Ро́берт Э́рнест Ми́лтон Ра́ушенберг (англ. Robert Milton Ernest Rauschenberg; 22 октября 1925, Порт-Артур, Техас - 12 мая 2008, остров Каптива, Флорида) - американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма , а затем концептуального искусства и поп-арта . В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда. В своих работах использовал мусор и различные отбросы.
Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки. Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине, где его учителем был Джозеф Альберс . В 1949 году Раушенберг поселился в Нью-Йорке, начал работать оформителем витрин, посещал арт-школу Art Students League. С 1950 по 1953 год был женат на художнице Сьюзен Вейлль, с которой познакомился в Академии Жюлиана. В этом браке родился сын Кристофер, ставший фотографом. С 1954 по 1961 год жил вместе со своим бойфрендом - художником Джаспером Джонсом . Пара художников активно обменивалась идеями, участвовала в создании работ друг друга, но никогда не делала объекты с двойным авторством.
В 1951 году состоялась первая персональная выставка Раушенберга в галерее Бетти Парсонс , не имевшая успеха у критиков. В 1958 была организована его персональная выставка в галерее Кастелли, благодаря которой он стал известен. Был дружен с Джоном Кейджем , Мерсом Каннингемом, Саем Твомбли и Энди Уорхолом .
В 1970 году Раушенберг купил дом на острове Каптива (англ.)русск. неподалеку от побережья Флориды, который превратил в свою мастерскую.
В 1977 году в Музее изящных искусств в Вашингтоне открылась ретроспективная выставка художника, в которой он представил свои самые известные работы, затем последовало турне по США.
В начале 50-х годов Роберт Раушенберг прошёл через три стадии создания живописных работ:
В 1953 году Раушенберг стёр рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Стёртый рисунок Де Кунинга», тем самым затронув вопрос о природе искусства.
С середины 50-х годов Раушенберг начинает создавать пространственные объекты, которые называет «комбинированными картинами»:
В конце 50-х годов Раушенберг освоил технику фроттажа (натирания, введенную в искусство Максом Эрнстом ещё в 1925 году) для перевода журнальных или газетных фотографий на бумагу и другие поверхности. Раушенберг активно использовал её для создания графического цикла из 34 иллюстраций к «Аду» Данте в стиле поп-арта (1959-1960, Нью-Йоркский музей современного искусства).
В начале 60-х годов Раушенберг прекратил создавать «комбинированные картины». В 1962 году он освоил технику шелкографии и создал в ней ряд крупных произведений. Одна из картин этого ряда «Путь в небо» (Skyway, 1964, Музей искусств Далласа). На ней поп-культурные символы (например, американские астронавты) соседствуют с образами Рубенса .
В 1967 году он создает ещё одну программную графическую работу - огромную литографию с элементами шелкографии (182 x 89 см) Booster. Это самая большая из созданных когда-либо литографий.
В поздние 60-е и 70-е годы Раушенберг был вовлечен в сферу перформанса , хэппенингов и других театрализованных акций. Оформлял спектакли Триши Браун.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Американской художник, создавший в 50-х, отмеченные влиянием дадаизма, коллажи и произведения так называемой "комбинированной живописи ", в которых абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря своему стремлению увязать жизнь с искусством Раушенберг стал одним из провозвестников американского поп-арта.
В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления "поп-арт", используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта. В рамках своих произведений "комбинированной живописи" он объединял предметы, хорошо известные американскому обществу из рекламы и средств массовой информации. Это техника коллажа, объединяющая реалистичные объекты и газетные фотографии в абстрактные живописные панно. Одной из наиболее известных картин такого рода (отмеченная влиянием дадаистов Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса) была написанная в 1956 "Кровать": на полотне большого формата Раушенберг представил свою кровать вместе с постельными принадлежностями, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина.
В течение 1950-х годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов - газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных - до тех пор, пока не достигалось ощущений, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность. В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества.
В 1980-е были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.
