Художники возрождения список всех. Художники раннего возрождения. Живопись эпохи Возрождения

Вконтакте

Одноклассники

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин - и он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы - это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

В трудные для Италии времена и насту­пает недолгий «золотой век» итальянского Возрождения - так называемый Высокий Ренессанс, наивысшая точка расцвета италь­янского искусства. Высокий Ренессанс совпал, таким образом, с периодом ожесточенной борьбы итальянских городов за независи­мость. Искусство этого времени было пронизано гуманизмом, верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в разумное устройство мира, в торжество прогресса. В искусстве на первый план выдвинулись проблемы гражданского долга, высоких моральных качеств, подвига, образ прекрасного, гармонично раз­витого, сильного духом и телом человека-героя, сумевшего поднять­ся над уровнем повседневности. Поиск такого идеала и привел искусство к синтезу, обобщению, к раскрытию общих закономер­ностей явлений, к выявлению их логической взаимосвязи. Искус­ство Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначитель­ных подробностей во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого Возрождения от раннего.

Леонардо да Винчи (1452-1519) явился первым художником, наглядно воплотившим это отличие. Первым учителем Леонардо был Андреа Вероккио. Фигура ангела в картине учителя «Крещение» уже отчетливо демон­стрирует разницу в восприятии мира художником прошлой эпохи и новой поры: никакой фронтальной плоскостности Вероккио, тончайшая светотеневая моделировка объема и необычайная оду­хотворенность образа. . Ко времени ухода из мастерской Вероккио исследователи относят «Мадонну с цветком» («Мадонна Бенуа», как она называлась раньше, по имени владельцев). В этот период Леонардо, несомненно, некоторое время находился под влиянием Боттичелли. От 80-х годов XV в. сохранились две неоконченные композиции Леонардо: «Поклонение волхвов» и «Св. Иероним». Вероятно, в сере­дине 80-х годов была создана в старинной технике темперы и «Ма­донна Литта», в образе которой нашел выражение тип леонардовской женской красоты: тяжелые полу­опущенные веки и едва уловимая улыбка придают лицу мадонны особую одухотворенность.

Соединяя научное и творче­ское начала, обладая как логическим, так и художественным мышлением, Леонардо всю жизнь занимался учеными изысканиями наравне с изобразительным искусством; отвлекаясь, он казался медлительным и оставил после себя немного произведений искус­ства. При миланском дворе Леонардо работал как художник, ученый техник, изобретатель, как математик и анатом. Первым большим произведением, которое он исполнил в Ми­лане, была «Мадонна в скалах» (или «Мадонна в гроте»). Это первая монументальная алтарная композиция Высокого Ре­нессанса, интересная еще и тем, что в ней в полной мере выразились особен­ности леонардовской ма­неры письма.

Самой большой работой Леонардо в Милане, высшим достиже­нием его искусства была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие на сюжет «Тайной вечери» (1495-1498). Христос в последний раз встречается за ужином со своими учени­ками, чтобы объявить им о предательстве одного из них. Для Леонардо искусство и наука существовали нераздельно. Занимаясь искусством, он делал научные изыскания, опыты, на­блюдения, он выходил через перспективу в область оптики и физики, через проблемы пропорций - в анатомию и математику и т. д. «Тайная вечеря» завершает целый этап в научных изысканиях художника. Она является также и новым этапом в искусстве.

От занятий анатомией, геометрией, фортификацией, мелиора­цией, лингвистикой, стихосложением, музыкой Леонардо отрывал­ся для работы над «Конем» -конным памятником Франческо Сфорца, ради которого он прежде всего и приехал в Милан и который в начале 90-х годов исполнил в полный размер в глине. Памятнику не суждено было воплотиться в бронзе: в 1499 г. французы вторглись в Милан и гасконские арбалетчики расстреляли конный монумент. С 1499 г. начинаются годы скитаний Леонардо: Мантуя, Венеция и, наконец, родной город художника - Флоренция, где он пишет картон «Св. Анна с Марией на коленях», по которому создает картину маслом в Милане (куда возвратился в 1506 г.)

Во Флоренции Леонардо была начата еще одна живописная работа: портрет жены купца дель Джокондо Моны Лизы, ставший одной из самых знаменитых картин в мире.

Портрет Моны Лизы Джоконды - это решающий шаг на пути развития ренессансного искусства

Впервые портретный жанр стал в один уровень с композициями на религиозную и мифологическую темы. При всем бесспорном физиономическом сходстве портреты Кватроченто от­личались если не внешней, то внутренней скованностью. Велича­вость Моне Лизе сообщает уже одно сопоставление ее сильно выдвинутой к краю холста подчеркнуто объемной фигуры с види­мым как бы издалека ландшафтом со скалами и ручьями, тающим, манящим, неуловимым и потому при всей реальности мотива фантастичным.

