Абстракционизм (лат. abstractio – удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство – направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.
История
Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) – художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича.
В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.
20 век и современность
После 1-й мировой войны 1914-18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях представителей дадаизма и сюрреализма; вместе с тем определилось стремление найти применение неизобразительным формам в архитектуре, декороративном искусстве, дизайне (эксперименты группы Стиль» и «Баухауза»). Несколько групп абстрактного искусства («Конкретное искусство», 1930; «Круг и квадрат», 1930; «Абстракция и творчество», 1931), объединивших художников различных национальностей и направлений, возникло в начале 30-х гг., главным образом во Франции. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939–45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы Дж. Поллок, М. Тоби и др.), развивавшегося после войны во многих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») и провозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний.
Во второй половине 50-х годов в США зародилось искусство инсталляции, поп-арта, несколько позднее прославившее Энди Уорхола с его бесконечным тиражированием портретов Мэрилин Монро и банок собачьего корма – коллажный абстракционизм. В изобразительном искусстве 60-х стала популярна наименее агрессивная, статичная форма абстракции – минимализм. Тогда же Барнет Ньюмен , основоположник американского геометрического абстракционизма вместе с А.Либерманом, А.Хельдом и К.Ноландом успешно занимались дальнейшим развитием идей голландского неопластицизма и русского супрематизма.
Еще одно течение американской живописи получило название «хроматического» или «постживописного» абстракционизма. Представители его в какой-то мере отталкивалось от фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступали место живописи созерцательного меланхолического склада. В 70-е – 80- е годы американская живопись вернулась к фигуративности. Более того, широчайшее распространение получило такое крайнее ее проявление, как фотореализм. Большинство искусствоведов сходятся на том, что 70-е – это момент истины для американского искусства, поскольку в этот период оно наконец-то освободилось от европейского влияния и стало чисто американским. Впрочем, несмотря на возвращение традиционных форм и жанров, от портрета до исторической живописи, не исчез и абстракционизм.
Картины, произведения «неизобразительного» искусства создавались по прежнему, так как возвращением к реализму в США был преодолен не абстракционизм как таковой, но его канонизация, запрет на фигуративное искусство, которое отождествлялось прежде всего с нашим соцреализмом, а значит, не могло не считаться одиозным в «свободном демократическом» обществе, запрет на «низкие» жанры, на социальные функции искусства. При этом стилистика абстрактной живописи приобрела некую мягкость, которой ей не доставало прежде, – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие цветовые решения (Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверс, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброд ).
Все эти тенденции заложили основу для развития современного абстракционизма. В творчестве не может быть ничего застывшего, окончательного, так как это было бы смертью для него. Но какими бы путями ни шел абстракционизм, каким бы ни подвергался трансформациям, сущность его всегда остается неизменной. Она в том, что абстракционизм в изобразительном искусстве – это наиболее доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, самой, что ни на есть адекватной – подобно факсимильному оттиску. Вместе с тем, абстракционизм – это прямая реализация свободы.
Направления
В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.
Кубизм
Авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Районизм (Лучизм)
Направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».
Неопластицизм
Обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917–1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.
Орфизм
Направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.
Супрематизм
Направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.
Ташизм
Течение в западноевропейском абстракционизме 1950–60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
Абстрактный экспрессионизм
Движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.
Абстракионизм в интерьере
В последнее время абстракционизм начал переходить с полотен художников в уютный интерьер дома, выгодно обновляя его. Минималистический стиль с использованием четких форм, порой достаточно необычных, делает помещение необычным и интересным. Но переборщить с цветом очень просто. Рассмотрим сочетание оранжевого цвета в такой стилистике интерьера.
Белый лучше всего разбавляет насыщенный оранжевый, и как бы остужает его. Цвет апельсина заставляет комнату стать жарче, поэтому немного; не помешает. Акцент должен быть на мебели или оформлении ее, например, оранжевое покрывало. В таком случае белые стены заглушат яркость цвета, но оставят комнату красочной. Прекрасным дополнением в таком случае послужат картины той же гаммы — главное не переборщить, иначе будут проблемы со сном.
Сочетание оранжевого и голубого цветов пагубно для любой комнаты, если это не касается детской. Если подобрать не яркие оттенки, то они будут удачно гармонировать друг с другом, добавят настроения, и не будут пагубно влиять даже на гиперактивных детей.
Оранжевый отлично сочетается с зеленым, создавая эффект мандаринового дерева и шоколадным оттенком. Коричневый — цвет, который варьируется от теплого к холодному, поэтому идеально нормализует общую температуру комнаты. Кроме того, такое сочетание цветов подойдет для кухни и гостиной, где нужно создать атмосферу, но не перегрузить интерьер. Оформив стены в белый и шоколадный цвета, можно спокойно поставить оранжевое кресло или повесить яркую картину с насыщенным мандариновым цветом. Пока вы в такой комнате, у вас будет прекрасное настроение и желание сделать как можно больше дел.
Картины известных художников-абстракционистов
Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.
Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.
Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.
Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.
Казимир Малевич
Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве. Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.
«Черный квадрат» (1915)
Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».
На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.
Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.
Пит Мондриан
Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах. В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.
«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.
Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий. Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.
Робер Делоне
Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм. Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.
К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.
Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне – знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка. Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.
Франтишек Купка
Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций. Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.
«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)
Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов. В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.
Современные абстракционисты
С начала двадцатого века художники, в том числе Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандинский — экспериментируют с формами предметов и их восприятием, а также ставят под сомнение существующие в искусстве каноны. Мы подготовили подборку самих известных современных художников-абстрационистов, решивших раздвинуть свои границы познания и создать свою собственную реальность.
Немецкий художник Дэвид Шнел (David Schnell) любит бродить по местам, в которых раньше царила природа, а сейчас они нагромождены постройками людей — от игровых площадок до заводов и фабрик. Воспоминания об этих прогулках и рождают его яркие абстрактные пейзажи. Давая волю своему воображению и памяти, а не фотографиям и видеозаписям, Дэвид Шнел создает картины, которые напоминают компьютерную виртуальную реальность или иллюстрации к книгами по фантастике.
Создавая свои крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. Снала она придает своим работам объем, накладывая несколько слоев акриловой краски и обклеивая силуэты скотчем. Затем Кристин аккуратно сдирает его, что позволяет увидеть нижние слои краски и делает поверхность её картин похожими на многослойный разноцветный коллаж. На самом последнем этапе работы она соскабливает все неровности, делая свои картины похожими по ощущениям на рентгеновский снимок.
В своих работах художница греческого происхождения из Бруклина, Нью-Йорк, Елеанна Анагнос (Eleanna Anagnos) исследует аспекты повседневной жизни, которые часто ускользают от взгляда людей. В ходе её «диалога с холстом» обычные понятия обретают новые смыслы и грани: негативное пространство становится позитивным и малые формы увеличиваются в размерах. Пытаясь таким образом вдохнуть «жизнь в свои картины», Елеанна старается пробудить человеческий разум, который перестал задавать вопросы и быть открытым к чему-то новому.
Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить в своем творчестве хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Поэтому их разрушающая сила делает абстрактные работы Сары Спитлер мощными, энергичными и захватывающими. Кроме того. получившийся на холсте образ из чернил, акриловых красок, графитовых карандашей и эмали подчеркивает эфимерность и относительность происходящего вокруг.
Черпающий вдохновение из области архитектуры, художник из Ванкувера, Канада, Джефф Дэпнер (Jeff Depner) создает многослойные абстрактные картины, состоящие из геометрических фигур. В созданном им художественном «хаосе» Джефф ищет гармонию в цвете, форме и композиции. Каждый из элементов в его картинах связан друг с другом и ведет к последующему: «Мои работы исследуют композиционную структуру [картины] через взаимоотношения цветов в выбранной палитре…». По мнению художника, его картины – это «абстрактные знаки», которые должны перенести зрителей на новый, бессознательный уровень.
По определению, согласимся с Википедией, Абстракционизм (лат. а bstractio n - удаление, отвлечение) или нефигуративное или беспредметное направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи, графике и скульптуре.
В основу эстетической концепции первых абстракционистов был положен отказ от реальной формы, которая требует от зрителя эрудированности и логического осмысления, в угоду выражения как минимум чистого эмоционального посыла. Как максимум предполагалось, что художественное творчество отражает закономерности мироздания, скрытые за внешними, наносными явлениями действительности. Эти закономерности, интуитивно постигаемые художником, выражались через соотношение абстрактных форм (цветовых пятен, линий, объёмов, геометрических фигур) .
Рис. 1. В. В. Кандинский. Первая абстрактная акварель. 1910 г.
