О том, что по-настоящему любишь, всегда тяжело говорить. Тщательно выбираешь нужные слова, обороты речи, не знаешь с чего начать... Поэтому начну с небольшого откровения: Рембрандт Харменс ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn) − мой любимый художник, и я узнавал его очень долго.
В детстве − в Эрмитаже, с рассказами профессора-отца. В юности − на уроках МХК в институте, со старыми слайдами в темной аудитории в долгие декабрьские вечера. В молодости - в удивительном Амстердаме, радостно смеющимся в лучах заходящего августовского солнца. Я прочел про Рембрандта уже сотни лекций, провел не один десяток экскурсий, а все равно остается ощущение, что сейчас тебе предстоит окунуться в нечто неведомое, огромное, непостижимое.
Это, как прыжок с пирса в воды моря, на котором ты оказался впервые. Ты не знаешь, холодная ли там вода, сколько камней на дне. Это предвкушение и сомнение, заставляющее нервно дрожать твои руки. Победить это можно только одним способом - прыгнуть с разбега, ощущая, как колотится сердце и как в один момент весь мир вокруг тебя уносится куда-то вдаль, и ты теперь наедине с чем-то абсолютно новым... Ну, что же! Прыгаем, открываем глаза и смотрим!
В 27 лет у него было все, о чем только может мечтать художник. Слава, известность, деньги, любимая женщина, сотни заказов. Он считался лучшим мастером портретной живописи в одном из самых богатых городов своего времени, в жемчужине северной Европы − Амстердаме.
Да, еще никогда в мире не было художника, способного создать такое! Портрет должен был быть идеальным, должен был скрашивать все недостатки человека, но Рембрандт думал иначе. Его портреты были живые. Они передавали характер, в них был конфликт. Перед вами фрагмент портрета главного сборщика налогов провинции Голландия Яна Втенбогарта.
Через руки этого человека проходило почти все состояние республики. И его одежда - воздушный кружевной воротник, длинная шуба из русского соболиного меха - явно свидетельствует о его состоянии. А теперь просто посмотрите на эти глаза. В них вы видите печаль... И сразу вспоминается полотно великого предшественника Рембрандта - . Разве не с таким же выражением смотрит апостол на Христа, когда тот призывает его к себе? Этот портрет - история очень богатого, но очень несчастного человека, и голландский живописец способен был показать это в одном застывшем мгновении.
Все свободное время Рембрандт Харменс ван Рейн тратил на изучение мимики. Он часами стоял у зеркала и строил рожи, которые потом переносил углем на бумагу. Ему важно было поймать малейшие оттенки эмоций.
Лицо человека, по мнению художника, было зеркалом души, это он осознал еще задолго до Оскара Уайлда с его «Портретом Дориана Грея». Но портреты не единственное, в чем преуспел Рембрандт. Его большие полотна впечатляют нас не меньше. Игра светотени, которую так развивал в своей живописи Караваджо, у нашего мастера приобретает поистине гигантских размах.
Ему было всего 28 лет, когда он создал свой первый абсолютный шедевр. Это полотно «Снятие с креста». Вы просто не можете пройти мимо этой картины в Эрмитаже. В одном моменте художнику удалось изобразить всю суть христианства, рассказать одну из величайших человеческих историй максимально честно и трогательно, так, как не делал никто ни до, ни после него.
Иерусалим на заднем плане тонет во тьме. Спаситель мертв. Его безжизненное тело мы и видим в центре картины. Это момент наивысшего отчаяния, никто еще не верит в воскресение. Люди видят только труп человека, которого любили и которому поклонялись как богу, и Дева Мария падает в обморок, её кожа мертвенно-бледна - только что она потеряла своего единственного сына.
Есть на этом полотне одна деталь, которая не сразу бросается в глаза. Это освещение. Источник света - это фонарь в руках мальчишки, но тело Христа и одежда апостола, держащего его на руках, отражают свет подобно зеркалу. И именно через свет здесь рассказывается истинная история, раскрывается философский смысл картины.
Свет фонаря - это свет веры, а то, что мы видим на картине, это приобщение к ее тайне. Создается ощущение, что источником света здесь становится само тело Спасителя. Из мрака выделяется еще лицо Богоматери и подсвеченная тусклым светом свечи плащаница, в которую должны завернуть тело Христа. На этом полотне Рембрандт впервые применил прием, который в последние годы жизни стал основным в его творчестве.
И вот мы видим, как человек, идеально владевший техникой письма, в мельчайших деталях выписал все центральные фигуры на полотне, но, по мере удаления от света, лица людей становились все более размытыми, почти неразличимыми. Все очень просто - таинство происходящего прошло мимо них.