Леонардо в 1515 г. по предложению французского короля Франциска I навсегда уезжает во Францию.

Леонардо был величайшим художником своего времени, гением, открывшим новые горизонты искусства. Он оставил после себя немного произведений, но каждое из них явилось этапом в истории культуры. Леонардо известен также как разносторонний ученый. Его научные открытия, например, его изыскания в области лета­тельных аппаратов представляют интерес и в наш век космонавтики. Тысячи страниц рукописей Леонардо, охватывая буквально все области знания, свидетельствуют об универсальности его гения.

Идеи монументального искусства Возрождения, в которых сли­лись традиции античности и дух христианства, нашли наиболее яркое выражение в творчестве Рафаэля (1483-1520). В его искус­стве обрели зрелое решение две основные задачи: пластическое совершенство человеческого тела, выражающее внутреннюю гар­монию всесторонне развитой личности, в чем Рафаэль следовал античности, и сложная многофигурная композиция, передающая все многообразие мира. Рафаэль обогатил эти возможности, достигнув поразительной свободы в изображении пространства и движения в нем человеческой фигуры, безукоризненной гармонии между средой и человеком.

Никто из мастеров Возрождения не воспринял так глубоко и естественно языческую сущность антич­ности, как Рафаэль; недаром его считают художником, наиболее полно связавшим античные традиции с западноевропейским искус­ством новой поры.

Рафаэль Санти родился в 1483 г. в городе Урбино, одном из центров художественной культуры Италии, при дворе герцога урбинского, в семье придворного живописца и поэта, который и явился первым учителем будущего мастера

Ранний период творче­ства Рафаэля прекрасно характеризует небольшая картина в форме тондо «Мадонна Конестабиле», с ее простотой и лаконизмом строго отобранных деталей (при всей робости композиции) и особым, присущим всем работам Рафаэля, тонким лиризмом и чувством умиротворения. В 1500 г. Рафаэль уехал из Урбино в Перуджу учиться в мастерской известного умбрийского художника Перуджино, под влиянием которого написано «Обручение Марии» (1504). Чувство ритма, соразмерности пластических масс, пространствен­ных интервалов, соотношение фигур и фона, согласование основ­ных тонов (в «Обручении» это золотистые, красные и зеленые в сочетании с нежно-голубым фоном неба) и создают ту гармонию, которая проявляется уже в ранних работах Рафаэля и отличает его от художников предыдущей поры.

На протяжении всей жизни Рафаэль ищет этот образ в мадонне, его многочисленные произведения, толкующие образ мадонны, снискали ему всемирную славу. Заслуга художника прежде всего в том, что он сумел воплотить все тончайшие оттенки чувств в идее материнства, соединить лиричность и глубокую эмоциональность с монументальным величием. Это видно во всех его мадоннах, начиная с юношески робкой «Мадонны Конестабиле»: в «Мадонне в зелени», «Мадонне со щегленком», «Мадонне в кресле» и особенно в вершине рафаэльевского духа и мастерства - в «Сикстинской мадонне».

«Сикстинская ма­донна» - одно из самых совершенных произведений Рафаэля и по языку: фигура Марии с младенцем, строго вырисовывающаяся на фоне неба, объединена общим ритмом движения с фигурами св. Варвары и Папы Сикста II, жесты которых обращены к мадонне, как и взгляды двух ангелов (более похожих на путти, что так характерно для Возрождения), - в нижней части композиции. Фигуры объединены и общим золотым колоритом, как бы олицет­воряющим Божественное сияние. Но главное - это тип лица ма­донны, в котором воплощен синтез античного идеала красоты с духовностью христианского идеала, что столь характерно для ми­ровоззрения Высокого Возрождения.

«Сикстинская мадонна» - позднее произведение Рафаэля.

В начале XVI в. Рим становится главным культурным центром Италии. Искусство Высокого Возрождения достигает сво­его наивысшего расцвета в этом городе, где волею меценатствующих пап Юлия II и Льва Х работают одновременно такие художники, как Браманте, Микеланджело и Рафаэль.