Широко используемый термин абстрактная композиция вырастает из сферы образования, где определяет формулировку учебного упражнения. Слово «композиция» используется не в значении составления, а в аспекте законченного произведения. Вернее, конечно, говорить о композиции в абстрактном искусстве. Как искусство «личного переживания» абстракционизм в различные периоды существования шокировал зрителя, составлял авангард искусства, затем высмеивался, подвергался осуждению и цензуре, как искусство, не имеющее никакого смысла и дегенеративное. Однако теперь абстракционизм существует наравне со всеми другими формами искусства и, более того, выходит на особые позиции заданий вступительных испытаний при поступлении в образовательные учреждения на архитектурно-дизайнерские специальности. В качестве проверки креативных возможностей абитуриента испытание абстракцией весьма продуктивно т.к. ярко выявляет творческое мышление, композиционные знания и умение выразить тему в усложнённых условиях запрета на узнаваемые формы окружающего мира. Ведь исторически, работая с первичными элементами языка искусства (те геометрические формы из которых методом отрезания лишнего в фигуративном искусстве можно получить объекты зрительного мира), абстракционисты обращались к общим для всего изобразительного искусства композиционным принципам. Неудивительно, что абстракционисты находили применение своим неизобразительным формам в промышленной эстетике (дизайне), художественном конструировании, архитектуре (деятельность группы «Стиль» в Нидерландах и школы Баухауз в Германии; работа Кандинского воВХУТЕМАСе; архитектоны и дизайнерские проекты Малевича; «мобили»Александра Колдера; конструкции Владимира Татлина, работы Наума Габо и Антуана Певзнера). Деятельность абстракционистов способствовала становлению современной архитектуры, декоративно-прикладного искусства, дизайна .
Лично автору интересна абстрактная композиция только тем, что на примере условных абстрактных форм легче понять психофизиологические законы восприятия зрителем изображения и поставить их на вооружение при выявлении авторской мысли в произведении. Ведь чтобы сделать свои идеи доходчивыми для зрителя логично общаться на понятном для зрителя и художника изобразительном языке, о чем писал доктор искусствоведения Степанов Г.П. (Композиционные проблемы синтеза искусств, 1984). На языке общечеловеческих гештальтов психики Р. Арнхейма (Искусство и визуальное восприятие. 1974) с учётом физиологии рассматривания и обработки увиденного мозгом, которые обобщил для художников в своей книге Г.И. Панксенов (Живопись. Форма, цвет, изображение, 2007). Эта тема подробно расписана автором в статьях « » и « », которые увеличат понимание этой статьи. Обратим внимание на то, что даже когда эскизируются первые идеи предметной (жанровой или сюжетной, ассоциативно-сюрреалистичной, декоративной и др.) композиции*, все объекты в ней намечаются условными пятнами или массами, которые потом методом «отсечения» лишнего доводятся до узнаваемых форм. Теория композиции однозначно диктует, что именно в условных массах большого и малого, тёмного и светлого на стадии первых неявных эскизов должно быть найдено взаимодействие, гармония, композиционный центр, средства выразительности и бережно сохраняется до конца работы над произведением.
Рис. 2. Эскизы картин. а) И.И. Левитан. Платформа. Приближающийся поезд. Набросок. 1879. ГТГ. б) Спиридонов В. М. Многофигурная композиция. Эскиз 1941 г. Чувашский гос. музей. в)
Кипарисов П. Г. Марийки Идут. Эскизы к картине «Когда Цветет Сирень». Чувашский гос. музей.
Этот подход роднит все ипостаси композиции (жанровая, абстрактная ассоциативная, декоративная и т.д.). Конечно в абстракции мы можем приблизить зрителя лишь к какому-либо психологическому переживанию, настроению, ощущению, но это уже совсем не мало для произведения и предметного характера. Поэтому понимание композиции в абстракции расширит горизонты и художников фигуративных направлений в искусстве. Именно с этих позиций выдвинем гипотезу о том, что понимание связи психологического с изобразительным должно стать базовым принципом выражения определенных ощущений в композиционном знании. Это позволит художнику более точно выражать свою мысль и создавать более мощное эмоциональное воздействие на зрителя в произведении как фигуративного характера, так и не фигуративного.
Однако все ли рисовальщики понимают принципы отображения тех или иных ощущений, той или иной ассоциации, настроения в беспредметной композиции, с помощью какого кодированного языка должны разговаривать автор и зритель посредством изображения?
*Всё изобразительное искусство можно поделить на предметное и беспредметное. И тот и другой раздел можно представить как совокупность направлений в искусстве, например в абстрактном искусстве два больших направления геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан) и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). В их рамках можно выделить более узкие течения, например, ташизм (живопись пятнами, которые выражают бессознательную активность художника), супрематизм (комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний), неопластицизм (живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра) и т.д. В предметной живописи вмешиваются различные подходы к изображению самой реалистичной формы, действия, времени, пространства. Например, жанровая реалистичная композиция, т.е. отражающая определенный жанр искусства (портрет, натюрморт, пейзаж, анималистический, исторический, батальный, бытовой или т.п.) чётко придерживается Аристотелевых единств - времени, места, действия. В таком искусстве определенные действующие лица в определенный момент времени в реальном пространстве объединены одним действием. Однако, в предметном искусстве исторически сложились и такие направления как сюрреализм, кубизм, футуризм и иные «предметные» авангардные течения, где предметы окружающего мира со значительной степенью стилизации (деформация, упрощения, усложнения и т.д.) или без нее изображаются не в условиях реального физического мира, а как бы в потоке ассоциативных рефлексий автора. Иными словами, есть реальные объекты, но времена, пространства могут смешиваться, цвет трактоваться условно, а форма сильно деформироваться. «Уже период протоавангарда рубежа XIX-XX веков характеризуется как слом, переход от классической эстетики Аристотеля, мимесиса к неклассической, антиаристотелевской традиции» . Но, при всём при этом, законы, правила, принципы, средства выразительности едины для всех проявлений и производят заложенное автором воздействие в любых вариантах предметного или беспредметного изображения.
Цель данной статьи заключается в попытке описать адекватные принципы, по которым в абстрактной композиции выявляются человеческие ощущения, а вместе с тем объяснить методику размышлений о выражении в композиции жизненных ощущений на примере стандартных для учебных заданий по композиции и формообразованию тактильных, вкусовых, вестибулярных и др. ощущений. Для чего проанализируем особенности композиции в абстрактном искусстве и приведем несколько примеров с иллюстрациями.
Для выражения статики в композиции характерны:
Тяжелый низ и лёгкий верх – это психологическое предвосхищение (ожидание) расстановки сил в листе, которое обусловлено физическими реалиями жизни. Иными словами, от привычки ощущать под ногами надёжную опору, а над головой лёгкое светлое небо. Поэтому композиционный центр лучше закладывать чуть ниже геометрического центра листа дабы усилить низ, притянуть композицию к подразумеваемой платформе. Ассоциативно ощущаемая у нижнего края листа площадь опоры необходима большая в связи с физическим законом о том, что большая плоскость дает большую силу трения. В связи с жизненным опытом нахождения равновесных устойчивых состояний необходимо подчёркивать вертикали и горизонтали в качестве композиционного ключа или доминирующего принципа в композиции. Ничего не стоит ставить на угол. Даже треугольники в композиции, которые привносят диагонали своими сторонами надо ставить на широкое основание, стремится к равнобедренным и прямоугольным треугольникам. Цвет на вестибулярные ощущения по мнению автора не влияет.
Для выражения динамики в композиции характерны:
В связи со сложившимся «Арнхеймовским» гештальтом психики ощущать над головой лёгкое светлое небо, часто при рассматривании изобразительной плоскости помещенные в верхней части листа предметы кажутся летящими или падающими. Поэтому композиционный центр в динамичных композициях лучше закладывать чуть выше геометрического центра листа с целью сместить акцент для зрителя как бы «в небо». Рискнём предположить, что тёмные объекты и крупные, которые ассоциативно связываются с тяжестью кажутся падающими, а лёгкие и светлые, по аналогии с пухом, снегом, паром и т.д., кажутся летящими. Площади опоры в нижнем крае листа абсолютно не нужна. В отличии от статики структура динамичной композиции — это чаще всего диагональ. Может быть и спираль, но при спирали впечатление постоянного удаления и полёта надо «дожимать» ритмом и масштабом. Обратите внимание, что под динамикой подразумевается не хаотичное движение, а векторно-направленное, как бы с заданным ускорением. Иными словами, изображенные объекты должны казаться летящими (брошенными с силой) к конкретной цели. Такие статичные формы как различные прямоугольники надо ставить на угол, по диагонали. Основное средство выразительности — ритм. Меняя расстояние от одного нарисованного объекта к другому, художник может создавать ощущение разгона или замедления, в зависимости от того насколько далеко нужно перепрыгнуть взгляду от одного объекта к другому. Вместе с тем неплохим подспорьем будет и эффект перспективного сокращения улетающих объектов. Цвет на вестибулярные ощущения, по мнению автора, не влияет.
