Zdjęcia o niezwykłej urodzie. „Trzy wieki kobiety”. „Dziewczyna z perłą”, Jan Vermeer

Wśród spokojnych duszpasterstw, szlachetnych portretów i innych dzieł sztuki, które tylko przywołują pozytywne emocje, są obrazy, które są dziwne i szokujące. Zebraliśmy 15 obrazów, które budzą przerażenie u widzów. Co więcej, wszystkie należą do pędzli światowej sławy artystów.

„Guernica”

Jeden z najbardziej znane prace„Guernica” Pabla Picassa to opowieść o tragedii wojny i cierpieniu niewinnych ludzi. Dzieło to zyskało uznanie na całym świecie i stało się przypomnieniem okropności wojny.

„Niepowodzenie umysłu w materii”

„Utrata umysłu na rzecz materii” – obraz namalowany w 1973 roku Austriacki artysta Otto Rappa. Przedstawił rozkład ludzka głowa, umieszczonego na klatce dla ptaków zawierającej kawałek mięsa.

„Dante i Wergiliusz w piekle”

Inspiracją dla obrazu Adolphe'a Williama Bouguereau Dante i Wergiliusz w piekle była krótka scena walki dwóch potępionych dusz z Piekła Dantego.

„Wiszący żywy Murzyn”

To makabryczne dzieło Williama Blake'a przedstawia czarnego niewolnika powieszonego na szubienicy z hakiem przewleczonym przez żebra. Utwór oparty jest na historii holenderskiego żołnierza Steadmana, naocznego świadka tak brutalnej masakry.

"Piekło"

Malowanie „Piekło” Niemiecki artysta Hansa Memlinga, napisana w 1485 roku, jest jedną z najstraszniejszych kreacje artystyczne swoich czasów. Miała popychać ludzi ku cnocie. Memling wzmocnił przerażający efekt tej sceny, dodając podpis: „W piekle nie ma odkupienia”.

Duch wody

Uważany jest za artystę Alfreda Kubina największy przedstawiciel symbolizmu i ekspresjonizmu i jest znany ze swoich mrocznych fantazji symbolicznych. „Duch wody” to jedno z takich dzieł, ukazujące bezsilność człowieka wobec żywiołów morza.

„Nekronom IV”

To straszny twór sławny artysta Inspiracją był Hans Rudolf Giger słynny film"Nieznajomy". Giger cierpiał na koszmary senne i wszystkie jego obrazy inspirowane były tymi wizjami.

„Oskórowanie Marcii”

Stworzony przez artystę tamtych czasów Włoski renesans Obecnie można oglądać obraz Tycjana „Oskórowanie Marsjasza”. Muzeum Narodowe w Kromeriz w Czechach. Dzieło sztuki przedstawia scenę z mitologia grecka, gdzie satyr Marsjasz zostaje obdarty ze skóry za to, że odważył się rzucić wyzwanie bogu Apollinowi.

"Krzyk"

Płacz jest najsłynniejszy obraz Norweski ekspresjonista Edvard Munch. Obraz przedstawia rozpaczliwie krzyczącego mężczyznę na tle krwistego nieba. Wiadomo, że inspiracją dla Krzyku był spokojny wieczorny spacer, podczas którego Munch był świadkiem krwistoczerwonego zachodzącego słońca.

„Smalec z Gallowgate”

Obraz ten to nic innego jak autoportret szkockiego autora Kena Currie, specjalizującego się w mrocznym, socrealistycznym malarstwie. Ulubionym tematem Curry'ego jest ponure życie miejskie szkockiej klasy robotniczej.

„Saturn pożerający swego syna”

Jedno z najbardziej znanych i złowrogich dzieł Artysta hiszpański Francisco Goya namalował go na ścianie swojego domu w latach 1820 - 1823. Na podstawie obrazu „Saturn pożera swego syna” grecki mit o Tytanie Chronosie (w Rzymie – Saturn), który obawiał się, że zostanie obalony przez jedno ze swoich dzieci i zjadł je zaraz po urodzeniu.

