Пьесы для антрепризных проектов

Пьесы для антрепризы и частных театров по своим художественным достоинствам не должны отличаться от пьес, играемых в репертуарных и любых других театрах. Однако специфика их проката требует, чтобы они отвечали также и некоторым пожеланиям технического порядка: ограниченное число персонажей, удобство и портативность декораций, привлекательность для широкого круга зрителей (обычно это комедия или лирическая драма). Ниже приведен список пьес, наиболее подходящих, по мнению автора, для исполнения в антрепризных проектах. Приведены также и аннотации этих пьес. Кликнув на название пьесы, можно увидеть в Интернете её полный текст.

Два персонажа

Современная комедия дель арте в жанре веселого балагана. Два клоуна и клоунесса разыгрывают пьесу, которая рождается прямо на глазах у публики. Пантомима, акробатика, цирковые трюки, музыка, пение, танец, слово сливаются в единое действо. Комедия предполагает способность актеров к импровизации, буффонаде и живому контакту с публикой. 2 мужчин, 1 женщина, интерьер.

. В этом произведении сочетаются драматические, мелодраматические и комедийные мотивы.

Жених и невеста, преуспевающие деловые люди,волей обстоятельств побуждены предложить случайному встречному – уже немолодому мужчине странного поведения -быть свидетелем на их свадьбе. Чтобы посмеяться над мужчиной и заодно поразвлечься, молодая пара просит его рассказать о женщинах, которых он любил. Результат развлечения оказывается довольно неожиданным. Отношения между всеми тремя становятся напряженными. Эта встреча решительно меняет судьбу каждого из героев. Чистота души, интеллект, чуткость, способность к глубокому чувству торжествуют над рационализмом и сухой практичностью. 2 мужчин, 1 женщина.

Три подруги – одинокие женщины «золотого возраста» - решают изменить свою судьбу и найти себе спутников жизни. Эта теплая комедия убеждает зрителя в том, что годы не являются помехой для поисков любви и счастья. 3 возрастных женских роли. Интерьер .

.В пьесе 3 действующих лица: мужчина, женщина и… собака (которую должны играть ребенок или актриса).

Одинокий мужчина, железнодорожник по специальности, находит щенка, и очень быстро эта маленькая преданная собачка становится его единственной радостью и утешением. Она отвечает на эту заботу беззаветной любовью и верностью.

Наступает день, когда Михаилу надо сделать выбор: или увольняться с работы или избавиться от собаки. После мучительных колебаний Михаил решение принимает решение умертвить своего друга. Умерщвлением животных на ветеринарной станции занимается женщина. Она пытается спасти собаку, а вместе с ней – и душу ее хозяина. Столкновение двух правд персонажей, их несхожих взглядов на подлинный смысл жизни создает пружину конфликта. Характер женщины – колючей и временами агрессивной, но бескорыстной, готовой любить и помочь, и дал название пьесе. Пьеса переведена на английский язык, поставлена в Нью-Йорке.

Режиссер Говард Фишман: "Американская Театральная Компания" гордится тем, что представляет себя в Нью-Йорке постановкой пьесы "Собака" Валентина Красногорова, первой постановкой этой уникальной и бросающей вызов пьесы на американской сцене.

Что меня более всего восхищает в ней, это ее благородство духа, и сердце, которое так ранимо пульсирует в ней. Без сомнения, это трудная пьеса – колючая и тонкая, пугающая и неоднозначная. Но она достаточно мужественная, чтобы признать все это и показать на сцене, где все мы сможем узнать такие стороны самих себя, которые так старательно пытаемся скрыть".

. Вечер из трех одноактных комедий разного жанра, парадоксально трактующих проблемы современного брака. Эти театральные новеллы могут быть представлены и порознь, и вместе. 1. " " . Жена упорно вызывает мужа на откровенный разговор.2 мужских роли, 1 женская. Интерьер. 2.« ». " ". Ироническое изложение версии идеальной семьи, состоящей из классического треугольника. 2 женских роли.

. (см. выше)

4 персонажа

. Исследование современного брака в форме блестящей комедии, горькой и очень смешной. Критики Польши, Болгарии и Чехии отметили "глубокий смысл и остроумие этой веселой, но мудрой и предостерегающей пьесы", ее "великолепную конструкцию и сверкающий диалог". А. Ширвиндт заключил предисловие к этой пьесе, опубликованной в "Современной драматургии", такими словами: "Если вы не боитесь зеркала, спешите в него посмотреть.В Болгарии спектакль по этой пьесе получил приз « ». "Сюжет: Муж и жена приглашают двух своих друзей (мужчину и женщину) на вечеринку. Все четверо связано между собой сложными отношениями, и каждый ждет решения своей судьбы: сегодня или никогда.2 мужчины и 2 женщины. Интерьер.

К началу спектакля по классической пьесе ХVШ века в театр не является исполнитель одной из главных ролей. Его срочно заменяют другим актером, не знающим роли, что приводит к возникновению многочисленных трагикомических ситуаций. Они осложняются непростыми личными взаимоотношениями участников спектакля. Любовь, ненависть, зависть, ревность, флирт вносят дополнительные краски в комический сюжет. Каждый участник спектакля одновременно играет и персонаж, и актера, его исполняющего. 1 женская, 3 мужских роли.

. (см. выше)

. Странная, забавная и мрачная, ночная репетиция необычного представления с неожиданной развязкой. 2 мужских роли, 2 женских, интерьер.

. Вечер из трех одноактных комедий разного жанра, парадоксально трактующих проблемы современного брака. Эти театральные новеллы могут быть представлены и порознь, и вместе. 1. " " . Жена упорно вызывает мужа на откровенный разговор.2 мужских роли, 1 женская. Интерьер. 2.« ». Муж ищет наилучший способ расставания с женой.2 мужских роли, 1 женская. Интерьер " ". Ироническое изложение версии идеальной семьи, состоящей из классического треугольника. 2 женских роли.

5 персонажей

. Комедия. Мужчина, страдающий потерей памяти, является на прием к доктору с просьбой о помощи. Врач пытается выяснить симптомы и причины заболевания, но безуспешно: ответы больного настолько противоречивы, что добиться от него чего-то путного невозможно. К счастью, удается вызвать жену больного. Она отвечает на все вопросы ясно и уверенно, но из ее утверждений следует, что и доктор страдает потерей памяти. Ситуация еще больше запутывается, когда неожиданно приходит другая женщина и тоже заявляет, что она является супругой заболевшего. Положение становится совершенно абсурдным. Доктор доходит почти до сумасшествия. Эта динамичная и смешная комедия развивается стремительно и живо, кончаясь неожиданной развязкой. 3 мужчин, 2 женщины. Интерьер.

6 персонажей

. Фарсовая комедия положений в стиле французской la piece bien faite – "хорошо сделанной пьесы". Запутанные адюльтерные ситуации сплетаются со страстным желанием героев сделать карьеру. Пьеса имеет большой успех. 3 мужчин, 3 женщины, интерьер.

Отрывок из рецензии на спектакль: "Это замечательный подарок зрителям – бальзам из юмора, улыбок, смеха, прекрасное средство от плохого настроения, хандры, пессимизма."

(ЭТОТ СЛАБЫЙ НЕЖНЫЙ ПОЛ.) . Вечер из двух одноактных комедий с музыкой и танцами. Эти очень динамичные фарсы уводят нас во времена Лесажа и Рабле. Пьеса много лет подряд не сходит с репертуара театров. Музыка к пьесе написана Виктором Плешаком.

Сюжет: 1. "Маленькая ночная серенада". Жена старого доктора влюбляется в молодого человека. Она находит способ обмануть своего строгого мужа. 2. "Молчунья". Муж приглашает врача, чтобы излечить свою молодую и послушную жену от немоты.Напрасно врач пытается отговорить мужа от этого намерения. В конце концов, доктор возвращает жене речь, и она начинает без умолку говорить, пока не сводит мужа с ума. 2 мужских роли, 3 женских, интерьер .

Из театральной рецензии: " События, разворачивающиеся на сцене, хотя и происходят как бы в 17 веке, но своим дерзким юмором, остроумием, непредсказуемостью сюжетных поворотов очень привлекательны сегодня".

XXI

7 персонажей

Персонажи этой парадоксальной комедии – не знакомые друг с другом женщины, разные по возрасту и несхожие по характеру, по воле случая оказываются в одном месте. В их разговорах, спорах, конфликтах становится очевидным влияние нашей переломной эпохи на судьбы, взгляды и нравственные ценности героинь пьесы.6 женских, 1 мужская роль. Интерьер .

"Черная" комедия. В театре только что сыграли долгожданную премьеру – шекспировского "Отелло". Актеры – исполнители главных ролей остаются после спектакля, чтобы в дружеском кругу отпраздновать это событие. К сожалению, праздник омрачается загадочной смертью одного из персонажей, причем есть подозрение, что в этом может быть замешан кто-то из участников спектакля. То мрачный, то веселый юмор, детективная интрига, крутые повороты сюжета и неожиданный финал приковывают внимание зрителя до самой последней реплики. 4 мужских роли, 3 женских .