Рис. 3. Примеры изображения статики и динамики в геометрической абстрактной композиции. а) Юлдашева Е. б) Лазарева В. в) Лазарева В.
Для выражения массивного в композиции характерно:
Для выражения тяжести в листе композиционный центр лучше закладывать чуть ниже геометрического. Формат удачнее выбрать горизонтальный, как бы «приземленный». В частных случаях для массивности площадь опоры должна быть, причем чем больше, тем лучше (в том числе и суммарная нескольких тяжелых объектов) в связи с тем, что тяжелая масса сильнее притягивается к земле. Необходимо прижать изображение к нижнему краю листа. Однако могут встречаться различные художественные задачи, при которых массивное не должно быть связано с землей, тогда стоит ограничится лишь большим масштабом в листе и тёмным тоном. Ярко выраженной структуры для создания массивных композиций, наверное, нет, однако интересно усиливать ощущение тяжести, духоты и давления за счет того, что графически можно зажать или придавить мелкий объект крупными, по аналогии с завалами. Стараться изображать объекты плотно, без видимых между ними просветов. Для весовых ощущений намного большее значение влияет тон: светлый или тёмный, — нежели цвет. Так для выявления ощущения массивности на помощь должны прийти тёмные тона. Это связано опять же с жизненным опытом, который ассоциативно связывает тяжелые тона с ожидаемой до опыта (априори) тяжестью. В том числе, образно темнота связывается с тяжелыми эмоциональными состояниями человека. А так-как из курса цветоведения известно, что к каждому цвету можно подобрать соответствующий по силе тон, то естественно для массивного подходят тёмные цвета коричневые, синие, фиолетовые, тёмно-зеленые, тёмно-бардовые цвета и иные тёмные оттенки цветов. Основное средство выразительности – масштаб. Это связано опять же с жизненным опытом, который ассоциативно связывает огромный размер с ожидаемой тяжестью объекта.
Для создания ощущения лёгкости в композиции характерно:
Для лёгкого композиционный центр лучше проектировать чуть выше геометрического центра листа чтобы связать самое главное в композиции с чем-то парящим, возвышенным. Даже формат скорее всего следует выбирать вертикальный. В частных случаях, связанных со статикой или устойчивостью, точки опоры будут нужны, но для большего выражения лёгких конструкций они должны быть точечные (не сплошные), визуально тонкие опоры, вне зависимости от площади опоры. Однако могут встречаться различные художественные задачи, динамического характера. Тогда стоит ограничится лишь выражением идеи с помощью масштаба и светлого тона. Ярко выраженную структуру композиции выделять здесь бессмысленно, однако интересно усиливать ощущение лёгкости обилием «воздуха» между объектами в изображении. Вместе с тем отличным художественным приёмом для подчёркивания лёгкости станет так называемое «рисование насквозь» или «сквозь предмет», создавая впечатление прозрачности изображенных объектов. Также хорошо изображать объекты полыми, ассоциативно облегчая их массу. Для выявления ощущения лёгкости по аналогии с жизненными реалиями подходят светлые тона, по аналогии с пухом, снегом, паром и т.д. А так-как из курса цветоведения известно, что к каждому цвету можно подобрать соответствующий по силе тон, то естественно лёгкое связано со светлыми оттенками цветов: желтые, розовые, оранжевые, голубые, светло-зеленые. Основное средство выразительности – масштаб. Это связано опять же с жизненным опытом, который ассоциативно связывает маленький размер с заведомо известной лёгкостью объекта.
Рис. 4. Примеры изображения массивного и лёгкого в геометрической абстрактной композиции. а) Беляева Е., б) Лазарева В., в) Юлдашева Е.
Для создания ощущения устойчивости и неустойчивости в композиции важно:
Эти две темы неразрывно связаны с человеческим представлением о плоскости земли, пола, подиума, опоры. Конечно не обязательно эти плоскости должны быть нарисованы, но они могут подразумеваться и подчёркиваться концентрацией линий. Устойчивое будет отличаться от статики лишь ощущением того, что статичное простоит века, а устойчивость явление мимолётное. Если статику, как мы понимаем, порушить сложно, то устойчивое разрушается при небольшом усилии. Чтобы безапелляционно присутствовало ощущение устойчивости в графической конструкции площадь опоры (в том числе и суммарная нескольких объектов) может быть и не большой, однако суммарная проекция композиционного центра всей конструкции на плоскость предполагаемого «пола» должна попадать в площадь опоры. Наоборот, если проекция центра тяжести выходит за площадь опоры, то возникает ощущение развала, падения, разрушения. Формат при этом рекомендуем выбирать вертикальный. К омпозиционный центр располагать выше геометрического.
Рис. 5. Примеры изображения устойчивого и неустойчивого в абстрактной геометрической композиции. а) Лазарева В., б) Юлдашева Е.
Для выражения вкусовых ощущений кислого для композиции важно:
На взгляд автора для выражения вкусовых ощущений огромную роль играет цвет. С кислым из жизни ассоциативно связываются яркие цвета лимона, лайма, ананаса, грейпфрута и др. Поэтому нам подходят все холодноватые оттенки желтого, зеленого, изумрудный, голубой, синий, фиолетовый. Естественно, перечисленных цветов может не хватать для задумки автора-композитора. В то же время не следует обеднять свою композицию перечисленными цветами. Следует запомнить только одно правило – 75% процентов холодных кислых цветов и 25% иных. Следует чётко понимать, чем больше вы вносите в композицию элементов из противоположных ощущений, тем больше у вас появляется посторонних ассоциаций, что противоречит принципам цельности композиции, когда каждый элемент должен работать на выражение генеральной идеи автора. Формообразование в композиции происходит опять же за счет образов реальной жизни. В спомните свои ощущения от поедания лимона. Ротовую полость словно режет, колет, щиплет, поэтому и формы в композиции следует использовать колкие, игольчатые, острые, ершистые.
Для выражения вкусовых ощущений сладкого для композиции важно:
Ассоциативно из жизни со сладким связаны тёплые оттенки жёлтого, зелёного, вместе с тем оранжевый, красный, коричневый. По поводу иных цветов действует точно такое же правило: 75% процентов ассоциирующихся со сладким вкусом и 25% иных цветов. Для образования формы объектов в композиции вспомните свои ощущения от поедания сладкого, вплоть до приторно-сладкого. Сразу на ум приходят мягкие лекальные кривые, тягучие, каплеобразные формы, могут возникать ассоциации с выдавливающимися джемами, со стекающими кремовыми прослойками между многослойными коржами. Просто надо начать анализировать и преобразовывать собственные воспоминания в отвлеченные от предметов линии и цвета.
Рис. 6. Примеры выражения в абстрактной лирической композиции кислых и сладких ощущений а) в черно-белой графике, б) в цвете. Иконникова Е.
Как выразить радость и грусть в композиции
Грусть в рисунке — это темные, густые ахроматические или стремящиеся к ахроматическим краски, некая обезличенность или скука выраженная однообразными формами и одинаковыми расстояниями между ними, вертикальные ритмы, лекальные кривые, создание эффекта «дымки», туманности специальными приёмами, например пуантелью. Радость – это динамичная композиция, ассиметричная, ритмы постоянно меняются, как и масштабы. Все элементы выполняют свою работу: средние формы по отношению к формату, как правило, несут основную смысловую нагрузку и создают основное действие, у крупных элементов в композиции есть свойство объединять средние в систему, соподчинять разрозненные элементы, мелкие являются «изюмом» каждой композиции. Продуманными пластическими фразами они украшают композицию, подобно маленьким украшением в гардеробе. Опять же вспоминайте атрибуты праздника и компонуйте линии точки похожие на фейерверк, дождик, конфетти, ленты, хлопки, вспышки и т.д. Цвета соответственно должны быть открытые яркие.
Рис. 7. Примеры изображения в абстрактной композиции а) тактильных, б) тактильных, в) слуховых и иных ощущений. Иконникова Е.