„Judyta zabijająca Holofernesa”

Egzekucję Holofernesa przedstawiali tak wielcy artyści, jak Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach Starszy i wielu innych. NA obraz Caravaggia, napisany w 1599 roku, przedstawia najbardziej dramatyczny moment tej historii – ścięcie.

"Koszmar"

Na corocznej wystawie po raz pierwszy pokazano obraz „Koszmar” szwajcarskiego malarza Heinricha Fuseli Królewska Akademia w Londynie w 1782 roku, gdzie zaszokował zarówno zwiedzających, jak i krytyków.

„Masakra niewinnych”

Ten wybitne dzieło sztuka Petera Paula Rubensa, składająca się z dwóch obrazów, powstała w 1612 roku, najprawdopodobniej będąca pod wpływem dzieł słynnego Włoski artysta Caravaggia.

Jeśli obrazy wydają się zbyt ponure, aby powiesić je w domu, możesz wykorzystać jeden z nich.

Tak myślisz arcydzieła artystyczne Czy można tworzyć za pomocą samych ołówków i farb? Te 10 współcześni artyści udowodnij, że każdy materiał pod pędzel talentu zamienia się w arcydzieło, a czasem nawet pędzel nie jest potrzebny – używa się najbardziej nieprzewidywalnych narzędzi. Niektóre prace zadziwiają realizmem, inne kunsztem autora, a jeszcze inne stworzone są w tak dziwny sposób, że nie mogą nie wprowadzać w dobry nastrój.

1. Winicjusz Quesada. „Blues zapisany krwią”

Brazylijczyk uwielbia szokować swoimi pracami: artysta tworzy swoje apokaliptyczne obrazy przy użyciu ludzkiej krwi i moczu. Na obrazach są tylko trzy kolory - żółty, niebieski i czerwony. Autor, w dosłownie Słowem, ożywia swoją pracę, ponieważ jako materiał wykorzystuje wyłącznie własną krew, wypuszczając 450 ml krwi co 2 miesiące.

2. Elżbieta Rogai. Obrazy, które z czasem stają się „lepsze”.

Elisabetta tworzy swoje obrazy przy użyciu dość wyrafinowanych materiałów – białego i czerwonego wina. Co więcej, wykorzystuje go nie jako źródło inspiracji, ale zamiast farb. Osobliwością jej twórczości jest to, że kolor farb na płótnie zmienia się w czasie, gdy wino starzeje się i nabiera nowych odcieni.

3. Tarinan von Anhalt (Sztuka odrzutowa). Sztuka odrzutowa księżniczki z Florydy

Amerykańska artystka tworzy swoje abstrakcyjne obrazy wykorzystując prądy powietrza silnik odrzutowy samolot. Klienci Tarinana płacą dużo pieniędzy za możliwość zobaczenia, jak artysta tworzy, ponieważ sam ten proces jest małym pokazem, w którym ryzyko życia jest niewielkie. Za stworzenie jednego abstrakcyjnego obrazu koneser kreatywności będzie musiał zapłacić co najmniej 50 tysięcy dolarów. Księżniczka wykorzystuje także technikę Jet Art do ozdabiania ubrań, co demonstruje na różnych pokazach mody.

4. Podwodne obrazy Ukraińscy artyści

Kreatywni ukraińscy nurkowie tworzą swoje prace na głębokościach od 2 do 20 metrów w wodach Morza Czarnego i Czerwonego. Artyści są bardzo zainspirowani pięknem podwodny świat co wymyślili nietypowy sposób uchwyć go zwykłą farbą i płótnem z wodoodpornym klejem. Cała grupa artyści co roku prezentują swoje obrazy na wystawach w Kijowie. Warto zauważyć, że z roku na rok liczba obserwujących rośnie, a „malowanie podwodne” staje się coraz bardziej popularne nie tylko wśród zawodowych nurków, ale także ludzi kreatywnych.