В 1951 году состоялась первая персональная выставка Раушенберга в галерее Бетти Парсонс, не имевшая успеха у критиков. Впервые Раушенберг заставил заговорить о себе после выставки в нью-йоркской галерее Лео Кастелли (1958). В дальнейшем его творчество оказывало большое влияние на развитие поп-арта.
В конце 50-х появились первые, так называемые, "переводные рисунки": коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении.
В замысел Раушенберга входило столкновение известных символов с художественными элементами картин. Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой ("Черный рынок", 1961) и занимался оформлением представлений совместно с коллегами-художниками. Прорыв на международный уровень произошел в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию -- Ватикан высказался об "упадке культуры"; и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления. Это признание выгодно сказалось и на доходах Раушенберга -- цены на его работы подскочили в несколько раз.
Раушенберг раздвинул пространство своих коллажей с помощью включения трехмерных объектов и стал называть их "комбинированными произведениями". Эта революционная техника способствовала развитию современного искусства и способов творческого выражения.
Для коллажа 1964 г. "Ретроактивность 1" Раушенберг использовал фотографии современных событий, опубликованные в многочисленных газетах и журналах. Большая газетная фотография Джона Кеннеди, выступающего на телевизионной пресс-конференции, была положена в основу трафаретного оттиска на холсте. Он наложил образ Кеннеди на шелкографическое изображение астронавта, спускающегося на парашюте.
В 1977 году в "Музее изящных искусств" в Вашингтоне открылась ретроспективная выставка художника, в которой он представил свои самые известные работы, затем последовало турне по США.
В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов. Начиная с 80-х, его работы уже не таят в себе никаких стилистических неожиданностей. Сегодня 10 картин этого общепризнанного мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим художником.
"Я не хочу, чтобы картина выглядела как-то неестественно. Я хочу, чтобы изображение предмета соответствовало его содержанию. И, на мой взгляд, картина больше похожа на реальный мир, когда она сделана из объектов реального мира".
Живопись позволяет увидеть вещи такими, какими были они однажды, когда на них глядели с любовью.
/Поль Валери/
Номер 6. Роберт Раушенберг
Роберт Раушенберг (Robert Milton Ernest Rauschenberg, 1925-2008) родился в Порт-Артуре (штат Техас). Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки.
Его отец работал на местной электростанции; семья принадлежала к фундаменталистской секте. По окончании средней школы Раушенберг обучался фармакологии в Остине (штат Техас), но уже в первом семестре бросил учебу, не прельстившись препарированием лягушек. Во время второй мировой войны Раушенберг служил братом милосердия в одной из клиник для душевнобольных.
Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине.
В 1953 Раушенберг выставил «Стертый рисунок Де Кунинга» - рисунок Виллема Де Кунинга, который Раушенберг стер. Он поднял вопрос о природе искусства, дав возможность зрителю решать, может ли стертая работа другого художника быть творческим актом, может ли быть эта работа искусством только потому, что он, Раушенберг, стер её.
Он, как и Пикассо в свое время, перепробовал все техники и стратегии актуального искусства: занимался реди-мейдами, коллажами, ассамбляжами, объектами, инсталляциями, иллюстрациями, перформансом, хореографией, шелкографией, фотографией, видео, театральными декорациями, керамикой, медиаартом, писал картины, фрески и даже музыку.
Под влиянием дадаизма создавал коллажи и произведения так называемой «комбинированной живописи», в которых абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря своему стремлению увязать жизнь с искусством Раушенберг стал одним из провозвестников американского поп-арта.
Раушенберг был душой поп-артистской компании и легко находил общий язык с Джоном Кейджем, Мерсом Каннингемом и Тришей Браун. Даже с Андреем Вознесенским: в 1960-х в Нью-Йорке они вместе упражнялись в конкретной поэзии.
В течение 1950-х в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов – газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных – до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.
Коллаж «Кровать» (1955) - настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленную вертикально
В музее современного искусства в Стокгольме стоит одна из самых известных его работ "Монограмма" концептуальным элементом которой стало чучело ангорской козы
В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (парашютист, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х.