Мы проделали огромную работу, которую практически невозможно сделать отлично в связи с индивидуальным восприятием. Мы не касались культурологических, религиозных и социальных ассоциаций людей, только физических и физиологических – общих, пожалуй, для всего населения земного шара. Здесь важнее было даже представить метод рассуждений, который в дальнейшем можно применять к таким задачам, как выразить тепло и холод, звонкость и глухость, агрессию или миролюбие, возбуждение и спокойствие и т. д. В статье затронуты важные моменты композиционных знаний, т. к. в обучении профессиям архитектурно-художественного цикла задания на выражение ощущений в абстракции есть, но факта наличия чёткой опорной теории автор не знает. Поэтому была произведена попытка дать базис из личных наработок автора для индивидуальных размышлений, для поиска авторских приёмов начинающих художников. Обратим внимание читателя на то, что в статье приведены базовые принципы, которые наверняка понятны профессионалам со стажем и аналитическим мышлением. А так как один из принципов композиции новизна (не в том смысле, что любая авторская разработка, которая ранее не существовала сама по себе новая, а в том смысле, что она композиция должна кардинально выделяться индивидуальными находками из однообразной массы), то к этому базису каждому автору необходимо искать свои индивидуальные наработки. Осталось сказать, что представленная авторская концепция не истина в последней инстанции, учитесь на собственном опыте, анализируйте, синтезируйте. Прислушиваться к внутреннему голосу, как ни странно, очень важно, как важно и анализировать данный себе же ответ и пытаться понять, как исправить то, что не нравится, или как не испортить то, что нравится. Так приёмы и находки связанные с положительным ответом с годами слежаться в огромный профессиональный багаж, который также очиститься и от неудачных проб, связанных с отрицательными личными переживаниями и отзывами педагогов.
А.С. Чувашов
Список литературы:
1. Крючкова В. А. Абстракционизм // Большая российская энциклопедия / С. Л. Кравец. Москва: Большая Российская энциклопедия, 2005. Т. 1. С. 42-43. 768 с.
2. Саруханян А. П. К соотношению понятий «модернизм» и «авангардизм» // Авангард в культуре ХХ века (1900-1930 гг.): Теория. История. Поэтика: В 2 кн. / Под ред. Ю. Н. Гирина. - М.: ИМЛИ РАН, 2010. - Т. 1. - С. 23.
(от лат. abstractiо - отвлечение), беспредметное искусство, одно из самых влиятельных художественных направлений 20 в., возникшее в нач. 1910-х гг. В основе творческого метода абстракционизма - полный отказ от «жизнеподобия», изображения форм реальной действительности.
Абстрактная картина строится на соотношениях цветных пятен, линий, штрихов; скульптура - на комбинациях объемных и плоских геометризованных форм. При помощи отвлеченных построений художники хотели выразить внутренние закономерности и интуитивно постигаемые сущности мира, Вселенной, скрытые за видимыми формами.
Малевич Казимир. Супрематизм
Геометрические элементы, написанные основными цветами, как будто плавают, подвешенные на холсте. Малевич создал сложную композицию из перекрывающих друг друга форм, чтобы передать ощущение глубины и перспективы. Супрематическая работа изгоняет всякий след предмета, опираясь исключительно на взаимодействие формы и цвета. Малевич был основателем супрематизма - системы, которая стремилась достичь абсолютной чистоты этих двух начал. Для Малевича супрематизм означал воплощение чистого художественного чувства, того, что он называл "чувством беспредметного". В 1918 году он довел развитие нефигуративного искусства до логического вывода в серии композиций "Белое на белом", состоящих из белых геометрических форм на белом фоне - своего рода абстракция абстракций. Осознав, что дальше развивать концепцию некуда, Малевич вернулся к фигуративной живописи.
К. С. Малевич. «Супрематизм». 1915 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва
Малевич "Динамический супрематизм "
К.С. Малевич. Супрематизм (Supremus № 56). 1916. Х., м. 80,5х71. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург
Датой рождения абстракционизма считают 1910 г., когда В. В. Кандинский выставил в Мюнхене первое в истории искусства абстрактное произведение (акварель) и написал трактат «О духовном в искусстве», в котором обосновывал свой творческий метод открытиями науки.
Василий Кандинский. Казаки
В этой полуабстрактной, необъяснимо притягательной композиции очертания холмов и фигуры казаков с саблями включаются в движение отвлеченных форм, линий и цветовых пятен. Есть особая красота в простоте ее построения и удивительная раскованность в манере наложения мазка. Кандинский считал, что подлинный художник стремится к выражению исключительно внутреннего, сущностного видения. Получив первоначально юридическое образование, Кандинский вскоре осознал, что его настоящее призвание - искусство, и стал одним из выдающихся первооткрывателей "чистой" абстрактной живописи. После длительного пребывания в Мюнхене он вернулся в Россию, где в 1914-1922 годах занимался педагогической деятельностью, основал Российскую академию художественных наук. Влияние русской культуры сказалось в его обращениях к иконописи, к мотивам народного творчества. Некоторое время он преподавал в Баухаузе, прославленной школе современного дизайна. Кандинский осознал значение абстрактного искусства, когда обнаружил в нем "необычайную красоту, излучающую внутренний свет", еще не поняв, что то был свет его собственного творчества, увиденного изнутри, в обратной перспективе. В.Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и "диких”.
Кандинский "Композиция №8"
Вскоре абстракционизм становится мощным движением, в рамках которого возникают различные направления: лирическая абстракция (картины Кандинского и мастеров объединения «Синий всадник» с их текучими, «музыкальными» формами и эмоциональной выразительностью цвета) и геометрическая абстракция (К. С. Малевич , П. Мондриан , отчасти Р. Делоне, композиции которых построены на сочетаниях элементарных геометрических фигур: квадратов, прямоугольников, крестов, кругов). Объединение «Синий всадник» было основано в декабре 1911 года в Мюнхене Василием Кандинским и Францем Марком. Основной целью было освобождение от окаменелых традиций академической живописи. Помимо них в группе также были Август Маке, Марианна Веревкина, Алексей Явленский и Пауль Клее. В работе этой художественной группы участвовали также танцоры и композиторы. Их объединял интерес к средневековому и примитивному искусству и движениям того времени - фовизму и кубизму.
Август Маке и Франц Марк придерживались мнения, что у каждого человека есть внутреннее и внешнее восприятие действительности, которые следует объединить посредством искусства. Эта идея была обоснована теоретически Кандинским. Группа стремилась достичь равноправия всех форм искусства.
Главной идеей объединения стал отказ от всякой предметности в искусстве. Кандинский писал: «Искусство ничего "не должно”, потому что оно вечно, свободно. От "должно” искусство убегает, как день от ночи»2. Теперь мысли художника выражались через изображение не внеш него вида предметов, а их внутреннего содержания. Основной целью своего искусства участники «Синего всадника» считали передачу зрителям того нервного напряжения, которое они сами испытывали.
Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении "Филеб” тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных "неправильных” форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.
Мондриан Пит. Композиция
В этой геометрической композиции черная решетка энергично рассекает фон; отдельные ее ячейки заполнены яркими основными цветами. Мондриан выработал стилевую систему, исключавшую трехмерное пространство и криволинейные очертания. Художник выстраивал свои картины из простейших элементов - прямых линий и основных цветов, которые он передвигал по поверхности полотна, пока не достигал полной композиционной уравновешенности. Его целью было создать строгое, объективное искусство, законы которого отражают строение универсума. Чистые линии и цвета свидетельствуют о принадлежности этой картины направлению "Стиля", ведущим представителем которого был Мондриан. Покинув родную Голландию в 1938 году, он отправился в Лондон, где вскоре его мастерская была разрушена бомбовыми ударами. Через два года Мондриан переехал в Нью-Йорк. Здесь его композиции стали более пестрыми, отражающими беспокойные ритмы жизни в стране Бродвея и буги-вуги.
Делоне Робер. Дань уважения Блерио
В этой композиции, которая на первый взгляд кажется абстрактной, закрученные спирали и вращающиеся цветовые диски образуют некий лирический узор на поверхности листа бумаги. При более пристальном рассмотрении мы замечаем Эйфелеву башню справа, а также крылья и пропеллер аэроплана слева. Эти элементы, в сочетании с плывущими по небу формами, призваны прославить первый перелет через Ла-Манш, предпринятый Луи Блерио в 1909 году. Художники часто прибегали к бумаге, чтобы набросать свои идеи и разработать композицию. Эта акварель является предварительным эскизом большою коллажа того же названия, который находится в Художественном музее в Базеле. Делоне использовал цвет для создания чисто абстрактных картин: формы и образы в них порождались воображением и не имели никакого отношения к видимому миру. Этот стиль живописи, тесно связанный с музыкой, был назван орфизмом - термин, придуманный поэтом Гийомом Аполлинером.
Программным произведением Малевича стал его знаменитый «Черный квадрат» (1915). Свой метод художник назвал супрематизмом (от лат. supremus - наивысший). Стремление оторваться от земной реальности привело его к увлечению космосом (Малевич был одним из авторов знаменитого спектакля «Победа над солнцем»). Свои абстрактные композиции художник называл «планитами» и «архитектонами», символизирующими «идею всемирного динамизма».
Ф. Марк. «Сражающиеся формы». 1914 г. Новая Пинакотека. Мюнхен
В нач. 20 в. абстракционизм распространился во многих странах Запада. В 1912 г. в Голландии рождается неопластицизм. Создатель неопластицизма П. Мондриан вместе с Т. ван Дусбургом основал группу «Де Стейл» (1917) и журнал под тем же названием (выходил до 1922 г.).