Впрочем, на этом полотне есть и еще один персонаж, который не заметен с первого взгляда. Несмотря на то, что он находится в тени, Рембрандт изображает его очень четко. В правом нижнем углу полотна, из самого темного места, скрываясь за стеблями чертополоха, смотрит на вас Дьявол в образе собаки и как будто задает вам вопрос:
«А ты приобщился к происходящему?»
Да, голландскому мастеру всегда было мало рамок картины, он мечтал о том, чтобы его полотна стали частью этого мира, а зритель - непосредственным участником происходящего. Но именно это желание и низвергло его с вершин славы в пучину векового забвения.
Несчастье и забвение приходят столь же стремительно, как удача и слава. Рембрандт Харменс ван Рейн ощутил это на себе в 1642 году. Конечно, огорчения были и до этого: его дети умерли во младенчестве. Выжил только один сын, Титус, рожденный в 1641 году. Но год спустя покинула этот мир его любимая жена Саския, с которой он прожил долгие годы. А вместе с этой утратой от художника отвернулась и удача, отвернулась в тот момент, когда он создал одну из величайших своих картин.
О «Ночном Дозоре» Рембрандта можно говорить бесконечно. Это полотно настолько масштабно по своему содержанию, настолько уникально по выстроенной композиции, что история его создания вполне достойна отдельной книги, а не статьи. Но, как часто бывает в жизни, именно это творение, впоследствии в корне изменившее все развитие мировой живописи, было отвергнуто современниками.
Заказчикам не понравилось, как они были изображены, и многие из них отказались оплачивать работу художника. Такого унижения самый известный живописец Нидерландов не испытывал никогда. В один год Рембрандт потерял любимую жену и потерпел фиаско с лучшей своей работой. Казалось бы, этого вполне достаточно, но нет, это было только началом трагедии. Заказов становилось все меньше (в моду входил классицизм и стилистика парадных портретов), и вскоре имущество художника распродали за долги. Из огромного особняка в самом центре Амстердама он был вынужден перебраться на окраину города, в Еврейский квартал, где снимал несколько комнат со своим любимым сыном Титусом.
Самое интересное, что Рембрандт легко бы мог приспособиться под последние модные тенденции в искусстве и вновь получать большие деньги за свои полотна. Но живописец был убежден в том, что должен создать абсолютно новый стиль. На его портретах теперь были не богатые люди, а самые обычные граждане города Амстердама. Таков, например, «Портрет старика еврея».
Рембрандту стало не интересно детальное изображение всех предметов одежды, он стремился к большей абстракции, стремился в идеальной точности показать чувства своих персонажей. За свое упорство он получал только страдание и пощечины. Так произошло с его картиной «Заговор Юлия Цивилиса».
Вместо классического, помпезного, исходящего патриотизмом изображения старый мастер представил на суд общественности вот это.
Перед нами картина варварского пира, грубого, неприглядного. Это полотно почти на 300 лет опередило свое время, предвосхищая живопись экспрессионизма. Не удивительно, что шедевр мастера был отвергнут, а его имя было покрыто несмываемым позором. Но именно эти последние восемь лет жизни, проведенные в абсолютной, непроглядной нищете, являются одним из самых плодотворных периодов в творчестве Рембрандта.
Я думаю, что про картины того периода, в том числе про его «Возвращение блудного сына» я напишу в отдельной статье. Сейчас же я хочу рассказать о другом. Меня всегда поражало, как мог Рембрандт работать и развивать свой талант, когда отовсюду на него сыпались удары судьбы. Долго так продолжаться не могло, и художник предчувствовал это.
Завершающий удар всегда наносится в самое больное место. Им был единственный сын Титус - очень болезненный мальчик, похожий на свою умершую мать. Именно его Рембрандт изображал тогда чаще всего: и в виде ангела на картине «Матфей и ангел», и за чтением, и в различных костюмах. Возможно, живописцу казалось, что с помощью своего таланта ему как-то удастся отсрочить неизбежное... Не удалось...
На мой взгляд, «Портрет Титуса в монашеской рясе» − одна из самых проникновенных картин Рембрандта. В ней проявилась вся отцовская любовь, весь талант живописца. Во всех этих грубых мазках, в этой тьме, наступающей слева на юношу, в растениях, уже окружающих его тело, выделяется одно - бледное лицо сына художника с опущенными, полными смирения глазами.
Титус умер в 1668 году, Рембрандт пережил его только на год.
Он умирал на окраине Амстердама, абсолютно один, получив в этой жизни все и все потеряв. О его полотнах забыли надолго... Но прошло 150 лет, и уже другие художники услышали то, о чем пытался рассказать своим современникам мастер, вместо славы и денег выбравший свой уникальный путь.