Рафаэль расписывает первые две станцы. В станце делла Сеньятура (комнате подписей, печатей) он написал четыре фрески-ал­легории основных сфер духовной деятельности человека: фило­софии, поэзии, богословия и юриспруденции.(«Афинская школа», «Парнас», «Диспута», «Мера, Мудрость и Сила». Во второй комнате, называемой «станца Элиодора», Рафаэль написал фрески на исторические и легендарные сюжеты, прославляющие римских пап: «Из­гнание Элиодора»

Для искусства сред­невековья и раннего Возрождения было свойственно изображать науки и искусства в образе отдельных аллегорических фигур. Рафаэль решил эти темы в виде многофигурных композиций, представляющих иногда настоящие групповые портреты, интерес­ные как своей индивидуализацией, так и типичностью

Ученики помогали Рафаэлю и в росписи примыкавших к ком­натам Папы лоджий Ватикана, расписанных по его эскизам и под его наблюдением мотивами античных орнаментов, почерпнутых преимущественно из только что открытых античных гротов (отсюда название «гротески»).

Рафаэль исполнял работы самых разных жанров. Его дар декора­тора, а также режиссера, рассказчика полностью проявился в серии из восьми картонов к шпалерам для Сикстинской капеллы на сюжеты из жизни апостолов Петра и Павла («Чудесный улов рыбы», напри­мер). Эти картины на протяжении XVI-XVIII вв. служили для классицистов своего рода этало­ном.

Рафаэль был и величайшим портретистом своей эпохи. («Папа Юлий II», «Лев X», друг художника писатель Кастильоне, прекрасная «Донна Велата» и др.). И в его портретных изображе­ниях, как правило, господствует внутренняя уравновешенность и гармония.

В конце жизни Рафаэль был непомерно загружен разнообраз­ными работами и заказами. Даже трудно представить, что все это мог исполнить один человек. Он являлся центральной фигурой художественной жизни Рима, после смерти Браманте (1514) стал главным архитектором собора св. Петра, ведал археологическими раскопками в Риме и его окрестностях и охраной античных памят­ников.

Рафаэль умер в 1520 г.; его преждевременная смерть была неожиданной для современников. Прах его погребен в Пантеоне.

Третий величайший мастер Высокого Возрождения - Микел­анджело - намного пережил Леонардо и Рафаэля. Первая полови­на его творческого пути приходится на период расцвета искусства Высокого Ренессанса, а вторая - на время Контрреформации и начало формирования искусства барокко. Из блестящей плеяды художников Высокого Ренессанса Микеланджело превзошел всех насыщенностью образов, гражданственным пафосом, чуткостью к смене общественного настроения. Отсюда и творческое воплощение крушения ренессансных идей.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) В 1488 г. во Флоренции начал тщательно изучать античную пластику. Его рельеф «Битва кентавров» по внутренней гармонии уже произведение Высокого Возрождения. В 1496 г. молодой художник уезжает в Рим, где создает свои первые принесшие ему славу произведения: «Вакх» и «Пьета». Буквально захваченный образами античности. «Пьета» - открывает целый ряд работ мастера на этот сюжет и выдвигает его в число первых скульпторов Италии.

Возвратившись в 1501 г. во Флоренцию, Микеланджело по поручению Синьории взялся изваять фигуру Давида из испорченной до него незадачливым скульптором мраморной глыбы. В 1504 г. Микеланджело закончил знаменитую статую, названную флорен­тийцами «Гигантом» и поставленную ими перед палаццо Веккиа, городской ратушей. Открытие памятника превратилось в народное торжество. Образ Давида вдохновлял многих художников Кватро­ченто. Но не мальчиком, как у Донателло и Вероккио, изображает его Микеланджело, а юношей в полном расцвете сил, и не после сражения, с головою великана у ног, а перед битвой, в момент наивысшего напряжения сил. В прекрасном образе Давида, в его суровом лице скульптор передал титаническую силу страсти, не­преклонную волю, гражданское мужество, безграничную мощь свободного человека.

В 1504 г. Микеланджело (как уже упоминалось в связи с Леонардо) начинает работать над росписью «Зала пятисот» в палац­цо Синьории

В 1505 г. Папа Юлий II пригласил Микеланджело в Рим для сооружения себе гробницы, но потом отказался от заказа и заказал менее грандиозную роспись потолка Сикстинской капеллы при Ватикан­ском дворце.

Над росписью плафона Сикстинской капеллы Микеланджело работал один, с 1508 по 1512 г., расписав площадь около 600 кв. м (48х13 м) на высоте 18 м.

Центральную часть потолка Микеланджело посвятил сценам священной истории, начиная от сотворения мира. Эти композиции обрамлены написанным же, но создающим иллюзию архитектуры, карнизом и разделены, также живописными, тягами. Живописные прямоугольники подчеркивают и обогащают реальную архитектуру плафона. Под живописным карнизом Микеланджело написал про­роков и сивилл (каждая фигура около трех метров), в люнетах (арках над окнами) изобразил эпизоды из Библии и предков Христа как простых людей, занятых повседневными делами.