Ван Дусбург Тео. Арифметическая композиция
Ощущение движения и перспективы создается чередой пронзительно черных квадратов на белом фоне. В действительности художник использовал простой математический расчет - стороны каждого квадрата и расстояния между ними равны половине измерений предыдущего квадрата. Художник создал совершенную в своей изысканности метафору пространства. Использование законов, заимствованных из точных наук, отвечало его особенному тяготению к архитектуре. Сильное впечатление на Ван Дусбурга оказали работы художника Пита Мондриана, вместе с которым в 1917 году он создал журнал "Стиль" ("De Stijl"), знакомивший с идеями и произведениями мастеров одноименного творческого объединения. В числе формальных приемов живописи группы "Стиль" - локальное заполнение геометрических фигур, размещенных на нейтральной плоскости, чистыми цветами, которые составляют основу спектра. Концепция "Стиля" была подробно разработана и описана Ван Дусбургом в многочисленных статьях и лекциях, а стилистические приемы этого искусства нашли широкое применение в архитектуре XX века.
«Человеческое начало» из их искусства было пол ностью изгнано. Участники группы «Де Стейл» создавали полотна, где расчерченные сеткой линий поверхности образовывали прямоугольные ячейки, заполнявшиеся чистыми однородными цветами, что, по мнению Мондриана, выражало идею чистой пластической красоты. Он хотел создать живопись, «лишенную индивидуальности» и, в силу этого, обладающую «мировым значением».
В 1918-20 гг. в России возник основанный на идеях супрематизма конструктивизм , объединивший архитекторов (К. С. Мельников , А. А. Веснин и др.), скульпторов (В. Е. Татлин , Н. Габо, А. Певзнер), графиков (Эль Лисицкий , А. М. Родченко ).
Владимир Татлин. Памятник III Интернационала
Созданная в период политического энтузиазма, эта наклонная спираль по проекту должна была быть вдвое выше нью-йоркского небоскреба Эмпайр Стейт Билдинг и иметь попеременно вращающиеся центральные секции. Пространство разграничено на отдельные отсеки, формально соотносящиеся друг с другом, как части в математическом уравнении. Татлин был основателем конструктивизма - направления в русском авангарде, которое выросло из художественных экспериментов с абстракцией, но позднее обратилось к утилитарным задачам. Он был сторонником идеи «художника-инженера» и видел главную роль искусства в удовлетворении социальных нужд. Татлин создал также серию подвесных рельефных конструкций, используя исключительно геометрические формы и применяя самые разнообразные материалы, такие как дерево, металл, стекло, проволока. Шедевр Татлина, символ конструктивистских идеалов, объединивший скульптуру и архитектуру. Памятник III Интернационала никогда не был построен. Репродукция сделана с современной реплики оригинальной модели.
Габо Наум. Линейная конструкция в пространстве № 2
Нейлоновая струна намотана вокруг двух пересекающихся листов изогнутого плексигласа для создания сложной трехмерной модели из вогнутых и выпуклых складок. Эти части, перетекая друг в друга, создают иллюзию ее бесконечного вращения вокруг своей оси, парение в абсолютном пространстве, где время замерло. Произведение было задумано как часть трехметровой, так и не осуществленной конструкции, заказанной Габо в 1949 голу для здания Эссо в Нью-Йорке. Габо принадлежал к движению конструктивизма и воспринимал форму как метафору пространства. В 1922 году он покинул родную Россию, жил в Берлине и Париже, а впоследствии стал гражданином США. В 1952 году он создал огромную скульптурную композицию для торгового центра в Роттердаме, где проявился также его архитектурный талант.
Лисицкий Эль. Композиция
Вращающиеся геометрические объекты, написанные нежными цветами, словно плавают в воздухе, создавая этим ощущение глубины и иллюзию пространства. Некоторые из форм даны в трех измерениях, и этот намек на архитектурные объемы развит в более поздних произведениях Лисицкого. В этой работе в концентрации чистой формы и цвета проявляется влияние того направления абстрактного искусства, которое изобрел Казимир Малевич, - супрематизма, базирующегося на чистых геометрических фигурах. Лисицкий получил инженерное и архитектурное образование. Марк Шагал пригласил его преподавать архитектуру и графику в художественную школу в Витебске; здесь он попал под влияние Малевича. Хорошо известны серии "Проунов" Лисицкого - циклы абстрактных работ, созданных прямыми линиями. Эти работы отличаются эффектными качествами и всеобъемлющей плоскостностью, без единого намека на глубину. Творчество Лисицкого было многосторонним: он занимался также плакатом, дизайном костюма, оформлением выставок и книг.
Родченко Александр. Композиция (Побеждающее красное)
Треугольные формы, балансирующие на фоне окружностей, создают трехмерную иллюзию. которую усиливает затенение левой диагонали треугольников. Плоские формы отделены друг от друга цветом. Состоящая из строго геометрических конструкций, начертанных с помощью циркуля и линейки, картина отражает стремление художника создавать элементарные формы чистыми первичными цветами. В том же году, что и это произведение, Родченко выставил свою знаменитую работу Черное на черном - ответ на серию Малевича Белое на белом. Желание Родченко свести живопись к ее абстрактным, геометрическим сущностям вовлекло его в движение конструктивистов. Позднее вместе с другими членами группы он оставил станковую живопись ради дизайна и прикладных искусств. Особенно активно он работал в области индустриального дизайна, оформления книг и фотографии, часто используя в последней необычные перспективы и углы зрения.
Суть направления изложил Веснин: «Вещи, создаваемые современными художниками, должны быть чистыми конструкциями без балласта изобразительности». Важную роль в развитии конструктивизма сыграл «Баухауз» - художественное объединение, основанное в 1919 г. в Германии архитектором В. Гропиусом (П. Клее; В. В. Кандинский, Эль Лисицкий и др.).
Клее Пауль. Сенекио
Упрощенное изображение человеческого лица разделено на цветные четырехугольники. Плоские квадратные формы вписаны в круг, представляющий лицо-маску, и напоминают многоцветный костюм арлекина. Будучи портретом комедианта Сенекио, картина может быть истолкована также как символ меняющихся взаимоотношений искусства, иллюзии и театра. Картина демонстрирует принципы живописи Клее, в которой линии рисунка, плоскости цвета и пространство приводятся в движение энергией интеллекта художника. Этими черточками и закорючками, навеянными его воображением, Клее, выражаясь его собственным языком, "приглашает линию на прогулку". С 1921 по 1931 год Клее был одним из самых блестящих преподавателей в школе дизайна в Баухаузе и опубликовал множество сочинений по теории искусства. Два года спустя нацисты выслали его из Германии, а более ста произведений Клее были изъяты из немецких музеев как "дегенеративные".
В 1930 г. французский критик М. Сейфор создал в Париже группу «Круг и квадрат». В 1931 г. в Париже возникло объединение «Абстракция - творчество», основанное эмигрантами из России Н. Габо и А. Певзнером. Особенно радикальным направлением был ташизм (от франц. tache - пятно). Ташисты (П. Сулаж, Х. Хартунг, Ж. Матье и др.) обходились без кистей. Они выплескивали, разбрызгивали краски на холст, затем размазывая или растаптывая их. К краскам они примешивали сажу, деготь, уголь, песок, битое стекло, полагая, что цвет грязи не менее прекрасен, чем цвет неба.
Пьер Сулаж. Живопись 16
Черные мазки, энергично проложенные широкой кистью, смыкаются в плотные рельефные формы. Глухие черные массы, высвеченные короткими проблесками белого, придают живописи спокойную монументальность. Неповторимое своеобразие картины определяется скульптурностью ясно расчлененных форм и мастерской передачей световых эффектов. Напряженный размах свободного мазка, созидающего мощную абстрактную композицию, - типичная особенность направления Art Informel. Родившись на юго-западе Франции. Сулаж в 1946 году переехал в Париж, где приступил к работе над абстрактными картинами, наполненными реминисценциями о доисторических дольменах и романской пластике его родной Оверни. Многие композиции Сулажа строятся на решетчатых пересечениях широких полос, в которых черный цвет на ярком фоне блестит и переливается, как в хорошо выделанной коже. В последних его картинах борозды краски образуют рельефную поверхность.
Хартунг Ханс. Т 1956/7
На мягком и бледном фоне изображены резкие и драматичные черные линии, перекрещивающиеся и связанные в пучок. Этот экспрессивный каллиграфический образ, созданный Хартунгом, являет собой пример непосредственного искусства, известного как "неформальное". Его суть заключается в том, что Хартунг начинает работу у чистого холста, еще не имея концепции законченного произведения. Родившийся в Германии, Хартунг в 1955 году обосновался в Париже и впоследствии принял французское гражданство. Он стал одним из самых знаменитых французских абстракционистов. Его изящные и характерные работы, которые, как правило, включают в себя каллиграфию, как в китайском искусстве, обычно не имеют названия и различаются только по номерам. В начале войны Хартунг поступил во французский Иностранный легион.