Автопортрет Рембрандта, 1661. Холст, масло, 114х91.
Кенвуд Хаус, Лондон, Английское наследие.
Иллюстрация с сайта http://rembr.ru/
Рембрандт, Харменс ван Рейн (Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606–1669), голландский живописец, рисовальщик и офортист, один из величайших мастеров западноевропейского искусства. Родился в Лейдене 15 июля 1606 в семье зажиточного мельника. В 1620 поступил в Лейденский университет, однако пробыл там недолго и вскоре стал учеником местного художника Якоба Исаакса Сваненбюрха. Около 1623 переехал в Амстердам, где поступил в мастерскую Яна Пейнаса, учился у мастера исторической живописи Питера Ластмана. Последний познакомил Рембрандта с произведениями мастеров итальянского искусства. С 1625 по 1631 Рембрандт держал собственную мастерскую в Лейдене, иногда работал вместе с живописцем и гравером Яном Ливенсом. Из учеников Рембрандта наиболее известен Герард Доу.
В 1631 или в конце 1632 Рембрандт вернулся в Амстердам. 22 июня 1635 женился на Саскии ван Эйленбюрх, дочери состоятельного бургомистра Лейвардена. В 1642 успех в творчестве и личной жизни сменился чередой несчастий. В конце 1630-х годов у него один за другим родились четыре ребенка, но все умерли еще в младенчестве, а затем 14 июня 1642 внезапно умерла и любимая жена. Художник остался с годовалым сыном Титусом. Картина Ночной дозор (1642, Амстердам, Рейксмузеум), законченная вскоре после смерти Саскии, отмечает начало его новых творческих поисков.
В конце 1640-х годов Хендрикье Стоффельс стала неофициальной женой
Рембрандта (по завещанию Саскии он не мог жениться во второй раз). В 1654 у
них родилась дочь Корнелия. Однако теперь художника преследовали финансовые
трудности. В июле 1656 он был вынужден заявить о своем банкротстве, и в
последующие два года его замечательная коллекция была распродана. Желая
помочь Рембрандту, в конце 1658 Титус и Хендрикье стали заниматься торговлей
картинами.
Последние годы жизни художника были омрачены смертью близких. 24 июля 1663 умерла Хендрикье. Титус женился в феврале 1668, а через полгода умер. Теперь Рембрандт остался один с юной Корнелией. Умер Рембрандт 4 октября 1669.
Рембрандт создал около 600 картин, почти 300 офортов и более 1400 рисунков. Ниже предлагается хронологический обзор его творчества.
Ранний период творчества Рембрандта следует рассматривать в контексте влияния итальянского искусства на голландскую живопись. Из итальянских мастеров голландцев особенно привлекал Караваджо, в произведениях которого смелый натурализм и контрастная свето-теневая моделировка казались вызовом классическому искусству. Такие художники, как Герард Тербрюгген и учитель Рембрандта Питер Ластман работали в стилистике Караваджо, постепенно вводя караваджизм в арсенал художественных средств голландской живописи. Картины Рембрандта лейденского периода (1625–1631) тоже принадлежат этому течению. В картинах Меняла (1627, Берлин) и Ученый в своем кабинете (1629, Лондон, Национальная галерея) проявился интерес мастера к передаче эффектов освещения. На первой из них изображен старик в очках за работой, в углу, заваленном счетными книгами. Его морщинистое лицо освещено тусклым светом единственной свечи, которую он прикрывает рукой. Во второй картине Рембрандт стремился передать атмосферу наполненного воздухом интерьера. Главным предметом изображения является сама комната с высоким потолком, залитая мягким трепещущим светом.
На протяжении всего своего творческого пути художник обращался к сюжетам, в которых глубокая жизненная драма сочетается с элементами тонкого психологизма. В картине Ужин в Эммаусе (ок. 1630, Париж, музей Жакмар-Андре) видны особенности живописи Рембрандта этого периода. Рембрандт представил этот эпизод как театральную мизансцену. Силуэт Христа выделяется на фоне ослепительного света, бльшая часть холста погружена в тень.
Переезд в Амстердам и последовавшие за ним большие художественные успехи открывают новый период в творчестве Рембрандта; это десятилетие, в течение которого были созданы произведения, проникнутые драматизмом и в то же время не лишенные материальной чувственности, отчасти родственные по духу работам фламандца Питера Пауля Рубенса. Первый крупный заказ, полученный Рембрандтом в Амстердаме, – картина Анатомия доктора Тюльпа (1632, Гаага, Маурицхёйс). Она представляет собой изображение известного амстердамского врача и его коллег по городской гильдии хирургов.
