Как и любой другой вид искусства (музыка, живопись, литература), театр обладает своими, особыми признаками. Это искусство синтетическое: театральное произведение (спектакль) складывается из текста пьесы, работы режиссёра, актёра, художника и композитора. В опере и балете решающая роль принадлежит музыке.
Театр - искусство коллективное. Спектакль - это результат деятельности многих людей, не только тех, кто появляется на сцене, но и тех, кто шьёт костюмы, мастерит предметы реквизита, устанавливает свет, встречает зрителей. Недаром существует определение "работники театрального цеха": спектакль - это и творчество, и производство.
Театр предлагает собственный способ познания окружающего мира и, соответственно, собственный на бор художественных средств. Спектакль - это и особое действие, разыгранное в пространстве сцены, и особое, отличное, скажем, от музыки образное мышление.
В основе театрального представления лежит текст, например пьеса для драматического спектакля. Даже в тех сценических постановках, где слово как таковое отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет, а иногда и пантомима имеет сценарий - либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену - это своего рода "перевод" с одного языка на другой. В результате литературное слово становится словом сценическим.
Первое, что видит зритель после того, как откроется (или поднимется) занавес, - это сценическое пространство, в котором размещены декорации. Они указывают место действия, историческое время, отражают национальный колорит. При помощи пространственных построений можно передать даже настроение персонажей (например, в эпизоде страданий героя погрузить сцену во мрак или затянуть её задник чёрным). Во время действия с помощью специальной техники декорации меняют: день превращают в ночь, зиму - в лето, улицу - в комнату. Эта техника развивалась вместе с научной мыслью человечества. Подъёмные механизмы, щиты и люки, которые в давние времена приводились в действие вручную, теперь поднимает и опускает электроника. Свечи и газовые фонари заменены на электролампы; часто используют и лазеры.
Ещё в античности сформировалось два типа сцены и зрительного зала: сцена коробка и сцена амфитеатр. Сцена коробка предусматривает ярусы и партер, а сцену амфитеатр зрители окружают с трёх сторон. Сейчас в мире используют оба типа. Современная техника позволяет изменять театральное пространство - устраивать помост посреди зрительного зала, сажать зрителя на сцену, а спектакль разыгрывать в зале.Большое значение всегда придавали театральному зданию. Театры обычно строились на центральной площади города; архитекторы стремились, чтобы здания были красивыми, привлекали внимание. Приходя в театр, зритель отрешается от по вседневной жизни, как бы поднимается над реальностью. Поэтому не случайно в зал часто ведёт украшенная зеркалами лестница.
Усилить эмоциональное воздействие драматического спектакля помогает музыка. Иногда она звучит не только во время действия, но и в антракте - чтобы поддержать интерес публики. Главное лицо в спектакле - актёр. Зритель видит перед собой человека, таинственным способом превратившегося в художественный образ - своеобразное произведение искусства. Конечно, произведение искусства - не сам исполнитель, а его роль. Она творение актёра, созданное голосом, нервами и чем то не уловимым - духом, душой. Чтобы действие на сцене воспринималось как цельное, необходимо его продуманно и последовательно организовать. Эти обязанности в современном театре выполняет режиссёр. От таланта актёров в спектакле зависит, конечно, многое, но тем не менее они подчинены воле руководителя - режиссёра. Люди, как и много веков назад, приходят в театр. Со сцены звучит текст пьес, преображённый силами и чувствами исполнителей. Артисты ведут свой диалог - и не только словесный. Это беседа жестов, поз, взглядов и мимики. Фантазия художника декоратора с помощью цвета, света, архитектурных сооружений на площадке заставляет пространство сцены "заговорить". И всё вместе заключено в строгие рамки режиссёрского замысла, что придаёт разнородным элементам завершённость и цельность.
Зритель сознательно (а порой и бессознательно, будто против воли) оценивает игру актёров и режиссуру, соответствие решения театрального пространства общему замыслу. Но главное - он, зритель, приобщается к искусству, непохожему на другие, творимому здесь и сейчас. Постигая смысл спектакля, он постигает и смысл жизни. История театра продолжается.
ВИДЫ ТЕАТРА
Первые театральные представления включали в себя слово и пение, танец и движение. Музыка и жесты усиливали значение слов, танцы иногда становились самостоятельными "но мерами". Подобные действа отличались синкретизмом (от греч. "синкретисмос" - "соединение"), т. е. такой степенью слитности составных частей (музыки и слова в первую очередь), что зритель не мог вычленить их в своём сознании и оценить каждую форму отдельно. Постепенно публика научилась различать элементы представления, и со временем из них развились известные нам виды театра. Синкретизм сменился синтезом - намеренным соединением разных форм.
Фёдор Шаляпин в роли Мефистофеля в опере А. Бойто "Мефистофель". 1893 г.
Самый распространённый и популярный вид - драматический театр. Главное выразительное средство - слово (не случайно этот театр иногда называют разговорным). Смысл происходящих на сцене событий, характеры действующих лиц раскрываются с помощью слов, которые складываются в текст (он может быть прозаическим или стихотворным). Ещё один вид театрального искусства - опера (см. статью "Музыка Италии" в разделе "Музыка"), В опере условность театра особенно очевидна - ведь в жизни люди не поют, чтобы рассказать о своих чувствах. Главное в опере - музыка. Однако партитура (нотная запись музыки) должна быть представлена, разыграна на сцене: содержание произведения раскроется полностью только в сценическом пространстве. Такой спектакль требует особого мастерства от исполнителей: они должны не только уметь петь, но и обладать актёрскими способностями. При помощи звуков актёр певец способен выразить самые сложные чувства. Воздействие музыкального спектакля - при сильном составе певцов, хорошем оркестре, профессиональной режиссуре - может быть мощным, даже опьяняющим. Оно подчиняет зрителя, уводит его в мир божественных звуков.
У театральной афиши.
В XVI в. на основе придворных и народных танцев начал формироваться балетный театр. Само слово "балет" происходит от позднелатинского ballare - "танцевать". В балете о событиях и взаимоотношениях персонажей рассказывают движения и танцы, которые артисты исполняют под музыку, сочинённую на основе либретто. В конце XX в. стали распространёнными бессюжетные спектакли, созданные на музыку симфонических произведений. Ставит подобные представления хореограф. "Хорея" в переводе с древнегреческого значит "пляска", а "графо" - "пишу". Следовательно, хореограф "пишет спектакль" при помощи танца, строит пластические композиции в соответствии с музыкой и сюжетом.