. Ко медия с элементами гротеска. Ее персонажи разного возраста и характера надеются найти свое личное счастье в удачном браке, но реалии торопливой жизни делового и практичного XXI века заставляют их распрощаться с идеалами прошлого. В результате они находят совсем не то, что ожидали.Мотором действия является центральная героиня – энергичная бизнес-леди среднего возраста. Смешная и, порой, грустная, эта отнюдь не бытовая интеллектуальная комедия дает отличный материал для исполнителей всех ролей. 2 мужчин, 5 (3) женщин (три роли из пяти могут быть сыграны одной актрисой).

.Эта пьеса – «римэйк» 2017 года комедии с тем же названием, впервые поставленной в 1980-е годы в Ленинграде, где она выдержала 400 представлений, затем еще в 40 театрах России, а также в Польше, Чехии и Германии. На фестивале в Чехии пьеса получила три приза, в том числе «Приз за лучшую драматургию» и "Приз зрителей". 4 мужских роли, 3 женских, интерьер.

. Синтез мелодрамы и иронической парадоксальной комедии. В пьесе развиваются две линии действия. Главным действующим лицом одной из них является режиссер, ищущий выход из творческого кризиса и набирающий странным способом актрис для своего нового спектакля. Ведущая героиня в другой линии действия – известная артистка, переживающая свою последнюю любовь. Герои пьесы находятся в том периоде жизни, когда наступает пора подведения итогов. Несмотря на грустный финал, пьеса смешна. Живой диалог, необычная конструкция и разнообразие красок делают эту комедию очень театральной. Она содержит десяток "сольных" ролей для актрис всех возрастов и амплуа. 2 мужских роли, 10 женских, интерьер.

Главным героям пьесы (2 мужчин и 1 женщина) примерно по 55-60 лет, женские персонажи имеют возраст от 25 до 55 лет. При необходимости,женские роли могут быть сыграны меньшим количеством актрис.

Перевод с французского трех очень необычных одноактных комедий с элементами гротеска и абсурда. 4-13 персонажей.

Контакты :

Тел. +7-951-689-3-689,+9 72-53-527- 4146,+9 72-53-527- 4142

e - mail : valentin . krasnogorov @ gmail . com

Е.В. Никулина

ДРАМАТИЧЕСКИЙ ЦИКЛ ОДНОАКТНЫХ ПЬЕС Л. ПЕТРУШЕВСКОЙ «КВАРТИРА КОЛОМБИНЫ» КАК ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ЦЕЛОЕ

Рассматриваются принципы циклизации одноактных пьес Л. С. Петрушевской (цикл «Квартира Коломбины»). Исследуются эстетическая и проблемно-тематические доминанты, обеспечивающие художественную целостность и единство цикла. Ключевые слова: одноактная пьеса; цикл; Л.С. Петрушевская; хронотоп.

Происхождение одноактной пьесы связывают с интермедией (XV в.). Это небольшая комическая сцена бытового содержания, исполнявшаяся между актами мистерии или школьной драмы. В таком качестве интермедия была заимствована русским театром XVI-XVII вв. Другим источником одноактной пьесы могли быть комические сцены народного, «площадного» театра: итальянская комедия масок, французские фарсы, русский театр «Петрушка». В XIX в. одноактная пьеса активно входит в репертуар домашних самодеятельных спектаклей. На большую театральную сцену она попадает лишь в конце XIX в. Непревзойденным мастером «сценок», «шуток» «в одном действии» выступил

A.П. Чехов. А широкое распространение и популярность одноактная пьеса получает в 20-е гг. XX в., востребованная, с одной стороны, массовым пропагандистским движением народных театрализованных зрелищ, с другой стороны, ориентированными на народнозрелищные формы экспериментальными театрами

B.Э. Мейерхольда, Н.Н. Евреинова, Е.Б. Вахтангова. Малый формат, оперативность при создании и постановке, актуальность, эксцентричность одноактной пьесы отвечали духу и запросам нового времени. В рамках экспериментальных театров возникает и опыт циклизации одноактовок: спектакли нередко строились как серия сценических фрагментов, импровизированных сцен, связанных тематически и спектаклевым ансамблем. В советское время драматические произведения малых форм существуют в качестве репертуара для самодеятельного «народного» театра, утрачивая свое значение для профессиональной сцены и драматургии.

Как эстетически полноценное явление одноактная драма получает свое развитие в западном театре абсурда, также опирающемся в своей поэтике на народнозрелищные формы театрального искусства: фарсы, скетчи, интермедии, клоунаду, буффонаду и пр. Возможно, под влиянием одноактных пьес театра абсурда создает свои малоформатные пьесы А. Вампилов. Он объединяет их под общим названием «Провинциальные анекдоты», положив начало циклизации одноактных пьес в отечественном театре.

Людмила Стефановна Петрушевская признание и популярность в театральных кругах приобрела как автор полноформатных пьес: «Чинзано» (1973), «День рождения Смирновой» (1977), «Уроки музыки» (1973), «Три девушки в голубом» (1980). Меньше известны и почти не ставятся в театрах ее одноактные пьесы, которые, тем не менее, заняли преимущественное положение в ее драматургии.

Л. С. Петрушевская, следуя традиции А. Вампилова, создает свои одноактные пьесы как самостоятельные произведения в разные годы, затем объединяет их в

циклы из 4-5 пьес: «Бабуля-Блюз» (1996), «Темная комната» (1996), «Квартира Коломбины» (1996),

«Опять двадцать пять» (2006).

В цикл «Квартира Коломбины» входят «Любовь» (1974), «Лестничная клетка» (1974), «Анданте» (1975), «Квартира Коломбины» (1981). Следует отметить, что порядок следования пьес в цикле у Л. С. Петрушевской не является неизменным. Так, в книге, изданной в 2006 г., автор редактирует созданные ранее циклы, меняя состав пьес и их расположение. В раннем варианте цикл «Квартира Коломбины» начинался пьесой «Лестничная клетка», за которой следовала «Любовь». В последнем варианте «Любовь» оказывается первой пьесой цикла, а «Лестничная клетка» - второй. Перемена порядка составляющих существенно изменила, как мы увидим, смысловое единство целого. Остановимся на последней редакции.

Семантическая целостность цикла проявляется уже на уровне заглавий, образующих оппозицию: мир быта («Любовь», «Лестничная клетка») - мир искусства («Анданте», «Квартира Коломбины»); противопоставление снимается названием всего цикла «Квартира Коломбины», в котором происходит слияние реальнобытового и театрально- игрового значений.

Общие для всего цикла и, шире, - творчества Л. С. Петрушевской темы семьи, дома, женской судьбы обусловливают внутренние связи отдельных пьес, действие каждой из которых и в целом всего цикла организует хронотоп камерного домашнего пространства-времени бытия героев: квартира, комната, лестничная клетка. В отношении к этому хронотопу все персонажи в пьесах образуют 2 группы: имеющие свой дом и бездомные. Взаимодействие между ними создает основные коллизии, драматизм которых усиливается в 3-й пьесе цикла «Анданте», рассеиваясь в ее финале и заключительной пьесе. Последовательное развертывание семантического потенциала лексемы «квартира», вынесенной в название всего цикла, становится действообразующим.

Для первых пьес цикла «Любовь» и «Лестничная клетка» актуальным является значение слова «квартира» как «жилого помещения в доме, имеющего отдельный вход, обычно с кухней, передней» . В пьесах «Анданте» и «Квартира Коломбины», напротив, актуализируются значения лексемы, несущие признак временности и недолговечности: «помещение, снимаемое у кого-нибудь для жилья, место временного расположения членов какого-либо отряда, рабочей группы» .

Действие первой пьесы происходит в комнате, «тесно обставленной мебелью, во всяком случае, повернуться буквально негде, и все действие идет вокруг

большого стола» . Но то, что могло бы знаменовать важные семейные ценности (большой стол в центре комнаты, собирающий вокруг себя большую семью), не выполняет своего назначения. Как оказывается по ходу действия, он не объединяет, а разделяет героев. Новобрачные Света и Толя выясняют отношения «через стол», им так и не будет суждено сесть за него вместе.

Тесноте и замкнутости домашнего мира, не сближающего, а словно выдавливающего героев из себя, противопоставлено последовательное расширение пространства за его пределами как пространства всей России: Толя учился в Нахимовском училище в Ленинграде, потом в университете в Москве, работал на буровых в степях Казахстана, в Свердловске. Вместе с тем училище, университет, буровые - это знаки принципиально безличного, казенного, общественного бытия человека, в сущности, бездомного, тем более что дом матери в некоем «бывшем родном городке» он продал. Кроме того, детские и юношеские годы Толи протекали в пространстве гендерной изоляции: в Нахимовском училище, на подводной лодке, на буровой, «а там из женщин всего одна была повариха, да и то у нее был муж и хахаль, а ей было пятьдесят три годочка!». Результатом становятся эмоциональная ущербность и некоммуникабельность молодого человека.

Света является, напротив, олицетворением домашнего укорененного в своем родном мире бытия: у нее есть свой город, свой дом, своя кровать. Она живет в Москве - центре, сердце России. Ее имя, ее белый свадебный наряд явно призваны обозначить в героине светлое, спокойное семейственное начало.