С началом Второй мировой войны центр абстракционизма переместился в США (Дж. Поллок, А. Горки, В. Кунинг, Фр. Клейн, М. Тоби, М. Ротко). В 1960-е гг. начался новый подъем абстракционизма. Это направление в искусстве и сегодня остается актуальным, однако уже не занимает главенствующих позиций, как в нач. 20 в.
Джексон Поллок. Номер 1А, 1948
Неистовая манера Поллока расплескивать и размазывать краску по холсту сильными стремительными ударами проявилась в этом полотне с поразительной очевидностью. Используя нож и шпатель, художник вдавливал краски и разносил их по холсту, растянутому по стене или просто по полу. Он ходил вокруг полотна и сам становился как бы частью живописи. Глубоко оригинальная техника Поллока получила название живописи действия. Такие радикальные новшества, как отказ от установки холста на мольберте и отсутствие традиционной перспективы, стали важной вехой в международном послевоенном искусстве. С живописью абстрактного экспрессионизма Поллока связывает энергия и свобода выражения. Манера Поллока не так спонтанна, как может показаться на первый взгляд. Художник говорил: «Я хочу выразить свои чувства, а не рассказать о них... Я могу контролировать растекание краски: в нем нет случайности, так же как нет ни начала, ни конца.» Поллок погиб в 1956 году в автомобильной катастрофе.
Аршил Горки. Водопад
В основе этой, на первый взгляд, абстрактной картины - изображение небольшого водопада в лесу. Она вызывает яркое представление о потоке воды, льющейся через камни, окруженной свисающими ветвями деревьев и растительностью. Вибрирующие краски рождают впечатление безмятежно яркого солнечного света и звука падающей воды. Красота полотна заключена в умении художника передать ощущение душевного покоя через образы леса и воды. Картину наполняют магические, подобные сновидению, мотивы, характерные для движения сюрреализма, к которому художник был близок в это время, в ней также чувствуется влияние спонтанной манеры абстрактного экспрессионизма. Родившийся в Армении Горки эмигрировал в США в 1920 году. Один из критиков отозвался о нем как о художнике в изгнании, для которого искусство стало родиной. Горки часто обращался в картинах к образам своей родины. После многих лет нищеты он добился недолгого признания, но повесился, пережив тяжелую психологическую травму.
Де Кунинг Виллем. Мэрилин Монро
Самая суть поразительной, головокружительной красоты голливудской звезды - красоты выставленной напоказ - схвачена в этой картине. Краска наложена размашистыми сильными ударами, слой за слоем создавая образ. Эта картина из серии "Женщины" относится к одному из не-абстрактных, фигуративных периодов творчества Де Кунинга. Мэрилин Монро, подобно другим секс-символам, выглядит скорее как объект, чем как личность. Художник уподобляет свою героиню манекену в витрине, начисто лишая ее эротической привлекательности. Де Кунинг был связан с нью-йоркской группой абстрактных экспрессионистов. Эти художники придавали большое значение спонтанной живописи - самому жесту, которым краска выплескивается на поверхность холста. Однако, в отличие от большинства других членов группы, Де Кунинг не ограничивал себя чистой абстракцией: его излюбленным сюжетом была человеческая фигура, в частности, женская. В своем творческом развитии он прошел разные этапы, а в 1970-е годы обратился к фигуративной скульптуре.
Марк Тоби. Белое странствие
Хаотическое кишение мельчайших абстрактных значков, черточек заполняет поверхность бумаги. Дрожащий ритм паутинообразных переплетений - характерная особенность манеры Тоби. Изощренное мастерство стремительной скорописи принесло ему широкую популярность в среде коллекционеров. Эта композиция близка живописи абстрактного экспрессионизма, особенно - Джексона Поллока, однако очевидно, что Тоби шел самостоятельным, параллельным путем. На него большое влияние оказала дальневосточная культура, китайская каллиграфия; одним из первых среди американских интеллектуалов он увлекся дзэн-буддизмом. В 1950-х годах Тоби получил международную известность как один из самых передовых американских художников. Его неизменно высокая репутация в Европе поддерживалась преуспевающим и влиятельным швейцарским дилером Эрнстом Бейслером.
Ротко Марк. Без названия
Прямоугольные массы насыщенного цвета как будто плавают в пространстве картины. Их размытые контуры создают вибрацию, исполненную таинственной магической силы. Неземной свет пронизывает полотно, растворяя своим внутренним сиянием напряжение форм и контрасты цвета. Сдержанные и одновременно полные скрытого смысла, произведения Ротко заключают в себе некую истину, плоды долгих и трудных раздумий. Уроженец России, Ротко вместе со своими родителями эмигрировал в США в 1913 году. Художник-самоучка, он писал, в основном, картины большого размера. Он стремился сделать зрителя соучастником переживания абсолютного цвета. Он говорил: «Я пишу большие картины потому, что хочу достигнуть близости. Большая картина - это мгновенная связь; она захватывает вас целиком.» Ротко был ведущим представителем абстрактного экспрессионизма. Его бесформенные композиции воскрешают самый дух этого движения, которое пыталось проникнуть в недостижимые тайны человеческой души.
Абстрактное искусство получило своё название от латинского — Abstrac-tus, что и означает абстрактный, то есть беспредметный. Это одно из направлений искусства, которое сознательно отрекается от изображения настоящего мира и предметов из реального мира. Основным каноном абстрактности является выражение чувств, эмоций, переживаний при помощи образов, символов, чувственным сочетанием цветов. Абстрактное искусство - это не отдельный стиль или жанр, а скорее совокупность различных течений в искусстве, таких, как Оп-арт, Экспрессионизм и другие. Возникло оно как официальное, предположительно, в 1910 году во Франции, где энергично развивалось, пока не завоевало весь мир. Так же, стоит сказать, что оно применимо не только к живописи, но и к скульптуре, дизайну и даже архитектуре. После Второй Мировой Войны этот стиль искусства развивался под названием Ташизм, так что, кто не знает, Ташизм и Абстрактное искусство есть слова синонимы. В России развитию Абстрактного искусства всячески мешали и, даже, во времена коммунистической власти, преследовали любые её проявления, как несоответствующие коммунистической идеологии.
Если вам требуется уход за вашей квартирой, либо офисом, то d-clean.ru предоставит все услуги. Уборка, химчистка, мытьё окон и оконных рам избавит вас от бытовых забот и возьмёт за свою работу ниже, чем обычная домработница.
Абстрактный экспрессионизм
Абстрактный экспрессионизм, как Нью-Йоркская школа сложился в Америке. Во Время ВОВ почти все художники авангарда эмигрировали в Америку, включая Андрэ Бретона, Сальвадора Дали и многих других. Уже там, объединив свои усилия, создаётся та называемая, школа абстрактного экспрессионизма. Такой вид живописи характеризуется быстрым изображением , с использованием больших кистей, часто это производится мазками либо каплями, всё это производится для одного - что бы передать какую-то эмоцию или сильную экспрессию. В основном абстрактный экспрессионизм рисуется на больших, монументальных полотнах. Такой солидный размах, а некоторые холсты достигали пяти метров в длину, возбуждает фантазию зрителя. Многие художники видели этот вид искусства по своему, у каждого был свой стиль. Например, Горки добавлял в свои картины некоторые плавающие фигуры или, как их называли, гибриды. Джексон Поллок просто расстилал холст на полу и брызгал на него краской. Впоследствии такой стиль назвали Дриппинг (капающий). Марк Ротко закрашивал свои полотна большими цветными плоскостями, оставляя между ними не закрашенные участки, что вызывало интерес у зрителя и пробуждало фантазию. Фрэнк Стелла экспериментировал с самими холстами, срезая у них углы или превращая их в многоугольники. Тем самым Абстрактные экспрессионисты добились полной противоположности своего искусства и искусства традиционной живописи.
Абстракционизм в искусстве
Абстракционизм или беспредметное искусство. Одно из форм авангарда, которое возникло в первой половине 20 века. Основным критерием Абстракционизма было отречение и отказ от изображения реального мира, реальных вещей и событий. Основоположниками этого интересного течения были В. Кандинский , П. Мондриан и К. Малевич. Появление абстракционизма в искусстве, которая придёт на замену обычному реализму, было предсказано ещё Платоном, и появилась как некая закономерность приевшейся обычной живописи и другого авангарда (сюрреализм, дадаизм). Так и произошло. Этот жанр часто выделяется сильной импульсивностью, как будто случайными цветовыми сочетаниями.