Сцена из оперетты Карла Милёкера "Заколдованный замок". Рисунок к спектаклю "Раймундтеатра", Вена. Коней XIX в.
В балетных спектаклях, как правило, заняты солисты, а также корифеи - именно так в русском театре называли главного артиста кордебалета, танцевавшего на первой линии, ближе к зрителям. Кордебалетом именуют участников массовых сцен. История оперетты насчитывает чуть больше полутора веков. В науке существуют две точки зрения на оперетту. Некоторые учёные считают её самостоятельным видом театрального искусства, другие - жанром (то же можно сказать о мюзикле).
Сцена из мьюзыкла "Хелло, Долли!". бродвей, Нью-Йорк. 1964г. В главной роли - Кэрол Ченнинг.
Первые спектакли, преимущественно комического содержания, по явились во второй половине XIX в. в парижском театре "Буфф Паризьен". Сюжеты оперетт обычно комедийные, разговорные диалоги чередуются с пением и танцами. Иногда музыкальные номера не связаны с сюжетом, являются интермедиями (см. статью "Жак Оффенбах, Иоганн Штраус и лёгкая музыка второй половины XIX века" в разделе "Музыка").
Жан Луи Барро в пантомиме "Лошадь". Актёр выступал с этим номером в течение всей жизни.
В конце XIX столетия в США появился мюзикл. Это сценическое произведение (как комическое, так и драматическое по сюжету), в котором используются формы эстрадного искусства, драматического театра, бале та и оперы, бытового танца. В оперетте музыкальные фрагменты могут быть вставными, в мюзикле -. никогда, они "растворены" в действии. Мюзикл - искусство для всех. Сюжеты, как правило, просты, а мелодии часто становятся шлягерами. История мюзикла началась в 1866 г. - тогда в Нью-Йорке было показано музыкально драматическое представление "Чёрный плут" (в другом переводе "Злодей мошенник"). Успех был ошеломляющим и неожиданным. Однако полноправное место среди других видов театрального искусства мюзикл занял только в 20х гг. XX столетия. Подобные спектакли стали появляться сначала в США, а после Второй мировой войны - на сценах Англии, Австрии, Франции. Наиболее удачные мюзиклы были экранизированы ("Кабаре", "Шербурские зонтики", "Звуки музыки").
Сцена из теневого спектакля "Принцесса на горошине". Студенческий театр МГУ. 80е гг.
Самый древний вид театральных представлений - пантомима (от греч. "пантбмимос" - "всё воспроизводящий подражанием"). Это искусство зародилось ещё в античности. Современная пантомима - спектакли без слов: это или короткие номера, или развёрнутое сценическое действие с сюжетом. В XIX столетии искусство пантомимы прославили английский клоун Джозеф Гримальди (1778-1837) и французский Пьеро - Жан Гаспар Дебюро (1796-1846). Традиция была продолжена Этьеном Декру (1898- 1985) и Жаном Луи Барро (19 10- 1994). Декру основал школу так называемой чистой пантомимы - чтобы делать на сцене "только то, что не под силу другому искусству". Сторонники таких представлений считали, что жест правдивее и ярче слова. Традиции Барро и Декру про должил знаменитый французский мим Марсель Марсо (родился в 1923 г.). В Москве Генрих Мацкявичюс организовал Театр пластической драмы, репертуар которого включает сложные и глубокие спектакли на мифологические и библейские темы.
Афиша кабаре "Мулен-Руж" в Париже. Коней XIX в.
В последнюю четверть XIX в. по всей Европе, но в первую очередь во Франции, стали создаваться театры кабаре, в которых соединились формы театра, эстрады, ресторанного пения. Наиболее знаменитыми и популярными были "Чёрная кошка" в Париже, "Одиннадцать палачей" в Мюнхене, "Пропади всё пропадом" в Берлине, "Кривое зеркало" в Петербурге.
Сцена из балета "Шелкунчик" (музыка П. И. Чайковского). Режиссёр Л. Иванов. Мариинский театр, СанктПетербург. 1892 г.
В помещениях кафе собирались люди искусства, и это создавало особую атмосферу. Пространство таких представлений могло быть самым необычным, но чаще всего выбирался подвал - как нечто обыкновенное, но в то же время таинственное, немного запретное, подпольное. С кабаретными представлениями (короткими сценками, пародиями или песнями) и для публики, и для исполнителей было связано особое переживание - чувство ничем не скованной свободы. Ощущение тайны обычно усиливалось тем, что такие представления давались поздно, иногда ночью. По сей день в разных городах мира встречаются настоящие кабаре.
Особый вид театрального представления - кукольный театр. В Европе он появился в эпоху античности. В Древней Греции и Риме игрались домашние спектакли. С того времени театр, конечно, изменился, но осталось главное - в таких представлениях участвуют только куклы. Впрочем, в последние годы куклы часто "делят" сцену с актёрами.
Нитяные куклы.
У каждого народа свои кукольные герои, в чём то похожие, а чем то разные. Но всех их объединяет од но: на сцене они шутят, озорничают, высмеивают недостатки людей. Куклы отличаются друг от друга, и по "внешности", и по устройству. Наиболее распространены куклы, управляемые при помощи ниток, перча точные и тростевые куклы. Представления кукольного театра требуют специального оборудования и особой сцены. На первых порах это был просто ящик с проделанными снизу (или сверху) отверстиями. В Средние века спектакли устраивались на площади - тогда между двух столбов натягивалась занавеска, за которой прятались кукловоды. В XIX в. представления стали играть в специально выстроенных помещениях.
Особая форма кукольного театра - театр марионеток, деревянных кукол. Для кукольного театра сочинялись специальные сценарии. История мирового театра кукол знает много известных имён. Огромным успехом пользовались спектакли С. В. Образцова. Новые решения предлагает в своих фантазиях Реваз Леванович Габриадзе (родился в 1936 г.), грузинский кукольник и драматург.
ПРОИСХОЖДЕНИЕ ТЕАТРА.
Театр - искусство "исчезающее", трудно поддающееся описанию. Спектакль оставляет след в памяти зрите лей и очень мало вещественных, материальных следов. Именно поэтому наука о театре - театроведение - возникла поздно, в конце XIX столетия. Тогда же появились две теории происхождения театра. Согласно первой, искусство сиены (как западное, так и восточное) развилось из обрядов и магических ритуалов. В подобных действах всегда присутствовала игра, участники часто использовали маски и специальные костюмы. Человек "играл" (изображал, например, божество), чтобы воздействовать на окружающий мир - людей, природу, богов. Со временем некоторые обряды превратились в светские игры и стали служить для развлечения; позже участники таких игр отделились от зрителей.