Но несмотря на разность жизненных положений и характеров, оба героя одинаковы в главном: вопреки названию пьесы оба никем не любимы и не любят друг друга, но оба тяготятся своим одиночеством и хотят счастья, понимаемого каждым по-своему: Света не мыслит счастья без любви, Толе достаточно дома и семьи.

Критики Л.С. Петрушевской неизменно отмечают парадоксальность ее произведений. Наиболее явно этот принцип ее поэтики выступает в одноактных пьесах. В данном случае Л.С. Петрушевская, вопреки традиции, начинает пьесу о любви с того, чем классический любовный нарратив кончается, - со свадьбы. Мало того, двое молодых людей заключают брак не по любви, а каждый по своему особому расчету. Выяснением этих расчетов занимаются новобрачные, еще не сняв свадебных одежд.

Угроза разрыва едва соединившихся законным браком супругов становится реальной с появлением матери Светы, которую тоже не устраивает этот брак, т.к. ради «счастья» дочери ей придется поступиться жилыми метрами своей квартиры и привычным покоем. Поэтому, воспользовавшись размолвкой молодых, она буквально «вытесняет за дверь» Толю. Но именно в этот момент окончательной разлуки и герои, и зрители осознают, что все необходимое для любовного романа уже произошло: и первое знакомство, и первое свидание, и первая ссора, и ревность, и сознание, что друг без друга жить уже нельзя. «Он приоткрывает дверь силой. Евгения Ивановна. Раздавлю! Света (хватает его за протянутую в щель руку). Толик! (уходит). Евгения

Ивановна. Начинается житье! Конец» . Так как под «житьем» следует понимать житье семейное, то финал возвращает действие к началу - свадьбе.

Связь между первой и последующей пьесами создает сюжетный стык. В финале первой пьесы герои выставлены из квартиры, а во второй - действие происходит на лестничной площадке.

Сжатие пространства до пределов «лестничной клетки» приобретает многозначный смысл. Это и биологическая клетка жизни, для образования которой необходимо слияние мужского и женского начал. В пьесе 4 персонажа: Юра, Слава, Галя и соседка. Юра и Слава явились для знакомства по брачному объявлению Гали.

В переносном смысле, клетка - ячейка общества -семья. Однако в условиях вечного «квартирного вопроса» в России ячейка-клетка обретает свое прямое значение: «А потом в одной комнате теща, и семья, и ребенок. Каша какая-то» . Подобное существование рождает желание вырваться из клетки, следствием которого оказывается возврат к некоему архаическому социальному устройству: «Семья в наше время не существует (...). Существует женское племя с детенышами и самцы-одиночки» . Такая первобытная модель «нашего времени» устраивает «самцов-одиночек», но не устраивает «женское племя», из чего вытекает еще один смысл образа «лестничной клетки»: клетка-ловушка. Механизм интриги основан на столкновении разнонаправленных целей и мотивов действия персонажей: Галя создает заминку перед дверью своей квартиры якобы в поисках ключа, пытается угадать, выбрать, поймать будущего мужа; Юра и Слава, разыгрывая женихов, хотят всего лишь выпить, закусить и приятно провести время «как может мужчина с женщиной», поэтому тоже не ломятся в дверь. В движении смысла играет свою роль и метафора лестницы, которая является амбивалентным символом: она ведет и вверх и вниз. Вверх - к высоким, с точки зрения автора, ценностям человеческой культуры: любви, семье, дому. Вниз - к дикому, полуживотному образу жизни. Финал пьесы ложно-оптимистический: Юра и Слава, казалось бы, получили то, что хотели: «Галя. Вот тут. Хлебушко. Колбаски нарезала. Сыр. И вот (...). Только вы спуститесь на этаж» . Юра и Слава радостно устраиваются на ступеньках лестницы, ведущей вниз.

В следующей пьесе цикла «Анданте» одному из самцов-одиночек, оставшихся на лестничной площадке, предстоит воплотить обозначенную поведенческую модель в отношениях между полами. Единственным предметом и знаком домашнего пространства здесь становится «тахта» - место свального греха самца-одиночки и целого женского племени. В первых пьесах цикла мы видим героев, рожденных, выросших и живущих в России. В «Анданте» проблема национальной идентичности героев является ведущей. Экзотические имена и клички - Май, Аурелия, Бульди - отражают русофобские тенденции их родителей, развиваемые детьми. Май - российский посол в восточной стране; с женой Юлей и любовницей Бульди он приезжает в Россию лишь на время отпуска, в свою пустую квартиру, которую снимает Аурелия. Причем номинация персонажей в афише - Ау, Бульди, Май, Юля - не отража-

ет возрастных характеристик и практически размывает их половую принадлежность, поэтому после имен следуют определения: «мужчина», «женщина». По ходу действия Юля рассказывает о современных способах стирания индивидуально-физиологических особенностей (возраст и внешность) с помощью особых таблеток: «бескайтов», «метвиц», «пулов», делающих женщин «неотразимыми».

Движущей силой, создающей драматическую ситуацию, в античном театре являлась воля богов, злой рок, в Средние века - воля страстей и желаний персонажей, в XIX в. - социальные традиции и нормы, власть социума. В конце XX в. ведущей становится сила модных, социальных стандартов, активно тиражируемых средствами массовой информации. Семантика клички одной из героинь пьесы Л.С. Петрушевской «Ау» отражает современную симулятивно-знаковую действительность, героиня, как эхо, улавливает в виртуальном пространстве формальные элементы образа достойного существования и воспроизводит их в соответствии с измененной ценностной иерархией, выдвинувшей на первый план внешне-вещевое соответствие созданному образу, а на второй - знаки культуры: «Ладно, дубленку... Бумажный трикотаж. Сапоги... Косметику... белье, только не синтетику. <...> Духи: Франция, книги: Тулуз-Лотрек, все импрессионисты. Детективы: Америка. Аппаратура: хай-фай, квадрофо-ния, как у Левина. Музыка! Графика Пикассо, альбом эротики, Шагал, репродукции. <...> Билеты на Таганку, Русские церкви! Интересная высокооплачиваемая должность! Бах, Вивальди, пластинки», - в конце этого каталога знаков достоинства современного «настоящего человека» героиней «проговаривается» затаенное желание, призванное оправдать и утвердить существование женщины: «Фарфор “Кузнецов и сыновья”! Дом на набережной! Машина! Машина времени! Поездка на воды! Фрегат Паллада! Сына!» . Перечисленные атрибуты «счастливой» жизни заполняют сознание персонажей, выполняя компенсаторную и замещающую функции, затушевывая и украшая хотя бы в мечтах и розыгрышах свою неустроенную жизнь.

Все три героини - без дома, семьи, образования, работы. В парадигме новой реальности, подвергшей упразднению национальную, социальную, профессиональную и половозрастную принадлежность человека, единственным свидетельством собственного существования и опорой для осознания своего места в мире для них оказываются модные внешние стандарты благополучной жизни, также утратившие национальную и родовую специфику.

Основа драматического конфликта - ключевая для цикла тема - бездомность, семейная неустроенность человека. В данной пьесе законный хозяин квартиры Май. Юли без своего угла, без работы, без профессии, в полной материальной зависимости от мужа: «...квартира на мужа записана. Кто я без мужа буду?» . У второй героини Бульди в квартире ее родителей «капитальный ремонт санузла. Как раз к нашему приезду все затопило». Третьей героине Ау (Аурелии) тоже некуда и не к кому идти: «Муж со мной разошелся, когда я в больнице лежала, ребёнка потеряла» . В то же время все три, завороженные

«красивой жизнью» виртуальных миров, не стремятся приложить каких-либо упорных усилий для того, чтобы изменить свое бедственное положение, уповая на скорое выгодное замужество, на волю обстоятельств. Все три, в конечном счете, примиряются с неким суррогатом восточного типа полигамного брака, осознавая его аморальность, унизительность в условиях славянских поведенческих норм, противоестественность собственной национальной психологии. Единственная возможность примирить сознание с происходящим -устранить его с помощью наркотиков.

В данном контексте актуализируется семантика названия пьесы: в соответствии с «анданте» (умеренный, средний, темп в музыке) происходит замедление действия, успокоение тревог и волнений персонажей, разрешение коллизий снятием нравственных запретов. Всеобщее примирение и счастье иллюзорны и окончатся одновременно с действием наркотических веществ. Заключительная ремарка пьесы «Ходят хороводом» является выражением все того же архаичного коллективного (доличностного) бытия, продолжающим тему предыдущей пьесы.