В девяти центральных композициях развертываются события первых дней творения, история Адама и Евы, всемирный потоп, и все эти сцены, по сути, являются гимном человеку, заложенным в нем. Вскоре после окончания работ в Сикстине умер Юлий II и его наследники возвратились к мысли о надгробии. В 1513-1516 гг. Микеланджело исполняет фигуру Моисея и рабов (пленников) для этого надгробия. Образ Моисея - один из самых сильных в творчестве зрелого мастера. Он вложил в него мечту о вожде мудром, смелом, полном титанических сил, экспрессии, воли-качеств, столь необходимых тогда для объединения его родины. Фигуры рабов не вошли в окончательный вариант гробницы.

С 1520 по 1534 г. Микеланджело работает над одним из самых значительных и самых трагических скульптурных произведений - над гробницей Медичи (флорентийская церковь Сан Лоренцо), выражающей все переживания, выпавшие в этот период на долю и самого мастера, и его родного города, и всей страны в целом. С конца 20-х годов Италия буквально раздиралась как внешними, так и внутренними врагами. В 1527 г. наемные солдаты разгромили Рим, протестанты разграбили католические святыни вечного города. Флорентийская буржуазия свергает Медичи, правивших вновь с 1510г

В настроении тяжелейшего пессимизма, в состоянии усилива­ющейся глубокой религиозности и работает Микеланджело над гробницей Медичи. Он сам сооружает пристройку к флорентийской церкви Сан Лоренцо -небольшое, но очень высокое помещение, перекрытое куполом, и оформляет две стены сакристии (ее внут­реннего помещения) скульптурными надгробиями. Одну стену ук­рашает фигура Лоренцо, противоположную - Джулиано, а внизу у их ног размещаются саркофаги, украшенные аллегорическмие скульптурными изображениями -символами быстротекущего времени: «Утра» и «Вечера» -в надгробии Лоренцо, «Ночи, и «Дня» - в надгробии Джулиано.

Оба изображения - Лоренцо и Джулиано - не имеют портретного сходства, чем отличаются от традиционных решений XV века.

Павел III тотчас после своего избрания стал настойчиво требовать от Микеланджело исполнения этого замысла, и в 1534 г., прервав работу над гробни­цей, которую он завершил только в 1545 г., Микеланджело уезжает в Рим, где приступает ко второй работе в Сикстинской капелле - к росписи «Страшный суд» (1535-1541)-грандиозному тво­рению, выразившему трагедию человеческого рода. Черты новой художественной системы проявились в этой работе Микеланджело еще ярче. Творящий суд, карающий Христос помещен в центре композиции, а вокруг него во вращательном круговом движении изображены низвергающиеся в ад грешники, возносящиеся в рай праведники, встающие из могил на Божий суд мертвецы. Все полно ужаса, отчаяния, гнева, смятения.

Живописец, скульптор, поэт, Микеланджело был также и гени­альным архитектором. Им исполнена лестница флорентийской библиотеки Лауренцианы, оформлена площадь Капитолия в Риме, возведены ворота Пия (Porta Pia), с 1546 г. он работает над собором св. Петра, начатым еще Браманте. Микеланджело принадлежит рисунок и чертеж купола, который был исполнен уже после смерти мастера и до сих пор является одной из главных доминант в панораме города.

Микеланджело умер в Риме в возрасте 89 лет. Тело его было вывезено ночью во Флоренцию и погребено в старейшей церкви родного города Санта Кроче. Историческое значение искусства Микеланджело, его воздействие на современников и на последую­щие эпохи трудно переоценить. Некоторые зарубежные исследова­тели трактуют его как первого художника и архитектора барокко. Но более всего он интересен как носитель великих реалистических традиций Ренессанса.

Джордже Барбарелли да Кастельфранко, по прозванию Джорд­жоне (1477-1510),-прямой последователь своего учителя и ти­пичный художник поры Высокого Возрождения. Он первый на венецианской почве обратился к темам литературным, к сюжетам мифологическим. Пейзаж, природа и прекрасное нагое человече­ское тело стали для него предметом искусства и объектом покло­нения.