5. Natalia Irlandka. Zdjęcia z „miłością”

Artystka maluje pocałunkami, a materiałem jest zwykły papier. pomadka! Średnio na jedno malowanie potrzeba około pięciu tubek szminki i dzięki temu nowoczesne możliwości W branży kosmetycznej paleta malarstwa jest dość szeroka. Pierwszą pracą artystki był portret Marilyn Monroe – z tą aktorką Natalie kojarzy się czerwona szminka. Artystka przyznała, że tworzenie swoich obrazów nie jest łatwym zajęciem, gdyż trzeba systematycznie zostawiać na płótnie pocałunki według określonego wzoru, ciągle zmieniając skupienie wzroku. Jedno malowanie zajmuje co najmniej 3 godziny.

6. Otman Tom. Kreatywność „ze smakiem”, czyli jedzenie jako sztuka

Bagdadzki artysta łączy przyjemne z kreatywnym i do tworzenia swoich dzieł zamiast zwykłych farb używa lodów. Jego prace są podobne do rysunki akwarelowe, mają szeroką gamę bogatej kolorystyki. Artysta zawsze fotografuje swoje prace z resztek lodów i pędzli na płótnie, pokazując w ten sposób małą część procesu przekształcania swojego ulubionego deseru w sztukę.

7. Karen Eland. Reprodukcje światowych arcydzieł i kawy

Artystka tworzy obrazy przy użyciu zwykłego espresso. Karen radzi sobie nadzwyczajnie dokładne kopie znane obrazy, nadając im charakterystyczny akcent – filiżankę kawy. Kopie dzieł Matisse’a, Picassa i Da Vinci wyszły spod pędzla artysty tak realistycznie, że aż trudno uwierzyć, że powstały przy użyciu zwykłej kawy. Artystka przyznaje, że najbardziej kocha pracę w kawiarniach, gdyż panująca tam ciepła atmosfera jest dla niej niezwykle inspirująca.

8. Judyta Braun. „Palcówka” niezwykłej Amerykanki

Artystka tworzy misterne obrazy palcami i pyłem węglowym. Dokładnie ten kierunek twórczość artysty, który pracuje w różne techniki od ponad 30 lat cieszy się ogromnym zainteresowaniem, zwłaszcza serie „Procedury symetryczne” i „Diamentowy pył”. Sama Judith nie uważa swojej twórczości za sztukę w najczystszej postaci.

9. Kira Ayn Varszegi Kira Ayn Varszegi. Dlaczego pierś nie jest narzędziem do tworzenia obrazów?

Widocznie tak myślałem Amerykański artysta, która podczas malowania zamiast pędzli używa własnych piersi. Abstrakcyjne obrazy cieszą się dużym zainteresowaniem, a sama Kira jest popularna w Internecie. Na wystawach i nowoczesne galerie Twórcza artystka nie była jeszcze reprezentowana, ale jej obrazy w Internecie sprzedają się szybko i za dobre pieniądze.

10. Paolo Troilo. Monochromatyczne obrazy włoskiego artysty-samouka

Paolo Troilo miał udaną karierę biznesową, sam nauczył się malować, a w 2007 roku został uznany za najlepszego włoskiego twórcę. Mistrz maluje obrazy farby akrylowe bez pomocy jakichkolwiek narzędzi, tylko palców. Osobliwość jego obrazy są monochromatyczne, tajemnicze i realistyczne w pięknie męskiego ciała.

Są dzieła sztuki, które zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Inne wciągają w zamyślenie i poszukiwanie warstw znaczeń i sekretnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicą i mistyczne zagadki, inne zaś zaskakują wygórowanymi cenami.

Dokładnie przejrzeliśmy wszystkie główne osiągnięcia malarstwa światowego i wybraliśmy spośród nich dwa tuziny najbardziej dziwne obrazy. Salvador Dali, którego prace w całości wpisują się w format tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl, nie został uwzględniony w tym zbiorze celowo.

Jasne jest, że „dziwność” jest dość duża subiektywna koncepcja a każdy z nich ma swoje niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.

"Krzyk"

Edvard Munch. 1893, karton, olej, tempera, pastel.
Galeria Narodowa, Oslo.