Семантическим стыком между пьесой «Анданте» и последней пьесой цикла является мотив иллюзорного, ирреального существования как способа разрешения насущных проблем. Хороводная пляска героев в состоянии наркотического опьянения в «Анданте» предваряет театральные метаморфозы «Квартиры Коломбины». Последняя пьеса наиболее точно соответствует классическим жанровым типам одноактной сценки. Традиционный фарсовый сюжет адюльтера с неизменной перипетией - появление мужа в момент свидания жены с любовником, - с переодеваниями мужчины в женщину, с наклеенными и отваливающимися усами. Имена и амплуа персонажей повторяют ведущие маски commedia dell arte: Коломбина, Пьеро, Арлекин. Текст пьесы имитирует импровизационный характер итальянской комедии в сатирических выпадах на злобу дня: о советском общепите («в кулинарии - <...> из их ресторана отходы <...> У меня соседи этими котлетами собаку кормили <...> Вызвали ветеринара. Он собаке искусственное дыхание сделал, говорит: эти котлеты сами ешьте, а собаке это вредно» ), о проблемах занятости и зарплаты молодых специалистов, о вечном дефиците и спекуляциях импортом и пр.

Каскад каламбуров («Коломбина. Он давно уже ушел из дома! Пьеро (вскакивает). На репетицию. Коломбина. Чудачок! Ко мне. Пьеро (выходит из-за стола). Давно? Коломбина. Да уже месяца два будет. Садитесь» или «взял вареной капусты - эти вареные тряпки») также восходит к стилистике народных комических зрелищ.

Однако веселая комедийная тональность пьесы, как всегда у Л.С. Петрушевской, неоднозначная и противоречивая, подразумевает и другую сторону этой веселости. Герои пьесы - театральные деятели: режиссер, актеры, реализующие по ходу действия свои профессиональные задачи в «репетициях» на дому сцен из «Гамлета» и «Ромео и Джельеты». Эти пародийные и пародирующие сценки, с одной стороны, усиливают театрально-карнавальную стихию пьесы, с другой стороны, из-под театральных масок и пародий пробивает-

ся наружу жестокая реальность «закулисного» быта: бездомность, семейная неустроенность «гастролеров», «драма» непризнанных молодых талантов, годами играющих «котиков с усами» на детских утренниках (Пьеро), стареющих «субреток» (Коломбина) и «трагедии» полной самоутраты личности, не способной идентифицировать свой возраст, пол, свое социальное и семейное положение: «Пьеро. А где ваш муж? Коломбина (медленно). Какой... муж? <...> Я не замужем, вы что. Пьеро. Давно? Коломбина (считает в уме). Уже неделю. Пьеро. А где он? Коломбина. Он? Пошел в магазин. Пьеро. Зачем? Коломбина. За капустой» .

Театральные имена и амплуа стирают их национально-родовую и индивидуальную идентичность. Коломбину называют «Колей», она пытается играть Ромео, у Пьеро не растут ни борода, ни усы, а когда приклеенные усы «котика», сожравшего колбасу со стола Арлекина, отваливаются, он предстает в облике «девочки», к которой питает склонность режиссер.

Нарастающий хаос лиц, полов, ролей и положений преодолевается неожиданным перевоплощением Коломбины в «председателя комиссии по борьбе... по работе с молодыми». И этот знакомый репрессивный дискурс власти дает зрителю возможность идентифицировать героев и действие пьесы с реальным пространством и временем советской эпохи.

Таким образом, каждая пьеса цикла в отдельности представляет автономное завершенное художественное произведение, отличное от других по жанру, сюжету, системе действующих лиц. «Любовь» - лирическая сцена, «Лестничная клетка» - сценическая метафора, «Анданте» - эксцентрическая комедия, «Квартира Коломбины» - фарс. В то же время в соседстве с другими каждая из пьес, сохраняя свою эстетическую и проблемно-тематическую доминанту, актуализирует семантику, релевантную метатексту цикла.

Так, первоначальный порядок пьес: «Лестничная клетка» - «Любовь» - «Анданте» - «Квартира Коломбины» - определял в качестве ведущего мотив дома, домостроительства в восходящей градации: лестница -комната - исход - возвращение - сохранение домашнего, приватного пространства любой ценой.

Перемещение пьесы «Любовь» в начало цикла акцентирует мотив семьи и брака, развивающийся в нисходящей градации: законный брак, зарождение любви как духовной основы семейного союза и утрата его материального основания - квартиры («Любовь») -ослабление семейных уз, девальвация института брака («Лестничная клетка») - суррогатная семья («Анданте») - плохая игра в семью и любовь в отсутствии того и другого («Квартира Коломбины»).

Кроме того, художественная логика цикла, как уже говорилось, создается последовательным нарастанием от пьесы к пьесе тенденций энтропии - рассеиванием духовных ресурсов в общей картине мира, углублением кризиса идентичности человека в энтропийном процессе. На формально-креативном уровне эта логика цикла как художественного единства поддерживается в семантических связках между пьесами, в динамике ритма и жанрово-эстетической модальности (от лиризма - к пародии и фарсу), в развитии тенденции от реалистической стилистики («Любовь») к метафорической («Лестничная клетка») и условно-игровой («Анданте», «Квартира Коломбины»).

Общим эстетическим принципом цикла, включающим его в театральную ситсему Л. Петрушевской, является сформированное самим драматургом положение об «отвалившейся четвертой стене»: «В том-то и дело, что и Отелло в тот момент, на котором его застигли зрители (отвалилась четвертая стена), занят не движением истории, а своей женой и вообще семейными склоками» .

ЛИТЕРАТУРА

1. Ожегов С.И., Шведова Н.Ю. Толковый словарь русского языка: 80 000 слов и фразеологических выражений / Российская Академия наук.

Институт русского языка им. В.В. Виноградова. 4-е изд., доп. М., 1997. С. 271.

2. Петрушевская Л. Квартира Коломбины. СПб.: Амфора, 2006. 415 с.

3. Петрушевская Л. Девятый том. М., 2003. 336 с.

НОВОГОДНЯЯ ПЬЕСА-СКАЗКА!

В ПОИСКАХ ВОЛШЕБСТВА

Сказочное новогоднее представление, написанное по мотивам пьесы "В поисках утраченного волшебства".

Жанр – цирковая новогодняя сказка для детей.

Дата написания – 2015 г.

Продолжительность – 1-15

Премьера состоялась в декабре 2015 года в Иркутском ТЮЗ им. Вампилова.

Волшебная история, которая происходит в цирке накануне Нового года: чудеса, волшебство, весёлые и совершенно неожиданные приключения, которые предстоит пережить юным героям, чтобы спасти новогоднее представление.

Добрая весёлая сказка о том, что если очень захотеть и верить в себя, то нам по плечу исполнение любых желаний.

Жанр цирковой сказки даёт возможность привносить в сюжет готовые цирковые номера, что позволяет сделать спектакль очень динамичным и зрелищным.

КАБАРЕ «АСТОРИЯ»

Буф-фантазия на тему одной биографии или пошаговый курс по уничтожению вселенной для "чайников".

В пьесе присутствуют некоторые факты биографии Юры Зойфера, австрийского драматурга и поэта. Но в результате получилась очень вольная фантазия, которая просто даёт возможность в очередной раз затронуть тему - "Художник и время", взглянуть на современность через призму исторического опыта.

Вроде бы события, описанные в пьесе, относятся к давнишним временам, но странным образом в тексте вольно или не вольно проглядывают определённые исторические параллели.

Но тут уж, как говорится: все совпадения случайны, и автор за них

ответственности не несёт.

СПАСТИ КАМЕР-ЮНКЕРА ПУШКИНА

Текст писался в жанре «монопьеса» и имеет подзаголовок: «История одного несостоявшегося подвига», - что само по себе уже достаточно грустно...

Однако, это не мешает режиссёрам определять жанр своих спектаклей достаточно произвольно - от комедии до трагикомедии.

Персонажи:

Несмотря на то, что пьеса написана в формате "моно", количество действующих лиц ограничено исключительно только фантазией режиссёра и постановочными возможностями театра.

Премьера состоялась в октябре 2013 года в московском театре «Школа современной пьесы».

Первое место на Международном конкурсе драматургии "Действующие

лица" 2012года.

Высшая премия в области драматургии - "Гран При" "Конкурса

Конкурсов", как лучшая пьеса года на фестивале «Золотая Маска».

Диплом Российской государственной библиотеки искусств - "За

блистательный эксперимент с драматургической формой".

Авроре" стал призёром международного литературного конкурса "О

Петербурге в прозе и стихах".

ПУБЛИКАЦИИ:

Сборник пьес конкурса «Действующие лица» - «Лучшие пьесы 2012 года».

Журнал «Северная Аврора № 17»

ROCK-N-ROLL НА ЗАКАТЕ

Лирическая комедия для двух одиноких танцоров.

Персонажи – 1 - мужской. 1 - женский.

Пьеса идеально подходит для антрепризы или бенефиса.

На двух возрастных актёров. Мужчина и женщина. Чем старше, тем - лучше.

Это история взаимоотношений двух уже далеко немолодых людей, которые случайно знакомятся в любительской студии обучения танцам.

Герои - очень разные по характеру. Поэтому неудивительно, что каждая сцена их общения превращается в достаточно забавную, порой комическую, ситуацию.

Но они всё равно продолжают встречаться, не оставляя надежды, что однажды когда-нибудь настанет день, когда они всё-таки станцуют настоящий рок-н-ролл.

Rock-n-Roll – как образ того, что жизнь ещё не закончена. И что в любом возрасте есть место для надежды и чувства.