За двадцать пять веков своего существования театр прошёл путь от ритуального действа до спектаклей, трактующих сложные духовные вопросы.
Сцена из спектакля "Строитель Сольнес" (пьеса Г. Ибсена). Театр Комиссаржевской, СанктПетербург. 1905 г.
Другая теория связывает происхождение европейского театра с ростом самосознания личности. У чело века возникла потребность выразить себя посредством зрелищного искусства, обладающего мощным эмоциональным воздействием.
"ИГРАТЬ, КАК ДЛЯ ВЗРОСЛЫХ, ТОЛЬКО ЛУЧШЕ"
Мысль о том, что АЛЯ детей нужно создавать особые театры, возникла давно. Одной из первых "детских" постановок стала работа Московского Художественного театра. В 1908 г. К. С. Станиславский поставил пьесу сказку бельгийского драматурга Мориса Метерлинка "Синяя птица", и с тех самых пор знаменитый спектакль не сходит со сиены МХАТ имени М. Горького. Эта постановка определила путь развития сценического искусства для детей - такой театр обязан быть понятным ребёнку, но ни в коем случае не примитивным, не одномерным.
Эскиз декорации к спектаклю "Тень". Художник Н. П. Акимов. Ленинградский театр комедии. 1940 г.
В России детские театры начали появляться после Октября 1917г. Уже в 1918 г. в Москве открылся Первый детский театр Московского Совета. Организатором и заведующей стала Н. И. Сац, оформляли спектакли замечательные художники В. А. Фаворский и И. С. Ефимов, здесь работал известный балетмейстер К. Я. Голейзовский. Наталья Ильинична Сац (1903-1993) всю свою творческую жизнь посвятила театру для детей. В 1921-1937 гг. она была художественным руководителем Московского театра для детей (ныне Центральный детский театр). Последнее её детище - Московский детский музыкальный театр (носит имя Н. И. Сац). В феврале 1922 г. первых зрителей принял Театр юных зрителей в Ленинграде. Одним из его основателей и бессменным руководителем был режиссёр Александр Александрович Бряниев (1883-1961). Он считал, что в театре нужно объединить художников, умеющих мыслить как педагоги, и педагогов, способных воспринимать жизнь как художники.
Графическая вариация художника В. Е. спектакля "Синяя птица". 1908 г.
В детских театрах работали такие выдающиеся режиссёры, как Г. А. Товстоногов и М. О. Кнебель, игра ли И. В. Ильинский, Н. К. Черкасов, О. Н. Ефремов, Р. А. Быков, Б. П. Чирков. Иногда спектакли становились событиями общественной жизни, например постановка пьесы "Друг мой, Колька" (режиссёр А. В. Эфрос). Ныне старейшие отечественные детские театры (Российский молодёжный театр и Театр юного зрите ля в Москве) возглавляют соответственно А. В. Бородин и Г. Я. Яновская - режиссёры, интересно и оригинально мыслящие.
В первых театрах шли в основном инсценировки сказок. Постепенно появились драматурги, пишущие специально для детей. Писательница Александра Яковлевна Бруштейн (1884-1968) - автор популярных в своё время пьес "Продолжение следует" (1933 г.) и "Голубое и розовое" (1936 г.). Классикой репертуара детских театров стали сочинения Евгения Львовича Шварца (1896-1958). Его пьесы сказки - "Снежная королева" (1938 г.), "Два клёна" (1953 г.), "Голый король" (1934 г.), "Тень" (1940 г.) и др. - идут в театрах десятилетиями. В пьесах Шварца сочетаются фантастика и правдивость в изображении характеров. О внутреннем мире подростков талантливо рассказывал Виктор Сергеевич Розов (родился в 191 3 г.). Пьесы "Её друзья" (1949 г.), "Страница жизни" (1953 г.), "В добрый час" (1954 г.), "В поисках радости" (1957 г.) определяли репертуар детских театров в 50-60х гг., некоторые не сходят со сиены и в наши дни.
Современные режиссёры обращаются к очень разным произведениям. Для самых маленьких играют сказки, для подростков - пьесы, посвящённые жизни молодёжи; есть в афишах театров и классика, отечественная и зарубежная. Так, в репертуаре Московского театра юного зрителя мирно уживаются спектакль "Буратино в Стране дураков" (инсценировка сказки А. Н. Толстого), ироническое представление по стихотворению С. Я. Маршака "Гудбай, Америка" и "Гроза" по пьесе А. Н. Островского.Театры для детей и юношества созданы во многих странах мира. В 1965 г. в Париже была учреждена Международная ассоциация, которая помогает их становлению. Проходят международные фестивали детских театров.
Рассмотрим основные особенности театрального искусства, важные с точки зрения философского подхода и наиболее важные для нашего исследования.
Во-первых, это ситуация «здесь и сейчас» играемого спектакля; действие происходит, случается в настоящий момент. Само слово «действие» как одно из важнейших в театральном искусстве понятий подразумевает сиюминутность происходящего. Первый же смысл, вкладываемый и раскрываемый в понятии «действие» - длительность, протяженность, процесс, развернутый во времени. Эта особенность свойственна вообще исполнительскому искусству. Нет музыки до или после исполнения – есть нотная партитура, где символами обозначена высота, длительность и последовательность воспроизведения звуков тем или иным инструментом. Музыка начинается тогда, когда музыкант в определенной последовательности извлекает из своего инструмента звуки указанной высоты и длительности. То же и на театре – нет действия до или после действия. Спектакль случается в самый момент действия и заканчивается с закрытием занавеса. При этом актерская партитура, в отличие от партитуры музыкальной, не поддается фиксированию символами во всей своей полноте, многие нюансы ускользают, не имея даже словесного обозначения. Это связано с еще одной абсолютно уникальной особенностью театрального творчества: актер объединяет в своем лице и исполнителя, и инструмент.
Создатель драматического образа – человек из плоти и крови, и здесь действуют совсем особые законы. Творец и его творение неразделимы. Только обнаженный актер в какой-то мере походит на инструмент как таковой, скажем, на скрипку, и только в том случае, если он обладает безупречной классической фигурой, не изуродованной брюшком или кривыми ногами. Балетный танцовщик иногда приближается к этому идеалу, поэтому он может воспроизводить определенные позы, не привнося в них свои личные особенности и не искажая их внешними проявлениями жизни. Но в ту минуту, когда актер надевает платье и начинает произносить какие-то слова, он вступает на зыбкую почву самовыражения и бытия, доступную также его зрителям.