Среди картин на исторические сюжеты, выполненных Рембрандтом в 1630-е годы, особенно драматичным представляется Ослепление Самсона (1636, Франкфурт-на-Майне, Штеделевский художественный институт). Отблески света, динамичные диагонали и яркие цвета использованы для того, чтобы усилить напряженность сюжета; картина наполнена резким стремительным движением.
Гедонизм и техническая виртуозность, характеризующие живопись Рембрандта этих лет, возможно, нашли наиболее яркое воплощение в Автопортрете с Саскией (ок. 1635, Дрезден, Картинная галерея). Здесь художник изобразил себя в романтическом костюме кавалера; одной рукой он поднимает бокал пива, а другой обнимает Саскию, сидящую у него на коленях. Яркость красок и свобода мазка полностью соответствуют настроению сцены.
Автопортрет с Саскией на коленях. 1635 г.
К началу 1640-х годов жизнь и художественная деятельность Рембрандта приобрели стабильность и размеренность. На Автопортрете 1640 (Лондон, Национальная галерея), созданном под влиянием работ Рафаэля и Тициана изображен уверенный в себе, рассудительный человек, одетый в соответствии с итальянской модой 16 в., облокотившийся о балюстраду; его плечи слегка повернуты, взгляд обращен на зрителя.
Одна из самых известных картин этого периода – Ночной дозор (1642, Амстердам, Рейксмузеум). Настоящее название работы – Рота капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга. Она была написана по случаю посещения Амстердама французской королевой Марией Медичи и устроенного по этому поводу торжественного выхода войск городской милиции. Преобладающий в картине темный фон позволяет лучше выделить фигуры персонажей. Именно поэтому в 18 в. картина была ошибочно названа Ночной дозор. Как и Анатомия доктора Тюльпа, эта картина выходит за рамки традиционного группового портрета. На ней изображено 29 персонажей, из которых 16 – реальные исторические лица; их движения и расположение на картине подчинены единому общему действию, развивающемуся на глазах у зрителя. Древки, знамена и мушкеты торчат в разные стороны, делая композицию более свободной и динамичной; ощущение усиливается игрой света и тени.
Ночной дозор. 1642 г.
В 1640-е годы религиозная живопись Рембрандта становится менее риторичной, в ней появляются смирение и глубокая внутренняя сила, характерные для позднего творчества мастера. С эпохи Ренессанса события Священного Писания интерпретировались обычно в героическом ключе, а их персонажи наделялись физической красотой. Вдение Рембрандта резко отличалось от этой концепции; Христос в его работах кажется смиренным и кротким, униженным и незаметным среди людей.
Лист в сто гульденов, гравюра, получившая свое название из-за цены, по которой она была продана на одном из первых аукционов, посвящена теме христианского смирения. Фигура Христа не выделяется из толпы ни одеждами, ни особым положением, но внимание зрителя оказывается обращенным к центру композиции – лику Спасителя с исходящими от него тончайшими лучами божественного света. По левую руку от Него – сломленные немощью духа и плоти, богатые и бедные, объединенные страданиями. Справа изображены фарисеи, неверующие и погруженные в бесконечные споры. К ногам Христа припадают маленькие дети. В гравюре Лист в сто гульденов при отсутствии видимого действия Рембрандту прекрасно удалось передать чудо Божественного присутствия в мире людей.
С начала 1650-х годов портреты Рембрандта становятся глубоко личностными, композиции – строгими и геометричными в построении, а цветовая гамма – огромным спектром оттенков трех или четырех цветов. Искусство Рембрандта не отражает более художественных пристрастий публики; художника занимает теперь исследование свойств техники масляной живописи. Мироощущение мастера, воплощенное в его поздних произведениях, столь высоко ценимых ныне, осталось непонятным для его современников.
Рембрант. «Даная». 1636.
Картина Человек в позолоченном шлеме (1651, Берлин – Далем) работы мастерской Рембрандта демонстрирует характерные черты позднего стиля мастера. Лицо седого воина погружено в глубокую мягкую тень, а отблески света на шлеме переданы свободными широкими густыми мазками. Для Рембрандта необычный сюжет иногда мог стать поводом для смелых художественных экспериментов. Примером здесь может служить картина Освежеванная бычья туша (1655, Париж, Лувр). Кисть возвращает жизнь мертвой плоти и красоту безобразию. Рембрандт всегда избегал классицистической идеализации в изображении человеческого тела. На картине Вирсавия (1654, Париж, Лувр) женщина, которую царь Давид увидел купающейся и полюбил за необыкновенную красоту, изображена не в момент купания, столь часто избиравшийся художниками для рассказа этой истории, и вовсе не красивой. Она погружена в глубокие раздумья и как будто провидит смерть мужа.