„Krzyk” się liczy istotne wydarzenie ekspresjonizm i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał cztery wersje „Krzyku” i istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. Słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany, i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii powstania obrazu opowiadał Edvard Munch.

"Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"

Paul Gauguin. 1897-1898, olej na płótnie.
Muzeum sztuki piękne, Bostonie.

Zdaniem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania.

Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; V grupa końcowa według planu artysty „ staruszka, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwne biały ptak... reprezentuje daremność słów.”

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo: „Uważam, że ten obraz jest lepszy od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze pięć lat i tak się stało.

„Guernica”

Pablo Picasso. 1937, olej na płótnie.
Muzeum Reiny Sofii w Madrycie.

Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. „Czy ty to zrobiłeś?” - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc - w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już na pierwszych szkicach było widać główny pomysł. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkie okrucieństwo i smutek.

„Portret pary Arnolfinich”

Jana van Eycka. 1434, drewno, olej.
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż po podpis „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z obrazu nie tylko dzieło sztuki, ale także dokument historyczny potwierdzający realność wydarzenia na którym artysta był obecny.

Portret, rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

W Rosji w ciągu ostatnich kilku lat obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.
Państwo Galeria Trietiakowska, Moskwa.

„Ręce stawiają mu opór”

Billa Stonehama. 1972.

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.

Krążą legendy o obrazie przedstawiającym chłopca, lalkę i jego ręce przyciśnięte do szyby. Od „ludzie umierają z powodu tego zdjęcia” po „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i spekulacji wśród osób o słabej psychice.

Artysta zapewniał, że obraz przedstawia go w wieku pięciu lat, że drzwi są przedstawieniem linii podziału pomiędzy prawdziwy świat i świat snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smitha, który został wówczas po prostu zasypany listami od przerażające historie i żąda spalenia obrazu.

Malarstwo, jeśli nie liczyć realistów, zawsze było, jest i będzie dziwne. Metaforyczny, poszukujący nowych form i środków wyrazu. Ale niektóre dziwne obrazy są dziwniejsze od innych.

Niektóre dzieła sztuki zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite. Niektóre wciągają w zamyślenie i w poszukiwaniu warstw znaczeń, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi tajemnicami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i każdy ma swoje niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki. Na przykład dzieła Salvadora Dali, które całkowicie mieszczą się w formacie tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl, celowo nie zostały uwzględnione w tym wyborze.

Salvador Dali

„Młoda dziewica oddaje się grzechom Sodomy rogami własnej czystości”

1954

Edvard Munch „Krzyk”
1893, karton, olej, tempera, pastel. 91x73,5cm
Galeria Narodowa, Oslo

Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie w ekspresjonizmie i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

„Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę” – o historii obrazu opowiadał Edvard Munch.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest ukazane: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał 4 wersje „Krzyku”, istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd przybyliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”
1897-1898, olej na płótnie. 139,1 x 374,6 cm
Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego namalowany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Po ukończeniu pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo, ponieważ „Wierzę, że ten obraz nie tylko przewyższa wszystkie moje poprzednie i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze 5 lat i tak się stało.

Według samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z planem artysty, „stara kobieta, zbliżając się do śmierci, wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje bezużyteczność słów”.

Pablo Picasso „Guernica”
1937, olej na płótnie. 349 x 776 cm
Muzeum Reiny Sofii w Madrycie

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada historię nalotu jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało doszczętnie zniszczone. Obraz powstał dosłownie w miesiąc – w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował po 10-12 godzin i już w pierwszych szkicach można było dostrzec główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.

„Guernica” przedstawia sceny śmierci, przemocy, brutalności, cierpienia i bezradności, bez określenia ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa od razu zeszła na temat obrazu. – Zrobiłeś to? - „Nie, ty to zrobiłeś”.

Jan van Eyck „Portret pary Arnolfinich”
1434, drewno, olej. 81,8 x 59,7 cm
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn

Portret, rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami – aż do podpisu „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z niego nie tylko dzieło sztuki, ale także dokument historyczny potwierdzający prawdziwe wydarzenie, na którym artysta był obecny.