В 1961 году Раушенберг послал телеграмму в Galerie Iris Clert, в которой говорилось: «Это портрет Iris Clert, если я так утверждаю», в качестве своего вклада в выставку портретов.
В 1964 году Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Это решение жюри вызвало бурную реакцию - Ватикан высказался об «упадке культуры»
В 1969 Раушенберг по приглашению НАСА посетил Центр космических исследований Кеннеди и создал после этого обширную серию из тридцати трех литографий под общим названием «Окаменевшая Луна». Еще через год он основал благотворительное учреждение для неимущих художников и организовал дом-мастерскую на острове Каптива неподалеку от побережья Флориды
BMW каждый год предоставляет одному художнику для росписи свой автомобиль.
Работа Раушенберга
Получил премию Грэмми за оформление ограниченного тиража альбома Speaking in Tongues группы Talking Heads.
В 1981 году начал эпохальное произведение, под которое отдан весь "Гуггенхейм Музеум эт Эйс Гэллери" - "Четверть мили или две восьмых мили": многосоставная работа, включает более 200 частей и рэди-мейдов длиной около 400 м
И хотя раньше стоимость работ Раушенберга в среднем не превышала одного миллиона долларов, в прошлом году его «комбина» «Очень быстро» ушла за $14,6 млн.
Одна из заповедей реди-мейда (ready-made), изобретенного , гласит: не обязательно создавать что-то гениальное, важно лишь доходчиво объяснить, почему это неповторимый шедевр.
Взяв за основу идею своего великого предшественника, Роберт Раушенберг (Robert Milton Ernest Rauschenberg) пошёл ещё дальше: он уничтожил работу другого художника и доказал, что это его собственное произведение искусства. А почему бы и нет?
Дело было так: в 1953 году Раушенберг продемонстрировал всем работу под названием «Стертый рисунок Де Кунинга» (Erased De Kooning Drawing). Никаких премудростей, вполне реальный карандашный набросок Виллема Де Кунинга (Willem de Kooning), который был стерт. История умалчивает, как отреагировал автор картины, но вот в народе поступок Раушенберга вызвал жаркие споры. Подобно другим великим поп-артистам, своей выходкой он поставил под сомнение саму идею традиционного искусства. Может ли стёртая работа другого художника стать полноценным творческим актом и самостоятельным произведением?
Что мы тут всё «Раушенберг» да «Раушенберг»? Сам урождённый Роберт Милтон Эрнест предпочитал, чтобы его называли просто «Боб». Нет причин отказывать великому художнику в этом удовольствии. Тем более что имя «Боб Раушенберг» стоит не только на его работах, но и в названии галереи во Флориде - Bob Rauschenberg Gallery.
Чего Бобу точно не занимать, так это энергии. За 82 года жизни, 61 из которых он посвятил творчеству, художник через что только не прошёл - от абстрактного экспрессионизма до концептуального искусства. Особую страсть он испытывал к смешению стилей и всяческим экспериментам. Подобно , Раушенберг перепробовал все, до чего только дошли руки: занимался реди-мейдом, увлекался коллажем, инсталляциями, перформансом, хореографией, шелкографией, фото- и видеосъёмкой, театральными декорациями, росписью керамики, создавал картины, фрески и даже .
Кстати, в начале своей карьеры Боб соглашался на разного рода работу - оформлял витрины в Нью-Йорке, а также костюмы и декорации для представлений. Создаётся впечатление, что Раушенберг ставил перед собой задачу попробовать всё, отдать себя миру и найти идеальную технику. Самого же себя он называл художником-универсалом.
В своих работах Боб спокойно использовал мусор и любые подручные материалы. Подобно другим представителям поп-арта, он выражал своё видение окружающего мира в шокирующих формах. Благодаря его работам, концептуальное искусство обрело новое дыхание.