Уже в первом известном произведении «Мадонна Кастельфран­ко» (около 1505) Джорджоне предстает вполне сложившимся ху­дожником; образ мадонны полон поэтичности, задумчивой мечта­тельности, пронизан тем настроением печали, которое свойственно всем женским образам Джорджоне. За последние пять лет своей жизни художник создал свои лучшие произведения, исполнен­ные в масляной технике, основной в венецианской школе в тот период. . В картине 1506 г. «Гроза» Джорд­жоне изображает человека как часть природы. Кормящая ребенка женщина, юноша с посохом (которого можно принять за воина с алебардой) не объединены каким-либо действием, но соединены в этом величественном ландшафте общим настроением, общим ду­шевным состоянием. Одухотворенностью и поэтичностью пронизано изображение «Спящей Венеры» (около 1508-1510). Ее тело написано легко, свободно, изящно, недаром исследователи говорят о «музыкально­сти» ритмов Джорджоне; оно не лишено и чувственной прелести. «Сельском концерте» (1508-1510)

Тициан Вечеллио (1477?-1576) -величайший художник вене­цианского Возрождения. Он создал произведения и на мифологи­ческие, и на христианские сюжеты, работал в жанре портрета, его колористическое дарование исключительно, композиционная изо­бретательность неисчерпаема, а его счастливое долголетие позво­лило ему оставить после себя богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков.

Уже в 1516 г. он становится первым живописцем республики, с 20-х годов - самым прославленным художником Венеции

Около 1520 г. герцог Феррарский заказывает ему цикл картин, в которых Тициан предстает певцом античности, сумевшим почувствоватьи, главное, воплотить дух язычества («Вакханалия», «Праздник Вене­ры», «Вакх и Ариадна»).

Богатые венецианские патриции заказывают Тициану алтарные образа, и он создает ог­ромные иконы: «Вознесение Марии», «Мадонна Пезаро»

«Введение Марии во храм» (около 1538), «Венера» (около 1538)

(групповой порт­рет Папы Павла III с племянниками Оттавио и Александром Фарнезе, 1545-1546)

Он еще много пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Пастух и нимфа», «Диана и Актеон», «Юпитер и Антиопа»), но все чаще обращается к темам христианским, к сценам мученичеств, в ко­торых языческая жизнера­достность, античная гар­мония сменяются трагиче­ским мироощущением («Бичевание Христа», «Кающаяся Мария Магда­лина», «Св. Себастьян», «Оплакивание»),

Но в конце века и здесь уже очевидны черты надвигающейся новой эпохи в искусстве, нового художественного направления. Это видно на примере творче­ства двух крупнейших художни­ков второй половины этого сто­летия - Паоло Веронезе и Якопо Тинторетто.

Паоло Кальяри, по прозвищу Веронезе (он родом из Вероны, 1528-1588), суждено было стать последним певцом празднич­ной, ликующей Венеции XVI в.

: «Пир в доме Левия» «Брак в Кане Галилейской» для трапезной монастыря Сан Джордже Маджоре

Якопо Робусти, известного в искусстве как Тинторетто (1518-1594) («тинторетто»-красильщик: отец художника был красильщиком шелка). «Чудо святого Марка» (1548)

(«Спасение Арсинои», 1555), «Введение во храм» (1555),

Андреа Палладио (1508-1580, Вилла Корнаро в Пьомбино, Вилла Ротонда в Виченце, завершенная уже после его смерти учениками по его проекту, многие здания в Виченце). Результатом его изучения античности явились книги «Римские древности» (1554), «Четыре книги по архитектуре» (1570-1581), но античность была для него «живым организмом», по справедливому наблюдению исследовате­ля.

Нидерландское Возрождение в живописи начинается с «Гентского алтаря» братьев Губерта (умер в 1426 г.) и Яна (около 1390-1441) ван Эйков, законченного Яном ван Эйком в 1432 г. Ван Эйки усовершенствовали масляную технику: масло давало возможность более разносторонне передать блеск, глубину, богатство предметного мира, привлекающего внимание нидерлан­дских художников, его красочную звучность.

Из многочисленных мадонн Яна ван Эйка наиболее известна «Мадонна канцлера Роллена» (около 1435)

(«Человек с гвоздикой»; «Человек в тюрбане», 1433; портрет жены художника Маргариты ван Эйк, 1439

Многому в решении подобных проблем нидерлан­дское искусство обязано Рогиру ван дер Вейдену (1400?-1464) «Снятие с креста» - типичное произведение Вейдена.

На вторую половину XV в. приходится творчество мастера исключительного дарования Гуго ван дер Гуса (около 1435-1482) «Смерть Марии»).

Иеронима Босха (1450-1516), создателя мрачных мистических видений, в которых он обращается и к средневековому аллегоризму, «Сад наслаждений»

Вершиной нидерландского Ренессанса было, несомненно, твор­чество Питера Брейгеля Старшего, прозванного Мужицким (1525/30-1569) («Кухня то­щих», «Кухня тучных»), Особую славу у потомков заслужил «Зимний пейзаж» из цикла «Времена года» (другое название - «Охотники на снегу», 1565), «Битве Карнавала и Поста» (1559).

Альбрехта Дюрера (1471-1528).