W Rosji ostatnie lata obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina

Michaił Vrubel „Siedzący demon”
1890, olej na płótnie. 114x211cm
Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny, długowłosy facet wcale nie przypomina powszechnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i żałobny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”.

To jest obraz siły dusza ludzka, wewnętrzna walka, wątpliwości. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony kwiatami. Kompozycja podkreśla sztywność sylwetki demona, jakby wciśniętego pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny”
1871, olej na płótnie. 127x197cm
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale malował wojny i bitwy nie dlatego, że je kochał. Wręcz przeciwnie, starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny. Któregoś dnia Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Więcej obrazy batalistyczne Nie będę pisać – to wszystko! Zbyt blisko serca biorę to, co piszę, płaczę (dosłownie) z żalu każdego rannego i zabitego.” Prawdopodobnie efektem tego krzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”, który przedstawia pole, wrony i góra ludzkich czaszek.

Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką leżącą na tym stosie zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy nigdy więcej tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”.

Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Jasne niebieskie niebo podkreśla martwotę obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Granta Wooda” amerykański gotyk"
1930, olej. 74x62cm
Instytut Sztuki w Chicago, Chicago

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w Sztuka amerykańska XX wiek, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.

Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staromodne stroje nawet jak na standardy z 1930 r., odsłonięty łokieć, szwy na ubraniu rolnika powtarzające kształt wideł, a zatem zagrożenie skierowane do wszystkich kto wkracza. Możesz patrzeć na te wszystkie szczegóły bez końca i wzdrygać się z dyskomfortu.

Co ciekawe, jurorzy konkursu w Art Institute of Chicago uznali „Gothic” za „humoryczną walentynkę”, a mieszkańcy Iowa byli strasznie oburzeni przez Wooda za ukazanie ich w tak nieprzyjemnym świetle.

Rene Magritte „Kochankowie”
1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są białym prześcieradłem, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, my ich nie widzimy prawdziwe twarze a my, a poza tym kochankowie, jesteśmy tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, gdyż rodzą pytania o samą istotę istnienia. Magritte zawsze mówi o zwodniczości tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie dostrzegamy.

Marc Chagall „Spacer”
1917, olej na płótnie
Państwowa Galeria Trietiakowska

Zwykle niezwykle poważny w swoim malarstwie, Marc Chagall napisał zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i miłości.

„Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ukochana wznosi się w przestworza i wkrótce wciągnie stojącego niepewnie na ziemi Chagalla do lotu, jakby dotykał jej jedynie czubkami butów. Chagall ma cycka w drugiej ręce - jest szczęśliwy, ma w rękach zarówno cycka (zapewne swój obraz), jak i ciasto na niebie.

Hieronim Bosch „Ogród” ziemskie przyjemności"
1500-1510, drewno, olej. 389 x 220 cm
Prado, Hiszpania

„Ogród rozkoszy ziemskich” to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęconej grzechowi zmysłowości. Do chwili obecnej żadna z dostępnych interpretacji obrazu nie została uznana za jedyną słuszną.

Niezmienny urok, a zarazem niezwykłość tryptyku polega na sposobie, w jaki artysta poprzez wiele szczegółów wyraża główną myśl. Obraz wypełniony jest przezroczystymi postaciami, fantastycznymi konstrukcjami, potworami, halucynacjami, które nabrały ciała, piekielnymi karykaturami rzeczywistości, na którą patrzy badawczym, niezwykle bystrym wzrokiem.