В своем позднем творчестве Рембрандт все чаще обращается к интерпретации событий христианской истории. Картина Снятие с креста (ок. 1655, Вашингтон, Национальная галерея) посвящена не только смерти Христа, но и скорби оплакивающих Его.
Одно из самых известных произведений религиозной живописи Рембрандта этого периода – картина Отречение Петра (ок. 1660, Амстердам, Рейксмузеум). В центре изображена обращающаяся к Петру молодая служанка, а он жестом отведенной в сторону руки подтверждает свои слова об отречении от Христа. Пространство переднего плана освещено единственной свечой, которую служанка заслоняет рукой, – прием, который был очень популярен среди караваджистов в начале столетия. Мягкий свет свечи моделирует формы фигур и предметов, расположенных на переднем плане. Они написаны легкими мазками, в коричневато-желтоватой цветовой гамме с несколькими красными акцентами. Иногда формы как будто растворяются в свете или наполняются им, как загораживающая свечу рука служанки. На лице Петра лежит глубокая печаль. Здесь, как и в поздних портретах и автопортретах художника, Рембрандт с непревзойденным мастерством изображает старость, с ее накопленной с годами мудростью, немощью плоти и стойкостью духа.
Глубоко личностными становятся с годами и портреты Рембрандта. В портрете поэта Яна Сикса (1654, Амстердам, коллекция семьи Сикс) портретируемый изображен в едва заметном ракурсе снизу вверх; за исключением тонко моделированного лица, портрет написан быстро и свободно, широкими мазками. В цветовой гамме доминируют сверкающий красный цвет плаща и золото пуговиц костюма, контрастирующие с различными оттенками зеленого и серого.
В портрете Хендрикье Стоффельс (ок. 1656, Берлин – Далем) фигура вписана в раму оконного проема и из-за выбранного художником крупного масштаба кажется стоящей совсем близко к картинной плоскости. Взгляд Хендрикье обращен к зрителю, ее поза свободна, голова наклонена в сторону, а руки лежат очень естественно. Цветовую гамму картины составляет сочетание золотистых, белых, красных и черных тонов.
Один из лучших групповых портретов Рембрандта – Синдики (1661–1662, Амстердам, Рейксмузеум). Заказчиками портрета были представители амстердамского цеха суконщиков (синдики). Они изображены вокруг стола с лежащей на нем счетной книгой. Художник делает зрителя участником происходящего в картине. Кажется, что мы только что прервали синдиков, занятых своими подсчетами, и поэтому все они, как будто оторвавшись на миг от своей работы, смотрят на зрителя. В картине преобладают прямые линии, но разворот стола и сложная игра света смягчают строгость композиции. Пятна света разбросаны по всему холсту, оживляя его живописную поверхность. Эта картина замечательна и как психологический этюд, цель которого – изобразить людей с разными характерами, и как исторический документ.
Около 1661 Рембрандту была заказана одна из восьми исторических картин, которыми предполагалось украсить амстердамскую ратушу. Огромное полотно (первоначальные размеры 5ґ5 м) Заговор Юлия Цивилиса, согласно различным версиям, или так и не было вывешено в ратуше, или занимало отведенное для него место не более двух лет, и затем было заменено картиной Овенса на тот же сюжет. Сохранился лишь фрагмент этой работы Рембрандта, который находится в Национальном музее в Стокгольме. Рембрандт изобразил событие, описанное в Анналах римского историка Тацита (1 в.): вожди племени батавов клянутся на мече бороться за освобождение от римского владычества. О масштабе этого произведения в его первоначальном виде можно судить по композиционному наброску, находящемуся в Мюнхене. В нем видно, что сначала стол и собравшиеся вокруг него люди были показаны в пространстве огромного зала, глубина которого передавалась посредством игры света и тени.
В 17 в. рисунок обычно служил в качестве предварительного наброска для разработки большой композиции, этюда отдельных деталей будущей картины или наносился на картон, а затем переводился на поверхность, предназначенную для росписи. Очень редко рисунок мыслился как законченное произведение искусства; часто после выполнения проекта рисунки выбрасывали. Каждый рисунок Рембрандта – исследование природы явлений и попытка уловить характер момента или предмета. Когда художник делал зарисовки с произведений старых мастеров, он создавал не копии, а вариации на ту же тему, решая при этом собственные художественные задачи. В 1630–1640-е годы он рисовал, сочетая линии разной толщины с тончайшей отмывкой. Иногда его рисунки кажутся быстрыми набросками, где нервная линия почти нигде не остается непрерывной.