Абстракционизм (лат. abstractio – удаление, отвлечение) или нефигуративное искусство – направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.
История
Абстракционизм (искусство под знаком «нуля форм», беспредметное искусство) – художественное направление, сформировавшееся в искусстве первой половины 20 века, полностью отказавшееся от воспроизведения форм реального видимого мира. Основоположниками абстракционизма принято считать В. Кандинского, П. Мондриана и К. Малевича.
В. Кандинский создал собственный тип абстрактной живописи, освобождая от всяких признаков предметности пятна импрессионистов и «диких». Пит Мондриан пришел к своей беспредметности через геометрическую стилизацию природы, начатую Сезанном и кубистами. Модернистские течения 20 века, ориентированные на абстракционизм, полностью отходят от традиционных принципов, отрицая реализм, но при этом остаются в рамках искусства. История искусства с появлением абстракционизма пережила революцию. Но эта революция возникла не случайно, а вполне закономерно, и была предсказана еще Платоном! В своем позднем произведении «Филеб» тот писал о красоте самих по себе линий, поверхности и пространственных форм, независимых от всякого подражания видимым предметам, от всякого мимезиса. Такого рода геометрическая красота в отличие от красоты природных «неправильных» форм, по мнению Платона, имеет не относительный, а безусловный, абсолютный характер.
20 век и современность
После 1-й мировой войны 1914-18 годах тенденции абстрактного искусства зачастую проявлялись в отдельных произведениях представителей дадаизма и сюрреализма; вместе с тем определилось стремление найти применение неизобразительным формам в архитектуре, декороративном искусстве, дизайне (эксперименты группы Стиль» и «Баухауза»). Несколько групп абстрактного искусства («Конкретное искусство», 1930; «Круг и квадрат», 1930; «Абстракция и творчество», 1931), объединивших художников различных национальностей и направлений, возникло в начале 30-х гг., главным образом во Франции. Однако широкого распространения абстрактное искусство в то время не получило, и к середине 30-х гг. группы распались. В годы 2-й мировой войны 1939–45 в США возникла школа так называемого абстрактного экспрессионизма (живописцы Дж. Поллок, М. Тоби и др.), развивавшегося после войны во многих странах (под названием ташизма или «бесформенного искусства») и провозгласившего своим методом «чистый психический автоматизм» и субъективную подсознательную импульсивность творчества, культ неожиданных цветовых и фактурных сочетаний.
Во второй половине 50-х годов в США зародилось искусство инсталляции, поп-арта, несколько позднее прославившее Энди Уорхола с его бесконечным тиражированием портретов Мэрилин Монро и банок собачьего корма – коллажный абстракционизм. В изобразительном искусстве 60-х стала популярна наименее агрессивная, статичная форма абстракции – минимализм. Тогда же Барнет Ньюмен , основоположник американского геометрического абстракционизма вместе с А.Либерманом, А.Хельдом и К.Ноландом успешно занимались дальнейшим развитием идей голландского неопластицизма и русского супрематизма.
Еще одно течение американской живописи получило название «хроматического» или «постживописного» абстракционизма. Представители его в какой-то мере отталкивалось от фовизма и постимпрессионизма. Жесткий стиль, подчеркнуто резкие очертания работ Э.Келли, Дж.Юнгермана, Ф.Стеллы постепенно уступали место живописи созерцательного меланхолического склада. В 70-е – 80- е годы американская живопись вернулась к фигуративности. Более того, широчайшее распространение получило такое крайнее ее проявление, как фотореализм. Большинство искусствоведов сходятся на том, что 70-е – это момент истины для американского искусства, поскольку в этот период оно наконец-то освободилось от европейского влияния и стало чисто американским. Впрочем, несмотря на возвращение традиционных форм и жанров, от портрета до исторической живописи, не исчез и абстракционизм.
Картины, произведения «неизобразительного» искусства создавались по прежнему, так как возвращением к реализму в США был преодолен не абстракционизм как таковой, но его канонизация, запрет на фигуративное искусство, которое отождествлялось прежде всего с нашим соцреализмом, а значит, не могло не считаться одиозным в «свободном демократическом» обществе, запрет на «низкие» жанры, на социальные функции искусства. При этом стилистика абстрактной живописи приобрела некую мягкость, которой ей не доставало прежде, – обтекаемость объемов, размытость контуров, богатство полутонов, тонкие цветовые решения (Е.Мюррей, Г.Стефан, Л.Риверс, М.Морли, Л.Чезе, А.Бялоброд ).
Все эти тенденции заложили основу для развития современного абстракционизма. В творчестве не может быть ничего застывшего, окончательного, так как это было бы смертью для него. Но какими бы путями ни шел абстракционизм, каким бы ни подвергался трансформациям, сущность его всегда остается неизменной. Она в том, что абстракционизм в изобразительном искусстве – это наиболее доступный и благородный способ запечатлеть личное бытие, причем в форме, самой, что ни на есть адекватной – подобно факсимильному оттиску. Вместе с тем, абстракционизм – это прямая реализация свободы.
Направления
В абстракционизме можно выделить два четких направления: геометрическая абстракция, основанная преимущественно на четко очерченных конфигурациях (Малевич, Мондриан), и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский). Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений.
Кубизм
Авангардистское направление в изобразительном искусстве, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто условных форм геометричной формы, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Районизм (Лучизм)
Направление в абстрактном искусстве 1910-х г.г., основанное на cмещении световых спектров и светопередачи. Характерна идея возникновения форм из «пересечения отраженных лучей различных предметов», так как человеком в действительности воспринимается не сам предмет, а «сумма лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета».
Неопластицизм
Обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917–1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра.
Орфизм
Направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения и музыкальность ритмов с помощью «закономерностей» взаимопроникновения основных цветов спектра и взаимопересечения криволинейных поверхностей.
Супрематизм
Направление в авангардистском искусстве, основанное в 1910-х гг. Малевичем. Выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний. Сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.
Ташизм
Течение в западноевропейском абстракционизме 1950–60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.
Абстрактный экспрессионизм
Движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование.
Абстракионизм в интерьере
В последнее время абстракционизм начал переходить с полотен художников в уютный интерьер дома, выгодно обновляя его. Минималистический стиль с использованием четких форм, порой достаточно необычных, делает помещение необычным и интересным. Но переборщить с цветом очень просто. Рассмотрим сочетание оранжевого цвета в такой стилистике интерьера.
Белый лучше всего разбавляет насыщенный оранжевый, и как бы остужает его. Цвет апельсина заставляет комнату стать жарче, поэтому немного; не помешает. Акцент должен быть на мебели или оформлении ее, например, оранжевое покрывало. В таком случае белые стены заглушат яркость цвета, но оставят комнату красочной. Прекрасным дополнением в таком случае послужат картины той же гаммы — главное не переборщить, иначе будут проблемы со сном.
Сочетание оранжевого и голубого цветов пагубно для любой комнаты, если это не касается детской. Если подобрать не яркие оттенки, то они будут удачно гармонировать друг с другом, добавят настроения, и не будут пагубно влиять даже на гиперактивных детей.
Оранжевый отлично сочетается с зеленым, создавая эффект мандаринового дерева и шоколадным оттенком. Коричневый — цвет, который варьируется от теплого к холодному, поэтому идеально нормализует общую температуру комнаты. Кроме того, такое сочетание цветов подойдет для кухни и гостиной, где нужно создать атмосферу, но не перегрузить интерьер. Оформив стены в белый и шоколадный цвета, можно спокойно поставить оранжевое кресло или повесить яркую картину с насыщенным мандариновым цветом. Пока вы в такой комнате, у вас будет прекрасное настроение и желание сделать как можно больше дел.
Картины известных художников-абстракционистов
Кандинский был одним из пионеров абстрактного искусства. Свои поиски он начинал в импрессионизме, а уже потом пришел к стилю абстракционизм. В своем творчестве он эксплуатировал взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, который бы охватывал одновременно и видение, и эмоции зрителей. Он считал, что полная абстракция дает простор для глубокого, трансцендентного выражения, а копирование реальности только мешает этому процессу.
Живопись была глубоко духовной для Кандинского. Он стремился передать глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, который превзошел бы физические и культурные границы. Он видел абстракционизм как идеальный визуальный режим, который может выразить «внутреннюю необходимость» художника и передать человеческие идеи и эмоции. Он считал себя пророком, чья миссия – делиться этими идеалами с миром, на благо общества.
Скрытые в ярких цветах и четкие черные линии изображают несколько казаков с копьями, а также лодки, цифры и замок на вершине холма. Как и во многих картинах этого периода, она представляет собой апокалиптическое сражение, которое приведет к вечному миру.
