고 어린이가 미래 공연 예술가로서 필요한 기술(창의성, 상상력)을 개발하는 데 도움이 되기 때문에 어린 학생들에게 솔페지오를 가르칠 때 유용합니다. 사고, 캐릭터 음악 텍스트에 침투하여 음악의 특정 캐릭터 또는 분위기를 묘사하는 능력.

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