«Праздник четок» (другое название - «Мадонна с четками», 1506), «Всадник, смерть и дьявол», 1513; «Св. Иероним» и «Ме­ланхолия»,

Ганс Гольбейн Младший (1497-1543), «Триумф смерти» («Пляска смерти») портрет Джейн Сеймур, 1536

Альбрехт Альтдорфер (1480-1538)

Ренессанса Лукас Кранах (1472- 1553),

Жан Фуке (около 1420-1481) ,Портрет Карла VII

Жан Клуэ (около 1485/88-1541), сын Франсуа Клуэ (около 1516- 1572) -самый крупный художник Франции XVI в. портрет Елизаветы Австрийской, около 1571, (пор­трет Генриха II, Марии Стюарт и др)

Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. конец XIII века. Проторенессанс еще тесно связан со средневековыми романскими. готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII - начала XIV вв. еще далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, еще используя условные образы византийской изобразительной системы - скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведен, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделенном свойствами реальности - объемом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приемов передачи на плоскости объема и трехмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей фигуры и здания приобретают плотность и объем.

По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ . К сожалению, самая его значительная работа - серия росписей на темы из Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчетливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало и возвышенную эллинскую красоту образов.

Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи XIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337). Он создатель новой живописной системы, великий преобразователь всей европейской живописи, истинный родоначальник нового искусства. Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.

Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии: от Падуи и Милана на севере до Неаполя на юге. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто - цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль - одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл.38 сцен из жизни Христа и Марии ("Встреча Марии и Елизаветы", "Поцелуй Иуды", "Оплакивание" и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения.

Реформа, произведенная Джотто в живописи, произвела глубокое впечатление на всех его современников. Единодушные отзывы о нем как о великом живописце, обилие заказчиков и покровителей, почетные поручения во многих городах Италии - все это говорит о том, что современники прекрасно понимали значение его искусства. Но ближайшие поколения подражали Джотто как робкие ученики, заимствуя у него частности.

Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто.

Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо , умершему совсем молодым (1401-1428). Он первым решил главные проблемы живописи Возрождения - линейной и воздушной перспективы. На его фресках в капелле Бранкаччи флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между собой и с пейзажем.

Церковь Санта Мария дель Кармине стала своего рода академией, где учились поколения художников, испытавших влияние Мазаччо: Паоло Учелло, Андрей Кастаньо, Доменико Венициано и многие другие вплоть до Микеланджело.

Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и более консервативное течение. Некоторые художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был фра (т.е. брат - обращение монахов друг к другу) Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455). Его образы библейских персонажей написаны в духе средневековых традиций, они полны лиризма, спокойного достоинства и созерцательности. Его пейзажные фоны пронизаны чувством жизнерадостности, характерным для эпохи Возрождения.

Один из самых выдающихся художников Кватроченто - Сандро Боттичелли (1445-1510) - выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.

Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.

К рубежу XV-XVI вв. относится начало длительной иностранной интервенции в Италию, раздробление и порабощение страны, утрата независимости свободных городов, усиление феодально-католической реакции. Но в итальянском народе росло патриотическое чувство, способствующее политической активности и росту национального самосознания, стремление к национальному объединению. Этот подъем народного самосознания создал широкую народную основу культуры Высокого Ренессанса.

Окончание Чинквеченто связывают с 1530 г., когда итальянские государства утратили свободу, став добычей могущественных европейских монархий. Социально-политический и экономический кризис Италии, опирающейся не на промышленный переворот, а на международную торговлю, подготавливался уже давно. Открытие Америки и новых торговых путей лишало итальянские города преимуществ в международной торговле. Но, как известно, в истории культуры периоды расцвета искусства не совпадают с общим социально-экономическим развитием общества. И в период экономического упадка и политического порабощения, в трудные для Италии времена наступает недолгий век итальянского Возрождения - Высокий Ренессанс. Именно в это время гуманистическая культура Италии стала всемирным достоянием, перестала быть местным явлением. Итальянские художники стали пользоваться всеевропейской популярностью, которую действительно заслуживали.

Если искусство Кватроченто - это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса - это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.

Реалистический метод художников Высокого Возрождения своеобразен. Они убеждены, что значительное может существовать только в прекрасной оболочке. Поэтому они стремятся видеть лишь исключительные явления, возвышающиеся над повседневностью. Итальянские художники создавали образы героических личностей, прекрасных и сильных духом людей.

Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность, олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения - гармонию красоты, мощи и интеллекта. Судьбы этих художников (чья мощная человеческая и художественная индивидуальность заставляла выступать их как соперников, неприязненно относиться друг к другу) имели много общего. Все трое сформировались во флорентийской школе, а потом работали при дворах меценатов, главным образом римских пап. Их жизнь - свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которое характерно для эпохи Возрождения. Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени.

Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452-1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам. Теоретические размышления Леонардо о красках, которые он изложил в своем "Трактате о живописи", предвосхищают главные предпосылки импрессионизма XIX в. Леонардо писал о чистоте звучания красок только на световой стороне предмета, о взаимном воздействии красок, о необходимости живописи на открытом воздухе. Эти наблюдения Леонардо совершенно не использованы в его живописи. Он был больше теоретиком чем практиком. Только в XX веке началось активное собирание воедино и обработка его огромного рукописного наследия (около 7000 страниц). Его изучение, несомненно, приведет к новым открытиям и объяснениям загадок легендарного творчества этого титана Возрождения.

Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие на сюжет "Тайной вечери", который писали многие художники Кватроченто. "Тайная вечеря" - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Она воздействует абсолютной продуманностью, согласованностью частей и целого, силой своей духовной концентрации.

Леонардо работал над этим произведением 16 лет.

Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо "Джоконда". Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Самое малейшее изменение оттенков (которое может зависеть просто от освещения портрета) в уголках губ, в переходах от подбородка к щеке меняет характер лица. На разных репродукциях Джоконда выглядит несколько по-иному, то чуть-чуть мягче, то ироничнее, то задумчивее. Неуловимость в самом облике Моны Лизы, в ее проницательном взгляде, будто неотрывно следящем за зрителем, в ее полуулыбке. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства. Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.

Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль его утвердил и популяризовал. Искусство Рафаэля часто определяют как "золотую середину". Его композиция превосходит все, что было создано в европейской живописи, своей абсолютной гармонией пропорций. Искусство Рафаэля на протяжении пяти веков воспринимается как высший ориентир в духовной жизни человечества, как один из образцов эстетического совершенства. Творчество Рафаэля отличают качества классики - ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса.

Самые выдающиеся из монументальных работ Рафаэля - это росписи ватиканских апартаментов папы. Многофигурные крупномасштабные композиции покрывают все стены трех залов. В росписи Рафаэлю помогали ученики. Лучшие фрески, как, например, "Афинская школа", он исполнял собственноручно. Сюжеты росписи включали фрески-аллегории основных сфер духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия и правосудия. В картинах и фресках Рафаэля - идеально-возвышенное изображение христианских образов, античных мифов и человеческой истории. Он умел соединять ценности земного бытия и идеальные представления как никто другой из мастеров Возрождения. Историческая заслуга его искусства в том, что он связал в одно целое два мира - мир христианский и мир языческий. С этого времени новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Западной Европы.

Светлый гений Рафаэля был далек от психологической углубленности во внутренний мир человека, как у Леонардо, но еще более он чужд трагическому мироощущению Микеланджело. В творчестве Микеланджело обозначилось крушение стиля Ренессанса и наметились ростки нового художественного миропонимания. Микельанджело Буонарроти (1475-1564) прожил долгую, трудную и героическую жизнь. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство площадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов.

Самым грандиозным из его трудов стала роспись свода Сикстинской капеллы. Микеланджело совершил поистине титанический труд - в течение четырех лет он один расписал площадь около 600 кв. метров. Изо дня в день он писал на высоте 18 метров, стоя на лесах и запрокидывая голову. После окончания росписи его здоровье было совершенно подорвано, а тело обезображено (впала грудь, выгнулся корпус, вырос зоб; долгое время художник не мог смотреть прямо перед собой и читал, поднимая книгу над головой). Грандиозная роспись посвящена сценам священной истории, начиная от сотворения мира. Микеланджело написал на плафоне около 200 фигур и фигурных композиций. Никогда и нигде не было ничего, подобного замыслу Микеланджело по размаху и цельности. На своде Сикстинской капеллы он создал гимн во славу героического человечества. Его герои - живые люди, в них нет ничего сверхъестественного, но вместе с тем, это прекрасные могучие, титанические личности. Мастера Кватроченто задолго до Микеланджело иллюстрировали на стенах капеллы различные эпизоды церковного предания, Микеланджело на своде хотел представить судьбы человечества до искупления.

Всякая мысль о том, что картина есть плоскость, исчезает. Фигуры свободно движутся в пространстве. Фрески Микеланджело прорывают плоскость стены. Эта иллюзия пространства и движения стала огромным достижением европейского искусства. Открытие Микеланджело того, что декорация может выдвинуть вперед или заставить отступить назад стену и потолок, позднее использует декоративное искусство барокко.