Рембрандт первым осознал богатые возможности офорта по сравнению с резцовой гравюрой на металле. Такая гравюра создается путем процарапывания рисунка на металлической пластине; затем пластина покрывается краской, заполняющей оставленные резцом углубления, и с нее печатают оттиски на бумаге при помощи пресса. Резец требует сильного нажатия и большой осторожности. Работа над офортом, напротив, не требует большой физической силы, а линии получаются более свободными и гибкими. Вместо того чтобы процарапывать металл резцом, художник покрывает пластину кислотоустойчивым лаком и рисует по нему иглой, затем погружает пластину в кислоту, и металл протравливается в свободных от лака местах. Офорт предоставляет художнику гораздо больше свободы, и он может рисовать иглой, как пером на бумаге. В офортах Рембрандта линии так же свободны и подвижны, как и в набросках пером. Для достижения новых выразительных эффектов он часто сочетал разные техники: иногда проходил резцом по уже протравленной кислотой доске, иногда гравировал «сухой иглой» – инструментом с алмазом на конце, который оставляет на металле бороздки с зазубринками, придающими мягкость и бархатистость штриху на отпечатке. Например, в Листе в сто гульденов художник использовал все эти техники (работа над этой доской продолжалась несколько лет).
Лист Благовестие пастухам (1634) – настоящее барочное театрализованное действо. Рисунок выполнен густо положенными перекрещивающимися штрихами, которые создают контрасты светлых и темных тонов. Пятью годами позже в Успении Богоматери господство густо заштрихованных темных зон сменилось преобладанием светлых участков и тонкой параллельной штриховки. В офорте Три дерева (1643) контраст густо заштрихованных фрагментов изображения и белой бумаги доведен до предела; наклонные параллельные линии на фоне неба прекрасно передают ощущение летней грозы. Самым драматичным из офортов Рембрандта является лист Три креста (ок. 1650).
Возвращение блудного сына. 1669 г.
Использованы материалы энциклопедии "Мир вокруг нас".
Литература:
Ровинский Д. Полное собрание гравюр Рембрандта, т. 1–4. СПб, 1890
Рембрандт. Художественная культура Западной Европы XVII в. СПб, М., 1970
Егорова К.С. Рембрандт Гарменс ван Рейн. Картины художника в музеях Советского Союза [Альбом]. Л., 1971
Егорова К.С. Портрет в творчестве Рембрандта. М., 1975
Далее читайте:
Ирина Ненарокомова. Рембрандт . (Детская Роман-газета).
Художники (биографический справочник).
Подробнее читайте в Сети:
Сайт http://rembr.ru/ - о голландском художнике Рембрандте Ван Рейне. Галерея картин, биография художника, книги и исследования о жизни Рембрандта.
Рембрандт Харменс ван Рейн родился в голландском городе Лейден в 1606 году 15 июля. Отец Рембрандта был зажиточным мельником, мать – хорошо пекла, была дочерью пекаря. Фамилия «ван Рейн» означает дословно «с Рейна», то есть с реки Рейн, где у прадедов Рембрандта стояли мельницы. Из 10 детей в семье Рембрандт был самым младшим. Другие дети пошли по стопам родителей, а Рембрандт избрал другой путь – художественный, и получил образование в Латинской школе.
В возрасте 13 лет Рембрандт начал учиться рисовать, а также поступил в городской университет. Возраст тогда никого не смущал, главное в то время были знания на уровне. Многие ученые предполагают, что Рембрандт поступил в университет не для того, чтобы учиться, а чтобы получить отсрочку от армии.
Первым учителем Рембрандта был Якоб ван Сваненбюрх . В его мастерской будущий художник провел около трех лет, затем переехал в Амстердам на учебу к Питеру Ластману. С 1625 по 1626 гг. Рембрандт вернулся в свой родной город, и завел знакомства с художниками, и некоторыми учениками Ластмана.
Все же после долгих раздумий Рембрандт решил, что карьеру художника надо делать в столице Голландии, и снова перебрался в Амстердам.
В 1634 году Рембранд женился на Саскии . К моменту женитьбы у каждого было хорошее состояние (у Рембрандта за счет рисования картин, а Саскии родители оставили внушительно наследство). Так что это не был брак по расчету. Они действительно горячо и страстно любили друг друга.
В 1635 – 1640 –х гг. жена родила Рембрандту троих детей, но все они умирали новорожденными. В 1641 году Саския родила сына, которого назвали Титус. Ребенок выжил, но, к сожалению, умерла сама мать в возрасте 29 лет.