ROCK-N-ROLL НА СКАМЕЙКЕ.

Монопьеса для одинокой любительницы Рок-н-Ролла

Персонажи: женские - 1

Жанр - лирическая комедийная монопьеса для актрисы среднего возраста.

Ко мне неоднократно обращались знакомые актрисы с просьбой написать пьесу для сольного исполнения. Данная монопьеса представляет собой текст для моноспектакля, написанного по мотивам двух других моих популярных пьес: "В ожидании ЕГО" и "Rock-n-Roll на закате" . А героиня - в определённой степени воплощает в себе собирательный образ всех женских персонажей этих пьес.

НЕ ЗАБУДЬТЕ РАСПИСАТЬСЯ

Пьеса - Лауреат Волошинского международного конкурса драматургии 2018 . Первая премия.

Премьера состоялась в апреле 2019 г в Екатеринбургском театре "На Плотинке".

Комедия в жанре социальной утопии

Дата написания – 2018 г.

Персонажи – 4 (2 – мужчин и 2 – женщины) Возрастная пара и молодая пара.

Комедия, в которой вроде бы обычная история, любовное свидание молодой пары - доведена до абсурда. В последнее время нередко можно услышать шутку, что скоро нельзя будет придти на свидание без адвоката. А что случится, если вдруг такая ситуация возникнет в действительности? Что происходит, когда истинные чувства и отношения, заложенные самой природой, подменяются искусственными правилами и ограничениями?

Пьеса имеет жанровый подзаголовок – «социальная утопия». Вопрос только в том: насколько далека от неё находится наша реальность?

ВЕРЁВКА

Пьеса - призёр международного конкурса драматургии "Баденвайлер 2010"

Жанр – мрачная комедия с жизнерадостным финалом.

Персонажи – 10. (9 – мужских. 1 - женский)

На первый взгляд совершенно несвязанные между собой сцены, как частички пазла, постепенно складываются к финалу в цельную законченную историю. Пародокс заключается в том, что, несмотря на комедийный характер каждой отдельной сцены, - в целом вещь получилась более чем грустная.

Премьера состоялась в декабре 2016 г. в Киевском Академическом театре Драмы и Комедии.

Режиссёр - Алексей Лисовец.

В ПОИСКАХ УТРАЧЕННОГО ВОЛШЕБСТВА

Сказочная история, которая может случиться с каждым мальчиком или девочкой.

Премьера состоялась в марте 2014 года в московском театре "Школа современной пьесы".

Жанр – цирковая сказка для детей.

Дата написания – 2012 г.

Персонажи – 9 (7 – взрослых и 2 – дети. Мальчик и Девочка – 9-11 лет)

Продолжительность – 1-30

Аудитория – для младшего и среднего школьного возраста – 6+

Волшебная история, которая происходит в цирке: чудеса, волшебство, весёлые и совершенно неожиданные приключения, которые предстоит пережить юным героям.

«…И надо-то всего ничего: когда вырастешь, не забыть, что в детстве ты мечтал стать волшебником». Эти слова, произнесённые в финале одним из героев – можно было бы взять эпиграфом к пьесе.

И, возможно, этот спектакль напомнит родителям о том времени, когда они сами были маленькими.

О чём они мечтали?

Заставит по-новому взглянуть на себя сегодняшнего и задуматься: а тот ли я, кем хотел стать в детстве?

И не настало ли время что-то изменить в своей жизни? Снова вернуться в далёкий мир детства, когда мы искренне верили, что если очень захотеть и верить в себя, то нам по плечу исполнение любых желаний.

Жанр цирковой сказки даёт возможность привносить в сюжет готовые цирковые номера, что позволяет сделать спектакль более динамичным, ярким и зрелищным.

В ОЖИДАНИИ ЕГО

Лирическая импровизация на тему «Slow Twistin» для четырёх женских голосов.

Премьера состоялась в 2011 году в московском театре "На Перовской".

Пьеса - призёр международного конкурса драматургии "Новая пьеса для старого театра".

Персонажи: 4 - женские

Лирическая комедия на четырёх актрис разных возрастов - от 16 до 60 плюс.

Пьеса идёт в двух московских театрах - "Театральный особняк" и в театре "На Перовской".

Из аннотации спектакля в театре "Театральный особняк":"Пьеса М. Хейфеца "В ожидании Его" - это поэтическая импровизация, отлично подходящая для драматических, комедийных и экспериментальных постановок..."

Идеально подходит для женской антрепризы.

КАК ЦИОЛКОВСКИЙ ЛЕТАЛ НА ЛУНУ

Арт Мистерия на тему одной биографии.

Пьеса - призёр Волошинского международного конкурса драматургии 2014

Финалист Омской лаборатории современной драматургии 2013

ЧИТКИ И ПОКАЗЫ:

Второй фестиваль современного искусства "Циолковский" в Калуге.

Проект - «Открытая история театр» Москва.

Пьеса не о Циолковском и даже не о космонавтике.

Пьеса - не более чем притча.

Лицам без чувства юмора и записным квасным патриотам - читать противопоказано.

ИГРАЕМ ГОФМАНА

Комедия на тему некоторых спорных вопросов антропологии.

Персонажи: 10 (женские - 2, мужские - 8)

Оригинальный сюжет, вписанный в одну из самых «крамольных» гофмановских сказок – «Крошка Цахес».

Извечный вопрос: что есть правда, ложь, истина?

Пьеса даёт возможность лишний раз убедиться, что современная реальность - мало чем устпает фантосмогорическому вымыслу великого писателя.

Хотелось написать пьесу, в традициях эстетики Шварца и Горина.

ЧЕТЫРЕ РАБИНОВИЧА

Комедия на тему исхода, в которой все совпадения с какими-либо реальными историческими фактами – абсолютно случайны.

Персонажи – 10. (8 - мужских. 3 - женский)

История, а точнее – две истории, развивающиеся параллельно в двух временных пластах.

Текст – на грани фарса. И, как явствует из имён персонажей – имеющий некоторое отношение к еврейской тематике.

ДОБРО ПОЖАЛОВАТЬ В МАТРАСЕНТАННУ!

Чёрная комедия с убийством по мотивам повести венгерского писателя Иштвана Эркеня «Семья Тотов».

Персонажи: 5 (3 – мужсие, 2 - женские)

Иштван Эркень – венгерский прозаик и драматург, основоположник венгерского театра абсурда.

Пьеса – не является инсценировкой и не повторяет буквально сюжет повести. Но, надеюсь, что мне по мере возможности, удалось передать неповторимый дух тонкой иронии и «чёрного юмора», которым так славится этот писатель.

ВЫЙТИ ЗАМУЖ ЗА КАЗАНОВУ

Мистическая авантюрная комедия со всеми свойственными этому жанру атрибутами: привидениями, испуганными девушками и захватывающим развитием событий.

Персонажи – 11. (7 – мужских. 4 - женский)

Текст писался, как киносценарий, но для желающих есть адаптированный вариант для театра.

Забавная мелодраматическая история, которая по нескромному замыслу автора призвана попробовать составить в этом жанре конкуренцию комедийным текстам Людвига, Куни and Company

СКАЗКА О ВОЛШЕБНИКЕ, КОТОРЫЙ ЖИЛ НА ОБЛАКЕ

Сказка-притча для детского и кукольного театров.

Пьеса была написана специально для участия в творческой лаборатории "Маленькая драма", организованной Московским областным театром кукол.

Премьерный показ состоялся в рамках работы V Международного театрального фестиваля "Театр кукол - без границ" в мае 2015 г.

Романтическая сказка о месте красоты и творчества в нашей повседневной жизни, изложенная через историю о любви и дружбе сказочных персонажей.

КАК БЫЛ ПОВЕРЖЕН ЦАРЬ ПОДЗЕМНОГО ЦАРСТВА

Детская пьеса по мотивам корейских сказок.

Персонажи: 11 (7- мужских, 4 - женских)

Забавная сказка, насыщенная народным колоритом, про то, как Герой и его три друга – Силач, Хитрец и Стрелок отправились выручать своих невест, похищенных царём подземного царства.

В пьесе есть всё, что так любят дети: смешные персонажи, неожиданные сюжетные повороты, борьба между силами добра и зла.

Пьеса была написана по заказу для международного азиатского форума «International Contest for Asian Creative Story»

432 ГЕРЦ

Монолог, не имеющий никакого отношения к физическим свойствам звуков.

Монопьеса на тему загадки личности Шекспира.

Пьеса - финалист международного конкурса монопьес, организованного библиотекой Искусств и радио Культура.

Презентация пьесы состоялась в июне 2016 года в Иерусалимской городской библиотеке.

ТАЙНА СЕМИ МОСТОВ

Неисторическая карнавальная фантазия с элементами мистики.

Пьеса написана для конкурса "Историческая драма", организованного Калининградским театром драмы.

В августе 1811 года в Кенигсберге признали виновной и казнили последнюю

ведьму Европы - Барбару Здунк.

Это, пожалуй, единственный достоверный исторический факт, который использован в данной пьесе. Всё остальное – не более, чем вымысел и случайное совпадение.