М. Захаров, в свою очередь, признает: «Основная ценность театра - актерский организм, обладающий мощной энергетикой и гипнотической заразительностью, развивший свои нервные, психические ресурсы до высоких степеней, неподвластных строго научному измерению». Воздавая должное замечательному режиссеру, все-таки оговоримся здесь, что мы не придерживаемся в данной работе такого «органистического» или даже «натуралистического» подхода к феномену актерского искусства. Мы стараемся описать и проанализировать его средствами современных психологии и философии.
Возвращаясь к сиюминутности театрального творчества, можно предположить, что, вероятно, именно в силу того, что все происходящее на сцене происходит здесь и сейчас, на глазах зрителей в сочетании с максимальной достоверностью, достигаемой мастерством актера, и возникает ощущение невероятной близости, реальности событий, разворачивающихся на сцене, что и заставляет зрителя остро, ярко, искренне со-переживать живым, реальным героям.
Вторая отличительная черта театрального искусства заключается в том, что это искусство синтетическое. Конечно, в многообразии современных театральных форм имеют место спектакли, где вообще не используется музыка и (или) в исполнении декораций и костюмов артистов доминирует принцип аскетизма или полного их отсутствия (что, впрочем, вряд ли возможно, так как артисты должны все-таки быть во что-то одеты, а любое одеяние в этом случае уже результат творческого акта), но это скорее факты исключительных экспериментов. Как правило же, в спектакле существует звуковое оформление помимо речи актеров и сценическое пространство, решенное определенным образом. Роль творчества композитора и художника в процессе создания спектакля лишь весьма условно можно назвать вторичной по отношению к работе режиссера спектакля, так как часто смыслы рождающегося действия создаются именно в плотном сотрудничестве режиссера с художником и композитором.
Третьей особенностью театрального творчества следует выделить его ансамблевый, коллективный характер. В театре цель ясна и едина. С первой репетиции она всегда в поле зрения, и притом не слишком отдалена. В достижении ее участвуют все, кто служит в театре.
Нам известны, пишет Питер Брук, величайший режиссер и новатор ХХ в., преимущественно внешние признаки ансамблевого исполнения. Основные принципы коллективного творчества, которыми так гордится английский театр, основаны на вежливости, учтивости, благоразумии: Ваша очередь, я после Вас и т. Д. – факсимиле, срабатывающее, когда актеры оказываются одной исполнительской манеры, то есть старые актеры великолепно играют друг с другом и точно так же очень молодые. Но когда объединяют тех и других – при всей их корректности и самоуважении, - ничего хорошего из этого не выйдет.
В опыте великих режиссеров существуют особые актерские упражнения, помогающие актерам во время долгих репетиций раскрыться друг для друга совсем иным путем. Например, несколько актеров могут играть совершенно различные сцены бок о бок. При этом они не должны вступать в разговор в один и тот же момент, так что каждому приходится внимательно следить за всем происходящим, чтобы вовремя понять, какие именно моменты зависят от него.
Многие упражнения даются для того, чтобы раскрепостить актера, помочь ему осознать собственные возможности, после чего заставить его слепо следовать указаниям извне. Тогда он сможет в себе самом ощутить порывы, которые он в другом случае никогда бы не почувствовал. Прекрасным упражнением послужит шекспировский монолог, разбитый на 3 голоса как канон. Необходимо, чтобы 3 актера читали его по нескольку раз с головокружительной быстротой. Поначалу техническая трудность поглощает все внимание актеров, затем постепенно, по мере преодоления трудностей их просят раскрывать смысл, не нарушая жесткой формы. Из-за скорости и механического ритма это представляется невыполнимым: актер лишается возможности использовать свои обычные выразительные средства. Затем он внезапно разрушает барьер и понимает, как много свободы скрывается в недрах самой жесткой дисциплины.
Другой пример – взять слова «Быть или не быть – вот в чем вопрос» и раздать их восьми актерам по слову каждому. Актеры стоят тесным кругом и пытаются произносить слова друг за другом, стремясь создать живую фразу. Это настолько сложно, что даже самый несговорчивый актер убеждается, насколько он глух и невосприимчив по отношению к своему соседу. И когда после продолжительной работы фраза внезапно зазвучит, все испытывают трепетное ощущение свободы. В мгновение ока они вдруг увидят, что означает возможность групповой игры и какие в ней заключены трудности. Главное здесь – сохранить живой драматический порыв всех участников этого опыта.
Именно в такие моменты становится «энергетически» возможной ситуация Диалога в игре актеров (не говоря покамест о зрительском восприятии). Ниже мы поясним, что мы имеем в виду, говоря об «энергетике» спектакля. Однако чтобы нас не заподозрили в «мистическом» уклоне, скажем здесь, что за тончайшим актерским и режиссерским «чутьем», позволяющим «улавливать» тонкие энергетические изменения в ходе репетиции или спектакля, в реакции зрительного зала, стоят годы трудной и напряженной сознательной работы всего коллектива. Без этих усилий подобная «стадия» работы, восприятия и взаимопонимания в искусстве просто недостижима.
Исполнительские искусства - один из видов художественно-творческой деятельности, в котором произведения так называемого «первичного» творчества материализуются в виде определенной системы знаков и часто предназначены для перевода в тот или иной конкретный материал. К исполнительным искусствам относят творческую деятельность : актеров и режиссеров , воплощающих на сцен е, эстраде , цирковом манеже , радио , кино , телевидении произведения писателей и драматург ов; чтецов, переводящую в живую речь литературные произведения ; музыкант ов, певцов , инструменталистов, дирижеров, воспроизводящих творения композиторов; танцоров, исполняющих замыслы хореограф ов, композитор ов, либреттист ов.
Исполнительских искусств нет в изобразительном искусстве , в архитектуре , прикладных искусствах (если не задействованы художники особого типа, а для перевода замысла в материал используются рабочие или машины), литературном творчестве, которое, несмотря на создание законченных произведении, допускающих исполнение чтецами, предназначено все же для непосредственного восприятия читателем.
Исполнительские искусства по своей сути считаются художественно-творческой деятельностью, так как основаны не на простом механическом переводе исполняемого произведения в другую форму, а на его перевоплощении, включающем такие творческие элементы, как вживание в духовное содержание произведения; его интерпретация исполнителем согласно его собственному мировоззрению и эстетической позицией.