После смерти жены Рембрандт был сам не свой, он не знал что делать, и находил утешение в рисовании. Именно в год, когда умерла его жена, он дописал картину «Ночной дозор». С Титусом молодой отец не мог справиться и поэтому нанял няню для ребенка - Гертье Диркс, которая стала его любовницей. Прошло около 2 лет, и няня в доме поменялась. Ей стала молодая девушка Хендрикье Стоффельс . А что же случилось с Гертье Диркс? Она подала в суд на Рембрандта, считая, что он нарушил брачный договор, но она проиграла спор, и была направлена в исправительный дом, в котором провела целых 5 лет. Освободившись, умерла через год.
Новая няня Хендрикье Стоффельс родила Рембрандту двоих детей. Их первый ребенок – мальчик, умер в младенчестве, а дочь Карнелия, единственная, которая пережила своего отца.
Мало кто знает, что Рембрандт имел очень своеобразную коллекцию , в которую входили картины итальянских художников, разные рисунки, гравюры, различные бюсты и даже оружие.
Закат жизни Рембрандта
Дела Рембрандта шли плохо. Не хватало денег, количество заказов уменьшилось. Поэтому часть своей коллекции художник продал, но и это его не спасло. Он был на грани попадания в тюрьму, но суд был в его пользу, поэтому ему разрешили распродать все имущество и отдать долги. Он даже какое-то время еще жил в доме, который ему уже не принадлежал.
Тем временем Титус и его мать организовали фирму, которая занималась торговлей предметами искусства, чтобы хоть как-то помочь Рембрандту. По правде говоря, до конца своей жизни художник так и не расплатился со многими, но это не испортило Рембрандту репутацию, он оставался в глазах людей достойным человеком.
Смерть Рембрандта была очень печальной. В 1663 году умерла любимая художника – Хендрикье. Спустя некоторое время Рембрандт похоронил своего сына Титуса и его невесту. В 1669 году, 4 октября он сам покинул этот мир, но навсегда оставил след в сердцах людей, любящих его.
Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (нидерл. Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Он сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, чрезвычайно разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.
Рембрандт Харменсзон («сын Хармена») ван Рейн родился 15 июля 1606 года (по некоторым данным, в 1607) в многодетной семье состоятельного владельца мельницы Хармена Герритсзона ван Рейна в Лейдене. Семья матери даже после Нидерландской революции сохраняла верность католическому вероисповеданию.
В Лейдене Рембрандт посещал латинскую школу при университете, но наибольший интерес проявлял к живописи. В 13 лет его отдали учиться изобразительному искусству к лейденскому историческому живописцу Якобу ван Сваненбюрху, католику по вере. Исследователям не удалось найти работы Рембрандта, относящиеся к этому периоду, поэтому вопрос о влиянии Сваненбюрха на становление творческой манеры Рембрандта остаётся открытым: слишком мало известно сегодня об этом лейденском художнике.
В 1623 году Рембрандт учился в Амстердаме у Питера Ластмана, прошедшего стажировку в Италии и специализировавшегося на исторических, мифологических и библейских сюжетах. Вернувшись в 1627 году в Лейден, Рембрандт вместе с другом Яном Ливенсом открыл собственную мастерскую и начал набирать учеников. За несколько лет он приобрел широкую известность.
Ластмановское пристрастие к пестроте и детальность в исполнении оказало огромное влияние на молодого художника. Оно явственно сквозит в его первых сохранившихся произведениях - «Побиении камнями св. Стефана» (1629), «Сцене из древней истории» (1626) и «Крещении евнуха» (1626). В сравнении с его зрелыми работами они необычайно красочны, художник стремится тщательно выписать каждую деталь материального мира, как можно достовернее передать экзотическую обстановку библейской истории. Почти все герои предстают перед зрителем наряженными в причудливые восточные наряды, блистают драгоценностями, что создаёт атмосферу мажорности, парадности, праздничности («Аллегория музыки», 1626; «Давид перед Саулом», 1627).
Итоговые произведения периода - «Товит и Анна», «Валаам и ослица» - отражают не только богатую фантазию художника, но и его стремление как можно выразительнее передать драматичные переживания своих героев. Подобно другим мастерам барокко , он начинает постигать значение резко вылепленной светотени для передачи эмоций. Его учителями в отношении работы со светом были утрехтские караваджисты , но ещё в большей степени он ориентировался на произведения Адама Эльсхаймера - немца, работавшего в Италии. Наиболее караваджистские по исполнению полотна Рембрандта - «Притча о неразумном богаче» (1627), «Симеон и Анна в Храме» (1628), «Христос в Эммаусе» (1629).