Для того, чтобы облегчить разработку беспредметного стиля живописи, как описано в его работе «О духовном в искусстве» (1912), Кандинский уменьшает объекты до пиктографических символов. Благодаря удалению большинства отсылок ко внешнему миру, Кандинский выразил свое видение более универсальным образом, переведя духовную сущность предмета через все эти формы в визуальный язык. Многие из этих символических фигур были повторены и уточнены в его поздних работах, став еще более абстрактными.
Казимир Малевич
Идеи Малевича о форме и значении в искусстве так или иначе приводят к концентрации на теории стиля абстракционизм. Малевич работал с разными стилями в живописи, но больше всего был сосредоточен на исследовании чистых геометрических форм (квадраты, треугольники, круги) и их отношении друг к другу в изобразительном пространстве. Благодаря своим контактам на Западе Малевич был в состоянии передать свои идеи о живописи друзьям-художникам в Европе и Соединенных Штатах, и таким образом глубоко воздействовать на эволюцию современного искусства.
«Черный квадрат» (1915)
Культовая картина «Черный квадрат» была впервые показана Малевичем на выставке в Петрограде в 1915 году. Эта работа воплощает в себя теоретические принципы супрематизма, разработанные Малевичем в его эссе «От кубизма и футуризма к супрематизму: новый реализм в живописи».
На полотне перед зрителем находится нарисованная на белом фоне абстрактная форма в виде черного квадрата – она является единственным элементом композиции. Несмотря на то, что картина кажется простой, на ней присутствуют такие элементы, как отпечатки пальцев, мазки кистью, проглядывающие через черные слои краски.
Для Малевича квадрат обозначает чувства, а белый – пустоту, ничто. Он видел черный квадрат как богоподобное присутствие, икону, словно она могла стать новым священным образом для беспредметного искусства. Даже на выставке эта картина была размещена на том месте, где в русском доме обычно располагают икону.
Пит Мондриан
Пита Мондриана, являющегося одним из основателей голландского движения «Де стиль», признают за чистоту его абстракций и методичную практику. Он довольно радикально упрощал элементы своих картин, чтобы отображать то, что он видел, не напрямую, а образно, и создавать четкий и универсальный эстетический язык в своих полотнах. В своих наиболее известных картинах с 1920-х годов Мондриан сводит формы к линиям и прямоугольникам, а палитру – к самой простой. Использование асимметричного баланса стало основополагающим в развитии современного искусства, а его культовые абстрактные работы сохраняют свое влияние в дизайне и знакомы популярной культуре и в наши дни.
«Серое дерево» является примером раннего перехода Мондриана к стилю абстракционизм . Трехмерное дерево сокращается до простейших линий и плоскостей, с использованием всего лишь только серых и черных оттенков.
Эта картина является одной из серии работ Мондриана, созданных с более реалистичным подходом, где, к примеру, деревья представлены натуралистично. В то время как более поздние произведения становились все более абстрактными, например, линии дерева уменьшаются до тех пор, пока форма дерева не станет едва заметной и вторичной по отношению к общей композиции вертикальных и горизонтальных линий. Здесь еще можно увидеть интерес Мондриана к отказу от структурированной организации линий. Этот шаг был значительным для развития чистой абстракции Мондриана.
Робер Делоне
Делоне был одним из самых ранних художников стиля абстракционизм. Его творчество повлияло на развитие этого направления, основываясь на композиционном напряжении, которое было обусловлено противопоставлением цветов. Он довольно быстро попал под нео-импрессионистское колористическое влияние и очень внимательно следил за цветовым строем работ в стиле абстракционизм. Цвет и свет он считал главными инструментами, с помощью которых можно повлиять на предметность мира.
К 1910 году Делоне сделал собственный вклад в кубизм в виде двух серий картин, изображающих соборы и Эйфелеву башню, которые соединили в себе кубические формы, динамику движения и яркие цвета. Этот новый способ использования цветовой гармонии помог отделить данный стиль от ортодоксального кубизма, получив название орфизм, и сразу же повлиял на европейских художников. В этом же стиле продолжила писать картины жена Делоне, художница Соня Терк-Делоне.
Главная работа Делоне посвящена Эйфелевой башне – знаменитому символу Франции. Это одна из самых внушительных из серии одиннадцати картин, посвященных Эйфелевой башне между 1909 и 1911 гг. Она окрашена в ярко-красный цвет, что сразу отличает ее от серости окружающего города. Внушительный размер холста дополнительно усиливает величие этой постройки. Как привидение, башня возвышается над окружающими домами, в переносном смысле потрясая сами основы старого порядка. Картина Делоне передает это чувство безграничного оптимизма, невинности и свежести времени, которое еще не стало свидетелем двух мировых войн.
Франтишек Купка
Франтишек Купка – чехословацкий художник, рисующий в стиле абстракционизм , окончивший Пражскую академию искусств. Будучи студентом, он, прежде всего, рисовал на патриотические темы и писал исторические композиции. Его ранние произведения были более академическими, однако, его стиль развивался на протяжении многих лет и в итоге перешел в абстракционизм. Написанные в очень реалистической манере, даже его ранние произведения, содержали мистические сюрреалистические темы и символы, что сохранилось и при написании абстракций. Купка верил, что художник и его творчество принимают участие в продолжительной созидательной деятельности, природа которой не ограничена, как абсолют.
«Аморфа. Фуга в двух цветах» (1907-1908)
Начиная с 1907-1908 гг., Купка стал рисовать серию портретов девушки, держащей шар в руке, как будто она собиралась играть или танцевать с ним. Затем он разработал все более схематические ее изображения, а в конечном счете, получил серию полностью абстрактных рисунков. Выполнены они были в ограниченной палитре красного, синего, черного и белого цветов. В 1912 году, в Осеннем салоне, одна из таких абстрактных работ была впервые публично выставлена в Париже.
Современные абстракционисты
С начала двадцатого века художники, в том числе Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Каземир Малевич, Василий Кандинский — экспериментируют с формами предметов и их восприятием, а также ставят под сомнение существующие в искусстве каноны. Мы подготовили подборку самих известных современных художников-абстрационистов, решивших раздвинуть свои границы познания и создать свою собственную реальность.
Немецкий художник Дэвид Шнел (David Schnell) любит бродить по местам, в которых раньше царила природа, а сейчас они нагромождены постройками людей — от игровых площадок до заводов и фабрик. Воспоминания об этих прогулках и рождают его яркие абстрактные пейзажи. Давая волю своему воображению и памяти, а не фотографиям и видеозаписям, Дэвид Шнел создает картины, которые напоминают компьютерную виртуальную реальность или иллюстрации к книгами по фантастике.
Создавая свои крупномасштабные абстрактные картины, американская художница Кристин Бэйкер (Kristin Baker) черпает вдохновение из истории искусств и гонок Наскар и Формулы 1. Снала она придает своим работам объем, накладывая несколько слоев акриловой краски и обклеивая силуэты скотчем. Затем Кристин аккуратно сдирает его, что позволяет увидеть нижние слои краски и делает поверхность её картин похожими на многослойный разноцветный коллаж. На самом последнем этапе работы она соскабливает все неровности, делая свои картины похожими по ощущениям на рентгеновский снимок.
В своих работах художница греческого происхождения из Бруклина, Нью-Йорк, Елеанна Анагнос (Eleanna Anagnos) исследует аспекты повседневной жизни, которые часто ускользают от взгляда людей. В ходе её «диалога с холстом» обычные понятия обретают новые смыслы и грани: негативное пространство становится позитивным и малые формы увеличиваются в размерах. Пытаясь таким образом вдохнуть «жизнь в свои картины», Елеанна старается пробудить человеческий разум, который перестал задавать вопросы и быть открытым к чему-то новому.
Рождая на холсте яркие брызги и подтеки краски, американская художница Сара Спитлер (Sarah Spitler) стремится отобразить в своем творчестве хаос, катастрофы, дисбаланс и беспорядок. Её привлекают эти понятия, так как они не поддаются контролю со стороны человека. Поэтому их разрушающая сила делает абстрактные работы Сары Спитлер мощными, энергичными и захватывающими. Кроме того. получившийся на холсте образ из чернил, акриловых красок, графитовых карандашей и эмали подчеркивает эфимерность и относительность происходящего вокруг.
Черпающий вдохновение из области архитектуры, художник из Ванкувера, Канада, Джефф Дэпнер (Jeff Depner) создает многослойные абстрактные картины, состоящие из геометрических фигур. В созданном им художественном «хаосе» Джефф ищет гармонию в цвете, форме и композиции. Каждый из элементов в его картинах связан друг с другом и ведет к последующему: «Мои работы исследуют композиционную структуру [картины] через взаимоотношения цветов в выбранной палитре…». По мнению художника, его картины – это «абстрактные знаки», которые должны перенести зрителей на новый, бессознательный уровень.