Część naukowców chciała zobaczyć w tryptyku przedstawienie życia ludzkiego przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemska miłość, inne - triumf zmysłowości. Jednak prostota i pewien dystans, z jakim interpretowane są poszczególne postacie, a także przychylny stosunek władz kościelnych do tego dzieła, budzą wątpliwości, czy jego treścią mogła być gloryfikacja przyjemności cielesnych.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety”
1905, olej na płótnie. 180x180cm
Galeria Narodowa Sztuka współczesna, Rzym

„Trzy wieki kobiety” są jednocześnie radosne i smutne. Historia życia kobiety zapisana jest w nim w trzech postaciach: beztroski, spokoju i rozpaczy. Młoda kobieta jest organicznie wpleciona w schemat życia, stara się z niego wyróżnia. Staje się kontrastem pomiędzy stylizowanym wizerunkiem młodej kobiety a naturalistycznym wizerunkiem starej kobiety znaczenie symboliczne: pierwsza faza życia niesie ze sobą nieskończone możliwości i metamorfozy, ostatnia – niezmienną stałość i konflikt z rzeczywistością.

Płótno nie odpuszcza, przenika do duszy i skłania do refleksji nad głębią przesłania artysty, a także głębią i nieuchronnością życia.

Egon Schiele „Rodzina”
1918, olej na płótnie. 152,5 x 162,5 cm
Galeria Belvedere w Wiedniu

Schiele był uczniem Klimta, ale jak każdy doskonały uczeń nie kopiował swojego nauczyciela, ale szukał czegoś nowego. Schiele jest o wiele bardziej tragiczny, dziwny i przerażający niż Gustav Klimt. W jego twórczości jest sporo tego, co można by nazwać pornografią, najróżniejszych wypaczeń, naturalizmu i zarazem bolesnej rozpaczy.

„Rodzina” – jego Ostatnia praca, w którym rozpacz dochodzi do skrajności, mimo że jest to jego najmniej dziwnie wyglądający obraz. Namalował go tuż przed śmiercią, po tym jak jego ciężarna żona Edith zmarła na hiszpańską grypę. Zmarł w wieku 28 lat, zaledwie trzy dni po Edytie, malując ją, siebie i ich nienarodzone dziecko.

Frida Kahlo „Dwie Fridy”
1939

Fabuła ciężkie życie Meksykański artysta Frida Kahlo stała się powszechnie znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek Wiodącą rolę. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.

Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee jej obrazów są zaszyfrowane w szczegółach, tle, postaciach pojawiających się obok Fridy. Symbolika Kahlo opiera się na tradycje narodowe i jest ściśle powiązany z mitologią indyjską z okresu przedhiszpańskiego.

W jednym z najlepsze obrazy- „Dwie Fridy” – wyraziła pierwiastki męskie i żeńskie, połączone w niej jednym układem krwionośnym, demonstrując jej integralność. Więcej informacji o Fridzie znajdziesz TUTAJ piękny ciekawy post

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”
1899, olej na płótnie
Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg

Oglądając obraz z bliskiej odległości, widz nie widzi nic poza płótnem, na którym często nakładane są grube pociągnięcia olejem. Cała magia dzieła ujawnia się, gdy stopniowo zaczynamy oddalać się od płótna.

Najpierw zaczynają pojawiać się przed nami niezrozumiałe półkola, przechodząc przez środek obrazu, następnie widzimy wyraźne kontury łodzi i oddalając się na odległość około dwóch metrów, wszystkie łączące je prace są ostro rysowane przed nas i ułożone w logiczny łańcuch.

Jackson Pollock „Numer 5, 1948”
1948, płyta pilśniowa, olej. 240x120cm

Dziwność tego obrazu polega na tym, że płótno amerykańskiego przywódcy abstrakcyjnego ekspresjonizmu, które namalował rozlewając farbę na rozłożony na podłodze kawałek płyty pilśniowej, jest najbardziej drogie malowanie na świecie. W 2006 roku na aukcji Sotheby's zapłacono za niego 140 milionów dolarów. David Giffen, producent filmowy i kolekcjoner, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi.

„Nadal odchodzę od zwykłych narzędzi artysty, takich jak sztaluga, paleta i pędzle. Preferuję patyczki, miarki, noże i nalewanie farby lub mieszanki farby i piasku, rozbite szkło albo coś innego. Kiedy jestem w obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Zrozumienie przychodzi później. Nie boję się zmian i zniszczenia obrazu, ponieważ obraz żyje własnym życiem własne życie. Po prostu jej pomagam. Ale jeśli stracę kontakt z obrazem, robi się brudny i niechlujny. Jeśli nie, to jest to czysta harmonia, łatwość brania i dawania.”