Творчество Боба, да и всю его жизнь, очень легко разделить на ярко выраженные этапы. До 21 года будущий всемирно известный художник и не подозревал, что имеет огромный потенциал. Достаточно долго он планировал учиться фармакологии, но уже на первом курсе, во время потрошения внутренностей лягушки, понял, что свернул не туда. Следующие несколько лет унесла Вторая Мировая, во время которой Раушенберг служил братом милосердия в клинике для душевнобольных.
И вот, наконец, после всех этих испытаний на волю вырвался неудержимый творец и экспериментатор. В начале 50-х Роберт посвятил себя трём основным сериям работ. Первая из них - «Белая живопись» (White Paintings) - выполненные на белом фоне черные цифры и фигуры. Следующая - «Черная живопись» (Black Paintings) - в ней на полотна наклеивались обрывки скомканных газет и покрывались чёрной эмалью. И последняя - «Красная живопись» (Red Paintings) - полная абстракция в красных тонах, частично состоящая из газетных вырезок, ржавых гвоздей, потёртых и прочего мусора.
Середина 50-х запомнилась миру его «комбинированными картинами», скорее напоминающими инсталляции. Известнейшая из них - «Одалиска» (Odalisk) - состоит из мольберта, к которому прикреплены фотографии и репродукции. Стоит он на атласной подушке, а сверху восседает чучело курицы. Кстати, название дословно означает «горничная, рабыня, служанка» или девушка из гарема султана.
Следующая - «Кровать» (Bed), состоит из личного элемента меблировки Раушенберга, забрызганного краской и поставленного вертикально. Почти реди-мейд, если бы не цветовое вмешательство автора. Эта работа особенно ярко говорит о влиянии на автора дадаистов Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса (Kurt Schwitters).
И последнее, самое парадоксальное творение этой серии - «Монограмма» (Monogram). Трудно представить, что Боб имел в виду, засовывая иммитацию барана внутрь автомобильной шины.
Конец 50-х для Роушенберга был наполнен познанием фроттажа, новой для него техники, изобретенной Максом Эрнстом (Max Ernst). Она знакома многим ещё с детства, когда мы подкладывали монетку под лист бумаги и водили сверху ребром незаточенного карандаша, чтобы рисунок проявился на листке. Конечно, не все стали великими художниками после этого, а вот Боб создал на основе этой техники целый цикл из 34 графических иллюстраций к «Божественной комедии» (La Divina Commedia) Данте Алегьери (Dante Alighieri).
В 60-х Роберт увлёкся шелкографией. Одна из самых известных его работ в этом стиле - «Путь в небо» (Skyway). Это полотно занимает более 25 м2. На него нанесены десятки фотографий, портретов и схем - лицо Джорджа Кеннеди соседствует с картиной Питера Рубенса, а схема полета на Луну - с продуктами массовой культуры XX века.
В конце 60-х Боб создал самую большую литографию из всех, что когда-либо были созданы в мире до сегодняшнего дня, и дал ей название «Помощник» (Booster). Её размер составляет 182х89 см. В основу этого шедевра положен рентгеновский снимок самого Раушенберга, наложенный на схему движения небесных тел в 1967 году. Кроме того, если приглядеться, можно увидеть в разных частях литографии прыгающего спортсмена, два сверла, стула и даже непонятный чертеж.
С началом 70-х Боб с головой ушёл в совсем другого рода искусство. В основном это был перформанс, разбавленный хэппенингами и другими небольшими театрализованными представлениями.
Кстати, известным художником Боб стал уже при жизни, хоть и не с первой попытки. Его дебютная выставка прошла в 1951 году в галерее Бетти Парсонс (Betty Parsons), однако, работы не произвели на критиков ожидаемого впечатления. Лишь через 7 лет после этого мастер получил всеобщее признание и славу.
Роберт Раушенберг вошёл в историю как один из самых знаменитых поп-арт художников, представитель абстрактного импрессионизма, концептуального искусства, реди-мейда и экспериментального творчества.