НОВОСТИ

ИТОГИ ФЕСТИВАЛЯ! В Тольятти завершился фестиваль "Премьера одной репетиции". По итогам зрительского голосования спектаклем, который войдет в репертуар театра, стала работа Александра Серенко по пьесе Михаила Хейфеца «Спасти камер-юнкера Пушкина»».

ПРЕЗЕНТАЦИЯ! 19 июня в Тольяттинском театре «Дилижанс» в рамках театрального фестиваля «Премьера одной репетиции» состоялся показ спектакля по пьесе «Спасти камер-юнкера Пушкина» ..

ПРЕМЬЕРА! 15 июня в Саратовском Новом Камерном театре «Подмостки» состоялась премьера по пьесе «Рок-н-ролл на закате».

ЧИТКА ПЬЕС - ПОБЕДИТЕЛЕЙ! 13 июня в Камерном театре Малыщицкого была представлена пьеса "Кабаре" Астория".

ПУБЛИКАЦИЯ! В последнем номере журнала ЛИТЕРРАТУРА опубликовала пьеса "Не забудьте расписаться".

ПРЕМЬЕРА! 7 апреля в Солнечногорском драматическом театре "Галатея" состоялась премьера по пьесе «Rock-n-roll на закате».

ПРЕМЬЕРА! 22 марта в Екатеринбургском театре "На Плотинке" состоялась премьера по пьесе "Не забудьте расписаться".

ПРЕМЬЕРА! 3 марта в Львовском областном академическом музыкально-драматическом театре имени Юрия Дрогобыча состоялась премьера по пьесе "Rock n Roll на закате".“Надвечір’я з Рок-н-Роллом”.

ПРЕМЬЕРА! 1 марта во Владивостоке в Театре Молодёжи состоялась премьера спектакля по пьесе "Спасти камер-юнкера Пушкина"

ПУБЛИКАЦИЯ! В очередном номере литературного журнала "ЛИTERRAТУРА" в разделе "Драматургия" опубликована пьеса израильского драматурга Михаила Хейфеца "Как Циолковский летал на Луну".

ПРЕМЬЕРА!В Крымском Академическом Русском Драматическом Театре им.Горького состоялась премьера спектакля по пьесе Михаила Хейфеца

ПРЕЗЕНТАЦИЯ И ЧИТКА ПЬЕСЫ "Как Циолковский летал на Луну"

В Омске 17 июля в рамках празднования Дня города будет представлена читка пьесы Михала Хейфеца

ПРЕМЬЕРА! 23 марта в Донецком академическом областном драматическом театре (г.Мариуполь) состоялась премьера спектакля по пьесе "В ожидании Его".

Презентация пьесы "Кабаре "Астория" на фестивале!

25 марта в Феодосии в рамках театрального фестиваля "ФеТеФ" состоится актерская читка пьесы Михаила Хейфеца «Кабаре Астория». Творческая лаборатория «Осторожно! Театр!»

РАДИО "ГРАД ПЕТРОВ" "ПОГОВОРИМ О ТЕАТРЕ" Театральный критик Алексей Пасуев делает обзор трёх спектаклей, поставленных в театрах Санкт-Петербурга по пьесе Михаила Хейфеца "Спасти камер-юнкера Пушкина".

ПРЕМЬЕРА! После почти двухгодичного перерыва в Московском театре на Перовской возобновили показ, как пишут на сайте театра - культового спектакля "В ожидании Его".

19 декабря в концертном зале иерусалимской библиотеки, а затем в Эйлате в рамках проекта "Лимуд" состоялась презентация полной авторской редакции пьесы "Спасти камер-юнкера Пушкина"

подробнее

ПРЕМЬЕРА! 22 сентября Челябинский государственный драматический камерный театр открыл сезон премьерой спектакля "Спасти камер-юнкера Пушкина".

Пьеса "Веревка" в постановке Киевского академического театра драмы и комедии стала лауреатом Международного фестиваля «Мельпомена Таврии» сразу в трёх номинациях: Лучшие спектакли большой сцены, Лучшая режиссура и Лучшая женская роль

ПРЕМЬЕРА! 26 апреля 2017 в Воронежском доме актёра состоялась премьера спектакля "Rock-n-roll на закате"

ПРЕМЬЕРА! 22 апреля 2017 в Мурманском областном театре состоялась премьера спектакля "Rock-n-roll на закате"

ПРЕМЬЕРА! 30 марта 2017 в театре "Маленький" (תיאטרון מלנקי) состоялась премьера пьесы "Добро пожаловать в Матрасентану!" ("משפחת טוט")

Лет пятнадцать назад в одном из кабинетов прежнего, еще не переформатированного на новый лад Союза театральных деятелей России у меня случился забавный диалог с одним из его сотрудников о проблемах драматургии и драматургов: «А вам не кажется, − было сказано мне, − что у авторов странные интересы? Им же непременно хочется, чтобы их пьесы были опубликованы и поставлены!»

А какой же еще должен быть интерес у писателя, который создает литературную основу для будущей постановки?! «Сочинять в стол» − это для театрального драматурга нонсенс. Конечно, любое литературное творение должно «вылеживаться». «Дозреть». Спустя какое-то время после завершения первого варианта, перечитав написанное, автор обнаруживает массу неиспользованных возможностей, оттенков, нюансов, невыявленных богатств собственного сочинения. Но все же… Рано или поздно (и лучше всего, чтобы вовремя) пьеса должна оказаться в руках театрального режиссера, продюсера или директора и начать свой путь к сценическому прочтению.

Драматург рождается и вырастает в общении с театром. И с публикой. И с прессой. Одна сценическая версия. Другая… Обсуждение в прессе. Впечатления зрителей – в кулуарах (теперь и в Интернете). Столкновение мнений. Спор режиссеров и театров – тем, что каждый спектакль открывает в пьесе новые пласты смыслов… И у пьесы начинается особая, сценическая жизнь. Возникшая из литературной, но идущая по своим законам.

Во все времена, у всех народов именно сценическая практика рождала драматургов. И великих, и просто прочных «профи». Борьба-взаимодействие с театром удостоверяли: вот новое имя театрального автора! Так было и у нас, и в «эпоху царизма», и – с разными оговорками и экивоками – в советские годы.
Но в наши дни, когда вот уже несколько лет пьес пишется все больше, и все больше разнообразных драматургических конкурсов, и в Интернете немало драматургических ресурсов (включая перечни авторов, аннотации и обширные библиотеки пьес), драматургам и театрам в нашей стране стало очень сложно встретиться. Театры, после короткого периода увлечения Интернетом, шарахаются от всего, что приходит по электронной почте. И не любят рыться в интернет-ресурсах – это же все надо прочесть!.. Вот если где-то у кого-то новая пьеса пошла с успехом – тогда да, ее хватают и другие театры.

Так что появление сборника «Лучшие одноактные пьесы» – явление закономерное. Он соберёт «короткие» пьесы. Их судьба особенно трудна. Пьесы печатались в сборниках и журналах и в советское время. Но одноактные – редко. Хотя в ту пору им был даже посвящен семинар. Сборники пьес выходят и сейчас (обычно – по итогам конкурсов). Но редко. А уж чтобы собрать под одной обложкой только одноактные пьесы, − явление, можно сказать, уникальное. Хотя сборник «Лучшие одноактные пьесы» создается на платной основе, но его составители, издатели и редакционная коллегия оставляют за собой право отобрать только лучшее на их искушённый взгляд. Репутация – и своя, и пропагандируемых авторов – дороже выгоды!

Валерий Бегунов

театральный критик, обозреватель журнала «Современная драматургия»

Пьеса

Александр Володин, 1958 год

О чем: Оказавшись в Ленинграде по случаю командировки, Ильин внезапно решает зайти в квартиру, где семнадцать лет на-зад, уходя на фронт, оставил любимую девушку, и — о чудо! — его Тамара до сих пор живет в комнате над апте-кой. Жен-щина так и не вышла замуж: племянник-студент, которому она заменяет мать, да его взбалмошная подруж-ка — вот и вся ее семья. Продираясь сквозь страх непони-мания, неискренность, размолвки и примирения, двое взрослых людей в конце концов осознают, что счастье все еще возможно — «только бы войны не было!».

Почему стоит читать: Растянутая на пять вечеров встреча Ильина и Тамары — это не только история о поздней неприкаянной любви мастера фабрики «Красный треугольник» и завгара Завгар — заведующий гаражом. северного поселка Усть-Омуль, но возможность вывести на сцену реальных, а не мифических советских людей: умных и совестливых, с изломан-ными судьбами.

Пожалуй, самая пронзительная из драм Володина, пьеса эта наполнена груст-ным юмором и высокой лирикой. Ее герои вечно что-то недоговаривают: под речевыми клише — «работа у меня интересная, ответственная, чувствуешь себя нужной людям» — ощущается целый пласт загнанных глубоко внутрь тяже-лых вопросов, связанных с вечным страхом, в котором вынужден жить человек, словно заключенный в огромном лагере под названием «родина».

Рядом со взрослыми героями живут и дышат молодые влюбленные: поначалу Катя и Слава выглядят «непугаными», но и они инстинктивно ощущают тот страх, что съедает души Тамары и Ильина. Так неуверенность в самой возмож-ности счастья в стране «победившего социализма» постепенно передается следующему поколению.