Часто из-за этого произведения поэтов , драматург ов, сценарист ов, композитор ов, хореограф ов приобретают различные исполнительские трактовки, каждая из которых представляет собой объединение самовыражений автора и исполнителя. Иногда даже исполнение актером одной и той же роли или пианистом одного и того же этюда становится неповторимым, поскольку стойкое, сформированное при репетициях содержание пропускается через варьирующееся и импровизационно рождающееся в самом действии исполнения .
Типы [ | ]
Исполнительские искусства включают, но не ограничиваются, танец , музыку , оперу, театр , магию , иллюзию, искусство мимов, художественную декламацию, театр кукол, перфоманс, чтение вслух, ораторское искусство .
Музыка [ | ]
Театр [ | ]
Танец [ | ]
История [ | ]
Исполнительские искусства начали возникать в процессе развития художественной культуры, как результат распада фольклорного творчества, в котором характерна неразрывность созидания произведения и его исполнения. Также их возникновению способствовали появления методов письменной фиксации словесных и музыкальных сочинений. Хотя и в развитой культуре присутствуют формы целостного творчества, при котором сочинитель и исполнитель это одно и тоже лицо (например творчество
ИСПОЛНИТЕЛЬСКИЕ ИСКУССТВА - особая сфера худож.-творческой деятельности, в к-рой материализуются произв. «первичного» творчества, записанные определенной системой знаков и предназначенные для перевода в тот или иной конкретный материал. К И. и. относится творчество: актеров и режиссеров, воплощающее на сцене, эстраде, цирковой арене, радио, кино, телевидении произв. писателей, драматургов; чтецов, переводящее в живую речь литературные тексты; музыкантов - певцов, инструменталистов, дирижеров, озвучивающих соч. композиторов; танцоров, воплощающих замыслы хореографов, композиторов, либреттистов- Следовательно, И. и. выделяется как относительно самостоятельная худож.-творческой деятельности не во всех видах искусства - его нет в изобразительном искусстве, в архитектуре, прикладных иск-вах (если здесь оказывается необходимым перевод замысла в материал, его осуществляют рабочие или машины, но не художники особого типа); литературное творчество также создает законченные произв., к-рые, допуская их чтецами, предназначены все же для непосредственного восприятия читателя. И. и. возникли в процессе развития худож. культуры, в результате распада фольклорного творчества (Фольклор), для к-рого характерна нерасчлененность созидания и исполнения, а также благодаря появлению способов письменной фиксации словесных и музыкальных соч. Однако и в развитой культуре сохраняются формы целостного творчества, когда сочинитель и исполнитель объединяются в одном лице (творчество типа Ч, Чаплина, И. Андроникова, Б. Окуджавы, В. Высоцкого и т. п.). И. и. по своей природе являются худож.-творческой деятельностью, т. к, основаны не на механическом переводе исполняемого произв. в иную материаль
ную форму, а на его перевоплощении, включающем такие творческие моменты, как вживание в духовное содержание исполняемого произв.; его интерпретация в соответствии с собственным мировоззрением и эстетическими позициями исполнителя; выражение им своего отношения и к отраженной в произв. реальности, и к тому, как она в нем отражена; выбор худож. средств Для адекватного воплощения собственной трактовки исполняемого произв. и обеспечения духовного общения со зрителями или слушателями. Поэтому произв. поэта, драматурга, сценариста, композитора, хореографа получает разные исполнительские трактовки, каждая из к-рых объединяет самовыражение как автора, так и исполнителя. Более того, каждое исполнение актером одной и той же роли или пианистом одной и той же сонаты становится уникальным, ибо устойчивое, выработанное в репетиционном процессе содержание прелом-лйется через варьирующееся, сиюминутное и импровизационно рождающееся (Импровизация) в самом акте исполнения и потому неповторимое. Творческий характер И. и. приводит к тому, что между исполнением и исполняемым произв. возможны различные отношения - от соответствия до резкого противоречия между ними; поэтому оценка произв. И. и- предполагает определение не только уровня мастерства исполнителя, но и меры близости создаваемого им произв. оригиналу.
Эстетика: Словарь. - М.: Политиздат . Под общ. ред. А. А. Беляева . 1989 .
Смотреть что такое "ИСПОЛНИТЕЛЬСКИЕ ИСКУССТВА" в других словарях:
Северная Дакота - Северная Дакота … Википедия
Лакхнау - Город Лакхнау लखनऊ Страна ИндияИндия … Википедия
Северная Дакота (штат) - Северная Дакота Флаг Северной Дакоты Герб Северной Дакоты Прозвище штата: «Сусликовый штат» … Википедия
Живая статуя - в Вене Живая статуя актёр, имитирующий статую, работающий в образе определённого персонажа, например исторического. В своей работе актёр используе … Википедия
Соло - (итал. Solo один) исполнение всего музыкального произведения или его ведущей тематической партии одним голосом или инструментом. Исполнитель такой сольной партии называется солистом. Если при коллективном исполнении музыкального… … Википедия
Мимы - … Википедия
Солист - (от лат. solus один, только) это личность, лидирующая в каком либо коллективе (творческом, редко спортивном или т. п.). Чаще всего термин «солист» используется в музыкальном и танцевальном исполнительском искусстве. Под… … Википедия
Нематериальное культурное наследие концепция, предложенная в 1990 х годах в качестве аналога Списку Всемирного наследия, уделяющему основное внимание материальной культуре. В 2001 году ЮНЕСКО провела опрос среди государств и… … Википедия
Баумол, Уильям - Уильям Джек Баумол англ. William Jack Baumol Дата рождения: 26 февраля 1922(1922 02 26) (90 лет) Место рождения: Нью Йорк, США … Википедия
Нематериальное культурное наследие - означает обычаи, формы представления и выражения, знания и навыки, а также связанные с ними инструменты, предметы, артефакты и культурные пространства, признанные сообществами, группами и, в некоторых случаях, отдельными лицами в качестве части… … Официальная терминология
Книги
- Современная хоровая музыка. Теория и исполнение , Батюк Инна Валерьевна , Допущено УМО по направлению "Педагогическое образование" Министерства образования и науки РФ в качестве учебного пособия для вузов, ведущих подготовку по направлению" Педагогическое… Категория: Музыка Серия: Учебники для вузов. Специальная литература Издатель: Лань , Купить за 795 руб
- Детский камерный ансамбль. Репертуар младших, средних и старших классов ДМШ. Выпуск 3 , Батюк Инна Валерьевна , Ансамблевое музицирование в истории музыкального искусства насчитывает не одну сотню лет. Собственно говоря, как только человек осваивал тот или иной музыкальныйинструмент, его сразу тянуло к… Категория: Другие нотные издания Серия: Детский классический ансамбль Издатель:
Покровский Андрей Викторович .