Искусство, верное традициям Ренессанса, продолжает жить в XVI веке в Венеции - городе, дольше всех сохранившем свою независимость. В этой богатой патрицианско-купеческой республике, издавна поддерживающей торговые связи с Византией, с арабским Востоком, по-своему перерабатывались восточные вкусы и традиции. Главное воздействие венецианской живописи - в ее необычайном, колорите. Любовь к цвету постепенно приводила художников венецианской школы к новому живописному принципу. Объемность, материальность изображения достигаются не светотеневой моделировкой, а искусством цветовой лепки.

Эпоха возрождения зародилась в Италии. Свое название она приобрела благодаря резкому интеллектуальному и художественному расцвету, который начался в 14 веке и очень сильно повлиял на европейское общество и культуру. Ренессанс выражался не только в картинах, но и в архитектуре, скульптуре и литературе. Самые выдающиеся представители эпохи возрождения – это Леонардо да Винчи, Боттичелли, Тициан, Микеланджело и Рафаэль.

В эти времена главной целью живописцев было реалистичное изображение человеческого тела, поэтому в основном они рисовали людей, изображали разные религиозные сюжеты. Так же был изобретен принцип перспективы, что открыло перед художниками новые возможности.

Центром Ренессанса стала Флоренция, второе же место заняла Венеция, а позже, ближе к 16 веку – Рим.

Леонардо известен нам, как талантливый живописец, скульптор, учёный, инженер и архитектор эпохи Возрождения. Большую часть своей жизни Леонардо проработал во Флоренции, где создал немало шедевров, известных во всем мире. Среди них: «Мона Лиза» (иначе – «Джоконда»), «Дама с горностаем», «Мадонна Бенуа», «Иоанн Креститель» и «Св. Анна с Марией и младенцем Христом».

Этот художник узнаваем благодаря уникальному стилю, который вырабатывал годами. Он так же разрисовывал стены Сикстинской капеллы по личной просьбе папы Сикста IV. Известные картины Боттичелли писал на мифологическую тематику. К таким картинам относится «Весна», «Паллада и Кентавр», «Рождение Венеры».

Тициан был главой флорентийской школы художников. После смерти своего учителя Беллини, Тициан стал официальным, общепризнанным художником Венецианской республики. Этот живописец известен своими портретами на религиозные темы: «Вознесение Марии», «Даная», «Любовь земная и Любовь небесная».

Итальянский поэт, скульптор, архитектор и художник изобразил немало шедевров, из которых – знаменитая статуя «Давида» из мрамора. Эта статуя стала главной достопримечательностью во Флоренции. Микеланджело расписал свод Сикстинской капеллы в Ватикане, что являлось крупным заказом папы Юлия II. В период своего творчества он больше внимания уделял архитектуре, но подарил нам «Распятие Св. Петра», «Положение во гроб», «Сотворение Адама», «Предсказательницу».

Его творчество формировалось под большим влиянием Леонардо да Винчи и Микеланджело, благодаря которым он обрел бесценный опыт и мастерство. Расписывал парадные залы в Ватикане, представляя человеческую деятельность и изображая разнообразные сцены из Библии. Среди известных картин Рафаэля – «Сикстинская Мадонна», «Три Грации», «Святой Михаил и дьявол».

Иван Сергеевич Церегородцев

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. 15-16 века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения - это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов .
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек - главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины «Пять мастеров флорентийского Возрождения». Начало 16 века. Лувр, Париж.

14 век. Проторенессанс. Главный ее герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.

Джотто. Оплакивание Христа. Фрагмент

Джотто. Поцелуй Иуды. Фрагмент

Джотто. Святая Анна

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто - это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
Между иконой и реализмом Возрождения».
Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.
2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески «Святой Петр на кафедре»). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало 15 века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура - в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако, сами подумайте. 19 картин. И он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагмент фрески "Страшный суд"

Микеланджело. Фрагменты фрески «Страшный суд» в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески «Сотворение Адама». 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вообще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма 20 века. Посмотрите на его «Пьету».

Микеланджело. Давид

Микеланджело. Пьета Палестрины

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до 20 века. Что же делать последующим поколениям? Что ж, идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

Рафаэль. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда. И при жизни. И после смерти.
Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Их внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова «Красота спасёт мир» Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.
Однако чувственные образы - не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём он всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. Множа его чувственные образы в тысячах своих полотен.

6. Тициан (1488-1576 гг).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. Музей Прадо, Мадрид.

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким и ярким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называя «Королём живописцев и живописцем королей».
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые. Густые. Пастозные. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Ничего это вам не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников 19 века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

***
Художники эпохи Возрождения - это художники больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень много знать. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Поэтому они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Используя весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняющими нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.