К этой группе примыкает картина «Художник в своей мастерской» (1628; возможно, это автопортрет), на котором художник запечатлел себя в мастерской в момент созерцания собственного творения. Холст, над которым ведётся работа, вынесен на первый план картины; в сравнении с ним сам автор кажется карликом.
Одним из неразрешённых вопросов творческой биографии Рембрандта является его художественная перекличка с Ливенсом. Работая бок о бок, они не раз брались за один и тот же сюжет, как, например, «Самсон и Далила» (1628/1629) или «Воскрешение Лазаря» (1631). Отчасти оба тянулись за Рубенсом , который слыл тогда лучшим художником всей Европы, иногда Рембрандт заимствовал художественные находки Ливенса, иногда дело было ровно наоборот. По этой причине разграничение работ Рембрандта и Ливенса 1628-1632 годов представляет известные сложности для искусствоведов. Среди других известных его работ - «Валаамова ослица» (1626 г).
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Великий голландец Рембрандт Харменс ван Рейн появился на свет в 1606 году в городе Лейден. После учебы в подмастерьях уже в 19 лет он начал работать самостоятельным художником.
В его первых библейских композициях заметно влияние итальянского барокко: в резких контрастах светотеней и динамике композиции. Но вскоре Рембрандт нашёл свой стиль в использовании светотени для выражения эмоций на портретах.
В 1632 году живописец переехал в Амстердам и взял в жёны богатую патрицианку. В этот период он был особенно успешен, знаменит и счастлив. И его работы насыщены сочными красками и дышат радостью. Он пишет большие религиозные композиции, много портретов и автопортретов с любимой женой.
Особенно Рембрандт прославился как портретист, написав за свою карьеру более сотни портретов и десятки автопортретов. Именно в изображении себя художник смело экспериментировал в поисках особой выразительности лица.
Рембрандт первый решил проблему скучных групповых портретов, объединив изображённых людей общим действием, что придавало лицам и фигурам естественную непринуждённость.
Прославил художника групповой портрет под названием «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632), на котором изображены не ровные ряды помпезных лиц, а герои увлекательной истории, словно застигнутые художником в разгар действа.
Венцом таланта Рембрандта-портретиста исследователи считают «Ночной дозор» (1642) – заказной портрет стрелкового общества. Однако заказчики не приняли картину, отвергнув новаторскую идею, где вместо выстроенных в ряд стрелков, была изображена героическая композиция на тему освободительной борьбы. Стрелкам, среди которых были и знатные, эти образы показались чуждыми и политически несвоевременными.
Это неприятие стало первым трагичным аккордом в жизни художника. А когда умерла любимая жена, творчество Рембрандта потеряло радостные нотки. 1640-е годы становятся периодом спокойных библейских мотивов, где художник всё тоньше раскрывает оттенки душевных переживаний героев. В его графике ещё изящнее играют светотени, создавая драматическую атмосферу.
В «Данае» (1647) художник выявил свои эстетические взгляды на женскую красоту, бросив вызов эпохе Возрождения. Его обнажённая Даная подчёркнуто далека от классических идеалов, но чувственна и тепла, как живая женщина.
Период творческой зрелости Рембрандта пришёлся на 1650-е годы – время тяжёлых жизненных испытаний. Его имущество за долги было продано на аукционе, но живописец практически не выполнял заказов. Он писал портреты близких, простых людей и стариков. Особое внимание художника с помощью пятен рассеянного света сосредоточивалось на лицах с богатыми, но едва уловимыми эмоциями, и натруженных руках.
Библейские образы Рембрандт трактовал по-своему, явно «приземляя» религиозные легенды, лишая их потустороннего. Нередко лицам святых он придавал черты конкретных людей, которые ему позировали для картин.
К середине 1650-х годов живописец стал настоящим мастером, умело покоряя свет и цвет ради эмоциональной выразительности образов. Но доживал свой век он в нищете и одиночестве, похоронив вторую жену и сына. Последние работы художника посвящены размышлению о столкновении в человеческой душе зла с добром. Завершающим аккордом стал главный шедевр мастера – «Возвращение блудного сына», написанный в 1669-м, в год смерти художника. Раскаявшийся сын, стоящий на коленях, выразил весь трагизм жизненного пути человека, а в образе отца можно увидеть саму любовь и бесконечное всепрощение.
Атрибуция картин Рембрандта проставлена согласно последним исследованиям группы авторитетных ученых по его творчеству и обновляется по ходу исследований, проходящих в настоящее время. "Исследовательский проект Рембрандт" был основан 1968 году и поставил для себя цель проверку подлинности и принадлежности кисти мастера картин на основе детального изучения каждой с применением последних искусствоведческих и технических достижений в этой области.
Компановка альбома и перевод - Константин (koschey)