Постановка

Большой драматический театр
Режиссер Георгий Товстоногов, 1959 год

Можно немного представить себе потрясение, которым стал для зрителей этот спектакль, благодаря радиозаписи 1959 года. Публика реагирует здесь очень бурно — смеется, волнуется, затихает. Рецензенты писали о постановке Товсто-ногова: «Время сегодняшнее — конец 50-х — обнаруживало себя с поразитель-ной точностью. Почти все герои, казалось, выходили на сцену с ленинградских улиц. Одеты они были точно так, как одевались смотревшие на них зрители». Персонажи, выезжавшие из глубины сцены на платформах с выгородками бед-но обставленных комнат, играли прямо под носом у первого ряда. Это требо-вало выверенности интонаций, абсолютного слуха. Особую камерную атмо-сферу создавал и голос самого Товстоногова, произносившего ремарки (жаль, что в радиоспектакле текст от автора читает не он).

Внутренним конфликтом спектакля было противоречие между навязанными советскими стереотипами и естественной человеческой природой. Тамара в исполнении Зинаиды Шарко будто выглядывала из-за маски советской общественницы, прежде чем сбросить ее — и стать самой собой. По радио-записи понятно, с какой внутренней силой и удивительным богатством нюан-сов Шарко играла свою Тамару — трогательную, нежную, незащищенную, жертвенную. Ильин (его играл Ефим Копелян), проведший 17 лет где-то на Севере, с самого начала был внутренне гораздо более свободным, — но и он не сразу сумел сказать любимой женщине правду, выдал себя за глав-ного инженера. В радиоспектакле в игре Копеляна сегодня слышится много театральности, почти патетики, но много у него и пауз, тишины — тогда понимаешь, что самое главное с его героем происходит именно в эти моменты.

«В поисках радости»

Пьеса

Виктор Розов, 1957 год

О чем: В московской квартире Клавдии Васильевны Савиной тесно и многолюдно: здесь проживают четверо ее выросших детей и стоит мебель, которую беспрерывно приобретает Леноч-ка, жена старшего сына Феди — когда-то талантливого мо-лодого ученого, теперь же удачливого карьериста «от нау-ки». Прикрытые тряпками и газетами в ожидании скорого переезда в новую квартиру молодоженов, шкафы, пузатые буфеты, кушетки и стулья становятся в семье яблоком раздора: мать называет старшего сына «маленьким мещанином», а его младший брат, старшеклассник Олег, рубит «Леночкину» мебель саблей погиб-шего отца — героя войны. Попытки объяснения только ухудшают ситуацию, и в итоге Федор с женой покидают родной дом, оставшиеся же дети уверяют Клавдию Васильевну, что выбрали иной жизненный путь: «Не бойся за нас, мама!»

Почему стоит читать: Эта двухактная комедия поначалу воспринималась как «пустячок» Виктора Розова: к тому времени драматург уже был известен как автор сценария легендарного фильма Михаила Калатозова «Летят журавли».

Действительно, трогательные, романтичные, непримиримые к нечестности, стяжательству младшие дети Клавдии Васильевны Коля, Татьяна и Олег, а также их друзья и любимые составляли крепкую группу «правильной совет-ской молодежи», численно превосходящую круг представленных в пьесе «стя-жателей, карьеристов и мещан». Схематичность противостояния мира потреб-ления и мира идеалов особо не маскировалась автором.

Выдающимся оказался главный герой — 15-летний мечтатель и поэт Олег Савин: его энергия, внутренняя свобода и чувство собственного достоинства связались с надеждами оттепели, с мечтами о новом поколении людей, отметающем все виды социального рабства (это поколение бескомпромиссных романтиков так и стали называть — «розовские мальчики»).

Постановка

Центральный детский театр
Режиссер Анатолий Эфрос, 1957 год

Самая знаменитая сцена этой пьесы — та, в которой Олег Савин рубит отцов-ской шашкой мебель. Так было в спектакле театра-студии «Современник», вышедшем в 1957 году, да и от фильма Анатолия Эфроса и Георгия Натансона «Шумный день » (1961) именно это прежде всего осталось в памяти — может, потому, что в обеих постановках Олега играл молодой и порывистый Олег Табаков. Однако первый спектакль по этой пьесе вышел не в «Современнике», а в Центральном детском театре, и в нем знаменитый эпизод с шашкой и погибшими рыбками, банку с которыми Леночка выбросила в окно, был хоть и важ-ным, но все же одним из многих.

Главным в спектакле Анатолия Эфроса в ЦДТ стало ощущение полифонич-ности, непрерывности, текучести жизни. Режиссер настаивал на значитель-ности каждого голоса этой многонаселенной истории — и сразу вводил зрителя в заставленный мебелью дом, выстроенный художником Михаилом Курилко, где точные детали указывали на быт большой дружной семьи. Не обличение мещанства, а противопоставление живого и мертвого, поэзии и прозы (как под-метили критики Владимир Саппак и Вера Шитова) — в этом была суть взгляда Эфроса. Живым был не только Олег в исполнении Константина Устюгова — нежный мальчик с высоким взволнованным голосом, — но и мама Валентины Сперантовой, решившаяся на серьезный разговор с сыном и смягчавшая инто-нацией вынужденную резкость. Очень настоящий и сам этот Федор Геннадия Печникова, несмотря ни на что очень любящий свою прагматичную жену Леночку, и еще один влюбленный — Геннадий Алексея Шмакова, и девочки-одноклассницы, которые приходили в гости к Олегу. Все это отлично слышно в радиозаписи спектакля, сделанной в 1957 году. Послушайте, как Олег произносит ключевую фразу пьесы: «Главное — чтобы много было в голове и в душе». Никакой дидактики, тихо и выношенно, скорее для себя.

«Мой бедный Марат»

Пьеса

Алексей Арбузов, 1967 год

О чем: Жила-была Лика, любила Марата, была им любима, а еще ее любил Леонидик; оба парня ушли на войну, оба верну-лись: Марат — Героем Советского Союза, а Леонидик без руки, и Лика отдала свою руку и сердце «бедному Леони-дику». Второе название произведения — «Не бойся быть счастливым», в 1967 году лондонскими критиками оно было названо пьесой года. Эта мелодрама — растянутая почти на два десятилетия история встреч и разлук трех взрослеющих от эпизода к эпизоду героев, соединенных когда-то войной и блокадой в холодном и голодном Ленинграде.

Почему стоит читать: Три жизни, три судьбы ужаленных войной советских идеалистов, пытающихся строить жизнь согласно пропагандистской легенде. Из всех «советских сказок» Алексея Арбузова, где героям обязательно воздавалось любовью за трудовые подвиги, «Мой бедный Марат» — сказка самая печальная.

Советский миф «живи для других» оправдан для персонажей — еще подрост-ков потерями и подвигами войны, а реплика Леонидика: «Никогда не изменять нашей зиме сорок второго… да?» — становится их жизненным кредо. Однако «уходят дни», а жизнь «для других» и профессиональная карьера (Марат «строит мосты») счастья не приносит. Лика руководит медициной как «неосво-божденная заведующая отделением», а Леонидик облагораживает нравы сбор-никами сти-хов, издающихся тиражом пять тысяч экземпляров. Жертвенность оборачи-вается метафизической тоской. В финале пьесы 35-летний Марат провоз-глашает смену вех: «Сотни тысяч умерли за то, чтобы мы были необык-новенны, одержимы, счастливы. А мы — я, ты, Леонидик?..»

Задушенная любовь равна здесь задушенной индивидуальности, а личностные ценности утверждаются всем ходом пьесы, что и делает ее уникальным явле-нием советской драматургии.

Постановка

Режиссер Анатолий Эфрос, 1965 год

Этот спектакль рецензенты называли «сценическим исследованием», «теа-тральной лабораторией», где изучались чувства героев пьесы. «На сцене лабо-раторно чисто, точно и сосредоточенно», — писала критик Ирина Уварова. Художники Николай Сосунов и Валентина Лалевич создали для спектакля задник: с него на зрителей серьезно и немного печально смотрели трое персо-нажей, смотрели так, будто они уже знают, чем все закончится. В 1971 году Эфрос снял телеверсию этой постановки, с теми же актерами: Ольгой Яков-левой — Ликой, Александром Збруевым — Маратом и Львом Круглым — Леони-диком. Тема скрупулезного исследования характеров и чувств здесь еще усили-лась: телевидение позволило увидеть глаза актеров, давало эффект зритель-ского присутствия при близком общении этих троих.

Можно было сказать, что Марат, Лика и Леонидик у Эфроса были одержимы идеей докопаться до правды. Не в глобальном смысле — они хотели как можно точнее услышать и понять друг друга. Особенно это было заметно по Лике — Яковлевой. У актрисы существовало как бы два плана игры: первый — где ее героиня выглядела мягкой, легкой, ребячливой, и второй — проступавший, едва собеседник Лики отвернется: в этот момент в него впивался серьезный, внимательный, изучающий взгляд зрелой женщины. «Всякая действительная жизнь есть Встреча», — писал философ Мартин Бубер в книге «Я и Ты». По его мысли, главное в жизни слово — «Ты» — можно сказать человеку только всем своим существом, любое другое отношение превращает его в объект, из «Ты» — в «Оно». На протяжении всего спектакля Эфроса эти трое говорили другому «Ты» всем своим существом, больше всего ценя неповторимую личность друг друга. В этом было высокое напряжение их отношений, которым и сегодня невозможно не увлечься и которому нельзя не сопереживать.