Магистрант Санкт-Петербургского Университета культуры и искусств
Исполнительское искусство
Аннотация: в статье рассматриваются вопросы исполнительского искусства, как отдельной отрасли вторичного искусства: особенности объективного мира искусства и субъективного мира исполнителя, этапы работы исполнителя в осмыслении художественной действительности.
Ключевые слова: исполнительское искусство, пение, музыка, театр, культура, творчество, психология искусства.
Pokrovskiy A.V .
Graduate of the Saint-Petersburg University of culture and arts
Performing arts
Abstract:
in the article are considered questions of the performing arts, as a separate branch of the secondary art: features of the objective world of art and the subjective world of the Executive, the stages of the work of the Executive in the understanding of the art of reality.
Key words: performing arts, singing, music, theatre, culture, creativity, psychology of art.
Неискушенному любителю искусство исполнителя кажется простым и лишенным каких-либо философских и иных оснований. На самом деле, за ним стоят сложные философские парадигмы, которые опытный зритель или слушатель может найти в искусстве выдающихся исполнителей.
Дятлов Д.
Исполнительское искусство зародилось на самой заре человеческой культуры и лишь к девятнадцатому столетию выделилось в самостоятельный вид художественного творчества, являясь в наши дни одним из важнейших инструментов культуры. Исследования исполнительства на сегодняшний день составляют малую часть от общего количества исследований художественной проблематики. Работы, посвященные этой теме, в основном затрагивают общие вопросы или рассматривают творчество отдельных мастеров в различных областях искусства. В данной статье речь пойдет о том, что до сих пор представляется загадочным в действии механизма исполнительства и вызывает большие трудности при его изучении, а именно – рассмотрение исполнительского искусства, как отдельной области проблемы вторичного искусства в процессах художественно-творческой деятельности.
Данная тема предполагает более подробное рассмотрение следующих вопросов: особенности взаимодействия объективного мира искусства и субъективного мира художника-исполнителя; основные принципы и закономерности исполнительского искусства; особенности взаимного дополнения автора и исполнителя; этапы работы исполнителя в осмыслении художественной действительности;
Современное исполнительское искусство зародилось, и долгое время развивалось в недрах церковного культового канона. Это наложило особый отпечаток на всю профессиональную традицию исполнительства, которая многие века сочетала в себе широкую доступность и глубокую содержательность, сопровождаясь непрерывно усложняющимся профессионализмом. Постоянно развиваясь, сегодня исполнительское искусство определяется, как гибкая многоплановая художественно-эстетическая система процессов воссоздания художественных произведений средствами почти всех видов искусств. Исполнительство представляет собой сложную структуру, синтезирующую различные искусства и рождающую новую художественную реальность.
Несмотря на то, что все виды искусства тесно связаны между собой, и питает их один источник – жизнь, специфика исполнительского искусства очевидна при сравнении таких искусств, как живопись, где автором и исполнителем является один человек, и музыки, где сочинение и исполнение произведения являют собой различные процессы, разведенные по времени. Основная задача исполнительского искусства – посредничество между автором, зафиксировавшим свое творение с помощью плана или определенной системы знаков и зрителем (слушателем), то есть проникновение в авторский замысел и воспроизведение его доступными для аудитории средствами.
Творчество всегда проявляет себя там, где есть межличностное общение, имеющее в основании «встречу», в момент которой и происходит художественное событие. Сегодня воспроизвести литературный текст или озвучить музыкальные знаки можно при помощи технических устройств. Однако, поскольку в этот процесс включается живой человек, то его личность становится определяющей для конечного результата данного вида деятельности. Всем известны примеры хороших и плохих исполнителей: музыкантов, певцов, чтецов и актеров. Одно и то же музыкальное произведение или драматическая роль в разном исполнении будет звучать по-разному, и сила воздействия на зрителя так же будет разной. Ключевую роль здесь играет мастерство исполнителя: владение методикой, приемами и средствами выражения, которые позволяют воспроизводить любые стили и образы.
Искусство исполнителя сложно и многогранно. Оно, как правило, включает в себя театр, музыку, драму и танец. Исполнителем, обычно называется художник, практикующий и переосмысливающий эти искусства. При этом важно не только хорошо владеть каким-либо одним видом искусства, но и иметь большой теоретический багаж необходимый, чтобы осмыслить и выразительно передать свои мысли слушателю или зрителю. Профессиональный исполнитель должен обладать комплексом психо-эмоциональных и эстетических качеств: эмоционально-психической устойчивостью, умением сосредоточиться, иммунитетом к раздражителям и т.д. Обладание этим комплексом бесконечно важно, так как отсутствие одного из этих качеств может охарактеризовать артиста ярче, чем наличие всего остального, и даже сделать невозможным профессиональную артистическую карьеру. Кроме того, важен набор профессиональных умений и навыков: владение техникой; чувство стиля и формы (умение охватить целое и одновременно воспроизвести мельчайшую деталь); способность мыслить, синтезируя все достижения искусства; внутренняя сосредоточенность, которая уживается с сокрушительным темпераментом. Важнейшим свойством исполнителя, безусловно, является художественное мышление , предельная ясность исполнения. Это не просто точный расчет, это органически цельное мышление, вбирающее в себя и расчет и вдохновение.
С давних времен искусство являлось совокупностью всех самых высоких образов, которые рождались в сознании человека. Уровень духовного развития цивилизации был бы иным, если бы не было искусства. Главная цель исполнителя в этом процессе – донести художественное содержание произведения, пытаясь приблизиться к тем духовным высотам, которые раскрывал в своем творчестве автор, сочетая верность изображаемого с наличием своего видения.
Художественное мышление исполнителя должно обильно питаться его многосторонними увлечениями: литературой, живописью, театром, историей, музыкой и т.д. Важнейшей операцией художественного мышления является процесс обнаружения сходного в разном, а так же, разного в сходном. В более развитом художественном мышлении этот процесс значительно усложняется за счет мировоззренческих откровений художника, исповедальности его переживаний, многозначности его художественных идей, обобщения жизненного опыта и преобразования действительности.