Благодаря своему вкладу в мировую культуру, он встал в один ряд с , Роем Лихтенштейном (Roy Fox Lichtenstein) и Джаспером Джонсом. Мировое признание он получил из-за своей страсти к экспериментам и поразительной плодовитости в творчестве. А в наших сердцах Боб останется человеком, который стёр рисунок другого художника.
от /греч./ neos - новый и /фр./ dadaisme, dada которое подразумевает множество разных толкований: по /румын./ - да, да; по /франц./ - детская деревянная лошадка-качалка; по /нем./ - простодушие младенца (лепет), мамка-кормилица.
Период: середина 1950-х - 1970-е годы.
Термин "неодада" появился в 1958 году, в комментарии к статье Дж. Джонса "Цель с пятью лицами" в "Арт Ньюс". Он обозначал совокупность тенденций середины ХХ века, общим для которых был интерес к реальности и возрождение любимых приемов дадаистов: реди-мейда и . Решающую роль в этом сыграли лекции Дюшана и композитора Джона Кейджа. Они читались новому поколению художников в Блек Маунтин Колледж (Эшвилл). Помимо того, что это был новый способ сочинения, в своих опусах, которые можно определить как музыкальные реди-мейды, Кейдж использовал звуки самой реальности.
Пьеса "4′33″" ("Четыре минуты тридцать три секунды") - трёхчастное сочинение для вольного состава инструментов. Длительность произведения соответствует его названию; по частям это, начиная с первой, - 30 секунд, 2 минуты 23 секунды и 1 минута 40 секунд. На всём протяжении исполнения сочинения участники ансамбля не извлекают звуков из своих инструментов. По задумке автора содержанием каждого из трёх фрагментов являются те звуки окружающей среды, которые будут услышаны во время прослушивания композиции.
Признанные лидеры неодада, Джонс и Раушенберг, первыми восстали против форсированной стилистики абстрактного экспрессионизма. У каждого была собственная стратегия, но общим было внимание к объекту, что сделало их предшественниками нового реализма и поп-арта. Некоторые находки Неодада, впоследствии оказали влияние на концептуальное искусство и минимализм.
Описание некоторых произведений:
Джим Дайн "Автомобильная катастрофа", 1959-1960. Холст, смешанная техника. Частное собрание. Тема автокатастрофы или дорожного инцидента, воплощена в живописи, которая использует совсем не художественные материалы. В сравнении с "Катастрофой" Уорхолла, также на тему автомобильного инцидента, здесь очевидна разница между взволнованным и драматическим подходом Дайна и рассудочно холодным отношением протагониста поп-арта. Две пары мужских брюк включены в картину. С одной стороны, эти предметы указывают на отсутствующее в картине тело. В то же время, они представляют собой, ту же плотную, цветную поверхность ржавого оттенка, что и сам фон. Эта поверхность испещрена следами, затеками, граффити и многократно повторенным знаком белого креста.
Джим Дайн "Автомобильная катастрофа", 1959-1960.
Роберт Раушенберг "Кровать", 1955. Деревянная основа, полотно, лоскутное шитье, подушка, масло, карандаш. Нью-Йорк, Музей современного искусства. "Я работаю на грани искусства и жизни", - утверждал Раушенберг, обозначая собственную версию столь любимой авангардом темы. Кровать конкретизирует смысл фразы: в объекте слиты воедино живопись и повседневность. Манера выполнения - мазки и затеки краски - напоминает абстрактный экспрессионизм, но не без скрытой иронии. Теперь это не "священная" поверхность белого полотна, но "оболочка" обычных вещей: подушки, простыни, стеганые одеяла. Эти предметы отсылают к интимностям тела и сна, но, пропитанные краской и прикрепленные к основе, демонстрируются на стене. Постель привычно ассоциируется с горизонтальной поверхностью, заняв вертикальное положение, она превращается в картину. Поиски Раушенберга, небыли стеснены рамками единого стиля, им свойственно разнообразие приемов, методов и техник: монохромные протоконцептуальные работы, перформанс и живопись жеста, ассамбляж и серии шелкографий.