Joan Miró „Mężczyzna i kobieta przed stertą ekskrementów”
1935, miedź, olej, 23x32 cm
Fundacja Joana Miró, Hiszpania

Dobre imię. I kto by pomyślał, że to zdjęcie opowiada nam o okropnościach wojen domowych. Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku.

Zdaniem Mira, jest to wynik próby przedstawienia tragedii Wojna domowa w Hiszpanii. Miro powiedział, że jest to obraz o okresie niepokoju.

Obraz przedstawia mężczyznę i kobietę wyciągających ręce, by się objąć, ale bez ruchu. Powiększone genitalia i złowieszczy kolor zostały opisane jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

Jacek Yerka „Erozja”

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swoich niesamowitych obrazów, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają”
1972

Dzieła tego oczywiście trudno uznać za arcydzieło malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwne, jest faktem.

Artysta twierdził, że obraz przedstawiał go w wieku pięciu lat, drzwi przedstawiały linię oddzielającą świat rzeczywisty od świata snów, a lalka była przewodnikiem, który mógł przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”.

„Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który został wówczas po prostu zasypany listami ze strasznymi historiami o tym, jak pojawiały się halucynacje, ludzie naprawdę oszaleli na widok dzieła i domagali się spalenia obrazu

Malarstwo, jeśli nie liczyć realistów, zawsze było, jest i będzie dziwne. Ale niektóre obrazy są dziwniejsze od innych.

Są dzieła sztuki, które zdają się uderzać widza w głowę, oszałamiające i niesamowite.

Inne wciągają w zamyślenie i poszukiwanie warstw znaczeń i sekretnej symboliki. Niektóre obrazy owiane są tajemnicami i mistycznymi zagadkami, inne zaskakują wygórowanymi cenami.

Jasna strona dokładnie przejrzał wszystkie główne osiągnięcia malarstwa światowego i wybrał spośród nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. Celowo nie uwzględniliśmy w tym zbiorze Salvadora Dali, którego prace całkowicie wpisują się w format tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl.

Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i każdy ma swoje własne niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.

"Krzyk"

Edvard Munch. 1893, karton, olej, tempera, pastel.

Galeria Narodowa, Oslo.

Portret, rzekomo przedstawiający Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żonę, jest jednym z najbardziej skomplikowanych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.

W Rosji w ciągu ostatnich kilku lat obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.

„Siedzący demon”

Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Jego smutne spojrzenie wcale nie przypomina uniwersalnego ludzkiego wyobrażenia o tym, jak powinien wyglądać zły duch.

To obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, zwątpienia. Demon, tragicznie załamując ręce, siedzi otoczony kwiatami i patrzy w dal. Kompozycja podkreśla szczelność jego sylwetki, jakby wciśniętej pomiędzy górną i dolną poprzeczkę kadru.

Sam artysta tak opowiadał o swoim najsłynniejszym obrazie: „Demon to nie tyle duch zły, co cierpiący i bolesny, a jednocześnie duch potężny, majestatyczny”.

„Apoteoza wojny”

Wasilij Wierieszczagin. 1871, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie.

Metafora wojny w filmie została przez autora oddana tak trafnie i głęboko, że za każdą leżącą na tym stosie czaszką zaczynamy widzieć ludzi, ich losy oraz losy tych, którzy już nigdy tych ludzi nie zobaczą. Sam Vereshchagin sarkastycznie nazwał płótno „martwą naturą” - przedstawia „martwą naturę”. Wszystkie szczegóły obrazu, w tym żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie. Czyste, błękitne niebo podkreśla martwość obrazu. Ideę „Apoteozy wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach na czaszkach.

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy batalistycznych, ale malował wojny i bitwy nie dlatego, że widział w nich piękno i wielkość. Wręcz przeciwnie, artysta starał się przekazać ludziom swój negatywny stosunek do wojny.