«Утиная охота»

Пьеса

Александр Вампилов, 1967 год

О чем: Проснувшись в типовой советской квартире тяжелым похмельным утром, герой получает в подарок от друзей и коллег траурный венок. Пытаясь разгадать смысл розыгрыша, Виктор Зилов восстанавливает в памяти картины последнего месяца: вечеринку-новоселье, уход жены, скандал на работе и, наконец, вчерашнюю пьянку в кафе «Незабудка», где он оскорбил свою юную любов-ницу, своего начальника, коллег и подрался с лучшим другом — официантом Димой. Решив и вправду свести счеты с опостылевшей жизнью, герой обзванивает знакомых, приглашая их на собственные поминки, но вскоре меняет решение и отправляется с Димой в деревню — на утиную охоту, о которой все это время страстно мечтал.

Почему стоит читать: Виктор Зилов, соединяя в себе черты отъявленного негодяя и бесконечно при-влекательного мужчины, кому-то может показаться советской реинкарнацией лермонтовского Печорина: «портрет, составленный из пороков всего нашего поколения, в полном их развитии». Появившийся в начале эпохи застоя умный, породистый и вечно пьяный итээровец ИТР — инженерно-технический работник. с энергией, достойной лучшего при-менения, последовательно избавлял себя от семейных, служебных, любовных и дружеских уз. Финальный отказ Зилова от самоистребления имел для совет-ской драмы символический смысл: этот герой породил целую плеяду подра-жателей — лишних людей: пьяниц, которым было и стыдно, и противно вли-ваться в советский социум, — пьянство в драме воспринималось как форма социального протеста.

Создатель Зилова Александр Вампилов утонул в Байкале в августе 1972-го — в расцвете творческих сил, оставив миру один не слишком увесистый том драматургии и прозы; ставшая сегодня мировой классикой «Утиная охота», с трудом преодолевая цензурный запрет, прорвалась на советскую сцену вскоре после смерти автора. Однако спустя полвека, когда уже и советского ничего не осталось, пьеса неожиданно обернулась экзистенциальной драмой человека, перед которым разверзлась пустота устроенной, зрелой жизни, а в мечте о поездке на охоту, туда, где — «Знаешь, какая это тишина? Тебя там нет, ты понимаешь? Нет! Ты еще не родился» — послышался вопль о навсегда утраченном рае.

Постановка

МХАТ имени Горького
Режиссер Олег Ефремов, 1978 год

Лучшая пьеса Александра Вампилова до сих пор считается неразгаданной. Бли-же всего к ее толкованию подошел, вероятно, фильм Виталия Мельникова «Отпуск в сентябре» с Олегом Далем в роли Зилова. Спектакль, поставленный во МХАТе Олегом Ефремовым, не сохранился - даже во фрагментах. Вместе с тем он точно выразил время — самую беспросветную фазу застоя.

Художник Давид Боровский придумал для спектакля такой образ: над сценой, как туча, парил огромный целлофановый мешок, в котором находились сруб-ленные сосны. «Мотив законсервированной тайги», — рассказывал Боровский критику Римме Кречетовой. И дальше: «Пол покрыл кирзой: в тех местах ходят в кирзе и в резине. По кирзе рассыпал сосновые иголки. Знаете, как от новогод-ней елки на паркете. Или после траурных венков…»

Зилова играл Ефремов. Ему было уже пятьдесят — и тоска его героя была не кризисом среднего возраста, а подведением итогов. Анатолий Эфрос восхищался его игрой. «Ефремов до предела бесстрашно играет Зилова, — писал он в книге «Продолжение театрального рассказа». — Он его вывора-чивает перед нами со всеми потрохами. Безжалостно. Играя в традициях великой театральной школы, он не просто обличает своего героя. Он играет человека в общем неплохого, еще способного понять, что он заблудился, но уже неспособного выбраться».

Вот уж кто был лишен рефлексии, так это официант Дима в исполнении Алек-сея Петренко, другой важнейший герой спектакля. Огромный мужик, абсо-лютно спокойный — спокойствием убийцы, он нависал над остальными персо-нажами, как туча. Конечно, он пока никого не убивал — кроме животных на охоте, в которых стрелял без промаха, но вполне мог отправить в нокаут человека (предварительно оглянувшись, не видит ли кто). Дима больше, чем Зилов, был открытием этого спектакля: пройдет немного времени, и такие люди станут новыми хозяевами жизни.

«Три девушки в голубом»

Пьеса

Людмила Петрушевская, 1981 год

О чем: Под одной дырявой крышей три мамаши — Ира, Светлана и Татьяна — коротают дождливое лето со своими вечно дерущимися мальчишками. Неустроенность дачной жизни вынуждает женщин день и ночь ругаться на почве быта. Появившийся состоятельный ухажер увлекает Иру в другой мир, к морю и солнцу, она оставляет больного сына на ру-ках у своей слабой матери. Однако рай оборачивается адом, и вот уже женщина готова ползать на коленях перед дежур-ным аэропорта, чтобы вернуться к оставшемуся в одиночестве ребенку.

Почему стоит читать: Современников «Трех девушек» пьеса и по сей день поражает тем, насколько точно зафиксирована в ней эпоха «позднего застоя»: круг бытовых забот совет-ского человека, его характер и тип отношений между людьми. Однако кроме внешней фотографической точности здесь тонко затронута и внутренняя суть так называемого совка.

Ведущая диалог с «Тремя сестрами» Чехова, пьеса Петрушевской поначалу представляет своих «девушек» как три вариации на тему чеховской Наташи. Как и мещанка Наташа у Чехова, Ира, Светлана и Татьяна у Петрушевской непрерывно пекутся о своих чадах и ведут войну за сухие комнаты полуразва-лившейся подмосковной дачки. Однако дети, ради которых скандалят матери, на поверку никому не нужны. Пьесу пронизывает слабенький голосок больного сына Иры Павлика; мир мальчика полон сказочных образов, в причудливой форме отражающих реалии пугающей его жизни: «А когда я спал, ко мне луна прилетала на крыльях», — ребенка в этой пьесе не слышит и не понимает никто. С сыном же связан и «момент истины» — когда, осознав, что может его потерять, из «типичного советского человека» Ира превращается в человека, способного «мыслить и страдать», из чеховской Наташи — в чеховскую Ирину, готовую чем-то жертвовать для других.

Постановка

Театр имени Ленинского комсомола
Режиссер Марк Захаров, 1985 год

Эта пьеса была написана Людмилой Петрушевской по заказу главного режис-сера Театра имени Ленинского комсомола Марка Захарова: ему нужны были роли для Татьяны Пельтцер и Инны Чуриковой. Цензура не пропускала спектакль четыре года — премьера состоялась только в 1985-м; 5 и 6 июня 1988 года спектакль сняли для телевидения. Эта запись и сегодня производит очень сильное впечатление. Сценограф Олег Шейнцис перегородил сцену полупрозрачной стеной, за которой видны силуэты ветвей; на переднем плане стол, на нем букет сухих цветов, а в жестяном тазу, водруженном на табуретку, идет бесконечная стирка; вокруг устраивались склоки, флиртовали, испове-довались. Каждый был готов влезть в жизнь другого, да не просто влезть — основательно там потоптаться. Но это лишь поверхностное участие: на самом деле всем друг на друга было глубоко наплевать. Бубнила свое старуха Федо-ровна (Пельтцер), равнодушная к тому, что за стенкой лежит больной ребенок. Мгновенно взвинчивалась в припадке ненависти к интеллигентке Ирине и ее сыну Светлана (актриса Людмила Поргина): «Читает он! Дочитаетесь!» А сама Ирина — Инна Чурикова смотрела на все огромными глазами и мол-чала, пока были силы.

Признанный мастер сценических эффектов, Захаров выстроил в спектакле несколько опорных точек, выверенных, как балет. Одна из них — когда дачный ухажер Николай целует Ирину и та от неожиданности выделывает почти клоунский кульбит. Чурикова в эту минуту едва не падает со стула, припадает к плечу Николая, тут же резко отскакивает от него и, высоко вскидывая коле-ни, пробирается к двери, посмотреть, не видел ли поцелуй сын.

Другая сцена — трагическая кульминация спектакля: Ирина ползет на коленях за служащими аэропорта, умоляя посадить ее в самолет (дома ребенок остался один в запертой квартире), и хрипло, надсадно даже не кричит, а рычит: «Я могу не успеть!» В книге «Истории из моей собственной жизни» Людмила Петрушевская вспоминает, как однажды на спектакле в этот момент молодая зрительница вскочила с кресла и стала рвать на себе волосы. Смотреть на это действительно очень страшно.