Желая того или нет, исполнитель высказывает со сцены всего себя, свои личные стремления и ценности, которые открываются в воплощении произведения. С одной стороны, мы расширяем свое существование, проживая те события, которые с нами не случались и не могли случиться, и обогащаем свой художественный, а подчас и жизненный опыт. С другой стороны, входя в инобытийный мир, мы открываем в нем таинственную возможность интимного разговора с самим существом жизни, проживаемой в произведении. Это прикосновение к самым глубоким слоям внематериальной жизни рождает в нас ответный резонанс, который, проявляясь в высказывании, становится исповедью. Это именно то, чего ждет всякий человек от искусства: искренности автора и исповедальности исполнителя. Поскольку, несмотря на то, что в Новое время профессиональное исполнительство переместилось из храма в светскую обстановку, искусство по сей день, сохраняет дух приподнятости над повседневностью, стремление к возвышенному, идеализированному восприятию мира, что впервые определились под прямым воздействием атмосферы храма.
Высокоорганизованная творческая деятельность исполнителя, опирающаяся на авторский текст, является уровнем художественного мышления, который включает в себя с одной стороны, – генерирование новых идей, а с другой, – точное воспроизведение первичного материала. Этот процесс невозможен без способности находить новые решения, видя целостность в том, что преобразуется и что получается в результате преобразования.
Творческий подход к исполнительству также невозможен без художественно-образного мышления, без интуиции, без эмоционального настроя, без оценочной деятельности. Положительную роль в художественном мышлении играют видение альтернативных ходов развития мысли, продумывание и работа с ассоциациями на заданную тему. В результате вырабатывается некая сложная сеть ходов, которая служит основой для свободного движения мысли. На начальном этапе работы с произведением всегда существует некий излишек разнообразия версий, готовых к «прокручиванию» и сценариев решения проблемы, что в итоге оборачивается большей плодотворностью результата. Значимым в этом процессе является то, что художник-исполнитель – метаиндивидуальность . Он осознает себя одновременно целым и частью другого целого, с которым он взаимодействует. Только при полном осознании этого возможна эмпатия, только в этом случае «происходит искусство» и создается поэтика исполнительства.
Как и всякий художник, исполнитель ограничен. Ограничен по-своему: формой произведения и традицией его исполнения. Так же, как иконописец творит, ограниченный формой канона, так и исполнитель нисколько не ущемлен в своем творчестве пресловутой «вторичностью». В процессе работы над произведением главная задача исполнителя заключается не столько в «разгадывании» замысла автора, сколько в поиске его бытийной достоверности в настоящий момент. Тонкая грань, отделяющая достоверное от похожего, подлинное от иллюзорного, жизнь от имитации жизни, часто является непреодолимой для исполнителя. Чтобы справиться с трудностями на пути воплощения образа или произведения для исполнителя важно хорошо освоить методику исполнительского искусства и особенности исполнительского языка.
Метод (греч. «путь, следование») – это способ достижения поставленной цели, предполагающий совокупность приемов и средств. Как категория художественного творчества, метод исполнительского искусства включает в себя такие понятия, как интерпретация, исполнительский язык, интуиция и эмпатия.
Исполнительский язык является языком сердца исполнителя, языком его души, на котором он общается со зрителем. В качестве канвы используется оригинальный авторский текст, наполняемый при этом оттенками и нюансами личного отношения, восприятия и мироощущения. Эти оттенки у каждого из нас неповторимы и зависят от духовных глубин, в которые способно погружаться наше сердце. Под исполнительским языком понимается совокупность выразительно-изобразительных средств, арсенал возможностей, которыми на данном этапе развития цивилизации располагает система искусства. Что же это за язык? В чем его особенности? Какие выразительные средства он использует? Как он обогащает или обедняет язык оригинального произведения? Какова специфика его воздействия на аудиторию?
Выразительные средства исполнителя – это тонкие, подчас трудноуловимые для внешнего сознания инструменты, такие как интонация, тембр, жест или мимика, в которые можно вложить свое индивидуальное отношение к действию, мысли или чувству. При этом, безусловно, безоговорочное подчинение исполнительского языка исключительно художественным целям, а именно – интерпретации художественного образа.
Интерпретация , как способ художественного истолкования произведения, это результат исполнительской деятельности, появляющийся в процессе сопряжения времен: исторического и настоящего. Этот термин вошел в обиход в середине девятнадцатого века и сегодня является основным понятием исполнительского искусства.
Произведение, так или иначе фиксирует жизненный и художественный опыт автора, являясь «летописью» самых напряженных моментов его жизни. Вся «ткань» произведения, структура текста, его графическое изображение предстает нам в виде информации, сообщающей реципиенту совершенно определенные вещи. Исполнитель, интерпретируя эту информацию, по силе духовного и эстетического воздействия нисколько не уступает автору. Он такой же творец, как живописец, композитор, писатель или поэт. Несмотря на то, что исполнитель ограничен рамками текста и вынужден говорить языком автора, он не является слепым проводником авторской воли, так как имеет и свой собственный исполнительский язык, на котором общается с аудиторией, наполняя информационное сообщение автора энергией интерпретации.
Интерпретация возникает в сознании исполнителя в процессе построения собственной концепции и отбора исполнительских средств, необходимых для ее овеществления. Далеко не всё в рождении исполнительской трактовки происходит сознательно, особенно в живом исполнении. Спонтанность, стихийность выражения, непредсказуемость и творческие импульсы исполнителя часто приходят из подсознания, питаясь из иррационального источника. Таким образом, исполнитель непременно вносит в интерпретацию черты собственной творческой индивидуальности, по-своему прочитывая авторский замысел. Однако интерпретация исполнителя, будучи индивидуально-неповторимой не должна расходиться или противоречить замыслу автора.
К достижению своей цели, художник-исполнитель следует, проходя основные этапы творческого процесса. В эту работу включаются: ознакомление с произведением, биографией и эстетическими взглядами автора; разгадывание авторского замысла; нахождение верной эмоциональной структуры в заданных условиях; выявление художественно-эстетического смыслового подтекста; привнесение в произведение новых творческих элементов и художественных решений; обогащение произведения (художественного образа), благодаря особому творческому состоянию исполнителя; поиск специфических выразительных средств. В процессе работы над произведением (образом) исполнителю важно одинаково полное доверие опыту и интуиции .
Любое новое прочтение и осмысление оригинала это уже творческий акт сопереживания чувствам автора. При этом творческим процессом часто управляет не структура или форма, а воображение и интуиция, способные проникнуть через границы сознания. На сегодняшний день в науке нет единого понимания того, что представляет собой интуиция, какова ее природа и механизм действия.