Któregoś dnia Wierieszczagin w ogniu wzruszenia wykrzyknął: „Nie będę już malował obrazów batalistycznych - to wszystko! Zbyt mocno biorę to, co piszę, płaczę (dosłownie) z powodu żalu każdego rannego i zabity." Prawdopodobnie efektem tego okrzyku był straszny i urzekający obraz „Apoteoza wojny”.

"Amerykański gotyk"

Granta Wooda. 1930, olej. 74 x 62 cm.

Instytut Sztuki w Chicago, Chicago.

Obraz z ponurymi wizerunkami ojca i córki jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi. Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, staromodne stroje nawet jak na standardy z 1930 r., szwy na ubraniach rolnika powtarzające kształt wideł, jako symbol zagrożenia kierowanego do każdego, kto się wkroczy. Płótno jest pełne ponurych szczegółów, które sprawiają, że wzdrygasz się z dyskomfortu.

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów sztuki amerykańskiej XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku.

"Zakochani"

Rene Magritte’a. 1928, olej na płótnie.

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) występuje w dwóch wersjach. Na jednym płótnie mężczyzna i kobieta, których głowy owinięte są w białe płótno, całują się, a na drugim „patrzą” na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje.

Za pomocą dwóch postaci bez twarzy Magritte przekazał ideę ślepoty miłości. O ślepocie pod każdym względem: kochankowie nikogo nie widzą, nie widzimy ich prawdziwego oblicza, a poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie nawzajem. Ale pomimo tej pozornej jasności, nadal patrzymy na kochanków Magritte'a i myślimy o nich.

"Chodzić"

Marka Chagalla. 1917, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska.

Historia trudnego życia meksykańskiej artystki Fridy Kahlo stała się szeroko znana po premierze filmu „Frida” z Salmą Hayek w roli głównej. Kahlo malowała głównie autoportrety i wyjaśniała to prosto: „Maluję siebie, ponieważ spędzam dużo czasu samotnie i ponieważ jestem tematem, który znam najlepiej”.

Na żadnym autoportrecie Frida Kahlo się nie uśmiecha: twarz poważna, wręcz żałobna, zrośnięte, grube brwi, ledwo zauważalny wąs nad mocno zaciśniętymi ustami. Idee artysty są zaszyfrowane w szczegółach, tle i figurach, które pojawiają się obok wizerunku autora na płótnach. Symbolika Kahlo opiera się na tradycjach narodowych i jest ściśle związana z mitologią indyjską okresu przedhiszpańskiego.

W jednym ze swoich najlepszych obrazów „Dwie Fridy” wyraziła męskość i kobiecy, połączone w nim jednym układem krążenia i wykazujące jego integralność.

„Most Waterloo. Efekt mgły”

Claude Monet. 1899, olej na płótnie.
Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu.

Dobre imię. I kto by pomyślał, że ta praca opowiada nam o okropnościach wojen domowych.

Obraz wykonano na blasze miedzianej w tygodniu od 15 do 22 października 1935 roku. Zdaniem Miro jest to wynik próby ukazania tragedii hiszpańskiej wojny domowej, obrazu okresu niepokojów. Płótno przedstawia postacie mężczyzny i kobiety, które wyciągają ręce, by się objąć, ale się nie poruszają. Powiększone genitalia i złowrogie kolory autorka określiła jako „pełne wstrętu i obrzydliwej seksualności”.

"Erozja"

Polski neosurrealista znany jest na całym świecie ze swoich niesamowitych obrazów, w których rzeczywistości łączą się, tworząc nowe. Trudno rozpatrywać pojedynczo jego niezwykle szczegółowe i w pewnym stopniu wzruszające prace, ale taki jest format naszego materiału. Zalecamy przeczytanie.

„Ręce stawiają mu opór”

Billa Stonehama. 1972.

Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł malarstwa światowego, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.

Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. Obraz „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który następnie został zasypany listami zawierającymi przerażające historie i żądaniami spalenia obrazu.