Интуитивная деятельность художника-исполнителя, скорее всего, относится к синергетике, как направлению науки, занимающемуся исследованием механизмов самодостраивания новых структур и систем от элементарных визуальных и мысленных образов к более сложным представлениям. Исследованием вопросов интуиции занимались многие философы, психологи и искусствоведы: И.Кант, Ф.Шеллинг, А.Бергсон, Б.Кроче, Ф.Асмув, Л.Выготский, Б.Тепос, Я.Пономрев, А.Налчаджян, А.Хитрук, Г.Дадомян, А.Никтин. и др. Однако, по словам Марио Бунге, представление об интуиции на сегодняшний день сводится к некой «коллекции хлама», куда собираются все механизмы, о которых мы не имеем точного представления. Хотя по признанию многих авторов и исполнителей, именно интуиция, как некое творческое озарение, составляет основу всего творческого процесса.
Интуитивное знание обычно рожается в виде неожиданной догадки, символической схемы, в которой угадываются лишь контуры будущего произведения.
Интуиция бывает двух типов:
Логическая – не нарушающая сложившуюся логику знаний. Такая интуиция образуется цепочкой умозаключений, обобщений и аналогий. Подобный тип интуиции называют «интуиция–догадка» или «интуиция–предвосхищение». Эта интуиция заключается в угадывании результата, который последовательно подтверждается логическим доказательством.
Иррациональная – противоречащая установившимся взглядам и системе научных знаний. Этот тип интуиции как бы ломает старую систему суждений, ставит новые задачи и дает иные объяснения аномалиям и противоречиям существующих теорий.
Художественно-творческая интуиция «сливает» в единое целое чувственное и логическое, неосознанное и сознательное. Условием инициирования интуиции в исполнительском искусстве являются высокий уровень взаимоотношений человека и искусства, художественное мышление и мастерское владение механизмом исполнительской творческой деятельности.
Вступая в общение с авторским произведением, исполнитель расширяет границы своего бытия, включая в свою жизнь чужой жизненный опыт, как собственный. Для того, чтобы стать сопричастным состояниям, изначально породившим художественный опыт, личность исполнителя должна «прорезонировать» с личностью автора. Это называется эмпатической способностью , без которой в искусстве невозможно получение нового результата. Исполнитель соотносит себя с произведением, анализирует, насколько созвучно его душе то, что он исполняет, и в соответствии с этим выстраивает взаимоотношения с создаваемым художественным образом.
Исполнительская эмпатия осуществляется в ходе расшифровки авторской идеи и создания самостоятельного художественного образа. Таким образом, происходит процесс обратный авторскому. У автора идея обыкновенно зарождается под влиянием внехудожественных доминант. В исполнительском искусстве наоборот, - созданные образы вызывают к жизни внехудожественные ассоциации. То есть акт творческого открытия у исполнителя происходит не рациональным путем, а на основе эмпатии. Именно поэтому мы чувствуем правдивость характеров и авторских образов, хотя зачастую не можем их доказать.
Однако, будет ошибочным мнение, что эмпатия автоматически приводит к художественному открытию. Она всего лишь техническое условие для творческого акта, необходимое на определенном этапе работы с авторским произведением. Подобное «вчувствование» и мысленное пребывание в первичном материале, слияние с ним, является гарантией достоверности приобретаемой информации. Недаром говорят, что актер – самый понятливый читатель, а музыкант – самый благодарный слушатель. Эмпатическая способность дает возможность исполнителю посредством своей физики, психики, интеллекта, чувства и созерцания, прикоснуться к внематериальной сущности скрытой в материи, ради которой и создается любое художественное произведение.
Подводя итог рассуждениям об исполнительском искусстве, представляется важным еще раз подчеркнуть значимость для этого процесса личности исполнителя, а так же мастерского владения всем механизмом творческой деятельности и языком своего исполнительского искусства. Необходимо помнить, что художественно слабое исполнение может перечеркнуть достоинства произведения, а яркое исполнение может превзойти его и украсить. Умение «перевоплощаться» должно сопровождаться стремлением пройти с автором весь путь творения, а не быть слепым пародированием внешних примет стиля автора и его эпохи. Исполнитель должен одновременно сознавать себя целым и частью другого целого, с которым он вступает во взаимодействие.
Основополагающий принцип исполнительского искусства – неукоснительное выполнение авторского текста, без привнесения личных деталей и вместе с тем умение оставаться самим собой. Интерпретируя и воссоздавая произведение, исполнитель должен каждый раз, как бы превышать границы своих возможностей, ставя перед собой некую сверхзадачу. В противном случае может произойти омертвение художественного образа и искусственность изображения. Помочь в этом может понимание того, что интерпретация – всегда творческий акт, а «воссоздавать» и «вновь создавать» - понятия однородные.
Исполнителю необходимо всегда помнить о воспитательном значении искусства, силе его воздействия на эстетическое мировоззрение и духовный облик публики. Поэтому важно раскрывать произведение не только с технической стороны, но и с духовной, чтобы в своих трактовках дарить публике только самые высокие чувства. Считается, что в исполнении проявляется истинная человеческая сущность художника, и большой артист, прежде всего – большой человек. Поэтому важно самоотверженное служение искусству, саморазвитие, расширение своих технических навыков и драматических способностей, доведение формы исполнения до максимального совершенства, исключая все лишнее, чтобы звук, взгляд, жест – все было слито в единое целое.
Любой исполнитель может достичь больших результатов на этом поприще, если будет испытывать постоянную неудовлетворенность уровнем своего профессионального развития, если будет любить многое и гореть желанием донести все любимое до публики, увлекая ее стихийностью воли и эмоциональностью исполнения, непосредственным ответом на что всегда бывает чувственный ответ публики.
Литература:
Басин Е.Я. Психология художественного творчества. –М.,1985.
Басин Е. Творческая личность художника. – М.,1988.
Батищев Т. Введение в диалектику творчества. –Спб., 1997г.
Бунге М. интуиция и наука. –М., 1967.
Выготский Л. Психология искусства. -Р н-д., 1998.
Дорфман Л. Эмоция в искусстве. – М., 1997.
Ильин И. Одинокий художник. – М., 1993.
Лосев А. Музыка, как предмет логики. –М., 2001.
Мильштейн Я. Вопросы теории и истории исполнительства. –М., 1983.
Фейенберг Е.Л. Две культуры. Интуиция и логика в искусстве и науке. –М., 1992.